Galería estatal Tretyakov: historia de la creación, exposiciones, fotografías, dirección, mejores consejos antes de visitarla. Historia de la Galería Estatal Tretyakov

La historia de la creación de la Galería Tretyakov comenzó hace mucho tiempo. En 1832 nació el fundador del famoso museo de arte, Pavel Mikhailovich Tretyakov. Recibió una excelente educación gracias a que su familia era comerciante y sus padres eran dueños de una fábrica, cuyos ingresos crecían cada año. Pavel Mikhailovich siempre estuvo interesado en el arte, aunque trabajó con su padre, con el tiempo empezó a pensar en crear un pabellón que albergara pinturas de todos los artistas rusos. Fue su creatividad la que más inspiró al mecenas de las artes.

Al principio, las pinturas colgaban en la casa de Tretyakov; en el proceso de recopilación de la colección, se comenzaron a hacer ampliaciones a la casa, que en 1870 estuvo disponible para el público en general. Cuando el filántropo se dio cuenta de que todos los lienzos simplemente no cabían en las ampliaciones, ordenó la construcción de un edificio especial: la Galería Tretyakov, que abrió sus puertas en 1875 y se encuentra hasta el día de hoy en el barrio más antiguo de Moscú, en Zamoskvorechye. A partir de este momento comenzó la historia de la creación de la Galería Tretyakov.

En 1892, la colección fue donada a Moscú; ya entonces constaba de más de 1.300 pinturas de autores rusos, la mayoría de los cuales no sólo vendieron sus creaciones a Tretyakov, sino que estaban orgullosos de que el mecenas las hubiera elegido y agradecieron la ayuda. proporcionó a todos los necesitados. Después de la muerte de Pavel Mikhailovich, la Galería Tretyakov no fue abandonada; por el contrario, comenzó a reponerse con nuevas obras y en 1917 contenía más que lienzos, así como una colección de iconos, mapas y otras creaciones rusas.

Pinturas de la Galería Tretyakov: Ivan Shishkin – “Mañana en bosque de pinos» V.V. Vereshchagin – “Apoteosis de la guerra” I.N. Kramskoy – “Desconocido” I.E. Repin – “Iván el Terrible y su hijo Iván” Valentin Serov – “La muchacha de los melocotones” V.V Pukirev – Matrimonio “desigual” R.F. Pavlovich - "Otra vez dos" B.K.Pavlovich - "Amazona"

Estado Galería Tretiakov(también conocida como Galería Tretyakov, Galería Tretyakov) - museo de arte en Moscú, fundada en 1856 por el comerciante Pavel Tretyakov y tiene una de las colecciones de bellas artes rusas más grandes e importantes del mundo. La exposición en Lavrushinsky Lane de Moscú "Pintura rusa del siglo XI - principios del XX" (Lavrushinsky Lane, 10) forma parte de la Asociación de Museos de toda Rusia "Galería Estatal Tretyakov", formada en 1986.

Pavel Tretyakov comenzó a coleccionar su colección de pinturas a mediados de la década de 1850. Esto, después de algún tiempo, llevó al hecho de que en 1893 se abrió al público en general la “Galería de la ciudad de Moscú de Pavel y Sergei Tretyakov” en Zamoskvorechye. Su colección constaba de 1276 pinturas, 471 dibujos y 10 esculturas de artistas rusos, así como 84 pinturas de maestros extranjeros.

El 3 de junio de 1918, la Galería Tretiakov fue declarada “propiedad estatal de la República Federativa Soviética de Rusia” y recibió el nombre de Galería Estatal Tretiakov. Igor Grabar fue nombrado director del museo. Con su activa participación, el mismo año el Museo Estatal Fondo final, que hasta 1927 siguió siendo una de las fuentes más importantes de reposición de la colección de la Galería Tretyakov.

En 1928, se realizaron importantes reparaciones de calefacción y ventilación y en 1929 se instaló electricidad. En 1932 se construyeron tres nuevas salas que conectan el edificio principal de la Galería Estatal Tretyakov con el almacén de la Iglesia de San Nicolás en Tolmachi. Esto aseguró una visualización ininterrumpida de la exposición. El museo comenzó a desarrollar un nuevo concepto para la ubicación de las exhibiciones.

Desde los primeros días de la Gran Guerra Patria, la Galería comenzó a desmantelar la exposición; al igual que otros museos de Moscú, la Galería Tretyakov se estaba preparando para la evacuación. A mediados del verano de 1941, un tren de 17 vagones partió de Moscú y entregó la colección a Novosibirsk. Recién el 17 de mayo de 1945 se reabrió la Galería Estatal Tretyakov en Moscú.

En 1985, la Galería Estatal de Arte, ubicada en Krymsky Val, 10, se fusionó con la Galería Tretyakov en un solo complejo de museos bajo el nombre general de Galería Estatal Tretyakov. El edificio ahora alberga un renovado exposición permanente"Arte del siglo XX".

De 1986 a 1995, la Galería Tretyakov estuvo cerrada a los visitantes debido a una importante reconstrucción.

Parte de la Galería Tretyakov es el Museo-Iglesia de San Nicolás en Tolmachi, que representa una combinación única de exposición de museo y templo en funcionamiento. El complejo del museo en Lavrushinsky Lane incluye, destinado a exposiciones temporales, el edificio de ingeniería y Sala de exposiciones en Tolmachi.

Incluido en el federal agencia gubernamental cultura Asociación de Museos de toda Rusia Galería Estatal Tretyakov (Galería Tretyakov FGK VMO) incluye: Museo-taller del escultor A.S. Golubkina, Casa-Museo de V.M. Vasnetsov, Museo-Apartamento de A.M. Vasnetsov, Casa-Museo de P.D. Korina, Sala de Exposiciones de Tolmachi.

