hogar / Alojamiento/ Imagen estética del mundo y los problemas de su formación Irina Mikhailovna Suvorova. Estética de las bellas artes, teatro, literatura, coreografía Bellas Artes Específicos, estructura y funciones de la imagen estética del mundo.

Imagen estética del mundo y los problemas de su formación Suvorova Irina Mikhailovna. Estética de las bellas artes, teatro, literatura, coreografía Bellas Artes Específicos, estructura y funciones de la imagen estética del mundo.

Enciclopedia de la percepción (del sitio web del editor)

La fotografía es un arte. Muchas copias se rompieron, sin embargo, ahora esto se puede afirmar con seguridad. A continuación se muestra una traducción de un artículo de la enciclopedia científica generalmente popular Bruce Goldstein "Encyclopedia of Perception". Me encontré con este libro por casualidad: Richard Zakia "jugó" conmigo - un libro que simplemente requiere lectura para personas relacionadas con la fotografía - Richard Zakia "Percepción e imágenes / Fotografía: una forma de ver" - y me apresuré a buscarlo o un reemplazo para ello. Así fue como conocí a Goldstein.

Haré una reserva de inmediato: la traducción está prácticamente sin edición, tenga en cuenta esto.

Ver obras de arte mientras se tiene una fuerte Impacto emocional, sigue siendo un proceso completamente personal. La discusión sobre la percepción estética de una pintura en el marco del estudio de los procesos perceptivos intenta cerrar la brecha entre una comprensión clara de los procesos de nivel inferior de percepción visual y cortical de las características objetivas de una imagen, como el color y la forma. y una comprensión menos clara del nivel superior de la fenomenología visual o experiencia subjetiva.

A lo largo de los siglos, la definición y el contenido del concepto de “experiencia estética” han sido presentados de maneras completamente diferentes. Normalmente, en el estudio de los procesos perceptivos (investigación de la percepción), la evaluación estética se determina mediante la preferencia basada en la belleza percibida de la imagen en cuestión. Así, el estudio de la percepción se basa en los enfoques estéticos de David Hume y Immanuel Kant, en términos de gusto y belleza que discuten. Se cree que los factores que influyen en la respuesta estética a una pintura incluyen tanto las características físicas de la obra en sí, que existen "dentro del marco", como influencias contextuales, como el título de la obra y la manera en que se muestra ( presentación), que existen “fuera del marco”.

La investigación de los problemas de la percepción estética todavía se basa en métodos grupales (enfoque nomotético), sin embargo, se cree que sólo el estudio del individuo (o el enfoque ideográfico) puede servir como punto de partida si el objetivo es comprender plenamente el proceso. . Este artículo examina cómo se mide la estética, define los enfoques objetivistas y subjetivistas de la estética y analiza cómo los investigadores utilizan estos enfoques.

Dimensión de la estética

Los orígenes de la estética empírica generalmente se atribuyen a Gustav Fechner y su libro Estética elemental, y a Daniel Berlyne se le atribuye el resurgimiento del interés en la aplicación de métodos científicos al estudio de la estética en la década de 1970. Estos primeros experimentos tenían como objetivo identificar la estética empírica. preferencias individuales de los sujetos a través de la evaluación de grandes conjuntos de estímulos creados artificialmente, llamados "polígonos" (polígonos) se diferenciaban entre sí por un conjunto determinado de variables cuantitativas (contables), divididas en colativas (por ejemplo, complejidad), psicofísicas. (por ejemplo, color) y ambiental (por ejemplo, significado/significado). Según el enfoque psicobiológico de Berlyne, la experiencia/percepción estética debería ser mayor para el nivel promedio de excitación, calculando la excitación como la suma de las propiedades involucradas: así, por ejemplo, Los polígonos deben contener menos color que los polígonos con menos lados.

Estos primeros estudios establecieron enfoques para medir la experiencia estética utilizando una escala numérica simple (también conocida como escala Likert) pidiendo ordenar o calificar imágenes desde las menos preferidas/hermosas hasta las más preferidas/hermosas. Aunque este método es fácilmente criticado debido a la inaccesibilidad de los sujetos a toda la gama de evaluaciones, tales mediciones subjetivas se encuentran en la base del estudio perceptivo de lo estético. Con el tiempo, las evaluaciones subjetivas de la experiencia estética se han complementado con medidas objetivas, como el tiempo dedicado a ver una sola imagen y el nivel de oxigenación de la sangre en el cerebro, para proporcionar datos convergentes para comprender la experiencia estética.

Estética “dentro del marco”

Los primeros experimentos destinados a comprender la estética a través de estudios de percepción mostraron una simplificación significativa del enfoque. Se suponía que se podía llegar a comprender los orígenes de la belleza de la obra de arte en cuestión estudiando las reacciones individuales a los elementos básicos de la percepción visual. Al mismo tiempo, la evaluación general cuadro se dividió en estudiar la preferencia de sus componentes individuales: combinaciones de colores, orientación de líneas, tamaños y formas. Un factor limitante común para muchos investigación psicológica También existe una discrepancia entre la capacidad de controlar los materiales propuestos dentro de las paredes del laboratorio y, en consecuencia, la capacidad de generalizar los datos obtenidos, y los ejemplos mucho más diversos y ricos de bellas artes que existen en el mundo real. La investigación basada en estímulos visuales abstractos significa que los sujetos no tienen exposición previa a imágenes, limitando la experiencia estética al lado primitivo, donde se excluye la influencia del esquema o la memoria y la imagen se evalúa únicamente a través de los estímulos. Y este tipo de estímulos distan mucho de ser reales: ¿el estudio de los polígonos nos dirá algo sobre la obra de Picasso?

