Гюстав курбе автопортрет с собакой. Картины уильяма хогарта с описаниями и названиями. История создания сатирической серии

Живой интерес у исследователей вызывал вопрос, почему Гюстав Курбе на протяжении 1840-х годов создал более двадцати автопортретов. Одни считали, что обладавший красивой внешностью Курбе попросту любовался своим лицом. Другие же полагали: художник считал себя самой доступной моделью, так как в то время он жил в большой нужде и даже рисовать ему порой приходилось на оберточной бумаге.

Французский живописец, график, скульптор Гюстав Курбе родился в Комб-о-Ро близ Орнана в семье богатого фермера, имевшего обширные земли. Отец мечтал, что его сын станет юристом, но юридическая карьера не увлекала Гюстава, выбравшего для себя профессию художника. В Безансоне он посещал рисовальную школу, где его учителем был Ш. А. Флажуло, ученик Ж. Л. Давида. За необыкновенные способности товарищи прозвали Курбе "королем красок".

В 1840 году будущий живописец приехал в Париж, где по желанию отца начал учиться в школе права. В свободное время Курбе приходил в Лувр и другие парижские музеи и делал там копии с картин известных мастеров. Особое восхищение у него вызывали произведения Рембрандта, Д. Веласкеса, Х. Риберы, Т. Жерико, Э. Делакруа. Посещал юноша и мастерскую Сюиса, где рисовал натурщиков.

Курбе был беден, поскольку отец, недовольный его выбором, присылал сыну мало денег. Гюстав снимал дешевую квартиру и часто голодал, чтобы выкроить средства на краски, бумагу и холсты. Он упорно писал, но его картины не пользовались спросом.

Среди самых известных работ Курбе, написанных в этот период, - знаменитый "Автопортрет с черной собакой" (1842–1845, Пти-пале, Париж). Это не просто портрет, а портрет-картина, на которой зритель видит пейзаж со скалой, фигуру сидящего на земле художника, большую черную собаку, палку и альбом для зарисовок. Так Курбе рассказывает всем не только о своей профессии, но и о любви к окружающему его миру. Человек, изображенный на полотне, смотрит на нас с чувством превосходства, он уверен в своих силах, смел и независим.

Некоторая театрализованность ощущается и в других автопортретах мастера, среди которых картина, известная под названием "Раненый" (Лувр, Париж). Здесь также есть тщательно проработанный пейзажный фон (поляна, ствол дерева, у которого сидит художник) и детали, придающие композиции повествовательность (шпага и красное пятно на рубашке модели).

Сам образ довольно романтичен: глаза портретируемого прикрыты, на его лице застыли печаль и боль. Все эти детали говорят о том, что персонаж страдает от раны, нанесенной ему на дуэли. Но это лишь поверхностный взгляд на картину, являющуюся, по сути, в некотором роде мистификацией. Если внимательно посмотреть на полотно, можно увидеть, что героя лишь одолела усталость. На его щеках заметен легкий румянец, а во всей фигуре чувствуется скрытая сила и энергия. Оптимистичность композиции подчеркивается и характером мазка - размашистого и динамичного.

Интересен также автопортрет "Человек с кожаным поясом" (1845–1846, Лувр, Париж), свидетельствующий о глубоком интересе Курбе к мастерам эпохи Возрождения. Есть в этой картине и что-то от Рембрандта и голландских портретистов XVII столетия, хотя сам автор заявлял, что образцом для него здесь было творчество Д. Веласкеса. Несомненным остается огромное влияние на Курбе старых художников, чьи работы он копировал в Лувре. Исследователи определили, что "Человек с кожаным поясом" был написан поверх копии с картины Тициана "Портрет молодого человека с перчаткой". Автопортреты Курбе, представленные в хронологическом порядке, показывают не только то, как преображалась с годами внешность художника, но и то, как менялось его отношение к миру. В более зрелых автопортретах нет прежней энергии и оптимизма, а также повышенной эмоциональности.

Г. Курбе. "Автопортрет с черной собакой", 1842–1845, Пти-пале, Париж

Перед нами предстает возмужавший и мудрый человек. Сам Курбе признавался: "Я за свою жизнь создал немало портретов по мере того, как изменялся мой образ мышления. Одним словом, я написал свою жизнь".

С течением времени Курбе перестает так тщательно выписывать фон и все свое внимание переносит на лицо модели.

В 1840-е годы художник написал множество портретов своих родных. В числе лучших - "Жюльетт Курбе" (1844, Пти-пале, Париж). Художник изобразил свою младшую сестру Жюльетт сидящей в кресле с плетеной спинкой. Поражает явное несоответствие облика модели и фона: юная девушка, одетая в скромное платье, показана на фоне пышной драпировки, более уместной для парадного портрета XVII столетия. В этой детали сказалось стремление мастера к театрализованному, игровому началу, мистификации, характерной для его ранних автопортретов.

Курбе посылал свои портреты в Салон, но жюри каждый раз отвергало их.

Среди моделей мастера были не только родственники, но и друзья, а также люди, близкие ему по духу. Художнику позировали поэты, писатели, философы.

