Uno de los nombres del campo de Gauguin. Breve biografía de Paul Gauguin. Gauguin está contento con su “Casa de los Placeres” y su independencia. “Sólo me gustaría tener dos años de salud y no demasiadas preocupaciones económicas que siempre me atormentan...” - escribió el artista

Detalles Categoría: Bellas artes y arquitectura del siglo XIX Publicado el 03/08/2017 15:08 Vistas: 1575

Gauguin no era un artista profesional; empezó a pintar como aficionado. Sin embargo, más tarde se convirtió en el mayor representante del postimpresionismo.

P. Gauguin “Van Gogh y los girasoles” (1888)
Una infancia transcurrida en Perú hizo que Gauguin ansiara lugares exóticos. El artista consideraba la civilización como una enfermedad. Quería fusionarse con la naturaleza, por eso en 1891 partió hacia Tahití (Polinesia Francesa) y escribió mucho aquí. De corta duración, durante 2 años, regreso a Francia, y de nuevo salida (para siempre) a Oceanía: primero a Tahití, y desde 1901 a la isla de Hiva Oa (Islas Marquesas). Aquí se casa con una joven tahitiana y trabaja: escribe lo mejor pinturas, historias, trabaja como periodista. Observaciones sobre vida real y la vida de los pueblos de Oceanía, se entrelaza con los mitos locales.
Aquí murió Paul Gauguin en 1903.

Obras de Paul Gauguin

La fama llegó a Gauguin después de su muerte. Veamos algunas de sus obras.

P. Gauguin “Calvario Bretón” (“Cristo Verde”) (1889). Óleo sobre lienzo. 73,5 x 92 cm. Museo Real de Bellas Artes (Bruselas)
En las cercanías de Pont-Aven, Gauguin veía a menudo antiguos crucifijos de piedra. Estaban cubiertos de musgo. La pintura fue creada por él bajo la impresión de estos ídolos antiguos.

P. Gauguin “Mujer con flor” (1891). Óleo sobre lienzo. 70,5 x 46,5 cm. Nueva Carlsberg Glyptotek (Copenhague)
Esta pintura fue creada por un artista en Tahití y es la primera de las pinturas del ciclo tahitiano. Él mismo describió la historia de su creación. La mujer es vecina de Gauguin, acudió a él interesada por los cuadros de la pared (reproducciones de cuadros de Manet y otros artistas). Aprovechó esta visita para dibujar un retrato de una mujer tahitiana, pero ella se escapó. Una hora más tarde regresó vestida vestido elegante y con una flor en el pelo. No cumplía con los estándares europeos, pero Gauguin vio en sus rasgos una armonía rafaeliana.
El fondo amarillo y rojo del retrato está decorado con flores estilizadas. La flor del pelo de la mujer es una gardenia de Tahití. Esta flor también se utiliza para elaborar perfumes.

P. Gauguin “El espíritu de los muertos no duerme” (1892). Óleo sobre lienzo. 72,4 x 92,4 cm. Galería de arte Albright-Knox (Buffalo, Nueva York)
La pintura también pertenece al ciclo tahitiano. Mezclar ficción con realidad era característico de la cultura tahitiana. La joven está basada en Tehura, la joven esposa tahitiana de Gauguin. El espíritu se representa como una mujer corriente. El fondo violeta sombrío del cuadro crea una atmósfera mística.
El lienzo fue creado como resultado de un hecho real: Gauguin se retrasó en su camino hasta que oscureció. Tehura lo estaba esperando, pero se acabó el aceite de la lámpara y ella yació en la oscuridad. Al entrar en la casa, encendió una cerilla, lo que la asustó mucho: lo confundió con un fantasma. Los tahitianos tenían mucho miedo a los fantasmas. Gauguin representó al fantasma en la forma de una mujer corriente, porque... Los tahitianos que no habían leído libros y no habían ido al teatro sólo podían tomar una idea de ellos de la vida real.

P. Gauguin “Oh, ¿estás celoso?” (1892). Óleo sobre lienzo. 66x89cm. Museo Estatal Bellas Artes que lleva el nombre. COMO. Pushkin (Moscú)
La pintura fue pintada durante el período polinesio de la obra de Gauguin. Está basado en una escena de la vida, que luego describió en el libro “Noa Noa”: “Hay dos hermanas en la orilla. Acaban de nadar y ahora sus cuerpos están tendidos en la arena en poses voluptuosas e informales, hablando del amor de ayer y del que vendrá mañana. Un recuerdo causa discordia: “¿Cómo? ¡Estás celoso!

P. Gauguin “Mujer sosteniendo una fruta” (1893). Óleo sobre lienzo. 92,5x73,5cm. Museo Estatal del Hermitage(San Petersburgo)
La pintura representa un pueblo tahitiano. Se ven dos sencillas cabañas con techo de paja. En primer plano del cuadro hay una joven tahitiana que sostiene en sus manos un mango de color verde limón. Su rostro es serio y expresivo, su mirada atenta. Se cree que la joven esposa de Gauguin, Tahitian Tehura, le sirvió de modelo.
El paisaje tahitiano se muestra de forma generalizada: no hay rayos de sol o las vibraciones del aire, pero el calor del sol tropical se siente en el color de la piel de la mujer, y en el azul del cielo, y en la quietud de las ramas. La mujer parece ser una parte integral de la naturaleza.

P. Gauguin “Nunca más” (1897). Óleo sobre lienzo. Instituto de Arte Courtauld (Londres)
La pintura es una de las más famosas de Paul Gauguin, pintada en Tahití.
Una chica tahitiana desnuda yace en una cama rica. Parece estar escuchando atentamente algo. Al fondo se ve una puerta, y en ella hay dos personas hablando. Cerca hay un pájaro negro que parece un cuervo.
La combinación de colores de la imagen es sombría, por lo que la imagen es alarmante. Y la mujer acostada en la cama parece alarmada: mira al cuervo o a los que conversan en la habitación de al lado. Pinceladas gruesas, colores brillantes y expresivos anticipan el expresionismo.

P. Gauguin “¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898). Óleo sobre lienzo. 131,1 x 374,6 cm. Museo de Bellas Artes (Boston, EE.UU.)
Esta es una de las pinturas más famosas de Paul Gauguin. El artista consideró esta obra como la culminación sublime de sus pensamientos.
Tras finalizar este cuadro, Gauguin decidió suicidarse. Gauguin llegó a Tahití en 1891 con la esperanza de encontrar un paraíso en la tierra, al margen de la civilización, donde poder aprender los fundamentos del arte primitivo. Pero la realidad lo decepcionó.
Indicó que el cuadro debe leerse de derecha a izquierda: tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. Tres mujeres con un niño representan el comienzo de la vida; grupo medio simboliza la existencia diaria de la madurez; en el grupo final, según el plan del artista, “ anciana, acercándose a la muerte, parece reconciliada y entregada a sus pensamientos”, a sus pies “una extraña pájaro blanco...representa la inutilidad de las palabras.” El ídolo azul del fondo representa el "otro mundo". Sobre la integridad del cuadro, dijo lo siguiente: “Creo que este cuadro no solo supera a todos mis anteriores, y que nunca crearé algo mejor o incluso similar”.
La pintura fue realizada en estilo postimpresionista. El claro uso de colores y trazos gruesos todavía ilustra los principios del impresionismo, pero la emotividad y el poder del expresionismo también son evidentes.

Eugène Henri Paul Gauguin - Pintor, escultor, ceramista y artista gráfico francés. Junto a Cézanne y Van Gogh fue el mayor representante postimpresionismo. Principios de la década de 1870 A los años empezó a pintar como aficionado. Período temprano La creatividad está asociada con impresionismo. Desde 1880 Participó en exposiciones impresionistas. CON 1883 artista profesional.