La Galería Estatal Tretyakov es una de las museos más grandes paz. Cientos de miles de personas conocen anualmente la colección de la Galería Tretyakov, dedicada exclusivamente al arte nacional ruso, a aquellos artistas que hicieron una gran contribución a la historia del arte ruso.
Los moscovitas llaman a este museo con calidez y cariño: "Galería Tretyakov". Él es familiar y cercano a nosotros. primera infancia cuando empezamos a venir allí con nuestros padres. Acogedor y cálido en Moscú, situado en una tranquila calle Lavrushinsky entre las calles y callejones de Zamoskvorechye, el distrito más antiguo de Moscú.
El fundador de la Galería Tretyakov fue el comerciante e industrial moscovita Pavel Mikhailovich Tretyakov. Al principio, todo lo que adquirió Pavel Mikhailovich Tretyakov se encontraba en las habitaciones de su edificio residencial en Lavrushinsky Lane, comprado por la familia Tretyakov a principios de la década de 1850. Pero ya a finales de la década de 1860 había tantos cuadros que no había forma de colocarlos todos en las habitaciones.
Se considera que la fecha de fundación de la Galería Tretyakov es 1856, cuando Pavel Tretyakov adquirió dos pinturas de artistas rusos: "Tentación" de N. G. Schilder y "Escaramuza con contrabandistas finlandeses" de V. G. Khudyakov, aunque antes, en 1854-1855, compró 11 gráficos. láminas y 9 cuadros de antiguos maestros holandeses. En 1867, la Galería Municipal de Moscú de Pavel y Sergei Tretyakov se abrió al público en general en Zamoskvorechye. Su colección constaba de 1276 pinturas, 471 dibujos y 10 esculturas de artistas rusos, así como 84 pinturas de maestros extranjeros.
P. M. Tretyakov, con el objetivo de crear una colección que en el futuro podría convertirse en museo arte nacional. “Para mí, que amo verdadera y ardientemente la pintura, no puede haber mejor deseo que sentar las bases de un depósito público accesible a todos. bellas artes, que traerá beneficios a muchos y placer a todos”, escribió P. M. Tretyakov en 1860, añadiendo: “. . . Me gustaría dejar la galería nacional, es decir, la que consta de pinturas de artistas rusos". A lo largo de su vida, Tretyakov siguió siendo un importante persona de negocios que no tuvo ninguna educación especial en el campo de la pintura. Los contemporáneos quedaron bastante sorprendidos por la inteligencia natural y el gusto impecable de este comerciante hereditario. Con el tiempo alto sabor, la severidad de la selección, la nobleza de intenciones le dieron a Tretyakov una autoridad bien merecida e innegable y le dieron "privilegios" que ningún otro coleccionista tenía: Tretyakov recibió el derecho de ser el primero en ver las nuevas obras de los artistas directamente en sus talleres. o en exposiciones, pero normalmente antes de su apertura al público. P. M. Tretyakov compró cuadros que le interesaban, a pesar de las opiniones de los críticos y el descontento de la censura. Esto sucedió con películas como "Rural procesión religiosa para Pascua" de V. G. Perov, "Iván el Terrible" de I. E. Repin. P. M. Tretyakov entendió claramente que el museo que creó no debía corresponder tanto a sus gustos y simpatías personales, sino más bien reflejar una imagen objetiva del desarrollo. arte ruso. Y hasta el día de hoy, casi todo lo que adquirió P. M. Tretyakov constituye un verdadero fondo de oro no sólo de la Galería Tretyakov, sino de todo el arte ruso.

En 1892, Pavel Mikhailovich donó su galería de arte a la ciudad de Moscú. En ese momento, la colección incluía 1.287 pinturas y 518 obras gráficas de la escuela rusa, 75 pinturas y 8 dibujos de la escuela europea, 15 esculturas y una colección de iconos.
Pavel Tretyakov fue el director de la galería hasta su muerte. En 1898, se creó un consejo para gestionar la galería bajo la presidencia del administrador, que al principio era I. S. Ostroukhov, y desde 1913, I. E. Grabar.
A principios de 1913, la Duma de la ciudad de Moscú eligió a Igor Grabar como administrador de la Galería Tretyakov.

El 3 de junio de 1918, la Galería Tretiakov fue declarada “propiedad estatal de la República Federativa Soviética de Rusia” y recibió el nombre de Galería Estatal Tretiakov. Igor Grabar fue nombrado nuevamente director del museo.
En 1926, el académico de arquitectura A.V. Shchusev. Al año siguiente, la galería recibió una casa vecina en Maly Tolmachevsky Lane (la antigua casa del comerciante Sokolikov). Después de la reestructuración, aquí se ubicaron la administración de la Galería, departamentos científicos, una biblioteca, un departamento de manuscritos y colecciones gráficas.
En 1932, el edificio de la Iglesia de San Nicolás en Tolmachi fue trasladado a la Galería, que se convirtió en un depósito de pinturas y esculturas. Posteriormente se conectó con las salas de exposiciones mediante un edificio de dos pisos, cuyo piso superior fue diseñado especialmente para exhibir la pintura de A. A. Ivanov "La aparición de Cristo al pueblo" (1837-1857). También se construyó un paso entre los pasillos situados a ambos lados de la escalera principal. Esto aseguró una visualización ininterrumpida de la exposición.
En 1936, se inauguró un nuevo edificio de dos pisos en el lado norte del edificio principal, el llamado "edificio Shusevsky". Estas salas se utilizaron por primera vez para exposiciones y, a partir de 1940, se incluyeron en el recorrido principal de exposiciones.
En 1956, en honor al centenario de la Galería Tretyakov, se completó la Sala A.A. Ivánova. En 1980, frente al edificio de la galería se erigió un monumento a P. M. Tretyakov, creado por el escultor A. P. Kibalnikov y el arquitecto I.E. Rogozhin.
A lo largo de los años de reconstrucción, ha surgido un nuevo concepto de la Galería Tretyakov como un museo único en dos áreas: en Lavrushinsky Lane, donde se concentran exposiciones y depósitos de arte antiguo, desde la antigüedad hasta principios de la década de 1910, y en un edificio en Krymsky Val, cuyas áreas de exposición están dedicadas al arte del siglo XX. En ambos territorios se celebran exposiciones de arte antiguo y moderno.
La colección actual de la Galería Tretyakov incluye más de 100 mil obras.