Одно из самых ранних полотен, показывающих представителей интеллектуальной среды столицы, - "Портрет Шарля Бодлера" (1847–1848, музей Фабра, Монпелье). Одухотворенную характеристику модели подчеркивают предметы окружающей обстановки: книги, стол с папкой, чернильница. Трудно уловить выражение подвижного лица поэта. Работая над портретом, Курбе сетовал: "Я не знаю, как закончить портрет Бодлера, каждый день его выражение меняется". Сложность натуры Бодлера обескуражила художника, стремившегося к ясности образов на своих портретах. Художник так и не положил завершающие мазки на полотно и именно таким образом передал сущность характера своей модели.

Более определенно и однозначно Курбе охарактеризовал известного критика и историка искусства на "Портрете Шанфлери" (1854, Лувр, Париж). На темном фоне выделяется лицо человека, сущность которого совершенно ясна и понятна зрителю. Шанфлери демократичен, умен и вдумчив. Такие же мысли вызывают и многие другие портреты Курбе ("Портрет Брюйаса", 1854, музей Фабра, Монпелье; "Портрет Валлеса", 1861, музей Карнавале, Париж). Люди, изображенные на полотнах, для Курбе прежде всего единомышленники, близкие ему по убеждениям.

Г. Курбе. "Жюльетт Курбе", 1844, Пти-пале, Париж

Несколько особняком стоит "Портрет Пьера-Жозефа Прудона" (1865, Пти-пале, Париж).

Курбе включил фигуру знаменитого философа в пейзаж и поместил в композицию изображения двух детей. Художник с большим уважением относился к личности Прудона и, вероятно, поэтому называл этот портрет историческим, хотя он и не являлся таковым. Курбе начал портрет уже после смерти Прудона и пользовался фотографией и прижизненным изображением философа кисти другого мастера. Возможно, вследствие этого образ Прудона, несмотря на явное внешнее сходство, получился малоубедительным и безжизненным.

В мужских портретах нет той задушевности и эмоциональности, которая присутствует в женских портретных образах ("Испанка", 1855, частное собрание, Филадельфия; "Портрет мадам Брайер", 1858, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

В то же время некоторые изображения женщин свидетельствуют о попытках мастера выразить в этих образах свое понимание красоты. Курбе любуется чувственной прелестью своих моделей, их физическим совершенством. Таков "Портрет Джо" ("Прекрасная ирландка", 1865, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; вариант - в Национальном музее, Стокгольм). На картине изображена Джоанна, возлюбленная живописца Джеймса Уистлера. Восхищенный художник передает роскошные рыжие волосы девушки, глядящейся в маленькое зеркало, ее нежное лицо. Этот образ близок по своему духу знаменитой тициановской "Венере, смотрящейся в зеркало". Среди самых известных шедевров Курбе - картина "Похороны в Орнане" (1850, Лувр, Париж), соединившая элементы двух жанров - портретного и бытового. На полотне изображены провинциальные похороны, но действие почти не ощущается, и потому зритель может внимательно рассмотреть всех персонажей композиции: родственников покойного, служек, причетников, мэра города, нотариуса, священника, могильщика и других людей, пришедших на кладбище. Интересно, что почти каждый изображенный имел свой реальный прототип. Жители Орнана толпились возле мастерской Курбе, мечтая о том, чтобы художник запечатлел их на картине.

Г. Курбе. "Автопортрет с трубкой", 1846–1847, музей Фабра, Монпелье

В каждом своем герое живописец стремится показать индивидуальные черты характера. Зритель видит разных людей: хитрых, умных, волевых, лицемерных. И в то же время у всех них есть что-то похожее, типичное. В лицах приземленных и практичных орнанцев нет одухотворенности. Представляя каждую модель в отдельности, Курбе создал общий портрет французской провинции с ее косностью, отсталостью мышления. Авторскую мысль подчеркивает сдержанная цветовая гамма, тяготеющая к черным и белым оттенкам, и плотная фактура картины.

Еще одно значительное произведение Курбе в портретном жанре - "Ателье" (1855, Лувр, Париж), ставшее художественным воплощением творческого кредо живописца. В центре картины мы видим самого Курбе, вокруг него располагаются его единомышленники, чьи портретные образы превращены в аллегории. Так, Бодлер олицетворяет Поэзию, Шанфлери - Прозу, Прудон - Философию и т. д.

1697-1764

Автопортрет с собакой Трамп
1745. Холст, масло, 90x65. Галерея Тейт, Лондон.

Уильям Хогарт - крупный английский живописец, гравер периода рококо, теоретик искусства, автор знаменитого "Анализа Красоты". Уже в детстве у него проявились интерес к рисованию и феноменальная память, позволявшая запоминать множество не связанных между собой деталей. В 16 лет Хогарт поступил в обучение к резчику по серебру Э. Гемблу и овладел не только искусством декоративной резьбы, но и гравирования на меди. В 1720 Хогарт начал свой путь в искусстве. Первые опыты художника были связаны с гравюрой и графикой, и первой крупной работой стали иллюстрации к "Гудибрасу" С. Батлера (изд. в 1726). В конце 1720-х Хогарт стал известен как мастер небольших групповых портретов. Он работал и в других жанрах, удачно проявил себя как создатель сатирических произведений. Автопортрет с любимой собакой Трамп - одно из самых известных произведений Хогарта. Здесь использован эффект "обманки": портрет как бы установлен на томах Шекспира, Свифта, Мильтона. Так художник отдал дань уважения литературе, способной спорить с живописью. Окруженный драпировками портрет напоминает зеркало, в котором отобразился облик художника. Другие известные произведения: "Девушка с креветками". Начало 1760-х. Национальная галерея, Лондон; "Миссис Солтер". 1744. Галерея Тейт, Лондон; "Дети семьи Грэм". 1742. Галерея Тейт, Лондон.