Tanto en la vida como en la obra de Gauguin, todo es descaradamente inusual, todo es confuso, contradictorio, todo es brillante, colorido, todo está impregnado del espíritu de protesta contra las normas habituales y establecidas, contra una existencia tranquila y serena.

La vida de Gauguin, llena de vicisitudes, demostró que creía profundamente en todo lo que predicaba. Por eso, cada acontecimiento de su vida, cada palabra pronunciada por el artista en una ocasión u otra adquiere un significado especial.

Para entender al artista y sus pinturas, volvamos a su biografía.

Gauguin. París. Invierno de 1891

ACERCA DEL ARTISTA

Paul Gauguin nació en 1848. Su padre era periodista y su madre provenía de una familia peruana adinerada. Hasta los siete años, Paul vivió con la familia de su madre en Perú.

En 1855, cuando Paul tenía 7 años, él y su madre regresaron a Francia y se establecieron en Orleans con su abuelo. Gauguin aprendió rápidamente francés y comenzó a sobresalir en educación. A los 20 años va a servir en la marina durante 2 años. En 1871, Gauguin regresó a París, donde obtuvo el puesto de corredor de bolsa.

Mette y Paul Gauguin. Copenhague, 1885

A principios de 1873, Gauguin conoció a una joven danesa, Matt-Sophie Gad, que llegó a Francia de vacaciones y se casó con ella. La esposa considera que el entretenimiento de su marido es el pasatiempo más inofensivo.La pareja tuvo cinco hijos.

Durante los siguientes diez años, la posición de Gauguin en la sociedad se fortaleció. Consiguió una casa cómoda en las afueras de París y su amada esposa le dio cinco hijos. EN tiempo libre Gauguin dedica mucho tiempo a su afición: la pintura. Todo empezó coleccionando cuadros y luego Gauguin empezó a intentar pintarse él mismo.

Gauguin había estado interesado en el dibujo desde la infancia, pero fue sólo después de conocer al pintor impresionista Camille Pissarro, quien a su vez presentó a Gauguin a otros artistas, que comenzó a pintar regularmente y finalmente expuso en las exposiciones impresionistas de 1881 y 1882.

En 1884, Gauguin se mudó con su familia a Copenhague, donde continuó trabajando como corredor. Sin embargo, habiendo comenzado a pintar a tiempo completo, Paul dejó a su esposa y cinco hijos en Dinamarca y regresó a París en 1885.

Gauguin y sus hijos Emil y Alina.

Mette, la esposa de Gauguin, con sus hijos.

El sentimiento de pérdida total, la incapacidad de superar el ambiente hostil que lo rodea, se ve agravado aún más por la actitud de su esposa y familiares.

“...Hace ya seis meses que no hablo”, escribe, “el aislamiento es el más completo, es natural que para la familia sea un monstruo que no gana dinero... y Estoy sujeto a reproches, naturalmente, en relación con la pintura, por lo que no soy un financiero famoso."

Pero Matt no pudo entender a su marido cuando decidió dedicarse por completo al arte. El matrimonio entre ellos se había roto efectivamente en 1885, lo que no detuvo a Matt. por mucho tiempo(al menos hasta 1892) ayudar a Paul a exhibir y ser su agente en Dinamarca

A partir de este momento comienzan sus andanzas por el mundo.

Desde pequeño, que pasó en Perú (en la tierra natal de su madre), anhelaba lugares exóticos y consideraba la civilización una "enfermedad". Gauguin, deseoso de "fusionarse con la naturaleza", partió hacia Tahití en 1891, donde vivió en Papeete y donde en 1892 pinta hasta 80 lienzos.

Aquí pintó no sólo cuadros, sino también libros y creó esculturas únicas. Gauguin escribió: “Coloco esculturas por todas partes sobre la hierba. Esto es arcilla cubierta de cera. En primer lugar, desnuda. figura femenina, luego un magnífico león de fantasía jugando con su cachorro. Los nativos, que nunca han visto un depredador, están completamente atónitos".

Vio que los habitantes de las islas todavía tenían muchos hábitos bárbaros y no del todo agradables, vio cuántos vicios nuevos inculcaron los europeos que navegaron aquí en estos pueblos ingenuos. Pero una y otra vez él mismo recreaba el paraíso que un día le había cautivado, él mismo construyó su propia casa de placer.

Su wahina (amada) oficial era ahora Marie-Rose Waeoho, de catorce años, pero además de ella, muchas chicas locales venían a su casa.

Autorretrato con "Cristo Amarillo". 1890

Después de un breve regreso a Francia (1893-1895), debido a una enfermedad y falta de fondos, se fue para siempre a Oceanía, primero a Tahití y desde 1901 a la isla de Hiva Oa (Islas Marquesas), donde llevó a un joven tahitiano. mujer como su esposa y trabajando a pleno rendimiento.

La casa de Gauguin

En el segundo piso había un pequeño dormitorio a la izquierda y un espacioso taller a la derecha. La puerta estaba rodeada de paneles de madera tallada y pintada. Desde la ventana del taller, Gauguin utilizó una caña de pescar para sacar una jarra de agua del pozo.

La casa de Gauguin en Punaauia y una estatua de una mujer desnuda. Foto

El modelo favorito de Gauguin no era Waeoho, con quien vivía, sino la pelirroja Tohotaua de la vecina isla de Tahuata. Es curioso que debido a la antigua mezcla de razas, no sólo en las Islas Marquesas, sino también en otras partes de la Polinesia, en el momento de su descubrimiento por los europeos, había muchos nativos pelirrojos. Y desde que la gente recordaba, siempre hubo personas pelirrojas en el clan Tohotahua. En particular, posó para el interesante cuadro de Gauguin “Cuentos bárbaros”.

Aquí Gauguin pasará el último año y medio de su vida. Se dedica a la pintura y la escultura, sigue trabajando como periodista, escribe relatos, entra en continuos conflictos con las autoridades y representantes de la misión católica y poco a poco va perdiendo fuerza.

A pesar de la enfermedad, la pobreza y la depresión, que lo llevaron a intentar suicidarse, Gauguin escribió allí sus mejores obras. Las observaciones de la vida real y el modo de vida de los pueblos de Oceanía se entrelazan con los mitos locales.

Sobre grandes lienzos planos crea composiciones estáticas y contrastantes de color, profundamente emocionales y al mismo tiempo decorativas.

Al representar la exuberante belleza de la naturaleza tropical, personas naturales intactas por la civilización, el artista buscó encarnar el sueño utópico de un paraíso terrenal, de la vida humana en armonía con la naturaleza.

En una de sus últimas cartas a un amigo, decía: “Estoy derrotado, pero aún no. ¿Está derrotado un indio que sonríe bajo la tortura? ¿De verdad que los salvajes son mejores que nosotros? Me equivoqué y no soy un salvaje. No, es así: soy un salvaje. La gente civilizada lo siente, porque en mis obras es precisamente este “salvajismo involuntario” lo que me sorprende y desconcierta.

El 8 de mayo de 1903, tras varios días de sufrimiento físico y moral, murió Paul Gauguin. Los nativos que acudieron a la casa del artista lloraron sobre su cuerpo: “Gauguin está muerto, estamos perdidos”.

Paul Gauguin resumió mejor que nadie su destino y su obra: “Yo gran artista y lo sé porque es así. He pasado por mucho. Mi centro creativo ubicado en el cerebro y no en otra parte. Soy fuerte porque nadie en ningún lugar me ha desviado del camino que he elegido y permanezco fiel a lo que hay en mí."

