Hombre con un libro de bellas artes. ¿Cómo aprender a mirar imágenes? Paso uno... ¿Qué dice la combinación de colores o combinación de colores?

Una tarde de verano de 1978, en la oficina del editor Franco Maria Ricci en Milán, donde trabajaba como redactor en el departamento idiomas extranjeros, se entregó un paquete pesado. Al abrirlo, vimos, en lugar de un manuscrito, muchas ilustraciones que representaban una gran cantidad de los objetos más extraños con los que se realizaban las acciones más extrañas. Cada una de las hojas estaba titulada en un idioma que ninguno de los editores reconocía.

La carta adjunta decía que el autor, Luigi Serafini, había creado una enciclopedia de un mundo imaginario, respetando estrictamente las reglas de construcción de un compendio científico medieval: cada página ilustraba detalladamente una entrada escrita en un alfabeto absurdo que Serafini inventó dos muchos años en su pequeño apartamento de Roma. Hay que decir que Ricci debe decir que publicó esta obra en dos lujosos volúmenes con un delicioso prólogo de Italo Calvino, ahora es una de las colecciones de ilustraciones más interesantes que conozco. El Codex Seraphinianus, que consta exclusivamente de palabras e imágenes inventadas, debe leerse sin la ayuda del lenguaje convencional, mediante signos cuyo significado es inventado por el propio lector curioso.

Pero esto, por supuesto, es una excepción audaz. En la mayoría de los casos, la secuencia de caracteres corresponde al código establecido, y sólo el desconocimiento de este código puede imposibilitar su lectura. Y, sin embargo, a pesar de esto, camino por las salas de exposición del Museo Rietburg de Zurich, mirando miniaturas indias que representan escenas mitológicas de temas de los que no sé nada, y tratando de reconstruir estos cuentos; Me siento frente a los grabados prehistóricos en las piedras de la meseta de Thassilin en el Sahara argelino e intento imaginar de qué huyen estos animales parecidos a jirafas; Estoy hojeando una revista de historietas japonesa en el aeropuerto de Narita e invento una historia sobre personajes cuyo discurso no puedo entender.

Si intento leer un libro en un idioma que no conozco (griego, ruso, sánscrito), por supuesto no entenderé nada; pero si un libro tiene ilustraciones, incluso sin entender las explicaciones, normalmente puedo decir lo que significan, aunque no necesariamente será exactamente lo que dice el texto. Serafini confió en la creatividad de sus lectores.

Serafini tuvo un antecesor forzado. En los últimos años del siglo IV, San Nilo de Ancyra (hoy Ankara, capital de Turquía) fundó un monasterio cerca ciudad natal. Del Nilo no sabemos casi nada: el día de este santo se celebra el 12 de noviembre, murió hacia el 430, fue autor de varios tratados moralizantes y ascéticos destinados a sus monjes, y de más de mil cartas a abades, amigos y feligreses. En su juventud estudió con el famoso Juan Crisóstomo en Constantinopla.

Durante siglos, hasta que los detectives científicos despojaron su vida de sus huesos, San Nilo fue el héroe de una historia asombrosa. Según la colección del siglo VI, que se compiló como hagiografía y ahora se encuentra en los estantes junto a las novelas de aventuras, Nilus nació en Constantinopla en una familia aristocrática y se convirtió en prefecto de la corte del emperador Teodosio el Grande. Se casó y tuvo dos hijos, pero luego, abrumado por el tormento espiritual, abandonó a su esposa y a su hija, y en 390 o 404 (los narradores de esta historia varían en su exactitud imaginaria) se unió a la comunidad de ascetas en el Monte Sinaí, donde él y su hijo Teódulo llevó una vida solitaria y justa.

Según las Vidas, la virtud de San Nilo y su hijo fue tan grande que “provocó el odio de los demonios y la envidia de los ángeles”. Obviamente, el descontento de los ángeles y los demonios llevó al hecho de que en 410 el monasterio fue atacado por ladrones sarracenos, que masacraron a la mayoría de los monjes y se llevaron a otros, incluido el joven Teódulo, como esclavos. Por la gracia de Dios, Neil escapó tanto de las espadas como de las cadenas y fue en busca de su hijo. Lo encontró en algún pueblo entre Palestina y la Petra árabe, donde el obispo local, conmovido por la piedad del santo, ordenó sacerdotes a padre e hijo. San Neil regresó al Monte Sinaí, donde murió a una edad venerable, arrullado por ángeles confusos y demonios arrepentidos.

No sabemos cómo era el monasterio de San Nilo ni dónde estaba ubicado exactamente, pero en una de sus muchas cartas describe un ejemplo de decoración ideal de una iglesia, que podemos suponer que utilizó en su propia capilla. El obispo Olympiodor le consultó sobre la construcción de una iglesia, que quería decorar con imágenes de santos, escenas de caza e imágenes de animales y pájaros. San Nilo, aprobando a los santos, calificó las escenas de caza y animales, llamándolas "ociosos e indignos del alma cristiana valiente" y propuso representar en su lugar escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, "dibujadas por la mano de un talentoso artista." Estas escenas, colocadas a ambos lados de la Santa Cruz, según Neil, "servirán como libros para los ignorantes, les enseñarán sobre la historia bíblica y les sorprenderán con la profundidad de la misericordia de Dios".

Saint Nile pensó que los analfabetos vendrían a su iglesia y leerían las imágenes como si fueran palabras de un libro. Se imaginó cómo se verían ante aquella maravillosa decoración, que en modo alguno se parecía a “decoraciones ociosas”; cómo mirarán imágenes preciosas, conectándolas con las que ya se han formado en sus cabezas, inventando historias sobre ellas o asociándolas con sermones que escucharon, y si los feligreses aún no están completamente “desaprendidos”, entonces con fragmentos de las Escrituras.

Dos siglos después, el Papa Gregorio Magno habló de acuerdo con las opiniones de San Nilo: “Una cosa es adorar un cuadro y otra muy distinta estudiar las Sagradas Escrituras con la ayuda de un cuadro. Lo que la escritura puede dar al lector, la pintura se la dan a los analfabetos que sólo pueden percibir con los ojos, porque en la pintura los ignorantes ven un ejemplo a seguir, y los que no saben leer se dan cuenta de que de alguna manera son capaces de leer. Y por eso, especialmente para la gente común, la pintura es algo similar a la lectura”. En 1025, el Concilio de Arras decidió: “Que gente sencilla No pueden aprender estudiando las Escrituras, pueden aprender mirando imágenes”.

Aunque el segundo mandamiento dado por Dios a Moisés establece específicamente que no se debe hacer “ninguna imagen de nada que esté arriba en el cielo, ni abajo en la tierra, ni en las aguas debajo de la tierra”, los artistas judíos estaban decorando objetos religiosos ya en la construcción del Templo de Salomón en Jerusalén. Con el tiempo, la prohibición se volvió más estricta y los artistas tuvieron que inventar compromisos, por ejemplo, dando a las figuras humanas prohibidas cabezas de pájaro, para no pintar. rostros humanos. Las disputas sobre este tema se renovaron en el Bizancio cristiano en los siglos VIII y IX, cuando el emperador León III y más tarde los emperadores iconoclastas Constantino V y Teófilo comenzaron a luchar contra los iconos en todo el imperio.

Para los antiguos romanos, el símbolo de un dios (como el águila de Júpiter) era un sustituto del dios mismo. En las raras ocasiones en que Júpiter era representado junto con su águila, el águila ya no era una designación de la presencia divina, sino que se convertía en un atributo de Júpiter, como el rayo. Los símbolos del cristianismo primitivo tenían una naturaleza dual, denotando no sólo el sujeto (cordero para Cristo, paloma para el Espíritu Santo), sino también un cierto aspecto del sujeto (cordero como sacrificio de Cristo, paloma como promesa de salvación de El espíritu santo). No debían leerse como sinónimos conceptuales o meras copias de la deidad. Su tarea consistía en ampliar gráficamente determinadas cualidades de la imagen central, comentarlas, enfatizarlas y convertirlas en tramas separadas.

Y, al final, los principales símbolos del cristianismo primitivo perdieron algunas de sus funciones simbólicas y se convirtieron de hecho en ideogramas: la corona de espinas simbolizaba la Pasión de Cristo y la paloma simbolizaba el Espíritu Santo. Estas imágenes elementales se volvieron gradualmente más complejas, volviéndose cada vez más complejas, de modo que episodios enteros de la Biblia se convirtieron en símbolos de ciertas cualidades de Cristo, del Espíritu Santo o de la Virgen María, y al mismo tiempo en ilustraciones de ciertos episodios sagrados. Quizás fue esta riqueza de significado lo que San Nilo tenía en mente cuando propuso equilibrar el Antiguo y el Nuevo Testamento colocando escenas de ellos a ambos lados de la Santa Cruz.

