ВходСкульптурный авангард александра архипенко. Скульптурный авангард александра архипенко Архипенко картины
Некоторые российские сайты именуют его художником «русского зарубежья». С таким же успехом его можно было назвать французским художником (он прожил во Франции с 1908 по 1921 год), немецким (в Берлине,1921-1923), американским (1923 -1964, до самой смерти).
В Москве же он пробыл всего 2 года (1906-1908).
Если учесть, что родился Александр Архипенко в Киеве и прожил в нем до 19 лет (отец – профессор Киевского университета, мать – дочь иконописца Мохового), то мы с полным основанием можем называть его и украинским скульптором.
Хотя, чего греха скрывать, его родина, соблюдая прекрасную традицию «поставщика талантов миру», родила его и забыла. Его имя в советской Украине было под запретом, наряду с именами Малевича и Кандинского в советской России. Большинство его работ, созданных в царской империи, были уничтожены. (Имена Малевича и Кандинского были инкарнированы на постсоветском пространстве, но этого не скажешь об Александре Архипенко.)
Сегодня его имя иногда можно услышать на лекциях по искусству или прочесть в редких, в основном, специализированных, изданиях и на сайтах. Но скульптуры Александра Архипенко, покорившие мир, широкому кругу людей в Украине вообще неизвестны.
И это очень обидно. Потому что современные дизайнеры и скульпторы всего мира во многом «питаются» его идеями.
Поэтому – давайте с ним познакомимся. Он заслуживает известности у себя на родине (в мире его и без нас хорошо знают).
Александр Архипенко был назван «самым впечатляющим скульптором современности» (французский поэт и арт-критик Аполлинер). Его считали основоположником кубизма в скульптуре. Если Пабло Пикассо был «кубическим» революционером в живописи, то Архипенко – в скульптуре.
Один из законодателей мирового искусства. Самый известный скульптор 20 столетия. Один из столпов мирового искусства 20 века.
Его работы выставлялись и выставляются в самых престижных музеях: галерея Соломона, центр Помпиду, музей Модерн Арт, галерея Гугенгейма (Нью-Йорк), музеи Стокгольма, Берлина, Тель-Авива, Москвы. А также его работы сегодня можно увидеть и в Украине: в Национальном художественном музее Украины, Национальном музее им. Шептицкого во Львове.
Что же выдающегося создал этот скульптор?
Чтобы осознать вклад любого художника в ту не всегда понятную, отделенную от обычной жизни структуру, куда попадают избранные, но при этом она вроде бы открыта для всех, — то, что называется «мировая культура», — нужно понять личность художника.
И очень показательной в этом смысле станет для нас сегодня веселая, а тогда – скандальная – история создания «Красного мыслителя». Ему было 19 лет, когда местный помещик заказал ему скульптуру на вольную тему. Юный Архипенко изваял из терракота мужскую скульптуру, преувеличенно-гротескную (простите за тавтологию), покрыл ее красной эмалью и экспонировал в одном из сельских магазинов. При этом повесил табличку, гласящую, что рабочие и крестьяне могут посещать выставку по заниженной цене. Это не очень понравилось представителю местной власти.
“Первым посетителем был полицейский надзиратель… «Почему рабочие и крестьяне должны меньше платить?» Потом узрел «Мыслителя». «А о чем он мыслит и почему красный?» Полицейский увидел в этом символ», – рассказывал позже художник.
Опишет личность художника и тот факт, что юный студент Архипенко выражал недовольство методами обучения в Киевском художественном училище и был отчислен оттуда за вольнодумство (в 1905 году).
В 1908 году он уже жил во Франции, куда поехал учиться. Вместе с Модильяни ходил по музеям и изучал традиции готики, Ассирии, Греции, Египта. При этом сумел не утонуть в классике, а создал свой неповторимый стиль.
Идеи и находки Александра Архипенко
Его работы были настолько необычными и интересными, что к нему сами пошли ученики, хотя ехал Александр Архипенко во Францию, чтобы найти себе учителя.
- Он первым использовал кубическую форму в скульптуре, ошарашив всех тем, что не тесал композиции, а строил их из различных геометрических форм. И это была не дань моде (как легко Архипенко вошел в кубизм, так легко и вышел), а стремление показать закономерность космического творения: материя рождается из хаоса, а из материи – упорядоченное тело.
Знаменитый «Гондольер», стиль: кубизм, 1914 год
- Кубизм был только способом для художника в поисках художественной истины. Он постоянно искал новые пути для воплощения художественных идей.