Autorretrato con gafas. 1903

La fama llegó al artista después de su muerte, cuando 227 de sus obras fueron expuestas en París en 1906.

Los logros técnicos de Gauguin, una nueva comprensión del color, una atención especial al dibujo que resalta los contornos, la relación entre color y diseño, color y línea, el deseo de maximizar y al mismo tiempo simplificar estos elementos, los efectos decorativos de una imagen plana, y, lo más importante, la completa subordinación del lenguaje pictórico al significado de lo representado: todo esto ha quedado firmemente establecido en el arte del siglo XX.

Ramo y niños tahitianos.

¿No estás celoso?

retrato de marie derien

Paisaje de Tahití.

Dos chicas.

Dos tahitianos.

Día de los Santos.

El espíritu de los muertos no duerme.

Gauguin escribió “El espíritu de los muertos nunca duerme” en 1892, en un pueblo remoto de la isla de Tahití. Esta pintura muestra la mezcla característica del artista de ficción y realidad, cuando las leyendas antiguas están estrechamente entrelazadas con la vida de los tahitianos.

La joven está basada en Tehura, la joven esposa tahitiana de Gauguin. El espíritu se representa como una mujercita corriente. El fondo violeta sombrío de la imagen crea la atmósfera adecuada.

Mujer sosteniendo una fruta.

Tahitiano con mango.

Mujeres de Tahití en la playa.

El interés por Gauguin aumentaba año tras año. Se le dedicaron artículos y estudios. Museos y grandes colecciones adquirieron sus pinturas y el “precio de mercado” siguió aumentando.

Este precio se disparó especialmente en diciembre de 1942, cuando el cuadro de Gauguin "Dos figuras sobre una roca", pintado en 1889, se vendió por 1.100 mil francos, y en 1956, "Campesino con un perro" se valoró en 18.500 mil francos.

Naturaleza muerta con manzanas Paul Gauguin

Hasta ese momento, ningún cuadro vendido en subasta había superado los cien millones de francos. Pero el 14 de junio de 1957, el "Naturaleza muerta con manzanas" de Gauguin cruzó esta línea: el armador griego Vasilis Goulandris lo compró por 104 millones de francos.

Posteriormente, el 25 de noviembre de 1959, se pintó el cuadro tahitiano "¿Estás esperando una carta?" fue valorado en Londres en 130 mil libras esterlinas, o sea unos ciento ochenta millones de francos.

Así, Gauguin, junto con Cézanne y Van Gogh, era uno de los tres artistas mejor “valorados” del mundo. Cualquier boceto del mismo se arranca de las manos de cada uno. En junio de 1957, una de sus cartas fue vendida en el hotel Drouot por 600.000 francos. ¿Qué estaba escrito en esta carta? Y esto es lo que: "Ahora estoy derrotado, derrotado por la pobreza..."

Imagen. ¿Cuándo es la boda?

El cuadro “¿Cuándo es la boda?” Fue pintado en 1892, cuando Gauguin llevó a su esposa tahitiana, Tehaamana,él la llamó Tehura; entonces tenía 13 años.. La boda tradicional fue organizada por los familiares de Tehaamana, para quienes casarse con un hombre blanco era un gran honor. Tehaamana fue el modelo de muchas de las pinturas de Gauguin de su primer período tahitiano.La pintura era bastante típica de la imagen de Tahití en Occidente; sin embargo, tales pinturas permitieron a Gauguin recibir dinero de sus amigos.

Pintura de Paul Gauguin. , escrito por el artista en Tahití en 1892. Perteneció a la familia durante medio siglo. Rudolf Stechlin, exhibido enMuseo de Arte de Basilea. En 2015 la pintura fue vendidadepartamento del museo Qatar por una cifra récord de 300 millones de dólares.

Hija de Gauguin y Tehura

El controvertido personaje del artista postimpresionista francés Paul Gauguin y su inusual destino crearon un especial nueva realidad en sus obras, donde el color juega un papel dominante. A diferencia de los impresionistas, que daban importancia a las sombras, el artista transmitió sus pensamientos a través de una composición sobria, un contorno claro de figuras y combinación de colores. El maximalismo de Gauguin, su rechazo a la civilización europea y la moderación, un mayor interés por las culturas insulares ajenas a Europa. Sudamerica, la introducción del nuevo concepto de "sintetismo" y el deseo de encontrar una sensación de paraíso en la tierra permitieron al artista ocupar su lugar especial en el mundo del arte de finales del siglo XIX.

De la civilización a los países de ultramar

Paul Gauguin nació el 7 de junio de 1848 en París. sus padres eran periodista francés, partidaria del republicanismo radical y madre de ascendencia franco-peruana. Después de un fallido golpe revolucionario, la familia se vio obligada a mudarse con los padres de su madre en Perú. El padre del artista murió de un infarto durante el viaje y la familia de Paul vivió en Sudamérica durante siete años.

Al regresar a Francia, los Gauguin se establecieron en Orleans. Paul rápidamente se cansó de la vida corriente de una ciudad de provincias. Sus rasgos de carácter aventurero lo llevaron a un barco mercante y luego al ejército. marina de guerra, en el que Paul visitó Brasil, Panamá y las islas de Oceanía, continuó sus viajes desde el Mediterráneo hasta el Círculo Polar Ártico hasta que dejó el servicio. En este momento futuro artista Se quedó solo, su madre murió, Gustave Aroz asumió su tutela y le consiguió un trabajo en una empresa de bolsa. Un ingreso digno y el éxito en un nuevo campo deberían haber predeterminado la vida de un burgués rico durante muchos años.

Familia o creatividad

Al mismo tiempo, Gauguin conoció a la institutriz Mette-Sophia Gard, que acompañaba a la rica heredera danesa. La figura curvilínea de la institutriz, su determinación, su rostro risueño y su forma de hablar sin timidez deliberada cautivaron a Gauguin. Metta-Sophia Gad no se distinguía por la sensualidad, no reconocía la coquetería, se comportaba con libertad y se expresaba directamente, lo que la distinguía de otros jóvenes. Esto repelió a muchos hombres, pero por el contrario cautivó al soñador Gauguin. En su confianza vio un personaje original y la presencia de la chica alejó la soledad que lo atormentaba. Metta le parecía una patrona en cuyos brazos podía sentirse tan tranquilo como un niño. La oferta del rico Gauguin liberó a Mette de la necesidad de pensar en su pan de cada día. El 22 de noviembre de 1873 se celebró el matrimonio. Este matrimonio produjo cinco hijos: una niña y cuatro niños. Paul nombró a su hija y a su segundo hijo en honor a sus padres: Clovis y Alina.

¿Podría haber pensado la joven esposa que su vida rica y respetable se vería arruinada por el inocente pincel de un artista en manos de su marido, quien en uno de los dias de invierno le anunciará que a partir de ahora solo se dedicará a pintar y que ella y sus hijos se verán obligados a regresar con sus familiares en Dinamarca.

Del impresionismo al sintetismo

Para Gauguin, la pintura era el camino hacia la liberación, la bolsa de valores era irrevocablemente tiempo perdido. Sólo en la creatividad, sin perder el tiempo en odiadas responsabilidades, podría ser él mismo. Al llegar a un punto crítico, al abandonar la bolsa de valores, lo que le reportó buenos ingresos, Gauguin se convenció de que todo estaba lejos de ser tan simple. Los ahorros se desvanecieron, las pinturas no se vendieron, pero el regreso al trabajo en la bolsa de valores y el abandono de la nueva libertad horrorizaron a Gauguin.