Los propios evangelistas ya reconocieron que las imágenes de escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento pueden complementarse entre sí, transmitiendo a los “ilectos” la Palabra de Dios. En el Evangelio de Mateo, la conexión obvia entre el Antiguo y el Nuevo Testamento se menciona no menos de ocho veces: "Y todas estas cosas sucedieron para que se cumpliera lo dicho por el Señor por medio del Profeta". Y el mismo Cristo dijo que “es necesario que se cumpla todo lo que de mí está escrito en la ley de Moisés, en los profetas y en los salmos”. Hay 275 en el Nuevo Testamento. citas exactas del Antiguo Testamento, más 235 referencias separadas.

La idea de la herencia espiritual no era nueva ni siquiera entonces; Contemporáneo de Cristo, el filósofo judío Filón de Alejandría propuso la idea de una mente omnipresente, que se manifiesta en todas las épocas. Esta mente única y omnisciente también es mencionada por Cristo, quien la describe como un Espíritu que “respira donde quiere y oyes su voz, pero no sabes de dónde viene ni adónde va”, y conecta el presente con el pasado y el futuro. Orígenes, Tertuliano, San Gregorio de Nisa y San Ambrosio describieron artísticamente las imágenes de ambos Testamentos y desarrollaron explicaciones poéticas complejas, y ni un solo pasaje de la Biblia escapó a su atención. “El Nuevo Testamento”, escribió San Agustín en el más famoso de sus versos, “está escondido en el Antiguo, mientras que el Antiguo se revela en el Nuevo”.

Cuando San Nilo hizo sus recomendaciones, la iconografía de la iglesia cristiana ya había desarrollado formas de representar la omnipresencia del Espíritu. Uno de los primeros ejemplos de tales imágenes lo vemos en una puerta doble tallada en Roma en el siglo IV. e instalado en la Iglesia de Santa Sabina. Las puertas representan escenas del Antiguo y Nuevo Testamento, que se pueden ver secuencialmente.

El trabajo es bastante tosco y algunos de los detalles han sido desgastados por las manos de los peregrinos durante años, pero aún se puede distinguir lo que está representado en la puerta. Por un lado, hay tres milagros atribuidos a Moisés: cuando endulzó las aguas de Mara, la aparición del maná durante la huida de Egipto (en dos partes) y la extracción de agua de una piedra. En la otra mitad de la puerta se encuentran tres milagros de Cristo: la devolución de la vista a un ciego, la multiplicación de los peces y los panes y la transformación del agua en vino en las bodas de Caná.

¿Qué leería un cristiano de mediados del siglo V al mirar estas puertas? En el árbol con el que Moisés endulzó las aguas amargas del río Mara, habría reconocido la Cruz, símbolo de Cristo. La fuente, como Cristo, era una fuente de agua viva que da vida a los cristianos. La roca en el desierto que golpeó Moisés también podría leerse como una imagen de Cristo, el Salvador, de quien mana agua como sangre. Maná presagia la fiesta de Caná de Galilea y la Última Cena. Pero un incrédulo, no familiarizado con los dogmas del cristianismo, leería las imágenes en las puertas de la Iglesia de Santa Sabina de la misma manera que, si no fuera por el pensamiento de Serafini, los lectores tendrían que entender su fantástica enciclopedia: crear, basándose en las imágenes dibujadas, su propia trama y vocabulario.

Por supuesto, esto no es lo que St. Neil tenía en mente. En el año 787, el VII Concilio de la Iglesia de Nicea decidió que no sólo la congregación no podía interpretar las pinturas presentadas en la iglesia, sino que el propio artista no podía atribuir ningún significado privado a su obra. “La pintura no es una invención del artista”, declaró el Concilio, “sino una proclamación de las leyes y tradiciones de la Iglesia. Los antiguos patriarcas permitían que se pintaran cuadros en las paredes de las iglesias: este es su pensamiento, su tradición. Sólo su arte pertenece al artista; todo lo demás pertenece a los Padres de la Iglesia”.

A medida que el arte gótico floreció en el siglo XIII y las pinturas en las paredes de las iglesias dieron paso a vidrieras y columnas talladas, la iconografía bíblica pasó del yeso a las vidrieras, la madera y la piedra. Las lecciones de las Escrituras ahora estaban iluminadas por los rayos del sol, formaban voluminosas columnas y contaban a los creyentes historias en las que el Antiguo y el Nuevo Testamento se reflejaban sutilmente entre sí.

Y luego, aproximadamente principios del XIV siglo, las imágenes que San Nilo quiso colocar en las paredes fueron reducidas y recogidas en un libro. En algún lugar del Bajo Rin, varios artistas y grabadores comenzaron a transferir imágenes superpuestas sobre pergamino y papel. Estos libros, compuestos casi en su totalidad por escenas adyacentes, tenían muy pocas palabras. A veces, los artistas escribían firmas en ambos lados de la página y, a veces, las palabras salían directamente de la boca de los personajes en largas cintas, muy parecidas a las burbujas de los cómics actuales.

A finales del siglo XIV, estos libros ilustrados se habían vuelto muy populares y lo siguieron siendo durante toda la Edad Media en una variedad de formas: volúmenes con imágenes a página completa, miniaturas diminutas, grabados coloreados a mano y, finalmente, en el siglo XV. , libros impresos. El primero de ellos data aproximadamente del año 1462. En ese momento, estos increíbles libros se llamaban "Bibliae Pauperum" o "La Biblia del Mendigo".

Estas Biblias eran esencialmente grandes libros ilustrados con una o dos escenas en cada página. Por ejemplo, en la llamada “Biblia Pauperum de Heidelberg” del siglo XV, las páginas estaban divididas en dos mitades, superior e inferior. La mitad inferior de una de las primeras páginas muestra la Anunciación, y esta imagen debería haber sido mostrada a los creyentes el día de la festividad. Esta escena está rodeada de imágenes de los cuatro profetas del Antiguo Testamento que previeron la Venida de Cristo: David, Jeremías, Isaías y Ezequiel.

Sobre ellos, en la mitad superior, hay dos escenas del Antiguo Testamento: Dios maldice a la Serpiente en el Jardín del Edén, y Adán y Eva se encuentran tímidamente cerca (Génesis, capítulo 3), así como un ángel que llama a Gedeón a la acción, que extiende lana esquilada en la era para saber si el Señor salvará a Israel (Libro de los Jueces, capítulo 37).

Encadenada al atril, abierta por la página derecha, la Biblia Pauperum mostraba estas imágenes dobles a los fieles de forma secuencial, día tras día, mes tras mes. Muchos no entendieron en absoluto las palabras escritas. fuente gótica alrededor de los personajes; pocos pudieron darse cuenta del significado histórico, alegórico y moral de todas estas imágenes. Pero la mayoría de la gente reconoció a los personajes principales y pudo usar estas imágenes para hacer conexiones entre las historias del Nuevo y el Antiguo Testamento, simplemente porque estaban representadas en la misma página.

Los sacerdotes y predicadores, sin duda, podían confiar en estas imágenes, reforzando su relato de los acontecimientos y decorando el texto sagrado. Y los propios textos sagrados fueron leídos en voz alta día tras día, durante todo el año, de modo que durante su vida la gente los escuchó muchas veces. mayoría Biblia. Se supuso que el objetivo principal La Biblia Pauperum no pretendía proporcionar un libro para leer a los feligreses analfabetos, sino proporcionar al sacerdote una especie de apuntador o guía temática, un punto de partida para la predicación que ayudara a demostrar a su congregación la unidad de la Biblia. Si es así (no hay documentos que lo confirmen), rápidamente quedó claro, como ocurre con otros libros, que se puede utilizar de diferentes maneras.

Es casi seguro que los primeros lectores de la Biblia Pauperum no conocían este nombre. Fue inventado ya en el siglo XVIII por el escritor alemán Gotthold Ephraim Lessing, un ávido lector que creía que “los libros explican la vida”. En 1770, pobre y enfermo, Lessing aceptó un puesto muy mal pagado como bibliotecario del apático duque de Brunswick en Wolfenbüttel. Allí pasó ocho terribles años, escribiendo su obra más famosa, Emilia Galotti, y una serie de ensayos críticos sobre las conexiones entre diversas formas de representación teatral.

Entre otros libros de la biblioteca del duque se encontraba la Biblia Pauperum. Lessing encontró una nota en los márgenes, claramente escrita en una escritura posterior. Decidió que era necesario catalogar el libro, y el antiguo bibliotecario, basándose en la abundancia de dibujos y una pequeña cantidad de texto, consideró que el libro estaba destinado a analfabetos, es decir, a pobres, y le dio una nueva nombre. Como señaló Lessing, muchas de estas Biblias estaban demasiado profusamente decoradas para ser consideradas libros de gente pobre. Quizás lo que se quería decir no era el propietario -lo que era de la iglesia se consideraba de todos- sino la accesibilidad; “Biblia Pauperum”, que accidentalmente recibió su nombre, ya no pertenecía sólo a gente culta y ganó popularidad entre los creyentes interesados ​​en sus tramas.