William Turner, El naufragio

Posibilidad de investigación en la intersección de la parte inferior y Niveles más altos La experiencia visual la proporcionan las obras de Piet Mondrian, en las que los elementos pictóricos se superponen de manera especial a formas visuales básicas como la orientación de las líneas y el color. Permitieron a los investigadores variar sucesivamente el espaciado de las líneas, su orientación y grosor, y la ubicación y combinaciones de colores dentro de una pintura determinada para evaluar el nivel de cambio en el que los sujetos juzgaron que la composición original de Mondrian era más agradable estéticamente que la alterada. Los resultados mostraron que incluso los sujetos sin formación en el campo de las bellas artes obtienen calificaciones más altas. pinturas originales, lo que sugiere que la percepción estética está determinada en parte por la disposición de los elementos visuales en una pintura. Otros estudios han demostrado que la preferencia estética por las pinturas originales sobre las modificadas también se aplica a las obras representativas, aunque la preferencia por las pinturas originales sólo surgió después de que se habían realizado modificaciones significativas. Estas observaciones sugirieron que una pintura en la que el artista haya logrado la mejor disposición (o equilibrio) de los elementos será estéticamente preferible, y este equilibrio compositivo es fácilmente percibido por los no artistas. Los hallazgos encajan perfectamente con el principio de Prägnanz de la psicología Gestalt (también conocido como “corrección visual”) y proporcionan evidencia del universalismo en la experiencia estética.

Marcel Duchamp, Desnudo bajando una escalera

Estética "fuera del marco"

En contraste con el enfoque objetivista del estudio empírico de la estética, en el que se considera que la belleza de una pintura está oculta en la organización de los propios elementos visuales, el enfoque subjetivista enfatiza el papel de los factores externos a la hora de determinar qué es bello y qué es. no es. La necesidad de un componente subjetivista en la estética quedará clara para cualquiera que haya tenido la desgracia de acompañar a un amante de la pintura renacentista a través de una galería. arte contemporáneo. Que los individuos puedan tener completamente diferentes reacciones a los mismos estímulos visuales, indica que la actitud hacia el arte y la preparación tienen un impacto significativo en la percepción estética. Las comparaciones entre las percepciones de espectadores inexpertos y críticos de arte se encuentran a menudo en literatura cientifica, aunque aún no se ha logrado comprender lo que significa ser un “crítico de arte” o “qué constituye un crítico de arte”. Basado en las diferencias entre arte figurativo y abstracto, color original o modificado. imagen en blanco y negro, las preferencias estéticas de los “principiantes” tienden hacia las representaciones en color del arte figurativo, mientras que los críticos de arte tienden a tener una gama mucho más amplia de preferencias.

Edward Munch, El grito

Se cree que el título de una pintura influye en la respuesta estética del espectador. Sin embargo, esta influencia depende tanto del contenido del título como del tipo de imagen a la que hace referencia. Agregar un título descriptivo para pinturas representativas puede ser redundante (por ejemplo, Shipwreck, The Shipwreck, de William Turner), pero con obras más abstractas (por ejemplo, Desnudo descendiendo una escalera de Marcel Duchamp), el título puede ayudar al espectador a desbloquear ciertos elementos ambiguos en el lienzo. Además, información adicional sobre el origen, estilo o interpretación de una obra puede influir significativamente en la respuesta de un individuo. Así, la información de que en El grito (1893) de Edvard Munch el personaje en primer plano en realidad no grita, sino que intenta protegerse del grito de la naturaleza, puede cambiar radicalmente la percepción estética del lienzo. Se han realizado estudios que comparan las reacciones ante obras sin título y aquellas con títulos descriptivos o explicativos. Los títulos descriptivos suelen ser útiles para comprender adecuadamente una pintura, mientras que es más probable que los títulos explicativos conduzcan a una respuesta estética más profunda. Otro factor externo que influye en la percepción estética es el lugar donde se mira el cuadro. En aras de la integridad experimental, a las personas que participan en investigaciones estéticas empíricas se les suele pedir que vean imágenes en un monitor de computadora durante un tiempo limitado. Esto es completamente diferente a ver pinturas en una galería, donde se presentan en su tamaño original; La distancia de visualización suele calcularse cuidadosamente y el tiempo de visualización no está limitado. Hay pocos datos que comparen la percepción de originales y copias reducidas e indican la ausencia de diferencias significativas en la percepción; sin embargo, se puede suponer que algunos efectos ópticos o el efecto de escala pretendido por el artista puede perderse al reducir el tamaño. Por ejemplo, las grandes pinturas en color de Mark Rothko pueden valorarse de manera diferente si no se conservan sus dimensiones. Se ha demostrado experimentalmente que una persona suele pasar medio minuto mirando una imagen. Las restricciones de tiempo también pueden limitar la profundidad del análisis de una pintura, llevando a una evaluación estética sólo de las propiedades generales de la imagen.

¿Es mensurable el sentido del gusto?

