EntradaNaturalezas muertas con platos de artistas famosos. Naturalezas muertas de grandes maestros
Sobre algunos artistas icónicos que crearon pinturas en el género de las naturalezas muertas.
Introducción
El término "naturaleza muerta" se utiliza para definir pinturas que representan objetos inanimados (del latín "naturaleza muerta"). Además, los objetos pueden ser como origen natural(frutas, flores, animales e insectos muertos, calaveras, etc.), y los creados por el hombre (utensilios diversos, relojes, libros y rollos de papel, joyas, etc.). A menudo, una naturaleza muerta incluye algún subtexto oculto transmitido a través de una imagen simbólica. Las obras de carácter alegórico pertenecen al subgénero vanitas.
La naturaleza muerta como género recibido. mayor desarrollo en Holanda en el siglo XVII como forma de protesta contra la iglesia oficial y la imposición del arte religioso. EN más historia Las pinturas de los holandeses de esa época (Utrech, Leiden, Delft y otros) influyeron gran influencia sobre el desarrollo del arte: composición, perspectiva, uso del simbolismo como elemento narrativo. A pesar de su importancia y el interés del público, según las academias de arte, la naturaleza muerta ocupaba el último lugar en la jerarquía general de géneros.
Raquel Ruysch
Ruysch es uno de los realistas y autores de naturaleza muerta holandeses más famosos. Las composiciones de este artista contienen mucho simbolismo, diversos mensajes morales y religiosos. Su identidad corporativa es una combinación de un fondo oscuro, una meticulosa elaboración de detalles, colores delicados y la imagen de elementos adicionales que añaden interés (insectos, pájaros, reptiles, jarrones de cristal).
Harmen van Steenwijk
Las obras de este realista holandés muestran perfectamente naturalezas muertas al estilo vanitas, que ilustran el bullicio de la vida terrenal. Una de las pinturas más famosas es "Alegoría de la vanidad". vida humana", que muestra un cráneo humano a la luz del sol. Varios objetos de la composición hacen referencia a ideas sobre la inevitabilidad de la muerte física. El detalle y el nivel de realismo de las pinturas de Steenwijk se logra mediante el uso de pinceles finos y técnicas de aplicación de pintura.
Pablo Cézanne
Conocido por sus paisajes, retratos y obras de género, Cézanne también contribuyó al desarrollo de la naturaleza muerta. Después de que desapareció el interés por el impresionismo, el artista comenzó a explorar frutas y objetos naturales, y a experimentar con figuras tridimensionales. Estos estudios ayudaron a crear perspectiva y volumen en naturalezas muertas no sólo a través de métodos clásicos, sino también mediante el uso magistral del color. Todas las direcciones consideradas por Cézanne fueron posteriormente estudiadas por Georges Braque y Picasso en el desarrollo del cubismo analítico. En pos del objetivo de crear algo "permanente", el artista prefirió pintar los mismos objetos, y el increíblemente largo proceso de creación de una naturaleza muerta llevó al hecho de que las frutas y verduras comenzaron a pudrirse y descomponerse mucho antes de que se completara la pintura. .
Dobladillo
Alumno de David Bailly, el realista holandés Hem es conocido por sus magníficos bodegones con gran cantidad de detalles, cargados de composiciones, abundancia de insectos y otros elementos decorativos y simbólicos. El artista utilizó a menudo motivos religiosos en sus obras, como Jan Brueghel y Federico Borromeo.
Jean-Baptiste Chardin
Hijo de carpintero, Jean Chardin adquirió su arduo trabajo y su afán de orden precisamente gracias a su padre. Las pinturas del maestro son a menudo tranquilas y sobrias, porque se esforzó por lograr la armonía de tono, color y forma, lograda en gran medida mediante el trabajo con iluminación y contrastes. El deseo de limpieza y orden se expresa también en la ausencia de alegorías en las composiciones.
Frans Snyders
El pintor barroco de naturalezas muertas y escenas de animales fue un artista increíblemente prolífico, y su capacidad para representar la textura del cuero, la piel, el vidrio, el metal y otros materiales era insuperable. Snyders también fue un destacado pintor de animales, y a menudo representaba animales muertos en sus naturalezas muertas. Más tarde se convirtió en el pintor oficial del archiduque Alberto de Austria, lo que dio lugar a la creación de más más obras maestras.
Francisco de Zurbarán
Zurbarán, famoso autor de pinturas de temas religiosos, es uno de los mayores creadores de naturalezas muertas. Pintado en estricto tradiciones españolas, su obra tiene una calidad atemporal y una sencillez impecable. Como regla general, presentan una pequeña cantidad de objetos sobre un fondo oscuro.
Conor Walton
De autores modernos Conor Walton merece atención. La contribución del artista irlandés al desarrollo de la naturaleza muerta se puede ver claramente en las obras "Hidden: Oranges and Lemons" (2008), "Still Life with Large Orchids" (2004). El trabajo del artista es preciso y se realiza con un uso excepcional de la luz para ayudar a transmitir las texturas de diversas superficies.
Los mejores bodegones actualizado: 14 de noviembre de 2017 por: gleb
Pasemos a la etapa final de esta serie de posts sobre el género de los bodegones. Estará dedicado al trabajo de artistas rusos.
Empecemos por Fyodor Petrovich Tolstoi (1783-1873). Gráficos de bodegones de F.P. Tolstoi, el famoso escultor, medallista, dibujante y pintor ruso, es probablemente la parte más destacada y valiosa de su herencia creativa, aunque el propio artista dijo que creó estas obras “en su tiempo libre a partir de estudios serios”.
La principal propiedad de los bodegones de Tolstoi es su carácter ilusorio. El artista copió cuidadosamente la naturaleza. Intentó, según sus propias palabras, “con estricta claridad trasladar de la vida al papel la flor copiada tal como es, con todos los más mínimos detalles pertenecientes a esta flor”. Para engañar al espectador, Tolstoi utilizó técnicas ilusionistas como la imagen de gotas de rocío o papel traslúcido que cubría el dibujo y ayudaba a engañar a la vista.
Ilya Efimofich Repin (1844-1930) también recurrió más de una vez a motivos de naturaleza muerta como las flores. Tales obras incluyen la pintura "Ramo de otoño" (1892, Galería Tretyakov, Moscú), donde el artista representa con igual atención un paisaje otoñal, una mujer joven de pie sobre un fondo de árboles dorados y un modesto ramo de flores amarillas y blancas en sus manos.
I. Repin. Ramo de otoño. Retrato de Vera Repina. 1892, Galería Tretiakov
La historia del cuadro “Manzanas y hojas” es algo inusual. La naturaleza muerta, que combina frutas y hojas, fue puesta en escena para el alumno de Repin, V.A. Serova. Al profesor le gustó tanto la composición del objeto que decidió pintar él mismo una naturaleza muerta. Las flores y los frutos atrajeron a muchos artistas, quienes los prefirieron, entre otras cosas, porque mostraban el mundo natural de la manera más poética y hermosa. Incluso I.N. Kramskoy, que desdeñaba este género, también rindió homenaje a la naturaleza muerta creando foto espectacular“Ramo de flores. Phloxes” (1884, Galería Tretyakov, Moscú).