Lessing también llamó la atención sobre las similitudes entre la iconografía del libro y las vidrieras del monasterio de Hirschau. Sugirió que las ilustraciones del libro eran copias de vidrieras; y los atribuyó a los años 1503-1524, la época del ministerio del abad Johann von Calw, es decir, casi cien años antes de la “Biblia Pauperum” de Wolfenbüttel. Los investigadores modernos todavía creen que no era una copia, pero ahora ya no es posible decir si la iconografía de la Biblia y las vidrieras se hicieron en el mismo estilo, desarrollado a lo largo de varios siglos. Sin embargo, Lessing tenía razón al señalar que “leer” las imágenes de la Biblia Pauperum y las de las vidrieras era esencialmente lo mismo y al mismo tiempo no tenía nada en común con leer las palabras escritas en la página.

Para el cristiano educado del siglo XIV, una página de la Biblia común contenía muchos significados que el lector podía conocer a través del comentario que la acompañaba o de su propio conocimiento. Podrías leer a voluntad durante una hora o un año, deteniéndote y procrastinando, saltándote secciones y devorando una página entera de una sola vez. Pero la lectura de la página ilustrada de la "Biblia Pauperum" se realizó casi instantáneamente, ya que el "texto" se representó como un todo utilizando iconografía, sin gradaciones semánticas, lo que significa que el tiempo de la historia en las imágenes se vio obligado a coincidir con el tiempo que el lector debía dedicar a la lectura.

“Es importante considerar”, escribió el filósofo canadiense Marshall McLuhan, “que las impresiones y grabados antiguos, al igual que los cómics modernos, proporcionaban muy poca información sobre la posición de un objeto en el espacio o en un momento particular en el tiempo. El espectador, o lector, tenía que participar para completar y explicar las pocas pistas dadas en el título. No se diferencian mucho de los personajes de los grabados y los cómics las imágenes de televisión, que tampoco proporcionan casi ninguna información sobre los objetos y sugieren nivel alto la complicidad del espectador, que tiene que descubrir por sí mismo lo que sólo se insinúa en el mosaico de puntos”.

Para mí, siglos después, estos dos tipos de lectura se unen cuando leo el periódico de la mañana: por un lado, ojeo lentamente las noticias, los artículos continúan en otra página, relacionados con otros temas en otras secciones, escritos en diferentes estilos- de deliberadamente desapasionado a cáusticamente irónico; y, por otro lado, casi involuntariamente aprecio de un vistazo los anuncios en los que cada trama está limitada por límites rígidos, se utilizan personajes y símbolos familiares: no el tormento de Santa Catalina ni la comida en Emaús, sino la alternancia. últimos modelos"Peugeot" o el fenómeno del vodka "Absolut".

¿Quiénes fueron mis antepasados, amantes del cine lejanos? La mayoría, como los autores de esas imágenes, permanecen desconocidos, anónimos, silenciosos, pero incluso entre estas multitudes se pueden identificar varios individuos.

En octubre de 1461, tras salir de prisión gracias al paso casual del rey Luis XI por la ciudad de Maeng-on-Loire, el poeta François Villon creó un largo ciclo poético, al que llamó "El Gran Testamento". Uno de los poemas, “Oración a la Madre de Dios”, escrito, como afirma Villon, a petición de su madre, contiene las siguientes palabras:

Soy pobre, decrépito, encorvado por la vejez,

Analfabeto y solo al caminar.

Misa en una iglesia con pinturas murales,

Miro al cielo, la luz que brota de las alturas,

Y el infierno, donde las llamas queman a las huestes de pecadores.

Es dulce para mí contemplar el cielo, pero me resulta odioso contemplar el infierno.

La madre de Villon vio imágenes de un paraíso hermoso y armonioso y de un infierno terrible y hirviente y supo que después de la muerte estaba condenada a terminar en uno de estos lugares. Por supuesto, al mirar estos cuadros, aunque hábilmente pintados, aunque llenos de detalles fascinantes, no pudo aprender nada sobre las acaloradas disputas teológicas que habían tenido lugar entre los Padres de la Iglesia durante los últimos quince siglos.

Probablemente conocía la traducción francesa de la famosa máxima latina “Pocos se salvarán, muchos se condenarán”; Lo más probable es que ni siquiera supiera que Santo Tomás de Aquino definió el número de los que serían salvos como la proporción de Noé y su familia con el resto de la humanidad. Durante los sermones de la iglesia, le mostraban fotografías y su imaginación hacía el resto.

Al igual que la madre de Villon, miles de personas levantaron la vista y vieron las pinturas que adornaban las paredes de la iglesia, y posteriormente también las ventanas, columnas, púlpitos y hasta la túnica del sacerdote cuando decía la misa, así como parte del altar y vieron en todas estas pinturas una miríada de temas unían un todo. No hay razón para pensar que esto fue diferente con la Biblia Pauperum. Aunque algunos no están de acuerdo con esto. Desde el punto de vista del crítico alemán Maurus Berve, por ejemplo, la Biblia Pauperum era “absolutamente incomprensible para los analfabetos”.

Por lo tanto, Berve cree que “estas Biblias probablemente estaban destinadas a eruditos y clérigos que no podían permitirse el lujo de comprar una Biblia completa, o a los “pobres de espíritu” que no tenían la educación adecuada y podían contentarse con estos sustitutos. .” En consecuencia, el nombre “Biblia Pauperum” no significa “Biblia de los pobres”, sino que simplemente sirvió como reemplazo de la más larga “Biblia Pauperum Praedicatorum”, es decir, “Biblia de los predicadores pobres”.

Ya sea que estos libros fueran inventados para los pobres o para sus predicadores, durante todo el año permanecían abiertos en atriles, frente a la congregación. Para los analfabetos, aquellos a quienes se les prohibía entrar en la tierra de la palabra impresa, la capacidad de ver textos sagrados en libros ilustrados que podían reconocer o “leer”, aparentemente proporcionaba un sentido de pertenencia, de poder compartir con los sabios y los sabios. poderoso en la materialidad de la Palabra de Dios.

Ver dibujos en un libro es casi objeto mágico, que en aquellos tiempos pertenecía casi exclusivamente al clero y a los científicos, no se parece en nada a las pinturas de las paredes de la iglesia a las que ya estaban acostumbrados en el pasado. Fue como si las palabras sagradas, que hasta entonces pertenecían a unos pocos, que podían compartirlas o no a voluntad, fueran de repente traducidas a un lenguaje comprensible para todos, incluso para una mujer “pobre y decrépita” como la madre de Villon.

Alexander Grigoriev-Savrasov 2015-11-20 a las 01:11

Mucha gente piensa que las bellas artes son las más fáciles de entender de todas las artes existentes, pero esto está lejos de ser el caso. La ausencia de trabajo, como por ejemplo la lectura o la contemplación prolongada de una acción teatral, es engañosa.

Por regla general, nos formamos una opinión sobre la imagen que vemos mientras corremos y decidimos en una fracción de segundo si nos gusta o no. Ya he escrito que el arte y la actividad intelectual en general están lejos de ser pescado salado, lo que puede no ser del agrado de alguien.

Ante todo queremos cambiar el mundo sin cambiar nada de nosotros mismos. Salar el pescado, marcar la imagen con el habitual “Te amo, no te amo” y seguir adelante.

Cuántas personas han pensado que esta simplicidad no es simple y que una mirada no es suficiente para determinar el valor de una pintura en particular.

Una pintura es, ante todo, un plano en el que se muestra una imitación de una trama real o convencional, ¿y deberíamos centrarnos únicamente en el carácter ilusorio de lo representado?

Pregunta a hacer: ¿deberías comer pescado pintado? ¿Era este el objetivo del autor? ¿Estaba tratando de engañarnos creando la ilusión de la realidad?

Mucha gente piensa que el proceso creativo es sólo creación, es decir, imitación. mundo real. Pero la destrucción también es creatividad, y el cubismo de Picasso el mejor ejemplo. Destruyendo la forma, crea, sus imágenes son inimitables, el mundo que creó es único.

Retrato de Ambroise Vollard, Picasso.

¿Es tan fácil entender las pinturas como parece a primera vista? ¿Las bellas artes son accesibles para cualquiera que confunda moscas con chuletas y pinturas con peces?

A diferencia del cine, el teatro y otras formas de arte, una imagen no existe en el tiempo, es decir, no necesitamos seguir la acción para comprender lo que está sucediendo. La imagen en el lienzo es estática. En palabras simples, la imagen no se mueve, solo vemos un momento detenido por el autor, que evaluamos momentáneamente, sin profundizar en los detalles.