Inseguro, a tientas, moviéndose a ciegas, Gauguin intentó captar el mundo de colores y formas que bullía en su interior. Bajo la influencia de Manet, pintó varias naturalezas muertas en esta época y creó una serie de obras sobre el tema de la costa de Bretaña. Pero la atracción de la civilización lo obliga a ir a Martinica, participar en la construcción del Canal de Panamá y recuperarse de la fiebre de los pantanos en las Antillas.

Las obras del período insular se vuelven inusualmente coloridas, brillantes y no encajan en los cánones del impresionismo. Más tarde, al llegar a Francia, Gauguin unió a los artistas en Pont-Aven en la escuela del "sintético del color", que se caracterizaba por la simplificación y generalización de las formas: el contorno de una línea oscura se llenaba con una mancha de color. Este método dio a las obras expresividad y al mismo tiempo decoratividad, haciéndolas muy brillantes. Así se escribieron “Jacob luchando con el ángel” y “El café de Arlés” (1888). Todo esto era significativamente diferente del juego de sombras, el juego de luces que se abre paso a través del follaje, los reflejos en el agua, todas esas técnicas tan características de los impresionistas.

Tras el fracaso de la exposición de impresionistas y "sintéticos", Gauguin abandona Francia y se dirige a Oceanía. Las islas de Tahití y Dominic correspondían plenamente a su sueño de un mundo sin signos. civilización europea. Numerosas obras de este período se distinguen por la claridad solar abierta, que transmite los ricos colores de la Polinesia. Las técnicas para estilizar figuras estáticas en el plano de color convierten las composiciones en paneles decorativos. El deseo de vivir según las leyes del hombre primitivo, sin la influencia de la civilización, fue frenado por un regreso forzoso a Francia debido a su mala salud física.

amistad fatal

Gauguin pasa algún tiempo en París, Bretaña, y se queda con Van Gogh en Arles, donde ocurre un trágico incidente. Los entusiastas admiradores de Gauguin en Bretaña, sin saberlo, le dieron al artista la oportunidad de tratar a Van Gogh desde la posición de un maestro. La exaltación de Van Gogh y el maximalismo de Gauguin provocaron serios escándalos entre ellos, durante uno de los cuales Van Gogh se abalanza sobre Gauguin con un cuchillo y luego le corta parte de la oreja. Este episodio obliga a Gauguin a abandonar Arles y al cabo de un tiempo regresar a Tahití.

Buscando el cielo en la tierra

Una cabaña con techo de paja, un pueblo remoto y una paleta brillante en las obras, que refleja la naturaleza tropical: mar, vegetación, sol. Los lienzos de esta época representan a la joven esposa de Gauguin, Tehura, a quien sus padres voluntariamente entregaron en matrimonio a la edad de trece años.

La constante falta de dinero, los problemas de salud y una grave enfermedad venérea provocada por las relaciones promiscuas con chicas locales obligaron a Gauguin a regresar a Francia nuevamente. Habiendo recibido una herencia, el artista regresó nuevamente a Tahití y luego a la isla de Hiva Oa, donde en mayo de 1903 murió de un infarto.

Tres semanas después de la muerte de Gauguin, su propiedad fue inventariada y subastada por casi nada. Cierto “experto” de la capital de Tahití simplemente tiró a la basura algunos de los dibujos y acuarelas. El resto de las obras fueron compradas en subasta por oficiales navales. La obra más cara, “La maternidad”, se vendió por ciento cincuenta francos, y el tasador generalmente mostraba “El pueblo bretón en la nieve” al revés, dándole el nombre… “Cataratas del Niágara”.

Post-imresionista e innovador del sintetismo

Junto con Cézanne, Seurat y Van Gogh, Gauguin es considerado el mayor maestro del postimpresionismo. Tras absorber sus lecciones, creó su propio lenguaje artístico único y lo introdujo en la historia. pintura moderna Rechazo del naturalismo tradicional, tomando como punto de partida símbolos abstractos y figuras de la naturaleza, enfatizando tejidos de colores llamativos y misteriosos dentro de un marco lineal.

Al escribir el artículo, se utilizó la siguiente literatura:
“Enciclopedia ilustrada de la pintura mundial”, compilada por E.V. ivanova
“Enciclopedia del impresionismo y postimpresionismo”, compilada por T.G. Petrovets
“La vida de Gauguin”, A. Perruch

Marina Staskevich

Las obras maestras de las bellas artes, en particular, son un reflejo del camino de una persona, la encarnación de un sentimiento que no se puede describir con palabras. Quizás se esconde en ellos un significado más profundo y fundamental. Paul Gauguin, un cazador de secretos y, como lo llamaban, el famoso "creador de mitos", intentó encontrarlo.

Paul Gauguin fue el indicado personalidad creativa que aprende cosas nuevas sobre la marcha, educándose constantemente. Pero él percibió lo que vio a su manera, inconscientemente lo introdujo en su mundo artístico y lo combinó con otras partes. Creó un mundo de sus propias fantasías y pensamientos, creó su propia mitología. Gauguin, que comenzó como artista autodidacta, recibió la influencia de la escuela de Barbizon, los impresionistas, los simbolistas y los artistas individuales con los que el destino lo encontró. Pero, habiendo dominado las habilidades técnicas necesarias, sintió una abrumadora necesidad de encontrar su propio camino en el arte, que le permitiera expresar sus pensamientos e ideas.

Eugène Henri Paul Gauguin Nació el 7 de junio de 1848 en París. Esta vez cayó durante los años de la Revolución Francesa. En 1851, después de un golpe de estado, la familia se mudó a Perú, donde el niño quedó cautivado por la belleza brillante y única de un país desconocido. Su padre, un periodista liberal, murió en Panamá y la familia se instaló en Lima.

Hasta los siete años, Paul vivió en Perú con su madre. Los "contactos" de la infancia con la naturaleza exótica y los brillantes trajes nacionales quedaron profundamente grabados en su memoria y se reflejaron en un deseo constante de cambiar de lugar. Después de regresar a su tierra natal en 1855, insistió constantemente en que regresaría al “paraíso perdido”.

Los años de su infancia transcurridos en Lima y Orleans determinaron el destino del artista. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1865, Gauguin, siendo joven, ingresó en la flota mercante francesa y viajó alrededor del mundo durante seis años. En 1870-1871, el futuro artista participó en la guerra franco-prusiana, en batallas en el Mediterráneo y el Mar del Norte.

Al regresar a París en 1871, Gauguin se estableció como corredor de bolsa bajo la dirección de su rico tutor Gustave Arosa. En aquella época, Arosa era un destacado coleccionista de pintura francesa, incluidas pinturas de los impresionistas contemporáneos. Fue Arosa quien despertó el interés de Gauguin por el arte y lo apoyó.

Las ganancias de Gauguin eran muy decentes y en 1873 Paul se casó con la danesa Mette Sophie Gad, que trabajaba como institutriz en París. Gauguin comenzó a decorar la casa en la que se mudaron los recién casados ​​con cuadros que compró y que se interesó seriamente en coleccionar. Paul conoció a muchos pintores, pero a Camille Pissarro, que creía que “¡se puede renunciar a todo! por el arte” es el artista que mayor huella emocional dejó en su mente.

Paul empezó a pintar y, por supuesto, intentó vender sus creaciones. Siguiendo el ejemplo de Arosa, Gauguin adquirió lienzos impresionistas. En 1876 expuso su propio cuadro en el Salón. La esposa lo consideraba infantil y comprar cuadros era una pérdida de dinero.