"От какого чудовища… мог произойти этот ублюдок? Под каким колпаком, на какой навозной куче, политой смесью вина, пива, ядовитой слюны и вонючей слизи, произросла эта пустозвонная и волосатая тыква, эта утроба, притворяющаяся человеком и художником, это воплощение идиотского и бессильного", - злобно писал Александр Дюма-сын по поводу картины Гюстава Курбе "Спящие" (1866). Интересно, что бы сказал великий писатель, увидев полотно "Происхождение мира" , который публике показали лишь в конце XX века - через полтора столетия после его создания? Долгое время скандальная картина находилась в частной коллекции, ныне она выставлена в музее Орсе. До сих пор к ней приставлен охранник, призванный предотвращать бурную реакцию зрителей.

Гюстав Курбе считается основателем нового художественного стиля - реализма. Рихард Мутер писал: "Его ненавидели за то, что, в совершенстве владея мастерством, он писал так же естественно, как другие едят, пьют или разговаривают". Действительно, творчество художника порождало громкие скандалы на протяжении всей его жизни.

Родился Курбе 10 июня 1819 года в Орнане, недалеко от швейцарской границы. Его отец владел виноградниками около Орнана. В 1831 году юноша начал посещать семинарию в Орнане, а в 1837 году по настоянию отца поступил в юридический колледж в Безансоне. В это время он также посещал занятия в Академии, где его учителем был Шарль-Антуан Флажуло, ученик крупнейшего французского художника-классициста Жака-Луи Давида. В 1839 году Курбе отправился в Париж, где познакомился с художественной коллекцией Лувра. Особо сильное впечатление произвели на него малые голландцы и испанские художники, в особенности Веласкес. Юриспруденции молодой человек предпочёл занятия в художественных мастерских. В 1844 году его картина "Автопортрет с собакой" была выставлена в Парижском салоне (остальные предложенные им картины были отвергнуты жюри). В эти же годы он написал большое количество автопортретов, несколько раз посетил Орнан, путешествовал по Бельгии и Нидерландам, где устанавливал контакты с продавцами живописи. Одним из покупателей его работ был голландский художник и коллекционер, один из основателей Гаагской школы живописи Хендрик Виллем Месдаг. В Париже он познакомился с и Оноре Домье .

В конце 1840-х годов официальным направлением французской живописи всё ещё был академизм и работы художников реалистического направления периодически отвергались устроителями выставок. В 1847 году все три его работы были отвергнуты жюри. Салон также не принял полотна таких известных мастеров, как Эжен Делакруа и Теодор Руссо. В 1871 году Курбе примкнул к Парижской коммуне, управлял при ней общественными музеями и руководил низвержением Вандомской колонны (известный символ бонапартизма). После падения Коммуны он полгода отсидел в тюрьме и был приговорён к пополнению расходов по восстановлению разрушенной им колонны. Это заставило художника удалиться в Швейцарию, где он и умер в нищете 31 декабря 1877 года.

"Вечерняя Москва" предлагает вам вспомнить наиболее известные полотна Гюстава Курбе.

1. "Автопортрет с черной собакой" (1842)

Первая картина Курбе, имевшая настоящий успех, была написана в Париже. Себя художник изобразил сидящим на земле у входа в грот Плезир-Фонтен (недалеко от Орнана). Слева от него лежат трость и альбом для этюдов, справа на фоне залитого солнцем пейзажа тёмным силуэтом выделяется чёрный вислоухий спаниель. На небе и заднем плане - несколько пробных мазков, сделанных мастихином - инструментом, которым Курбе позднее пользовался с большим мастерством. В мае 1842 года Курбе писал родителям: "Я обзавелся прелестной собачкой, чистокровным английским спаниелем - её подарил мне один из друзей; все ею восторгаются, и в доме Удо ей рады гораздо больше, чем мне". Два года спустя этот автопортрет откроет Курбе двери Салона - честь, которой усиленно добиваются все начинающие. В настоящее время картина хранится в музее дю Петит Палас в Париже.

2. "Послеобеденное время в Орнане" (1849)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

Картина была задумана и частично написана до 1849 года, во время одного из приездов художника в родной город. Завершена она была уже в Париже. Филолог и романист Франсис Вей написал о своей встрече с Курбе: "Нас принял высокий молодой человек с великолепными глазами, но тощий, бледный, желтый, костлявый... Он молча кивнул мне и вновь сел на табурет перед, мольбертом, где стоял холст "Послеобеденное время в Орнане". <...> Почему вы ещё не стали знаменитым при таком редком, таком замечательном таланте? - воскликнул я. - Еще никто никогда не писал так, как вы!" - "Верно! - отозвался художник с мужицким акцентом обитателя Франш-Конте. - Я пишу как бог!".