La Galería Estatal Tretyakov, Galería Tretyakov (también conocida como Galería Tretyakov) es un museo de arte en Moscú, fundado en 1856 por el comerciante Pavel Tretyakov y tiene una de las colecciones de bellas artes rusas más grandes del mundo. La exposición en el edificio de ingeniería “Pintura rusa del siglo XI - principios del XX” (Lavrushinsky Lane, 10) forma parte de la asociación de museos de toda Rusia “Galería Estatal Tretyakov”, fundada en 1986.

Pavel Tretyakov comenzó a coleccionar su colección de pinturas a mediados de la década de 1850. Esto, después de un tiempo, llevó al hecho de que en 1867 se abrió al público en general la “Galería de la ciudad de Moscú de Pavel y Sergei Tretyakov” en Zamoskvorechye. Su colección constaba de 1276 pinturas, 471 dibujos y 10 esculturas de artistas rusos, así como 84 pinturas de maestros extranjeros. En 1892, Tretyakov legó su galería a la ciudad de Moscú. Las fachadas del edificio de la galería fueron diseñadas en 1900-1903 por el arquitecto V. N. Bashkirov basándose en los dibujos del artista V. M. Vasnetsov. La construcción estuvo a cargo del arquitecto A. M. Kalmykov.

En agosto de 1892, Pavel Mikhailovich donó su galería de arte a Moscú. En ese momento, la colección incluía 1.287 pinturas y 518 obras gráficas de la escuela rusa, 75 pinturas y 8 dibujos de la escuela europea, 15 esculturas y una colección de iconos. El 15 de agosto de 1893 tuvo lugar la inauguración oficial del museo con el nombre de “Galería de la ciudad de Moscú de Pavel y Sergei Mikhailovich Tretyakov”.

El 3 de junio de 1918, la Galería Tretiakov fue declarada “propiedad estatal de la República Federativa Soviética de Rusia” y recibió el nombre de Galería Estatal Tretiakov. Igor Grabar fue nombrado director del museo. Con su participación activa, ese mismo año se creó el Fondo del Museo Estatal, que hasta 1927 siguió siendo una de las fuentes más importantes de reposición de la colección de la Galería Tretyakov.

Ilya Efimovich Repin, Retrato de Pavel Mikhailovich Tretyakov

Desde los primeros días de la Gran Guerra Patria, la Galería comenzó a desmantelar la exposición; al igual que otros museos de Moscú, la Galería Tretyakov se estaba preparando para la evacuación. A mediados del verano de 1941, un tren de 17 vagones partió de Moscú y entregó la colección a Novosibirsk. Recién el 17 de mayo de 1945 se reabrió la Galería Estatal Tretyakov en Moscú.

En 1985, la Galería Estatal de Arte, ubicada en Krymsky Val, 10, se fusionó con la Galería Tretyakov en un solo complejo de museos bajo el nombre general de Galería Estatal Tretyakov. Ahora el edificio alberga la exposición permanente actualizada “Arte del siglo XX”.

Parte de la Galería Tretyakov es el Museo-Iglesia de San Nicolás en Tolmachi, que representa una combinación única de exposición de museo y templo en funcionamiento. El complejo del museo en la calle Lavrushinsky incluye el edificio de ingeniería y la sala de exposiciones en Tolmachi, destinada a exposiciones temporales.

La institución cultural estatal federal Asociación de Museos de toda Rusia Galería Estatal Tretyakov (FGUC VMO Galería Tretyakov) incluye: Museo-taller del escultor A.S. Golubkina, Casa-Museo de V.M. Vasnetsov, Museo-Apartamento de A.M. Vasnetsov, Casa-Museo de P.D. Korina, Sala de Exposiciones de Tolmachi.

Pinturas de la colección de la Galería Estatal Tretyakov.

Iván Kramskoi. Desconocido, 1883.

Esta es quizás la obra más famosa de Kramskoi, la más intrigante y hasta el día de hoy sigue siendo incomprensible y sin resolver. Al llamar a su cuadro “Desconocido”, Kramskoy siempre le atribuyó un aura de misterio. Los contemporáneos estaban literalmente perdidos. Su imagen evocaba preocupación y ansiedad, una vaga premonición de algo nuevo deprimente y dudoso: la aparición de un tipo de mujer que no encajaba en el sistema de valores anterior. “No se sabe quién es esta señora, pero en ella se asienta toda una época”, afirmaron algunos. En nuestro tiempo, "Desconocido" de Kramskoy se ha convertido en la encarnación de la aristocracia y la sofisticación secular. Como una reina, se eleva sobre la ciudad fría y blanca, conduciendo en un carruaje abierto a lo largo del puente Anichkov. Su atuendo: un sombrero "Francisco", adornado con elegantes plumas ligeras, guantes "suecos" hechos del cuero más fino, un abrigo "Skobelev", decorado con piel de marta y cintas de raso azul, un manguito, una pulsera de oro, todo esto es Detalles de moda de un traje femenino de la década de 1880, que reivindican una costosa elegancia. Sin embargo, esto no significa pertenecer a alta sociedad, más bien al contrario: el código de reglas no escritas excluía el estricto cumplimiento de la moda en los círculos más altos de la sociedad rusa.