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) es conocido por la mayoría de nosotros como un artista que prestó atención en su trabajo al paisaje, el retrato y pintura historica. Sin embargo, cabe señalar que el tema en su obra siempre jugó papel importante y a menudo ocupaba la misma posición igual que otros elementos de la composición. Un poco más arriba, ya mencioné su trabajo de estudiante "Manzanas sobre hojas", 1879, completado bajo la dirección de Repin. Si comparamos esta obra con una obra escrita sobre el mismo tema por Repin, podemos ver que la naturaleza muerta de Serov se parece más a un estudio que la pintura de su maestro. El aspirante a artista utilizó un punto de vista bajo, por lo que el primer y segundo plano se combinan y el fondo se reduce.
El cuadro “La niña de los melocotones”, conocido por todos desde la infancia, va más allá género de retrato Y no es casualidad que se llame "La niña de los melocotones" y no "Retrato de Vera Mamontova". Podemos ver que aquí se combinan los rasgos del retrato, el interior y la naturaleza muerta. El artista presta igual atención a la imagen de una niña con una blusa rosa y a algunos objetos, pero hábilmente agrupados. Los melocotones de color amarillo pálido yacen sobre un mantel blanco, hojas de arce y un cuchillo brillante. Otras cosas del fondo también están pintadas con cariño: sillas, un gran plato de porcelana que adorna la pared, una figura de un soldado de juguete y un candelabro en el alféizar de la ventana. Luz del sol, que brota de la ventana y proyecta reflejos brillantes sobre los objetos, le da a la imagen un encanto poético.
Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) escribió: “Y de nuevo me doy cuenta, no, no es así, pero escucho esa nota nacional íntima que tanto quiero captar en el lienzo y en el adorno. Esta es la música de una persona completa, no desmembrada por las distracciones del ordenado, diferenciado y pálido Occidente”.
En la Academia de las Artes, el maestro favorito de Vrubel era Pavel Chistyakov, quien le enseñó al joven pintor a "dibujar con formas" y argumentó que las formas tridimensionales no deben crearse en el espacio con sombras y contornos, sino que deben construirse con líneas. Gracias a él, Vrubel aprendió no solo a mostrar la naturaleza, sino a mantener con ella una conversación íntima, casi amorosa. Con este espíritu se creó la maravillosa naturaleza muerta del maestro “Rose Hip” (1884).
Sobre el fondo de exquisitas cortinas con motivos florales, el artista colocó un elegante jarrón redondo pintado con motivos orientales. el delicado flor blanca los escaramujos, sombreados por una tela azul verdosa, y las hojas de la planta casi se funden con el cuello negro, que brilla tenuemente, del jarrón. Esta composición está llena de un encanto y una frescura inexpresables, a los que el espectador simplemente no puede dejar de sucumbir.
Durante su enfermedad, Vrubel comenzó a pintar más del natural, y sus dibujos se distinguen no sólo por su forma precisa, sino también por una espiritualidad muy especial. Parece que cada movimiento de la mano del artista delata su sufrimiento y su pasión.
Destaca a este respecto el dibujo “Naturaleza muerta. Candelero, licorera, vaso”. Es un triunfo aplastante de una objetividad feroz. Cada objeto de naturaleza muerta lleva una fuerza explosiva oculta. El material del que están hechas las cosas, ya sea el bronce de un candelabro, el cristal de una jarra o el reflejo mate de una vela, tiembla visiblemente por una colosal tensión interna. La pulsación la transmite el artista con trazos cortos que se cruzan, por lo que la textura adquiere explosividad y tensión. Así, los objetos adquieren una nitidez increíble, que es lo que verdadera esencia cosas
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G.N. logró una gran habilidad en la creación de naturalezas muertas "falsas". Teplov y T. Ulyanov. La mayoría de las veces representaban una pared de tablones en la que se dibujaban nudos y vetas de madera. En las paredes colgaban diversos objetos o se metían detrás de cintas clavadas: tijeras, peines, cartas, libros, cuadernos de música. En estantes estrechos se colocan relojes, tinteros, botellas, candelabros, platos y otros objetos pequeños. Parece que tal conjunto de elementos es completamente aleatorio, pero en realidad esto está lejos de ser el caso. Al observar estas naturalezas muertas, uno puede adivinar los intereses de los artistas que tocaban música, leían y se interesaban por el arte. Los maestros representaron con amor y diligencia sus cosas más queridas. Estas pinturas tocan con su sinceridad y espontaneidad de percepción de la naturaleza.
Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) también dedicó gran parte de su obra al género de la naturaleza muerta. En sus alegres lienzos se pueden ver brillantes telas satinadas, centelleantes samovares de cobre, el brillo de la loza y la porcelana, rodajas rojas de sandía, racimos de uvas, manzanas y deliciosos pastelitos. Una de sus pinturas más notables es “La esposa del mercader tomando el té”, 1918. Es imposible no admirar el brillante esplendor de los objetos representados en el lienzo. Un samovar espumoso, pulpa de sandías de color rojo brillante, manzanas brillantes y uvas transparentes, un jarrón de vidrio con mermelada, un azucarero dorado y una taza frente a la esposa del comerciante: todas estas cosas añaden un ambiente festivo a la imagen.
En el género de los bodegones se prestó mucha atención a los llamados "bodegones engañosos". Muchas naturalezas muertas "engañosas", a pesar de que su tarea principal era engañar al espectador, tienen indudables méritos artísticos, especialmente notables en los museos, donde, colgadas en las paredes, tales composiciones, por supuesto, no pueden engañar al público. Pero aquí hay excepciones. Por ejemplo, “Naturaleza muerta con libros”, realizada por P.G. Bogomolov, está insertado en una “estantería para libros” ilusoria y los visitantes no se dan cuenta inmediatamente de que se trata simplemente de un cuadro.
"Naturaleza muerta con un loro" (1737) de G.N. Teplova. Con la ayuda de líneas claras y precisas que se transforman en contornos suaves y suaves, luces, sombras transparentes y sutiles matices de color, el artista muestra una variedad de objetos colgados en una pared de tablones. La madera está magistralmente trabajada, sus tonos azulados, rosados y amarillentos ayudan a crear una sensación casi real del olor fresco de la madera recién cepillada.
G.N. Teplov. “Naturaleza muerta con un loro”, 1737, Museo Estatal de Cerámica, finca Kuskovo
Las “falsas” naturalezas muertas rusas del siglo XVIII indican que los artistas aún no son lo suficientemente hábiles para transmitir el espacio y los volúmenes. Para ellos es más importante mostrar la textura de los objetos, como si la realidad los hubiera transferido al lienzo. A diferencia de las naturalezas muertas holandesas, donde las cosas absorbidas por la luz del entorno se representan en unidad con él, en las pinturas de los maestros rusos los objetos pintados con mucho cuidado, incluso meticulosamente, viven como si estuvieran solos, independientemente del espacio circundante.
