Formación profesional de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto Osipova, Marina Kazimirovna. Kuznetsova I.A. Competencias profesionalmente significativas en el proceso educativo de formación de bailarines de ballet.

480 rublos. | 150 grivnas | $7.5 ", MOUSEOFF, FGCOLOR, "#FFFFCC",BGCOLOR, "#393939");" onMouseOut="return nd();"> Disertación - 480 RUR, entrega 10 minutos, las 24 horas, los siete días de la semana y festivos

Osipova, Marina Kazimirovna. Formación profesional de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto: disertación... candidato de ciencias pedagógicas: 13.00.08 / Osipova Marina Kazimirovna; [Lugar de protección: Ros. estado ped. Universidad que lleva el nombre AI. Herzen].- San Petersburgo, 2011.- 272 p.: ill. RSL OD, 61 13-11/1342

Introducción

CAPÍTULO I. Tradiciones de las escuelas nacionales y extranjeras en la preparación de futuros bailarines de ballet para dominar los movimientos de salto.

1.1. La evolución de los movimientos de salto en el teatro de ballet de Europa occidental.

1.2. Historia de la enseñanza del allegro en la escuela de ballet rusa 24.

1.3. La formación de métodos para enseñar movimientos de salto en la escuela de ballet rusa.

CAPITULO DOS. Un sistema metodológico para preparar a futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en los grados inferiores de una institución educativa profesional.

2.1. Identificación del nivel inicial de formación de los futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto 77

2.2. Diseño de un modelo de sistema metodológico para la formación profesional de futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto 99

2.3. Estudiar la eficacia del sistema metodológico de formación profesional de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto 132

Conclusiones Conclusión 165

Bibliografía

Introducción a la obra.

h

Relevancia del tema de investigación.

El sistema de formación profesional de los futuros bailarines de ballet se basa tradicionalmente en métodos que se desarrollaron durante décadas en la escuela de ballet rusa y se transmitieron de generación en generación. A partir de principios didácticos generales, la pedagogía coreográfica, como conjunto de experiencias pedagógicas en el campo de la formación de bailarines de ballet, ha desarrollado métodos y principios propios que revelan las particularidades de la danza clásica, permitiendo enseñarla como un arte figurativo vivo.

La metodología de enseñanza de Allegro (Allegro es la parte final de una lección de danza clásica, que consta de saltos), la sección más importante de la danza clásica, fue desarrollada en las obras de N.P. Bazarova, A.Ya. Vaganova, B.C. Kostrovítskaya, A.A. Pisareva, N.I. Tarasova, A.I. Chekrygina. Sin embargo, los materiales didácticos disponibles, incluida la sección Allegro, y destinados a la formación profesional de futuros bailarines de ballet, no revelan los antecedentes históricos del surgimiento y desarrollo de los movimientos de salto; Se presta insuficiente atención a la metodología para desarrollar la altura del salto en los estudiantes. clases junior; no hay investigaciones sobre el aspecto psicológico del desarrollo del salto en los estudiantes y el papel del profesor en la enseñanza de los movimientos de salto; No se han desarrollado criterios para evaluar la calidad de la realización de movimientos de salto.

El desarrollo de una escuela de ballet moderna implica un aumento en el nivel de ejecución de los movimientos de salto. La especificidad del ballet moderno radica en la expansión del lenguaje coreográfico. En los últimos años, muchos coreógrafos occidentales famosos han representado sus ballets en Rusia (W. Forsythe, J. Neumayer, N. Gelber, etc.), y también ha crecido el interés por la coreografía moderna (A. Ratmansky, B. Eifman, etc. ). En este sentido, el vocabulario de la danza ha cambiado. Así, en los ballets modernos, los saltos se vuelven más potentes, más cercanos al deporte y requieren un cambio en la técnica de ejecución y, en consecuencia, en la forma de dominar esta técnica.

Las características enumeradas del desarrollo de una escuela de ballet y los problemas existentes de la formación profesional en el campo de Allegro se actualizan con la introducción del Estándar Estatal Federal de Educación Profesional Superior en el campo de la formación.

Licenciatura en “ejecución coreográfica” (N° 070300), ya que en este sentido se trata de desarrollar un sistema de requisitos para la formación profesional de los futuros bailarines de ballet.

Controversias entre los crecientes requisitos para la formación de bailarines de ballet y el desarrollo insuficiente de un sistema holístico para su formación en la sección Allegro de la danza clásica, así como la falta de una comprensión científica y teórica integral de la experiencia pedagógica en esta área, sirvió de la base para la elección tópicos de investigación:“Formación profesional de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto”.

Propósito del estudio- desarrollo y prueba de un sistema metodológico para la formación profesional de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en las clases junior de una institución educativa profesional.

Objeto de estudio- el proceso de formación profesional de los futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto.

Tema de estudio- formación profesional de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en las clases junior de una institución educativa profesional.

Hipótesis de la investigación: La formación de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en los grados inferiores de una institución educativa profesional será eficaz si:

se han determinado las disposiciones conceptuales para preparar a los futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto;

se identificaron criterios para la calidad del rendimiento del salto y se desarrollaron herramientas para su evaluación;

se han desarrollado el contenido, la metodología y las condiciones organizativas y pedagógicas para preparar a los futuros bailarines de ballet para la realización de movimientos de salto;

La formación profesional se lleva a cabo en formato de rutas educativas individuales, construidas sobre la base del seguimiento del éxito de la formación según criterios seleccionados.

Investigar objetivos:

estudiar literatura histórica y científico-pedagógica sobre el problema
Investigación en el aspecto del desarrollo de técnicas para realizar saltos.
Movimientos en el teatro de ballet de Europa occidental y el ballet ruso.
escuela;

analizar los resultados de la investigación científica en el campo de la anatomía, psicología, pedagogía, deportes con el fin de estudiar las capacidades físicas y psicológicas de los estudiantes que influyen en la realización de los movimientos de salto;

determinar criterios para evaluar el nivel de formación profesional de los futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto;

identificar herramientas para evaluar la calidad de la ejecución de saltos de todos los grupos de dificultad;

desarrollar apoyo metodológico para un programa de formación de futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en las clases junior de una institución educativa profesional;

desarrollar un modelo de sistema metodológico para la formación profesional de futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto;

desarrollar rutas educativas para que los estudiantes dominen la sección Allegro de la disciplina “Danza Clásica” en los grados inferiores;

probar experimentalmente la eficacia del sistema metodológico desarrollado para entrenar a futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto.

Base teórica y metodológica del estudio. son trabajos de profesores de danza clásica, trabajos científicos de historiadores del arte rusos y extranjeros, memorias y ficción, trabajos de profesores, psicólogos, entrenadores deportivos, considerados en el marco de enfoques históricos y sistémicos comparativos.

Utilizado en este trabajo. literatura educativa sobre métodos de enseñanza de danza clásica por profesores de San Petersburgo y Moscú: obras de A.Ya. Vaganova, N.I. Tarasov y A.I. Chekrygina, N.P. Bazarova y V.P. Mei, V.S. Kostrovitskaya y A.A. Pisareva, A.M. Messerer.

El estudio de la enseñanza de movimientos de salto en la escuela de ballet rusa fue facilitado por el trabajo de A.Ya. Vaganova, E.O. Vazem, A.L. Volynsky, T.P. Karsavina, V.M. Krasovskaya, M.F. Kshesinskaya, F.V. Lopujova, M.I. Petipa, M.M. Fokina, G. Cecchetti, A.Ya. Crujido.

Al estudiar las técnicas y requisitos pedagógicos que surgieron en los siglos XVIII y XIX en las escuelas de ballet de Europa occidental y Rusia, se utilizaron las obras de L.D. Blok, M.V. Borisoglebsky, V.M. Krasovskaya, Yu.I. Slonimsky, I.I. Sollertinsky, E.Ya. Suritz, J.-J. Noverra, A. Fridericcia, L.V. Jacobson.

Los trabajos de G.G. Albert, B.Ya contribuyeron a la definición y comprensión de la metodología de enseñanza Allegro por parte de los profesores del período soviético. Bregvadze, E.P. Valukina, S.N. Golovkina, Yu.I. Gromova, V.A. Zvezdochkina, S.S. Kashtana, Yu.N. Myachina, A.V. Nikiforova, P.A. Pestova, L.N. Safronova, L.I. Yarmolovich.

Al estudiar los factores psicofísicos y biomecánicos que influyen en la calidad de la interpretación de Allegro, el autor utilizó las obras de V.V. Belous, B.C. Vygotsky, N.E. Vysotskaya, B.A. Vyatkina, A.G. Gretsova, A.L. Groysman, por ejemplo. Kotelnikova, N.V. Sokovnikova, A.N. Chefranova.

El trabajo de I.Yu contribuyó a la comprensión de las actitudes pedagógicas de la actividad pedagógica profesional. Aleksashina, VI. Andreeva, T.G. Braje, S.L. Brátchenko, E.V. Bondarevskaya, Yu.N. Kulyutkina, N.A. Morevoy, A.A. Orlova, O.G. Prikota, V.I. Slobodchikova.

Se estudiaron los fundamentos de la teoría y metodología de la educación vocacional con base en los trabajos de: S.G. Vershlovsky, A.M. Kuznetsova, M.M. Levina, A.K. Markova, L.M. Mitina, V.A. Slastenina, N.E. Erganova.

Para lograr el objetivo, resuelva las tareas asignadas y verifique

hipótesis, una combinación de empírica y teórica. Métodos de búsqueda, complementarios y enriquecidos mutuamente:

teórico: método histórico y pedagógico, que implica un análisis comparativo de la literatura histórica y metodológica, así como trabajos científicos sobre psicología y pedagogía del tema en estudio y su interpretación a partir de un enfoque sistemático;

métodos empíricos: recopilación y acumulación de datos (observación pedagógica); medición de datos (evaluación experta de lecciones crediticias); procesamiento de datos (análisis cuantitativo y cualitativo); estudio y generalización de la experiencia docente; experimento pedagógico.

Base de investigación experimental.

El estudio experimental es de carácter longitudinal y se llevó a cabo sobre la base de la Academia de Ballet Ruso que lleva su nombre. Y YO. Vaganova. En el experimento participaron estudiantes de las clases inferiores de la ARB (28 niños), entre los cuales diez eran de la clase experimental A, y también, como parte de un análisis comparativo, los resultados del aprendizaje en dos clases paralelas: B y C (18 personas). fue evaluado.

Principales etapas del estudio.

El estudio se llevó a cabo en tres etapas:

En una primera etapa (2005 - 2006) se realizó un análisis de la literatura pedagógica, psicológica y metodológica con el objetivo de comprender teóricamente este problema, su relevancia y desarrollo en la investigación científica. Se llevó a cabo una evaluación del estado actual del problema, se desarrollaron herramientas y métodos de investigación, se aclaró el problema y se formuló una hipótesis preliminar de investigación.

En la segunda etapa (2007 - 2008) se llevó a cabo un estudio sobre el nivel de formación profesional de los futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto. Se llevaron a cabo: identificar el nivel de formación de los futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto; verificación experimental nuevo sistema evaluaciones de los resultados del aprendizaje; desarrollo del contenido de apoyo metodológico para la preparación de futuros bailarines de ballet para la realización de movimientos de salto. A partir de estudios experimentales, se construyeron rutas educativas individuales para cada alumno. En el proceso de trabajo se aclaró y profundizó la hipótesis inicial de la investigación.

En la tercera etapa (2009 - 2010) se comprobó la eficacia del sistema metodológico para la enseñanza de los movimientos de salto en la formación de futuros bailarines de ballet, se analizaron y resumieron los resultados del estudio, se formularon las principales conclusiones y las perspectivas de futuro. Se determinaron las investigaciones.

Disposiciones para la defensa:

1. Disposiciones conceptuales para el diseño de un sistema metodológico para la formación profesional de futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto, sugiriendo:

Un enfoque en la expansión del lenguaje coreográfico del ballet moderno en relación con cambios en el vocabulario de la danza y un aumento en el componente de potencia (deportivo) del salto, lo que requiere cambios en la técnica de ejecución: cambios en los enfoques de los saltos, un aumento en la altura de la apertura de la pierna en un salto, cambios en la técnica de realización de los saltos;

Confianza en las tradiciones de las escuelas de ballet rusas y de Europa occidental.
permitiendo identificar formas invariantes de actuación profesional.

formar futuros bailarines de ballet en el campo de Allegro: definir el rol

ejercicio de la danza clásica en el proceso de enseñanza de Allegro; creciente atención a la ejecución de рНё y otros movimientos de ejercicio para dominar Allegro; desarrollo de ejercicios para el desarrollo del salto; realizar saltos de trampolín; desarrollo de habilidades de elevación y globo; determinar el papel de los saltos en la creación de personajes e imágenes en el ballet;

Implementación de un proceso sistemático y holístico de formación profesional que cumpla con los requisitos para la formación profesional de los futuros bailarines de ballet, reflejados en el contenido de la primera norma estatal federal de educación profesional superior en la historia de la formación de futuros bailarines de ballet.

2. Sistema metodológico que refleja los requisitos de profesional.
preparar a futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en
clases junior de instituciones de educación vocacional dentro de la sección
Disciplina Allegro "Danza clásica", cuyo modelo se presenta en
p.17, permitiendo:

Organizar un proceso sistemático y holístico de su formación profesional, cuando los contenidos y métodos de enseñanza estén justificados por pautas conceptuales y metodológicas que reflejen las particularidades del ballet moderno y un sistema de criterios desarrollados para evaluar la ejecución de los movimientos de salto;

Desarrollar soporte organizativo y metodológico para el proceso de formación profesional, en primer lugar, una descripción de la metodología holística para la realización de movimientos de salto según criterios seleccionados;

Realizar la formación profesional de los futuros bailarines de ballet en la estrategia de formación de orientación individual, cuando se desarrolla una ruta educativa individual para cada alumno y se monitorean los resultados de las actividades educativas.

3. Sistema de criterios para evaluar la ejecución de los movimientos de salto:
metodológico (precisión de la ejecución del salto, coordinación de todo el cuerpo cuando
realizar un salto); realizar (realizar pHo antes y después del salto,
empujar, aterrizar después de un salto, fijar una pose en el aire, inicial
habilidades de elevación y globo); emocional y psicologico
(actitud psicológica para realizar combinaciones de saltos,
expresividad y musicalidad de la interpretación) sobre cuya base
Se ha desarrollado un conjunto de herramientas para evaluar la calidad de cada salto.
grupos de complejidad: cuadros de mando que permiten

monitorear la calidad de la formación de los futuros bailarines de ballet y determinar la trayectoria de las rutas educativas individuales de los futuros bailarines de ballet, teniendo en cuenta los datos físicos de los estudiantes, la alfabetización metodológica en la realización de saltos, el desarrollo de la coordinación de movimientos, la actitud psicológica correcta: física. , tipos coordinación-metodológico, emocional-psicológico y combinados.

Novedad científica de la investigación:

Se han determinado los criterios para evaluar el nivel de preparación de los estudiantes para la realización de movimientos de salto: metodológicos, interpretativos, emocionales y psicológicos.

Se ha desarrollado un sistema metodológico para la formación de futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto, que permite organizar el proceso educativo en los grados inferiores de una institución educativa profesional en base a ciertas pautas conceptuales y metodológicas.

Se ha encontrado y fundamentado la dependencia del desarrollo exitoso de los movimientos de salto de cuatro factores interrelacionados: los datos físicos de los estudiantes; alfabetización metodológica de ejecución; coordinación de movimientos; la actitud psicológica adecuada.

Importancia teórica del estudio:

Se realizó un estudio integral de la sección Allegro en danza clásica, desarrollando conocimientos sobre los principios, contenidos y métodos de formación profesional de los futuros bailarines de ballet: se generalizó la historia del desarrollo de los movimientos de salto, se fundamentaron nuevas técnicas metodológicas para la interpretación de Allegro. , Se revelaron aspectos psicológicos y pedagógicos de la enseñanza de Allegro.

A partir de los criterios para evaluar el nivel de formación profesional en la realización de movimientos de salto, se ha determinado una tipología de rutas educativas individuales para los estudiantes: física, coordinación-metodológica, emocional-psicológica y combinada.

Importancia práctica del estudio:

Se elabora un mapa multicriterio para evaluar el nivel de formación
realización de movimientos de salto por parte de futuros bailarines de ballet,
que contiene los requisitos más completos para los estudiantes a la hora de realizar
saltos de programa.

Se ha desarrollado una metodología para preparar a futuros bailarines de ballet para realizar movimientos de salto en los grados inferiores de una institución educativa profesional, que se distingue por: una descripción completa de las técnicas para realizar un salto, indicando posibles errores de los estudiantes durante la ejecución; descripción del salto con descomposición en partitura musical; desarrollo de principios metodológicos para la composición de combinaciones.

Fiabilidad y validez científica. principales disposiciones y
Los resultados de la investigación se deben a una implementación consistente.
base metodológica investigación, lógicamente consistente
análisis de problemas, uso específico

métodos complementarios de investigación pedagógica, una combinación de análisis cuantitativo y cualitativo, confirmación práctica de las principales disposiciones del estudio en el trabajo experimental.

Aprobación del trabajo se llevó a cabo en el departamento de danza clásica y a dúo de la facultad de interpretación, en las clases juveniles de la ARB que lleva su nombre. A. Vaganova, donde la autora imparte clases desde 2003, y desde 2008 imparte un curso de técnicas de danza clásica en el departamento de danza clásica y a dúo de la facultad de pedagógica. Las principales disposiciones de la disertación se reflejan en publicaciones y se presentaron en un seminario internacional sobre métodos de danza clásica (2007).

Volumen y estructura: la disertación consta de una introducción, dos capítulos, una conclusión, una lista de referencias y aplicaciones. El contenido principal de la disertación se presenta en 168 páginas de texto mecanografiado.

