Петров водкин пейзаж. Кузьма Петров-Водкин – биография и картины художника в жанре Символизм – Art Challenge

Купание красного коня. 1912

Козьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939) - один из самых крупных и оригинальных русских художников первых десятилетий XX века. В его искусстве были стянуты в крепкий узел, казалось, далекие друг от друга художественные тенденции.

Девушка в красном платке (Работница). 1925

Весенний этюд в Шувалове. 1927. Холст, масло

Самарканд. 1926

Африканский мальчик. 1907

Шах-и-Зинда. Самарканд. 1921

Самарканд, 1920

Его произведения вызывали яростную полемику, страстные столкновения зачастую прямо противоположных мнений и оценок - от восторженных похвал до презрительных насмешек (в том числе и со стороны такого колосса как Репин). Это была личность сложная и в то же время цельная. Выдающийся живописец, непревзойденный рисовальщик, самобытный теоретик, прирожденный педагог, талантливый литератор, видный общественный деятель. Человек многосторонне одаренный. Художник, единственный в своем роде и типичный сын своего времени, с равным интересом писавший и русские иконы и вождя революции Ленина.

Убийство Каином Авеля. 1910

Эскиз декорации к инсценировке "Дневник Сатаны" (по Л. Андрееву). 1922

Тревога. 1926

Троица. 1915

Богоматерь Умиление злых сердец

Мальчик-узбек. 1921

Портрет А.П. Петровой - Водкиной, матери художника. 1909

Петров-Водкин стремился обнаружить в человеке проявление вечных законов мирового устройства, сделать конкретное изображение олицетворением связи космических сил. Отсюда и монументальность стиля, и сферическая перспектива, т.е., восприятие любого фрагмента с космической точки зрения, и понимание пространства как одного из главных рассказчиков картины.

В детской. 1925

Портрет С. Н. Андрониковой. 1925

Портрет Анны Ахматовой

Автопортрет. 1926-1927

Но уже в последние годы жизни Петрова-Водкина его искусство - в силу не всегда органичных и удачных попыток примирить в нем давно сложившийся характер живописи с предъявляемыми к ней жесткими требованиями - не находило достаточного общественного признании. После смерти художника его имя было вычеркнуто из советского искусства. В течение последующей четверти века о Петрове-Водкине, казалось, забыли, картины его почти исчезли из экспозиций музеев. Лишь однажды, в 1947 году в Санкт-Петербурге, была устроена небольшая выставка его рисунков.

Степан Разин. Эскиз панно. 1918. Бумага, акварель

Эскиз грима юродивого к трагедии А.С. Пушкина «Борис Годунов». 1923. Бумага, акварель

Иллюстрация к «Морской царевне» Михаила Лермонтова. Бумага, смешанная техника

Однако истинное искусство рано или поздно получает признание и занимает свое место в Пантеоне национальной культуры. Для Петрова-Водкина это время пришлось на вторую половину 1960-х годов. В 1965 году в Москве энтузиасты устроили скромную по размерам выставку его работ в Центральном Доме литераторов. Спустя год Русский музей в Санкт-Петербурге, обладающий крупнейшей коллекцией картин и рисунков мастера, организовал ретроспективную экспозицию, имевшую огромный успех и показавшую истинный масштаб его искусства. Петров-Водкин сразу занял место в первом ряду русских художников XX века. Появившаяся тогда же монография В.И. Костина впервые дала достоверный обзор и анализ его искусства. Творчество Петрова-Водкина и его отдельные произведения стали объектом пристального изучения. Наконец, в 1970 году вышли новым изданием его автобиографические повести.

Микула Селянинович. Бумага, акварель

Цветы. 1926. Бумага, акварель, карандаш

Теперь уже ни у кого, кажется, нет сомнений в том, что в лице Петрова-Водкина русское искусство имело мастера огромного масштаба, глубоко самобытного и оригинального, художника-философа, стремившегося понять и претворить в своем искусстве человека, предмет, явление, Вселенную во всей их сложности и глубине. Именно такие редкостные по самой природе их дарования люди более всех других продвигают вперед художественное познание мира.

Я люблю усталый шелест
Старых писем, дальних слов...
В них есть запах, в них есть прелесть
Умирающих цветов.
Я люблю узорный почерк -
В нем есть шорох трав сухих.
Быстрых букв знакомый очерк
Тихо шепчет грустный стих.
Мне так близко обаянье
Их усталой красоты...
Это дерева Познанья
Облетевшие цветы.

Натюрморт с письмами. 1925

Натюрморт. Фрукты. 1934

Натюрморты Петров-Водкин изредка писал и в молодые годы, но только в 1918-1920 годах они стали центральной темой его творчества. Таким образом, этот жанр пришел в его искусство значительно позднее, чем им овладели многие его сверстники. В конце 1900-х и первой половине 1910-х годов Н.Н. Сапунов, П.В. Кузнецов, М.С. Сарьян, Н.С. Гончарова, М.Ф. Ларионов, И.И. Машков, П.П. Кончаловский и некоторые другие художники привели русский натюрморт к невиданному до того в отечественном искусстве расцвету. В их живописи предстали самые разнообразные решения проблемы "мертвой природы". И все же, обращаясь к натюрмортам Петрова-Водкина, мы видим, что совершенно своеобразный строй художнического мышления и мироощущения придал этому жанру в его искусстве черты, несхожие с произведениями упомянутых мастеров.