En enero de 1882, la bolsa francesa se desplomó y el banco Gauguin explosión. Gauguin finalmente abandonó la idea de encontrar trabajo y, después de dolorosas deliberaciones, en 1883 tomó una decisión y le dijo a su esposa que la pintura era la única forma de ganarse la vida. Aturdida y asustada por la inesperada noticia, Mette le recordó a Paul que tienen cinco hijos y que nadie compra sus cuadros: ¡todo es en vano! La ruptura definitiva con su esposa lo privó de su hogar. Gauguin, que vive al día con dinero prestado a cambio de futuros derechos de autor, no retrocede. Paul busca persistentemente su camino en el arte.

En las primeras pinturas Gauguin la primera mitad de la década de 1880, ejecutada al nivel de la pintura impresionista, no hay nada inusual por lo que valga la pena renunciar incluso a un trabajo con salario medio; las circunstancias le obligaron a convertir su afición en un oficio que le proporcionaría a él y a su familia; familia con un sustento.

¿Se consideraba Gauguin un pintor en aquella época? "Copenhague", escrita en el invierno de 1884-1885, marca un importante punto de inflexión en el destino de Gauguin y es el punto de partida para la formación de la imagen del artista, que creará a lo largo de su carrera.

Gauguin marcó un importante punto de inflexión en su vida: hace un año dejó su trabajo, poniendo fin para siempre a su carrera como corredor de bolsa y a la existencia de un burgués respetable, fijándose la tarea de convertirse en un gran artista.

En junio de 1886 Gauguin Salida hacia Pont-Aven, ciudad de la costa sur de Bretaña, donde aún se conservan costumbres, costumbres y costumbres antiguas originales. Gauguin escribió que París “es un desierto para el pobre. [...] iré a Panamá y viviré allí como un salvaje. [...] Me llevaré pinceles y pinturas y encontraré nuevas fuerzas lejos de la compañía de la gente”.

No fue sólo la pobreza lo que alejó a Gauguin de la civilización. Aventurero de alma inquieta, siempre buscó descubrir qué había más allá del horizonte. Por eso amaba tanto los experimentos en el arte. Durante sus viajes, se sintió atraído por culturas exóticas y quiso sumergirse en ellas en busca de nuevas formas de expresión visual.

Aquí se acerca a M. Denis, E. Bernard, C. Laval, P. Sérusier y C. Filiger. Los artistas estudiaron con entusiasmo la naturaleza, que les parecía una acción mística misteriosa. dos años grupo posterior Los pintores seguidores de Gauguin, unidos en torno a Sérusier, recibirán el nombre de "Nabi", que traducido del hebreo significa "Profetas". En Pont-Aven, Gauguin pintó cuadros de la vida de los campesinos, en los que utilizó contornos simplificados y una composición estricta. El nuevo lenguaje pictórico de Gauguin provocó un animado debate entre los artistas.

En 1887 viaja a Martinica, donde le fascina el exotismo medio olvidado de los trópicos. Pero la fiebre de los pantanos obligó al artista a regresar a su tierra natal, donde trabajó y recibió tratamiento adicional en Arles. Allí vivió su amigo Van Gogh al mismo tiempo.

Aquí comienza a probar con un dibujo "infantil" simplificado, sin sombras, pero con colores muy pegadizos. Gauguin empezó a recurrir a colores más coloridos, a aplicar masas más espesas y a disponerlas con mayor rigor. Fue una experiencia decisiva que presagiaba nuevas conquistas. Las obras de este período incluyen las obras "" (1887), "" (1887).

Pinturas de Martinica se exhibieron en París en enero de 1888. El crítico Felix Fénéon encontró en la obra de Gauguin “alegre y carácter bárbaro”, aunque admite que “estas orgullosas pinturas” ya dan una idea del carácter creativo del artista. Sin embargo, por muy fructífero que fuera el período de Martinica, no supuso un punto de inflexión en la obra de Gauguin.

Un rasgo característico de todo tipo de creatividad. Pablo Gauguin es el deseo de ir más allá de la mentalidad a partir de la cual se determinó su arte “europeo”, su deseo de enriquecer la tradición artística europea con nuevas medios visuales, permitiéndonos ver las cosas de manera diferente el mundo que nos rodea, que impregnan todas las búsquedas creativas del artista.

En su famoso cuadro "" (1888), la imagen, notablemente expandida en un plano, está dividida verticalmente en zonas convencionales, ubicadas, como en los "primitivos" medievales o en los kakemono japoneses, una frente a la otra. En una naturaleza muerta alargada verticalmente, la imagen se desarrolla de arriba a abajo. La semejanza con un pergamino medieval se construyó en contra de los métodos de composición generalmente aceptados. Sobre un plano blanco brillante, el fondo, como una valla, una cadena de vasos divide el nivel superior con los cachorros. es una especie de estructura unificada elementos del antiguo grabado japonés artista japonés Utagawa Kuniyoshi "" y " Bodegón con cebolla»Paul Cézanne.

El cuadro “”, una especie de manifestación de la misma idea de comparar “distantes y diferentes”, para demostrar su relación, como en “ Naturaleza muerta con cabeza de caballo." Pero esta idea se expresa en un lenguaje plástico diferente, con un rechazo total de cualquier ilusión y verosimilitud natural, enfatizado por inconsistencias a gran escala y la misma interpretación ornamental y decorativa del material. Aquí puede ver una comparación de las "diferentes épocas" de la cultura pictórica: la parte superior de la imagen notablemente tosca y simplificada, como las primeras formas del arte "primitivo", y la parte inferior, que indica la etapa final de su evolución moderna.

Al experimentar la influencia de los grabados japoneses, Gauguin abandonó el modelado de formas, haciendo más expresivos el dibujo y el color. En sus pinturas, el artista comenzó a enfatizar la naturaleza plana de la superficie pictórica, insinuando solo relaciones espaciales y rechazando decididamente perspectiva aérea, construyendo sus composiciones como una secuencia de planos.

Esto resultó en la creación del simbolismo sintético. Exhausto nuevo estilo su contemporáneo y artista Emile Bernard causó una fuerte impresión en Gauguin. Percibido Gauguin cloisonismo, cuya base era un sistema de manchas de colores brillantes en un lienzo dividido en varios planos diferentes colores con agudo y extraño líneas de contorno, utilizó en su pintura compositiva "" (1888). El espacio y la perspectiva desaparecieron por completo de la imagen, dando paso a la construcción cromática de la superficie. El color de Gauguin se volvió más atrevido, decorativo y rico.

En una carta a Van Gogh de 1888, Gauguin escribió que en su pintura tanto el paisaje como la lucha de Jacob con el ángel viven sólo en las conjeturas de quienes rezan después del sermón. Aquí surge el contraste entre personas reales y personajes combatientes en el contexto del paisaje, que es desproporcionado e irreal. Sin duda, por el luchador Jacob, Gauguin se refería a él mismo, luchando constantemente con circunstancias desfavorables de la vida. Las mujeres bretonas que rezan son testigos indiferentes de su destino: extras. El episodio de la lucha se presenta como una escena imaginaria, onírica, que corresponde a las inclinaciones del propio Jacob, quien en un sueño imaginó una escalera con ángeles.

Creó su lienzo después de la obra de Bernard, pero esto no significa que la pintura lo influyera, ya que la tendencia general de la evolución creativa de Gauguin y algunas de sus obras anteriores indican una nueva visión y la encarnación de esta visión en la pintura.

mujeres bretonas Gauguin No parecen santos en absoluto, pero los personajes y tipos se transmiten de forma bastante específica. Pero se despierta en ellos un estado de ensimismamiento. Las gorras blancas con colas aladas los asemejan a ángeles. El artista abandonó la transferencia de volumen, la perspectiva lineal y construyó la composición de una manera completamente diferente. Todo está subordinado a un objetivo: la transmisión de un determinado pensamiento.