Para tener una idea de la película, es necesario verla durante dos horas enteras, pero la imagen merece una sola mirada. Un porcentaje bastante grande de espectadores juzga todo de esta manera. Bellas Artes.

¿No es así como corremos por las salas de un museo? Las imágenes pasan ante nuestros ojos como diapositivas, fusionándose en una sola película, y el resultado es un desastre de docenas de imágenes que no recordaremos mañana.

Lo ideal sería visitar un museo cada vez para ver un cuadro; es una película en sí misma, una representación teatral, si se quiere. Ella merece que le des más de un momento.

Si hablamos de la comprensión clásica de las bellas artes, entonces la imagen tiene tiempo y la acción que representa, su trama se desarrolla secuencialmente.

La pintura, repito, en su sentido clásico (no hablamos ahora de arte moderno) tiene una entrada a la composición y un movimiento especificado por el autor. El espectador no sólo contempla la trama, sino que se mueve a través de la imagen tal y como pretendía el autor.

En la imagen hay tanto el pasado como el futuro, podemos imaginarlo fácilmente basándonos en lo que capturó el artista. Por supuesto, todo esto será posible si dejamos de tratar las bellas artes como las más fáciles de percibir.

Los antiguos griegos juzgaban la habilidad de un artista por cómo podía engañar al espectador con el realismo de lo que representaba. En una historia contada por el escritor Plinio el Viejo (siglo I d. C.), los pájaros confunden las uvas representadas con las reales.

¿Admiraríamos hoy una historia similar? Algunos, por supuesto, estarán entre los que confunden un pez con un cuadro y emiten juicios sobre determinadas obras sobre la marcha, pero estoy seguro de que no todo el mundo es así.

Tómeme, por ejemplo, ¿por qué ir tan lejos? No me convencen las uvas representadas de forma realista, no soy un pájaro, eso no me basta. Admirar la calidad fotográfica de una imagen en el siglo XXI es, cuanto menos, extraño.

No me basta con que la trama representada sea idéntica al original. Quiero ver y, sobre todo, sentir por lo que estaba pasando el autor. Quiero seguir cómo piensa, cómo se comunica con el espectador, qué técnicas utiliza, técnicas y compositivas.

También tengo mis propias preferencias, ya que soy pintor: esto es color, color. Esto es lo que me fascina. Recalco que es el color, no la pintura, ya que muchos no ven diferencia. Cabe señalar que la pintura es un juego de matices, y no un plano pintado de colores.

Me fascina y deleita la superficie en la que se respira color de las obras de mis artistas favoritos; puedo pasar horas mirando la textura de los lienzos que exudan la ligereza y la frescura de la pintura.

veo en pintura moderna un género puro, liberado de significados ideológicos y serviles. Para mí la pintura es independiente y a veces el color por sí solo me basta para entender, sentir y empatizar con el autor.

Por supuesto, no llegué a esto de inmediato; esto se debe a años de búsqueda creativa y conocimientos adquiridos constantemente. Escribí que todos somos autodidactas y no puede ser de otra manera. Me cuesta imaginar que en algún momento pueda completar mis estudios y decir que tengo suficientes conocimientos.

En mi conocimiento reside la reticencia a dejarse engañar, no espero que el artista sea idéntico a la persona retratada, lo importante para mí es su individualidad, su lenguaje creativo, su honestidad. Estas cualidades no pueden ser duplicadas por ningún dispositivo técnico. Son los que resultan únicos e interesantes para el espectador preparado, que, ante todo, está cerca de soluciones nuevas y no de clichés trillados.

Volvamos a la pregunta que nos planteamos: ¿cómo entender la imagen? Lo primero es parar, darle un poco más de tiempo del habitual. Habiendo experimentado la primera impresión emocional, pregúntese: ¿qué objetivos se propuso el autor y si los logró?

Si la imagen se basa en una trama, es histórica o conceptual, debes conocer el subtexto.

Además de comprender la trama, los principios de la visión artística, por ejemplo, cómo el autor manipula un punto en un avión, te ayudarán mucho.

Con conocimiento, verías el mundo de manera diferente y se te revelarían de nuevo obras que antes te eran familiares.

Para resumir, diré que obra de arte no existe sin espectador; comprender una pintura significa participar junto con el autor en su creación. Por supuesto, no estoy diciendo que debas coger tus pinceles y corregir o añadir algo. No, participar significa aceptar asistencia en la serie asociativa propuesta por el autor, leer las imágenes, ver la unidad del plan, etc.

Estad atentos a la imagen. Si tienes prisa, es posible que nunca veas lo principal.. El apetito surge con la comida y la pasión por las bellas artes crece a medida que se abren nuevos horizontes donde antes la niebla de los malentendidos se alzaba como un muro.

Les deseo a todos éxito creativo y quiero recordarles que en el blog de la derecha esquina superior Hay un formulario de suscripción. Recomiendo suscribirte, estarás al tanto de las actualizaciones del blog.

en publicación  Publicado el libro AdMarginem“Cómo mirar cuadros” -Instrucciones ilustradas claras y atractivas de la crítica de arte de Harvard Susan Woodford. El contenido del libro corresponde plenamente a su título, basado en más de 100 obras maestras famosas autor de pintura ha creado una auténtica guía del mundo del arte. Símbolos misteriosos, características compositivas, temas seleccionados: para la persona promedio, todos los elementos de una imagen en particular se describen desde el principio, desde el método mismo de estudiar esta imagen (resulta que existen diferentes métodos de percepción). .

A pesar de que la base del trabajo es una descripción de solo cientos de obras (que en el contexto del arte mundial es muy, muy pequeña), el libro parece global precisamente gracias a la creación de un "mapa" comprensible, que puede luego se puede utilizar al estudiar otras exhibiciones famosas, e incluso al encontrarse con objetos arte contemporáneo.

Susan Woodford seleccionó cien obras de tal manera que pudo cubrir un gran intervalo de tiempo y tocar casi todos los géneros y estilos de pintura conocidos por el hombre. Sin embargo, el libro no sólo interesará a los principiantes: el autor también describe de forma accesible y popular los numerosos problemas a los que se enfrentaron los artistas, así como las soluciones que encontraron en diferentes momentos.

Para conocer la obra, el discurso ofrece uno de los capítulos más interesantes del libro, que habla de formas generales percepción de imágenes.

Formas de percibir las pinturas.

Al mirar pinturas desde diferentes puntos de vista, puedes descubrir muchas cosas nuevas.

Hay muchas maneras de mirar pinturas. Para este capítulo hemos seleccionado cuatro obras de pintura de diferentes épocas y estilos para examinarlas desde varias perspectivas dispares.

¿Para qué se utilizan las pinturas?

Preguntémonos: ¿para qué sirven las pinturas? Hace unos quince mil años, se creó una representación muy convincente de un bisonte (abajo) en el techo de una cueva en lo que hoy es España. Intentemos imaginar qué función cumplía esta imagen, ubicada en un rincón oscuro cerca de la entrada a la cueva. Se cree que su propósito es mágico y que pretendía darle a su creador (o su tribu) poder adicional para capturar y matar al animal representado. El mismo principio se aplica en la religión vudú: a un muñeco que se parece a cierta persona se le clava un alfiler para dañarla. El pintor rupestre debió creer que el dibujo le ayudaría en la caza.

Artista primitivo, pintura rupestre que representa un bisonte. 15-10 mil a.C. mi. Pigmentos elaborados a partir de carbón y ocre Cueva de Altamira, España. Hay muchas especulaciones sobre la función de tales dibujos. Según uno de ellos, el artista creía que, habiendo dominado la imagen de un bisonte, sería más fácil atrapar al animal.
Maestro bizantino, “La resurrección de Lázaro”. Siglo VI, mosaico, Basílica de Sant'Apollinare Nuovo, Rávena. La claridad y sencillez de tales imágenes ayudaron a la iglesia cristiana primitiva a explicar el contenido del Evangelio a la mayoría analfabeta.

La segunda imagen (arriba) es completamente diferente de la primera: es un mosaico de una iglesia paleocristiana. Su trama es fácil de leer: la resurrección de Lázaro. Lázaro llevaba cuatro días muerto, pero Cristo exigió que se abriera la entrada de la cueva donde estaba sepultado, dirigió su mirada al cielo y dijo:

¡Padre!<…>Sabía que siempre me escucharías; pero dije esto a la gente que estaba aquí, para que creyeran que tú me enviaste. Dicho esto, gritó a gran voz: ¡Lázaro! Salir.
Y salió el muerto, enredado en sus manos y pies con sudarios...