Натюрморт. Свеча и графин. 1918

Яблоки на красной ткани. 1917

Натюрморт с зеркалом. 1919

В искусствоведческой литературе уже не раз говорилось о том, что термин "натюрморт" неудачен, не отражает сути жанра, которому более соответствуют "Stilleben", "Still Life" - "тихая, или спокойная жизнь" (по-немецки и английски). Но и это определение не дает представления о напряженном характере натюрмортов Петрова-Водкина, в которых вся площадь холста порой пронизана силовыми линиями "сферической перспективы". Натюрморты Петрова-Водкина хочется назвать не "мертвой природой" (они слишком для этого живы) и не "спокойной жизнью" (слишком уж они неспокойны), а скорее, описательно - "предметными композициями". Однако громоздкость такого определения заставляет вернуться к термину неточному, но привычному.

Натюрморт с синей пепельницей. 1920

Натюрморты Петрова-Водкина непритязательны по набору предметов и несут приметы суровой эпохи, в которую они созданы. В этом смысле классическим стал натюрморт с изображением тощей селедки, куска хлеба и двух картофелин - скудного пайка голодного времени ("Селедка", 1918, ГРМ).

Фрукты на синей скатерти. 1921

Художник любит вводить в них зеркала, стеклянные или просто какие-нибудь блестящие предметы (самовар, никелированный чайник), позволяющие ему отдаться анализу сложной игры рефлексов, преломлений падающих и отраженных во внутренних гранях пучков света. В этих исследованиях в духе Врубеля Петров-Водкин заменяет страстность своего гениального предшественника методически-настойчивым стремлением к познанию предмета во всех его аспектах. Разложенные и расставленные на столе вещи художник рассматривает сверху, так что расположение их поддается точной фиксации и они видны "как на ладони"; полированные грани чайника или покрытая стеклом поверхность стола удваивают изображение, позволяя взглянуть на него с невидимой художнику стороны. Таким образом, Петров-Водкин преодолевает монокулярную точку зрения, кажущуюся ему недостаточной и не отражающей истинное знание о предмете, который можно обойти вокруг, получив в итоге суммарное и более полное представление о нем.

Натюрморт с призмой, 1920

В некоторые натюрморты Петров-Водкин вводит изображение собственных рисунков и акварелей, заново интерпретируя их сообразно духу данного холста (так до него уже делал Матисс), или палитры - словом, своего рода атрибутов искусства, окунающих зрителя в атмосферу мастерской художника. Скрипка, прислоненная к окну, за которым виден покачнувшийся на пространственных осях пейзаж бесчисленных петербургских крыш и тесных дворов, своим изящно-артистичным силуэтом эстетизирует этот печальный мир и, в свою очередь, получает от него щемяще-минорную окраску ("Скрипка", 1918, ГРМ). Картина - ибо это скорее картина, чем просто натюрморт, - пронизана единым напряженным чувством, исходящим в равной мере от изображения скрипки и пейзажа за переплетом окна.

Скрипка. 1921

Люблю дома, где вещи - не имущество,
Где вещи легче лодок на причале.
И не люблю вещей без преимущества
Волшебного общения с вещами.
Нет, не в тебе, очаг, твое могущество:
Хоть весь дровами, точно рот словами,
Набейся - я и тут не обожгусь еще,
Не будь огонь посредником меж нами.
Мне скажут: брось мечты, рисуй действительность;
Пиши как есть: сапог, подкову, грушу...
Но есть и у действительности видимость,
А я ищу под видимостью душу.
И повторяю всюду и везде:
Не в соли соль.
Гвоздь тоже не в гвозде.

Новелла Матвеева

«Археологические изыскания» в толщах наследия, оставленного К.С.Петровым-Водкиным, способны вознаградить порой находкою приятной тяжести беспримесных самородков. Вот такой, к примеру, несомненный корунд, как выразительный «Натюрморт с самоваром» (1932), наконец, нашёл своё место в запасниках грановитой палаты петрововодкинского творчества.

Натюрморт с самоваром. 1932

«Натюрморт с самоваром» (название условное – В.Б.) объявился недавно в одной из московских коллекций. Сотрудники художественно-мемориального музея К.С. Петрова-Водкина (филиал Радищевского музея), те, кто изо дня в день работает с творческим наследием мастера, практически без сомнения признают подлинность этого натюрморта.
(Новости Радищевского музея: http://radmuseumart.ru/projects/169/637/ . Статья директора Хвалынского художественно-мемориального музея К.С. Петрова-Водкина В.И. Бородиной.)

Ещё одна ранее неизвестная картина К.С. Петрова-Водкина появилась на художественном рынке, и вызвала неподдельный интерес в искусствоведческих кругах. В настоящее время картина находится в частном собрании в Крыму.

Букет на террасе. 1913.

Этот букет полевых цветов на картине из собрания академика Каштаянца (знаменитого биолога, руководившего запуском в космос Белки и Стрелки) написан К.С. Петровым-Водкиным в усадьбе Званцевых в Тарталеях Нижегородской губернии, где художник жил с середины июня по конец июля 1913 года. Там он работал с режиссёром Незлобинского театра Николаем Званцевым над декорациями к спектаклю по трагедии Шиллера «Орлеанская дева». В письме из Тарталей от 15 июня 1913 года он описал дом Званцевых: «Дом стоит на горе, откуда видны два совсем маленьких озера, а деревья и поля вдали. Имеется парк и маленький лес, теперь сезон земляники, и мы едим ее каждый день». (1)