Una comparación de los enfoques objetivista y subjetivista de la percepción estética de las obras de arte condujo al inicio del proceso de unificación; nuevo enfoque llamado interactivo. Lo que habla a favor del enfoque objetivista es que tanto el representante como el pintura abstracta evocan una respuesta estética y, como tal, la relación entre enfoques debe verse a través de la lente de la pintura misma, más que de su contenido. Una defensa del enfoque subjetivista es que estímulos visuales idénticos pueden conducir a preferencias estéticas diferentes. Queda claro que es necesario considerar alternativas al enfoque nomotético de la estética experiencial. Al descomponer estímulos visuales complejos en componentes básicos, a los investigadores les ha resultado difícil crear un modelo grupal de satisfacción estética que refleje adecuadamente la personalidad. Además, la aplicación clínica de la estética tiende a inclinarse hacia un enfoque ideográfico. Por ejemplo, el beneficio paliativo de ver arte en el ámbito de la atención sanitaria se basa más en lo personal que en lo institucional. Aunque los pacientes primeras etapas Las enfermedades de Alzheimer se diferencian entre sí en la clasificación de las imágenes, sus preferencias estéticas pueden permanecer estables durante un período de dos semanas, mientras que la memoria explícita no permanece estable durante este período. Finalmente, los ejemplos existentes de imágenes de hombres y Cuerpo de mujer, reflejando ideas sobre el ideal, mostró que las valoraciones estéticas dependen en gran medida de una serie de factores socio-psicológicos inherentes al momento de la creación de estas imágenes. Comprender la estética tanto a nivel individual como grupal promete conducir a una comprensión más intensa y bella del entorno. La investigación en estética experiencial ha demostrado que, de hecho, es posible encontrar una dimensión para el gusto, aunque algunos de los aspectos más importantes de la experiencia estética siguen siendo difíciles de alcanzar.

Ben Dyson

Agregaré por mi cuenta.

Percepción- (del latín perceptio - representación, percepción) el proceso de reflejo directo de la realidad objetiva por los sentidos.

arte figurativo(del lat. figura - apariencia, imagen) - obras de pintura, escultura y gráfica, en las que, a diferencia de la ornamentación abstracta y el arte abstracto, hay un elemento figurativo.

Cortical – relacionado con la corteza cerebral, cortical

escala Likert– lleva el nombre de Rensis Likert – una escala de preferencias utilizada para identificar preferencias en encuestas.

Embarazo(claro, claro) - se refiere a la Ley del Embarazo, formulada por Ivo Köhler, uno de los fundadores de la psicología Gestalt. La ley de preñez o “cierre” es que “los elementos del campo se aíslan en formas que son más estables y causan el menor estrés” (Forgus). Así, si la imagen de un círculo roto parpadea en la pantalla con gran frecuencia, veremos este círculo intacto.

Comprender el objeto que se mide

La placa fue tomada prestada de psylib.org.ua. Autor - O.V. Belová

movimiento: esteticismo
tipo de bellas artes: cuadro
Idea principal: arte por el bien del arte
país y periodo: Inglaterra, 1860-1880

En la década de 1850, surge una crisis en Inglaterra y Francia. pintura academica, arte requiere actualización y la encuentra en el desarrollo de nuevas direcciones, estilos, tendencias. En Inglaterra, en las décadas de 1860 y 1870, surgieron varios movimientos, entre ellos esteticismo, o movimiento estético. Los artistas estetas consideraban imposible seguir trabajando según las tradiciones y modelos clásicos; La única salida posible, en su opinión, era una búsqueda creativa fuera de la tradición.

La quintaesencia de las ideas de los estetas es que el arte existe por el arte y no debe tener como objetivo moralizar, exaltar o cualquier otra cosa. La pintura debe ser estéticamente bella, pero sin argumento, sin reflejar problemas sociales, éticos y de otro tipo.

“Durmientes”, Albert Moore, 1882

En los orígenes del esteticismo se encontraban artistas que inicialmente apoyaban a John Ruskin, miembros de la Hermandad Prerrafaelita, quienes a principios de la década de 1860 abandonaron las ideas moralizantes de Ruskin. Entre ellos se encuentran Dante Gabriel Rossetti y Albert Moore.

“Lady Lilith”, Dante Gabriel Rossetti, 1868

A principios de la década de 1860, James Whistler se mudó a Inglaterra y se hizo amigo de Rossetti, quien dirigía un grupo de estetas.

“Sinfonía en blanco n.° 3”, James Whistler, 1865-1867

Whistler está profundamente imbuido de las ideas de los estetas y su teoría del arte por el arte. Al escrito de demanda presentado contra John Ruskin en 1877, Whistler adjuntó un manifiesto de artistas estetas.

Whistler no firmó la mayoría de sus pinturas, pero en lugar de una firma dibujó una mariposa, tejiéndola orgánicamente en la composición; Whistler hizo esto no solo durante el período de su pasión por el esteticismo, sino a lo largo de toda su creatividad. Además, fue uno de los primeros artistas en empezar a pintar marcos, haciéndolos parte de las pinturas. En Nocturno en azul y oro: viejo puente de Battersea, colocó su mariposa característica en un patrón en el marco de la pintura.

Otros artistas que aceptaron y encarnaron las ideas de los estetas son John Stanhope, Edward Burne-Jones y algunos autores también clasifican a Frederic Leighton como esteta.

“ Pavonia” , Frédéric Leighton, 1859

La diferencia entre esteticismo e impresionismo.

Tanto el esteticismo como el impresionismo surgieron aproximadamente al mismo tiempo: en las décadas de 1860 y 1870; El esteticismo surgió en Inglaterra, el impresionismo en Francia. Ambos son un intento de alejarse del academicismo y de los ejemplos clásicos en la pintura, y en ambos la impresión es importante. Su diferencia es que el esteticismo transformó la impresión en una experiencia subjetiva, reflejando la visión subjetiva de la imagen estética por parte del artista, y el impresionismo transformó la impresión en un reflejo de la belleza momentánea del mundo objetivo.