EN principios del XIX Siglo, la escuela de A.G. Venetsianov, que se opuso a la estricta distinción de géneros y buscó enseñar a sus alumnos una visión holística de la naturaleza.
A. G. Venetsianov. Era, 1821-23
La escuela veneciana abrió un nuevo género para el arte ruso: el diseño de interiores. Los artistas mostraron diversas estancias de una casa noble: salones, dormitorios, despachos, cocinas, aulas, habitaciones de servicio, etc. En estas obras se le dio un lugar importante a la imagen. varios artículos, aunque la naturaleza muerta en sí casi no tenía ningún interés para los representantes del círculo de Venetsianov (en cualquier caso, muy pocas naturalezas muertas realizadas por estudiantes de pintor famoso). Sin embargo, Venetsianov instó a sus alumnos a estudiar cuidadosamente no sólo los rostros y las figuras de las personas, sino también las cosas que los rodeaban.
Un objeto en la pintura de Venetsianov no es un accesorio; está indisolublemente ligado al resto de los detalles del cuadro y, a menudo, es la clave para comprender la imagen. Por ejemplo, una función similar la realizan las hoces en el cuadro "Los segadores" (segunda mitad de la década de 1820, Museo Ruso, San Petersburgo). Las cosas del arte veneciano parecen estar involucradas en la vida pausada y serena de los personajes.
Aunque Venetsianov, con toda probabilidad, no pintó naturalezas muertas, incluyó este género en su sistema de enseñanza. El artista escribió: “ Las cosas inanimadas no están sujetas a esos diversos cambios que son característicos de los objetos animados; se mantienen firmes, inmóviles frente a un artista inexperto y le dan tiempo para profundizar con mayor precisión y juicio, para escudriñar la relación de una parte. a otro, tanto en líneas como en luces y sombras con el propio color, que dependen del espacio que ocupan los objetos”.
Por supuesto, la naturaleza muerta jugó un papel importante en el sistema pedagógico de la Academia de las Artes en el siglo XVIII. siglo XIX x (en las aulas, los estudiantes hacían copias de naturalezas muertas de maestros holandeses), pero fue Venetsianov, quien animó a los jóvenes artistas a recurrir a la naturaleza, quien introdujo en su plan de estudios de primer año una naturaleza muerta compuesta por figuras de yeso, platos, candelabros, cintas multicolores, frutas y flores. Venetsianov seleccionó temas para bodegones educativos de modo que fueran interesantes para los pintores principiantes, comprensibles en la forma y hermosos en el color.
En las pinturas creadas por los talentosos alumnos de Venetsianov, las cosas se transmiten con sinceridad y frescura. Estas son las naturalezas muertas de K. Zelentsov, P.E. Kornílov. En la obra de los artistas venecianos también hay obras que no son naturalezas muertas en esencia, pero, sin embargo, el papel de las cosas en ellas es enorme. Se pueden nombrar, por ejemplo, las pinturas "Oficina en Ostrovki" y "Reflejo en el espejo" de G.V. Urracas conservadas en la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.
G.V. Urraca. “Oficina en Ostrovki”. Fragmento, 1844, Museo Ruso, San Petersburgo
Las naturalezas muertas en estas obras no aparecen de forma independiente, sino como partes del interior dispuestas de forma única por el maestro, correspondientes a la estructura compositiva y emocional general de la imagen. El principal elemento conector aquí es la luz, que se mueve suavemente de un objeto a otro. Mirando los lienzos, entiendes lo interesante. el mundo que nos rodea un artista que retrató con amor cada objeto, cada cosa más pequeña.
La naturaleza muerta presentada en la “Oficina en Ostrovki”, aunque ocupa un pequeño lugar en composición general, parece inusualmente significativo, resaltado por el hecho de que el autor lo separó del resto del espacio con un respaldo alto del sofá y lo cortó a izquierda y derecha con un marco. Parece que Soroka se dejó llevar tanto por los objetos que había sobre la mesa que casi se olvidó de los demás detalles del cuadro. El maestro escribió todo cuidadosamente: una pluma, un lápiz, un círculo, un transportador, una navaja, un ábaco, hojas de papel, una vela en un candelabro. El punto de vista desde arriba te permite ver todas las cosas, sin que ninguna bloquee a la otra. Atributos como una calavera, un reloj y símbolos de la "vanidad terrenal" (una figura, papeles, un ábaco) permiten a algunos investigadores atribuir la naturaleza muerta al tipo vanitas, aunque lo más probable es que tal coincidencia sea puramente accidental; El siervo-artista aprovechó lo que su dueño tenía sobre la mesa.
Un famoso maestro de la composición de objetos de la primera mitad del siglo XIX fue el artista I.F. Khrutsky, quien pintó muchos cuadros hermosos en el espíritu de la naturaleza muerta holandesa del siglo XVII. Entre sus mejores obras se encuentran “Flores y frutos” (1836, Galería Tretyakov, Moscú), “Retrato de una esposa con flores y frutos” (1838, Museo de Arte Bielorrusia, Minsk), “Naturaleza muerta” (1839, Museo de la Academia de las Artes, San Petersburgo).
En la primera mitad del siglo XIX en Rusia, la “naturaleza muerta botánica”, que nos llegó desde Europa occidental. En Francia en esta época se publicaron obras de botánicos con hermosas ilustraciones. Gran popularidad en muchos paises europeos recibido por el artista P.Zh. Redoute, considerado “el pintor de flores más famoso de su tiempo”. El “dibujo botánico” fue un fenómeno significativo no sólo para la ciencia, sino también para el arte y la cultura. Estos dibujos se presentaban como obsequios y álbumes decorados, lo que los equiparaba así con otras obras de pintura y gráfica.
En la segunda mitad del siglo XIX, P.A. prestó gran atención a la representación de objetos. Fedótov. Aunque en realidad no pintó naturalezas muertas, el mundo de las cosas que creó deleita con su belleza y veracidad.
Los objetos en las obras de Fedotov son inseparables de la vida de las personas; participan directamente en los dramáticos acontecimientos representados por el artista.
Al mirar el cuadro "Fresh Cavalier" ("La mañana después de la fiesta", 1846), uno se sorprende por la abundancia de objetos cuidadosamente pintados por el maestro. Una naturaleza muerta real, que sorprende por su laconismo, se presenta en pintura famosa Fedotov "El emparejamiento del mayor" (1848). La copa se transmite de forma tangible y realista: copas de vino con pie alto, una botella, una jarra. Es el más fino y transparente y parece emitir un suave zumbido de cristal.