Los dos títulos del cuadro indican dos mundos diferentes representados en el lienzo. Gauguin demarcó estos mundos, dividiéndolos compositivamente con un tronco de árbol grueso y poderoso, que cruza diagonalmente todo el lienzo. Se introducen diferentes puntos de vista: el artista mira las figuras cercanas ligeramente desde abajo, el paisaje, claramente desde arriba. Gracias a esto, la superficie de la tierra es casi vertical, el horizonte aparece en algún lugar fuera del lienzo. No hay recuerdos de perspectiva lineal. Aparece una especie de “perspectiva” de “buceo”, de arriba hacia abajo.

En el invierno de 1888, Gauguin viajó a Arles y trabajó con Van Gogh, quien soñaba con crear una hermandad de artistas. La colaboración de Gauguin con Van Gogh alcanzó su clímax y terminó en una pelea entre ambos artistas. Tras el ataque de Van Gogh al artista, Gauguin se abrió significado existencial pintura, que destruyó por completo el sistema cerrado de cloisonnismo que construyó.

Después de verse obligado a huir de Van Gogh a un hotel, Gauguin disfrutó trabajando con fuego real en el estudio de cerámica parisino de Chaplain y creó el diálogo más conmovedor de la vida de Vincent Van Gogh: una vasija con la cara de Van Gogh y una oreja cortada en lugar de una mango, a lo largo del cual fluyen chorros de esmalte rojo. Gauguin se describió a sí mismo como un artista entregado a la condenación, como una víctima del tormento creativo.

Después de Arles, donde Gauguin, contrariamente a los deseos de Van Gogh, se negó a quedarse, fue de Pont-Aven a Le Pouldu, donde aparecen uno tras otro sus famosos cuadros con el crucifijo bretón, y luego se busca en París, dando vueltas. que termina con su partida a Oceanía desde - para un conflicto directo con Europa.

En el pueblo de Le Pouldu, Paul Gauguin pintó su cuadro "" (1889). Gauguin Quería sentir, según él, la “calidad salvaje y primitiva” de la vida campesina, lo más posible en soledad. Gauguin no copió la naturaleza, sino que la utilizó para pintar imágenes imaginarias.

" es un claro ejemplo de su método: se rechaza tanto la perspectiva como la modulación naturalista del color, haciendo que la imagen se asemeje a vidrieras o grabados japoneses que inspiraron a Gauguin a lo largo de su vida.

La diferencia entre Gauguin antes de su llegada a Arles y Gauguin después se desprende del ejemplo de la interpretación de la sencilla y bastante clara trama de "". "" (1888) todavía está completamente impregnado del espíritu del epitafio, y la antigua danza bretona, con su arcaísmo enfatizado, movimientos ineptos y forzados de las niñas, encaja perfectamente con absoluta inmovilidad en la base de una composición estilizada de formas geométricas. Los pequeños bretones son dos pequeños milagros, congelados como dos estatuas a la orilla del mar. Gauguin los escribió al año siguiente, 1889. Al contrario, sorprenden con el principio compositivo de apertura y desequilibrio, que llena de especial vitalidad a estas figuras esculpidas en material inanimado. Dos ídolos, en forma de niñas bretonas, desdibujan la línea entre el mundo real y el de otro mundo, que pueblan las pinturas posteriores de Gauguin.

A principios de 1889 en París, en el Café Voltaire, durante la XX Exposición Mundial de Bruselas, Paul Gauguin muestra diecisiete de sus lienzos. La exposición de obras de Gauguin y los artistas de su escuela, denominada por los críticos “Exposición de impresionistas y sintetistas”, no tuvo éxito, pero dio origen al término “sintetismo”, que combinaba las técnicas del clausonismo y el simbolismo, desarrollando en dirección opuesta al puntillismo.

Paul Gauguin quedó profundamente conmovido por la imagen de Cristo, solitario, incomprendido y sufriendo por sus ideales. En la comprensión del maestro, su destino está estrechamente relacionado con el destino de una persona creativa. Por Gauguin, el artista es un asceta, un santo mártir, y la creatividad es el vía crucis. Al mismo tiempo, la imagen del maestro rechazado es autobiográfica para Gauguin, porque El propio artista fue a menudo incomprendido: el público, sus obras, la familia, el camino elegido.

El artista abordó el tema del sacrificio y el Vía Crucis en pinturas que representan la crucifixión de Cristo y su bajada de la cruz: “” (1889) y “” (1889). El lienzo "" representa una "Crucifixión" de madera policromada de la obra. maestro medieval. A sus pies, tres mujeres bretonas se inclinaron y se quedaron inmóviles en posturas de oración.

Al mismo tiempo, la quietud y majestuosidad de las poses les dan un parecido con esculturas monumentales de piedra, y la figura herida del Cristo crucificado con el rostro lleno de dolor, por el contrario, parece "viva". El contenido emocional dominante de la obra puede definirse como trágicamente desesperado.

El cuadro “” desarrolla el tema del sacrificio. Se basa en la iconografía de la Piedad. Sobre un pedestal alto y estrecho hay un grupo escultórico de madera con la escena de "La Lamentación de Cristo", un fragmento de un antiguo, verde con el tiempo, monumento medieval en Nizón. Al pie, una mujer bretona triste, inmersa en pensamientos oscuros y sosteniendo en la mano una oveja negra: símbolo de la muerte.

Se vuelve a utilizar la técnica de “revivir” el monumento y convertir a una persona viva en un monumento. Las estrictas estatuas frontales de madera de las mujeres portadoras de mirra de luto por el Salvador y la trágica imagen de una mujer bretona confieren al lienzo un espíritu verdaderamente medieval.

Gauguin pintó varios autorretratos, cuadros en los que se identificaba con el Mesías. Una de estas obras es "" (1889). En él, el maestro se representa a sí mismo en tres formas. En el centro hay un autorretrato donde el artista luce lúgubre y deprimido. La segunda vez que se distinguen sus rasgos es en la grotesca máscara de cerámica de un salvaje al fondo.

En el tercer caso, Gauguin está representado en la imagen de Cristo crucificado. La obra se distingue por su versatilidad simbólica: el artista crea una imagen compleja y multivalorada de su propia personalidad. Aparece al mismo tiempo como un pecador, un salvaje, un animal y un santo, un salvador.

En el autorretrato "" (1889), una de sus obras más trágicas, Gauguin vuelve a compararse con Cristo, abrumado por pensamientos dolorosos. La figura encorvada, la cabeza gacha y las manos bajadas impotentes expresan dolor y desesperanza. Gauguin se eleva al nivel del Salvador y presenta a Cristo como una persona no exenta de tormentos morales y dudas.

“” (1889) parece aún más atrevido, donde el maestro se presenta a sí mismo en la imagen de un “santo sintetizador”. Este es un autorretrato: una caricatura, una máscara grotesca. Sin embargo, no todo está tan claro en este trabajo. De hecho, para el grupo de artistas que se reunieron en torno a Gauguin en Le Pouldu, él era una especie de nuevo Mesías, caminando por el espinoso camino hacia los ideales del verdadero arte y la libre creatividad. Detrás de la máscara sin vida y la diversión fingida se esconden amargura y dolor, por lo que “” se percibe como la imagen de un artista o santo ridiculizado.

En 1891, Gauguin pintó un gran lienzo simbólico "" y, con la ayuda de amigos, preparó su primer viaje a Tahití. La exitosa venta de sus cuadros en febrero de 1891 le permitió salir a la carretera a principios de abril.