Recientemente una persona me escribió y me dijo que le gustaban mis fotografías, pero que, lamentablemente, no tiene “ojo fotográfico”. Esto me impulsó a escribir el siguiente artículo sobre los fundamentos de la estética en fotografía.

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Cuando hablamos de estética nos referimos a que algunas imágenes resultan más atractivas a nuestra vista, ya sean fotografías, pinturas o esculturas.

La diferencia entre un fotógrafo y cualquier otra persona no es la capacidad de notar la belleza, sino que el fotógrafo debe ser capaz de explicar por qué algunos elementos son agradables y otros no. Todo el mundo tiene conocimientos de estética. Cualquiera puede verlo, pero sólo unos pocos pueden analizar la pintura y explicar las técnicas de composición que crean una bella imagen.

Estas técnicas no fueron “inventadas” por artistas expertos. Se han encontrado en una variedad de disciplinas. Por ejemplo, la proporción áurea es importante no sólo en fotografía o pintura, sino también en arquitectura, matemáticas e incluso en arreglos florales. Esto significa que podemos aplicar algunos de estos reglas universales para crear imágenes que la mayoría de la gente percibirá como visualmente armoniosas.

Elementos de composición

Líneas principales

La mirada del espectador se guía automáticamente por líneas guía y otros formas geométricas. Las líneas principales ayudan a enfatizar el objeto, que se convierte en el centro de atención. Si los ojos siguen naturalmente las líneas y finalmente se fijan en el objeto, se crea una impresión muy armoniosa.

Regla de los tercios

La regla de los tercios se basa en un principio simplificado de la proporción áurea y divide una imagen en tres áreas iguales. Ayuda a colocar el sujeto descentrado y crear un efecto agradable.

Las zonas ideales para colocar objetos son cuatro puntos formados como resultado de la intersección de líneas paralelas a los lados del marco. En fotografía callejera es recomendable utilizar puntos altos. Nos permitirán mostrar más del tema en el que queremos centrarnos.

triangulos

Las formas geométricas ayudan a crear movimiento dinámico en una fotografía. Forman una base auxiliar que mejora la percepción y combina elementos individuales del marco en un solo todo. Por ejemplo, son populares los objetos geométricos como triángulos y círculos.

regla extraña

La foto anterior ya muestra un ejemplo donde tres objetos forman un triángulo. Pero el espectador se alegra al ver no sólo tres objetos. 5 o incluso 7 puntos de interés pueden mejorar enormemente el valor estético de una imagen.

Esta extraña regla se explica por el hecho de que si los objetos son fáciles de organizar, organizar en pares (2, 4, 6, etc.), entonces nuestro cerebro deja de ser interesante.

romper la simetria

Una imagen simétrica es un gran logro, pero un marco 100% simétrico es demasiado obvio. Para hacerlo más interesante, puedes simplemente colocar el objeto a la izquierda o derecha del eje de la sección.

Resumámoslo

Las siguientes técnicas de composición le ayudarán a crear fotografías estéticamente agradables. No es necesario nacer con unos ojos "excepcionales" para ver imágenes interesantes. Cada persona tiene un sentido estético. La diferencia radica en poder explicar y recrear fotografías o pinturas agradables.

Las reglas básicas son una forma sencilla de crear algo de intensidad en una imagen sin todo el caos. En otras palabras: una imagen estéticamente exitosa no se vuelve grandiosa automáticamente. Esta es simplemente una base excelente para exponer la trama.

El artículo examina los principios de la formación y funcionamiento de la imagen artística del mundo en el contexto de los valores estéticos y espirituales humanos. Se ha determinado que como resultado de la proyección-refracción de los valores estéticos en el arte pintura de arte El mundo adquiere las cualidades de una herramienta cognitiva, un recurso pragmático que regula las relaciones, normas y valores sociales. El coordinador aquí es el artista, quien expresa simultáneamente las actitudes de la cultura mental y los conceptos de valor del autor. Como resultado, surge una variedad de valoraciones ideológicas y estéticas subjetivas sobre diversas cuestiones sociales relacionadas con la vida de una mentalidad particular. Así, la conciencia estética en la sociedad se adhiere a actitudes mentales, pero al mismo tiempo se manifiesta a través de la polisemia de interpretaciones de los ideales y principios valorativos de los sujetos culturales. Como resultado, la imagen artística del mundo de la sociedad se construye sobre la diversidad de las expresiones artísticas y estéticas del autor. La autora llega a la conclusión de que la integridad de su modelo depende del grado de cambio de las actitudes estéticas en la sociedad.