En. 11:41–44

El mosaico ilustra esta historia con deliciosa claridad; Vemos a Lázaro, “envuelto de pies y manos en sudarios”, salir de la cueva. Vemos cómo Cristo, vestido con un manto de color púrpura, invoca a Lázaro con un gesto de mando. A su lado, uno de los “que están aquí”, que debería estar convencido por el milagro, retira la mano estupefacto. La composición está construida de forma sencilla y clara: sobre un fondo dorado se representan figuras planas y claramente definidas. Esta escena no es tan animada como arte roquero, pero aquellos que estén familiarizados con la trama representada la reconocerán fácilmente.

¿Para qué sirvió este mosaico como parte de la decoración de la iglesia? En el siglo VI, cuando se creó, muy pocas personas sabían leer. Y la iglesia buscó asegurar que la enseñanza expuesta en el Evangelio se difundiera lo más ampliamente posible. El Papa Gregorio Magno explicó: “Los iconos para los analfabetos son los mismos que Sagrada Biblia para los alfabetizados." En otras palabras, la gente podría entender mejor la Biblia mirando ilustraciones tan inteligibles como este mosaico.

Los celos y el engaño son compañeros del amor no menos frecuentes que el placer.

Agnolo Bronzino, Alegoría con Venus y Cupido. Hacia 1545. Óleo sobre tabla. 146 × 116 cm, National Gallery, Londres. Esta compleja pintura alegórica sirvió tanto de edificación como de entretenimiento para la élite ilustrada.

En la página siguiente ves un cuadro de Bronzino, un pintor intelectual del siglo XVI. Representa a Venus, la diosa pagana del amor, que de ninguna manera es abrazada filialmente por un joven alado: su hijo Cupido. A la derecha del grupo central vemos a un niño alegre: según uno de los expertos, personifica el Placer. Detrás de él hay una misteriosa chica vestida de verde; Nos sorprende ver el cuerpo de una serpiente debajo de su vestido. Al parecer, personifica el engaño, una mala cualidad, la malicia disfrazada de sinceridad, que a veces acompaña al amor. A la izquierda del grupo central hay una anciana malvada arrancándose el pelo. Estos son los celos, una unión de envidia y desesperación, sin la cual el amor rara vez puede prescindir.

En la parte superior de la imagen hay dos figuras levantando el telón que ocultaba la escena. miradas indiscretas. El hombre alado es el Padre Tiempo; detrás de sus hombros hay un símbolo del tiempo, un reloj de arena. El tiempo revela las vicisitudes que acompañan al amor sensual. La mujer a la izquierda del Tiempo es, con toda probabilidad, la Verdad, que revela la mezcla explosiva de tormentos y placeres que nacen en nosotros gracias a los dones de Venus.

Entonces, esta imagen es una lección moral: los celos y el engaño son compañeros del amor no menos frecuentes que el placer. Pero la obra de Bronzino carece de la sencillez con la que se muestra la historia de la resurrección de Lázaro: su moraleja está plasmada en una intrincada alegoría que utiliza personificaciones. El pintor no tenía la tarea de presentar la historia de forma accesible para los analfabetos; por el contrario, buscaba intrigar e incluso provocar a un público ilustrado.

El cuadro fue pintado para el Gran Duque de Toscana, quien lo regaló al rey de Francia, Francisco I. Dirigido a un círculo reducido de personas educadas, fue creado como edificación y entretenimiento.

Y finalmente, eche un vistazo a otra pintura (arriba): fue pintada hace relativamente poco tiempo por el pintor estadounidense Jackson Pollock. No hay realidades externas en él: ni búfalos que atrapar, ni complot religioso que volver a contar, ni alegoría compleja que desentrañar. Al contrario, nos parece ver cómo el pintor arrojaba pintura sobre un enorme lienzo para crear una escena emocionante y vibrante. composición abstracta. ¿Cuál es el propósito de tal pintura? Se pretende expresar la actividad creativa y la energía física del artista, contarle al espectador sobre las acciones de su cuerpo y mente durante la creación de la obra.

Jackson Pollock "Ritmo de otoño (n.º 30)". 1950. Lienzo, esmalte. 267 × 526 cm. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Aunque las pinturas goteantes de Pollock inicialmente sorprendieron al público, ayudaron a desplazar el centro de la vanguardia global de París a Nueva York, anunciando claramente una nueva dirección llamada "pintura de acción".

Contexto cultural

La segunda forma de analizar las pinturas es preguntarse qué pueden decir sobre la cultura de su época. Entonces, pintura rupestre puede decirnos algo -aunque no mucho- sobre el hombre primitivo, que se desplazaba de un lugar a otro cazando animales salvajes y a veces se refugiaba en cuevas, pero no construyó asentamientos permanentes ni se dedicó a la agricultura.

Los mosaicos cristianos del siglo VI dan testimonio de una cultura paternalista en la que una élite educada iluminaba a las masas sin educación. Ella dice que en los albores del cristianismo era importante presentar sus dogmas de forma inteligible para que la gente común pudiera comprender el significado de esta religión aún relativamente joven.

La alegoría de Bronzino habla más elocuentemente que cualquier palabra sobre una sociedad altamente intelectual y cortesana, o incluso hastiada: a sus representantes les gustaban los acertijos y los acertijos, el arte era para ellos un juego sofisticado.

La pintura del siglo XX trata sobre la gente de una época que valora mucho la visión personal y las acciones únicas del artista, rechazando los valores tradicionales de las clases privilegiadas en favor de la libertad de expresión.

Similitudes

La tercera forma de mirar las pinturas es tratar de comprender cuán creíbles son. Lograr el parecido con la naturaleza fue una tarea del arte importante y muy difícil en la antigüedad clásica (siglos VI-IV a. C.) y en Europa Oriental desde el Renacimiento (del siglo XV) hasta principios del siglo XX.

Muchas generaciones de artistas se han esforzado por crear pinturas similares al mundo que los rodea. Sin embargo, esto no siempre fue lo principal para ellos. Debemos tener cuidado al aplicar nuestros estándares actuales de precisión a las obras de arte, ya que es muy posible que sus autores tuvieran en mente objetivos muy diferentes. Un artista del mosaico medieval que buscó contar historia bíblica De la manera más convincente posible, representó las figuras no tan naturalmente como, por ejemplo, Bronzino, pero hizo que sus personajes fueran fácilmente reconocibles y colocó a Cristo en el centro de la composición, enfatizando el significado no solo de su figura, sino también de su gesto. Por encima de todo, este maestro se esforzó por lograr la claridad; desconfiaba incluso de un atisbo de ambigüedad, y la complejidad y similitud con lo que consideramos rasgos humanos naturales le parecerían sólo detalles que distraen.

Asimismo, la obra de Pollock, autor del cuadro Ritmo de otoño, que con tanto celo se esforzó por expresarse con la ayuda de la pintura, no puede ser juzgado desde el punto de vista de la similitud con la naturaleza, lo que no le molestaba en absoluto. Quería transmitir la naturaleza de sus sentimientos y no se propuso el objetivo de documentar lo que le rodeaba.

Entonces, aunque a menudo pensamos que es importante qué tan similar es una imagen a la realidad, debemos tener cuidado y asegurarnos de que sea apropiada antes de hacer esta pregunta.

Composición

La cuarta forma de percibir las pinturas es considerarlas desde el punto de vista de la composición, es decir, del patrón esquemático que forman en ellas las formas y los colores. Por ejemplo, mirando más de cerca Alegorías Bronzino, veremos que el grupo principal, Venus y Cupido, se parece aproximadamente en su contorno a la letra L, repitiendo la esquina del marco del cuadro. Además, podemos notar que el pintor equilibra esta L con otro grupo, con forma de la misma letra, pero invertida: está formado por la figura del niño-Placer, así como la cabeza y brazo extendido Tiempo de papá. Juntas, las dos L forman un rectángulo que fija de forma segura la imagen dentro del marco, dando así estabilidad a una composición muy compleja en su conjunto.

La composición es un dibujo esquemático que consta de formas y colores en una pintura.

Ahora veamos otras características de la composición. Observe que todo el espacio en la pintura de Bronzino está lleno de objetos y figuras; no hay ningún lugar donde descansar la vista. Esta inquieta actividad de las formas está relacionada con la trama de la obra misma, que puede describirse como confusión e indecisión. Amor, Placer, Celos y Engaño se entrelazan en un sofisticado nudo formal e intelectual.

El artista delineó las figuras con un contorno duro y dio a los rostros una suave redondez. Los personajes de la imagen parecen estar hechos de mármol. La sensación de dureza fría se ve acentuada por los tonos predominantes: azul pálido y blanco suave, con raros toques de verde o azul oscuro. (Casi el único tono cálido aquí es el color rojo rosado de la almohada sobre la que Cupido apoyó las rodillas). Todas estas características no corresponden en absoluto a lo que solemos asociar con la esfera de la sensualidad. Así, los gestos de amor y pasión, normalmente tiernos o ardientes, se transmiten aquí como calculadores y despiadados.