От внимательного взгляда на работу не скроется тот факт, что дом, на террасе которого стоит букет, находится на возвышенности, внизу слева видна зелень деревьев, растущих под горой, на которой стоит дом, вдали - холмистая открытая местность, а рядом с террасой, близко к дому, растут тоже деревья. В письме от 30 июня - 1 июля 1913 года он сообщил жене: «Сейчас день пробужденья. Утренний ветер заставляет трепетать листья деревьев под моими окнами…». (2)

В этом же письме 30 июня - 1 июля, кстати, есть и такие строки: «Перед моими глазами горизонт исчезает в ночных сумерках, наряжаясь в розовую и голубую краски…». (3) И хотя на картине изображено, вероятно, утро, но «розовый горизонт» тоже можно видеть. В письме от 26 июня 1913 года есть упоминание о клевере: «Посылаю четырехлистник (так называют клевер – В.Б.), который сегодня нашел для тебя и для себя», (4) - то есть клевер в букете не случаен, букет из ромашек и клевера он мог собрать, когда ходил со Званцевыми за земляникой. Он вообще предпочитал полевые цветы садовым. В его натюрмортах довольно часто встречаются букеты полевых цветов: «Утренний натюрморт» (1918), «Натюрморт с самоваром» (1920) и «Натюрморт. Цветы и женская голова» (1921).

Самое поразительное во всех натюрмортах Петрова-Водкина заключается в том, что пристальный, порой скрупулезный анализ предметов и строгая, почти экспериментальная композиционная построенность холста ни в какой мере не лишают их непосредственности художнического восприятия натуры, не говоря уже о богатстве и тонкости цвета. "Утренний натюрморт" действительно дышит свежестью омытого росой утра с прозрачностью его воздуха, чистотой цвета и ясной графичностью граней формы. "Розовый натюрморт" (1918, ГТГ) весь пронизан светом, обливающим ветку яблони, рассыпанные плоды и стакан на столе. Особая четкость изображения, в котором предметы как бы названы по очереди и не заслоняют друг друга, рождает почти физическое чувство радости от созерцания этих натюрмортов, таких как будто простых и таких, в сущности, непростых, как далеко не просто и не однозначно все искусство Петрова-Водкина.

Розовый натюрморт. 1918

С этих пор натюрморты уже не уходят из его практики, хотя в дальнейшем не занимают в ней такого места, как в 1918-1920 годах. Наиболее же значительное, как и прежде, создается им в композиционной станковой картине, выражающей самые глубокие и сокровенные его думы о сути происходящих событий и жизни в широком смысле этого понятия.

Разве ты объяснишь мне - откуда
Эти странные образы дум?
Отвлеки мою волю от чуда,
Обреки на бездействие ум.
Я боюсь, что наступит мгновенье,
И, не зная дороги к словам,
Мысль, возникшая в муках творенья,
Разорвет мою грудь пополам.
Промышляя искусством на свете,
Услаждая слепые умы,
Словно малые глупые дети,

Имя: Кузьма Петров-Водкин (Kuzma Petrov-Vodkin)

Возраст: 60 лет

Деятельность: художник, писатель и педагог, заслуженный деятель искусств РСФСР

Кузьма Петров-Водкин: биография

Кузьму Петрова-Водкина, художника, творившего на стыке двух эпох, современники называли «древнерусским иконописцем, волею случая попавшим в будущее». Полотна живописца не только отражали настоящее, но и пророчили грядущее. А еще – вызывали яростные споры поклонников и критиков. Первые говорили о гениальности, самобытности и глубоком символизме, другие – что лучше бы Петрову-Водкину, как и намеревался, работать на железной дороге или продолжить семейное дело и стать сапожником.

Детство

Родился будущий живописец на севере Саратовской области, в городке Хвалынске, расположившемся на правом берегу Волги. Семья Петровых-Водкиных «прославилась» своим предком, любителем «беленькой» Петром. Дед Кузьмы во хмелю зарезал кроильным ножом супругу, а спустя несколько часов и сам скончался. С тех пор детей Петра называли то Петровыми, то Водкиными.

Художнику досталась в «наследство» двойная фамилия, не слишком почетная и напоминающая о семейной трагедии. Отец живописца, Сергей Петрович, получив «прививку» от пагубного пристрастия, был абсолютным трезвенником и лучшим в городе сапожником.

Творческое начало в Кузьме родные отметили в детстве. Мальчик так правдоподобно рассказывал небылицы, что слушатели поневоле верили. Тяга к рисованию тоже проявилась в ранние годы. Первой поклонницей творчества внука оказалась бабушка Арина. Пейзаж, нарисованный Кузьмой масляными красками на куске жести, женщина одобрила и украсила им могилу деда Федора.

Вторая «картина» Петрова-Водкина тоже украсила кладбищенское надгробие. В этот раз – в благодарность за спасенную жизнь. Кузьма купался в Волге, но заплыл слишком далеко и, выбившись из сил, начал тонуть. Спас мальчика перевозчик Илья Захаров, успевший подплыть на лодке.

Спустя неделю Захаров, спасая очередную жертву волн, утонул сам. Нарисованная на жестяной пластине Волга с маленькой лодкой перевозчика и головами тонущих, посвященная погибшему спасателю, – первое «тематическое» полотно живописца.

Учился Кузьма Петров-Водкин в 4-классном училище. Там познакомился с иконописцами и попытался повторить увиденное. Первую работу не одобрил священник: уж очень приземленной оказалась , напоминавшая обуреваемую земными страстями деревенскую бабу.

В 1893 году, окончив училище, Петров-Водкин поехал в Самару, чтобы продолжить образование и получить специальность железнодорожника. Экзамены Кузьма провалил, но не растерялся и поступил в школу живописца Федора Бурова. Через 2 года Федор Емельянович умер, учеников распустили. 15-летний живописец вернулся домой.