factor sujeto-objeto

mundo de la vida humana

espacio sociocultural

funcionamiento de la imagen artística del mundo

valores ideologicos

valores espirituales y estéticos

conciencia estética

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En la investigación moderna, las cuestiones sobre el estado del arte y las formas de su desarrollo interesan a especialistas de diversos campos del conocimiento. Pregunta principal Aquí está el eterno “ser o no ser” de Hamlet. Es causado por contrastes. mundo moderno, manifestado a través de una variedad de formas en actividad humana, y ese aluvión de información que ni siquiera siempre se comprende, pero que sin embargo empieza a penetrar por todas partes. Al mismo tiempo, se borran las fronteras de los valores espirituales y morales de la sociedad y surgen problemas con respecto al potencial del contenido holístico de la cultura. Todos estos procesos se reflejan claramente en el ámbito artístico moderno. Aparece como la cima, al alcanzar la cual se comienza a comprender profundamente lo que está sucediendo no solo en el arte, sino también en una sociedad particular y en el mundo, ya que hoy es global y, por lo tanto, transparente en sus manifestaciones. Hoy en día, la naturaleza problemática del arte se debe al marcado contraste en las relaciones entre las formas clásicas e innovadoras en la reflexión. En las obras de V.V. La estética de Bychkov subraya la certeza de que no todos los productos creativos modernos que pretenden ser artísticos deben llamarse arte; algunos de ellos se relacionan únicamente con prácticas artísticas; De hecho, tal distinción no es más que una búsqueda de apoyo en el caos cultural moderno, y no sólo en el caos artístico. En primer lugar, es una búsqueda del núcleo de lo que hay detrás del arte. Y hoy ésta es la manera de definir y poner énfasis en los valores de contenido espiritual en la cultura. Al mismo tiempo, el ambiente espiritual en la sociedad es siempre importante para la normalización de las relaciones que en ella se desarrollan. K. Jung señala el significado especial de lo artístico en el contexto del tiempo cultural, diciendo que esta reflexión "lleva consigo lo que la atmósfera espiritual moderna... más necesitaba". Esta importancia se debe a que los valores artísticos como resultado de la creatividad humana están directamente relacionados con sus valores estéticos e ideológicos.

Propósito del artículo: determinar los principios de la influencia de los valores estéticos en la formación de una imagen artística del mundo.

El proceso de reflexión artística del mundo mismo está estrechamente relacionado con percepción estética y la conciencia estética, que es considerada por A.L. Andreev como "la capacidad espiritual de dar una valoración estética a los objetos y fenómenos, formar una actitud estética hacia ellos y juzgar sus méritos estéticos". A su vez, el juicio sobre los objetos implica siempre una comparación, donde se toman como base determinadas pautas. En un contexto estético, ésta es una orientación hacia el ideal como bello y sublime. Contiene el deseo de una persona por lo mejor, un cierto sueño de algo más perfecto y lleno espiritualmente. A través de la manifestación histórica de los monumentos de arte, observamos cómo, en una actitud estética hacia el mundo, se han desarrollado ideas valorativas sobre lo bello o sublime y lo feo, antiestético. En nuestra opinión, esta alineación en la evaluación mundo real y los productos culturales no desaparecieron bajo la influencia de transformaciones socioculturales. Permaneció orgánico para la percepción del mundo debido al hecho de que en una evaluación tan contrastante y antinómica obtenemos una visión de las cosas y los fenómenos que es capaz de coordinar y racionalizar nuestra actitud hacia ellos y dirigir las acciones de la vida. Por tanto, la actitud estética de una persona hacia la realidad que la rodea se considera una actitud de valor. La evaluación estética se correlaciona con los valores ideológicos y socioculturales, cuando el sistema de valores de una determinada cultura cubre todo su espacio y tipos de actividad humana, que incluye la esfera del arte. Así lo confirma su estudio de V.I. Volkov: “El enfoque axiológico del arte es plenamente coherente con su esencia social, estética y cognitiva, ya que el arte afirma el ideal estético social a través de la reflexión y la evaluación artística y figurativa de la realidad”. Basado en la conexión entre el arte y actividades esteticas Surge la persona y su manifestación multifuncional en la sociedad, la capacidad de reflexionar. Diferentes areas esta actividad.

Entonces, la función holística de la esfera estética es acumular valores espirituales y morales para una persona en la sociedad. Por tanto, a la hora de promover estos valores, también asume el papel de una herramienta cognitiva indirecta diseñada para regular las orientaciones valorativas. Dado que lo artístico pretende reflejar el contenido estético de la cultura mental, el arte en este contexto recibe las cualidades de un fenómeno que tiene un orden resultante y determinante. Así, refleja y promueve el propósito de lo estético en la sociedad a través de una variedad de formas de arte. La estética reflejada en el arte se proyecta en última instancia en la imagen artística del mundo. Al igual que la imagen del mundo, representa la quintaesencia de la relación del hombre con el mundo en la forma de su interpretación artística y estética. Por tanto, el modelo de actitud artística hacia el mundo como derivado de la imagen del mundo y del arte, en nuestra opinión, debe considerarse en el aspecto del cognitivismo estético, que determina el significado de lo artístico: 1) como una forma de cognición, 2) como recurso regulatorio-pragmático, 3) como fijador del grado de conciencia de las relaciones situacionales en la sociedad. Este enfoque nos permite simplificar las visiones de los procesos artísticos, sistematizarlos a través del concepto de un modelo holístico de la imagen artística del mundo. En concreto, su sistematicidad se construye durante la reconstrucción del arte, o más precisamente, al pasar del análisis de las obras de arte a la identificación de la imagen del mundo que es su base. El mecanismo aquí está enteramente dirigido a identificar la relación de una persona con el mundo, oculta en el sistema signo-simbólico del arte. En su contenido, la cosmovisión estética interactúa libremente con la racionalidad de las formaciones ideológicas; en consecuencia, su estructura se basa en la conexión de dos tipos de categorías: filosóficas e ideológicas y artísticas y estéticas. A través de estas categorías se expresa la naturaleza de la actitud estética hacia el mundo, los ideales y normas de una persona.