Fedótov P.A. El emparejamiento del mayor. 1848-1849. Galería Tretiakov
Fedotov no separa los objetos del interior, por lo que las cosas se muestran no sólo de forma auténtica, sino también con una sutileza pintoresca. Cada objeto corriente o poco atractivo que ocupa su lugar en el espacio común parece sorprendente y bello.
Aunque Fedotov no pintó naturalezas muertas, mostró un indudable interés por este género. Su instinto le decía cómo disponer tal o cual objeto, desde qué punto de vista presentarlo, qué cosas se verían a su lado no sólo lógicamente, sino también expresivamente.
El mundo de las cosas, que ayuda a mostrar la vida humana en todas sus manifestaciones, dota a las obras de Fedotov de una musicalidad especial. Tales son las pinturas "Ancla, otra ancla" (1851-1852), "Viuda" (1852) y muchas otras.
En la segunda mitad del siglo XIX, el género de la naturaleza muerta prácticamente dejó de interesar a los artistas, aunque muchos pintores de género incluyeron voluntariamente elementos de la naturaleza muerta en sus composiciones. Las cosas adquieren gran importancia en las pinturas de V.G. Perova (“Tea Party en Mytishchi”, 1862, Galería Tretyakov, Moscú), L.I. Solomatkina (“Esclavistas de la ciudad”, 1846, Estado museo historico, Moscú).
Los bodegones se presentan en escenas de genero ALABAMA. Yushanova (“Despedida del jefe”, 1864), M.K. Klodt (“El músico enfermo”, 1855), V.I. Jacobi (“El buhonero”, 1858), A.I. Korzukhina (“Antes de la confesión”, 1877; “En el hotel del monasterio”, 1882), K.E. Makovsky (“Alekseich”, 1882). Todas estas pinturas se conservan ahora en la colección de la Galería Tretyakov.
K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Galería Tretyakov, Moscú
En las décadas de 1870 y 1880, la vida cotidiana siguió siendo el género principal de la pintura rusa, aunque el paisaje y el retrato también ocuparon un lugar importante. Los Wanderers, que buscaban mostrar la verdad de la vida en sus obras, desempeñaron un papel muy importante en el desarrollo del arte ruso. Los artistas empezaron a conceder gran importancia al trabajo a partir del natural y, por tanto, recurrieron cada vez más al paisaje y a la naturaleza muerta, aunque muchos de ellos consideraban que este último era una pérdida de tiempo, una pasión sin sentido por la forma, desprovista de contenido interno. Entonces, I.N. Kramskoy mencionó el famoso pintor francés, que no descuidó las naturalezas muertas, en una carta a V.M. Vasnetsov: “No ingenio dedicar tiempo a representar, digamos, cuencas, peces, etc. Esto es bueno para las personas que ya lo tienen todo, pero tenemos mucho por hacer”.
Sin embargo, muchos artistas rusos que no pintaban naturalezas muertas las admiraban al contemplar las pinturas de los maestros occidentales. Por ejemplo, V.D. Polenov, que se encontraba en Francia, escribió a I.N. Kramskoi: “Miren cómo las cosas aquí van como un reloj, cada uno trabaja a su manera, en las más diversas direcciones, como quiera, y todo esto se valora y se paga. Para nosotros lo más importante es lo que se hace, pero aquí está cómo se hace. Por ejemplo, pagan veinte mil francos por una palangana de cobre con dos peces, y además consideran a este calderero como el primer pintor, y tal vez no sin razón.
Habiendo visitado la exposición en París en 1883, V.I. Surikov admiraba paisajes, naturalezas muertas y pinturas de flores. Escribió: “Los peces de Gibert son buenos. La baba de pescado está representada de manera magistral y colorida, mezclando tono sobre tono”. En su carta a P.M. Tretyakov y estas palabras: “Y los peces de Gilbert son un gran milagro. Bueno, realmente puedes tomarlo en tus manos, está escrito hasta el punto de engañar”.
Tanto Polenov como Surikov pudieron convertirse en excelentes maestros de la naturaleza muerta, como lo demuestran los objetos magistralmente pintados en sus composiciones (“Sick” de Polenov, “Menshikov in Berezov” de Surikov).
ENFERMEDAD VENÉREA. Polenov. “Mujer enferma”, 1886, Galería Tretyakov
La mayoría de las naturalezas muertas creadas por artistas rusos famosos en las décadas de 1870 y 1880 son obras en forma de bocetos, que muestran el deseo de los autores de transmitir las características de las cosas. Algunas obras similares representan objetos inusuales y raros (por ejemplo, un boceto con una naturaleza muerta para el cuadro de I.E. Repin "Los cosacos escribiendo una carta al sultán turco", 1891). Tales obras no tenían ningún significado independiente.
Interesantes bodegones de A.D. Litovchenko, realizado como estudio preparatorio para el gran lienzo “Iván el Terrible muestra sus tesoros al embajador Horsey” (1875, Museo Ruso, San Petersburgo). El artista mostró lujosas telas de brocado, armas con incrustaciones piedras preciosas, objetos de oro y plata almacenados en los tesoros reales.
Más raros en aquella época eran los bocetos de naturalezas muertas que representaban objetos domésticos corrientes. Estas obras fueron creadas con el objetivo de estudiar la estructura de las cosas, y también fueron el resultado de ejercicios de técnica pictórica.
La naturaleza muerta jugó un papel importante no sólo en el género, sino también en pintura de retrato. Por ejemplo, en la película de I.N. Los objetos de Kramskoy “Nekrasov durante el período de “Las últimas canciones” (1877-1878, Galería Tretyakov, Moscú) sirven como accesorios. SN Goldstein, que estudió la obra de Kramskoy, escribe: “En busca de la composición general de la obra, se esfuerza por que el interior que recrea, a pesar de su carácter estrictamente cotidiano, contribuya, en primer lugar, a la conciencia de la apariencia espiritual de el poeta, el significado inmarcesible de su poesía. Y, de hecho, los accesorios individuales de este interior: los volúmenes de Sovremennik, colocados al azar sobre la mesa junto a la cama del paciente, una hoja de papel y un lápiz en sus manos debilitadas, un busto de Belinsky, un retrato de Dobrolyubov colgado en el pared: en esta obra adquirió el significado no de signos externos de la situación, sino de reliquias estrechamente asociadas con la imagen de una persona”.
Entre las pocas naturalezas muertas de los Wanderers, el lugar principal lo ocupan los “ramos”. Interesante es “Bouquet” de V.D. Polenov (1880, Museo de la finca Abramtsevo), en la forma de ejecución recuerda un poco a las naturalezas muertas de I.E. Repina. Sin pretensiones en su motivo (pequeñas flores silvestres en un sencillo jarrón de cristal), deleita con su pintura de forma libre. En la segunda mitad de la década de 1880, aparecieron ramos similares en las pinturas de I.I. Levitan.