Путь к художественному Олимпу сыну открыла мама, горничная в купеческом доме Казариных. Она показала работы Кузьмы прибывшему по приглашению хозяев архитектору Роберту-Фридриху Мельцеру. Пораженный талантом мальчика, архитектор повез юного живописца в Петербург и помог с поступлением в училище технического рисования Штиглица.

Меценатами и спонсорами одаренного земляка стали купцы Казарины. Они оплачивали квартиру и учебу Кузьмы.

Живопись

В Петербурге творческая биография живописца стремительно развивается. Полученный в Хвалынске опыт иконописи пригодился: Петров-Водкин создал эскиз Богородицы с младенцем для церковной апсиды Ортопедического института. Чтобы перевести эскиз иконы в керамику, художник отправился в Англию, на фабрику. Панно в майолике сохранилось до наших дней.

В 1987-м Кузьма Петров-Водкин перебрался в Москву, где стал студентом училища живописи, ваяния и зодчества. Учился под началом . В 1900 году трудился на заводе по изготовлению керамики в подмосковном селе Всехсвятском. Училище окончил в 1905-м.

С детства склонный к авантюрам и приключениям молодой человек мечтал побывать в Европе, но денег на путешествие не было. Помог случай. В столичной газете Кузьма Петров-Водкин увидел объявление о том, что рискнувшему преодолеть путь от Москвы до Парижа на велосипеде спонсор оплатит дальнейшее путешествие по городам Европы.

Молодой художник уговорил приятеля составить компанию и отправился в путь. Дотянули до Германии, на дальнейшую дорогу сил не хватило. В Мюнхене русскому живописцу повезло: друзья собрали деньги для оплаты двухмесячной учебы в школе Антона Ашбе, где в свое время совершенствовали мастерство , Игорь Грабарь и .

Мечта побродить по парижским улицам осуществилась в 1905-м. Три года Петров-Водкин брал уроки в частных художественных академиях. В эти годы побывал в Италии и Северной Африке, вдохновившей на полотна «Семья кочевников», «Африканский мальчик», «Кафе». Через год после возвращения в Россию, в 1909-м, состоялась первая персональная выставка живописца.

В 1910 году Петров-Водкин подарил миру картину «Сон», вызвавшую бурную дискуссию и скандал в обществе. На полотне изображены обнаженные женщины, разглядывавшие спящего голого мужчину. откликнулся на работу разгромной рецензией в газете, зато Александр Бенуа назвал «Сон» шедевром. Эротизм присутствует во многих картинах художника.

В 1912 году символист представил работу «Купание красного коня», изменив мнение Репина: мэтр откликнулся восхищенным: «Талантище!».

Картину называют главным произведением Кузьмы Сергеевича, самым таинственным и «многослойным». О символах и сокрытых в ней значениях и сегодня спорят. Говорят, полотно навеяно новгородскими иконами, написанными древнерусскими мастерами. Были и те, кто увидел в картине образ грядущей революции. Шедевр хранится в Третьяковской галерее.

Спустя 3 года Кузьма Петров-Водкин порадовал любителей головоломок и поклонников символизма новой загадкой – полотном «Жаждущий воин». Ценители искусства рассматривают фигуры картины как восточные иероглифы: у каждой свое значение, а все вместе «читается» как некая «фраза».

Написан шедевр в разгар Первой мировой войны, трагичное для русского воинства время. Приверженцы символизма разглядели в изображенном воине всадника апокалипсиса и провели параллели к Откровениям . По их мнению, посредством зловещей символики на картине отображена происходящая катастрофа, предсказанная в Евангелии.

Поклонники творчества Петрова-Водкина верили в его дар предсказания. В 1918-м он представил натюрморт под названием «Селедка». Поднявшим его на смех за тривиальность сюжета художник хмуро ответил, что изображенное на полотне – паек блокадного времени. До страшных событий в Ленинграде оставалось 23 года.

Юбилею Красной армии художник посвятил картину «Смерть комиссара», исполненную трагизма. Цветовое решение и воплощение мастером идей «сферической перспективы» оценили искусствоведы и коллеги Петрова-Водкина.

За 5 лет до смерти Кузьма Петров-Водкин закончил картину «1919 год. Тревога». На ней изображено жилище рабочего в городе, захваченном белогвардейцами. Герой сюжета тревожно всматривается в синие сумерки за окном, за его спиной притихшая семья. Трагизм усиливается изображением спящего младенца.

Полотно нарисовано в 1934-м и, как считают поклонники художника, лишь формально названо «1919 год». Гениальный провидец почувствовал раскручивающийся маховик сталинских репрессий и нарастающую тревогу в обществе.

Революцию Кузьма Петров-Водкин принял, диссидентом не был и, как всем казалось, благожелательно встретил изменения в стране Советов. Но когда художника не стало, к его наследию охладели: власть вдруг заподозрила, что истоки творчества живописца таятся в иконописи, а за символизмом Кузьма Сергеевич спрятал иные смыслы, не столь приятные для советской власти.

Личная жизнь

В Париже 27-летний Петров-Водкин встретил женщину, с которой прожил до конца дней. Мара – дочь владельца парижского пансиона – стала верной супругой Марией Федоровной. В мэрии французской столицы молодоженов расписали, а спустя 2 года, в 1908-м, они уехали в Россию.