ES DECIR. Repin. Ramo de otoño, 1892

En la pintura, el artista representó a su hija, Vera Ilinichna Repina. Recogió las últimas flores del otoño mientras caminaba por las cercanías de Abramtsevo. La propia heroína de la imagen está llena de energía vital. Ella sólo se detuvo por un momento, volviendo su hermoso rostro brillante hacia el espectador. Los ojos de Vera se estrechan ligeramente. Parece que está a punto de sonreír, regalándonos el calor de su alma. En el contexto de la naturaleza marchita, la niña parece una flor hermosa y fragante, la juventud alegre y la belleza emanan de su figura fuerte y majestuosa. El artista la representó con habilidad y sinceridad en pleno crecimiento, irradiando energía, optimismo y salud.

Repin escribió:

Empiezo con un retrato de Vera, en medio del jardín con un gran ramo de toscas flores otoñales, con un boutonniere de flores finas y gráciles; llevar boina, expresa un sentimiento de vida, juventud, felicidad.

Al mirar a esta niña floreciente, uno cree en el eterno triunfo de la vida, su infinito y renovación. Pintura de I.E. El "Ramo de otoño" de Repin da esperanza en la inevitable victoria del bien sobre el mal, la belleza sobre la decadencia y la inmortalidad del talento humano.

El retrato ocupa un lugar destacado en el legado de Ilya Efimovich Repin. Todo atrajo al artista en sus modelos: la expresividad del rostro, las poses, el temperamento, la vestimenta... Y cada obra se distingue por su plenitud de vida y versatilidad de características. La vigilancia artística del artista hizo posible no solo transmitir las características de la persona representada, sino también crear una imagen generalizada, una imagen de la época en la que vive.

Valentín Alexandrovich Serov. Chica con melocotones, 1887.

Valentin Aleksandrovich Serov permaneció durante mucho tiempo en Abramtsevo, la finca de Savva Ivanovich Mamontov cerca de Moscú. Aquí, en el comedor de la casa señorial, estaba escrito pintura famosa“La niña de los melocotones” es un retrato de Vera Mamontova (1875-1907), la hija de doce años de un filántropo. Esta es una de las primeras obras de pintura impresionista en Rusia. Los colores puros y una pincelada vivaz y enérgica dan lugar a una imagen de juventud, llena de poesía y alegría. A diferencia de impresionistas franceses Serov no disuelve el mundo objetivo en luz y aire, sino que se encarga de transmitir su materialidad. Esto reveló la cercanía del artista a los realistas, a sus predecesores y maestros – I.E. Repin y P.A. Chistyakov. Presta especial atención al rostro de la niña, admirando la claridad y seriedad de su expresión. Combinando un retrato con una imagen de un interior, el artista creó nuevo tipo pintura de retratos.

Valentin Serov habló sobre el trabajo en esta imagen:

Lo único que buscaba era la frescura, esa frescura especial que siempre se siente en la naturaleza y no se ve en las pinturas. Pinté durante más de un mes y la cansé, pobrecita, hasta la muerte, tenía muchas ganas de preservar la frescura de la pintura y su finalización completa, como los viejos maestros.

Mijail Alexandrovich Vrubel. Princesa Cisne, 1900.

El prototipo de la imagen fue la esposa del artista, Nadezhda Ivanovna Zabela-Vrubel. La maestra quedó asombrada por su interpretación escénica del papel de la Princesa Cisne en la ópera de Rimsky-Korsakov "El cuento del zar Saltan". Nadezhda Ivanovna, cantante famoso y la musa del artista trajo a mundo interior el encanto del pintor del encanto femenino. El arte de Vrubel y la obra de Zabela estaban conectados por hilos invisibles pero fuertes. La fuente de inspiración para Mikhail Alexandrovich fue también la epopeya rusa y la epopeya nacional. tradiciones folklóricas. Basado en leyendas, mitos, epopeyas, el artista no los ilustró, sino que creó los suyos propios. mundo poético, colorido e intenso, lleno de belleza triunfante y al mismo tiempo de misterio inquietante, el mundo héroes de cuento de hadas con su melancolía terrena y su sufrimiento humano.

Los encantadores y abiertos ojos “terciopelo” de la princesa miran hasta lo más profundo de nuestra alma. Es como si ella viera todo. Por eso, tal vez, las cejas de marta se levantan con tanta tristeza y un poco de sorpresa, los labios se cierran. Es como si estuviera bajo un hechizo. Pero escuchas el latido del corazón de un cuento de hadas ruso, te cautiva la mirada de la princesa y estás listo para mirar sin cesar sus ojos tristes y amables, admirar su rostro encantador, dulce, hermoso y misterioso. El juego de piedras semipreciosas de esmeralda en el kokoshnik de la princesa y la posición de las plumas en sus alas, el artista transmitió con trazos rítmicos y similares a un mosaico. Esta ritmicidad le da a la imagen una calidad musical. Se "escucha" en el parpadeo y el brillo de los colores aireados e ingrávidos en primer plano, en las más finas gradaciones de gris rosa, en la materia pictórica verdaderamente inmaterial del lienzo, "transformándose", fundiéndose. Toda la lánguida y triste belleza de la imagen se expresa en esta materia pictórica especial.

...Hay una princesa más allá del mar,
De lo que no puedes quitar la vista:
Durante el día la luz de Dios se eclipsa,
Por la noche ilumina la tierra.
La luna brilla bajo la guadaña,
Y en la frente arde la estrella...

Alejandro Serguéievich Pushkin

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky. Mañana en un pinar, 1889.

La película es popular debido a su trama entretenida. Sin embargo, el verdadero valor de la obra es el estado de naturaleza bellamente expresado. No es un bosque denso lo que se muestra, sino luz del sol, abriéndose paso entre las columnas de gigantes. Se puede sentir la profundidad de los barrancos y el poder de los árboles centenarios. Y la luz del sol parece asomarse tímidamente a esto bosque denso. Los cachorros que retozan sienten la llegada de la mañana. Somos observadores de la vida silvestre y sus habitantes.

La idea de la pintura le fue sugerida a Shishkin por Savitsky K.A. Savitsky pintó los osos en la propia película. Estos osos, con algunas diferencias en poses y números (al principio eran dos), aparecen en dibujos preparatorios y bocetos. Savitsky representó tan bien a los osos que incluso firmó el cuadro junto con Shishkin. Y cuando Tretiakov adquirió este cuadro, eliminó la firma de Savitsky, dejando la autoría a Shishkin.