Знаменитые «Боксеры», 1914 год. Стиль: кубизм. Музей Гугенхейм, Нью-Йорк
- Одно из его новшеств – «скульптуро-живопись», где цвет подчеркивает рельеф, а рельеф дополняет цвет. Он первым в скульптуре начал расписывать поверхность красками, почувствовав художественную ценность в произведениях давних мастеров.
«Карусель Пьеро», 1913 год, музей Гугенхейм, Нью-Йорк
«Мы видим, что природа никогда не отделяет формы от цвета, а только в разных случаях соединяет их в бесконечную разнородность», -- говорил скульптор.
- Идея пустот в скульптуре принадлежит именно Александру Архипенко, а не Генри Муру, как это принято считать. Эта новая идея художественной экспрессии – идея углубления, воплощенная в виде пустоты. Простор (пустота) внутри скульптуры используется им как изобразительный элемент, по силе равный материальному.
Это была архипенковская находка – открытые формы. Не существует линии круга без пустоты. Оба эти элемента растворяются друг в друге, создавая себя.
«Женщина расчесывает волосы», 1915
«Именно отсутствие чего-то, а не присутствие, и есть причиной, импульсом мотива творения. Этот процесс присутствует в природе как скрытая сила и есть основным творческим возбудителем создания новых форм жизни». – Александр Архипенко.
- «Архипенковский стиль» в скульптуре: соединение металла, пластмассы, цемента, дерева, терракота, жемчужин, стекла. Сейчас в дизайне пространства и скульптур это кажется обыденным, но кто-то должен был быть первым. И этим кем-то был А. Архипенко.
«В будуаре» (Перед зеркалом), 1915. Масло, графит, фотография, металл, деревоl, 1941 год
- Современные движущиеся бил-борды существуют благодаря тому, что в 1912 году скульптор придумал, а в 1924 году создал архипентуру – «двигающуюся живопись». Это сложный механизм, который с помощью узких цветных полосок создавал живописные композиции.
Архипентура, 1924 год. Фонд Архипенко, Нью-Йорк
Архипентура, 1924 год, Фонд Архипенко, Нью-Йорк
Инженерная конструкция архипентуры
- На всемирной выставке в Чикаго 1933 года присутствовал и украинский павильон, организованный . Один из залов был оформлен 48-ю работами Архипенко. Коллекция была оценена в 25 тысяч долларов! Для сравнения: Понтиак можно было купить в те времена в Америке за 1 тысячу долларов. Коллекция была оценена в баснословную сумму.
- Скульптор экспериментировал не только с внутренней сутью вещей, но и с внешней: он обращал внимание даже на то, как солнце будет освещать композицию в разную пору дня. Создавая позитивные и негативные эффекты скульптуры, он предусматривал освещения их для каждой поры суток.
- Александр Архипенко преподавал в 17 университетах и художественных учебных заведениях (5 из них основаны самим мастером в Париже, Берлине, Нью-Йорке, Лос-Анжелесе, Чикаго).
- Его признали в 1923 году «самым выдающимся скульптором после Родена».
Произведения А. П. Архипенко перевернули мировые представления начала XX в. о скульптуре, развязали руки и освободили глаза многим художникам-скульпторам. Именно Архипенко впервые "составил" единую форму из различных неэквивалентных форм, вводя в композиции стекло, дерево, металл, целлулоид. Пластика, движение, выявленная конструкция и конструктивность, лиричность - основные качества его работ, высоко оцененные современниками - Г. Аполлинером, П. Пикассо, Ф. Леже, М. Дюшаном, Р. и С. Делоне, А. Родченко, П. Ковжуном, последователями и исследователями.
Архипенко родился в семье профессора Киевского университета, инженера-изобретателя П. А. Архипенко. Его дед был художником-иконописцем. Будущий скульптор с детства питал любовь к искусству и математике, изобретательству, конструированию. Занятия живописью начал, по собственным воспоминаниям, в 1900-01 гг. с копирования из книги рисунков Микеланджело. В 1902-05 гг. учился в Киевском художественном училище, откуда был исключен за критические замечания в адрес учителей, преподававших по старой системе. Продолжал образование в частных студиях Москвы. В 1908 г. Архипенко поселился в Париже, где недолго учился в Школе искусств, затем штудировал в музеях вместе с А. Модильяни древнюю скульптуру Египта, Ассирии, Центральной Америки, Африки.