I.N. muestra al espectador las flores de otra manera. Kramskoi. Muchos investigadores creen que los dos cuadros son “Ramo de flores”. Phloxes” (1884, Galería Tretyakov, Moscú) y “Roses” (1884, colección de R.K. Viktorova, Moscú) fueron creadas por el maestro mientras trabajaba en el lienzo “Inconsolable Grief”.
Kramskoy demostró dos "ramos" en la XII Exposición Móvil. Las composiciones espectaculares y brillantes que representan flores de jardín sobre un fondo oscuro encontraron compradores incluso antes de la inauguración de la exposición. Los propietarios de estas obras fueron el barón G.O. Gintsburg y la emperatriz.
En la IX Exposición Itinerante de 1881-1882, la pintura de K.E. Makovsky, nombrado en el catálogo "Nature morte" (ahora está en Galería Tretiakov titulado “En el estudio del artista”). El gran lienzo muestra un perro enorme tumbado en la alfombra y un niño que se levanta de un sillón y busca una fruta en la mesa. Pero estas figuras son sólo detalles que el autor necesita para revivir la naturaleza muerta: muchas cosas lujosas en el estudio del artista. Pintada según las tradiciones del arte flamenco, la pintura de Makovsky todavía toca el alma del espectador. El artista, fascinado por transmitir la belleza de las cosas caras, no logró mostrar su individualidad y creó una obra. objetivo principal lo cual es una demostración de riqueza y lujo.
Todos los objetos de la imagen parecen estar reunidos para sorprender al espectador con su esplendor. Sobre la mesa hay un bodegón tradicional con frutas: manzanas grandes, peras y uvas en un gran hermoso plato. También hay una gran taza plateada decorada con adornos. Cerca se encuentra una vasija de barro azul y blanca, junto a la cual se encuentra un arma antigua ricamente decorada. El hecho de que se trata de un estudio de artista lo recuerdan los pinceles colocados en una amplia jarra en el suelo. La silla dorada tiene una espada en una lujosa funda. El suelo está cubierto con una alfombra con motivos brillantes. También se utilizan como decoración telas caras: brocados adornados con pieles gruesas y terciopelo con el que se cose la cortina. El color del lienzo está diseñado en ricos tonos con predominio del escarlata, azul y dorado.
De todo lo anterior se desprende claramente que en la segunda mitad del siglo XIX la naturaleza muerta no jugó un papel importante en la pintura rusa. Se distribuyó únicamente como estudio para una pintura o estudio de enseñanza. Muchos artistas que representaron naturalezas muertas como parte del programa académico nunca regresaron a este género en su trabajo independiente. Las naturalezas muertas fueron pintadas principalmente por no profesionales que crearon acuarelas con flores, bayas, frutas y setas. Los grandes maestros no consideraron la naturaleza muerta digna de atención y utilizaron objetos sólo para mostrar de manera convincente la situación y decorar la imagen.
Los primeros comienzos de una nueva naturaleza muerta se pueden encontrar en las pinturas de artistas que trabajaron a principios de los siglos XIX y XX: I.I. Levitan, es decir. Grabar, V.E. Borisova-Musatova, M.F. Larionova, K.A. Koroviná. Fue en ese momento cuando apareció la naturaleza muerta en el arte ruso como un género independiente.
Pero se trataba de una naturaleza muerta muy singular, entendida por artistas que trabajaban de manera impresionista, no como una composición ordinaria de tema cerrado. Los maestros representaron los detalles de una naturaleza muerta en un paisaje o interior, y lo importante para ellos no era tanto la vida de las cosas como el espacio mismo, una neblina de luz que disuelve los contornos de los objetos. También son de gran interés los bodegones gráficos de M.A. Vrubel, que se distingue por su originalidad única.
A principios del siglo XX, artistas como A.Ya desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la naturaleza muerta rusa. Golovin, S.Yu. Sudeikin, A.F. Gausch, B.I. Anisfeld, I.S. Colegial. N.N. también dijo una palabra nueva en este género. Sapunov, quien creó toda una serie cuadros-paneles con ramos de flores.
En el siglo XX, muchos artistas de diversos estilos recurrieron a la naturaleza muerta. Entre ellos estaban los llamados. Cézanneistas de Moscú, simbolistas (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin), etc. Las composiciones de objetos ocuparon un lugar importante en las obras de tales maestros famosos, como dice M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, R.R. Falk, PP. Konchalovsky, A.V. Shevchenko, D.P. Shterenberg, quien hizo de la naturaleza muerta un género de pleno derecho entre otros géneros de la pintura rusa del siglo XX.
Simplemente enumerar a los artistas rusos que utilizaron elementos de naturaleza muerta en su trabajo ocuparía mucho espacio. Por tanto, nos limitaremos al material aquí presentado. Los interesados pueden conocer más sobre los enlaces proporcionados en la primera parte de esta serie de posts sobre el género de los bodegones.
Publicaciones anteriores: Parte 1 -
Parte 2 –
Parte 3 –
Parte 4 –
Parte 5 –
I. Mashkov "Naturaleza muerta" (1930)
La palabra "naturaleza muerta" con Francés traducido como “naturaleza muerta” (fr. naturaleza muerta).
Sobre la naturaleza muerta
Todo lo que ya no vive, no respira, que ha sido arrancado, cortado, pero que sigue deleitando a una persona con su existencia, todo esto es el tema de una naturaleza muerta.
La naturaleza muerta comenzó a existir como género pictórico independiente en el siglo XVII. en las obras de artistas holandeses y flamencos. Anteriormente, era sólo una decoración y cumplía una función utilitaria.
Las primeras naturalezas muertas a menudo contenían una alegoría oculta (alegoría), que se expresaba a través de objetos cotidianos dotados de significado simbólico. A veces, las naturalezas muertas representaban una calavera, que se suponía que recordaba la fugacidad de la vida y la inevitabilidad de la muerte.
La naturaleza muerta alegórica se llamó Vanitas
(lat. vanitas, lit.: “vanidad, vanidad”). Su centro compositivo es tradicionalmente el cráneo humano.
Bartholomeus Brain el Viejo (primera mitad del siglo XVI). Vanitas
“Vanidad de vanidades”, dijo Eclesiastés, “¡vanidad de vanidades, todo es vanidad!”
Willem Claes Heda. Vanitas
La calavera simboliza la fragilidad de la vida humana. Tubo- un símbolo de fugaz y esquivo placeres terrenales. El vidrio simboliza la fragilidad de la vida. Las claves son el poder del ama de casa que gestiona sus suministros. El cuchillo nos recuerda la vulnerabilidad y la mortalidad humanas. Una hoja de papel normalmente con un dicho moralizante (a menudo pesimista). Por ejemplo:
Hodie mihi cras tibi - hoy para mí, mañana para ti;
recuerdo mori - recuerda la muerte;
Aeterne pungit cito volat et occidit: la gloria de los hechos heroicos se disipará como un sueño;
Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - todo es destruido por la muerte, la muerte es el límite final de todas las cosas;
Nil omne – todo es nada.