Víctor Vasnetsov. Alenushka, 1881.

El artista comenzó a trabajar en la pintura en 1880. Al principio pintó bocetos de paisajes a orillas del Vori en Abramtsevo, cerca del estanque en Akhtyrka. Han sobrevivido muchos bocetos de esta época.

Cuadro "Alyonushka" de V.M. Vasnetsova se convirtió en una de sus creaciones más conmovedoras y poéticas. Una niña sentada en la orilla de un estanque oscuro, tristemente inclinando la cabeza entre las manos. A su alrededor, los abedules amarillentos dejaban caer sus hojas en el agua tranquila, y detrás de ella, se alzaba un denso muro de bosque de abetos.

La imagen de Alyonushka es real y fabulosa al mismo tiempo. La apariencia triste y la ropa pobre y raída de la joven heroína recrean en la memoria el boceto a escala real que el artista hizo de una campesina huérfana en el año en que se pintó el cuadro. La vitalidad de la imagen se combina aquí con un simbolismo poético y de cuento de hadas. Sobre la cabeza de Alyonushka, sentada sobre una fría piedra gris, se arqueaba una rama delgada con el canto de las golondrinas. Según el famoso investigador de Rusia. cuento popular UN. Afanasyev, a quien Vasnetsov conoció a través del círculo de Abramtsevo, la golondrina trae buenas noticias, consuelo en la desgracia. En las creencias antiguas, un bosque oscuro, un estanque y cabello suelto se identificaban con desgracia, peligro y pensamientos pesados, y un abedul que crecía cerca del agua era un signo de curación.

Incluso si el artista no puso un simbolismo tan detallado en el lienzo, no da la impresión de desesperanza, tal vez porque recordamos un cuento de hadas con final feliz.

El propio Vasnetsov habló de su pintura de esta manera: "Alyonushka" parecía haber estado viviendo en mi cabeza durante mucho tiempo, pero realmente lo vi en Akhtyrka, cuando conocí a una chica de cabello simple que cautivó mi imaginación. En sus ojos había tanta melancolía, soledad y tristeza puramente rusa... Un espíritu ruso especial flotaba en ella.

El crítico I.E. Grabar calificó la pintura como una de las mejores pinturas de la escuela rusa.

Alexey Kondratievich Savrasov. Han llegado las torres, 1871.

"Las torres han llegado" es una famosa pintura del artista ruso Alexei Savrasov, creada en 1871. La imagen es la mas obra famosa Savrasov, de hecho, siguió siendo "un artista de un solo cuadro".

Los bocetos de este cuadro fueron pintados en el pueblo de Molvitino (ahora Susanino) en la provincia de Kostroma. La finalización del cuadro tuvo lugar en Moscú, en el estudio del artista. A finales de 1871, el cuadro "Han llegado las torres" se presentó por primera vez al público en la primera exposición de la Asociación de Móviles. exposiciones de arte. Las "torres" se convirtieron en un descubrimiento en la pintura. Los paisajes estáticos de Kuindzhi y Shishkin perdieron inmediatamente su estatus innovador.

La obra fue adquirida inmediatamente por Pavel Tretyakov para su colección.

Konstantin Dmitrievich Flavitsky. Princesa Tarakanova, 1864.

La base para la creación de la imagen fue la historia de la princesa Tarakanova, una aventurera que se hacía pasar por la hija de la emperatriz Isabel Petrovna y hermana de Emelyan Pugachev. Por orden de la emperatriz Catalina II fue arrestada y en mayo de 1775 fue llevada a la Fortaleza de Pedro y Pablo, sometida a un largo interrogatorio por parte del mariscal de campo Príncipe Golitsyn, durante el cual dio varios testimonios. Murió de tisis el 4 de diciembre de 1775, ocultando el secreto de su nacimiento incluso al sacerdote.

El cuadro fue pintado en 1864 y ese mismo año se exhibió por primera vez en la Academia de las Artes. V. V. Stasov, crítico famoso de esa época, que valoraba mucho el cuadro, llamó al cuadro de Flavitsky:

“un cuadro maravilloso, la gloria de nuestra escuela, la creación más brillante de la pintura rusa”

El cuadro fue adquirido por Pavel Tretyakov para su colección tras la muerte del artista.

La trama de la imagen era la leyenda sobre la muerte de Tarakanova durante una inundación en San Petersburgo el 21 de septiembre de 1777 (los datos históricos sugieren que murió dos años antes de este evento). El lienzo representa una casamata. Fortaleza de Pedro y Pablo, detrás de cuyos muros azota una inundación. Una mujer joven está de pie sobre la cama, tratando de escapar del agua que entra por la ventana enrejada. Las ratas mojadas salen del agua y se acercan a los pies del prisionero.

Por el cuadro “La princesa Tarakanova”, el artista Konstantin Flavitsky recibió el título de profesor de pintura histórica.

Vasili Vladimirovich Pukirev. Matrimonio desigual, 1862.

La obra fue pintada en 1862, inmediatamente después de graduarse en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. El cuadro "Matrimonio desigual" se presentó en la exposición académica de 1863; su idea general, su fuerte expresión, su tamaño inusual para un tema cotidiano y su ejecución magistral llevaron inmediatamente al artista a uno de los lugares más destacados entre los pintores rusos. Por ella, la Academia le otorgó el título de profesor.

La trama de la imagen. matrimonio desigual una joven hermosa y un anciano rico decrépito. Hay rostros indiferentes alrededor, sólo un joven, con los brazos cruzados, mira acusadoramente a la pareja. Se cree que el artista se representó a sí mismo en este hombre, como si expresara su protesta.

Isaac Levitán. Marzo de 1895.