Historia de la enseñanza del allegro en la escuela de ballet rusa.

La danza clásica ha absorbido y llevado a la forma perfecta de movimiento. cuerpo humano. Esto fue precedido por un largo camino de desarrollo, búsqueda, observación y selección de los medios de danza más expresivos. Al mismo tiempo, el salto siempre ha sido una parte integral de los movimientos tanto de humanos como de animales. El antiguo artista, tratando de capturar a sus compañeros de tribu, los pintó en poses de salto rápidas, a veces muy expresivas. En los dibujos primitivos de poses registradas ya se veía danza.

La antigüedad, con su culto a un cuerpo humano sano y armoniosamente desarrollado, proporciona numerosos testimonios de diversas danzas y de los movimientos de salto impresos en ellas. El objetivo de estos movimientos y ejercicios era: “más alto”, “más lejos” y, finalmente, “más original”.

Luciano de Samosatsky escribió sobre el salto en su tratado "Sobre la danza". Algunos se realizaban en círculo, a otros los llamaba saltos y otros eran simplemente grandes saltos. Y nuevamente surge la incertidumbre: ¿qué tipo de movimientos fueron estos, cómo eran? Lucian notó que los artistas se preocupaban por la aptitud del cuerpo, la fuerza, la flexibilidad y la estabilidad.

En la antigüedad, y luego, en la Edad Media, durante el Renacimiento, los espectáculos profesionales incluían necesariamente varios tipos de saltos, tanto pequeños como grandes.

A partir del siglo XV comenzaron a aparecer en Italia tratados sobre danza. Tenga en cuenta que se trataba de libros de texto sobre bailes de salón. Fue “en Italia donde la danza pública encontró su primer desarrollo teórico, tomó formas científicas convencionales y desarrolló su propia terminología”.

A partir de los siglos XV y XVI, las danzas realizadas por el pueblo y las danzas de la nobleza diferían cada vez más en técnicas técnicas y estilo de ejecución. La gente sencilla podía expresar libremente sentimientos y emociones con movimientos fuertes, dinámicos, a veces inventivos y complejos. Los actores profesionales que sustituyeron a los aficionados a finales del siglo XV y principios del XVI pertenecían en su mayor parte a los estratos más bajos de la sociedad y no estaban "encadenados" por reglas. Pero debido a la naturaleza de sus actividades, algunos especialmente dotados podían actuar mediante invitación en los castillos de la nobleza. Esto les dio la oportunidad de ver bailes de salón formales y pausados ​​y luego refinar el estilo y el movimiento en sus actuaciones.

De entre los mejores bailarines, maestros de su oficio, surgieron personas que intentaron registrar figuras de danza, movimientos y determinar técnicas de interpretación. Entre los primeros, son famosos D. da Ferrara y su ensayo “Sobre el arte de la danza y la danza” (finales XIV-XV). Le siguen G. Ebreo “Tratado sobre el arte de la danza” (1463) y A. Cornazano “Libro sobre el arte de la danza” (1465), el libro de F. Caroso “La bailarina” (1581) y C. Negri, su obra se llamó ballet "Nuevas invenciones" (1604). Tenga en cuenta que se trataba de tratados sobre bailes de salón y, más tarde, sobre danza seria.

Ch. Negri fue uno de los primeros en analizar en detalle los saltos y las vueltas, como los movimientos más difíciles de realizar. Divide los saltos en cuatro grupos:

Notemos que el término cabriole implicaba entonces muchos tipos de saltos, pero “los giros en el aire y los derrapes, dando brillo al baile, no incluían el concepto de vuelo”.

El autor del libro de texto describe a continuación algunos saltos difíciles y aconseja practicarlos en una mesa o silla. La misma práctica, sólo que con un bastón, todavía existe hoy en la formación de bailarines. La técnica de cada movimiento de salto, según Negri, incluye el trabajo de ambas piernas y brazos. A veces presta atención al cuerpo y a la cabeza. Por primera vez, un coreógrafo comprende el trabajo y la coordinación de todo el cuerpo del bailarín en la danza. Y correspondió a otra escuela de danza emergente poner en práctica la técnica escénica, combinándola con nobleza y gracia.

Pierre Beauchamp, el legendario bailarín y coreógrafo francés del siglo XVII, contribuyó en gran medida al establecimiento y desarrollo de la danza seria. Fue contemporáneo de J. Lully y coreógrafo de sus óperas. En 1661, Beauchamp dirigió la recién fundada Real Academia de Danza. En ese momento, el interés por el entretenimiento de baile era extremadamente grande. El desarrollo del arte de la danza en Francia se vio facilitado por un gran número de compañías italianas en gira. Es natural que los gobernantes y su entorno se interesen por la danza. Beauchamp enseñó al rey Luis XIV, bailó y coreografió en su corte. Historiador del ballet B1. Krasovskaya señala "que Beauchamp introdujo el jump pas de ciseaux en tournant o revoltade en tournant en la danza masculina". Fue Beauchamp quien fijó y legitimó las posiciones de las cinco piernas en la danza seria;

Fue el primero en recibir el título de maitre de ballet (1671) en la Real Academia de Música. Beauchamp fue el primero en responder a las nuevas formas de música de baile propuestas por el compositor, y comenzó a componer “una danza convencional para las “arias” de Lully que tendía hacia el instrumentalismo virtuoso”. Y además: " baile en solitario Alineó el escenario en diferentes direcciones con horizontales deslizantes pas glissade y pas chasses. Plies profundizó el avión en reverencias. Salpicaduras y derrapes, por el contrario, afirmaron la vertical, interrumpieron la suave línea del baile con una pausa, ... los tempos del allegro desarrollaron y mejoraron la vertical. Se perfeccionaron nuevas técnicas con estricto cumplimiento de las posiciones en dehors... ". A partir de ahora, bailarines y coreógrafos comenzarán a estudiar y mejorar los contornos del movimiento en el espacio. Fue la generación de Beauchamp la que “orientó la danza hacia la conquista del espacio. El alcance y la altura de los movimientos han aumentado". Se puede suponer que, a partir del segundo mitad XVII siglo, en la secuencia de la lección clásica, la sección - "saltar" - encuentra su lugar específico.

L. Blok cita la afirmación del bailarín Depreo: “Beauchamp fue el primero en separar los tempos”. Luego explica: “Esta es la división de los pasos de baile en tempos…”. Aclaremos que el concepto de tempo en el ballet de aquella época (siglo XVII) y hasta principios del siglo XX era una combinación de varios movimientos, por ejemplo, los aún conocidos temps leve, temps lie, temps lie saute, etc. .

Así, las formas y el estilo de danza traídos de Italia por numerosos pequeños grupos en gira encontraron en Francia un suelo preparado y fértil. Y el desarrollo de la danza continuó de acuerdo con las características de este país.

A principios del siglo XVIII existía una clara separación de estilos. baile profesional Italia y Francia. Los artistas italianos son técnicos hasta el punto del virtuosismo, utilizan audazmente elementos de acrobacia, pero son duros, a menudo hasta el punto de la grosería y grotescamente cómicos. Su estilo de actuación se origina en el teatro de plaza pública de la commedia dell arte.

A principios del siglo XVIII, los profesionales franceses permitieron el virtuosismo, pero hasta ciertos límites. Son educados y cursis. Hay más ligereza, gracia y nobleza en su interpretación. La danza seria en Francia en ese momento era técnica y no tan fácil como podría parecer al ojo moderno.

La técnica de la danza femenina no era visible debido a las faldas largas y esponjosas de acuerdo con la moda de esos años, lo que explica en parte por qué los saltos en la danza femenina no se utilizaban plenamente.

Marie Camargo (1710-1770), la bailarina francesa más famosa de su época, era una temperamental nacionalidad española. Fue la primera en acortar las faldas hasta el tobillo, introdujo el salto en el arsenal de una bailarina profesional y comenzó a hacer entrechat-quatre. Noverre vio bailar a Camargo. Observó que “todos esos pasos... atractivos y brillantes, todos estos jetes, battus, royales, entrechats, hechos sin “daub”, Camargo los ejecutaba con extraordinaria facilidad”. Estos movimientos forman parte desde hace mucho tiempo de la danza masculina; la artista los tomó prestados. “Madame Camargo fue la primera en bailar como un hombre”, señaló Voltaire. Los seguidores del bailarín comenzaron a utilizar los logros de la danza masculina con mayor audacia.

La formación de métodos para enseñar movimientos de salto en la escuela de ballet rusa.

Es por ello que el desarrollo de una base de criterios de investigación se centró en las áreas de desarrollo de actividades (habilidades de desempeño, desarrollo fisico), cognitivo (dominio de la técnica de los movimientos de salto) y emocional y psicológico de la personalidad.

Consideremos aspectos de la formación de criterios para evaluar las habilidades profesionales de los futuros bailarines de ballet usando el ejemplo de la sección Allegro de la disciplina “Danza Clásica”.

La disciplina “Danza Clásica” es un sistema autónomo fundamental en la formación profesional del bailarín, que tiene como objetivo desarrollar las capacidades físicas y los aspectos creativos del individuo. Es esta disciplina la que contribuye al desarrollo de habilidades profesionales de los futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto.

El sistema de enseñanza de la danza clásica se basa en métodos que se han desarrollado durante décadas en la escuela de ballet rusa y se han transmitido de generación en generación. Todo varios métodos La enseñanza de la danza se centra en el alumno, sus características individuales (fisiológicas, psicológicas). En este sentido, es importante cómo se desarrollará la relación entre el docente y el alumno, ya que las características de su relación influirán en el éxito del proceso educativo en su conjunto.

La danza clásica tiene un enorme impacto educativo y de desarrollo en las esferas de actividad, cognitiva, emocional y psicológica del individuo. Dominar cualquier tipo de arte requiere esfuerzos volitivos especiales. Y el arte de la danza también se basa en un gran esfuerzo físico.

Como muestra la observación pedagógica, es al comienzo de la formación en danza clásica cuando la esfera de actividad de la personalidad se involucra más intensamente, y solo más tarde, en el proceso de lecciones regulares, comienzan a desarrollarse las esferas cognitiva y emocional-psicológica de la personalidad. .

Es importante señalar que la atención principal en la etapa de admisión al ARB al evaluar los datos físicos de los niños para realizar saltos está en la elasticidad del tendón de Aquiles (se le pide al niño que haga un demi plié, mientras que la posibilidad de estirando se evalúa la elasticidad del tendón de Aquiles); luego se evalúa la fuerza del empuje natural (el niño realiza 16 saltos de trampolín) y la coordinación - Comité de Selección Observa las posiciones de los brazos y el cuerpo al realizar saltos de trampolín. Las manos deben estar en el cinturón apretado contra el cuerpo y no "contraerse" durante el salto. En este caso, el cuerpo durante el salto debe ir verticalmente hacia arriba.

A lo largo de todo el proceso educativo, los niños trabajan para fortalecer el sistema articular-muscular del cuerpo, desarrollar habilidades físicas y desarrollar la plasticidad y expresividad de los movimientos. Precisión y rendimiento técnico, libertad, coordinación y expresividad del movimiento: lograr estas cualidades es el objetivo principal de la enseñanza de la danza clásica. Determinan el nivel de habilidades profesionales de los estudiantes.

Enseñar danza clásica a los niños es un proceso dinámico. En cada una de sus etapas conviene destacar el objetivo principal, que determina la integridad y eficacia de la enseñanza. En la etapa inicial del entrenamiento (grados junior - 1-3), el siguiente objetivo es: posicionar el cuerpo, las piernas, los brazos y la cabeza en el ejercicio con un palo número en el medio de la sala, dominar inicialmente el salto, colocar los pies. en los dedos, desarrollando habilidades básicas de coordinación, es decir. formación de habilidades profesionales iniciales de futuros artistas. ballet

Dominar los movimientos durante una lección de danza clásica es el principal indicador de la preparación profesional de un estudiante para participar en el repertorio de teatro de ballet. Los movimientos de salto son la parte final de una lección de danza clásica. El nivel de desempeño de un estudiante en la sección de movimientos de salto también es un indicador de su habilidad profesional y su preparación para seguir practicando la danza en todas las etapas de la formación en danza clásica.

Así, los movimientos de salto son uno de los componentes principales de las habilidades profesionales de un futuro bailarín de ballet como parte más importante de una lección de danza clásica.

La preparación para realizar saltos en los grados inferiores está determinada por las características físicas y psicológicas del estudiante. Además, la técnica de realizar saltos en la danza clásica tiene sus propias técnicas de interpretación. La elevación y el globo, cuyas habilidades iniciales se adquieren en los grados de primaria, son las técnicas más difíciles de lograr. ejecución del salto. Al mismo tiempo, la presencia de una elevación y un globo en el artista caracteriza el nivel de habilidad del artista al realizar saltos. Es con su ayuda que se logra la "imagen del vuelo".

Como se señaló al comienzo del capítulo, para desarrollar criterios para evaluar el nivel de habilidad profesional de los estudiantes en la realización de movimientos de salto en lecciones de danza clásica, se eligió el método de evaluación de expertos. A partir de los resultados del trabajo del grupo de expertos se establecieron tres grupos de criterios: metodológicos, de desempeño y emocional-psicológicos.

Los criterios metodológicos para evaluar la ejecución de los movimientos de salto prevén el cumplimiento del salto realizado con los requisitos; desarrollado por profesores de la escuela de ballet rusa y conservado y aprobado por actualmente oficina metodológica de la ARB. Los criterios metodológicos para evaluar la ejecución de un salto incluyen:

La precisión metodológica (corrección) de realizar un salto de acuerdo con los requisitos modernos de la danza clásica implica el cumplimiento y la implementación de las reglas básicas de cada salto específico: alineación musical, mantener la participación en todas las fases del salto, mantener las posiciones de las piernas y brazos, un aterrizaje estable después del salto, alcanzando las piernas en el aire, manteniendo la naturaleza de cada salto (aéreo, terrestre, de pie, volando, aterrizaje en una o dos piernas, en una pierna, etc.).

La coordinación de todo el cuerpo al realizar un salto (movimientos coordinados de piernas, brazos, cuerpo y cabeza durante la ejecución de un salto) implica un trabajo preciso de las piernas, un movimiento suave de los brazos y al mismo tiempo su asistencia en la realización del salto. saltos, giros precisos de la cabeza, correcto trabajo del cuerpo. La coordinación del estudiante está determinada por habilidades naturales, y también puede desarrollarse en el proceso de aprendizaje de la danza clásica.

Diseño de un modelo de sistema metodológico para la formación profesional de futuros bailarines de ballet en la realización de movimientos de salto.

Al ingreso el estudiante presentaba características físicas favorables para el aprendizaje. Calificación 3+. Durante los primeros cuatro meses de estudio en la ARB, Artem V. dominó con bastante libertad los conceptos básicos de la danza clásica. Al mismo tiempo, surgieron dificultades psicológicas. Por tipo de temperamento, el estudiante Artem V. es una persona claramente flemática, por lo que su estado de ánimo psicológico era extremadamente bajo. En los primeros meses de sus estudios le faltó motivación, por lo que la expresividad de su interpretación se mantuvo en un nivel bajísimo.

El tipo de ruta educativa para el estudiante fue elegido el No. 3 (emocional y psicológico). Durante el trabajo en el aula se prestó especial atención al aumento de la motivación psicológica.

Artem V. percibió las instrucciones metodológicas con atención, pero de forma extremadamente impasible, incluso infantil. Al final del primer año de estudios la nota del estudiante fue: los buenos datos físicos de Artem V. llamaron la atención. Destacamos especialmente que según

En cuanto a los criterios psicológicos (motivación, expresividad), el alumno recibió una calificación insatisfactoria (2).

Durante los próximos dos años de estudio (segundo, tercer grado), se ve un claro aumento en todos los criterios profesionales. Durante el proceso de aprendizaje, el dominio exitoso de los movimientos del programa influyó significativamente en el surgimiento de una actitud psicológica positiva y la expresividad de la ejecución.

En este caso, es visible una relación directa entre el dominio exitoso del programa y el surgimiento de la motivación psicológica. Como resultado, la ruta educativa No. 3 elegida para el estudiante fue la correcta. Tabla 2.3.6. Resultados de la realización de saltos por Roman B. precisión metódica (corrección) de la realización de un salto coordinación plié empuje aterrizaje suave después de un salto Fijación de una pose en el aire Logro del efecto de elevación del globo en un salto Actitud psicológica para realizar combinaciones de saltos Expresividad y musicalidad de rendimiento Al ingreso, el alumno presentaba buenos datos físicos para el entrenamiento (puntuación 3+).

Durante los primeros cuatro meses de estudio en ARB, Roman B. dominó con éxito los movimientos del programa. Al mismo tiempo, el estudiante mostró un alto nivel de percepción de los requisitos metodológicos, buena coordinación y elevación natural (rara vez encontrada en la etapa inicial de la formación).

El estado de ánimo psicológico del estudiante era muy alto. Al final del primer año, Roman B. mostró buenos resultados en todos los criterios de realización de saltos. Al mismo tiempo, en el contexto del éxito, el alumno comenzó a manifestar cualidades psicológicas que interferían en el proceso de aprendizaje: confianza en sí mismo, actitud irrespetuosa hacia sus compañeros, etc. El alumno se sintió superior en cuanto a características físicas y no siempre comportarse correctamente en las lecciones.

Se adoptó el tipo de ruta educativa para el estudiante No. 3 (emocional y psicológica). Se prestó mucha atención a la corrección. cualidades personales Romana B. Revelando la individualidad del alumno, el maestro dirigió. seguir trabajando; desarrollo de datos naturales tan importantes como el arte y la expresividad.

La ruta educativa No. 3 fue elegida correctamente; ¡Prueba! Esto se debe al crecimiento de todos los indicadores. ¡actuación! saltando... El comportamiento del estudiante en las lecciones se ha vuelto más uniforme y decidido.