Кузьма Петров-Водкин и его жена Мария Жозефина Йованович (в России - Мария Федоровна)

Дочь Елену жена родила Кузьме Ивановичу в 37 лет. На событие художник отозвался восторженно:

«Я был наполовину человек, не испытав этого! Теперь мне есть для чего жить!».

Смерть

В 1928-м медики запретили Петрову-Водкину работать с красками: испарения вредили пораженным туберкулезом легким.

Кузьма Иванович перебрался из северной столицы в Детское Село, где его окружили знаменитые литераторы , Константин Федин и Вячеслав Шишков.

Художник тоже взялся за перо и написал 20 рассказов, 12 пьес и 3 романа. Два романа Петров-Водкин отнес в издательство, но начинание «зарубил» . После критики сочинений издательства закрыли двери перед Кузьмой Ивановичем.

Не стало яркого представителя символизма и постимпрессионизма в середине февраля 1939 года. Судьба отмерила ему 60 лет, а причиной смерти стал туберкулез.

Картины

• 1907 – «Африканский мальчик»
• 1910 – «Сон»
• 1912 – «Купание красного коня»
• 1915 – «Жаждущий воин»
• 1915 – «Девушки на Волге»
• 1916 – «На линии огня»
• 1917 – «Утро. Купальщицы»
• 1918 – «Селедка»
• 1918 – «Автопортрет»
• 1918 – «Утренний натюрморт»
• 1920 – «1918 год в Петрограде»
• 1922 – «Портрет А. А. Ахматовой»
• 1928 – «Смерть комиссара»
• 1934 – «1919 год. Тревога»
• 1934 – «Портрет В. И. Ленина»

"Творчество Кузьмы Сергеевича Петрова - Водкина и самая известная его картина "Купание красного коня" (1912) - ярчайший взлет, кульминация духовного возрождения России, озарившего начало XX века".

На фоне художественных экспериментов своего времени Петров - Водкин смог дать новую жизнь классической традиции, обогатив ее духовностью древнерусского искусства. Монументальное по форме и пророческое по содержанию его творчество стало достойным продолжением глубинной традиции русской культуры, связавшей имена А. Рублева, А. Иванова , М. Врубеля .

Родился художник на Волге в городе Хвалынске, который любовно назвал в своей автобиографической повести "Хлыновском" , как бы приближаясь к исконному народному говору. Петров - Водкин вышел как самородок из самого сердца народного, из крестьянско - мещанской среды, отчего закрепилась двойная фамилия. Отец его был сапожником.

Мальчик рос в дружной, трудолюбивой семье, окруженный любовью и вниманием. С матерью Анной Пантелеевной его связывала особенная душевная близость. Всю свою жизнь художник делился с нею в своих письмах самым заветным. От этой простой женщины будущий художник впитал особое, свойственное ощущение живой Вселенной.

Он писал о матери: "Космос для нее был единым целым и огромным бьющимся человеческим сердцем внутри него" .

Путь в искусство для Петрова - Водкина был непрост. Благодаря попечительству знаменитого архитектора Р. Мельцера, который обратил внимание на талантливого юношу, Петров - Водкин оказывается в Петербурге и поступает в Центральное училище технического рисования барона А. Штиглица. Впрочем, вскоре, стремясь вырваться из - под опеки, он отправляется в Москву, где в Училище живописи, ваяния и зодчества становится учеником В. Серова . Первоначально художник был склонен к сопровождению раскрытия других талантливых личностей, прежде всего драматургического и литературного направления. Писатель в 1900-е годы даже оттесняет в нем художника. Пьеса "Жертвенные" , навеянная драмами М. Метерлинка, была поставлена на театральной сцене и имела колоссальный успех. И, наконец, в нем просыпается страстный путешественник. Европа, Африка, Восток - вот лишь пунктир его странствий и короткое время для стремления к познанию пространства. Но это особое стремление. Пафос путешествий Петрова - Водкина - не открытие новых земель, а желание ощутить планету Земля как единое живое существо. Эта потребность в нем была так сильна, что толкнула молодого художника на авантюру. Ограниченный в средствах, со свойственной ему крестьянской сметкой он находит остроумный выход: обращается к фирме, производящей велосипеды, с предложением осуществить рекламную поездку. На велосипеде он исколесил всю Европу. Встреча с европейской культурой стала для него важной школой.

С детства внимание Петрова - Водкина всегда манили различные стихийные природные явления: извержения вулканов, землетрясения, затмения светил и наводнения. В них он как будто стремился услышать пульс Вселенной, созвучный с состоянием души и человечества.

Все это было отражением в его творческом периоде, создавая особый тип построения пространственного промежутка - сферической вселенской перспективы. В шедеврах "Купание красного коня" , , "Полдень 17 г." , линия горизонта круглится, воссоединяя событие планетарным ритмом. В своей автобиографии "Хлыновск" он передает, как откровенное событие, произошедшее с ним близ Волги на Затоновском холме. Упав на вершине холма и окинув глазами весь горизонт, он ощутил себя в сферической чаще вселенной, увенчанной всевышним духовным куполом. Ощущал себя в центре всего мира, в центре всей планеты. Во время восхождения к жерлу пробудившегося Везувия, рискуя жизнью, он переживает своеобразный экстаз, "героическую торжественность". "Двинулся космос и треплет, и мчит меня в его ритмах небывалых, незнакомых мне. И земля, которую я знал до той поры, оказалась иной..." - этими словами заканчивает Петров - Водкин вторую часть воспоминаний "Пространство Эвклида".

Впереди его ждали великие свершения...

На этот подвижнический путь в искусстве художник вступает не один. В 1906 г. он встретил в Париже М. Йованович, ставшую его женой.