Pero más a menudo, en las naturalezas muertas, se puede sentir la admiración del artista por los objetos: utensilios de cocina, flores, frutas, artículos para el hogar; estos cuadros fueron adquiridos por los clientes para decorar los interiores de sus hogares.
De mediados del siglo XVII. naturaleza muerta en pintura holandesa se ha generalizado como género independiente. Y uno de los primeros en destacar fue el bodegón floral, especialmente en las obras de Ambrosius Bosschaert el Viejo y Balthasar van der Ast, para luego continuar su desarrollo en los lujosos bodegones de Jan Davids de Heem en la segunda mitad del siglo XIX. el siglo XVII. La naturaleza muerta floral también es popular entre los artistas de nuestro tiempo.
La temática de los bodegones es extensa: se trata de los ya mencionados bodegones florales, imágenes de desayunos, mesas servidas, bodegones científicos que representan libros y otros objetos de la actividad humana, instrumentos musicales, etc.
Veamos algunas de las naturalezas muertas más famosas.
Willem Claes Heda (1594-1682) “Naturaleza muerta con jamón y cubiertos” (1649)
Willem Claes Heda "Naturaleza muerta con jamón y cubiertos" (1649)
En esta imagen se nota la habilidad virtuosa del artista para transmitir objetos cotidianos y corrientes. Kheda los representa de tal manera que resulta evidente que él mismo los admira: se crea una sensación de tangibilidad de cada uno de los objetos.
Sobre una pequeña mesa cubierta con un rico y pesado mantel, vemos un limón y admiramos su suavidad ambarina, sentimos el aroma del jamón fresco y escuchamos el tintineo de la plata centelleante. El desayuno ha terminado, por lo que los artículos sobre la mesa están en un desorden natural.
Los cubiertos significan riqueza terrenal, jamón - alegrías sensuales, limón - belleza externa, dentro de la cual se esconde la amargura. La imagen concluye con una reflexión sobre el hecho de que hay que cuidar no sólo el cuerpo, sino también el alma.
El bodegón está diseñado en un único tono marrón grisáceo, característico de todo el pintura holandesa de esa época. El lienzo no sólo es hermoso, sino que también habla de la “vida tranquila” oculta de los objetos, vistos por el ojo atento del artista.
La naturaleza muerta se encuentra en el Museo Estatal. bellas artes a ellos. A. S. Pushkin en Moscú.
Paul Cézanne (1830-1906) Melocotones y peras (1895)
Paul Cezanne "Melocotones y peras" (1895)
Paul Cézanne fue el mayor artista francés de finales del siglo XIX. Habiendo experimentado la influencia del impresionismo, Cézanne los opuso con su propio método. Se opuso a su deseo de seguir únicamente su impresión visual en el arte: estaba a favor de una transmisión objetiva de la realidad basada en patrones de la naturaleza. No quería verla cambiante, sino sus cualidades constantes. Cézanne dijo: "Quiero devolver la eternidad a la naturaleza". El artista llevó a cabo sus búsquedas creativas a través de la síntesis de forma y color, forma y espacio. Esta búsqueda es especialmente evidente en sus naturalezas muertas.
Cada uno de los objetos de esta naturaleza muerta está representado desde un punto de vista diferente. Vemos la mesa desde arriba, el mantel y la fruta desde un lado, la mesa desde abajo y la jarra desde diferentes puntos de vista simultáneamente. Cezanne se esfuerza por mostrar lo más plenamente posible la forma y el volumen característicos de los melocotones y las peras. Su técnica se basa en la ley óptica: los colores cálidos (rojo, rosa, amarillo, dorado) nos parecen sobresalir, y los colores fríos (azul, celeste, verde) parecen retroceder más profundamente en el lienzo.
La forma de los objetos en las naturalezas muertas de Cezanne no depende de una iluminación aleatoria, sino que se vuelve constante, inherente a cada objeto. Por tanto, las naturalezas muertas de Cézanne parecen monumentales.
La pintura se encuentra en el Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin en Moscú.
Henri Matisse (1869-1954) "El mantel azul" (1909)
Henri Matisse "El mantel azul" (1909)
El famoso artista francés Henri Matisse en arte extranjero Siglo XX ocupa uno de los lugares destacados. Pero este lugar es especial.
A principios del siglo XX. Matisse se convirtió en el jefe de la primera. nuevo grupo en la pintura europea, que se llamó Fauvismo(del francés "salvaje"). Una característica de esta dirección fue la libertad de utilizar cualquier color elegido arbitrariamente por el artista y el deseo de un colorido decorativo. Esto pareció un desafío a las normas establecidas del arte oficial.
Pero después de un tiempo, este grupo se disolvió y Matisse ya no pertenecía a ninguna dirección, sino que eligió su propio camino. Con su arte claro y alegre, Matisse buscó dar paz a las almas atormentadas de las personas en la atmósfera emocional del siglo XX.
En la naturaleza muerta “Mantel azul”, Matisse utiliza su técnica de composición favorita: la tela que desciende desde arriba. La materia en primer plano parece cerrar el espacio del lienzo, haciéndolo poco profundo. El espectador admira el juego caprichoso de los adornos azules sobre el fondo turquesa del mantel y las líneas de los objetos de la naturaleza muerta. El artista generalizó las formas de la cafetera dorada, la jarra verde y las manzanas rojizas en el jarrón; perdieron su volumen y los pequeños objetos obedecieron el ritmo de la tela y complementaron el acento colorido del cuadro;
Naturaleza muerta en la pintura rusa.
La naturaleza muerta como género pictórico independiente apareció en Rusia en principios del XVIII siglo, pero inicialmente fue considerado como un género “inferior”. La mayoría de las veces se utilizó como producción educativa y fue aceptada sólo de forma limitada como pintura de flores y frutas.
Pero a principios del siglo XX. La naturaleza muerta floreció en la pintura rusa y por primera vez se convirtió en un género igual. Los artistas buscaban nuevas posibilidades en el campo del color, la forma y la composición de naturalezas muertas. Entre los bodegones rusos se puede nombrar a I.F. Khrutsky, es decir. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko y otros.
lo mas naturaleza muerta famosa P. Konchalovsky es su "Lila".
P. Konchalovsky "Lila" (1939)
P. Konchalovsky "Lila" (1939)
P. Konchalovsky fue un seguidor de Cézanne en la pintura; buscó expresar la festividad del color característica del ruso; arte popular, con la ayuda del color constructivo de Paul Cézanne. El artista ganó fama precisamente gracias a sus naturalezas muertas, a menudo ejecutadas en un estilo cercano al cubismo y al fauvismo.
Su naturaleza muerta “Lila” está llena de este color festivo, que deleita la vista y la imaginación. Parece que el aroma primaveral de las lilas flota desde el lienzo.