В 1908-11 гг. создал бронзовые скульптуры "Адам и Ева", "Женщина с кошкой", "Саломея", "Сусанна", "Сидящая обнаженная". Акцентировал внимание на пластике целого, обтекаемости формы и фактурности поверхности. Работал также в керамике. В 1910 г. открыл мастерскую на Монпарнасе, участвовал в выставках в Гааге и Берлине, работал совместно с группой художников и скульпторов-кубистов. В 1912 г. создал серию фигур "Цирк Медрано", построенных с помощью элементарных геометрических форм. В том же году, ограничивая связи с кубизмом, находя в нем больше формального, нежели творческого, Архипенко основал в Париже собственную школу; совершил длительное путешествие с выставкой своих работ по Италии, Швеции, Германии, Чехии.
В годы Первой мировой войны Архипенко жил в пригороде Ниццы, работал в области "скульпто-живописи", сочетая трехмерное и плоскостное ("Эспаньола", 1916;
"Натюрморт с книгой и вазой на столе"", 1918), исполнил фигуры со сквозными отверстиями, впервые в мировой скульптурной практике используя пространство "внутри" и "пустоту" как изобразительный элемент, равный материальному. Создал вытянутые вверх полуабстрактные металлические и каменные торсы, вазоподобные скульптуры: "Женщина, укладывающая волосы" (1915), "Луч" (1918), "Ваза-женщина" (1919)и др.
В 1921 г., женившись на немке А. Бруно-Шмиц, Архипенко поселился в Берлине, открыл там художественную школу. Состоявшаяся в том же году в нью-йоркском Музее современного искусства выставка работ Архипенко имела шумный успех. Появились монографии о художнике на многих европейских языках, в том числе на русском.
Вскоре, в 1923 г., скульптор переехал в США, в 1928 г. принял американское гражданство. В 1920-30-х гг. создал ряд реалистических произведений ("Повернутый торс", "Диана", "Шагающая", "Желание", "Меланхолия" и др.), а также академически традиционные скульптурные портреты Т. Г. Шевченко, И. Я. Франко, деятелей американской политики и культуры. Продолжал работать и в русле абстрактной, конструктивной скульптуры, используя различные технические изобретения; в частности, разработал так называемую архипентуру - подвижную живопись (1924-27), где при помощи сложного механизма приводились в движение узкие цветные полосы, создававшие определенные композиции, изменявшие образы по прихоти художника. Экспериментировал он и со "звуковой скульптурой", а также делал полупрозрачные, освещаемые изнутри формы-объекты (1940-е).
В Америке творчество Архипенко пользовалось неизменным интересом; за сорок лет было устроено более 150 персональных выставок. Художник преподавал в своих студиях в Вудстоке (1924-28, 1940-е), Лос-Анджелесе (1935), Чикаго (конец 1930-х), в Вашингтонском университете в Сиэтле (1935-36, 1952), Нью-Баухаузе (1937), в Институте рисунка в Чикаго (1946), университете Канзас-Сити (1950); ездил с лекциями по городам США.
После смерти мастера ретроспективная выставка его произведений была показана во многих городах США.
Перед зеркалом. 1915. Масло, карандаш, дерево, металл, бумага
Шагающая. 1912. Бронза
художник, скульптор
Александр Архипенко - русский и американский художник-авангардист, скульптор и график, один из основателей кубизма в скульптуре.
Александр Архипенко - первопроходец кубизма
Александр Архипенко родился в Киеве (тогда - часть Российской империи, ныне - Украина). Его художественная карьера началась в 1902 году, с Киевской художественной школы, где он учился под руководством Святославского.
Спустя всего четыре года он уже выставлял свои произведения совместно со знаменитым Александром Богомазовым.
В 1908 году Архипенко отправился в Париж - изучать самые современные на то время течения в искусстве, и поселился в колонии художников La Ruche, вместе со многими другими русскими художниками-иммигрантами, включая Владимира Баранова-Россина, Соню Делоней-Терк и Натана Алтмана.
Успех пришел к нему в 1910 году, с выставками в салонах Salon des Indépendants и Salon d"Automne вместе с Александрой Экстер, Казимиром Малевичем, Вадимом Меллером, Соней Делоней-Терк, а также знаменитыми и модными Пабло Пикассо, Жоржем Браком и Ангдре Дереном. Он стал вторым (после Пикассо) художником, представившим произведения искусства в стиле кубизм европейскому зрителю, и первым - в Париже. Признание позволило Архипенко создать свою собственную школу искусств в Париже, проработавшую вплоть до Первой Мировой войны.