Al final del segundo año de estudios; La calificación del estudiante fue 4 (la más alta de la clase). Romano" B; se destacó no solo por sus excelentes habilidades físicas, sino también artísticas: todas las combinaciones de saltos fueron realizadas por el estudiante no formalmente, sino en un alto nivel emocional.

En tercer grado se continuó trabajando en el desarrollo de las habilidades de los estudiantes. Hubo un aumento evidente en todos los indicadores principales: fuerza de empuje, aterrizaje suave y elevación. Según los resultados del examen de tercer grado, Roman B. recibió una calificación de 4 (la más alta entre los estudiantes de tercer grado).

En este caso, es visible una relación directa entre la corrección psicológica y un aumento en el nivel de rendimiento en el salto.

Como resultado, la ruta educativa No. 3 elegida para el estudiante fue la correcta.

Una comparación de los resultados de los datos experimentales de Artem: V: y Roman B. muestra que la elección de una ruta educativa emocional y psicológica es efectiva para estudiantes con bajo nivel de motivación; al aprendizaje (Artem V.), así como con alta autoestima (Roman B.). Con un estado de ánimo emocional y psicológico casi polar, ambos estudiantes completaron con éxito su formación en escuela primaria, porque un factor necesario para la efectividad de esta ruta educativa fue el buen estado físico de los estudiantes, correspondiente a los criterios de desempeño y metodológicos.

Se propuso un tipo combinado de ruta individual en diferentes combinaciones a Ilya V. (No. 2, 3), Stanislav G. (No. 1, 3), Vikenty Y. (No. 1,3), Yuri B. (No. 1,3).

Una ruta educativa combinada es una combinación de no más de dos direcciones educativas para estudiantes con problemas específicos de carácter fisiológico (falta de coordinación, estatura alta (baja), obesidad) y psicológico (falta de confianza en uno mismo, ansiedad, atención distraída, pereza). ) naturaleza.

Como ha demostrado la práctica, hay más estudiantes que estudian en un itinerario educativo combinado que en un itinerario educativo fijo.

A todos los estudiantes que estudiaron en la ruta educativa combinada se les aplicó una ruta emocional-psicológica (N° 3), y simultáneamente con esta dirección, tres estudiantes realizaron una ruta de entrenamiento físico (N° 1) y un estudiante realizó una educación metodológica de coordinación. ruta.

Estudiar la eficacia del sistema metodológico de formación profesional de futuros bailarines de ballet para la realización de movimientos de salto.

Grand changemant de pieds en toumant no 1/4 de vuelta se estudia en segundo grado después de que se haya enseñado grand changemant de pieds. Este salto prepara a los estudiantes para realizar saltos en tournant (los niños realizan recorridos en Haig). Primero, cada salto debe aprenderse durante 1 tiempo de 4/4. Posición inicial Posición V en face.

Al realizar este salto, debes impulsarte con fuerza y ​​saltar hacia arriba con el cuerpo erguido. Al saltar, es necesario girar y cambiar de pierna, al igual que cuando se realiza el petit changement de pied. No es necesario que gires de inmediato: salta al punto 1 y en el aire tus hombros te ayudarán a realizar 1/4 del giro. El siguiente salto es del punto 3 al punto 5, luego del punto 5 al punto 7, y el último salto es del punto 7 al punto 1.

Al final del año, puedes hacer varios grand changemant de pieds en toumant seguidos. Cada salto se realiza a 1/4. Las manos están en posición preparatoria. Grand changemant de pieds en toumant no 1/2 turno se estudia en tercer grado. Primero, cada salto debe aprenderse durante 1 tiempo de 4/4, luego de 1/4. Changemant de pieds con avance hacia el costado, adelante y atrás

El salto se enseña en tercer grado después de que se hayan enseñado los temps salteados con promoción y el grand changemant de pieds. Changemant de pieds con avance produce fuerza en las piernas y un fuerte empujón. Este salto se realiza de acuerdo con las reglas de ejecución changemant de pieds en face: las piernas apretadas en posición V deben mostrarse en el aire y cambiarse al aterrizar.

Primero, el cambio de pies con avance debe aprenderse en 4/4 con una parada después de cada salto, luego este salto se realiza seguido en 1/4. Hacia delante y hacia atrás este salto debe realizarse de cara y en croise con eppaulemant. Manos en posición preparatoria o en tercera posición.

El changemant de pieds con avance lateral se suele realizar en posición frontal. Las manos pueden estar en posición III o una mano en posición I y la otra en posición III. Petit changemant de pied El petit changemant de pied se estudia en tercer grado. El petit changemant de pied es un salto desde el suelo, es decir, sin levantar los dedos del suelo. Al mismo tiempo, durante el salto, los dedos deben estar extendidos. Durante el salto, las piernas cambian, como en el habitual changemant de pied. En estudio inicial manos en posición preparatoria, cabeza recta. Primero, debes realizar dos, tres saltos, luego aumentar el número de saltos a siete, ocho. El empujón no debe ser fuerte. Tienes que saltar tan lejos; para que los dedos se estiren en el aire, pero al mismo tiempo permanezcan en el suelo.

Petit changemant de pied es un salto en el que el aterrizaje debe; estar restringido, debido a la fuerza de los pies. Por tanto, el petit changemant de pied fortalece los pies. Al principio cada salto debe realizarse a -1/4, luego a 1/8.

Es necesario procurar que el pH sea muy suave y comedido, las rodillas deben abrirse con cada demi-plie. Las caderas deben elevarse en el salto, sin un empujón brusco, como si aprietan las piernas.

Posteriormente se estudia el petit changemant de pied en tournant. Debes realizar siete u ocho saltos seguidos a un ritmo más rápido. Cada salto se realiza a 1/8. El cuerpo se inclina hacia abajo y hacia adelante antes de moverse. La cabeza y la mirada “permanecen” en el espejo, luego la cabeza es la primera en “regresar” - atrás. Durante el movimiento, el cuerpo se eleva gradualmente, los hombros deben estar muy abiertos. Las manos, según las instrucciones del maestro, pueden subir suavemente a la posición LI y bajar a través de la posición II hasta la posición preparatoria.

Pas echappe se aprende en el primer año, primero de cara al palo. Comenzamos a estudiar este salto cuando los alumnos aún no han realizado dos saltos seguidos, por lo que, para mayor pureza de ejecución, el pas echappe se puede dividir en dos. mitades: primera mitad - salto de la posición V a la posición II, después de lo cual se extienden las rodillas; y la segunda mitad es un salto de la 2ª posición a la 5ª posición. Pas echappe se estudia en 2 compases de 4/4. Primer compás: A la cuenta de “uno” - demi-plie en posición V.

Con la misma partitura se estudia el movimiento en medio de la sala. Durante el estudio inicial, las manos están en posición preparatoria. Al saltar, los brazos mantienen la forma correcta y no “se contraen”. Posición de la cabeza en frente.

Pas echappe es un salto pequeño, pero durante el estudio inicial no es necesario bajar deliberadamente la altura del salto. En el aire, debes mostrar las piernas extendidas en posición V. A partir de la posición II, las piernas se extienden y se recogen en la posición V. No es necesario mantener las piernas en posición P. Es necesario controlar la precisión de las posiciones en el aire y al aterrizar. La zona lumbar del plié debe estar tensa antes y después del salto. Después de cada salto es necesario extender el plié.

Simultáneamente con el salto en posición V, los brazos se elevan a la posición I, luego, simultáneamente con la apertura de las piernas a la posición II, los brazos se abren a la posición II (para las niñas, la posición II baja), mientras que el la cabeza se gira hacia la pierna que estaba delante en posición de V y se inclina un poco; aspecto de pincel.

Simultáneamente con el salto en la posición CO II, las manos giran, se abren y simultáneamente con la llegada a la posición V, las manos se bajan a la posición preparatoria. La cabeza cambia al aterrizar, girando hacia la pierna que avanza en posición de V.

Primero, para mayor precisión en la ejecución, el paso echappe en posición IV se puede enseñar de cara, luego este salto se realiza epaulemant croise. Al saltar, los brazos se elevan a la primera posición y al aterrizar se abren en la posición de una pequeña pose de croise; durante el segundo salto de la posición IV a la posición V, las manos se alargan, giran y bajan a la posición preparatoria. Este salto también se puede realizar con eliminación de epaulement. Al inicio del estudio, antes de saltar, se puede parar epaulement efface, y posteriormente, pas echappe on efface se debe realizar desde la posición epaulement croise. En este caso, es necesario mantener los talones firmemente en el suelo antes de saltar y realizar el salto hacia arriba y con un ligero giro de la cara del épaulement. Las manos se abren en la primera posición en una pequeña pose de borrado. Al realizar pas echappe IV seguido, la cabeza debe caer hacia abajo (mirar la mano) y girar ligeramente hacia atrás, al mismo tiempo que se bajan las manos a la posición preparatoria.

Como regla general, los pensamientos sobre lo que queremos llegar a ser nos llegan más cerca de la escuela secundaria. En cuanto a elegir una profesión como “bailarina de ballet”, a los 14-16 años ya no será posible. Si, en promedio, una persona estudia una especialidad durante 4 a 5 años, estudiando en instituciones de educación superior, entonces un bailarín de ballet necesita pasar más de 10 años. Pero, ¿cuál es su atractivo, por qué millones de niños sueñan con convertirse en artistas y bailar en obras de teatro, porque esto implica un trabajo duro y, a menudo, renunciar a su vida personal por una carrera?

La creatividad como forma de vida.

La creatividad no son esquemas, teoremas, algoritmos probados hace muchos siglos; es diversa, multifacética y en constante desarrollo. Para estudiar una o más áreas, ¡llevará casi toda una vida! Y si vas a hacer algo todo el tiempo (en serio), entonces debería ser algo que te guste, a lo que estés dispuesto a dedicar la mayor parte de ti y, tal vez, a sumergirte por completo en ello.

Es imposible convertirse en una persona talentosa, hay que nacer. Pero, incluso con los datos naturales, para no desperdiciarlos, no destruirlos, por el olvido a largo plazo y la incapacidad de aplicarlos, es necesario nutrir, desarrollar y aumentar constantemente sus habilidades. Para hacer esto, es necesario identificar la dirección en la que un niño talentoso está interesado en desarrollarse, evaluar sus habilidades y perspectivas en esta dirección. Una tarea importante para los padres es encontrar esos mentores, maestros, educadores y maestros que no arruinen su talento, sino que desarrollen sus habilidades naturales. Por mi propio ejemplo Te enseñarán a amar tu trabajo y a dedicarte a él. Crearán condiciones cómodas: apoyo moral y psicológico para los jóvenes talentos, que, por regla general, son prácticamente ignorados, lo que puede tener tristes consecuencias cuando el talento "se rompe" ya al comienzo de su camino. Esta debe ser una persona que también estaba destinada a nacer bajo estrella de la suerte“Creatividad/Arte” y amar absoluta y completamente lo que haces. Un padre puede entender esto en una conversación personal o en una lección abierta: solo esas personas pueden sentirlo, ninguna insignia y una gran cantidad de conocimiento ayudarán si una persona:

1. No es una persona creativa.
2. No profesor (en el sentido más amplio de la palabra, por no hablar de la profesión).

La educación de los jóvenes talentos comienza desde el nacimiento. Al mirar al bebé, no es difícil comprender hacia qué gravita su yo interior. Un niño es una persona pura que no sabe engañarse a sí mismo ni a los demás, por eso se acerca sinceramente a las cosas que le interesan y también rechaza sinceramente lo que no le interesa en absoluto. ¡Desarrollar el potencial creativo en la infancia es libertad! Libertad de elección, libertad de acción (por supuesto, en el marco de la educación). El mentor de un hombre pequeño es como un escultor: primero debe amasar, calentar, preparar la arcilla para el trabajo y luego, después de un tiempo, esculpir sus propias obras de arte.

Introducción al mundo de la danza.

¿Dónde comienza la carrera de un futuro artista en el mundo de la danza? Con determinación de habilidades y un especial amor por la danza y la música por parte de los propios padres del niño. Por supuesto, hay bastantes familias en las que, de generación en generación, los niños glorifican a su familia con éxito en escenarios de todo el mundo, pero conocemos muchos ejemplos en los que un niño que creció en una familia creativa alcanza fama mundial. Son las madres quienes notan las primeras manifestaciones de talento en sus hijos. Y entonces surge un punto muy importante: dónde enviar al niño, dónde será introducido en el mundo del arte, sin mimarlo, sino con el conocimiento que contribuirá a su posible futura profesión. Si un niño tuvo una excelente oportunidad en la infancia de comprender en qué dirección creativa le gustaría continuar su desarrollo, entonces vale la pena acudir responsablemente, en primer lugar, a los maestros que lo abrirán y lo ayudarán a aprender. nuevo mundo! Sí, por regla general, a la hora de llevar a un niño a una escuela o estudio de danza, los padres no consideran estas clases como una cuestión de futuro. Las principales razones para elegir una dirección tan creativa son el desarrollo físico, la postura (a veces incluso llegan a corregir violaciones graves), el desarrollo de la musicalidad y el sentido del ritmo, la revelación del niño como persona (la danza es una forma de expresar uno mismo - especialmente para niños introvertidos), educación estética, disciplina, trabajo duro, etc. La siguiente etapa es la identificación por parte del maestro de datos y habilidades especiales que no son inherentes a todos los niños. La danza, como cualquier otra actividad, no se queda quieta. Los requisitos para esta profesión aumentan cada año. Si antes el público estaba encantado con la capacidad del artista para hacer splits con facilidad, ahora esta cualidad (estiramiento) prácticamente no tiene límites, tanto para mujeres como para hombres.

Después de numerosos éxitos “en un centro de ocio no lejos de casa”, los padres tienen una pregunta muy importante: ¿dónde continuar una formación más profunda en el área de interés? ¿Dónde se le introducirá en el mundo del arte, no mimado, sino dándole los conocimientos que contribuirán a su posible futura profesión?

Cuando un hobby se convierte en profesión

Al ingresar a una escuela vocacional o academia de baile, los niños siempre son seleccionados cuidadosamente: se elige lo mejor de lo mejor. Dependiendo del nivel de la institución educativa, existen selecciones estrictas, cuando entre diez y trescientas personas solicitan una plaza. Qué cualidades y habilidades son muy importantes para un futuro artista:

1. Datos físicos:

• eversión (general, activa, pasiva)
• paso o estiramiento diferente (activo, pasivo)
• empeine (formación especial del pie)
• flexibilidad (cuerpo)
• salto (elevación y globo)

2. Habilidades psicomotoras (aplob, aparato vestibular, coordinación)

3. Musicalidad, sentido del ritmo.

4. Características escénicas (apariencia, arte)

Si todo está claro con los criterios físicos, sin ellos el futuro bailarín no podrá en principio conseguir una profesión, entonces el apartado “actuación escénica” confunde a mucha gente, aunque es esto lo que muchas veces resulta decisivo a la hora de matricularse en una institución especializada. . Incluso existen manuales metodológicos que definen estrictamente los criterios de selección de futuros alumnos, teniendo en cuenta detalles como la distancia en centímetros entre los ojos e incluso el tamaño de la nariz. Sí, recuerda mucho a un brutal concurso de belleza, ¡pero es imposible sin él! Los datos externos son muy importantes para un artista. En la vida, la mayoría de las veces "conocemos a la gente por su ropa", y qué decir de los artistas, que ahora y en todo momento se han convertido en modelos a seguir para muchos.

Después de ingresar a una escuela (academia) coreográfica profesional, es demasiado pronto para relajarse, la mayoría de los admitidos están matriculados condicionalmente; Esto significa que pueden ser expulsados ​​en cualquier momento. El prestigio de un diploma, por ejemplo de la Academia Vaganova, es tan alto en todo el mundo que los graduados deben cumplir con los estándares de referencia de la escuela de ballet rusa.

Los alumnos estudian educación general y disciplinas especiales de danza alternativamente a lo largo del día. Este horario permite que el niño descanse físicamente en las materias de educación general, pero al mismo tiempo mantenga en buena forma su concentración durante todo el día. Las materias para la calificación de “bailarín de ballet” incluyen: danza clásica, de carácter, histórica, cotidiana, a dúo, clásica y moderna, actuación, patrimonio coreográfico. Los niños también aprenden solfeo y los conceptos básicos para tocar el instrumento musical, historia de la música, teatro, bellas artes y coreografía, historia y cultura de San Petersburgo, anatomía y fisiología humana. La formación de los bailarines de ballet no termina con el perfeccionamiento de la técnica de los pasos del ballet; la experiencia escénica y la participación en representaciones son de mayor importancia. Por lo tanto, su jornada escolar puede terminar más cerca de las siete de la tarde, porque... Se dedica un tiempo considerable a los ensayos y la preparación de las actuaciones. A menudo sucede que el día termina con la actuación en sí, y esto es alrededor de las 22-23 horas. Ya en el primer grado de la escuela se realizan los primeros exámenes, lo que provoca el abandono escolar. En enero y mayo son expulsados ​​aquellos alumnos que no pudieron soportar la carga o fueron catalogados como “no aptos” por características físicas que no pudieron desarrollarse o corregirse (participación, estiramientos, saltos, resistencia, forma) y, lo más importante, no podía justificar las expectativas de los profesores. La siguiente expulsión grave se produce en tercer grado y la última en noveno. Es decir, casi antes de graduarse. Y a veces los culpables son las hormonas, los kilos de más o los problemas de salud. Una niña que ha ganado dos kilogramos o cinco centímetros de altura es difícil de levantar con soportes, por lo que tiene que irse. Como resultado, de 70 solicitantes, solo quedan 25 en el momento de la graduación. Los representantes de los mejores teatros se reúnen para los exámenes estatales.

A algunos se les invita a trabajar inmediatamente después de los exámenes. Otros inician una nueva vida por su cuenta.