Los racimos de lilas se representan de forma general, pero la memoria interna nos dice los contornos de cada flor del racimo y es por eso que la pintura de Konchalovsky parece realista.
El contemporáneo de Konchalovsky, I. Mashkov, no fue menos generoso al representar la materialidad del mundo y la paleta de colores.
I. Mashkov “Bayas sobre el fondo de una bandeja roja” (1910)
Esta naturaleza muerta también tiene un derroche de colores, la capacidad de disfrutar cada momento que da la vida, porque cada momento es hermoso.
Todos los objetos de la naturaleza muerta nos son familiares, pero sentimos que el artista admira la generosidad de la naturaleza, la riqueza del mundo que nos rodea y nos invita a compartir esta alegría con él.
V. Nesterenko "Padre de la Patria" (1997)
V. Nesterenko "Padre de la Patria" (1997)
Esta es una naturaleza muerta del artista contemporáneo V. Nesterenko. El tema de la pintura se expresa en su título, y el contenido se revela en la representación de objetos de naturaleza muerta, símbolos del poder imperial de Pedro I. El retrato del emperador tiene como telón de fondo una escena de batalla, de las cuales hubo muchas en su vida. No tiene sentido volver a contar todos esos hechos por los que a Pedro I se le llama Padre de la Patria. Se pueden escuchar diferentes opiniones sobre las actividades del primer emperador ruso, pero en este caso el artista expresa su opinión, y esta opinión lo expresa de manera muy convincente.
La naturaleza muerta se encuentra en el Kremlin, en la sala de recepción del presidente de la Federación Rusa.
La naturaleza muerta como género pictórico independiente finalmente tomó forma en el siglo XVII. en las obras de artistas holandeses y flamencos.
Hasta ese momento no era un género independiente, sino que solo se incluía en otros géneros como marco para otros cuadros (por ejemplo, con guirnaldas de flores), decoración de muebles, interiores, etc.
Término
La palabra "naturaleza muerta" traducida del francés significa "naturaleza muerta" (naturaleza morte). Las flores en un jarrón son una naturaleza muerta; las mismas flores en un macizo de flores o en el jardín delantero: paisaje. En un sentido amplio, la naturaleza muerta es imagen artística objetos inanimados: plantas, caza, platos, etc. El artista no representa objetos "de la vida", tal como están ubicados en el interior, sino que los organiza deliberadamente de tal manera que resuelva algunos de sus propios problemas semánticos y artísticos.
A menudo, las naturalezas muertas contienen una alegoría oculta mediante el uso de objetos comunes, a los que el artista dota de símbolo, significado adicional y significado. Un ejemplo de naturaleza muerta alegórica es vanitas (del latín vanitas “vanidad, vanidad”).
Variedades de naturaleza muerta.
Vanitas
Michael Conrad Hirt. Vanitas
Vanitas es una naturaleza muerta alegórica. Suele representar, entre otras cosas, una calavera. Esta naturaleza muerta pretende recordarnos la fugacidad de la vida, la inutilidad de los placeres y la inevitabilidad de la muerte: una reflexión sobre el significado de la existencia humana. El término está tomado de un versículo de la Biblia: “¡Vanidad de vanidades, dijo Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!” En latín sonaba así: “ Vanitas vanitatum dixit Eclesiastés vanitas vanitatum omnia vanitas" Puedes leer más sobre vanitas.
Naturaleza muerta holandesa
Naturaleza muerta holandesa, formada en el siglo XVII. Como género independiente, influyó en el desarrollo posterior de toda la pintura europea. Resulta que los objetos comunes también viven, pero su vida es tranquila e imperceptible para los humanos. Hay una especie de misterio en esto. Al parecer, esta es la razón por la que el género de la naturaleza muerta se hizo popular y ha sobrevivido hasta nuestros días. A veces una naturaleza muerta atrae la vista, excita los sentidos, es imposible apartarse de ella: surgen algunas asociaciones, recuerdos fugaces...
Bodegón de flores
Este tipo de naturaleza muerta es quizás el más común y el primero en surgir como un género separado.
Jan Davids de Heem (1606-1684). Naturaleza muerta con florero(alrededor de 1645). Galería Nacional de Arte (Washington)
Tradicionalmente, en los Países Bajos se cultivaban muchas flores y se plantaban jardines, por lo que las naturalezas muertas florales eran una extensión natural de la vida social. Los primeros artistas de este género fueron Ambrosius Bosschaert el Viejo (1573-1621) y Balthasar van der Ast (1593-1657).
Ambrosius Bosshart el Viejo "Tulipanes, rosas, claveles blancos y rosados, nomeolvides y otras flores en un jarrón" (hacia 1619). Óleo sobre cobre
Bodegón científico
El tipo de naturaleza muerta más intelectual. Tales naturalezas muertas requerían una reflexión sobre lo representado y, para ello, el conocimiento de la Biblia y otros conocimientos sobre el mundo. Las vanitas también pueden incluirse en esta categoría, pero la naturaleza muerta científica tiene una temática más amplia: contiene libros, instrumentos musicales, etc.
María van Oosterwijk. Bodegón
D. Annenkov “Reflexiones con Baudelaire”
Naturaleza muerta en la pintura rusa.
En Rusia, la naturaleza muerta como género independiente apareció a principios del siglo XVIII. Pero durante algún tiempo (casi hasta finales del siglo XIX), la naturaleza muerta se consideró un género inferior y solo representaba flores y frutas.
Un artista famoso de este género en el siglo XIX. estaba yo. Khrutsky.
I. Khrutsky. Naturaleza muerta con jarrón (1832)
I. Khrutsky "Flores y frutos" (1838)
En el siglo XX La pintura rusa de bodegones se igualó entre otros géneros. Los artistas trabajaron en la perfección del color, la forma y la composición y el género comenzó a desarrollarse rápidamente.
Rusos famosos y artistas soviéticos que trabajaron y trabajan en el género de la naturaleza muerta: Konstantin Korovin (1861-1939), Igor Grabar (1871-1960), Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939), Martiros Saryan (1880 -1972), Ilya Mashkov (1881-1944), Elena Skuin (1909-1986), Peter Alberti (1913-1994), Sergei Osipov (1915-1985), Evgenia Antipova (1917-2009), Victor Teterin (1922-1991) ), Maya Kopytseva (1924-2005), Yaroslav Krestovsky (1925-2003), Vladimir Stozharov (1926-1973), Boris Shamanov (1931-2008), etc.
E. Skuin "Peonías y cerezas" (1956)
V. Stozharov. Naturaleza muerta con Rowan (1969)
Naturaleza muerta en varios estilos y movimientos artísticos.
Cambio de siglo XIX-XX. conocido por experimentos en el campo creatividad artística. La naturaleza muerta tampoco escapó a este destino. Los primeros en experimentar con la naturaleza muerta fueron Paul Cézanne, Paul Gauguin, Henri Matisse y otros.