Четыре его скульптуры в стиле кубизма, включая Family Life, появились на противоречивой выставке Armory Show в Нью-Йорке в 1913 году. Издание New York World опубликовало на своих страницах известную карикатуру, высмеивавшую эти произведения.
...Но вот другие его скульптуры наперебой расхваливались критиками на выставке Biennale Internazionale dell"Arte di Venezia в Италии и в берлинской галерее Gallerie van Diemen.
После войны Архипенко смог открыть вторую школу искусств, на этот раз - в Берлине, в 1921 году, но его карьера в Германии завершилась из-за экономического кризиса, и спустя два года он эмигрировал в Соединенные Штаты. В 1929 году он получил американское гражданство.
В Америке он постепенно завоевал признание публики, принимая участие в множестве выставок, представляя в основном скульптуры. Верхом его достижений стала Всемирная выставка в Чикаго в 1933 году, где ему доверили выставляться в украинском павильоне, чем во многом и объяснялся успех последнего среди посетителей.
Последующие десятилетия Архипенко провел, вырабатывая и оттачивая свой собственный стиль кубизма, выставляясь в Америке и Европе.
В качестве признания его влияния на художников-современников, в 1962 году он был принят в Американскую Академию художеств.
Сын профессора механики Киевского университета Порфирия Антоновича Архипенко; мать – Прасковья Васильевна Машова-Архипенко, дочь иконописца. В 1902, после колебаний между математикой и искусством, поступил в Киевское художественное училище, откуда спустя три года был исключен. Некоторое время посещал частную студию С. И. Светославского. До 1908 жил в Москве.
Весной 1909 через Берлин приехал в Париж и поселился в художественной колонии «La Ruche». Две недели проучился в Национальной школе изящных искусств, затем самостоятельно занимался в музеях, проявляя интерес к ранней готике, древней пластике Египта, Центральной Америки, Ассирии, Греции. В 1909 создал стилизованные скульптуры «Сидящий черный торс», «Адам и Ева», «Сусанна» и «Женщина», в которых сказалось увлечение архаикой. В 1910 снял мастерскую на Монпарнасе, в 1912 открыл художественную школу. Начал разрабатывать концепцию трехмерного кубизма, исполнил скульптуру «Медрано-1» – пример разложения пластической формы на простейшие геометрические объемы. В дальнейшем стал широко применять комбинации разнородных материалов (гипс, дерево, стекло, целлулоид, проволока); конструировал полихромные скульптуры: «Медрано-2», «Карусель Пьеро» и «Голова» (все – 1913; последней посвящено одноименное стихотворение Б. Сандрара). В 1914 исполнил скульптуру «Боксеры» – одно из наиболее абстрактных произведений пластики того времени.
Выставлялся в салоне Независимых (ежегодно в 1910–1914, 1920) и Осеннем салоне (1911, 1912, 1913, 1919); участвовал в выставках авангардистской группы «Золотое сечение» (Париж, 1912, 1913, 1914, 1920), выставке «Armory Show» в Нью-Йорке, 1-м Немецком весеннем салоне в Берлине, Международной выставке постимпрессионистов в Будапеште (все – 1913), групповых выставках в Риме, Праге, Амстердаме и Брюсселе. Провел совместно с Ле Фоконье выставку в музее Остхауз в Хагене (1912/13) и персональную выставку в галерее Der Sturm в Берлине (1913, в каталоге – текст Г. Аполлинера).
В 1914–1918 жил в Ницце. Разрабатывал «cкульптуро-живопись», основанную на комбинации трехмерной скульптуры с раскраской, цветным плоским фоном или обрамлением («Испанка», 1916; «Натюрморт с вазой», 1918). Исполнил цикл полуабстрактных плавно изогнутых торсов из металла и камня и серию женских фигур («Женщина, укладывающая волосы», 1915; «Стоящая фигура», 1916), в которых впервые использовал сквозные отверстия и ниши в качестве изобразительных элементов. Создал серию вертикальных вазообразных скульптур («Луч», 1918; «Ваза-женщина», 1919), в которых отразилось увлечение ранней готикой.
В 1919–1920 провел выставочный тур по городам Европы: Женева, Цюрих, Париж, Лондон, Брюссель, Берлин, Мюнхен, Роттердам, Гаага. В 1921 женился на немке, скульпторе Ангелике Шмитц (Angelica Schmitz, худож. псевдоним Gela Forster), и обосновался в Берлине, где открыл собственную школу. В том же году провел первую персональную выставку в Нью-Йорке, организованную Катрин Дрейер и Марселем Дюшаном под эгидой Анонимного общества (Société Anonyme). В Потсдаме вышла монография о художнике с текстом Ивана Голля и Теодора Дойблера.