Todo el cuadro está lleno de esa alegría humana especial que llega en primavera. La puerta abierta y el caballo que Dianka dejó en el porche hablan de la presencia invisible de personas. Isaac Ilich supo hablar de una persona a través del paisaje, supo “buscar y descubrir en la naturaleza - en palabras de Mikhail Mikhailovich Prishvin (1873-1954) - los lados bellos del alma humana”.

El lienzo fue pintado en 1895 en la provincia de Tver, en la finca de Gorki, un conocido de los Turchaninov. Isaac Ilich observó y escribió los primeros días de la primavera, y su rápida llegada le obligó a darse prisa. En varias sesiones, sin ningún tipo de preparación de bocetos, el maestro pintó su radiante Marcha enteramente del natural. ¿Qué se muestra en el lienzo? El patio trasero de una finca corriente, calentado e iluminado por el sol, la nieve derritiéndose con sombras azules, las delgadas ramas de los árboles contra el cielo, la pared brillante de una casa... ¡Hay tanta melodía primaveral en todo esto!

El resurgimiento de la naturaleza en esta composición se revela a través de la poesía de la luz, deslumbrantemente brillante. sol de marzo, y solo entonces reforzado con nieve suelta. Estamos acostumbrados a llamarlo “blanco”, pero para el buen ojo de un paisajista, la blancura se crea a partir de muchos tonos de color. La nieve en el cuadro de Levitan vive, respira, parpadea, refleja el cielo azul. La pintoresca gama con sus sombras de colores se basa en una combinación impresionista de colores complementarios. Si los impresionistas disolvieron el color en la luz, Levitan buscó preservar el color del objeto representado. El lienzo Marcha está escrito en colores brillantes y alegres. Un motivo cotidiano y sin pretensiones extraído de vida del pueblo, el autor logró impartir riqueza emocional y encantar al espectador con la espontaneidad del programa. sentimiento lírico. Los medios de pintura evocan no solo sensaciones visuales, sino también de otro tipo. Escuchamos todos los susurros y sonidos de la naturaleza: el susurro de las ramas de los árboles, el canto de las gotas de lluvia. Levitan creó un paisaje lleno de vida, sol, lleno de luz y aire.

Iván Kramskoi. Cristo en el desierto, 1872.

Concebida en 1868, la película requirió varios años de intensa trabajo interno. Pavel Tretyakov compró inmediatamente la obra terminada directamente en el estudio del artista. "En mi opinión, esto es lo más mejor foto en nuestra escuela para últimamente", escribió.

Presentada en la Segunda Exposición Itinerante, "Cristo en el desierto" causó sensación. Frente a la imagen estallaron acaloradas discusiones, el público buscaba una cierta significado oculto en esta figura fuerte pero irremediablemente solitaria, perdida en un árido desierto de piedra. Kramskoy logró crear una serie de una expresividad excepcional igual, quizás, a las páginas más trágicas. historia del evangelio. Ascetismo del color y técnicas de pintura sólo realza el enfoque en el lado moral del contenido de la obra. Pesado experiencias emocionales Cristo, quizás por primera vez en las bellas artes rusas, se ve obligado a pensar en el problema de la elección personal. En este profundo drama, ya desde el principio se revela la insuficiencia de la expectativa de Cristo y de las posibilidades humanas.

“Veo claramente que hay un momento en la vida de cada persona, más o menos creada a imagen y semejanza de Dios, entre tomar un rublo por el Señor Dios o no ceder un solo paso al mal. Todos lo sabemos. cómo suele terminar esa vacilación”, escribió el artista.

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin. Bañando al caballo rojo, 1912.

lo mas pintura famosa artista Kuzma Petrov-Vodkin. Pintado en 1912, se convirtió en un hito para el artista y le dio fama mundial.

En 1912, Petrov-Vodkin vivía en el sur de Rusia, en una finca cerca de Kamyshin. Fue entonces cuando realizó los primeros bocetos del cuadro. Y también se escribió la primera versión sin conservantes del lienzo, conocida por fotografía en blanco y negro. El cuadro era una obra de la vida cotidiana más que simbólica, como sucedió con la segunda versión, representaba simplemente a varios niños con caballos; Esta primera versión fue destruida por el autor, probablemente poco después de su regreso a San Petersburgo.

Petrov-Vodkin basó el caballo en un semental real llamado Boy, que vivía en la finca. Para crear la imagen de un adolescente sentado a horcajadas, el artista utilizó los rasgos de su sobrino Shura.

El lienzo grande, casi cuadrado, representa un lago de fríos tonos azulados, que sirve de fondo para el dominante semántico de la obra: el caballo y el jinete. La figura del semental rojo ocupa casi por completo todo el primer plano del cuadro. Es tan grande que el marco del cuadro le corta las orejas, la grupa y las piernas por debajo de las rodillas. Saturado color escarlata el animal parece aún más brillante en comparación con el color frío del paisaje y cuerpo ligero chico.

Ondas de un tinte ligeramente verdoso, en comparación con el resto de la superficie del lago, se dispersan desde la pata delantera del caballo que entra al agua. Todo el lienzo es una excelente ilustración de la perspectiva esférica tan querida por Petrov-Vodkin: el lago es redondo, lo que se enfatiza con un fragmento de la orilla en la esquina superior derecha, la percepción óptica está ligeramente distorsionada.

En total, la pintura representa 3 caballos y 3 niños: uno en primer plano montando un caballo rojo y los otros dos detrás de él, a los lados izquierdo y derecho. Uno lleva un caballo blanco por las riendas, el otro, visible desde atrás, montado en un caballo naranja, cabalga hacia las profundidades de la imagen. Estos tres grupos forman una curva dinámica, enfatizada por la misma curva de la pata delantera del caballo rojo, la misma curva de la pierna del jinete y el patrón de las olas.

Se cree que originalmente el caballo era castaño (rojo) y que el maestro cambió de color después de conocer la combinación de colores de los iconos de Nóvgorod, lo que le sorprendió.