El 9 de junio de 1891, Gauguin llegó a Papeete y se sumergió de lleno en la cultura autóctona. Esta es su primera vez en Tahití. durante muchos años Me sentí feliz. Con el tiempo, se convirtió en un defensor de los derechos de la población local y, en consecuencia, en un alborotador a los ojos de las autoridades coloniales. Más importante aún, desarrolló un nuevo estilo llamado primitivismo: plano, pastoral, a menudo demasiado colorido, simple y espontáneo, absolutamente original.

Ahora utiliza una especie de rotación de cuerpos, característica de las pinturas egipcias: una combinación de un giro recto de los hombros hacia adelante con un giro de las piernas en una dirección y la cabeza en la dirección opuesta, combinación con la que un cierto ritmo musical: « Mercado"(1892); las elegantes poses de las mujeres tahitianas, inmersas en sueños, pasan de una zona de color a otra, la riqueza de matices coloridos crea la sensación de un sueño derramado en la naturaleza: “” (1892), “” (1894).

Con su vida y su obra realizó el proyecto del paraíso terrenal. En el cuadro "" (1892) representó a la Eva tahitiana en la pose de los relieves de los templos de Borobudur. Junto a ella, en la rama de un árbol, en lugar de una serpiente, hay un fantástico lagarto negro con alas rojas. El personaje bíblico apareció bajo una extravagante apariencia pagana.

En los lienzos que brillan con colores, glorificando la belleza de la asombrosa armonía con el tono dorado de la piel de las personas y el exotismo de la naturaleza prístina, siempre hay una compañera de vida de trece años, Tekhur, según los conceptos locales: una esposa. Gauguin La inmortalizó en muchos lienzos, entre ellos “ ta matete" (Mercado), "", "".

Pintó la figura joven y frágil de Tehura, sobre quien se ciernen los fantasmas de sus antepasados, infundiendo miedo a los tahitianos, en el cuadro “” (1892). El trabajo se basó en eventos reales. El artista fue a Papeete y permaneció allí hasta la noche. Tehura, la joven esposa tahitiana de Gauguin, se alarmó al sospechar que su marido volvía a quedarse con mujeres corruptas. Se acabó el aceite de la lámpara y Tehura yació en la oscuridad.

En la pintura, la niña acostada boca abajo está copiada de Tehura reclinada, y el espíritu maligno que guarda a los muertos, tupapau, está representado como una mujer sentada al fondo. El fondo violeta oscuro del cuadro le da una atmósfera misteriosa.

Tehura fue el modelo para varias otras pinturas. Así, en el cuadro "" (1891), aparece bajo la apariencia de la Virgen con un bebé en brazos, y en el cuadro "" (1893), se la representa como la Eva tahitiana, en cuyas manos un La fruta del mango reemplazó a una manzana. La línea elástica del artista delinea el fuerte torso y los hombros de la niña, sus ojos elevados hasta las sienes, las amplias alas de su nariz y sus labios carnosos. La Eva tahitiana personifica el anhelo por lo "primitivo". Su belleza está asociada a la libertad y la cercanía a la naturaleza, a todos los secretos del mundo primitivo.

En el verano de 1893, el propio Gauguin destruyó su felicidad. El entristecido Tehura envió a Paul a París para mostrar sus nuevas obras y recibir la pequeña herencia que había recibido. Gauguin empezó a trabajar en un taller alquilado. La exposición donde el artista exhibió sus nuevas pinturas fracasó estrepitosamente: el público y los críticos nuevamente no lo entendieron.

En 1894, Gauguin regresó a Pont-Aven, pero en una pelea con los marineros se rompió una pierna, por lo que no pudo trabajar durante algún tiempo. Su joven compañera, una bailarina del cabaret Montmartre, deja al artista en Bretaña para cama de hospital y huye a París, llevándose la propiedad del taller. Para ganar al menos un poco de dinero para su partida, los pocos amigos de Gauguin organizan una subasta para vender sus cuadros. La venta no tuvo éxito. Pero en este corto tiempo logra crear una maravillosa serie de grabados en madera de manera contrastante, que representan rituales tahitianos misteriosos y aterradores. En 1895 Gauguin abandona Francia, ya para siempre, y parte hacia Tahití, en Punaauia.

Pero al regresar a Tahití nadie lo estaba esperando. La ex amante se casó con otra persona, Paul intentó reemplazarla con Pakhura, de trece años, quien le dio dos hijos. Carente de amor, buscó consuelo en modelos maravillosos.

Deprimido por la muerte de su hija Aline, fallecida en Francia a causa de una neumonía, Gauguin cae en una grave depresión. La idea del sentido de la vida, del destino humano impregna las obras religiosas y místicas de esta época, característica distintiva que se convierte en la plasticidad de los ritmos clásicos. Cada mes resulta más difícil para un artista trabajar. Dolores en las piernas, ataques de fiebre, mareos y pérdida gradual de la visión privaron a Gauguin de la fe en sí mismo y en el éxito de su creatividad personal. En completa desesperación y desesperanza, Gauguin escribió algunas de sus mejores obras a finales de la década de 1890. esposa del rey», « Maternidad», « reina de belleza», « Nunca jamás", "". Colocando figuras casi estáticas sobre un fondo de color plano, el artista crea paneles decorativos coloridos donde se reflejan leyendas y creencias maoríes. En ellos, un artista pobre y hambriento hace realidad su sueño de un mundo ideal y perfecto.

Reina de Belleza. 1896. Papel, acuarela.

A finales de 1897, en Punaauia, a unos dos kilómetros del puerto tahitiano de Papeete, Gauguin comenzó a crear su pintura más grande e importante. Su billetera estaba casi vacía y estaba debilitado por la sífilis y por ataques cardíacos debilitantes.

El gran lienzo épico "" puede considerarse un tratado filosófico condensado y, al mismo tiempo, el testamento de Gauguin. " ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?" - estas preguntas extremadamente simples escritas Pablo Gauguin En la esquina de su brillante lienzo tahitiano, se encuentran de hecho las cuestiones centrales de la religión y la filosofía.

Esta es una imagen extremadamente poderosa en su impacto en el espectador. En imágenes alegóricas, Gauguin describió en él los problemas que aguardan al hombre, el deseo de descubrir los secretos del orden mundial, la sed de placer sensual, la sabia calma, la paz y, por supuesto, la inevitabilidad de la hora del muerte. El famoso postimpresionista buscó encarnar el camino de cada individuo y el camino de la civilización en su conjunto.

Gauguin sabía que se le acababa el tiempo. Creía que este cuadro sería su último trabajo. Una vez terminado de escribirlo, se fue a las montañas más allá de Papeete para suicidarse. Se llevó consigo una botella de arsénico que había almacenado previamente, probablemente sin saber lo dolorosa que era la muerte por este veneno. Esperaba perderse en las montañas antes de tomar el veneno, para que su cadáver no fuera encontrado, sino que se convirtiera en alimento para las hormigas.

Sin embargo, el intento de envenenamiento, que provocó un terrible sufrimiento al artista, afortunadamente terminó en un fracaso. Gauguin regresó a Punaauia. Y aunque su vitalidad se estaba acabando, decidió no darse por vencido. Para sobrevivir, consiguió un trabajo como administrativo en la Oficina de Obras Públicas e Investigación de Papeete, donde le pagaban seis francos al día.

En 1901, en busca de una soledad aún mayor, se mudó a la pequeña y pintoresca isla de Hiva Oa en las lejanas Islas Marquesas. Allí construyó una cabaña. En la viga de madera de la puerta de la cabaña. Gauguin talló la inscripción “Maison de Jouir” (“Casa de las Delicias” o “Morada de la Diversión”) y vivió con Marie-Rose, de catorce años, mientras se divertía con otras bellezas exóticas.