Un análisis formal de la composición de una obra nos ayuda a comprender mejor su significado, así como a evaluar las técnicas mediante las cuales el artista logró el efecto deseado.

Woodford, S. Cómo mirar pinturas / Trans. E. Kurova. - M.: Prensa Ad Marginem; ABCdesign, 2018. - 176 p.

Hoy presentamos a su atención veinte pinturas que son dignas de atención y reconocimiento. Estos cuadros fueron pintados artistas famosos, y deben ser conocidos no sólo por quienes se dedican al arte, sino también por el común de los mortales, ya que el arte colorea nuestras vidas, la estética profundiza nuestra visión del mundo. Dale al arte el lugar que le corresponde en tu vida...

1. “La Última Cena”. Leonardo Da Vinci, 1495 - 1498

Pintura monumental de Leonardo da Vinci que representa la escena de la última comida de Cristo con sus discípulos. Creado en 1495-1498 en el monasterio dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.

La pintura fue encargada por Leonardo a su mecenas, el duque Ludovico Sforza y ​​su esposa Beatrice d'Este. Los lunetos situados encima del cuadro, formados por un techo de tres arcos, están pintados con el escudo de armas de los Sforza. La pintura se inició en 1495 y se completó en 1498; el trabajo prosiguió de forma intermitente. La fecha de inicio de las obras no es segura, ya que "los archivos del monasterio fueron destruidos, y la ínfima parte de los documentos que poseemos se remonta a 1497, cuando la pintura estaba casi terminada".

La pintura se convirtió en un hito en la historia del Renacimiento: la profundidad de perspectiva correctamente reproducida cambió la dirección del desarrollo de la pintura occidental.

Se cree que esta pintura contiene muchos secretos y pistas; por ejemplo, se supone que la imagen de Jesús y Judas fue copiada de la misma persona. Cuando Da Vinci pintó el cuadro, en su visión Jesús personificaba el bien, mientras que Judas era puro mal. Y cuando el maestro encontró a “su Judas” (un borracho de la calle), resultó que, según los historiadores, este borracho unos años antes sirvió como prototipo para pintar la imagen de Jesús. Así, podemos decir que esta imagen captura a una persona en diferentes periodos su vida.

2. "Girasoles". Vicente Van Gogh, 1887

Título de dos ciclos de pintura. artista holandés Vincent Van Gogh. La primera serie se realizó en París en 1887. Está dedicado a las flores tumbadas. La segunda serie se completó un año después, en Arles. Representa un ramo de girasoles en un jarrón. El amigo de Van Gogh, Paul Gauguin, adquirió dos cuadros parisinos.

El artista pintó girasoles once veces. Las primeras cuatro pinturas fueron creadas en París entre agosto y septiembre de 1887. Grandes flores cortadas yacen como extrañas criaturas muriendo ante nuestros ojos.

3. "La novena ola". ¿Iván Konstantinovich Aivazovsky?, 1850.

Uno de los más Pinturas famosas El pintor marino ruso Ivan Aivazovsky, conservado en el Museo Ruso.

El pintor representa el mar después de una fuerte tormenta nocturna y náufragos. Los rayos del sol iluminan las enormes olas. El mayor de ellos, el noveno eje, está listo para caer sobre las personas que intentan escapar entre los restos del mástil.

A pesar de que el barco está destruido y sólo queda el mástil, las personas en el mástil están vivas y continúan luchando contra los elementos. Los colores cálidos de la imagen hacen que el mar no sea tan duro y dan al espectador la esperanza de que la gente se salvará.

Pintado en 1850, el cuadro "La novena ola" se convirtió inmediatamente en el más famoso de todos sus puertos deportivos y fue adquirido por Nicolás I.

4. "Makha desnuda". Francisco Goya, 1797-1800

Cuadro artista español Francisco Goya, pintado hacia 1797-1800. Pareja con el cuadro “Maja Vestida” (La maja vestida). Las pinturas representan a Macha, una ciudadana española de los siglos XVIII y XIX, uno de los temas favoritos del artista. "Maha Desnuda" es una de obras tempranas Arte occidental que representa a una mujer completamente desnuda sin connotaciones mitológicas ni negativas.

5. “Vuelo de los amantes”. Marc Chagall, 1914-1918

El trabajo en la pintura "Above the City" comenzó en 1914, y el maestro no dio los toques finales hasta 1918. Durante este tiempo, Bella pasó de ser una amante no solo a una esposa adorada, sino también a la madre de su hija Ida, convirtiéndose para siempre en la principal musa del pintor. La unión de la rica hija de un joyero hereditario y un simple joven judío, cuyo padre se ganaba la vida descargando arenques, sólo puede considerarse una mala alianza, pero el amor fue más fuerte y superó todas las convenciones. Fue este amor el que los inspiró, elevándolos al cielo.

Karina interpreta a los dos amores de Chagall a la vez: Bella y Vitebsk, sus seres más queridos. Las calles se presentan en forma de casas separadas por una valla alta y oscura. El espectador no notará inmediatamente una cabra pastando a la izquierda del centro de la imagen y un hombre sencillo con los pantalones bajados en primer plano: humor del pintor, que rompe con el contexto general y el ambiente romántico de la obra, pero todo esto es Chagall...

6. "El rostro de la guerra". Salvador Dalí, 1940.

Cuadro del artista español Salvador Dalí, pintado en 1940.

La pintura fue creada de camino a Estados Unidos. Impresionado por la tragedia que se desarrolla en el mundo y la sed de sangre de los políticos, el capitán comienza a trabajar en el barco. Ubicado en el Museo Boijmans-van Beuningen de Rotterdam.

Habiendo perdido toda esperanza de una vida normal en Europa, el artista deja su amado París hacia América. La guerra cubre el Viejo Mundo y busca apoderarse del resto del mundo. El maestro aún no sabe que su estancia en el Nuevo Mundo durante ocho años le hará verdaderamente famoso y sus obras se convertirán en obras maestras de la pintura mundial.

7. "Grito" Edvard Munch, 1893

“El Grito” (Skrik noruego) es una serie de pinturas del artista expresionista noruego Edvard Munch creadas entre 1893 y 1910. Representan a una mujer gritando desesperada Figura humana contra un cielo rojo sangre y un fondo paisajístico extremadamente generalizado. En 1895, Munch creó una litografía sobre el mismo tema.

El cielo rojo y ardiente cubrió el frío fiordo, que, a su vez, da origen a una sombra fantástica, similar a una especie de monstruo marino. La tensión ha distorsionado el espacio, las líneas se han roto, los colores son inconsistentes, la perspectiva se ha destruido.

Muchos críticos creen que la trama de la imagen es fruto de la imaginación enferma de un enfermo mental. Algunas personas ven en la obra una premonición de un desastre ambiental, otras deciden qué momia inspiró al autor a crear esta obra.

8. “La chica del pendiente de perla”. Jan Vermeer, 1665

El cuadro “La muchacha de la perla” (Países Bajos: “Het meisje met de parel”) fue pintado alrededor de 1665. Actualmente se conserva en el Museo Mauritshuis, La Haya, Países Bajos, y es el sello distintivo del museo. La pintura, apodada la Mona Lisa holandesa o la Mona Lisa del Norte, está pintada en el género Tronie.

Gracias a la película de Peter Webber "La joven de la perla" de 2003, un gran número de personas alejadas de la pintura conocieron al maravilloso artista holandés Jan Vermeer, así como a él. pintura famosa"La chica del pendiente de perla".

9. "Torre de Babel". Pieter Bruegel, 1563

Cuadro famoso del artista Pieter Bruegel. El artista creó al menos dos cuadros basados ​​en este tema.

La pintura se encuentra en el Kunsthistorisches Museum de Viena.

Hay una historia en la Biblia sobre cómo los habitantes de Babilonia intentaron construir Torre alta para llegar al cielo, pero Dios hizo que hablaran en diferentes idiomas, dejaron de entenderse y la torre quedó sin terminar.

10. "Mujeres argelinas". Pablo Picasso, 1955

“Mujeres de Argelia” es una serie de 15 pinturas creadas por Picasso en 1954-1955 basadas en las pinturas de Eugene Delacroix; los cuadros se distinguen por las letras asignadas por el artista de la A a la O. La “Versión O” fue pintada el 14 de febrero de 1955; Durante algún tiempo perteneció al famoso coleccionista de arte estadounidense del siglo XX, Victor Ganz.

El cuadro de Pablo Picasso "Mujeres de Argelia (Versión O)" se vendió por 180 millones de dólares.

11. "Nuevo Planeta". Konstantin Yuon, 1921

ruso pintor soviético, maestro del paisaje, artista de teatro, teórico del arte. Académico de la Academia de Artes de la URSS. Artista del Pueblo de la URSS. Ganador del Premio Stalin, primer grado. Miembro del Partido Comunista de Toda la Unión desde 1951.