Escuelas coreográficas de la Federación de Rusia:

• FSBEI HPE "Moscú academia estatal coreografía"
• FSBEI HPE “Academia de Ballet Ruso que lleva el nombre de A.Ya. Vaganova"
• GBPOU de San Petersburgo "Academia de Danza Boris Eifman"
• GBOU SPOKI RB "Colegio Coreográfico Bashkir que lleva el nombre de Rudolf Nureyev"
• SAOU SPO RB "El Colegio Coreográfico Republicano de Buryat lleva su nombre. LP Sakhyanova y P.T. Abasheeva"
• GBOU SPO "Escuela Coreográfica de Voronezh"
• GBOU SPO RO "Shakhtinsky" facultad de musica»
• SAOU SPO RT "Escuela Coreográfica de Kazán" (escuela técnica)
• GBOU SPO "Escuela Regional de Cultura y Arte de Omsk"
• Institución Educativa Presupuestaria Regional del Estado de Educación Secundaria Profesional "Colegio Coreográfico de Krasnoyarsk"
• Sucursal de Krasnogorsk de GAPOU MO "Colegio Provincial de Artes de Moscú"
• FSBEI SPO "Colegio Coreográfico Estatal de Novosibirsk"
• FSBEI SPO "Colegio Coreográfico del Estado de Perm"
• GBOU SPO "Escuela Coreográfica de Samara (Universidad)"
• Institución educativa estatal de educación secundaria profesional "Colegio Regional de Artes de Saratov" (departamento coreográfico)
• Escuela Coreográfica de Yakut que lleva el nombre de A.V. Poselskij
• Escuela Coreográfica de la Universidad Federal del Lejano Oriente (FEFU)
• OGBOU SPO "Facultad de Artes de Astracán"
• Escuela Coreográfica Estatal de Moscú que lleva el nombre. L. M. Lavrovski
• Organización autónoma sin fines de lucro de la escuela coreográfica de educación secundaria vocacional "Escuela de Danza Clásica"
• GBPOU "Escuela Coreográfica de Moscú en el Teatro Académico Estatal de Danza de Moscú "Gzhel" * Escuela Coreográfica de Krasnodar

Desafortunadamente, en nuestro país sólo se puede estudiar como “bailarina de ballet clásico”. Sí, con una escuela tan sólida, se vuelven a capacitar si quieren conseguir un trabajo en compañías de teatro modernas. Pero además de la música clásica, cada vez hay más artistas en nuestro país. tendencias modernas, como contemporáneo o moderno, por ejemplo. Y para poder educarse, los artistas se ven obligados a ingresar a academias de danza de otros países, las más famosas de ellas:

• Alemania:

— Universidad de las Artes Folkwang (Instituto de Danza Contemporánea)

— Hochschule für Musik und Darstellender Kunst, Fráncfort del Meno

• Países Bajos

— Universidad de las Artes Codarts, Rotterdam, Universidad de las Artes ArtEZ (Arnhem)

• Suiza L'école-atelier Rudra Béjart Lausana

— (Lausana)

• Bélgica

- PARTES. Escuela de danza contemporánea (Bruselas)

• Hungría

— Academia de danza contemporánea de Budapest (Budapest)

• Francia

— Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de Lyon (Lyon)

No todos los interesados ​​en la danza pueden matricularse en instituciones educativas profesionales, la mayoría estudia en escuelas privadas y; estudios de danza. Y ellos también pueden recibir educación superior, tener la oportunidad de ser aceptados en música y teatros de danza, tener demanda en el mundo creativo.

• Arte coreográfico en universidades rusas (educación superior):
• Barnaúl. Academia Estatal de Cultura y Artes de Altai
• Bélgorod. Instituto Estatal de Arte y Cultura de Belgorod
• Vladivostok. Universidad Federal del Lejano Oriente
• Vladímir. Universidad Estatal de Vladimir
• Volgogrado. Instituto Estatal de Arte y Cultura de Volgogrado
• Yoshkar-Olá. Universidad Estatal de Mari
• Kazán. Universidad Federal de Kazán (Región del Volga)
• Kaliningrado. Universidad Federal del Báltico Immanuel Kant
• Kaluga. Universidad Estatal de Kaluga que lleva el nombre. K.E. Tsiolkovsky
• Krasnoyarsk Universidad Federal de Siberia
• magnitogorsk Conservatorio Estatal de Magnitogorsk (Academia) que lleva el nombre de M.I. Glinka
• Moscú. Universidad Estatal Pedagógica de Moscú,
• Universidad Social Estatal de Rusia, Academia Estatal de Coreografía de Moscú, Instituto de Arte Contemporáneo
• Nálchik. Instituto Estatal de Artes del Cáucaso Norte
• Omsk. Universidad Estatal de Omsk que lleva el nombre. FM Dostoievski
• Pérmico. Instituto Estatal de Cultura de Perm, Escuela Coreográfica del Estado de Perm
• San Petersburgo. Academia de Ballet Ruso que lleva el nombre de A.Ya. Vaganova.
• Universidad Pedagógica Estatal de Rusia que lleva el nombre. AI. Herzen, Instituto Estatal de Cultura de San Petersburgo
• Stávropol. Instituto Pedagógico Estatal de Stavropol
• Tambov. Institución Educativa Presupuestaria del Estado Federal de Educación Superior "Universidad Estatal de Tambov que lleva el nombre de G.R. Derzhavin"
• Tula. Universidad Pedagógica Estatal de Tula que lleva el nombre. LN Tolstoi
• Tiumén. Instituto Estatal de Cultura de Tyumen
• Jimki. Instituto Estatal de Cultura de Moscú
• Cheliábinsk. Instituto Estatal de Artes de los Urales del Sur que lleva el nombre de P.I. Chaikovski
• Chitá. Universidad Estatal Transbaikal
• Yakutsk Universidad Federal del Noreste que lleva el nombre de M.K. Ammosova

Carrera

El sueño de todos los estudiantes de instituciones coreográficas es el teatro. Los graduados de la Escuela de Moscú, por regla general, son invitados a la compañía del Teatro Bolshoi, desde la Academia Vaganova hasta el ballet de Mariinsky, Mikhailovsky, Boris Eifman, etc. Todos los jóvenes artistas recorren el mismo camino para convertirse en “bailarín” o “bailarina”, claro, hay excepciones cuando, en el examen final, son inmediatamente invitados a los teatros para el puesto de “solista”, pero básicamente todos empiezan; con el cuerpo de ballet, habiendo superado una audición general en forma de lección visual. La mayoría de los inscritos en la compañía permanecen en las filas del cuerpo de ballet. Sólo unos pocos, los más talentosos, logran papeles en solitario. Para ello es necesario ser un artista verdaderamente brillante e inusualmente destacado. La profesión presupone una estricta jerarquía de puestos, como bailarina del cuerpo de ballet, primera bailarina, también existen categorías de calificación, de las cuales hay 17 en total (bailarina de ballet de primera, primera y segunda categoría, principal maestro de escena, etc. ) Mucho, si no todo, el destino de cualquier artista, y especialmente de un artista de ballet, depende de una combinación de circunstancias, de las relaciones detrás de escena, del repertorio del teatro, de los lugares en los concursos y del encanto personal.

Si hablamos de teatros en San Petersburgo, estos son:

— Académico Estatal Ópera Mariinskii

— Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet de San Petersburgo que lleva su nombre. M.P. Mussorgsky - Teatro Mijailovski

— Teatro Académico Estatal de Ballet de San Petersburgo que lleva el nombre de Leonid Yakobson — teatro academico ballet de Boris Eifman - Teatro de Ballet de Konstantin Tachkin de San Petersburgo

— Teatro de ballet que lleva el nombre de P. I. Tchaikovsky

— Teatro de San Petersburgo “Ballet Ruso”

— Equipos itinerantes de cadáveres.

Hacer realidad un sueño.

A todo el mundo le gusta tener éxito y tener demanda, esto es especialmente importante para los artistas en el gran escenario, porque... La ambición y el deseo de ser mejor que uno mismo es la clave del éxito en una carrera de danza. Cuando los niños empiezan a hacer coreografías, no piensan en el éxito y la fama, se sienten atraídos por este mundo misterioso y encantador del escenario, y participar en una actuación es algo que supera sus sueños de infancia. Esta actitud hacia la profesión no desaparece ni siquiera entre los artistas consumados. La escenografía, el vestuario, el maquillaje, la luz, la emoción antes del inicio de la actuación se convierten en parte de su vida, sin la cual creen que ya no podrán sentirse felices. El amor y agradecimiento del espectador da más significado profundo En la vida del ballet, los artistas sienten su importancia para el teatro no solo desde el punto de vista económico, sino también a nivel de desarrollo del arte y la cultura en general.

La parte más interesante de la vida de una bailarina de ballet son las giras. A menudo sucede que es gracias a esta profesión que una persona tiene la oportunidad de conocer el mundo entero. Internet está repleto de fotografías brillantes de estrellas de ballet con hermosos trajes, con celebridades en el contexto de todo tipo de "maravillas del mundo". La oportunidad de viajar alrededor del mundo e incluso recibir un pago por ello, ¿no es un sueño? Pero no mucha gente sabe que viajar significa fatiga interminable, aeropuertos y viajes constantes, y muy poco tiempo libre para sumergirse y disfrutar de la cultura de otros países y ciudades. Es cierto que esto todavía no es un obstáculo para las ganas de trabajar, mejorar, bailar nuevas partes y entregarse por completo al espectador.

Profesión para jóvenes.

La vida resulta diferente para muchos bailarines de ballet. Algunos trabajan en teatros hasta la jubilación, otros intentan realizarse en otro lugar tan pronto como sienten un declive en la actividad de su carrera de danza. Por ley, los solistas se jubilan después de 15 años de servicio continuo en el mundo de la danza, los bailarines del cuerpo de ballet, al menos 20 años. La mayoría se dedica a profesiones relacionadas con el arte de una forma u otra. Por ejemplo, enseñan en escuelas coreográficas, trabajan como tutores en teatro, escuelas y estudios de ballet, se vuelven a capacitar como coreógrafos y coreógrafos. Crean escuelas de danza y, si tienen suerte, ocupan puestos directivos en el propio teatro, donde han trabajado toda su vida. En cualquier caso, todo depende de la persona misma y de sus ambiciones, e incluso después de una carrera tan vertiginosa, puedes descubrir habilidades aún más increíbles que dejarán una huella brillante en la historia de la danza y el arte.

Conclusión.

La conciencia de uno mismo como bailarín de ballet no llega de inmediato, al principio el niño trata la creatividad como un pasatiempo agradable, luego se da cuenta de que este mundo está tan cerca de él que quiere dedicarle toda su vida, generalmente esto está asociado con el ingreso a una escuela o academia vocacional. La sensación de ser parte del mundo cultural aparece más cerca de la cima de tu carrera, cuando todo este mundo comienza a hablar el mismo idioma contigo. Cada día es un desafío y la superación de uno mismo, el miedo a no estar solicitado o lesionarse, lo que arruinará tu carrera. Pero al mismo tiempo, no hay vida más bella y atractiva, que abra las puertas al mundo entero, llena de aplausos, flores y admiración. Si hablamos de la diferencia en las percepciones de las personas, entonces en la vida independiente una persona de cualquier otra profesión es claramente consciente, pero una persona creativa lo siente. A un verdadero servidor del arte no le importa el tamaño de su salario ni el número de horas de trabajo; para él es importante tener demanda, no perder el interés por su obra favorita y que el fuego ardiente de la creatividad nunca se apague; afuera adentro.

Características específicas y estructura psicológica.
actividades de una bailarina de ballet

El trabajo de un bailarín de ballet exige mucho de sus capacidades físicas y mentales (A.Ya. Vaganova, 1948; G.S. Ulanova, 1954; M.M. Fokin, 1962; L.N. Lavrovsky, 1965; M.M. Gabovich, 1966; A.M. Messerer, 1967; N.N. Serebrennikov, 1969, etc.). La efectividad de la actividad de un artista está determinada por la habilidad técnica y artística, ya que la actividad escénica de un bailarín de ballet requiere, por un lado, un dominio preciso y fluido de una variedad de movimientos escénicos que se utilizan como vocabulario coreográfico, por otro lado. , en el ballet es necesario darle a cada movimiento un cierto color emocional, crear un todo a partir de una combinación de movimientos individuales. acción escénica.
La principal diferencia entre las artes escénicas y otros tipos de actividad artística es que la personalidad del actor se transforma en la personalidad del papel, y este proceso siempre ocurre frente al público. Las creaciones de un poeta (poesía, pintor), sus pinturas pueden existir separadas del autor, esperando el reconocimiento durante años. Esto no se le da a un actor. Lo representado y la imagen, lo encarnado y la encarnación se fusionan en su obra. Si se crea un papel, pero por alguna razón un actor no lo desempeña en público, no tenemos derecho a hablar de una obra de arte completa. De particular importancia en la actividad de un actor son las condiciones de su creatividad. La creatividad frente al espectador, apelando a muchos a la vez, la comunicación confidencial con el público, cuando se establece una retroalimentación emocional entre actor - espectador - actor, todo esto impone exigencias especiales a la imagen encarnada por el actor. La expresividad especial, la prominencia de sus acciones y experiencias, su contagiosidad probablemente puedan considerarse un rasgo distintivo del trabajo del actor. El ballet, como otras formas de arte, es un medio de comunicación entre el artista y sus contemporáneos. El concepto de “coreografía” hoy incluye todo lo relacionado con el arte de la danza. La especificidad de la coreografía es que los pensamientos, sentimientos y experiencias de una persona no se transmiten mediante el habla, sino mediante movimientos y expresiones faciales. Los elementos físicos de la danza deben subordinarse al concepto psicológico. Un salto puede traer alegría y sufrimiento. Necesitas permitir que tu cuerpo sienta.
El ballet es la forma más compleja de coreografía. Así como un compositor despierta la imaginación de los oyentes creando imágenes musicales, un coreógrafo, con el mismo propósito, crea imágenes plásticas visibles. La individualidad de un bailarín de ballet está asociada no solo a un cierto conjunto de inclinaciones, coloreadas por su imaginación y temperamento únicos, sino que depende de la riqueza de la vida y la experiencia mental, de la complejidad de las relaciones sociales, de la posición cívica del actor. . Y las oportunidades profesionales, como vemos, están relacionadas con lo móvil y plástica que sea su personalidad. Las características de la personalidad están estrechamente relacionadas con la capacidad de transformarse. Una nueva imagen escénica nace del material personal del actor, de lo rico y variado que es. Los artistas están unidos por la capacidad de hablar con el público en el lenguaje de las imágenes artísticas. Pero nadie dedica tanto esfuerzo físico a prepararse para su actuación como bailarín de ballet. Un bailarín de ballet está llamado a crear imágenes humanas vivas a través de la danza, por lo que mucho depende del grado de talento y de la actitud creativa hacia su trabajo. Su obra ocurre siempre en un momento determinado y se repite tantas veces como el teatro y el público lo necesitan. Cualquier artista puede crear cuando la inspiración lo posee, pero el artista escénico debe poseer él mismo la inspiración y ser capaz de evocarla cuando aparece en el cartel. Este es el principal secreto del arte del actor.
E.V. Fetisova, hablando de la singularidad de la profesión de bailarín de ballet, señala que debe tener todo un complejo de cualidades físicas y espirituales: un físico armonioso, buena salud, resistencia y habilidad artística. Sólo un artista con fino y gran sentimiento El ritmo es capaz de sentir verdaderamente y transmitir expresivamente la imagen musical y coreográfica en el escenario y encarnar el contenido de la música, sus matices más sutiles. Sin sentido del ritmo no puede haber sincronicidad en la música de baile. Además, un bailarín de ballet debe tener buena memoria musical y visual, buen oído y buena vista. El dramaturgo, antes de acudir al ensayo, recibe el texto de su papel; el artista de ópera recibe tanto el texto como las notas. Un bailarín de ballet debe recordar no solo toda la línea musical de cada una de sus partes, todas las entradas, variaciones, bailes en conjunto; en paralelo con la música, también debe aprender la coreografía que muestra el coreógrafo. Los datos externos ayudan o obstaculizan al artista, pero, por supuesto, al final, mucho lo decide su plenitud interior y su arte. La danza clásica es uno de los fenómenos más complejos tanto ahora como en el pasado. La danza clásica requiere la capacidad de dominar todo el arsenal técnico del ballet con absoluta libertad, por eso, en la vida de todo artista de ballet, dominar la técnica de la danza clásica es un proceso sin fin. La técnica es la capacidad de realizar todos los movimientos que componen la danza. Pero la alta habilidad técnica está subordinada a lo más importante en el arte: la creación de una imagen artística (E.M. Bocharnikova, 1980; G.I. Inozemtseva, 1980; A.M. Messerer, 1967; M. Bejar, 1989; G.S. Ulanova 1970, etc.). Por lo tanto, junto con la técnica externa, un bailarín de ballet debe poseer también una técnica interna: la actuación, recordando que el juego de un actor de ballet es fundamentalmente diferente del juego de un actor dramático. El verdadero arte comienza cuando la pose es iluminada por la luz interior del sentimiento humano: alegría, felicidad, orgullo, ira, etc. . La música ayuda al artista y coreógrafo a crear con su contenido psicológico y emocional. Si el primer componente del ballet es el drama, el segundo, orgánicamente relacionado con él, es la música. "El ballet es la misma sinfonía", dijo P.I. Chaikovski. Y lo mismo repitió B.V. Asaf'v, S.S. Prokófiev, R.M. Gliere. R.V. Zakharov dijo: "La música de danza debe ser el poema que define y establece el movimiento y la acción del bailarín... será un eco, repitiendo lo que la música expresa".
Tanto en los movimientos más simples como en los más complejos y sutiles de una bailarina de ballet, se pueden distinguir tres componentes principales: poder, espacial y temporal. Sus innumerables combinaciones crean combinaciones igualmente ilimitadas de movimientos de alta calidad que brindan destreza, precisión y resistencia a la interpretación del artista. Hablando de las características específicas del trabajo de un bailarín de ballet, cabe señalar que, como persona creativa, necesita la aprobación social. El estrés psicológico, la fatiga física severa, la monotonía de las clases diarias, muchas horas de ensayo de un repertorio a menudo monótono: todos estos componentes de los estados emocionales negativos acompañan al bailarín de ballet a lo largo de su vida creativa. Estas condiciones requieren un enorme gasto mental y energético por parte del bailarín de ballet. Las emociones negativas pronunciadas y la alta ansiedad dificultan la interacción de los artistas, complican las relaciones interpersonales y afectan negativamente el clima moral y psicológico del equipo. Cualquier artista debe tener una gran capacidad para movilizar sus reservas psicofisiológicas y mentales, y esto requiere grandes esfuerzos de voluntad.
Un análisis de la literatura muestra que la actividad profesional de un bailarín de ballet tiene una serie de características específicas y exige mucho de sus capacidades físicas y mentales.
Los principales requisitos profesionales para las características individuales de un bailarín de ballet se dan en la tabla. 1.
Tabla 1.
Requisitos de la actividad profesional
Cualidades profesionalmente importantes

Requisitos corporales especiales
Relación altura-peso de una bailarina de ballet.