Desde el principio, la imagen provocó numerosas disputas, en las que invariablemente se mencionaba que tales caballos no existen. Sin embargo, el artista afirmó que adoptó este color de los antiguos pintores de iconos rusos: por ejemplo, en el icono "El milagro del Arcángel Miguel", el caballo está representado completamente rojo. Como en los íconos, en esta imagen no hay mezcla de colores; los colores contrastan y parecen chocar en confrontación.

La pintura asombró tanto a sus contemporáneos con su monumentalidad y destino que se reflejó en el trabajo de muchos maestros del pincel y la palabra. Así fue como a Serguéi Yesenin se le ocurrieron las siguientes líneas:

“Ahora me he vuelto más tacaño en mis deseos.
¡Mi vida! ¿O soñé contigo?
Como si fuera un comienzo de primavera en auge
Montó un caballo rosa."

El caballo rojo actúa como el Destino de Rusia, que el frágil y joven jinete no puede retener. Según otra versión, el Caballo Rojo es la propia Rusia, identificada con la “yegua esteparia” de Blok. En este caso, no se puede dejar de notar el don profético del artista, que simbólicamente predijo con su pintura el destino "rojo" de Rusia en el siglo XX.

El destino de la imagen fue extraordinario.

La pintura se mostró por primera vez en la exposición World of Art en 1912 y fue un éxito sorprendente.

En 1914 estuvo en la “Exposición del Báltico” en Malmo (Suecia). Por su participación en esta exposición, K. Petrov-Vodkin recibió una medalla y un certificado del rey sueco.

Estalló primero guerra mundial, luego revolución y guerra civil llevó al hecho de que la imagen por mucho tiempo permaneció en Suecia.

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial y tras tenaces y agotadoras negociaciones, finalmente, en 1950, las obras de Petrov-Vodkin, incluido este cuadro, fueron devueltas a su tierra natal.

La viuda del artista donó el cuadro a la colección del famoso coleccionista K.K. Basevich y en 1961 lo donó a la Galería Tretyakov.

F. Malyavin. Torbellino, 1906.

La pintura "Torbellino", la culminación de la obra de Philip Andreevich Malyavin, fue concebida por él en 1905 (el boceto de la colección de la Galería Tretyakov está fechado este año). Los acontecimientos de la primera revolución rusa de 1905-1907 influyeron en la elección del tema y el estilo pictórico del enorme lienzo monumental. La escala del lienzo enfatiza la importancia del concepto. Todo el campo del cuadro se llena de un desenfrenado torbellino de colores, faldas y chales ondeando mientras bailan, entre los que destellan los rostros acalorados de las campesinas. El color rojo predominante, debido a la expresión del pincel y la intensidad de la intensidad, pierde sus propiedades de indicar el mundo objetivo, pero adquiere un significado simbólico. Se asocia con el fuego, el fuego y elementos incontrolables. Esto es un presagio de una inminente revuelta popular y al mismo tiempo un elemento del alma rusa. La percepción simbólica del color de Malyavin proviene en gran medida del ícono: cuando era niño, estudió pintura de iconos durante varios años en el Monasterio de Athos en Grecia, donde fue observado por el escultor V.A. Beklemishev y enviado por él a la Academia de las Artes de San Petersburgo.

Kazimir Malevich. Cuadrado Negro, 1915.

El cuadrado negro es el más obra famosa Kazimir Malevich, creado en 1915. Se trata de un lienzo de 79,5 por 79,5 centímetros, que representa un cuadrado negro sobre fondo blanco.

Malevich completó la obra en el verano y otoño de 1915. Según el artista, lo escribió durante varios meses.

La obra se exhibió en la última exposición futurista "0.10", que se inauguró en San Petersburgo el 19 de diciembre de 1915. Entre los treinta y nueve cuadros expuestos por Malevich, en el lugar más destacado, en el llamado “rincón rojo”, donde suelen colgarse los iconos, se encuentra el “Cuadrado Negro”.

Posteriormente, Malevich hizo varias copias de "Black Square" (según algunas fuentes, siete). Se sabe con certeza que en el período comprendido entre 1915 y principios de la década de 1930, Malevich creó cuatro versiones del "Cuadrado Negro", que se diferencian en diseño, textura y color. Una de las “Plazas”, aunque fechada por el autor en 1913, suele atribuirse a finales de los años 1920-1930. También pintó los cuadros “Plaza Roja” (en dos copias) y “ cuadrado blanco"("Composición suprematista" - "Blanco sobre blanco") - uno.

Hay una versión de que "Plaza" fue escrita para la exposición, ya que era necesario llenar la enorme sala con algo. Esta interpretación se basa en una carta de uno de los organizadores de la exposición a Malevich:

Necesito escribir mucho ahora. La sala es muy grande, y si nosotros, 10 personas, pintamos 25 cuadros, entonces solo será posible.

Inicialmente, la famosa plaza de Malevich apareció por primera vez en el escenario de la ópera "Victoria sobre el sol" como expresión plástica de la victoria de la creatividad humana activa sobre forma pasiva naturaleza: un cuadrado negro en lugar de un círculo solar. Este fue el famoso decorado de la quinta escena del Acto 1, que era un cuadrado dentro de un cuadrado, dividido en dos áreas: blanco y negro. Luego esta plaza migró de la decoración al trabajo de caballete.

El más grande en ese momento. crítico de arte, el fundador de la asociación Mundo del Arte, Alexandre Benois, escribió inmediatamente después de la exposición:

Sin duda, este es el icono que los futuristas están levantando para sustituir a Madonna.

En la histórica exposición de 2004 en la galería de Varsovia "Zachenta" "Varsovia - Moscú, 1900-2000", donde se exhibieron más de 300 pinturas, esculturas e instalaciones (en particular, muchas pinturas de la vanguardia rusa) "Plaza" de la Galería Tretyakov se presentó como pieza central de la exposición. Además, se colgó en la “esquina roja”, como en la exposición “0.10”.