Al mismo tiempo, los valores estéticos reflejados en la imagen artística del mundo desempeñan indirectamente el papel de reguladores de las relaciones en la cultura mental. Ayudan a mantener la unidad en el sistema de conexiones subjetivo-objeto-sujeto y se centran en resolver las contradicciones en la estructura de la integridad general de las relaciones en la sociedad, lo que sugiere que mantener las diferencias en la relación entre sujeto y objeto contribuye a la organización consciente de su unidad y correspondencia. El aspecto sujeto-objeto está estrechamente relacionado con la manifestación creativa de una persona, con el factor de su influencia significativa en procesos internos la cultura, sobre sus cambios espirituales y estéticos. Los procesos artísticos son una especie de barómetro de lo que sucede en la sociedad. Al mismo tiempo, la actividad de las transformaciones aquí depende de la fuerza del núcleo de la cultura, que contiene la esfera conceptual de los valores ideológicos y estéticos. Al mismo tiempo, el núcleo está rodeado por un espacio sociocultural periférico que, debido a su conexión con los procesos vitales, es móvil y cambiante. El artista como sujeto cultural está asociado a estas dos dimensiones socioculturales. Sus impulsos creativos, al nivel de la intuición sutil, capturan todas las conexiones de las relaciones. Verdadera creatividad En verdad, por lo tanto, los valores que se promueven a través de él agudizan la percepción y actualizan el contenido espiritual. Así, lo artístico, al ser una refracción única de lo estético en la esfera del arte, encarna “la unidad de la contemplación estética del mundo y el talento artístico realizado en una obra de arte”. La personalidad del artista y su cultura ideológica determinan la fuerza de su capacidad para influir en la sociedad, la capacidad de asumir el papel de regulador en el sistema de estas conexiones. En consecuencia, el comienzo de la creación de una imagen artística del mundo es el proceso creativo mismo del artista. El artista evalúa los fenómenos de la realidad a través del prisma de los valores estéticos, cuando los hechos y acontecimientos de la vida se reflejan desde el ángulo de su visión y conceptos. La obra sirve como conductora de sus valores y actualiza experiencias estéticas. Claramente los mecanismos encarnación artística La sistematización de normas se presenta en las formas tradicionales de obra literaria. Basado en las observaciones de G.G. Pocheptsova, “la literatura (al igual que el ritual) puede considerarse como una estructura generadora de normas”. Las normas aquí se introducen como resultado de castigar lo negativo y recompensar lo positivo. Así, la situación se ordena a favor de la norma introducida, donde todo lo aleatorio se organiza en el texto a medida que se desarrolla la trama. A partir de las características específicas de los personajes, la valoración de las circunstancias por parte del autor, etc., se forma una visión sistemática. La visión sistémica del autor, formada en sus obras, se reconstruye con la ayuda de una imagen artística del mundo.

Al considerar la imagen artística del mundo como acumulador de conciencia estética en el espacio sociocultural, nos enfrentamos ante todo a un campo diverso de intereses: por un lado, está unido, a nivel de una sociedad integral, por otro. el otro, bipolar, a nivel del sujeto-autor y del sujeto-destinatario, y al mismo tiempo multipolar y multidimensional, teniendo en cuenta que existen muchas valoraciones subjetivas en la sociedad.

A nivel del contexto social general, la actitud valorativa se basa en una idea esquemática de lo perfecto, ideal o, por el contrario, que no corresponde a estos ideales. Así, las obras de arte en la sociedad adquieren valor para una persona en la medida en que se la incluye en su proceso social, en correlación con sus necesidades espirituales, metas y la idea de un ideal estético. Sobre esta base, la imagen artística del mundo que hace el autor representará una realidad socialmente determinada. gusto artístico y valoración estética. Pero una de las preguntas más apremiantes para los investigadores hoy en día es hasta qué punto lo social influye en la libertad de expresión del autor, hasta qué punto las ideas y los gustos del autor son consistentes con los ideales de la sociedad, con aquellos requisitos de evaluación sociedades que se establecen para el reflejo artístico y estético del mundo. Al mismo tiempo, la política existente en la sociedad siempre busca subordinar campo artístico como una esfera de poderosa influencia sobre una persona. Pero, por regla general, los verdaderos artistas no quieren perder su independencia en la creatividad. Un tema político puede relacionarse con el artista si comparte su ideología o, por el contrario, busca resistirse a ella. EN obras clasicas Los valores y relaciones legales se convirtieron con bastante frecuencia en objeto de comprensión figurativa. El artista, a su vez, pretende interactuar abiertamente con ella en el marco de su identidad con la sociedad. La acumulación de pensamientos y actitudes de la sociedad desde dentro es una especie de presagio de lo que está sucediendo. Lo importante para un artista es el deseo de ser escuchado, visto, comprendido, es decir, empatizaron con él. Está dirigido al receptor humano, que también está interesado en determinar su posición social. Por lo tanto, a principios de la década de 1970. Los analistas de arte señalaron que el artista actúa cada vez más como investigador de los procesos sociales cambiantes. A su vez, la investigación sociológica recurre al contenido ideológico y artístico específico de las obras de arte como material específico para descubrir tendencias desarrollo espiritual individuos y sociedad.