В духе своих символических пьес он приписывал своей встрече с Марой мистический смысл: "Все мои друзья видели во мне лишь талант... Я был для других как пророк, всегда сильный и радостный, для которого не существовало страдание. Но сам я замерзал. И вот я нашел свою Эвридику!". На протяжении всей жизни художник неоднократно будет обращаться к ее портретам, всматриваясь в завораживающие его любимые черты. Вообще Петров - Водкин с его планетарным мироощущением предпочитал любить человечество, нежели отдельного человека. Но семья была исключением. Благоговейное отношение к матери художник перенес на жену и впоследствии на дочь Елену, рождение которой воспринял как самое яркое событие своей жизни. Удивительное созвучие сердец, царящее в семье, удесятеряет его творческие силы.

Неоднократно впоследствии художник будет обращаться к темам женственности и материнства, в которых пытается постичь тайну первоистока жизни (1912), (1915).

В этих картинах сквозь лица поволжских крестьянок проступают иконные черты, в жестах и движениях, делающих их подобными ангелам, - небесная гармония. В душе каждой из них отражается богоматерь, в которой "воплощено горячее сердце мира".

Этой теме посвящены и первые значительные картины художника , , навеянные образами символизма, живописью Борисова - Мусатова .

Они хоть и подверглись жесткой критике, но сблизили художника с кругом "Мира искусств", принесли известность. В эти годы он живет в Петербурге. А. Бенуа видел в творческом процессе Петрова - Водкина воплощение своей мечты о возрождении монументальности и классического идеала.

Истинное признание Петрову - Водкину принесла картина "Купание красного коня" (1912 г.). В ней воплотились торжествующе и ярко все беспокойные предчувствия искусства предыдущего десятилетия.