"Pie de bailarina" El sistema musculoesquelético de una bailarina de ballet soporta una carga importante y específica
Índice de carga del pie, orientación loteral del pie.

Entre las numerosas manifestaciones del temperamento, las manifestaciones de aquellas propiedades de las que depende principalmente la dinámica de la actividad de un bailarín de ballet y su actuación tienen una importancia específica para la coreografía.
Excitabilidad emocional, estabilidad emocional, plasticidad, impulsividad, extraversión.

Estrés físico y mental intenso y máximo regular que requiere importantes esfuerzos volitivos.
Alta regulación emocional-volitiva de la actividad con propósito.

El ballet es la integración del pensamiento y el movimiento, por lo que el talento creativo en el ballet se basa no solo en la actividad muscular, sino también en el pensamiento creativo.
Fluidez, flexibilidad, originalidad y elaboración del pensamiento.

Arte, la capacidad de transmitir las emociones del héroe y la música con movimientos.
La bailabilidad como indicador complejo que combina musicalidad y expresividad emocional de los movimientos.

Orientación a objetivos: mejora constante de las habilidades profesionales.
Motivación, necesidad de dominar una profesión.

Continuación de la mesa. 1
El objeto de la voluntad y la conciencia de un bailarín de ballet en la actividad profesional es su propio cuerpo, su motricidad. Para dominar una técnica de danza compleja, es necesaria una sutil diferenciación de las características espaciales y de potencia del movimiento.
Capacidad altamente desarrollada para regular los movimientos en velocidad, fuerza y ​​amplitud.

Un bailarín de ballet debe sentirse satisfecho con el trabajo monótono, sentir alegría muscular al realizar movimientos complejos durante los ensayos y practicar coreografías.
Atractivo emocional de los movimientos coreográficos.

Un análisis de la literatura sobre la investigación de la relación entre la actividad profesional y los rasgos de la personalidad mostró que en psicología existe un claro interés por los problemas psicológicos de la personalidad del profesional, cuya importancia se siente profundamente en la práctica social. A pesar de la demanda social de investigar la personalidad de un profesional, teniendo en cuenta las particularidades de la actividad de un bailarín de ballet, del análisis de la literatura de que disponemos se desprende que prácticamente nadie ha estudiado la relación entre la importancia de un resultado profesional. y los rasgos de personalidad de los bailarines de ballet.

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Introducción

El ballet es una forma de arte que combina la belleza y la melodía de la música, la plasticidad y el ritmo de la danza, la sutileza de la actuación y la diversidad de temas literarios. Ballet, según V.V. Vanslova - "arte sintético".

escuela rusa El ballet es considerado legítimamente uno de los mejores del mundo. Basta recordar los nombres de B. Eifman, G.S. Ulanova, A.Ya. Vaganova, N.M. Dudinskaya y otros.

Una escuela es un determinado conjunto de ideas, direcciones, conceptos y puntos de vista. Para que exista y se desarrolle, se necesita un sistema claro de apoyo pedagógico que nos permita sacar lo mejor de estas ideas y direcciones, traducirlas en realidad y complementarlas con nuevas ideas. “Esperamos de la escuela virtuosos de la danza perfectamente entrenados, técnicamente fuertes y al mismo tiempo artistas reales que puedan expresar pensamientos y sentimientos ardientes en la danza más compleja, capaces de transformarse cada vez en una nueva imagen artística”, escribe R.V Zakharov.

Actualmente, el sistema de educación coreográfica en Rusia está experimentando cambios significativos provocados por tendencias globales, como la entrada de Rusia en el Acuerdo de Bolonia y la reforma del sistema de educación profesional en general. Estas tendencias se expresan en la formación de especialistas del tipo "licenciatura-maestría", la introducción de una educación orientada a la práctica y la informatización generalizada del sistema de educación superior.

En el sistema de formación de especialistas modernos es relevante su capacidad para integrarse directamente en actividades profesionales inmediatamente después de graduarse de una universidad o institución secundaria vocacional. G.B. habla de esto en sus obras. Golub, E.Ya. Kogan, V.A. Bolotov, A.V. Khutorskoy y otros En el caso de la educación coreográfica, esto implica una transición suave de la escuela coreográfica, la academia al teatro. Asegurar esta transición significa fundamentar la esencia de la formación pedagógica del futuro solista de ballet, establecer la interacción entre teatros e instituciones educativas y poder determinar el nivel de preparación del estudiante de ayer para la actividad profesional adulta de hoy.

Prácticamente no existen trabajos dedicados a un estudio integral de los procesos de desarrollo de la profesionalidad de un bailarín de ballet. Sólo hay publicaciones individuales que examinan un lado u otro de este amplio tema. Sin embargo, existen precedentes para la construcción competente de un sistema de transición a la actividad profesional en nuestro país, y requieren un estudio detallado. Uno de esos precedentes puede considerarse la ciudad de Krasnoyarsk, donde opera uno de los teatros rusos más famosos: el Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk, algunos de cuyos solistas se formaron en la Escuela Coreográfica de Krasnoyarsk. Y estos solistas ocupan una posición de liderazgo en el ballet de Krasnoyarsk.

Teniendo en cuenta todo lo anterior, resaltemos el problema de este estudio.

Problema: falta de investigaciones dedicadas al desarrollo de la profesionalidad de los bailarines de ballet, escasez de modelos que describan el desarrollo de la profesionalidad de los bailarines de ballet.

Hipótesis de investigación: la formación de la profesionalidad de un bailarín de ballet se da bajo las siguientes condiciones:

§ la presencia de apoyo pedagógico durante todo el proceso de convertirse en artista por parte de un profesional en el campo del ballet;

§ la oportunidad de realizar una práctica real de la actividad profesional en las primeras etapas de formación;

§ la presencia de competencia constante de otros profesionales emergentes;

§ preparación física, intelectual y psicológica sistemática y autoformación del futuro profesional;

§ la presencia de una preparación básica para la actividad profesional de un bailarín de ballet y la confirmación constante de una mayor preparación durante todo el proceso de convertirse en profesional.

Objeto del estudio: análisis y descripción del modelo moderno para convertirse en bailarín de ballet profesional.

Para lograr el objetivo, es necesario resolver las siguientes tareas:

§ determinar las características específicas de la actividad profesional de un bailarín de ballet;

§ revelará los requisitos de la profesión de bailarín de ballet a la personalidad y psique de una persona;

§ determinar los criterios para la profesionalidad de un bailarín de ballet, las formas de medirla y formarla;

§ recopilar información histórica sobre el desarrollo del ballet de Krasnoyarsk (usando el ejemplo del Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk y la Escuela Coreográfica de Krasnoyarsk);

§ determinar las tendencias del sistema moderno de educación profesional en general y del sistema de formación de bailarines de ballet en particular;

§ elaborar recomendaciones metodológicas para el desarrollo de la profesionalidad de un bailarín de ballet en el posgrado.

Objeto de estudio: egresados ​​​​de la escuela coreográfica - artistas de teatro de ópera y ballet.

Tema de investigación: el proceso de formación profesional de un bailarín de ballet.

Métodos de búsqueda:

Observación;

Descripción;

Análisis teorico;

La base teórica del trabajo es la investigación sobre psicología y pedagogía del profesionalismo de A.K. Markova, psicología actividad creativa A.I. Meilakha, B.M. Runina, Ya.A. Ponomarev, los fundamentos del arte del ballet V.V. Vanslova, M.M. Gabovich, N.I. Tarasova y otros también utilizaron publicaciones periódicas, memorias, biografías y autobiografías que describen las actividades de los principales solistas de ballet del pasado y del presente.

El trabajo consta de una introducción, dos capítulos, una conclusión y una bibliografía.

La introducción fundamenta la relevancia del tema de investigación, finalidad, objetivos, objeto, tema de investigación, su trascendencia teórica y práctica.

En el capítulo 1 " Aspectos teóricos formación de la profesionalidad de un bailarín de ballet (usando el ejemplo de los bailarines de ballet del Teatro Estatal de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk)”, se determinan los detalles de la actividad profesional de un bailarín de ballet, se presentan los criterios de profesionalismo, referencia histórica sobre el desarrollo del ballet de Krasnoyarsk.

El capítulo 2, “Análisis de las formas de desarrollar la profesionalidad de un bailarín de ballet en el período de posgrado (usando el ejemplo de los bailarines de ballet del Teatro Estatal de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk)”, examina las principales tendencias en el sistema moderno de educación profesional. las características del desarrollo de la profesionalidad de un bailarín de ballet, y presenta recomendaciones metodológicas desarrolladas para el desarrollo de la profesionalidad de un bailarín de ballet en el posgrado.

Finalmente se presentan las conclusiones generales de todo el trabajo.

Desde el punto de vista teórico, el trabajo puede ser de interés para investigadores en el campo de la psicología y la pedagogía de la actividad creativa; desde el punto de vista práctico, el trabajo es interesante por las recomendaciones metodológicas que contiene para desarrollar el profesionalismo de un ballet; Bailarina en el periodo de posgrado.

Capítulo 1. Aspectos teóricos del desarrollo de la profesionalidad de un bailarín de ballet (usando el ejemplo de los bailarines de ballet del Teatro Estatal de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk)

1.1 Particularidades de la actividad profesional de una bailarina de ballet.

Para determinar las particularidades de la actividad profesional de una bailarina de ballet, aclaremos los conceptos clave y, en primer lugar, el concepto de “ballet”. Vanslov V.V. define el ballet como “un tipo de música artes teatrales, cuyo contenido se expresa en imágenes coreográficas." La imagen coreográfica, a su vez, es “una encarnación danza-plástica del contenido de la vida: estado de ánimo, sentimiento, estado, acción, imbuida de pensamiento y que encuentra su manifestación en un sistema especial de movimientos expresivos de una persona” [ibid.]. El ballet, sostiene Vanslov, es un “arte sintético”, ya que combina varios tipos creatividad artística: coreografía, música, teatro, artes visuales.

Shatalov O.V. “ballet” significa un tipo de arte teatral donde los principales medios de expresión son la danza y la pantomima denominadas “clásicas” (históricamente establecidas, sujetas a un estricto código de reglas), acompañadas de música, así como una obra escénica perteneciente a este tipo de arte”.

Como puede verse en estas definiciones, el ballet es un fenómeno bastante multidimensional y sistémico. Se puede distinguir la estructura del ballet:

1. Guión de ballet: concepto dramático, libreto (cabe señalar que también hay ballets sin trama). Proporciona un breve resumen verbal de las ideas, la trama, el conflicto y los personajes de la obra. El guión del ballet debe redactarse teniendo en cuenta su encarnación musical y coreográfica. Muy a menudo, un guión de ballet se crea a partir de una obra literaria. El autor del guión suele ser un dramaturgo especial de ballet. Pero el guión también puede ser compuesto por un coreógrafo, compositor, artista o varios creadores de una representación de ballet al mismo tiempo.

2. Coreografía. La coreografía moderna distingue entre danza cotidiana (folclórica y de salón), así como danza escénica (variedades y ballet). El ballet es la forma más elevada de arte coreográfico. La danza forma el núcleo efectivo del ballet. “Las posibilidades plásticas de la coreografía son ilimitadas; puede expresar cualquier sentimiento, incluido el dolor, la depresión, la desesperación, etc. Tiene los medios para caracterizar plásticamente no sólo el movimiento, sino también la paz, la encarnación no sólo de la belleza y la bondad, sino también de la fealdad y la maldad”, escribe V.V.

3. Acompañamiento musical. La similitud de la naturaleza figurativa crea la posibilidad de combinar orgánicamente música y coreografía en un solo todo artístico. La importancia de la música para la coreografía en una representación de ballet es, ante todo, significativa. “El coreógrafo pone en escena la actuación, apoyándose no sólo en el esquema dramático del guión, sino también, en primer lugar, en la música, que transforma el esquema del guión y lo enriquece emocional y significativamente”, dice V.V.

4. Pantomima, elementos de gimnasia y acrobacia. Un bailarín de ballet no es sólo un intérprete de movimientos de danza previamente preparados y programados. También es un actor de teatro de pleno derecho. Como para cualquier actor, la pantomima para un bailarín de ballet es una parte integral de su trabajo en el escenario. Pequeños movimientos y expresiones faciales sutiles transmiten una gran cantidad de información, revelan la esencia del héroe, transmiten sus sentimientos y estados de ánimo.

5. Decoración. El ballet es una representación teatral en toda regla. Además del trabajo de las personas en el escenario, también incluye la atmósfera artística general que se crea en el escenario y con la ayuda de accesorios, disfraces de héroes y juegos de luces y sombras. Todo esto es sumamente importante para transmitir las intenciones del coreógrafo.

Y, sin embargo, el papel principal en el ballet se le da a las personas: los bailarines de ballet. Son los intérpretes del plan del director de ballet, actores, bailarines, héroes. “Sin actor no hay ni puede haber espectáculo coreográfico, no hay ballet como forma de arte. El mejor libreto, la música más bella, la imaginación más rica del artista sólo dan fruto si los personajes del ballet cobran vida en imágenes coreográficas, bailarinas y bailarines”, dice M.M.

La especificidad de la actividad profesional de un bailarín de ballet radica en la necesidad de ocupar varias posiciones al mismo tiempo, de transmitir significado artístico con solo movimientos, sin pronunciar una palabra.

1.2 Psicología de la actividad profesional de una bailarina de ballet.

Como cualquier actividad profesional, el ballet plantea ciertas exigencias a la personalidad del artista y al nivel de desarrollo de sus funciones mentales. Por tanto, la actividad motora activa de un bailarín de ballet requiere el pleno desarrollo de funciones mentales como las sensaciones. "El desarrollo del analizador cinestésico o motor es de gran importancia, especialmente en las actividades escénicas humanas", escribe A.I. Las sensaciones cinestésicas son provocadas, por ejemplo, por la irritación de las terminaciones nerviosas incrustadas en músculos, articulaciones, ligamentos y huesos, así como las que surgen como resultado del movimiento corporal en el espacio, y proporcionan al cuerpo la información necesaria para llevar a cabo actividades coordinadas y actos motores complejos del intérprete”.

También está claro que en la actividad de un bailarín de ballet también son importantes tipos de sensaciones como la auditiva, táctil, estática y visual. Cabe señalar que el desarrollo de una determinada función mental implica su estado cualitativo. Cada persona sana tiene un cierto conjunto de funciones mentales, pero el grado de su expresión puede variar significativamente y, por lo tanto, crear características mentales individuales de cada persona. En el caso de las sensaciones, podemos hablar de características cualitativas como el umbral absoluto de las sensaciones - la irritación menos poderosa que provoca una sensación apenas perceptible, adaptación positiva o negativa - la adaptación de los órganos sensoriales a los estímulos que actúan sobre ellos.

En las actividades de un bailarín de ballet es importante un alto nivel de desarrollo de la percepción y la atención. Con una alta actividad de estas funciones, algunas personas pueden desarrollar una observación creativa, cuyo rasgo característico es "la capacidad de notar objetos y fenómenos sutiles, pero muy significativos". signos típicos objeto o fenómeno."

Persona creativa se manifiesta en la originalidad de capturar los fenómenos de la realidad circundante. Lo más importante para una persona creativa es la llamada memoria figurativa, “que consiste en la impresión y posterior reconstrucción de la representación de objetos previamente percibidos”. También es sumamente importante la memoria emocional, que consiste en recordar, reproducir y reconocer emociones y sentimientos.

La sensibilidad y la emocionalidad son importantes para cualquier profesión creativa. La originalidad de las emociones y sentimientos está determinada por las características personales, la orientación del individuo, sus motivos, aspiraciones, intenciones, propiedades mentales individuales, por ejemplo, carácter y componentes emocional-volitivos. Una persona no sólo experimenta emociones y sentimientos, sino que también tiene un diseño "corporal" externo en forma de expresiones faciales, pantomimas, entonación y manifestaciones vegetativo-vasculares.

Un elemento integral de la actividad creativa es su conciencia y elaboración mental por parte de una persona. En el ballet, como en el arte en general, la capacidad de una persona para pensar creativamente es importante. Las principales propiedades del pensamiento creativo son:

§ flexibilidad de pensamiento (transición de una clase de fenómenos a otra, a veces de contenido distante);

§ libertad del modelo (no trivialidad, caracterizada por la búsqueda de nuevos enfoques para la resolución de problemas);

§ amplitud de pensamiento (la capacidad de atraer conocimientos de diversos campos y la capacidad de aplicar estos conocimientos);

§ criticidad (la capacidad de evaluar correctamente el objeto de sus propias actividades);

§ profundidad (el grado de penetración en la esencia de los fenómenos);

§ apertura (accesibilidad del pensamiento a diversos tipos de ideas y juicios entrantes);

§ independencia (la capacidad de formular y resolver problemas creativos de forma independiente y original sin ser influenciado);

§ empatía (la capacidad de penetrar en el hilo de pensamiento de otra persona).