Otra posición es en el nivel bipolar, donde la formación y funcionamiento de la conciencia estética en el espacio sociocultural se realiza según el principio de expresión dual, representada por el sujeto como autor de una obra de arte y el sujeto-destinatario. Según A.N. Tolstoi, “quien percibe el arte es tanto creador como quien lo da”. Sobre esta base, la imagen artística del mundo se forma combinando los valores estéticos de la sociedad y el autor. Pero ya funciona al nivel de los destinatarios que son miembros de una sociedad determinada o representantes de otras culturas. A través del contacto con el arte, todos conocen los valores estéticos, por supuesto, en la medida de sus capacidades para este tipo de percepción. Cabe señalar que la posición de los destinatarios sólo puede revelarse a partir de documentos: memorias, cartas privadas, que de alguna manera abordan cuestiones del arte de su época. La actitud hacia los fenómenos artísticos modernos se puede aprender de los contemporáneos mediante la comunicación directa y sobre la base de técnicas especiales que tienen en cuenta aspectos sociológicos. Por ejemplo, dentro del enfoque dialéctico, la investigación social se construye teniendo en cuenta métodos cuantitativos y sistemáticos. El primer método subsume las cualidades del gusto artístico personal o social bajo “un conjunto de evaluaciones discretas del arte, juicios sobre valores artísticos". El segundo método representa el gusto artístico como elemento estructural conciencia estética, que aparece “en sistemas sociales de varios niveles: la sociedad en su conjunto - grupos sociales y capas: un individuo incluido en una u otra comunidad social". Al mismo tiempo, el individuo no se disuelve en lo social, ya que el estudio de determinadas relaciones sociales de las personas significa el estudio de "individuos reales, de cuyas acciones se componen estas relaciones".

En general, la actitud estética está asociada al problema de la percepción artística y la comunicabilidad del arte y, como consecuencia, a la determinación de las funciones sociales de la imagen artística del mundo. Por tanto, esta categoría no es sólo un registrador de los procesos artísticos de la sociedad, sino también un exponente de su ideología. Hay un ejemplo cuando los teóricos de la década de 1970. Se ha desarrollado una posición ambivalente respecto del papel del arte en la sociedad. Así, los partidarios de los movimientos no realistas tenían la opinión de que el arte no es comunicativo o tiene un pequeño grado de comunicabilidad, ya que un pequeño número de personas se comunica con el arte genuino y esto, por regla general, es la élite de la sociedad. Al mismo tiempo, el arte comercial se centra en la sencillez de los gustos estéticos y, en consecuencia, sirve como un medio de devastación espiritual. Los partidarios de las tendencias realistas, por el contrario, creen que el arte realista está abierto al espectador y se esfuerza por transmitirle su actitud de valor hacia el mundo, teniendo en cuenta los diferentes gustos y actitudes. En la obra “Tiempo y vida de las obras literarias” M.B. Khrapchenko revela un aspecto importante en la percepción y valoración de las obras de arte. En particular, habla del surgimiento gran número trabajo de investigación el llamado sentido mezquino-histórico y de comentario empírico, que provocan “insatisfacción, por así decirlo, con el estudio puramente sociogenético de la literatura”. Al mismo tiempo, el propio autor plantea el problema de la influencia artística y estética sobre el destinatario, sobre su actitud valorativa y subraya “la necesidad de un estudio amplio... del funcionamiento vivo” de las obras de arte en el espacio sociocultural.