3. "Дробильщики камня" (1849)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

В письме к Франсису Вею Курбе описывает это полотно и рассказывает об обстоятельствах, породивших ее замысел: "Я ехал на нашей повозке в замок Сен-Дени, около Сеэн-Варе, неподалеку от Мезьера, и остановился посмотреть на двух человек - они представляли собой законченное олицетворение нищеты. Я тотчас же подумал, что передо мной сюжет новой картины, пригласил обоих к себе в мастерскую на следующее утро и с тех пор работаю над картиной... на одной стороне полотна изображен семидесятилетний старик; он согнулся над работой, молот его поднят вверх, кожа загорелая, голова затенена соломенной шляпой, штаны из грубой ткани все в заплатах, из когда-то голубых порванных носков и лопнувших снизу сабо торчат пятки. На другой стороне - молодой парень с пропыленной головой и смуглым лицом. Сквозь засаленную, изодранную рубаху видны голые бока и плечи, кожаные подтяжки поддерживают то, что некогда было штанами, на грязных кожаных башмаках со всех сторон зияют дыры. Старик стоит на коленях; парень тащит корзину со щебнем. Увы! Вот этак многие начинают и кончают жизнь". В романе "Биез из Серина" , написанном вскоре после этого, Франсис Вей почти дословно использовал фразы из письма Курбе, описывая двух дробильщиков камня у обочины дороги. Известный французский политик, философ и социолог Пьер Жозеф Прудон в 1864 году назвал Курбе первым подлинно социальным художником, а "Дробильщиков камня" - первой социальной картиной.

4. "Здравствуйте, господин Курбе!" (1854)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

В мае 1954 года Курбе совершил поездку в Монпелье по приглашению известного мецената и коллекционера Альфреда Брюйа . На картине художник изобразил себя с тростью и ранцем за спиной в тот момент, когда на дороге его встретил Брюйе, слуга и собака. Картина, написанная с предельным реализмом, произвела сенсацию на Всемирной выставке в Париже в 1855 году. Курбе был объявлен поборником нового антиинтеллектуального искусства, свободного от условностей академической живописи. Курбе писал картины на реальные сюжеты и этим, в частности, оказал серьёзное влияние на творчество импрессионистов. Говорят, что когда ему предложили дописать фигуры ангелов в картине, предназначенной для церкви, он ответил: "Я никогда не видел ангела. Покажите мне ангела, и я напишу его".

5. "Спящие" (1866)

Нажмите на изображение для перехода в режим просмотра

На картине, которая буквально взорвала буржуазную Европу, две обнажённые женщины лежат в обнимку на застеленной белой простынёй постели, в результате чего предстающая перед зрителем сцена кажется сценой лесбийской любви. Разорванное жемчужное ожерелье и пришедшая в беспорядок простыня только усиливают это ощущение. Полотно до такой степени возмутило общественность, что пресса буквально взорвалась негодующим воплем. Художественная ценность картина стала очевидной лишь годы спустя, когда скандал поутих.

Питер Брейгель Ст. Охотники на снегу. Фрагмент

Охотники Брейгеля, часовой Фабрициуса, мопс Хогарта, вериги из Переславля-Залесского

15 марта 2018 Людмила Бредихина

Питер Брейгель Старший. Охотники на снегу. 1565. Музей истории искусств, Вена

Только не путайте этих охотников с "Охотниками на снегу" Питера Брейгеля Младшего, что довольно трудно. Попробуйте сориентироваться по собакам ― у Старшего они совсем унылые. Эта картина из цикла "Времена года" из шести картин (сохранилось пять). Три из них находятся в собрании Музея истории искусств в Вене. Здесь, понятное дело, зима. Видимо, уникальная резкость картины завораживала кинорежиссеров и часто цитировалась многими, от Тарковского в "Зеркале" до Триера в "Меланхолии". В оригинале на льду, говорят, видны тени людей. Это в пасмурную-то погоду!

Птицы на воле и в ловушке, собаки и охотники ― все и впрямь очень меланхоличны. Охотникам практически без добычи (одна лиса на всех) явно неприятно смотреть влево, в сторону костра, где опаливают домашнюю свинью, и даже дети при деле. Меланхоличный пейзаж вряд ли писан с натуры, но жизнь здесь пока идет своим чередом, люди возят хворост, тушат пожар, катаются на коньках и санках. Питер Брейгель Старший отсылает нас не только к Ларсу фон Триеру, но и к недавней лекции Бориса Гройса в Киеве насчет того, что искусство давно готово к концу света. А мы все никак.

Антон ван Дейк. Портрет Джеймса Стюарта. Около 1634-1635. Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Фламандец Антон ван Дейк родился 22 марта 1599 года в Антверпене и был седьмым ребенком в семье богатого торговца тканями. В десятилетнем возрасте его отдали в мастерскую известного живописца Хендрика ван Балена. Попозже он испытал сильное влияние Рубенса, у которого тоже работал помощником, а потом уж ― влияние венецианской школы. Ван Дейк написал столько изящных парадных портретов, что его можно считать причастным к самоубийству этого жанра. "Портрет Джеймса Стюарта" (1632) ― прекрасный тому пример. Элегантный герцог, не менее элегантно написанный, много теряет рядом со своей живой и непосредственной собакой. На собак парадность, к счастью, не распространялась.