Творческая судьба Кузьмы Сергеевича Петрова-Водкина (1878-1939) складывалась счастливо. Превращение сына сапожника в знаменитого живописца, его стремительное перемещение из волжского захолустья в центры европейской культуры (Петербург, Москва, Мюнхен, Рим, Париж), его соседство с крупнейшими деятелями русского искусства в рафинированных столичных кругах - все это кажется фантастичным. В искусстве Петрова-Водкина цельно отобразился парадоксальный строй его личности: провинциально-цепкое, хозяйски-бережливое отношение к материалу духовной деятельности, с одной стороны, и космический размах гипотез, проектов, удивительная свобода мышления, интеллектуальное бескорыстие - с другой. "Богоматерь Умиление злых сердец" 1914-1915 Первые робкие опыты привели пятнадцатилетнего юношу в Классы живописи и рисования Ф. Е. Бурова (Самара). В 1895 году с помощью меценатов он отправился в Петербург и поступил в Центральное училище технического рисования барона А. Л. Штиглица. Однако спустя два года, осознавая свое живописное призвание, Петров-Водкин перешел в Московское училище живописи, ваяния и зодчества (МУЖВЗ), которое окончил в 1904 году. Здесь ему посчастливилось работать в мастерской Валентина Серова. Кроме того, в 1901 году он был в Мюнхене, где посещал художественную школу А. Ашбе. Годы пребывания в МУЖВЗ отмечены литературными занятиями (проза и драматургия), подчас столь интенсивными, что художник даже колебался в выборе между живописью и литературой. Путешествие в Италию, длительное пребывание во Франции, учеба в парижских студиях, знакомство с современным европейским искусством расширили художественный горизонт Петрова-Водкина, окончательно определив выбор пути. Поездка в Северную Африку послужила основой работ, показанных в парижском Салоне (1908), а затем и на родине. В 1909 году в редакции журнала "Аполлон" состоялась первая персональная выставка Петрова-Водкина. На следующий год художник стал членом объединения "Мир искусства", с которым был связан до его роспуска (1924). "Автопортрет" 1907 "Яблоко и вишня" 1907 "В мастерской художника" 1901 "Театр. Фарс" 1907 "Театр. Драма" 1907 "Кафе" 1907 "Портрет Марии Федоровны Петровой-Водкиной, жены художника" 1907 "Натурщик" 1906 "Натурщица" 1907 "Негритянка" 1907 "Берег" 1908 "Портрет Анны Пантелеевны Петровой-Водкиной, матери художника" 1909 "Старухи" 1909 Уже в ранний период творчество Петрова-Водкина отмечено символистской ориентацией ("Элегия", 1906; "Берег", 1908; "Сон", 1910); здесь, безусловно, сказалось влияние старших современников (Михаил Врубель, Виктор Борисов-Мусатов, П. Пюви де Шаванн; в области литературы - Морис Метерлинк). Общественный резонанс первых выступлений художника носил противоречивый характер. Картина "Сон" вызвала бурную полемику и принесла молодому живописцу широкую известность, поскольку лагерь критики возглавил сам Илья Репин, а защиту - Александр Бенуа. Одни видели в Петрове-Водкине "новейшего декадента", у других с его творчеством связывались "аполлонические" ожидания, утверждение неоклассической тенденции. Сам же художник не мог судить о себе столь определенно: называя себя "трудным художником", он не лукавил. Дальнейшая эволюция показывает, что символизм художественного языка коренился в самой натуре живописца, равно как и в иконописной традиции, новое открытие которой состоялось именно в это время. "Играющие мальчики" (1911) и особенно "Купание красного коня" (1912) знаменуют принципиально важный рубеж в творчестве Петрова-Водкина. Хотя пластическая проработка объемов вступает в известное противоречие с условностью цвета и уплощением пространства, здесь ясно прочитывается стремление к синтезу восточной и западной живописных традиций, оказавшемуся столь плодотворным. "Голова Юноши" 1910 "Женщина в хитоне" 1910 "Изгнание из Рая" 1911 "Купание красного коня" 1912 "Женская голова" 1912 "Автопортрет" 1912 "Натюрморт с яблоками" 1912 "Астры" 1912 "Портрет Наташи Грековой (Казачка)" 1912 "Юность (поцелуй)" 1913 "Мать" 1913 На протяжении 1910-х годов амплитуда поисков Петрова-Водкина остается очень широкой. Рядом с холстами монументально-декоративного характера, не лишенными стилизации ("Девушки на Волге", 1915), возникают психологизированные образы в "оболочке" почти натуралистической формы ("На линии огня", 1916). "Портрет мальчика" 1913 "Девушки на Волге" 1915 "На линии огня" 1916 "Скрипка." 1916 Наиболее органичными представляются произведения, связанные с темой материнства, проходящей через все творчество Петрова-Водкина ("Мать", 1913; "Мать", 1915; "Утро. Купальщицы", 1917). "Утро" 1917 "Полдень" 1917 "Яблоки" 1917 "Женская голова" 1918 "Микула Селянинович. Голова" Этюд. 1918 "Головы мальчиков" 1918 В то же время созревают идеи, приведшие Петрова-Водкина к созданию единственной в своем роде художественной системы. На первый план выдвигается проблема пространства, находящая разрешение в "сферической перспективе". Принципиальное ее отличие от "итальянской" перспективы - в расчете на динамику зрителя. Вместе с тем это организация символического пространства, адресующая к восприятию любого фрагмента действительности с "планетарной" точки зрения. Разнообразие пространственных позиций в картине связано с законом тяготения: наклонные оси тел образуют как бы веер, раскрытый изнутри картины. Чертами такой организации отмечены многие произведения: "Полдень. Лето" (1917), "Спящий ребенок" (1924), "Первые шаги" (1925), "Смерть комиссара" (1928), "Весна" (1935) и др. Понимание пространства как "одного из главных рассказчиков картины" вместе со специфическим истолкованием роли цвета (на основе первичной триады: красный, желтый, синий) определили зрелый живописный стиль Петрова-Водкина. "1918 год в Петрограде" 1920 "Голова мальчика-узбека." 1921 "Автопортрет" 1918 Космологический символизм сказывается и в портретах ("Автопортрет", 1918; "Голова мальчика-узбека", 1921; "Портрет Анны Ахматовой", 1922, и др.). Художник считал живопись орудием усовершенствования человеческой природы и стремился обнаружить в человеке проявление вечных законов мирового устройства, сделать каждое конкретное изображение олицетворением связи космических сил. Может быть, именно это позволяло ему читать судьбу по лицам. "Портрет Анны Андреевны Ахматовой" 1922 "Автопортрет" 1921 "Голова мальчика-узбека" 1921 "Композиция" 1921 "Ташкент (в чайхане)" 1921 "Утренний натюрморт" 1918 "Портрет дочери художника" 1923 "Портрет Н.