В октябре 1923 вместе с женой приехал в США, поселился в Нью-Йорке и сразу же открыл художественную школу на Манхэттене, в которой с перерывами преподавал до 1946. В 1929 принял американское гражданство. В том же году приобрел землю в Бeарсвилле (Bearsville) около Вудстока, где к 1938 построил комплекс зданий для художественной школы и студии. Вел художественные курсы и школы в Лос-Анджелесе (1935), в Университете Вашингтона в Сиэтле (1935–1936), «Новый Баухаус» в Чикаго (1937), в Художественном институте Чикаго (1946–1947), Университете Миссури в Канзас-Сити (1950), Кармелевском институте искусств в Калифорнии (1951), Университете Британской Колумбии в Канаде (1956). Неоднократно совершал лекционные турне по американским колледжам и университетам.
В 1924–1927 разработал и запатентовал механизм для создания иллюзии движения нарисованных объектов с заданными быстротой и ритмом, названный им «архипентура»; впервые продемонстрировал его в 1928 на персональной выставке в Нью-Йорке (гал. Anderson, организована Société Anonyme). В 1940-е изготовил серию «светомодуляторов» – полупрозрачных плексигласовых скульптур, освещаемых изнутри. В разные годы создал реалистические скульптуры: «Повернутый торс», «Диана», «Идущая вперед», «Желание», «Меланхолия», несколько портретов жены, портреты св. князя Владимира, Тараса Шевченко, Ивана Франко (памятники-бюсты установлены в Кливленде), Т. Уайлдера, государственного секретаря США Ч. Хьюгенса, музыкантов В. Фуртвенглера и В. Менгельберга.
Участвовал в групповых выставках русских художников в Берлине (Van Diemen, 1922), Нью-Йорке (Бруклинский музей, 1923), Уилмингтоне (1932), Праге (1935), в российском отделе международных выставок в Венеции (в рамках ХII Международного биеннале, 1920), Филадельфии (1926), Нью-Йорке (1926/1927, Бруклинский музей). В 1927 передал скульптуру «Грация, или Величие красоты» в дар ГМНЗИ. В начале 1930-х участвовал в выставках Ассоциации независимых украинских мастеров искусства во Львове и подарил львовскому Национальному украинскому музею бронзовую скульптуру «Раздумье» (изъята из музея и утрачена в 1950-х).
В послевоенные годы получил признание как один из основоположников художественного авангарда. Удостоился престижных американских и европейских наград, был избран членом Международного института искусств и словесности (1953) и Американского национального института искусств и словесности (1962); его работы приобретались крупнейшими музеями мира. За 40 лет провел в США около 150 персональных выставок. В 1954 устроил ретроспективную выставку в галерее Ассоциации американских художников в Нью-Йорке, в 1955–1956 предпринял выставочное турне по Германии.
В 1957 овдовел. Спустя три года женился на своей ученице художнице Франсис Грей. В 1960–1963 исполнил последние крупные работы – бронзовые скульптуры «Царица Савская» (1961) и «Царь Соломон» (1963), а также серию абстрактных цветных литографий «Живые формы» («Les Formes Vivantes»).
Похоронен в Нью-Йорке на кладбище Вудлон (Woodlawn) в Бронксе. В 1967–1969 мемориальная выставка обошла многие города США. В 1986/87 выставки, посвященные 100-летию со дня рождения художника, состоялись в Национальной галерее в Вашингтоне и в Художественном музее Тель-Авива. В 2000 Ф. Грей основала Фонд Архипенко, призванный сохранять и пропагандировать наследие художника. При его поддержке действует Архивный и исследовательский центр Архипенко, расположенный в Беарсвилле.