Герард Терборх. Женщина, моющая руки. 1665. Дрезденская галерея

Герард Терборх ― мастер жанровой живописи голландской школы. Оставил множество сцен из крестьянской жизни, писал доярок и коров, но с конца 1640-х начал специализироваться на интерьерах с небольшим числом действующих лиц. Художник сильно нуждался и, понятно, в качестве моделей часто использовал круг близких людей, в частности, сестру Гезину. Скорее всего, именно она и ее собачка изображены на картине. А картины на стене, скорее всего, принадлежат кисти самого Герарда. Жаль, резкость здесь не та, что у Брейгеля Старшего. Собачка на редкость мила и держится с большим достоинством. В еe глазах легко прочесть: "И в бедности достойна добродетель". То же мы читаем в облике дамы. Дамы и их собачки часто пребывают в полном согласии, что и увековечил внимательный голландский художник.

Сэмюэл Диркс ван Хогстратен. Вид вдоль коридора. 1662. Национальный фонд Дирхэм-парк, Великобритания

Ученик Рембрандта, писатель, поэт, учtный, теоретик искусства. Одновременно с Сэмюэлом в мастерской Рембрандта учился Карел Фабрициус, благодаря общению с которым Хогстратен увлекся перспективой и разными эффектами по обману зрения. В этой области он как раз и прославился. Знаменитой стала "перспективная коробочка", внутри которой можно через смотровое отверстие увидеть миниатюрное изображение интерьера типичного голландского дома. Впрочем, его традиционные картины вроде "Вида вдоль коридора" тоже часто построены на эффектах перспективы.

Карел Фабрициус. Часовой». 1654. Художественный музей, Шверин

Самый известный ученик Рембрандта. Его судьба экзотически трагична ― он с семьей взорвался на пороховом погребе. Сохранилось всего десять картин этого художника. К числу шедевров принадлежит виртуозная композиция "Часовой" и маленькая картина "Щегленок" с контрастом тщательно прописанного насеста и несфокусированной птички. Обе работы написаны в один год. Картина "Часовой" знаменита сложным решением света и тени ― солнце энергично вламывается в городское пространство и весьма своевольно организует перспективу. Часовой с ружьем тем временем сладко спит. Трогательная черная собачонка заняла промежуточную позицию ― неподвижная, как часовой, она выражает сложную гамму чувств от праздного любопытства до преданности и живого укора.

Бартоломе Эстебан Мурильо. Мальчик с собакой. 1650-1660. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Знаменитый испанский живописец, глава севильской школы. Испытал влияние ван Дейка, Веласкеса, с которым дружил, и итальянской школы, конечно. Оставил огромное наследство ― более 400 картин разных жанров. Среди них сценки из народного быта и повседневной жизни детей, обитателей севильских улиц. Картина "Мальчик с собакой" из этой серии. Для испанского бытового жанра характерны крупнофигурная композиция и отсутствие сюжетного действия. В образах Мурильо легко улавливается нотка сентиментальности. Между этим портретом и "Портретом Джеймса Стюарта" тридцать лет и вся Европа. Присутствие собаки подчеркивает те серьезные изменения, которые произошли в живописном портрете.

Уильям Хогарт. Автопортрет с мопсом Трампом. 1745. Галерея Тейт, Лондон

Хогарта часто называют основателем национальной английской школы живописи, хотя никто из младших соотечественников не был его прямым учеником. Художник смело экспериментировал с композицией, колористическим решением, манерой наложения мазка. Знаменитый "Автопортрет с собакой" напоминает скульптурный бюст, хотя построен им как натюрморт, центральную часть которого занимает овальное изображение, расположенное на стопке книг, среди которых, конечно, Шекспир. Большое влияние на Хогарта оказала идея Просвещения о том, что с помощью творчества можно искоренять пороки. На переднем плане помещены любимый пес Хогарта — Трамп и палитра с нанесенной на нее волнистой линией, которую художник почему-то называл "линией красоты". Трамп, подобно хозяину, строг и печален ― мир так не совершенен. И заметьте, как выгодно сам Трамп отличается от нынешних мопсов. В наше время Хогарту поставили памятник, естественно, с Трампом, хотя последнего несправедливо задвинули за фигуру художника. Думаю, Хогарт этого не позволил бы.

Филипп Рейнегл. Портрет музыкальной собаки. 1805. Музей изобразительных искусств штата Вирджиния, США

Удивительный художник, который в какой-то момент испытал отвращение к портретной живописи и в итоге стал успешным анималистом. Нечего добавить.

Артур Элсли. Собаки егеря. Около 1908. Частная коллекция

И в наше время любовь к собакам может сыграть злую шутку с живописцем. Если бы Артур Элсли не так заметно предпочитал собак людям, его живопись определенно выиграла бы. А теперь она, по общему мнению, находится на границе между искусством и китчем: еще не китч, но уже и не искусство. На картине "Собаки егеря" видна неприятная кукольность лиц детей (мне кажется, иногда это заметно на картинах нашего Перова). Да и сам егерь не так хорошо выглядит, как его собаки. Хотя получше детей-то…

Эдмунд Блэр Лейтон. Леди Годива. 1892. Национальный фонд Дирхэм-парк, Великобритания

Эдмунд Лейтон ― художник второй волны прерафаэлитов. Эта картина ― единственная, известная мне, где легендарная леди Годива полностью одета. И единственная картина, где собаки изображены сзади.