А. (Женский портрет)" "Селедка" 1918 В первые послереволюционные годы Петров-Водкин особенно часто обращался к натюрморту, находя в этом жанре богатые экспериментальные возможности ("Утренний натюрморт", 1918; "Натюрморт с зеркалом", 1919; "Натюрморт с синей пепельницей", 1920). Предметы включены в то же единство всеобщей, космической связи: взятые с высокой точки зрения, в ясно обозримых пространственных отношениях, они активно взаимодействуют, общаются друг с другом на своем предметном языке. Вместе с тем натюрморты с красноречивой точностью передают суровый дух времени ("Селедка", "Скрипка", оба 1918). "Скрипка" 1918 "Натюрморт с синей пепельницей" 1920 "Натюрморт с зеркалом" 1919 "Скрипка" 1921 "Натюрморт. Цветы и женская голова" 1921 "Мадонна с младенцем" 1923 "После боя" 1923 "Портрет Мадам Боден" 1924 "Портрет Любови Михайловны Эренбург" 1924 "Эскиз грима Бориса к спектаклю " Борис Годунов" 1924 "Эскиз грима Марины Мнишек к спектаклю "Борис Годунов" 1924 "Париж. Нотр-Дам" 1924 "Натюрморт с письмами" 1925 "Работница (девушка в красном платке)" 1925 Многие произведения Петрова-Водкина построены по принципу двойной экспозиции ("1918 год в Петрограде", 1920; "После боя", 1923; "Смерть комиссара", 1928), что дает повод ассоциировать его живопись с языком кинематографа. "Автопортрет" 1926 "В Шувалове" 1926 "Девушка у окна" 1928 "Утро в деревне (весна в деревне)" Эскиз 1928 "Смерть комиссара" 1928 "Автопортрет" 1929 "Портрет Сергея Дмитриевича Мстиславского" 1929 "Яблоко и лимон" 1930 На рубеже 1920-х и 1930-х годов Петров-Водкин, вынужденный из-за болезни на время оставить живопись, вновь обратился к литературному творчеству. Именно тогда им написаны автобиографические повести "Хлыновск" и "Пространство Эвклида", в которых он широко развил свои взгляды на природу и возможности искусства. "Натюрморт. Черёмуха в стакане " 1932 "1919 год. Тревога" 1934 Последнее значительное произведение Петрова-Водкина - "1919 год. Тревога" (1934). Хотя своим названием картина адресует к конкретным историческим событиям, она сочетает в себе контрастные смыслы и вырастает до символа целой эпохи. Тревога за отечество, за человеческие судьбы, за будущее детей в 1934 году приобрела иной смысл, нежели в 1919. "Весна" 1935 Ориентация на вечные ценности, присущая творчеству Петрова-Водкина, не могла быть принята советской идеологией сталинского времени. После смерти художника его имя оказалось полузабытым. Только в середине 1960-х годов произошло новое открытие Петрова-Водкина, благодаря чему теперь ясен истинный масштаб его дарования и ценность творческого наследия. "Новоселье" 1937 " Кормление ребёнка" "За самоваром" "Портрет Андрея Белого." 1932 "Семейный портрет (автопортрет с женой и дочерью)" 1933 "Натюрморт (Стакан чая, Чернильница и яблоко на столе)" 1934 "Натюрморт. Виноград и Яблоко" 1934 "Землетрясение в Крыму." 1927 "Портрет дочери художника" 1935 "Дочь рыбака" 1936 "Девочка с куклой (портрет Татули)" 1937 "Натюрморт. Букет цветов и лампа" 1937 "Портрет ученого Леонида Витальевича Канторовича" 1938 "Пушкин в Петербурге (Пушкин на Неве)" 1937-1938 Картины Петрова-Водкина - уникального художника, творившего на стыке двух эпох, хранятся в лучших музеях России и за рубежом. Получив великолепное художественное образование, он изучал иконопись, проявлял большой интерес к живописи Ренессанса. В 1910 году, после многочисленных путешествий, Кузьма Сергеевич увлекся импрессионизмом. Синтезировав разные направления, он стал писать в особенной манере, по которой легко узнать его работы. Многое изменилось со времени Революции, в том числе и отношение к ней, а произведения, которые создавал Петров-Водкин: картины, натюрморты - стали еще более современными и значимыми. С помощью сферической перспективы он выводит зрителя за пределы плоскости в измерение, в котором есть время и движение. Начинаешь не только видеть, но и слышать, что происходит, когда смотришь на картины Петрова-Водкина. Художник с огромной радостью и воодушевлением воспринял весть о свершившихся переменах, принял активное участие в организации художественных мастерских и учебных заведений по всему СССР. Ведь он и сам произошел из простой рабочей семьи и никогда этого не стыдился. Завтрак на солнечной веранде Картина Петрова-Водкина «Утренний натюрморт» хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге. На картине изображено радостное солнечное утро на даче. На деревянном столике стоит граненый чайник, в котором отражается кот, а слева выглядывает собака, возможно, смотрящая на хозяина. Невидимый герой картины только что пил чай из стакана, положил ложку на блюдце, на завтрак приготовлены яйца. В маленькой вазочке стоит букет свежих полевых цветов. Все пространство залито светом. Здесь зарисована сценка из жизни. Полотно объемно; кажется, что можно войти в него, погладить пса, попить янтарный чай. Портрет Анны Ахматовой Кузьма Сергеевич Петров-Водкин в позднем творчестве часто писал портреты членов семьи. Но создать образ известного поэта - это большая ответственность перед будущими поколениями. Кроме внешнего сходства нужно передать одухотворенность творческой личности, характер, свое художественное видение. Портрет Анны Ахматовой был написан в 1922 году. Проницательный взгляд источает спокойствие и силу, боль и печаль о непоправимых потерях, мужество, чтобы их достойно перенести. Многие художники запечатлели поэтессу, но работа Петрова-Водкина, вызвавшая много споров и нареканий современников, прошла испытание временем. При написании был применен трехцветный метод, с которым в это время увлеченно экспериментировал художник. Петроградская Мадонна Еще в юном возрасте познакомился с двумя иконописцами и сам взялся за кисть Петров-Водкин. Картины того времени не сохранились. Позднее, когда он уже получил художественное образование в Петрограде и Москве, до 1917 года писал иконы в модерновом стиле. После Революции много скрытого смысла вкладывал в свои работы Петров-Водкин, описание картины стало невозможно без поиска ассоциаций и наличия определенных знаний. Работа сразу же получила народное название «Петроградская мадонна». Изображенная на картине «Петроград.1918 год» женщина сжимает руку младенца, а взгляд ее полон тревоги и печали за его будущую судьбу. По иконографии работа похожа на «Страстную» икону Божией Матери, посвященную событиям Страстной недели, последней перед Воскресением. Младенец Иисус взял Богородицу за руки, увидев ангелов, несущих орудия пыток для Распятия. Картина обобщенно передает душевное состояние всех женщин в это сложное и страшное время, которые, несмотря на войну, лишения, продолжают исполнять свой святой материнский долг, давая тепло и заботу своим детям, стараясь, чтобы их не коснулись окружающие разруха и голод. Пророчества в полотнах К.С Петрова-Водкина Современники называли его древнерусским иконописцем, волею случая попавшим в будущее. Картины Петрова-Водкина не только отражали его восприятие настоящего, но и пророчили. Например, «Купание красного коня». Написанное в 1912 году полотно произвело фурор в мире. Мощная энергия цвета ассоциировалась с грядущими неотвратимыми событиями. Революция приближалась; художники и поэты, веря в идеалы, мечтая о построении коммунизма, всей душой откликались на ее призыв. Картины Петрова-Водкина оригинальны и прекрасны, в своем творчестве он сумел отразить жизнь простых людей, их духовность, драматизм времени. Скачивание сейчас начнётся... Не забудьте поделиться материалом в социальных сетях с Вашими коллегами Восстановление пароля Введите вашу электронную почту, чтобы восстановить пароль!