P. Cézanne. Naturaleza muerta con cortinas (1889). Ermita (San Petersburgo)
El cubista P. Picasso experimentó audazmente.
P. Picasso “Jarra, vaso y libro” (1908)
J. Braque también trabajó en estilo cubista.
J. Matrimonio " Instrumentos musicales"(1908)
Los cubofuturistas trabajaron en busca de una nueva dimensión espacio-temporal.
K. Malevich “Vaca y violín” (1913). Museo Estatal Ruso (San Petersburgo)
Su “... sentimiento intuitivo encontró en las cosas la energía de la disonancia obtenida del encuentro de dos formas opuestas” (K. Malevich “Del cubismo y el futurismo al suprematismo”).
En las naturalezas muertas metafísicas de Giorgio Morandi (1890-1964), los objetos se presionan unos contra otros, formando densos grupos, como si intentaran conservar el calor, temiendo el frío externo y la agresión.
Giorgio Morandi. Naturaleza Morta (1956)
Mayoría representante famoso surrealismo Salvador Dalí en su famosa obra “La persistencia de la memoria”, que es esencialmente una naturaleza muerta alegórica, reflexiona sobre la relatividad del tiempo.
S. Dalí “La persistencia de la memoria” (1931)
Publicidad comercial de la segunda mitad del siglo XX. Fomentó en las personas una actitud codiciosa hacia las cosas y un consumo insaciable. Hay una fetichización del tema. Elementos del género de la naturaleza muerta están comenzando a transformarse de arte en fuente de consumo.
Andy Warhol "La lata de sopa Campbell" (1968)
Dmitry Krasnopevtsev representa el arte “no oficial” ruso, aunque tiene un clásico completamente oficial. educación artística(graduado del Instituto de Arte de Moscú que lleva el nombre de V.I. Surikov).
D. Krasnopevtsev. Bodegón
El género principal de Krasnopevtsev es la “naturaleza muerta metafísica”, cercana al surrealismo, con cerámicas simples, a menudo rotas, plantas secas y conchas. Estas obras, escritas en tonos cenicientos, desarrollan el motivo de la fragilidad y la irrealidad del mundo.
Pero los bodegones del artista contemporáneo Dmitry Annenkov son bastante “animados”. Son diferentes: alegres, tristes, divertidos, pero bastante vivos. Quiero tocarlos. Al contemplar estos bodegones es imposible no sonreír amablemente.
D. Annenkov “Naturaleza muerta con molinillo de café”
D. Annenkov "Sol de primavera"
D. Annenkov "Recuerdos del verano"
En un verano sofocante en el campo o en una tormenta de nieve prolongada. Sin salir de casa, puedes inspirarte en frutas comunes o flores inusuales. El sujeto no intenta girar la cabeza, como en un retrato, y no cambia las sombras en luces cada segundo, como en un paisaje. Eso es lo bueno del género de naturaleza muerta. Y "naturaleza muerta" traducida del francés, o "vida tranquila de las cosas" en la versión holandesa, realmente anima el interior. Natalya Letnikova presenta los 7 mejores bodegones de artistas rusos.
"Violetas del bosque y nomeolvides"
Violetas del bosque y nomeolvides.
La pintura de Isaac Levitan, como un cielo azul y una nube blanca, es del cantante de la naturaleza rusa. Solo que en el lienzo no hay extensiones nativas, sino un ramo de flores silvestres. Dientes de león, lilas, acianos, siemprevivas, helechos y azaleas... El taller del artista después de que el bosque se convirtiera en “invernadero o florería" Levitan amaba los bodegones de flores y enseñó a sus alumnos a ver tanto el color como las inflorescencias: "No deben oler a pintura, sino a flores".
"Manzanas y hojas"
manzanas y hojas
Las obras de Ilya Repin realzan orgánicamente el brillante escenario del Museo Ruso. El artista itinerante compuso una composición para su alumno Valentin Serov. Resultó tan pintoresco que el propio profesor tomó el pincel. Seis manzanas de un jardín corriente, magulladas y con “barriles”, y un montón de hojas hechas jirones. colores de otoño, como fuente de inspiración.
“Ramo de flores. flox"
Ramo de flores. flox
Pintura de Ivan Kramskoy. "Una persona talentosa no perderá el tiempo representando, digamos, palanganas, peces, etc. Es bueno hacer esto para las personas que ya lo tienen todo, pero nosotros tenemos mucho que hacer", le escribió Kramskoy a Vasnetsov. Y, sin embargo, al final de su vida, el famoso retratista no ignoró el género de la naturaleza muerta. En la XII edición se presentó un ramo de flox en un jarrón de cristal. exposición itinerante. El cuadro fue comprado antes del día de la inauguración.
"Bodegón"
Bodegón
Kazimir Malevich camino a la “Plaza Negra” a través del impresionismo y el cubismo, evitando el realismo. Un frutero es fruto de búsquedas creativas, incluso dentro de la misma imagen: gruesas líneas negras de la técnica cloisonné francesa, platos planos y fruta voluminosa. Todos los componentes de la imagen están unidos únicamente por el color. Característica de un artista: brillante y rica. Como un desafío a los colores pastel. vida real.
"Arenque y Limón"
Arenque y limón
Cuatro niños y pintura. Esta combinación en la vida de un artista dicta inequívocamente el género. Esto es lo que pasó con Zinaida Serebryakova. Numeroso retratos familiares y naturalezas muertas a partir de las cuales crear un menú: “Cesta de frutas”, “Espárragos y fresas”, “Uvas”, “Pescado con verduras”... En manos de un verdadero maestro, “Arenque y limón” se convertirá en un obra de arte. Poesía y sencillez: piel de limón en espiral y pescado sin florituras.
"Naturaleza muerta con samovar"
Naturaleza muerta con samovar
Alumno de Serov, Korovin y Vasnetsov, "Jota de Diamantes", a Ilya Mashkov le encantaba representar el mundo que lo rodeaba, y de manera más vívida. Figuras de porcelana y begonias, calabazas... Carne, caza, en el espíritu de los viejos maestros, y pan de Moscú, bocetos del mercado de Smolensk de la capital. Y según la tradición rusa, ¿dónde estaríamos sin un samovar? Una naturaleza muerta de la zona de la vida festiva con frutas y platos vistosos se complementa con una calavera, un recordatorio de la fragilidad de la vida.
"Estudiar con medallas"
Estudiar con medallas
Naturaleza muerta al estilo soviético. El artista del siglo XX Anatoly Nikich-Krilichevsky mostró en un cuadro la vida completa de la primera campeona mundial soviética de patinaje de velocidad, María Isakova. Con copas, detrás de cada una de las cuales hay años de entrenamiento; medallas que se ganaron en una encarnizada lucha; cartas y ramos enormes. Hermosa foto para el artista y una crónica artística de éxitos deportivos. Historia de naturaleza muerta.