Continuando con el pensamiento sobre el funcionamiento de la vida, deberíamos recurrir a aspectos importantes formación de una obra de arte desde el punto de vista de su relevancia social. Está determinado principalmente por la conexión del artista con el contexto sociocultural, que está estructuralmente representado por dos niveles: “espacio social” y “mundo de vida”. El primero es un “sistema ordenado y organizado colectivamente”, donde el componente individual depende de la actividad de una persona como sujeto de la sociedad. El componente muy subjetivo en el contenido de la cultura se origina en otro nivel: en el espacio del mundo de la vida, donde “el horizonte de todos los significados y posibilidades de la conciencia, las estructuras a priori de la experiencia prepredicativa, de donde surgen los valores. La cultura luego crece, se esconde”. Estas capas en el espacio de la cultura rodean al sujeto y se convierten en la base de su imagen del mundo, que incluye en su integridad “una variedad de formas y modos de conocimiento”. En consecuencia, reciben refracción en la imagen artística del mundo. El mundo de la vida es el suelo vivo de las obras de arte. Cuando un artista, en contacto con este mundo, actúa de acuerdo con su convicción interior al transmitir la verdad de la vida, plantea y generaliza los significados de este mundo, la obra alcanza el nivel de cimas artísticas que explotan incluso la conciencia. figuras famosas arte. Y aquí su posición se define como la de destinatarios de una categoría especial, que representa diferentes épocas culturales. Entonces, en el siglo XVIII. Voltaire, al caracterizar la obra de W. Shakespeare, declara las diversas manifestaciones de su creatividad: por un lado, lo llama el padre de la tragedia inglesa y, por el otro, el padre de la barbarie: “Su elevado genio, un genio sin cultura y sin gusto, creó un teatro caótico”. En nuestra opinión, el valor de la creatividad de Shakespeare es que nos muestra una imagen artística del mundo en el contexto abierto de su cosmovisión creativa. método creativo escritor. No se esforzó por refinar la vida, por cultivarla artificialmente, sino que unió todas las contradicciones humanas en sus elevados impulsos y bajas manifestaciones. A partir de esto Shakespeare ganó fuerza. Su obra rompe los límites de las formas convencionales de expresión de la vida y los valores estéticos. Esto se lleva a cabo debido a cambios en los límites del espacio-tiempo, el ritmo, cuando espacio social con sus universales establecidos, comienza a invadir abiertamente el espacio del mundo de la vida, en el que existe su propia expresión de sentimientos, su propia dinámica, etc. Suelen ser espontáneos. Por eso en Shakespeare van de la mano la comedia y la tragedia, la bufonada y la pérdida irreparable. Aquí encontramos un claro ejemplo de cómo el caos se manifiesta a través de la actitud del autor ante la vida y a través de la relación entre lo bello y lo feo en el arte, pero de una forma inusualmente contrastante y emocionalmente agravada. La obra de Shakespeare resultó significativa y su valoración pasó a la historia. Para los románticos, sus obras se convirtieron en un ejemplo de "arte inusualmente brillante y audaz, que rechaza todo tipo de cánones y reglas escolásticas preconcebidas". Al mismo tiempo, el romántico Byron “fue muy crítico con Shakespeare”. L.N. también lo criticó en un momento. Tolstoi, sometiendo sus obras a duras críticas. Y todo esto sucedió porque Shakespeare era un escritor fuera de la tradición. Pero esto no significa que sus obras no puedan considerarse una visión holística del mundo. Su obra nos muestra una imagen artística del mundo, construida sobre la integridad de la percepción sensorial, por lo que se ha convertido en un ejemplo de tal imagenes artisticas que no tienen un especifico espacio cultural y el tiempo, viven fuera de estas dimensiones según los estándares de la humanidad universal. Por supuesto, Voltaire, que se adhirió a los cánones clásicos de la Ilustración, no entendió la libre liberación de intenciones de vida contrastantes en lo artístico y lo estético. A su vez, la valoración de Voltaire expresa una posición predeterminada por la época y las opiniones sobre el arte que existieron durante la Ilustración. Las ideas de los ilustradores (Voltaire, Rousseau, Diderot, Lessing) tenían como objetivo educar a un nuevo ciudadano. El arte, en su opinión, debería centrarse en reproducir las realidades de la vida y en la imitación de la “naturaleza natural”. Los ilustradores intentaron sacar el arte del marco del clasicismo y dirigirlo por el camino de las tendencias realistas. Resolvieron la tarea de superar las contradicciones entre elitista y democrático en el arte a través de la educación del gusto. Pero, a juzgar por la reseña de Shakespeare, Voltaire el ilustrador no estaba preparado para el realismo abierto y él mismo se encontraba en una situación límite entre el elitismo y la democracia, por lo que la franqueza de Shakespeare simplemente lo sorprendió. El reflejo artístico del mundo que hace Shakespeare es holístico y marcadamente contrastante debido al hecho de que está creado según estándares clásicos de valores estéticos, desde lo feo hasta lo bello. A través de su imaginación activa el contenido del valor estético, despertando y llenando mundo espiritual persona en la sociedad. Este ejemplo muestra claramente que una imagen artística del mundo puede existir fuera del tiempo y sus principios ideológicos debido al hecho de que verdadero artista ve más lejos y siente más profundamente su tiempo. Al mismo tiempo, las ideas filosóficas que interpretan las formas de desarrollo del arte no siempre siguieron el ritmo del desarrollo del arte debido a cierto dogmatismo y pertenencia a la esfera de élite de la cultura.

Entonces, los principios de la formación y funcionamiento de la imagen artística del mundo están relacionados con el contexto de los valores estéticos y espirituales humanos. A su vez, la conciencia estética se construye sobre la síntesis de ideales ideológicos polivalentes y principios valorativos de los sujetos culturales. Como resultado de la proyección y refracción de los valores estéticos en el arte, la imagen artística del mundo adquiere las cualidades de una herramienta cognitiva, un recurso pragmático que regula las relaciones, normas y valores sociales. El coordinador aquí es el artista, quien expresa simultáneamente las actitudes de la cultura mental y los conceptos de valor del autor. Debido a la multidireccionalidad de las posiciones representadas, la imagen artística del mundo adquiere múltiples valores. Como resultado, surge una variedad de valoraciones ideológicas y estéticas subjetivas sobre diversas cuestiones sociales relacionadas con la vida de una mentalidad particular. Como resultado, la conciencia estética se construye sobre la síntesis de ideales polisemánticos y principios de valores como invariantes en la cultura y, en consecuencia, la imagen artística del mundo de la sociedad se vuelve polisemántica. Detrás de la valoración estética se esconde un contenido complejo, donde las valoraciones se revelan simultáneamente desde el punto de vista de los ideales morales, sociopolíticos y de otro tipo. Manteniendo diferencias en la relación entre sujeto y objeto, se accede a la organización consciente de su unidad y correspondencia armoniosa. El autor llega a la conclusión de que la integridad del modelo se construye sobre la base de modelos invariantes, mientras que la estabilidad depende del grado de cambio de las actitudes estéticas en la sociedad.

Revisores:

Svitin A.P., Doctor en Filología, Profesor, Profesor de la Universidad Federal de Siberia, Krasnoyarsk;

Mineev V.V., Doctor en Filología, Profesor, Profesor de KSPI que lleva su nombre. vicepresidente Astafieva, Krasnoyarsk.

Enlace bibliográfico

Musat R.P., Musat R.P. CUADRO ARTÍSTICO DEL MUNDO: ASPECTOS ESTÉTICOS // Temas contemporaneos ciencia y educación. – 2015. – No. 2-1.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21325 (fecha de acceso: 09/07/2019). Llamamos su atención sobre las revistas publicadas por la editorial "Academia de Ciencias Naturales".