Легендарная леди была женой графа Леофрика, одного из самых влиятельных людей Англии и приближенного короля Эдуарда Исповедника (XI век). Уполномоченный монархом, граф собирал непомерные налоги с подданных. До наших дней дошли исторические свидетельства о жестокости графа к неплательщикам ― вплоть до смертной казни! Благочестивая Годива упрашивала мужа изменить поведение, и однажды, будучи очень пьяным, Леофрик обещал сделать это, если жена проедет обнаженной на лошади по улицам города Ковентри. Он был абсолютно уверен, что известная монашеским поведением Годива не решится на такой поступок. Но она решилась. Правда, попросила жителей города закрыть в этот момент ставни. По легенде, жестокий граф устыдился и сделался много мягче.

В 1678 году жители Ковентри учредили ежегодный фестиваль в честь леди Годивы, сохранившийся и по сей день.

История о леди Годиве несколько напоминает известную жителям Переславля-Залесского легенду о жестком сборщике налогов Никите. Этот мытарь был так упорен и жесток, что однажды благочестивая жена его увидела в борще руки-ноги несчастных жертв, на что тут же указала Никите. Тот ужаснулся и со свойственным ему упорством твердо встал на путь праведника. Сегодня Никитский монастырь в Переславле хранит его вериги, которые оказались полезны для излечения одержимости (практик экзорцизма).

Уильям Хогарт (1697-1764) — английский художник, гравёр, иллюстратор, сатирик.

Автопортрет с собакой. 1745 год.

Портреты весьма почитались в Англии XVIII века, они висели в парадных залах родовых поместий и аристократических клубах. Благотворительные приюты заказывали изображения своих покровителей, актеры любили, чтобы их запечатлевали в какой-либо роли. Художники писали портреты чаще, чем композиции на темы библейской и античной истории, хотя этот вид живописи, называвшейся исторической, считался наиболее возвышенным.

Англия - островная страна. В ней все иначе, чем на Европейском континенте. И художественная жизнь не была исключением. Во Франции начала XVIII века, передовой стране в области искусства в то время, складывается новый стиль - рококо. Появляется мода создавать парки с регулярной планировкой. Образцом служит величественный Версаль с остриженными боскетными кустами, прямыми аллеями и широким зеркалом водной глади с фонтанами. Англия же идет в искусстве своим путем. Здесь поклоняются античности и строят дворцы в классическом духе. Возникает свой национальный вариант парка - пейзажный. Это природа, облагороженная руками садовника; деревья, заслоняющие красивый вид, убираются, русло ручейка немного отводится в сторону, насыпаются холмики, с которых можно обозревать зеленые лужайки с сочной травой. Именно в таких парках художники любили представлять изящных светских дам и кавалеров. Однако в портретном жанре начала XVIII века Англия еще не имела высоких достижений Франции.

Все изменилось с появлением Уильяма Хогарта. Его знают как гравера и карикатуриста, забывая заслуги художника в портрете. Одной из распространенных разновидностей портрета были сцены собеседования. В парке или интерьере изображались члены какой-либо семьи, персонажи, занятые карточной игрой, разговором, чаепитием. Именно с такого рода картин начинает Хогарт свое портретное творчество, выявляя социальную принадлежность и характер персонажей. Он раскрывает содержание произведения через жесты героев, окружающие предметы и создает своего рода миниатюрные театральные сценки. Между изображенными людьми возникает драматическая и психологическая взаимосвязь. Таков портрет детей Грахём.

На картине - четыре персонажа. Девочки напоминают маленьких дам, которых развлекает кавалер-мальчик, играющий на шарманке. Они не обмениваются взглядами, но чувствуется, что их объединяет искренняя симпатия друг к другу.

Немного позже Хогарт создает знаменитый «Автопортрет с собакой». Ему 45 лет. Художник предстает в скромном обличье, без парика, в простой одежде. Перед нами прямой, открытый человек, трезво оценивающий себя и окружающих. В картине много «говорящих» деталей: книги английских классиков Свифта, Шекспира и Мильтона, резец, палитра с надписью - «линия красоты». Тут же Хогарт изобразил любимую собаку, морда которой напоминает лицо хозяина. Такой прием уподобления человека и животного имеет давнюю традицию, так, Микеланджело сравнивался с драконом, а Леонардо со львом.

Развитие английского искусства в XVIII веке связано с общим подъемом культуры после буржуазной революции 1640-1660 годов. Художники обращались непосредственно к окружающей действительности и искали новые средства выражения. Они создали кружок, члены которого собирались в кофейне Слотера. Кроме Хогарта, в это общество входили скульптор Рубильяк, французский гравер и иллюстратор Гравело, писатель Фильдинг и актер Гаррик. Того же года, что и автопортрет, портрет Гаррика в роли Ричарда III. Эта роль сделала актера знаменитым и ознаменовала новые приемы театральной игры.

Слуги Хогарта. 1760-е годы.

В конце жизни Хогарт написал два, пожалуй, самых лучших портрета: «Слуги Хогарта» и «Девушка с креветками». В обоих главная задача состояла в том, чтобы раскрыть характеры людей.

Девушка с креветками. 1750-е годы.

«Девушка с креветками» напоминает по быстроте и легкости исполнения живописный этюд. Хогарт создает полнокровные реалистические образы простых людей. Доминирующие в колорите холодные цвета естественно соединяются с теплыми - розового и коричневого оттенков. Мгновенность впечатления от натуры передана мастером подвижными, гибкими, широкими мазками, которые делают его полотна необычайно живыми и непосредственными.

Е. Гагарина Журнал «ЮХ»

Произведения Хогарта - настоящие книги… Другие картины мы рассматриваем - его картины мы читаем . Чарльз Лэм («О гении и характере Хогарта»).