Esta es una pintura asombrosa, creada en 1921 y nada típica del artista realista Yuon”, Nuevo planeta” es una de las obras más llamativas que encarna la imagen de los cambios en los que se convirtió la Revolución de Octubre en la segunda década del siglo XX. Nuevo sistema nueva manera y una nueva forma de pensar en la sociedad soviética emergente. ¿Qué le espera ahora a la humanidad? ¿Futuro brillante? No pensaron en eso entonces, pero el hecho de que Rusia soviética y el mundo entero está entrando en una era de cambios, obviamente, al igual que el rápido nacimiento de un nuevo planeta.

12. “Madonna Sixtina”. Rafael Santi, 1754

Un cuadro de Rafael que se encuentra en la Galería de los Antiguos Maestros de Dresde desde 1754. Pertenece a los picos generalmente reconocidos del Alto Renacimiento.

De tamaño enorme (265 × 196 cm, así se indica el tamaño del cuadro en el catálogo) Galería de Dresde) el lienzo fue creado por Rafael para el altar de la iglesia del monasterio de San Sixto en Piacenza, por encargo del Papa Julio II. Existe la hipótesis de que el cuadro fue pintado en 1512-1513 en honor a la victoria sobre los franceses que invadieron Lombardía durante las guerras italianas y la posterior inclusión de Piacenza en los Estados Pontificios.

13. “María Magdalena arrepentida”. Tiziano (Tiziano Vecellio), pintado alrededor de 1565

Cuadro pintado alrededor de 1565. artista italiano Tiziano Vecellio. pertenece Museo Estatal del Hermitage En San Petersburgo. A veces, la fecha de creación se indica como "década de 1560".

La modelo del cuadro fue Julia Festina, quien sorprendió al artista con su melena dorada. El lienzo terminado impresionó mucho al duque de Gonzaga y decidió encargar una copia. Más tarde, Tiziano, cambiando el fondo y la pose de la mujer, escribió un par de obras más similares.

14. "Mona Lisa". Leonardo Da Vinci, 1503-1505

Retrato de Sra. Lisa del Giocondo, (Italiana. Ritrato de Monna Lisa del Juego) - un cuadro de Leonardo da Vinci, ubicado en el Louvre (París, Francia), uno de los más trabajos famosos pintura del mundo, que se cree que es un retrato de Lisa Gherardini, esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo, pintado alrededor de 1503-1505.

Según una de las versiones presentadas, "Mona Lisa" es un autorretrato de la artista.

15. “Mañana en un bosque de pinos”, Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Pintura de los artistas rusos Ivan Shishkin y Konstantin Savitsky. Savitsky pintó osos, pero el coleccionista Pavel Tretyakov borró su firma, por lo que a menudo se indica solo el autor del cuadro.

La idea de la pintura se la sugirió a Shishkin Savitsky, quien más tarde actuó como coautor y representó las figuras de los oseznos. Estos osos, con algunas diferencias en poses y números (al principio eran dos), aparecen en los dibujos y bocetos preparatorios. Savitsky representó tan bien a los animales que incluso firmó el cuadro junto con Shishkin.

16. "No lo esperábamos". Iliá Repin, 1884-1888

Pintura del artista ruso Ilya Repin (1844-1930), pintada en 1884-1888. Forma parte de la colección de la Galería Estatal Tretyakov.

La pintura mostrada en XII exposición itinerante, es parte de un ciclo narrativo dedicado al destino del populista revolucionario ruso.

17. “Baile en el Moulin de la Galette”, Pierre Auguste Renoir, 1876.

el cuadro pintado artista francés Pierre Auguste Renoir en 1876.

El lugar donde se encuentra el cuadro es el Museo de Orsay. Moulin de la Galette es una taberna económica en Montmartre, donde se reunían estudiantes y jóvenes trabajadores de París.

18. "Noche estrellada". Vicente Van Gogh, 1889.

De sterrennacht- un cuadro del artista holandés Vincent van Gogh, pintado en junio de 1889, con una vista del cielo antes del amanecer sobre una ciudad ficticia desde la ventana oriental de la casa del artista en Saint-Rémy-de-Provence. Desde 1941 se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Considerado uno de los mejores trabajos Van Gogh y una de las obras más significativas de la pintura occidental.

19. “La creación de Adán”. Miguel Ángel, 1511.

Fresco de Miguel Ángel, pintado hacia 1511. El fresco es la cuarta de nueve composiciones centrales del techo. Capilla Sixtina.

“La Creación de Adán” es una de las composiciones más destacadas de la pintura de la Capilla Sixtina. Dios Padre vuela en el espacio infinito, rodeado de ángeles sin alas, con una ondeante túnica blanca. La mano derecha se extiende hacia la mano de Adam y casi la toca. El cuerpo de Adán que yace sobre la roca verde poco a poco comienza a moverse y despierta a la vida. Toda la composición se concentra en el gesto de dos manos. La mano de Dios da el impulso y la mano de Adán lo recibe, dando energía vital a todo el cuerpo. Por el hecho de que sus manos no se tocan, Miguel Ángel enfatizó la imposibilidad de conectar lo divino y lo humano. A imagen de Dios, según el plan del artista, no es el principio milagroso lo que prevalece, sino una gigantesca energía creativa. A imagen de Adán, Miguel Ángel celebra la fuerza y ​​la belleza cuerpo humano. De hecho, lo que aparece ante nosotros no es la creación del hombre en sí, sino el momento en que recibe un alma, una búsqueda apasionada de lo divino, una sed de conocimiento.

20. “Beso en el cielo estrellado”. Gustav Klimt, 1905-1907

Cuadro del artista austriaco Gustav Klimt, pintado en 1907-1908. El lienzo pertenece al período de la obra de Klimt, llamado “dorado”. ultimo pedazo el autor en su “época dorada”.

Sobre una roca, al borde de un prado de flores, en un aura dorada, los amantes se encuentran completamente inmersos el uno en el otro, aislados del mundo entero. Debido a la incertidumbre sobre el lugar de lo que está sucediendo, parece que la pareja representada en la imagen está entrando en un estado cósmico no sujeto al tiempo ni al espacio, al otro lado de todos los estereotipos y cataclismos históricos y sociales. La completa soledad y el rostro del hombre vuelto sólo acentúan la impresión de aislamiento y desapego hacia el observador.

Fuente: Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 cuadros que todo el mundo debería conocer (historia de la pintura) actualizado: 23 de noviembre de 2016 por: sitio web

¿Quiénes son ellos? Amantes de la pintura.

Visitando exhibiciones de arte, muchos de nosotros hemos visto personas congeladas, como esperando, delante de alguna imagen. A primera vista esto parece gracioso. ¿Qué es lo que realmente puedes mirar durante tanto tiempo? Y en general, como dice el famoso chiste, ¿por qué mirar cómo la gente "en la antigüedad" sufría sin Polaroid? Sí, el ritmo de vida aumenta constantemente y las personas, para mantenerse al día, se vuelven cada vez más pragmáticas y evalúan todo lo que les rodea en términos de inversiones y ganancias. Por supuesto, al admirar la imagen, no recibirás ningún beneficio material. Sin embargo, si miras de cerca, notarás una sorprendente conexión entre el público y la pintura misma: sus rostros están iluminados por una luz desconocida que proviene del lienzo, como si estuvieran bajo la influencia del aura misteriosa de la pintura.

La pintura es un mundo especial, cuya puerta está siempre abierta, pero no todo el mundo puede entrar. El conocimiento que transmiten las imágenes no es la información a la que todos estamos acostumbrados, ni la información que recibimos en la escuela, ni el flujo de datos factuales que nos bombardean todos los días desde los medios de comunicación. Este es el conocimiento espiritual. Su conciencia llega gradualmente, a medida que el espectador, paso a paso, se prepara para unirse a la experiencia espiritual. Por lo tanto, la consigna que alguna vez propusieron los bolcheviques: “Arte para las masas” es fundamentalmente incorrecta. El arte no puede dar nada a las masas si éstas no están dispuestas a darle algo a cambio. Y en este sentido el arte es elitista. Sin embargo, no está cerrado a los curiosos y los que sufren, y siempre está listo para recibir al recién llegado, para, tomándolo tranquilamente de la mano, poder guiarlo por el camino del conocimiento hacia el mundo de las verdades simples. No se puede decir esto mejor que Yu. Vizbor dijo una vez sobre el mundo de la música: “Qué tipo de música había, qué tipo de música sonaba. Ella no sermoneó en absoluto, solo llamó en voz baja. Ella llamó a considerar el bien como bien, y a considerar el pan como una bendición, a curar el sufrimiento con el sufrimiento y a calentar el alma con el vino o el fuego”.

Cómo un artista plasma sus ideas en una pintura.