Gauguin está contento con su “Casa de los Placeres” y su independencia. “Sólo me gustaría dos años de salud y no demasiadas preocupaciones económicas que siempre me acosan...”, escribió el artista.

Pero el modesto sueño de Gauguin no quiso hacerse realidad. Un estilo de vida indecente socavó aún más su debilitada salud. Los infartos continúan, la visión se deteriora y hay un dolor constante en la pierna que me impide dormir. Para olvidar y adormecer el dolor, Gauguin consume alcohol y morfina y está considerando regresar a Francia para recibir tratamiento.

El telón está a punto de caer. EN últimos meses acecha Gauguin el gendarme jefe de la policía, acusando a un negro que vivía en el valle de asesinar a una mujer. El artista defiende al hombre negro y responde a las acusaciones, acusando al gendarme de abuso de poder. Un juez tahitiano condena a Gauguin a tres meses de prisión por insultos a un gendarme y a una multa de mil francos. Sólo se puede apelar la sentencia en Papeete, pero Gauguin no tiene dinero para el viaje.

Agotado por el sufrimiento físico y desesperado por la falta de dinero, Gauguin no puede concentrarse para continuar su trabajo. Sólo dos personas le son cercanas y fieles: el sacerdote protestante Vernier y su vecina Tioka.

La conciencia de Gauguin está cada vez más perdida. Ya le resulta difícil encontrar las palabras adecuadas y confunde el día con la noche. Temprano en la mañana del 8 de mayo de 1903, Vernier visitó al artista. La precaria condición del artista no duró mucho esa mañana. Después de esperar a que su amigo se sintiera mejor, Vernier se fue, y a las once Gauguin murió, acostado en su cama. Eugene Henri Paul Gauguin fue enterrado en el cementerio católico de Khiva - Oa. Habiendo muerto de insuficiencia cardíaca, las obras de Gauguin casi inmediatamente provocaron una moda loca en Europa. Los precios de las pinturas se han disparado...

Gauguin ganó su lugar en el Olimpo del arte a costa de su bienestar y de su vida. El artista siguió siendo un extraño para su propia familia, para la sociedad parisina y un extraño para su época.

Gauguin tenía un temperamento pesado, lento pero poderoso y una energía colosal. Sólo gracias a ellos pudo librar una feroz lucha vida por vida en condiciones inhumanamente difíciles hasta su muerte. Pasó toda su vida en constantes esfuerzos por sobrevivir y preservarse como individuo. Llegó demasiado tarde y demasiado temprano, esa fue la tragedia del universal. La casa de Gauguin genio.

Paul Gauguin nació en 1848 en París el 7 de junio.. Su padre era periodista. Después de los disturbios revolucionarios en Francia, el padre del futuro artista reunió a toda su familia y se dirigió a Perú en barco, con la intención de quedarse con los padres de su esposa Alina y abrir allí su propia revista. Pero en el camino sufrió un infarto y murió.

Paul Gauguin vivió en Perú hasta los siete años. Al regresar a Francia, la familia Gauguin se instaló en Orleans. Pero Pablo no tenía ningún interés en vivir en provincias y estaba aburrido. A la primera oportunidad salió de la casa. En 1865 se contrató como trabajador en un barco mercante. Pasó el tiempo y aumentó el número de países que visitaban el Campo. A lo largo de varios años, Paul Gauguin se convirtió en un verdadero marinero que atravesó diversos problemas en el mar. Habiendo entrado en servicio en la marina francesa, Paul Gauguin continuó navegando por los mares y océanos.

Tras la muerte de su madre, Paul dejó el negocio marítimo y empezó a trabajar en la bolsa de valores, que su tutor le ayudó a fundar. El trabajo era bueno y parecía que trabajaría allí por mucho tiempo.

Matrimonio de Paul Gauguin

Gauguin se casó con el danés Matt-Sophie Gad en 1873.. Durante 10 años de matrimonio, su esposa dio a luz a cinco hijos y la posición de Gauguin en la sociedad se fortaleció. En su tiempo libre en el trabajo, Gauguin se entregaba a su pasatiempo favorito: la pintura.

Gauguin no confiaba en absoluto en su fuerzas artísticas. Un día, uno de los cuadros de Paul Gauguin fue seleccionado para exhibirlo en una exposición, pero él no se lo contó a nadie de la familia.

En 1882, comenzó una crisis bursátil en el país y el trabajo exitoso de Gauguin comenzó a generar dudas. Fue este hecho el que ayudó a determinar el destino de Gauguin como artista.

En 1884 Gauguin ya vivía en Dinamarca., ya que no había suficiente dinero para vivir en Francia. La esposa de Gauguin enseñó Francés en Dinamarca e intentó dedicarse al comercio, pero nada le salió bien. Comenzaron los desacuerdos en la familia y el matrimonio se disolvió en 1885. La madre se quedó con 4 hijos en Dinamarca y Gauguin regresó a París con su hijo Clovis.

Vivir en París fue difícil y Gauguin tuvo que trasladarse a Bretaña. Le gustaba estar aquí. Los bretones son un pueblo único con sus propias tradiciones y cosmovisión, e incluso su propio idioma. Gauguin se sintió muy bien en Bretaña; sus sentimientos de viajero despertaron de nuevo.

En 1887, llevando consigo al artista Charles Laval, partieron a Panamá. El viaje no tuvo mucho éxito. Gauguin tuvo que trabajar duro para mantenerse. Habiendo enfermado de malaria y disentería, Paul tuvo que regresar a su tierra natal. Los amigos lo aceptaron y lo ayudaron a recuperarse, y ya en 1888 Paul Gauguin se mudó nuevamente a Bretaña.

El caso de Van Gogh

Gauguin conoció a Van Gogh, que quería organizar una colonia de artistas en Arlés. Fue allí donde invitó a su amigo. Todos los gastos económicos corrieron a cargo del hermano de Van Gogh, Theo (mencionamos este caso en). Para Gauguin, ésta fue una buena oportunidad para escapar y vivir sin preocupaciones. Las opiniones de los artistas diferían. Gauguin empezó a guiar a Van Gogh y empezó a presentarse como maestro. Van Gogh, que en ese momento ya padecía un trastorno psicológico, no pudo soportarlo. En algún momento atacó a Paul Gauguin con un cuchillo. Sin alcanzar a su víctima, Van Gogh le cortó la oreja y Gauguin regresó a París.

Después de este incidente, Paul Gauguin pasó un tiempo viajando entre París y Bretaña. Y en 1889, visitando exposición de arte Una vez en París, decidió instalarse en Tahití. Naturalmente, Gauguin no tenía dinero y empezó a vender sus cuadros. Habiendo ahorrado unos 10 mil francos, se fue a la isla.

En el verano de 1891, Paul Gauguin se puso manos a la obra y compró una pequeña cabaña con techo de paja en la isla. Muchas pinturas de esta época representan a la esposa de Gauguin, Tehura, que sólo tenía 13 años. Sus padres felizmente la entregaron a Gauguin como esposa. El trabajo fue fructífero, Gauguin escribió mucho. pinturas interesantes a Tahití. Pero pasó el tiempo, se acabó el dinero y Gauguin enfermó de sífilis. No pudo soportarlo más y partió hacia Francia, donde le esperaba una pequeña herencia. Pero no pasó mucho tiempo en su tierra natal. En 1895 regresó de nuevo a Tahití, donde también vivió en la pobreza y la indigencia.