| Библиография: |
* Бурлюк; ХРЗ; AI 2/43, 5/30, 6/40, 7/47, 8/48, 9/33, 10/32, 11/28, 12/32–33, 13/33, 14/33, 15/34, 16/19, 17/20, 18/24, 19/39, 20/31, 21/31, 22/26, 25/28, 27/32, 28/34; Cummings; Naylor. Голубец M. Архипенко. Львiв, 1922 (на укр. яз.). Сегал С. Архипенко // Сполохи (Берлин). 1922. № 5. С. 35-37. Ответ Архипенко // Вещь (Берлин). 1922. № 3. С. 11–12, 14. Косач Ю. Александр Архипенко: К 50-летию творчества мастера // Русская мысль (Париж). 1957. 7 мая (№ 1052). Коротич В. Плексигласова мадонна самотностi: (Iз биографии О. Архипенка) // Вiтчизна. 1966. № 10. С. 175–185 (на укр. яз.). Эренбург И. Г. Собр. соч.: В 8 т. Т. 8. М., 1966. С. 166–167. Валериус С. Прогрессивная скульптура ХХ века. М., 1973. С. 286–291. Архипенко А. Архипентура // К истории международных связей ГМНЗИ. 1922–1939 / Авт.-сост. Н. В. Яворская. М., 1978. С. 377–384. Письма А. Архипенко к Б. Терновцу // Там же. С. 320–328. Капитайкин Э. История одной коллекции // Русская мысль (Париж). 1987. 15 мая (№ 3673). С. 11. Ковжун П. Александр Архипенко // Творчество. 1989. № 10. С. 18–20. Сусак В. Александр Архипенко – «первый скульптор-экспрессионист»? // Русский авангард 1910–1920-х гг. и проблема экспрессионизма. М., 2003. С. 223–236. Русский Париж. 1910–1960. ГРМ: Альманах. Вып. 35. СПб., 2003. С. 116–117 (илл.). Американские художники из Российской империи: Альманах. Вып. 208. СПб., 2008. С. 264. Азизян И.А. Александр Архипенко: Предвоенные парижские годы (1908-1914) // Искусствознание. 2008. № 2. С. 211-253. Азизян И.А. Скульптурные картины и другие произведения Александра Архипенко военных лет // Искусствознание. 2010. № 1-2. Азизян И. Александр Архипенко. М., 2010. Alexander Archipenko. Berlin: Verlag der Sturm, 1913. Archipenko-Album. Einfuhrungen von T. Daubler und I. Goll. Potsdam, 1921. Raynal M. A. Archipenko. Rome, 1923. The Archipenko Exposition of Sculpture and Painting in Ukrainian Pavilion at a Century of Progress. Chicago, 1933. Alexander Archipenko: Fifty Creative Years 1908–1958 / Text by Archipenko and fifty art historians. New York, 1960. Alexander Archipenko: A Memorial Exhibition 1967–1969: . Los Angeles, 1967. Archipenko. International Visionary / Pref. by S. D. Ripley; Foreword by D. W. Scott; Essay by G. Habasque. Washington: Donald H. Karshan, 1969. Archipenko: The American Years. 1923–1963. New York: B. Danenberg Galleries, 1970. Karshan D. H. Archipenko: The Sculpture and Graphic Art / Including a print catalogue raisonné. Boulder Colo: Westview Press, 1975. Michaelsen K. J. Archipenko. A Study of the Early Works. 1908–1920. New York: Garland Pub., 1977. Archipenko: Sculpture, Drawings, and Prints. 1908-1963 / As collected, viewed, and documented by Donald Karshan. Danville; Ky.: Centre College in association with Indiana University Press, 1985. |
Александра Кайзер
МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА
Номер журнала:
АЛЕКСАНДР АРХИПЕНКО ЖИЛ И АКТИВНО РАБОТАЛ В США С 1923 ГОДА И ДО САМОЙ СВОЕЙ СМЕРТИ В 1964 ГОДУ. ИССЛЕДОВАТЕЛИ ЕГО ТВОРЧЕСКОГО НАСЛЕДИЯ ОБЫКНОВЕННО ОГРАНИЧИВАЮТСЯ РАННИМ, ПАРИЖСКИМ, ПЕРИОДОМ И ВКЛАДОМ МАСТЕРА В ФОРМИРОВАНИЕ КУБИЗМА. ЛИШЬ В ПОСЛЕДНЕЕ ВРЕМЯ СПЕЦИАЛИСТЫ ОБРАТИЛИСЬ К РАССМОТРЕНИЮ БОЛЕЕ ПОЗДНЕГО ПЕРИОДА ДЕЯТЕЛЬНОСТИ АРХИПЕНКО С ЦЕЛЬЮ ОБОЗНАЧИТЬ ЗАНИМАЕМОЕ ИМ МЕСТО В КУЛЬТУРЕ АВАНГАРДА И ОПРЕДЕЛИТЬ ОТНОШЕНИЕ К НЕМУ ПУБЛИКИ.