Жизнь Уильяма Хогарта - знаменитого английского живописца, графика и теоретика искусства XVIII века - была неразрывно связана с Лондоном. Этот город с колыбели был частью его души, здесь будущий художник, сын перебравшегося в столицу сельского учителя, в 17 лет приобщился к искусству, поступив учеником к граверу по серебру. Урывками посещал школу художников Вандербенка и Шерона, а затем входившего тогда в славу Торнхилла. Здесь нашел личное счастье, женившись на дочери последнего, которую романтически похитил в 1729 году из отчего дома

И Лондон же, город, в котором как в капле воды отражалась вся Англия первой половины XVIII века с ее небывалым экономическим подъемом и расцветом культуры, глубокими социальными противоречиями и разительными контрастами роскоши и нищеты, служил для Хогарта неисчерпаемым источником сюжетов его произведений…

Зима 1728 года. Лондонская публика, словно забыв о триумфах Королевского театра Друри Лейн, валом валила в Линколнс Инн Филдс, где 29 января с потрясающим успехом состоялась премьера «Оперы нищего» Джона Гэя. В первом же сезоне пьеса прошла шестьдесят два раза. Огромной популярностью спектакль был обязан не столько блестящей игре актеров, сколько тому, что был довольно прозрачной сатирой на английские правящие круги. Опера изображала эпизоды из жизни бродяг, проходимцев, бандитов, но в действующих лицах нетрудно было различить черты многих высокопоставленных особ, а в ситуациях пьесы - связь с английской реальностью.

«Опера нищего» VI. 1729-1731 годы.

Хогарт любил театр, дружил с актерами, писал их портреты. «Опера нищего» покорила художника сразу. С 1728 по 1731 год он пишет шесть вариантов картины на этот сюжет. Последний вариант сцены из III акта «Оперы нищего» наиболее удачный. Динамичность композиции, умение передать сильное душевное движение главных героев пьесы, превосходная живопись делают картину лучшей из ранних произведений Хогарта.

В это же время Хогарт пишет довольно много небольших по размеру групповых семейных портретов, так называемых «разговорных сцен», и достигает известности. Но это занятие он скоро оставил. «Я обратился, - вспоминал впоследствии художник, - к совсем новому жанру, а именно: к писанию картин и созданию гравюр на современные нравственные темы - области, еще вовсе не испробованной ни в одной стране и ни в какие времена».

Так появилась знаменитая сатирическая серия «История шлюхи» (1732). В шести сценах Хогарт запечатлел основные эпизоды из жизни приехавшей в Лондон деревенской девушки некой Мэри Хэкабаут. Совершенно не подготовленная к тому, чтобы противостоять искушениям большого города, она попадает в руки старой сводни, становится содержанкой и оканчивает свою жизнь среди обитателе лондонского «дна». Эти полотна погибли от пожара в 1755 году, но история Мэри дошла до нас в собственоручных гравюрах Хогарта.

Он пирует. История распутника III. Около 1733 года.

Вскоре художник пишет и гравирует новую серию из восьми картин. Это «История распутника» - повествование о беспечно прожитом наследстве. Жизнеописание распутника звучат менее убедительно, чем история шлюхи. Но картина «Он пирует» - подлинный шедевр. Сцена ночного разнузданного пиршества героя серии Тома Рэйкуэлла «при всей ее безоттарности исполнена с художественным изяществом, она артистична, просто красива».

Так, вместе с писателями-просветителями первой половины XVIII века Хогарт высказал идеи Просвещения, вступил в борьбу за искоренение пороков современного ему общества.

В конце 30-х годов мастер создает замечательную серию картин «Четыре времени суток», рисующую британскую столицу в конкретный момент состояния природы, освещения. Бремени года и дня. Особенно впечатляет картина «Утро», изображающая на заре, в легком зимнем тумане Ковент-Гарден - эту никогда не затихающую и не засыпающую площадь. Через пятнадцать лет Хогарт покажет жизнь других лондонских улиц; он нарисует жуткую картину «Переулок Джина» - ужасающее пьянство, беспросветную нищету и задавленность до потери человеческого образа его обитателей.

Капитан Корэм. 1740 год.

1740-е годы - период творческой зрелости Хогарта. В это время он создает свои лучшие произведения и как портретист, и как сатирик. Галерею портретов открывает знаменитый портрет капитана Томаса Корэма, близкого друга и единомышленника художника, мореплавателя и филантропа, прославившегося учреждением в Лондоне так называемого Дома найденышей (сиротского приюта). Хогарт повторяет здесь схему парадного портрета, но делает это лишь для того, чтобы создать полотно, воплощающее общественное признание заслуг человека из «средних классов». Написанное с подлинной симпатией, открытое, такое «домашнее» лицо старого капитана, отнюдь не аристократическое, мало соответствует нарядному окружению.

Мэри Эдвардс. 1742 год.

Особое место в творчестве Хогарта занимают женские портреты. Прежде всего это глубоко психологический и художественно совершенный портрет Мэри Эдвардс, которая была поклонницей таланта художника и едва ли не единственным человеком, по-настоящему ему помогавшим. Хогарт не льстит модели, но восхищается ею. Уверенной кистью пишет нервное, своеобразное лицо портретируемой, в котором странным образом соединились миловидность и неправильность черт. С не меньшим мастерством написано изящное платье и драгоценное украшение на груди.