Nuestros ojos a menudo nos engañan. Entonces, en pintura, lo que se representa en la imagen no siempre es equivalente a lo que el autor quería decir. Sí, para los amantes de la televisión que aman mirar. hermosas fotos, tumbado en el sofá, no te gustará. Recurriendo al uso de técnicas pictóricas, el artista transmite sus pensamientos y sentimientos a través de un determinado código de información.

En primer lugar, el autor (ya sea de una obra de arte o de cualquier otra) actúa siempre como “rehén” de su tiempo. Por tanto, la idea de cuadro tiene necesariamente un “vínculo” con la época histórica en la que trabajó el artista. Por ejemplo, en la pintura medieval, la representación del cuerpo humano y todo lo relacionado con él se consideraba pecaminosa. Por lo tanto, una persona que no esté preparada, mirando estas pinturas a la luz de las ideas actuales, decidirá que se trata de una especie de " dibujo infantil” y, sin verse afectado por lo que vio, pasará de largo.

En segundo lugar, este es el código del propio mensaje del autor. Al formular su idea, el artista intenta expresarla en el lenguaje de la pintura, utilizando las leyes de las bellas artes, la principal de las cuales es la ley de composición. Además del lenguaje de las leyes de construcción de las imágenes, la pintura también tiene otro lenguaje. Desde la Edad Media, cuando la pintura gravitaba hacia una interpretación alegórica de los objetos, en las artes visuales se desarrolló un lenguaje de símbolos, con el que el autor podía encajar su idea en el estricto marco de los temas permitidos. Este lenguaje se desarrolló aún más en los siglos XVII y XVIII, cuando a menudo se utilizaban escenas de mitos antiguos para crear pinturas.

En tercer lugar, la elección consciente de diversas técnicas artísticas forma la "escritura a mano" única del artista, sabiendo que es fácil establecer la autoría de obras desconocidas.

¿Por qué se necesitan todos estos “códigos”? ¿Realmente no es posible simplemente tomar y dibujar lo que más te guste, para que todos entiendan lo verdaderamente hermoso que es? Lamentablemente, la ciencia aún no puede responder a esta pregunta. El caso es que este problema está directamente relacionado con el problema del origen del lenguaje. No sabemos por qué la gente cambió gradualmente a lenguaje convencional comunicación, abandonando el lenguaje de signos y los gritos de los animales. Sólo se puede suponer que esto estuvo relacionado de alguna manera con el desarrollo de la cultura. Y aunque aparentemente prevaleció el espíritu de realismo en la cultura moderna, me parece que, de una forma u otra, los autores de pinturas realistas siempre pasan al lenguaje de la "escritura secreta" o entran en el primitivismo.

Leyes básicas de la pintura.

Puede facilitarle la percepción de la imagen recurriendo a las leyes básicas de la pintura, a través de las cuales el artista se comunica con nosotros, traduciendo sus pensamientos y sentimientos al lienzo. La principal ley de la pintura es la creación de la composición correcta, es decir. equilibrando diferentes partes de la imagen. La función principal de la composición es atraer la atención del público hacia el objeto principal, transmitir un cierto estado de ánimo emocional a través del juego de formas, líneas y colores.

Por ejemplo, las líneas rectas estrictas transmiten bien peso y volumen, dan plenitud y perfección a las formas, crean una sensación de armonía, tranquilidad de espíritu. La perfección de la forma implica el uso de colores puros y saturados. La imagen se vuelve “resonante”. Por ejemplo, las pinturas de N. Roerich son muy "sonoras". Los pintores de iconos conocían bien esta técnica; Teófanes el griego logró transmitir perfectamente el “sonido” de los colores.

Por el contrario, las líneas curvas dan lugar a una sensación de movimiento y variabilidad en el alma. Por ejemplo, un camino sinuoso en una neblina azul en el fondo de la pintura "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci crea una sensación de inestabilidad, fugacidad y ligera ingravidez del retrato mismo. Muy a menudo, los artistas utilizaron el fondo para enfatizar el estado de ánimo del personaje de la imagen y comunicar una cierta emoción al espectador. Una técnica similar estaba muy extendida en la pintura de retratos ceremoniales.

Además, una pintura siempre tiene un punto de vista: la posición desde la cual el autor nos muestra el objeto. Está directamente relacionado con las leyes de la construcción de perspectiva, porque es el punto de fuga lineas paralelas objetos representados. Hay varios tipos de perspectiva. Las más habituales son la habitual perspectiva frontal (con el punto de fuga situado detrás del objeto), que muestra una disminución del tamaño de los objetos a medida que se alejan de los ojos del observador, y la perspectiva inversa (el punto de fuga está delante del objeto). , en el que los objetos aumentan de tamaño a medida que se alejan del observador. En la pintura de iconos, los artistas a menudo recurrían al uso de la perspectiva inversa para encarnar de manera similar la idea de acercar ideales distantes. El punto de fuga permite a los artistas, como jugando con el espacio, llamar la atención del espectador sobre los objetos y planos más significativos de la imagen. Por ejemplo, en el cuadro de Leonardo da Vinci " última cena“Podemos determinar fácilmente el centro compositivo, gracias al punto de fuga de la perspectiva de la imagen, situado inmediatamente detrás de Cristo.

La línea del horizonte es de gran importancia en la percepción de la imagen. La línea del horizonte permite transmitir la escala de los acontecimientos representados de acuerdo con la percepción especulativa del artista. Por ejemplo, una línea del horizonte ubicada en la parte inferior del cuadro puede dar lugar a un sentimiento de implicación en la acción, mientras que, por el contrario, al estar en la parte superior del lienzo, nos obliga a evaluar lo representado en la imagen desde una “vista de pájaro”.

Además de la armonía de líneas y formas, el cuadro también debe contener armonía de luz y color. Los puntos de luz se utilizan para dar tensión emocional a la imagen, convirtiéndose en un cierto estado de ánimo mental. El efecto de este efecto se explica por la concentración de la atención del público en los detalles más importantes y significativos de la imagen. Tiziano, Rembrandt, K. Bryullov, I. Kuindzhi trabajaron perfectamente con la luz. Por ejemplo, en la pintura de I. Kuindzhi "Noche de luna en el Dnieper", solo vemos dos puntos de luz brillantes en medio de una noche impenetrable: la luna y una estrecha franja de agua debajo de ella. Este ligero contraste crea una sensación de calma y tranquilidad en el alma. En los retratos se utilizan mucho contrastes de luz similares. Un excelente ejemplo de esto es el “Retrato de un hombre de rojo” de Rembrandt o el “Retrato de F.M. Dostoievski" de V. Perov. En ellos, los ligeros acentos en el rostro y las manos dan lugar a una sensación de inmersión en el pensamiento y la fuerza interior del personaje.

La reproducción cromática del cuadro tiene el mismo objetivo que los acentos luminosos: atraer la atención del espectador hacia los detalles más significativos de la obra. El contraste de color controla la selectividad de la percepción. En primer lugar, lo que más llama la atención colores brillantes pintura, y luego involuntariamente cambia a fragmentos que contrastan con este color. Si miras de cerca la imagen, notarás que los contrastes de color se ubican alrededor del centro compositivo, creando así un énfasis adicional en él. Además, dan lugar a una sensación de movimiento interior; la imagen parece cobrar vida y deja de ser estática.

Las leyes compositivas de la pintura son un buen ejemplo de la ley de la dialéctica sobre la lucha y la unidad de los opuestos. Toda la composición del cuadro se basa en la unidad y el contraste de objeto y fondo, líneas y formas, luz y color. Al combinar estos diferentes elementos, contrastándolos con otros grupos de la composición, el autor hace que la imagen sea más amplia y polivalente.

Sólo el corazón está alerta

Una pintura es un libro, pero no intentes encontrar inmediatamente la última hoja de contenido que contiene. La imagen es la misma cueva de Ali Baba, de donde solo puedes sacar la cantidad de oro que puedas llevar a la vez. Pero siempre puedes volver a la imagen cuando las fuerzas espirituales nuevamente requieran saturación. Después de todo, incluso si llegas a una exposición con un estado de ánimo diferente, puedes tener una percepción diferente del cuadro.

Las personas pueden percibir la misma imagen de manera diferente. Basta recordar los debates en curso sobre el tema de la Mona Lisa para comprenderlo. Una de las características encantadoras de la pintura es que puede generar innumerables reacciones de percepción de múltiples capas y, al mismo tiempo, revelar un "denominador común", ese significado importante que subyace a la imagen, que todos entienden y ven.

La pintura siempre nos recordará aquello que, como decía el Zorro en la novela de A. Saint-Exupry “ un principito": "... sólo el corazón está alerta. No puedes ver las cosas más importantes con tus ojos”. Y tal vez, efectivamente, sólo gracias al arte algún día el mundo se salve.