Родившийся в 1887 году на Украине, Архипенко учился сначала в художественной школе в Киеве, потом в Московской школе живописи, ваяния и зодчества, а в 1908 году отправился в Париж. Там он поселился на Монпарнасе, в самой гуще международного сообщества художников и стал завсегдатаем многочисленных объединений. Культурный багаж Архипенко - своеобразный сплав ортодоксального православного символизма, фольклорных элементов с присущим скульптору колористическим даром - нашел свое выражение в первых же полихромных работах, созданных под влиянием искусства стран Африки и Океании, а также в нескольких религиозно-символических скульптурах небольшого размера, например в вырезанной из дерева работе «Грусть» (1909). Вскоре после этого его интересами завладели изогнутые (выпуклые и вогнутые) поверхности, полихромные формы, возможность творить в жанре смешанной техники и способы передачи движения. Ряд произведений Александра Архипенко, включая «Танец» (1912), «Карусель Пьеро» (1913), «Боксеры» (1914) и «Медрано II» (1914), были выставлены в «Салоне независимых», опубликованы в художественных журналах и удостоились похвалы поэта и влиятельного критика Гийома Аполлинера.
Несмотря на то что Александр Архипенко еще до начала Первой мировой войны заявил о себе как о выдающемся скульпторе, широчайшее признание он получил лишь в начале 1920-х годов, когда вышли четыре монографии о его творчестве, а за короткий период, с 1920 по 1923 год, было организовано более 25 выставок мастера.
В 1920 году Архипенко избрали в качестве одного из представителей России для участия в XII Венецианской биеннале - первой биеннале, организованной после окончания Первой мировой войны. Прекрасно отдавая себе отчет в значимости и престижности этого мероприятия, он отправил в Венецию все имевшиеся у него на тот момент работы. Сохранившаяся фотография одного из выставочных помещений наглядно иллюстрирует, что свободно стоящие скульптуры перемежаются живописными произведениями с включением полихромных конструкций, которые были названы Александром Архипенко «скульптоживопись». В них объединены элементы, характерные как для живописи, так и для скульптуры и архитектуры. То, что относится в этих работах к коллажу, напоминает кубистические полотна П. Пикассо или Ж. Брака, а конструкция в целом несомненно выполнена в стиле древнерусской иконы - об этом недвусмысленно свидетельствуют такие элементы, как присущие иконе пространственная организация, полихромия и использование различных материалов. Отклики на представленную Александром Архипенко коллекцию были самыми разными - от похвалы до отсутствия понимания и даже издевки. Например, некоторые критики увидели в его работах образцы большевистского искусства, тогда как другие отрицали подобную интерпретацию. При этом экспозиция Архипенко привлекла множество зрителей, а в одной из итальянских газет ее назвали феноменальной, своеобразным «магнитом» для посетителей.
В начале 1920-х годов неоднократно подчеркивалось происхождение Архипенко. Именно в таком аспекте его работы обсуждались в прессе, к тому же они были представлены на всех основных выставках русского искусства на Западе, например на Первой художественной выставке в Берлине в «Galerie van Die-men» в 1922 году. В это время в столице Германии обосновалось значительное число выходцев из России и других стран Восточной Европы, так что Берлин считался обязательным пунктом посещения для всех художников, перемещающихся как с Востока на Запад, так и в противоположном направлении. Когда Александр Архипенко прибыл в Берлин в 1921 году, там уже насчитывалось более ста тысяч эмигрантов из России. Берлин превратился в своего рода стратегический форпост российской политики и культуры. Благодаря популярности Архипенко в среде соотечественников, его известность значительно расширилась. Работы мастера заметили в Германии, он встретил там самый положительный прием и участвовал в целом ряде выставок, среди которых следует отметить большую ретроспективную экспозицию в Потсдаме в 1921 году.
Несмотря на то что Александр Архипенко пользовался известностью и имел широкие контакты, обретенную им славу отнюдь не сопровождал финансовый успех. К тому же экономический кризис 1922-1923 годов парализовал коммерческую деятельность и сказался на сообществе художников. Непрерывно ускоряющаяся инфляция в Веймарской республике отягощала положение Архипенко и побудила его покинуть Германию. В 1923 году вместе со своей первой женой Ангеликой Шмитц (1893-1957) он переехал в США.
Поселились они в Нью-Йорке. Вскоре после прибытия в Америку, в 1924 году, состоялась персональная выставка Александра Архипенко в «Kingore Gallery». Устроителем выступила организация «Сосьете аноним» - ее учредители Кэтрин Дрейер, Марсель Дюшан и Ман Рэй поставили перед собой цель познакомить Соединенные Штаты с модернизмом как художественным направлением. В том же году Архипенко открыл в Нью-Йорке художественную школу, аналогичную его школам в Париже и Берлине. До конца жизни он продолжал обучать искусству в своей студии и читал лекции по проблеме креативности в американских колледжах и университетах. Этот период творческой деятельности Александра Архипенко можно охарактеризовать обращением к новым материалам и к цвету, а область его специальных интересов включала изучение трудов по философии, точным наукам и метафизике.