Элизабет Солтер. 1744 год.

Один из самых знаменитых портретов 40-х годов - «Портрет Лавинии Фентон». Хогарт писал ее ранее в роли главной героини «Оперы нищего». Запечатленный более’ чем десять лет спустя, образ этой красивой, жизнерадостной молодой женщины замечателен по выразительности и психологической проникновенности, от него исходит какое-то тайное, постепенно раскрывающееся обаяние.

В 1745 году Хогарт пишет «Автопортрет». С овального холста на нас смотрит художник, по-домашнему одетый в халат, без парика, в теплой охотничьей шапке. Лицо с яркими синими глазами и шишковатым лбом передано с необычайной силой и глубиной. На переднем плане изображены палитра со ставшей позднее знаменитой змеевидной «линией красоты», его любимый пес Трамп и книги - Шекспир, Милтон, Свифт.

Выбор книг показателен. Свифт был особенно родствен Хогарту по природе своего дарования. Классика Милтона вдохновляла Хогарта на «высокую живопись», на создание таких картин, как «Сатана, Грех и Смерть», в которой впервые сказалось романтическое видение художника. Пьесы же Шекспира рождали у Хогарта желание «трактовать сюжеты как драматический писатель».

Свальба Стивена Бекингема с Мэри Хокс. 1740-е годы.

Сходство картин Хогарта с драматическими произведениями особенно ярко выражено в третьей, самой знаменитой сатирической серии, его шедевре «Брак a la mode». Здесь с особым блеском проявилась острая наблюдательность Хогарта. его смелое новаторство - способность показать драматические конфликты в самых «верхах» английского общества, талант рисовальшика и колориста, многому научившегося у французских мастеров.

Модный брак. 1745 год. Гравюра.

Сюжет серии, состоящей из шести картин, - брак по расчету. Разорившийся аристократ женит недоросля-сына на дочери богатого буржуа, который стремится попасть в знать - явление весьма обычное для Англии того времени. О том. как происходит этот обдуманный мезальянс, Хогарт рассказал в полотне «Брачный контракт» - первой картине серии.

Вскоре после свадьбы. Около 1743 года.

Утро в доме молодых. Из серии модный брак. 1743-1745 годы. Гравюра.

История, начавшаяся с заключения сделки, кончается трагической развязкой: смертью графа, заколотого любовником графини, попадающим за это на виселицу, и самоубийством графини.

Сатирическая живописная серия «Парламентские выборы» (1754) - еще один шедевр Хогарта. Вряд ли можно видеть в ней прямое осуждение политической системы Англии. Художник лишь обнажает уродливые стороны английского парламентаризма. Попойка во имя привлечения симпатий избирателей; подкуп; самый фарс выборов; мутный триумф избранных в парламент - вот четыре акта политической драмы, сыгранной на хогартовских холстах.

Серия «Выборов в парламент», итог современных нравственных сюжетов», стоит в ряду других высших достижений позднего Хогарта - «Портретом слуг» и «Девушкой с креветками». Эти портреты свидетельствуют об искусстве Хогарта видеть прекрасное в окружающей действительности, его ярко выраженных симпатиях и уважении к простым людям.

Сказанное прежде всего относится к «Девушке с креветками». Это вершина творчества художника. Написанный с необычайным блеском, свободными и стремительными мазками, жидкой, почти прозрачной краской, портрет сочетает в себе черты и натурного этюда, и законченной картины. В одну общую гамму сливаются коричневые, серые и розовые тона, и из хаоса мазков возникает на полотне удивительно нежное, чуть обветренное улыбчивое лицо с сияющими глазами. И этот образ продавщицы креветок, полный трепетной жизненности и выразительности, воспринимается как частица шумной лондонской толпы.

Деятельность Хогарта многогранна: он выпустил в свет трактат «Анализ красоты», где изложил свои взгляды на искусство; поддерживаемый другими художниками, добился реализации Парламентского акта о защите авторского права; стал инициатором первых общественных художественных выставок, руководил крупнейшей художественной школой.

Яркое самобытное искусство Хогарта во многом определило характер английской национальной школы. Его сатирические картины, демократичность подхода к сюжетам, ясный и понятный язык проложили путь к широкому распространению жанрово-бы-товой живописи и бурному расцвету английской карикатуры конца XVIII века. И не случайно, что искусство Хогарта нашло достойную оценку у великих его современников Свифта и Филдинга, а также Диккенса и Теккерея. Величайшим английским художником назвал Хогарта Уистлер. Искусство «великого Хогарта» изучал замечательный русский художник Федотов…

Англичане ценят свое культурное наследие, чтут имена тех, кто умножал его славу и составляет его гордость. Среди этих имен в ряду первых стоит имя Уильяма Хогарта.

На старой, заложенной еще в середине XVII века, любимой Хогартом Лейстер Филдс (ныне Лейстер Сквер), среди расположенных на площади роскошных кинотеатров, театральных залов, ресторанов и кафе мы видим галерею скульптур выдающихся деятелей науки и культуры Англии. Одна из них - памятник-бюст Хогарту. На высоком постаменте надпись: «Уильям Хогарт. Художник. 1697-1764. Придворный живописец короля Георга II. Жил на восточной стороне этой площади».

Б. Кудрявцев. Журнал «ЮХ»