El proceso de puesta en escena de un ballet implica un enorme trabajo mental por parte de todos los intérpretes. Un bailarín de ballet tiene que trabajar con imágenes artísticas. Su formación e implementación depende de la imaginación.

Así, todas las capacidades cognitivas humanas están involucradas en el trabajo de un bailarín de ballet en el escenario. Además de ellos, también influyen de manera significativa los rasgos de carácter y el temperamento de una persona. Leonhard K. introdujo el concepto de personalidad acentuada, teniendo en cuenta el énfasis de ambos rasgos de carácter, expresados ​​​​en las características de la esfera mental, las motivaciones de una persona y el temperamento, que influye en las cualidades reactivas del individuo, en particular el ritmo y profundidad de las manifestaciones emocionales.

Existen varias clasificaciones diferentes de acentuaciones de caracteres, la mayoría de las cuales van acompañadas de técnicas de diagnóstico especiales que permiten identificar el tipo de acentuación. Sin centrarnos en métodos específicos, observamos que dividir a las personas en tipos siempre es bastante arbitrario. Es posible identificar rasgos de carácter y tipos de acentuación que sean “favorables” para la profesión, pero esto debe hacerse con precaución, prestando atención a la percepción holística de la personalidad del profesional, sus cualidades profesionales, las críticas de los compañeros y la comunidad social. entorno en el que se encuentra incluido.

Para una profesión creativa, en el trabajo de un bailarín de ballet, son importantes rasgos de carácter como la apertura, la amabilidad, la paciencia, la responsabilidad, la independencia, la actividad y la iniciativa. Esta lista no está completa, pero en general refleja las características específicas de la actividad profesional creativa.

Al caracterizar las actividades de un bailarín de ballet, no se puede dejar de notar una característica de su trabajo como el colectivismo. Una compañía de ballet es un grupo numeroso de personas, con características individuales propias, en el que actúan. algunas reglas comportamiento, se ha desarrollado una cierta jerarquía de relaciones. La comunicación como capacidad de encontrar un lenguaje común con otras personas es el rasgo de carácter más importante de una persona creativa y también de un bailarín de ballet.

1.3 El concepto de “profesionalismo” en el ballet, investigaciones sobre su nivel y métodos de formación

Bajo el profesionalismo de Markov A.K. entiende “la totalidad, un conjunto de características personales de una persona necesarias para el desempeño exitoso de su trabajo”. El profesionalismo, según el autor, consta de dos elementos: motivacional y operativo.

El elemento motivacional implica:

§ pasión por la mentalidad, es decir, orientación de la profesión en beneficio de otras personas, el deseo de penetrar en las orientaciones humanistas modernas, el deseo de permanecer en la profesión;

§ motivación para alcanzar altos niveles de logro en el trabajo;

§ deseo de desarrollarse como profesional, motivación por dinámicas positivas de crecimiento profesional, aprovechamiento de cualquier oportunidad de crecimiento profesional, fijación sólida de objetivos profesionales;

§ paso armonioso de todas las etapas de la profesionalización, desde la adaptación a la profesión hasta el dominio, la creatividad y la finalización sin dolor de la carrera profesional;

§ ausencia de deformaciones profesionales en el ámbito motivacional, crisis;

§ locus interno de control profesional, es decir, la búsqueda de razones de éxito y fracaso en uno mismo y dentro de la profesión;

§ el precio psicológico óptimo por altos resultados en las actividades profesionales, es decir, la ausencia de sobrecargas, estrés, crisis y conflictos.

El elemento operativo incluye:

§ plena conciencia de los rasgos y características de un profesional, una conciencia profesional desarrollada, una visión holística de la apariencia de un profesional exitoso;

§ adaptarse a las exigencias de la profesión;

§ desempeño real de actividades profesionales al nivel de altos ejemplos y estándares, dominio de habilidades, alta productividad laboral, confiabilidad y sostenibilidad de altos resultados;

§ el desarrollo de la persona a través de su profesión, la autocompensación de las cualidades faltantes, el aprendizaje profesional y la apertura;

§ hacer una contribución creativa de una persona a la profesión, enriqueciendo su experiencia, transformando y mejorando el entorno profesional que la rodea;

§ atraer el interés público por los resultados de su trabajo, porque la sociedad puede no conocer sus necesidades por los resultados de un determinado trabajo profesional, este interés debe formarse.

El profesionalismo, según Markova, se logra mediante las siguientes etapas:

1. La etapa de adaptación de una persona a la profesión, la asimilación inicial por parte de la persona de normas, mentalidades, técnicas necesarias, técnicas y tecnologías de la profesión; esta etapa puede terminar rápidamente dentro de los primeros 1 o 2 años después de comenzar a trabajar, o puede durar años y ser dolorosa;

2. La etapa de autorrealización de la persona en la profesión; la conciencia de una persona de sus capacidades para cumplir con los estándares profesionales, el comienzo del autodesarrollo a través de los medios de la profesión, la conciencia de una persona de sus capacidades individuales para realizar actividades profesionales, el fortalecimiento consciente de sus cualidades positivas, suavizando las negativas, fortaleciendo estilo individual, máxima autorrealización de sus capacidades en la actividad profesional;

3. La etapa de fluidez de una persona en una profesión, manifestada en forma de dominio, armonización de una persona con la profesión; aquí tiene lugar la asimilación de altos estándares, la reproducción a buen nivel de recomendaciones, desarrollos e instrucciones metodológicas previamente creadas.

Importantes avances en el campo de la investigación sobre las características del profesionalismo han ayudado a desarrollar todo un complejo de diagnóstico para determinar los niveles de su formación. El diagnóstico se basa en una serie de principios:

1. El principio de selección por etapas de los solicitantes.

La primera etapa, la selección basada en indicadores médicos, la llevan a cabo, por regla general, médicos generales y se utiliza principalmente sólo como un medio para detectar contraindicaciones para el entrenamiento. La ausencia de especialistas de perfil limitado (un psicólogo o un psiquiatra-psicohigienista) durante el proceso de selección afecta negativamente a la pureza de la selección profesional.

La segunda etapa es la identificación de profesionales aptos, condicionalmente aptos e inadecuados para la formación en universidad creativa. Se lleva a cabo en el proceso de trabajo con postulantes, maestros y docentes de la institución educativa.

La tercera etapa es el control. Identifica cambios tanto favorables como desfavorables en las actividades profesionales y educativas.

2. El principio de tener en cuenta las reservas funcionales de la psique habla de la gran plasticidad del sistema nervioso, de los enormes potenciales ocultos inherentes a una personalidad creativa y de las posibilidades de desarrollar y revelar las reservas de la psique humana. De ahí la necesidad de realizar la selección según los criterios superior, medio e inferior para aclarar el rango de aceptabilidad de los métodos de selección profesional y la variabilidad de los criterios.

3. Principio profesional.

El profesionograma es una de las principales herramientas de diagnóstico. Profesionograma, según Sevastyanov A.I. es “un sistema de requisitos impuestos a una persona por una determinada especialidad, profesión o grupo de ellas”. Parte del profesionalismo es un psicograma, un breve resumen de los requisitos de la psique humana, que constituye una lista de habilidades necesarias.

4. El principio de confiabilidad que subyace al trabajo profesional tiene en cuenta las complicadas condiciones del estudio de la actividad profesional y la llamada "inmunidad al ruido" de un individuo.

Las herramientas anteriores ayudan a determinar la preparación de una persona para la actividad profesional en general. Pero la actividad creativa tiene sus propias particularidades que no deben olvidarse. No se puede determinar la profesionalidad de un bailarín de ballet mediante un profesiograma, así como no se puede identificar a un futuro maestro entre los solicitantes únicamente mediante los resultados de una prueba, examen u otros métodos objetivos.

La profesionalidad de un bailarín de ballet no son tanto factores objetivos de la actividad profesional en general, sino un conjunto de requisitos y expectativas de las acciones del artista en el escenario, formado por las tradiciones, la historia del ballet, sus destacados intérpretes, directores de ballet y espectadores ordinarios. Por tanto, pasemos a comprender la profesionalidad del bailarín de ballet de aquellas personas que están directamente asociadas a este arte.

El trabajo de una bailarina de ballet es un trabajo duro todos los días. Según A. Ol, el ballet debería convertirse en el "estilo de vida" del artista. No queda tiempo para nada más. Por tanto, ante todo, un profesional del ballet es una persona que se entrega por completo a este arte sin dejar rastro”.

La voluntad de aprender constantemente de los demás y superarse es otro requisito importante para un profesional. Esto es lo que dice al respecto uno de los principales solistas del ballet de Krasnoyarsk, Alexander Butrimovich: “... cualquier pista se percibe como el camino más corto hacia lo mejor y solo es beneficiosa. Estoy intentando… escuchar más…”. Encontramos la confirmación de estas palabras de A. Ol: “Después del trabajo... tengo que ver la secuencia de vídeo de algunas producciones clásicas casi fotograma a fotograma. Y no se trata de lamer sin pensar la técnica de alguien, sino de comprender y comprender toda la profundidad de la interpretación”.

La correlación entre el ballet y el arte escénico se destaca más de una vez: "Cuando un actor de ballet logra combinar un brillante conocimiento del oficio, la técnica de la danza con la inteligencia, los sentimientos y la imaginación creativa, pertenece legítimamente al título de artista", dice M.M. . Encontramos lo mismo en A. Ol: "Si la actuación no tiene energía, roles bien estructurados, ni la música hermosa ni el vestuario y la escenografía lujosos podrán salvarla, será aburrida y poco profesional".

El ballet también impone serias exigencias a la condición física del intérprete. "En primer lugar, depende de la estructura de los músculos y ligamentos y, en cierta medida, de la estructura ósea de la figura de una persona, si es capaz de realizar tal o cual movimiento...", afirma F.V. Lopujov. . Un profesional del ballet siempre está en buena forma física, flexible y artístico. Las características fisiológicas individuales del solista determinan su papel en el escenario.

El profesionalismo es una característica integral del nivel de habilidad de un especialista. La profesionalidad de un bailarín de ballet se forma en el proceso de una larga formación y trabajo diario. Un profesional del ballet es una persona con talento creativo, desarrollada física e intelectualmente y psicológicamente resistente a todo tipo de problemas. Alcanzar el profesionalismo sólo es posible a través de la actividad práctica de una persona, a través del autodesarrollo y la ayuda activa de maestros ya formados.

1.4 Historia del ballet en la ciudad de Krasnoyarsk.

El Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk fue creado sobre la base de una decisión del Consejo de Ministros de la RSFSR de 30 de diciembre de 1976, por orden del Ministerio de Cultura de la RSFSR de 17 de enero de 1977. El fundador del teatro es la administración de la región de Krasnoyarsk, representada por el departamento de cultura. El teatro se inauguró oficialmente el 12 de agosto de 1978.

El edificio fue construido en los años 1966-78 según el diseño del arquitecto ganador del Premio Estatal de la URSS I.A. Mikhaleva. La inauguración del teatro se programó para coincidir con el 350 aniversario de Krasnoyarsk, ubicado en la plaza del mismo nombre (ahora Plaza Teatralnaya).

La temporada 1978-1979 estuvo marcada por once estrenos. A los espectadores se les mostró obras maravillosas repertorio de ópera y ballet. El 20 de diciembre de 1978 tuvo lugar el estreno de la ópera de A.P. Borodin "Príncipe Igor". Esta actuación se convirtió en una especie de tarjeta de visita nuestro teatro. El 21 de diciembre de 1978 se proyectó el ballet “El lago de los cisnes” de P. I. Tchaikovsky, el 22 de diciembre de 1978 se proyectó la ópera “El barbero de Sevilla” de G. Rossini, el 23 de diciembre de 1978 se presentaron los estrenos de dos ballets en un acto “ Carmen Suite” de G. Bizet - R. Shchedrin y “La joven y el hooligan” de D. Shostakovich, 24 de diciembre de 1978 - ópera de P.I. Tchaikovsky “Eugene Onegin”, 26 de diciembre de 1978 - Ballet “Giselle” de A. Adam.

En 1979, el repertorio del teatro se fue reponiendo constantemente con maravillosas representaciones: óperas - "Huracán" de V.A. Grokhovsky, "Aida" de G. Verdi, "Iolanta" de P.I. Tchaikovsky y ballets - "Chopiniana" y "Paquita" de L. Minkus, así como actuación de los niños“El cuento del sacerdote y su obrero Balda” M.I. Medias. En tan solo 30 años de existencia del teatro se representaron 53 óperas, 2 obras de misterio, 57 ballets y 16 representaciones infantiles.

También es necesario mencionar los nombres de los maestros destacados que contribuyeron a la formación del Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk. Estos son directores de producción: M.S. Vysotsky, R.I. Tikhomirov, G. Pankov, B. Ryabikin, L. Kheifits, V. Tsyupa, E. Buzin; directores: I. Shavruk, V. Kovalenko, N. Silvestrov, I. Latsanich, A. Kosinsky, A. Chepurnoy, A. Yudasin; artistas: N. Kotov, T. Bruni, G. Arutyunov, V. Arkhipov, Cherbadzhi, M. Smirnova-Nesvitskaya; coreógrafos: N. Markryants, V. Burtsev, V. Fedyanin, A. Gorsky, S. Drechin, A. Polubentsev, Vl. Vasiliev, S. Bobrov. También trabajaron en el Teatro Krasnoyarsk. músicos extranjeros J. Stanek, M. Piecuch et al.

Los nombres de los principales solistas de ópera y ballet son ampliamente conocidos tanto en Rusia como en el extranjero. Entre ellos se encuentran el Artista del Pueblo de Rusia V. Efimov, el Artista del Pueblo de Rusia A. Kuimov, artista del pueblo de Rusia L. Marzoeva, Artista del Pueblo de Rusia L. Sycheva, Artistas de Honor de Rusia V. Baranova, Zh Tarayan, S. Kolyanova, A. Berezin, S. Efremova, G. Efremov, N. Sokolova, I. Klimin, Artista de Honor de la República Tyva G. Kontsur. Las obras de los jóvenes solistas de ópera A. Lepeshinskaya, O. Basova, A. Bocharova, E. Baldanov y de los solistas de ballet A. Ol, E. Bulgutova, M. Kuimova, I. Karnaukhov, V. Kapustin, V. Guklenkov, etc. Los nombres de los famosos bailarines N. Chekhovskaya y V. Polushin, el magnífico cantante de ópera D. Hvorostovsky, que trabajó en el Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk, son ampliamente conocidos en la comunidad rusa y mundial.

La Escuela Coreográfica de Krasnoyarsk se creó en 1978. Su inauguración está asociada con el inicio de las actividades del Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk y del Conjunto de Danza de Krasnoyarsk "Sibir". El primer director es I. G. Shevchenko.

La dirección artística en diferentes momentos estuvo a cargo de: G. N. Gurchenko, R. T. Khakulova, V. I. Burtsev, B. G. Fedchenko.

A lo largo de su existencia, la escuela ha graduado a más de 150 especialistas que trabajan con éxito en teatros y grupos de danza de todo el país.

Profesores destacados: G.N. Gurchenko, T. A. Dzyuba, Khakulova, L. V. Vtorushina.

Entre los estudiantes y graduados de la escuela se encuentran los galardonados en concursos de ballet de toda la Unión, Rusia e internacionales (S. V. Dauranova, A. V. Yukhimchuk, E. Koshcheeva, etc.).

conclusiones

En el primer capítulo pudimos identificar los rasgos esenciales del ballet como arte y como ámbito de actividad profesional.

La profesión de bailarina de ballet es versátil y multifacética. Requiere una preparación bastante larga y de alta calidad durante el proceso de formación, y una superación personal constante al finalizar la formación. El trabajo de un bailarín de ballet es el entrenamiento físico diario, este es un alto nivel moral y educación estetica, inteligencia, autoconciencia. La profesión de bailarín de ballet requiere el desarrollo de las cualidades personales de una persona, la actividad constante de las funciones cognitivas y las habilidades creativas.

Definir el profesionalismo es un proceso doble. Por un lado, existen herramientas objetivas para medir la preparación física, intelectual y psicológica para la profesión. Por otro lado, ni siquiera los indicadores más altos en estas áreas garantizan el surgimiento verdadero maestro como resultado de convertirse en profesional. ¿Qué es decisivo en el proceso de preparación de un solista de ballet? ¿Cuáles son los factores detrás de su éxito? El segundo capítulo está dedicado a la divulgación de estas cuestiones.

Capítulo 2. Análisis de las formas de desarrollar la profesionalidad de un bailarín de ballet en el período de posgrado (usando el ejemplo de los bailarines de ballet del Teatro Estatal de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk)

2.1 Tendencias en el sistema moderno de educación coreográfica.

2.1.1 Estado actual del sistema de educación profesional

Análisis de actos jurídicos y otros. documentos reglamentarios nos permite formular las siguientes características de la educación vocacional en la Federación de Rusia.

Durante mucho tiempo en nuestro país existió una clara división de la educación vocacional en secundaria, que se llevaba a cabo en escuelas técnicas, colegios, liceos y superiores, que se llevaba a cabo en institutos y universidades. Este enfoque ha sido abolido gradualmente desde que Rusia adoptó el Acuerdo de Bolonia.

Desde 2007, la educación profesional superior en Rusia se lleva a cabo en los siguientes niveles:

§ educación profesional superior, confirmada por la asignación a una persona que haya aprobado con éxito la certificación final, calificación (título) "licenciatura" - título de licenciatura;

§ educación profesional superior, confirmada por la asignación a una persona que haya superado con éxito la certificación final, calificación (título) "especialista" o calificación (título) "maestría" - formación especializada o maestría.