На состоявшейся в 1933 году Всемирной выставке в Чикаго его работы были представлены в павильоне Украины. Архипенко выставил скульптурную серию «Ма» - слегка задрапированные женские фигуры, понимаемые им как мистическое выражение женственности. Не ограничиваясь собственно пластической формой, он сочинил насыщенный эзотерическими коннотациями текст, в котором «Ма» представлена как символ вечной женственности, как источник художественной интуиции и творческого начала. Аллегорическим выражением этой вдохновляющей силы является, к примеру, работа Архипенко «Ма-медитация» (1937): сломанный шар символизирует разрыв между сердцем и интеллектом, которые надлежит вновь соединить. Этой скульптурной работе предпосланы такие слова: «"Ма" посвящается каждой матери; каждому, кто любит и кто страдает, потому что любит; каждому, кто созидает искусство и науку; каждому герою; каждому, кто столкнулся с множеством проблем; каждому, кто познает и чувствует Вечность и Бесконечность».
В 1936 году Александр Архипенко участвовал в ставшей впоследствии столь известной выставке «Кубизм и абстрактное искусство», состоявшейся в нью-йоркском Музее современного искусства. в следующем году он был приглашен своим давним товарищем Ласло Мохой-Надем преподавать в чикагском институте искусств «Новый Баухауз» (впоследствии переименован в Институт дизайна). в 1946 году ему вновь предложили преподавать в том же институте, однако уже в 1947 году Архипенко покинул его. В это время он увлекался экспериментами с прозрачными формами, материалом для которых служили пластик и источники света. Итогом стал цикл плексигласовых работ, подсвеченных изнутри. О данной серии Архипенко отозвался как о «свете, созидающем скульптуру». Подобные работы могут быть легко объяснимы в контексте его непрестанных поисков универсальных и духовных начал искусства. Не случайно он писал в 1955 году: «Эта область художественного выражения открывает великие и разнообразные перспективы. Она не принадлежит ни сегодняшнему, ни завтрашнему искусству, скорее воплощает вневременные духовные истины, реализованные посредством новых материалов и света».
Продолжая в 1950-х годах поиски единства формы и цвета, Архипенко пользовался искусственными материалами - бакелитом и некоторыми другими, которые он применял для создания сюрреалистических и органических форм. Тогда же он приступил к созданию серии полихромных работ из бронзы, как бы вернувшись тем самым к раннему этапу своей деятельности в качестве скульптора. В 1957 году Архипенко писал: «Форма не может восприниматься при отсутствии цвета. Эстетическое единство формы и цвета, независимо от степени сложности составляющих это единство компонентов, вытекает из универсальных законов гармонии, ритма и равновесия. Я исследую взаимозависимость между формой и цветом начиная с 1912 года, поскольку я полагаю, что такое единство характеризует величайшие произведения визуального искусства».
В художественной школе, в свое время открытой Александром Архипенко в Вудстоке (штат Нью-Йорк), сейчас располагается Фонд Архипенко, основанный в 2000 году вдовой художника Фрэнсис Архипенко-Грэй. В задачи Фонда входит сохранение творческого наследия Александра Архипенко, организация выставок и публикаций его работ. Фонд приготовил исчерпывающий каталог произведений скульптора, составление которого завершилось к 2008 году. Осенью 2005 года Фонд Архипенко стал одним из организаторов международного симпозиума в Нью-Йорке, в рамках которого были представлены актуальные материалы, обращенные к творчеству мастера. Фонд также принимал участие в организации экспозиции работ Архипенко в галерее Гмуржинской в Кельне и большой ретроспективной выставки в украинском музее в Нью-Йорке. Эта экспозиция переехала в Смит-колледж в Нортгемптоне (штат Массачусетс), где продлилась с 31 марта по 30 июля 2006 года, а затем была перенесена в художественный музей Чейзен (Мадисон, штат Висконсин) на период с 19 августа по 26 ноября 2006 года.
Александр Архипенко внес неоценимый вклад в развитие модернизма. Сегодня мы вновь и вновь обращаемся к творчеству мастера и убеждаемся в неисчерпаемости его творческого духа. Мы исследуем его искусство, и на этом пути нас ждут интереснейшие открытия.