Los programas de licenciatura duran cuatro años, los programas de especialidad duran al menos cinco años y los programas de maestría duran dos años.

Está previsto incorporar las instituciones profesionales secundarias al formato de una licenciatura aplicada para unir programas e instituciones educativas dispares en un sistema unificado de educación profesional.

Además de la división en niveles, la entrada de Rusia en el Acuerdo de Bolonia trajo un sistema de calificación crediticia y la posibilidad de integración en un espacio educativo único europeo. El sistema de evaluación de la calificación crediticia implica asignar un crédito como unidad para evaluar el éxito en el dominio de un programa educativo y calcular la calificación entre todos los estudiantes matriculados en este programa.

El Acuerdo de Bolonia también prevé la posibilidad de una transición fluida de un estudiante de una institución educativa a otra en toda Europa gracias a un sistema unificado para evaluar los programas educativos y una clasificación similar de la "carga" de créditos de cada curso educativo.

Cabe señalar que muchos educadores consideran que la entrada de Rusia en el Acuerdo de Bolonia es extremadamente ambivalente. Por tanto, es prácticamente imposible reconstruir el mundialmente famoso sistema nacional de formación de trabajadores médicos según los principios de Bolonia. También surgen ciertas dificultades a la hora de formar especialistas en el campo de la cultura y el arte. En esta área, la profesionalidad de un docente individual y las tradiciones de formación que se han desarrollado durante muchos años en una institución en particular son de gran importancia. La experiencia acumulada a lo largo de los años no puede simplemente convertirse en unidades de crédito y dividirse en cursos de formación universales. Mientras tanto, no podemos detener el proceso de reforma y la transición al sistema de “licenciatura + maestría” es inevitable. Y todas las instituciones educativas tienen que adaptarse a estas tendencias. Así, por ejemplo, la Academia Rusa de Ballet Ruso que lleva el nombre de A.Ya forma con bastante éxito a solteros y maestros. Vaganova."

Otro rasgo característico de la educación vocacional moderna en Rusia, mencionado repetidamente en el “Concepto de desarrollo socioeconómico a largo plazo hasta 2020”, en el “Programa para el desarrollo de la educación rusa para 2010-1015”, es el enfoque en la práctica como la principal herramienta de formación profesional. Durante mucho tiempo, el sistema educativo ruso estuvo sobrecargado de conocimientos fundamentales, absolutamente inútiles para un especialista en la vida real: “La educación fundamental rusa, escribe F. Yalalov, se creó según un paradigma del conocimiento. El proceso educativo en el sistema de educación general y profesional durante varias décadas se construyó sobre una base deductiva de acuerdo con la tríada didáctica "conocimientos - habilidades - destrezas", prestándose atención principal a la adquisición de conocimientos.

Recientemente, se ha producido una revisión del contenido educativo, un alejamiento de la teorización excesiva y la creación de mayores oportunidades para que los estudiantes reciban una formación práctica en actividades profesionales reales.

Los documentos anteriores establecen el concepto de “competencia” como unidad básica de medida de la calidad de la educación.

El Glosario de términos del mercado laboral de la Fundación Europea de Formación define competencia como:

§ la capacidad de hacer algo bien o eficazmente;

§ cumplimiento de los requisitos para el empleo;

§ capacidad para realizar funciones laborales especiales.

Ivanova T.V. La competencia se considera como "... una habilidad realizada de forma independiente basada en los conocimientos adquiridos por el estudiante, sus experiencias, valores e inclinaciones educativas y de vida, que desarrolló como resultado de la actividad cognitiva y la práctica educativa".

La peculiaridad de la competencia como resultado de la educación es que, en comparación con otros resultados de la educación,:

§ es un resultado integrado;

§ le permite resolver toda una clase de problemas;

§ existe en forma de actividad, no información sobre ella;

§ se manifiesta conscientemente.

Una tendencia importante en la educación profesional nacional moderna es su informatización activa. Instituciones educacionales están equipados con tecnología informática moderna, los entornos educativos electrónicos se utilizan como una de las herramientas de aprendizaje, las tecnologías de red permiten establecer la educación a distancia, ampliando las oportunidades educativas de las personas con discapacidad, las personas que viven lejos de las ciudades densamente pobladas.

2.1.2 Educación del ballet moderno en Rusia

La formación de profesionales en el campo de la coreografía en nuestro país se realiza en tres niveles:

1. Primer nivel- escuelas de ballet.

2. Nivel profesional medio - escuelas coreográficas.

3. El más alto nivel profesional: academias.

4. Instituciones educativas atípicas que realizan una formación integral y sistemática (combinando los tres niveles anteriores).

Como resultado de la formación profesional (de nivel medio y superior), se pueden obtener las siguientes profesiones:

1. Un bailarín de ballet es un trabajador de teatro creativo, un bailarín profesional que desempeña las partes que se le asignan en representaciones de ballet y otras obras de arte del ballet de acuerdo con la descripción de su trabajo y sus calificaciones.

2.Artista grupo de baile(conjunto): un trabajador creativo, un bailarín profesional que, de acuerdo con la descripción de su trabajo y sus calificaciones, desempeña los papeles (roles) que le son asignados en obras de arte coreográfico (con excepción del ballet).

3. Un coreógrafo es un trabajador creativo que, de acuerdo con la descripción de su trabajo, bajo la dirección de un coreógrafo (coreógrafo), participa en la creación (composición) de otras nuevas, la renovación de obras coreográficas previamente escenificadas y su lanzamiento en escenario.

4. Coreógrafo (coreógrafo) es un trabajador creativo que, de acuerdo con la descripción de su puesto, crea (compone) sus propias obras coreográficas, revive obras coreográficas previamente escenificadas y lleva a cabo un conjunto de medidas organizativas para su puesta en escena.

5. Un tutor es un trabajador creativo que, de acuerdo con la descripción de su puesto, lidera el trabajo de aprendizaje de partes con artistas en espectáculos nuevos y previamente creados, ensayando espectáculos del repertorio actual.

6. Maestro: un empleado de una institución educativa que brinda capacitación a los estudiantes en diversas formas y desarrolla en ellos ciertas competencias.

7. Docente-tutor: empleado de una institución educativa, docente profesional que desempeña las funciones de asistente, consultor, mentor, confidente de un estudiante, que es el organizador de su vida y lo acompaña en su deseo de resolver de forma independiente el problema. problemas de la educación.

8. Estudioso del ballet: especialista en el campo de la investigación del arte del ballet, historiador del ballet, crítico de ballet, que a menudo combina estas funciones con actividades docentes en el campo correspondiente.

9. Coreólogo: especialista en el campo de los estudios complejos e interdisciplinarios de la coreografía en su totalidad (incluido el ballet), crítico de arte que a menudo combina estas funciones con la enseñanza en el campo correspondiente.

10. Kinesiólogo: médico, trabajador médico, especialista en el campo de la kinesiología.

12. Danzaterapeuta: médico, psicólogo, trabajador médico, especialista en el campo de la danzaterapia.

Los objetivos de la formación profesional de un bailarín de ballet están establecidos por una lista de competencias descritas en el Estándar Educativo del Estado Federal para la Educación Profesional Superior en el campo de la formación "Arte Coreográfico".

Entonces, en el proyecto del Estándar Educativo del Estado Federal para la Educación Profesional Superior de tercera generación, los solteros en esta área deben tener:

Competencias sociales, personales y culturales generales;

Competencias científicas generales;

Competencias instrumentales;

Competencias profesionales.

Estas últimas se dividen en competencias profesionales generales y de perfil especializado (según el tipo de actividad profesional).

Entre las competencias profesionales que debe tener un licenciado:

Conocimiento del repertorio coreográfico;

Experiencia práctica en la interpretación de repertorio coreográfico;

Conocimiento de los fundamentos del dibujo, pintura, composición, etc.

La lista de competencias es bastante extensa. Aún no está claro cómo se puede comprobar la madurez de cada uno y si es posible juzgar la profesionalidad del estudiante como futuro bailarín de ballet en función de la totalidad de su madurez.

En el futuro, de la forma más general, caracterizaremos el contenido de la formación profesional del futuro bailarín de ballet en Instituciones educacionales Rusia.

Como ya se señaló, la formación en el arte del ballet comienza a los diez años en las escuelas de ballet. N.I. Tarasov, preguntándose a qué edad se debe empezar a formarse en danza clásica: “...para aprender sus medios de expresión, su lenguaje, que, por supuesto, el futuro bailarín debe dominar técnicamente a la perfección, virtuoso, artísticamente libre, flexible. y musicalmente”, él mismo y respondió: “Podemos decir con seguridad que un futuro artista de teatro de ballet debe comenzar a dominar la escuela de danza clásica a partir de los nueve o diez años... Los años perdidos de la infancia, como los iniciales "El período de entrenamiento de un futuro bailarín ciertamente afectará su desempeño de alguna manera y en algún lugar, el arte como una especie de sombra y un lado no completamente revelado".

Es igualmente importante que “la infancia sea especialmente receptiva a la belleza: la música y la danza. Es la infancia la época de enorme intensidad emocional, de imponencia, de sueños y de acción activa” [ibid.], que juega un papel importante en la formación de un bailarín de ballet, especialmente durante el período de formación inicial, cuando es necesario interesar al niño, excitar y cautivar su alma y comenzar a ser creativamente curioso desarrollarlo.

"Todo empieza con cosas simples", escribe E.A. Ménshikov. Movimientos que se perfeccionan a diario en clase y que parecen aburridos y no bailables, cuando se incluyen en el texto de una composición coreográfica, son percibidos por los niños como parte integral de la danza... cuanto antes surge la oportunidad de poner las letras del alfabeto de ballet en palabras... más orgánica será la existencia en el escenario”. En la etapa inicial, el autor sugiere prestar atención al entrenamiento físico del niño, el desarrollo de la plasticidad, el sentido del ritmo: “... sin enseñar a los niños los elementos iniciales de la alfabetización coreográfica, no se les puede enseñar a bailar, de lo contrario la enseñanza pierde todo significado”.

Se debe prestar especial atención a cultivar la paciencia, la disciplina e inculcar el amor por la música y el arte. “En el aula es necesario desarrollar la voluntad, el carácter y la disciplina”, escribe N.M. Dudinskaya". También se hace énfasis en el desarrollo de la imaginación, la memoria, la atención, la percepción y la emocionalidad.

La formación se lleva a cabo en las siguientes disciplinas: ritmo, gimnasia, coreografía, danza, disciplinas escolares en general. Las clases se imparten en grupos de 10 a 12 personas.

Cabe señalar que los estudiantes de escuelas de ballet con temprana edad Realizar actividades profesionales y participar en producciones. “La velada siempre empezaba con un concierto de clase... Cada bailarín tenía uno o dos números solistas, que yo seleccionaba según su individualidad y preparación”, escribe N.M. Dudinskaya. La elección del tema de las producciones está determinada por las características de desarrollo de los niños en un período de edad particular: “Los niños de cada edad tienen sus propios bailes. Los más jóvenes bailan “Polka”, “Polonesa”. Medio - "Gansos", "Rock and Roll", senior - "Saludo a la victoria". "Las producciones deben corresponder a la edad y al nivel de desarrollo de los niños, deben ser comprensibles para ellos, entonces el público las comprenderá y aceptará".

La formación en las escuelas coreográficas dura de cinco a ocho años. El proceso de selección para estas instituciones, así como para las escuelas de ballet, es bastante estricto. Se imponen requisitos estrictos a la preparación física, la salud y el nivel de desarrollo intelectual y psicoemocional del niño. Los exámenes en la escuela se llevan a cabo en tres etapas:

Comprobación de datos profesionales, características corporales (datos externos): suma de proporciones, presencia en el escenario, participación, elevación, paso, salto, flexibilidad;

Examen médico: visión, oído, órganos internos, sistema nervioso, aparato. Pruebas de idioma ruso;

Encargo artístico - datos musicales y rítmicos: ritmo, audición, memoria; datos profesionales, danza.

Los principales métodos y medios de enseñanza son (usando el ejemplo de la programación orientada a objetos utilizada en la Academia de Ballet Ruso A.Ya. Vaganova):

Seminario;

Trabajo independiente;

Consulta;

Lección práctica;

Excursión;

Práctica educativa e industrial;

Trabajo del curso;

Trabajo de graduación.

Entre las disciplinas básicas en las escuelas coreográficas: danza clásica, danza escénica folclórica, danza histórica y cotidiana, jazz, tap, ritmo, gimnasia, actuación, maquillaje, lenguas extranjeras, historia del teatro, música, bellas artes, alfabetización musical, filosofía, fundamentos del derecho, economía, sociología, anatomía, etc.

La danza clásica juega un papel importante en la preparación de un bailarín de ballet. “Proporciona entrenamiento al cuerpo en movimiento, lo que puede servir de ayuda en cualquier decisión de baile”.

La danza clásica es una disciplina fundamental en la escuela coreográfica; juega un papel protagonista en la formación profesional de los futuros bailarines de ballet. Es en una lección de danza clásica donde se aprende el lenguaje de la coreografía. Para dominar las altas habilidades interpretativas de la danza clásica es necesario conocer y asimilar su naturaleza, sus medios de expresión, su escuela. La escuela de danza clásica es la base de una formación sistemática, coherente y metódica en la profesión de bailarín de ballet.

Uno de los componentes principales de la preparación de un futuro bailarín es la práctica escénica, que se incluye constantemente en el horario de clases. La finalidad de esta asignatura es el desarrollo integral y la mejora de las habilidades interpretativas de los estudiantes a partir del trabajo de ensayo y de la representación escénica, incluidas las representaciones teatrales. La práctica escénica es una parte integral y final del proceso educativo.

Así, las características de la formación de un bailarín de ballet en Rusia incluyen las siguientes:

§ debido a las características fisiológicas del cuerpo humano, existen plazos estrictos para la actividad profesional de un bailarín de ballet: el inicio de la formación profesional a los 10 años, el inicio de la actividad profesional a los 18-19 años, el final de la actividad profesional a los 10 años. 38-40 años;

§ la formación en una institución educativa de ballet (escuela coreográfica, academia de ballet) se considera formación profesional desde los primeros pasos, a partir de los 10 años;

§ el régimen especial y el nivel de carga de trabajo del estudiante son comparables al régimen y la carga de trabajo de un artista adulto, que corresponde a la actividad física de los deportes de alto rendimiento;

§ la educación general (escolar) y la educación vocacional (primaria, secundaria, superior) se combinan en un solo proceso educativo, a menudo es imposible hacer una distinción clara entre ellas;

§ la necesidad de un desarrollo avanzado de las disciplinas humanas y artísticas conduce a la inclusión de elementos de educación superior en el programa de una institución de educación secundaria vocacional;

§ transferencia directa de habilidades, conocimientos y experiencias de generación en generación (“de mano en mano, de pie a pie”, sin pasar por los medios materiales);

§ funcionamiento de la escuela coreográfica (academia de ballet) simultáneamente como institución educativa y como grupo de teatro, la unidad del proceso educativo en sí y la práctica;

§ interacción obligatoria entre la escuela coreográfica (academia de ballet) y la profesional, “básica” compañía de ballet(teatro): la compañía está formada en su mayoría por egresados ​​de esta institución educativa, y la mayoría de sus profesores son artistas antiguos y actuales de la compañía; orientación del proceso educativo a las características estilísticas y repertorio de la compañía; la oportunidad para que los estudiantes participen en actuaciones profesionales desde los primeros años de estudio.

2.2 Actividades pedagógicas para la preparación de una bailarina de ballet.

“El papel del profesor es enorme; de ​​él depende en gran medida el crecimiento creativo de los artistas”, escribió N.M. Dudinskaya.

Realizamos un estudio para determinar las características específicas del desarrollo de la profesionalidad de un bailarín de ballet.

Base de investigación: Escuela Coreográfica de Krasnoyarsk y Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk.

Métodos de búsqueda:

Observación;

"La única manera posible de acumular y preservar la experiencia sociocultural en el contexto de la continuidad de las generaciones es el sistema de educación humanitaria continua", dice V. M. Zakharov. En la forma visual más convincente, este sistema se desarrolló en el marco de la educación coreográfica continua “escuela - escuela coreográfica (universidad) - teatro”. Los profesores de la Escuela Coreográfica de Krasnoyarsk ocupan posiciones similares.

La escuela fue fundada en 1978. Actualmente emplea a 56 profesores, 18 de ellos a tiempo parcial. Desde 2010, la escuela prepara licenciados en el campo del Arte Coreográfico. Las actividades profesionales de los licenciados en esta área se desarrollan en el campo de la cultura y el arte relacionados con el arte coreográfico y las formas de su funcionamiento en la sociedad, en instituciones de educación, cultura, arte y gestión.

La institución ha establecido vínculos bastante estrechos con el Teatro de Ópera y Ballet de Krasnoyarsk. Los estudiantes de la escuela realizan constantemente presentaciones de reportajes en el escenario del teatro; sus futuros mentores, los coreógrafos de teatro, se reúnen regularmente y trabajan con los estudiantes.

En ballet, los estudiantes deben tener una buena preparación, la capacidad de aplicar de manera significativa un conjunto de conocimientos y habilidades adquiridos y comprender una cierta gama interdisciplinaria de cuestiones. El docente debe gestionar el proceso de formación, desarrollo y educación, y para ello “es necesario ser competente, es necesario conocer completa y exactamente todas las condiciones de producción, es necesario conocer la tecnología de esta producción en su nivel moderno, es necesario tener una formación científica reconocida. El conocimiento, la competencia y la educación no pueden ser reemplazados por ninguna otra, ni siquiera las mejores cualidades humanas”.

Las condiciones actuales de la educación imponen al docente moderno una exigencia inmutable: el conocimiento de las ciencias fundamentales. Además, “no sólo el volumen de conocimientos tiene una importancia decisiva, sino también su precisión, sistematicidad y movilidad. No es el máximo de conocimientos, sino su movilidad y controlabilidad, su adaptación flexible a las condiciones de la institución educativa lo que hace que un especialista sea apto para la enseñanza”.

A partir de estas disposiciones, analizamos el nivel de formación fundamental de los profesores de la Escuela Coreográfica de Krasnoyarsk. Todos los profesores tienen una formación profesional superior, realizan periódicamente cursos de formación avanzada, participan en congresos y simposios y preparan y publican sus propios artículos.

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3.5. Análisis y transformación de criterios de clasificación de habilidades (procesos mentales)

Esquema refinado de la base para la clasificación de tipos de procesos mentales.

Base de clasificaciones de tipos de procesos mentales.

3.6. Análisis de las propiedades de los procesos mentales, la atención y la psicomotricidad.

Propiedades de productividad de los procesos mentales.

3.7. Estructura de las habilidades cognitivas.

3.8. Psicología de habilidades especiales.

Sentimiento

4. Psicología de las habilidades generales

4.1. Sobre el científico-poeta

4.2. Personalidad creativa y su camino de vida.

4.3. Acércate a V.N. Druzhinin y N.V. Khazrátova

4.4. Psicogenética de la creatividad y la capacidad de aprendizaje.

4.5. Aprendizaje, creatividad e inteligencia.

5. Enfoque del metasistema para el desarrollo del problema de las habilidades (A.V. Karpov)

5.1. Objetivos e hipótesis de la investigación.

5.2. Sobre el concepto de capacidades integrales del individuo.

5.3. Reflexividad en la estructura de las habilidades generales.

Coeficientes de correlación de rango entre el nivel de desarrollo de habilidades generales.

Resultados de la factorización "oblicua"

Valores de “pesos” estructurales de las variables incluidas en el primer factor1

Resultados de la factorización mediante el método de componentes principales.

Coeficientes de correlación lineal entre el nivel de reflexividad y las puntuaciones en las subpruebas del Mental Abilities Test

Indicadores de la importancia de las diferencias entre sujetos altamente reflexivos y poco reflexivos al realizar subpruebas del "Prueba de habilidades mentales"

5.4. Estado de nivel de las habilidades metacognitivas.

6. Psicología de las habilidades multilaterales y especiales.

6.3. Sobre la psicología de las habilidades musicales.

Análisis de algunos componentes de las habilidades musicales Sensación

Frecuencias medias de formantes vocales (en Hz)

6.5. Génesis de la percepción musical

Percepción del ritmo musical.

6.7. memoria musical

6.8. Las principales razones del fracaso en la actividad musical (E.F. Yashchenko)

6.9. Psicología de las habilidades literarias.

Personalidad

6.11. Una breve revisión de la investigación sobre habilidades matemáticas

6.12. Habilidades docentes

6.13. Características metaindividuales de un docente.

Resistencia al estrés mental

6.14. Habilidades artísticas y creativas.

Requisitos profesionales básicos para las características individuales de un bailarín de ballet.

7. Estudio de la autorrealización como habilidad en estudiantes de diferentes trayectorias profesionales

7.1. Oportunidades para el autodesarrollo creativo de la personalidad de los estudiantes (basado en el estudio del tipo de personalidad, las acentuaciones de los personajes y sus conexiones)

Orientaciones valorativas de los tipos de temperamento.

7.2. Modelos de orientación perceptual y social de la personalidad de estudiantes de diferentes trayectorias profesionales.

7.3. Cualidades profesionales y personales y orientaciones valorativas de los estudiantes de la Facultad de Servicios e Industria Ligera.

Metodología de investigación

Resultados de la investigación y discusión.

Rankings de carreras profesionales según J. Holland

7. 4. Características de la autorrealización de los estudiantes de facultades económicas y técnicas.

material y métodos

Resultados y su discusión

7.5. Diferencias entre complejos de síntomas de rasgos de personalidad entre estudiantes de facultades de economía y técnicas con niveles altos y bajos de desarrollo de la autorrealización.

Mapeo factorial de la estructura de la personalidad de estudiantes de facultades económicas y técnicas con altos y bajos niveles de desarrollo de la autorrealización, después de la rotación varimax.

7.6. Diferencias de género y ocupacionales en la autorrealización

Metodología

resultados

Valores medios de los indicadores de prueba p. Cattell y se sentó entre estudiantes de facultades económicas y técnicas (análisis de varianza)

Datos utilizados para el análisis de varianza de una muestra de estudiantes de facultades de economía y técnicas de diferente género y nivel de autorrealización.

Datos del análisis de varianza y niveles de significancia de las diferencias en las propiedades psicológicas individuales de estudiantes de facultades de economía y técnicas de diferentes géneros y niveles de autorrealización.

La discusión de los resultados.

7.7. Concepto valor-semántico de autorrealización.

Complejos de síntomas de diferencias en los rasgos de personalidad y orientaciones del significado de la vida de estudiantes de diferentes facultades.

Complejos de síntomas de diferencias en los rasgos de personalidad y orientaciones del significado de la vida de estudiantes de diferentes facultades con niveles altos y bajos de autorrealización (sa)

Etapa 3. Análisis comparativo de las relaciones entre rasgos de personalidad y orientaciones de sentido de vida en estudiantes con niveles altos y bajos de sa.

Conclusión y conclusiones.

Conclusión

Lista general de referencias.

Requisitos profesionales básicos para las características individuales de un bailarín de ballet.

	Requisitos profesionales actividades	Profesionalmente cualidades importantes	Adecuado técnicas investigación
Composiciones (morfológicas y psicológicas)	Requisitos corporales especiales	Relación altura-peso de una bailarina de ballet.	Índice de altura y peso.
	"Pie de bailarina" El sistema musculoesquelético de una bailarina de ballet soporta una carga importante y específica	Índice de carga del pie. Orientación lateral del pie	Metodología de M. Sulkhanishvili
	Entre las numerosas manifestaciones del temperamento, las manifestaciones de aquellas propiedades de las que depende principalmente la dinámica de la actividad de un bailarín de ballet y su interpretación tienen una importancia específica para la coreografía.	Excitabilidad emocional, estabilidad emocional, plasticidad, impulsividad, extraversión.	1. Experimento de asociación de Jung. 2. “Instalación fija en la esfera háptica” de Uznadze. 3. "Dibujos no estructurados de Cattell"
Habilidades generales (emocional-volitivo e intelectual)	Estrés físico y mental intenso y máximo regular, que requiere importantes esfuerzos volitivos.	Alta regulación emocional-volitiva de la actividad con propósito.	"Encontrar números cambiando"
	El ballet es la integración del pensamiento y el movimiento, por lo que el talento creativo en el ballet se basa no solo en la actividad muscular, sino también en el pensamiento creativo.	Fluidez, flexibilidad, originalidad y elaboración del pensamiento.	“Estudios en Pensamiento Creativo” E. Torrence
Habilidades coreográficas especiales.	Arte, la capacidad de transmitir las emociones del héroe y la música con movimientos.	La bailabilidad es un indicador complejo que combina musicalidad y expresividad emocional de los movimientos.	Metodología de evaluaciones de expertos y puntos.
	Orientación a objetivos: mejora constante de las habilidades profesionales.	Motivación, necesidad de dominar una profesión.
	El objeto de la voluntad y la conciencia de un bailarín de ballet en la actividad profesional es su propio cuerpo, su motricidad. Para dominar una técnica de danza compleja, es necesaria una sutil diferenciación de las características espaciales y de potencia del movimiento.	Capacidad altamente desarrollada para regular los movimientos en velocidad, fuerza y ​​amplitud.	Cinematometría, test de golpeteo máximo en 1 minuto, coordinación de movimientos.
Especial habilidades coreográficas	Un bailarín de ballet debe sentirse satisfecho con el trabajo monótono, sentir alegría muscular al realizar movimientos complejos durante los ensayos y practicar coreografías.	El atractivo emocional de los movimientos coreográficos.	Técnica modificada T. V. Dembo, S. Ya. Rubinshtein

El primer grupo (30 personas), que incluía a sujetos laureados, premiados y diplomados en concursos internacionales de ballet, así como a aquellos que se graduaron de la universidad con calificaciones "excelentes", fue designado como "altamente capaz", el otro (52 personas) – “capaz”.

Se suponía que las habilidades de danza en diferentes niveles de su desarrollo diferirían: en primer lugar, en la mayor o menor gravedad de los componentes individuales; en segundo lugar, la singularidad de las correlaciones entre sus indicadores.

La comparación de los valores medios de los componentes de las habilidades coreográficas de estos grupos mediante la prueba t de Student mostró que existen una serie de diferencias significativas:

– los estudiantes “altamente capaces” tienen una relación altura-peso óptima para el ballet (p.<0,01), меньшим индексом нагруженности стопы (р<0,05), меньшей импульсивностью (р<0,05), меньшей эмоциональной возбудимостью (р<0,01), более высокой активностью волевой регуляции (р<0,05), более высокими показателями беглости и оригинальности мышления (р<0,01), более высокими показателями максимального теппинг-теста и танцевальности (р<0,001);

– los estudiantes “capaces” se distinguen por niveles más altos de indicadores de atractivo emocional de los movimientos (p.<0,05).

Para identificar las características estructurales de las habilidades coreográficas en los grupos "altamente capaces" y "capaces", se realizaron análisis factoriales y de correlación para cada grupo por separado. Como resultado, se reveló que la estructura de las habilidades coreográficas en el grupo "capaz" consta de cuatro factores, y en el grupo "altamente capaz", de cinco. en el grupo "capaz":yo factorizo absorbió con mayor peso los cuatro indicadores del pensamiento creativo, un indicador de la actividad de regulación volitiva, indicadores de propiedades psicodinámicas (excitabilidad emocional y plasticidad), indicadores de la estructura del pie y coordinación de movimientos, que indica la gravedad de las inclinaciones. y habilidades generales, este factor fue designado como “inclinaciones y habilidades generales”; en el factor II con los pesos factoriales más altos incluyeron indicadores del atractivo emocional de los movimientos y la bailabilidad, que indica la severidad de las habilidades coreográficas especiales, este factor fue designado como "habilidades especiales"; en el factor III con los pesos factoriales más altos se incluyeron indicadores de precisión de los movimientos en amplitudes medias y grandes, precisión de la medición de los esfuerzos, prueba máxima de golpeteo en 1 minuto, impulsividad y la necesidad de dominar una profesión, este factor fue nombrado "psicomotor", indica la expresión de habilidades coreográficas especiales; factor IV, combinando indicadores de extraversión e inestabilidad emocional, designados como "psicodinámico" lo que indica la gravedad de estas inclinaciones. en el grupo "altamente capaz":en el factor I aquellos con los pesos factoriales más altos incluyeron indicadores de precisión en la medición de esfuerzos y movimientos en pequeñas amplitudes, atractivo emocional de los movimientos (nivel de habilidades especiales), un indicador de impulsividad, un índice de carga del pie (nivel de inclinaciones) y un indicador de el desarrollo del pensamiento (nivel de habilidades generales); en el factor II aquellos con las ponderaciones factoriales más altas incluyeron indicadores de habilidad para bailar y la necesidad de dominar una profesión (nivel de habilidades especiales) y un indicador de fluidez en el pensamiento (nivel de habilidades generales); en el factor III los indicadores con los pesos factoriales más altos incluyeron: introversión, inexcitabilidad emocional, estabilidad emocional (nivel de inclinaciones), actividad de regulación volitiva y originalidad del pensamiento (nivel de habilidades generales), precisión de los movimientos en una gran amplitud (nivel de habilidades especiales) ; factor IV indicadores absorbidos de coordinación y precisión de movimientos en amplitudes medias (nivel de habilidades especiales) y un indicador de la estructura del pie (nivel de inclinaciones); V factor V con mayor peso factorial incluyó el indicador de la prueba de golpeteo máximo durante 1 minuto. (nivel de habilidades especiales), indicadores de plasticidad e índice altura-peso (nivel de inclinaciones), así como un indicador de flexibilidad de pensamiento (habilidades generales).

Un análisis comparativo de la estructura de las habilidades coreográficas de grupos con diferentes niveles de desarrollo mostró que para el grupo "capaz", dos factores incluyen indicadores de los componentes del nivel de habilidades coreográficas especiales, un factor son las inclinaciones y el otro factor combina indicadores de el nivel de inclinaciones y habilidades generales, mientras que en el grupo “altamente capaz”, cada uno de los cinco factores combina indicadores de los tres niveles de habilidades coreográficas: inclinaciones, habilidades generales y habilidades coreográficas especiales. En consecuencia, cuanto mayor sea el nivel de desarrollo de las habilidades especiales de un bailarín de ballet, más estrecha será la relación entre los indicadores de habilidades generales, habilidades coreográficas especiales e inclinaciones. Así, se ha establecido que la estructura de las habilidades coreográficas está determinada en gran medida por el nivel de su desarrollo.

A continuación, investigamos cómo las características estructurales de las habilidades coreográficas de personas "altamente capaces" y "capaces" se manifiestan en la naturaleza de la relación entre indicadores de inclinaciones, habilidades generales y habilidades coreográficas especiales, es decir, con indicadores de propiedades multinivel. de individualidad integral.

Se encontró que cuanto mayor es el nivel de desarrollo de las habilidades coreográficas, mayor es el número de indicadores de las propiedades de individualidad a las que se asocian sus indicadores. Además, cabe señalar que en el grupo "capaz" se encontraron estrechas conexiones entre indicadores de habilidades especiales y generales (principalmente con indicadores de voluntad y pensamiento), y en el grupo "altamente capaz", indicadores morfológicos, así como Indicadores de precisión, velocidad y coordinación de movimientos, habilidad para bailar, atractivo emocional de los movimientos y motivación para dominar una profesión, en el grupo de los “altamente capaces” hay más conexiones con el nivel de inclinaciones que en los “capaces”. Con base en estos datos, el autor concluye que las habilidades generales aseguran el éxito de las actividades de personas con un nivel medio de desarrollo de habilidades coreográficas, y un alto nivel de desarrollo de habilidades coreográficas depende en mayor medida de las inclinaciones que de las habilidades generales. es decir, la base para el éxito del ballet está determinada en gran medida por las inclinaciones naturales. Algo más es importante para nosotros: Cuanto mayor sea el nivel de desarrollo de las habilidades, mayor será el número de propiedades de varios niveles con las que están interconectadas. En consecuencia, se confirma hasta cierto punto la idea de que una determinada combinación de propiedades individuales de diferentes niveles actúa como requisito previo para el desarrollo de habilidades.

Entonces, los resultados de la investigación de I.G. Sosnina indican lo siguiente.

1. Las capacidades artísticas y creativas, en particular las capacidades especiales de un bailarín de ballet, están determinadas por las exigencias específicas y muy estrictas de la actividad profesional impuestas al cuerpo, la psique y la personalidad del artista.

2. Las habilidades especiales de un bailarín de ballet representan un sistema integral multinivel y multicomponente, que tiene una estructura compleja e incluye: inclinaciones, habilidades generales y las propias habilidades coreográficas, que determinan el éxito de la actividad profesional.

3. Las habilidades especiales de un bailarín de ballet están determinadas por un complejo de síntomas de propiedades multinivel de la individualidad integral, que van desde las características del cuerpo (estructura del cuerpo y sus partes) hasta las características de la personalidad (motivación, interés, etc.).

4. La estructura de las habilidades especiales de un bailarín de ballet está determinada en gran medida por su nivel de desarrollo. La peculiaridad de la estructura de habilidades especiales de los bailarines de ballet en un alto nivel de desarrollo es que los indicadores de inclinaciones, habilidades generales y habilidades coreográficas especiales están interrelacionados, y en un nivel promedio de desarrollo dicha interrelación está prácticamente ausente.

5. El alto nivel de desarrollo de las habilidades de danza está determinado principalmente por los componentes de las habilidades coreográficas especiales, el nivel medio de desarrollo, por los componentes de las habilidades generales.

6. El nivel de desarrollo de las habilidades coreográficas juega un papel formador de sistemas en la individualidad integral de un bailarín de ballet. La naturaleza de la relación entre los niveles de individualidad integral actúa como indicador de habilidades coreográficas especiales.

Preguntas de revisión

1. ¿Qué tiene de especial el enfoque de V.S.? ¿Merlín al problema de las habilidades?

2. Nombra los criterios para las habilidades de V.S. ¿Esmerejón?

3. ¿Cuál es la novedad de la investigación de T.I.? ¿Poroshina?

4. ¿Qué es la musicalidad?

5. Nombra los componentes de la habilidad musical.

6. ¿Qué es el sentimiento modal?

7. Definir percepciones musical-auditivas y sentido musical-rítmico.

8. ¿Qué es la audición interna?

9. ¿Cómo se realiza la interacción de sensaciones?

10. ¿Qué tipos de audición musical puedes nombrar?

11. ¿Qué puede causar un desempeño irregular?

12. ¿Cuál es el enfoque principal para la formación de sensaciones motoras correctas?

13. ¿Cuál es la diferencia entre sensación y percepción?

14. ¿Cómo depende la percepción de la música de los parámetros sociodemográficos del oyente?

15. ¿Cuáles son las principales diferencias en la percepción de la música seria y ligera?

16. Dé ejemplos de la influencia de los significados personales en la percepción de una pieza musical.

17. ¿Cómo puede proceder el proceso de desarrollo de la percepción?

18. ¿Qué tipos de memoria son los más importantes para un músico?

19. ¿Cuáles son las técnicas lógicas para memorizar una pieza musical?

21. ¿Qué se debe tener en cuenta al repetir una pieza musical para una mejor memorización?

22. ¿Cuál es la estructura de las habilidades literarias, pedagógicas, visuales, actorales y coreográficas?

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