Actualmente, en Rusia hay cuatro “Plazas Negras”: en Moscú y San Petersburgo hay dos “Plazas” cada una: dos en la Galería Tretyakov, una en el Museo Ruso y otra en el Hermitage. Una de las obras pertenece al multimillonario ruso Vladimir Potanin, que la compró en Inkombank en 2002 por 1 millón de dólares (30 millones de rublos) y transfirió esta primera versión existente del lienzo que representa el "Cuadrado Negro" del fundador del suprematismo a Almacenamiento indefinido al Hermitage.

Uno de los "Cuadrados Negros", pintado en 1923, forma parte de un tríptico que también incluye "Cruz Negra" y "Círculo Negro".

En 1893 ya se exhibió una pintura similar de Alphonse Allais, titulada "La batalla de los negros en una cueva profunda en una noche oscura".

Yuri Piménov. Nueva Moscú, 1937.

La pintura forma parte de una serie de obras sobre Moscú, en las que el artista ha estado trabajando desde mediados de los años 30. El artista representó la plaza Sverdlov (ahora Teatralnaya), ubicada en el centro de la ciudad, no lejos del Kremlin. Se ven la Casa de los Sindicatos y el Hotel Moscú. El tema de la imagen es una mujer conduciendo un coche, un fenómeno bastante raro en aquellos años. Esta imagen fue percibida por los contemporáneos como un símbolo de una nueva vida. inusual y solución composicional, cuando la imagen parece un fotograma capturado por la lente de una cámara. Pimenov centra la atención del espectador en la figura de una mujer, mostrada de espaldas, y, por así decirlo, lo invita a mirar la ciudad de la mañana a través de sus ojos. Esto crea una sensación de alegría, frescura y humor primaveral. Todo esto se ve facilitado por la pincelada impresionista del artista y el delicado colorido de la pintura.

Con la adquisición de una gran serie de pinturas y bocetos de Turkestán de V.V. Vereshchagina, la cuestión de la construcción de un edificio especial galería de arte fue decidido por sí mismo. En 1872 se inició la construcción y, en la primavera de 1874, las pinturas se trasladaron a un edificio de dos pisos, que constaba de dos grandes salones(ahora salas nº 8, 46, 47, 48) la primera sala de la Galería Tretyakov. Fue erigido según el diseño del yerno de Tretyakov (esposo de la hermana), el arquitecto A.S. Kaminsky en el jardín de la finca Zamoskvoretsk de los Tretyakov y estaba conectado a su edificio residencial, pero tenía una entrada independiente para los visitantes. Sin embargo rápido crecimiento La colección pronto llevó a que a finales de la década de 1880 el número de salas de la galería aumentara a 14. El edificio de la galería de dos pisos rodeaba el edificio residencial por tres lados desde el jardín hasta la calle Maly Tolmachevsky. Con la construcción de un edificio especial para la galería, la colección Tretyakov recibió el estatus de museo real, privado en su afiliación, de carácter público, gratuito y abierto casi todos los días de la semana a cualquier visitante sin distinción de género. o rango. En 1892, Tretyakov donó su museo a la ciudad de Moscú.

Por decisión de la Duma de la ciudad de Moscú, que ahora era propietaria legal de la galería, P.M. Tretyakov fue nombrado administrador vitalicio. Como antes, Tretyakov disfrutó casi del derecho exclusivo a seleccionar obras, realizando compras tanto con el capital asignado por la Duma como con sus propios fondos, transfiriendo tales adquisiciones como regalo a la "Galería de Arte de la ciudad de Moscú de Pavel y Sergei Mikhailovich Tretyakov" (esta era entonces el nombre completo de la Galería Tretyakov). Tretyakov continuó ocupándose de ampliar el local, añadiendo en la década de 1890 8 salas más espaciosas a las 14 existentes. Pavel Mikhailovich Tretyakov murió el 16 de diciembre de 1898. Después de la muerte de P. M. Tretyakov, el consejo de administración elegido por la Duma comenzó a gestionar los asuntos de la galería. Incluía diferentes años destacados artistas y coleccionistas de Moscú: V.A. Serov, I.S. Ostroukhov, es decir. Tsvetkov, I. N. Grabar. Durante casi 15 años (1899 - principios de 1913), la hija de Pavel Mikhailovich, Alexandra Pavlovna Botkina (1867-1959), fue miembro permanente del Consejo.

En 1899-1900, el edificio residencial vacío de los Tretyakov fue reconstruido y adaptado a las necesidades de la galería (ahora salas 1, 3-7 y vestíbulos del primer piso). En 1902-1904, todo el complejo de edificios se unió a lo largo de Lavrushinsky Lane con una fachada común, construida según el diseño de V.M. Vasnetsov y le dio al edificio de la Galería Tretyakov una gran originalidad arquitectónica, que aún lo distingue de otras atracciones de Moscú.

TRASPASO DE LA GALERÍA DE P. M. TRETYAKOV COMO REGALO A MOSCÚ. 1892-1898

En el verano de 1892, el menor de los hermanos Tretyakov, Sergei Mikhailovich, murió inesperadamente. Dejó un testamento en el que pedía agregar sus pinturas a la colección de arte de su hermano mayor; el testamento también contenía las siguientes líneas: “Dado que mi hermano Pavel Mikhailovich Tretyakov me expresó su intención de donar una colección de arte a la ciudad de Moscú y, en vista de esto, proporcionar la propiedad de la Duma de la ciudad de Moscú con su parte de la casa... donde se encuentra su colección de arte... entonces yo soy parte de esta casa, que me pertenece, la doy como propiedad a la Duma de la ciudad de Moscú, pero para que la Duma acepte las condiciones bajo las cuales mi hermano proporcionarle su donación…” El testamento no pudo cumplirse mientras la galería perteneciera a P.M.

El 31 de agosto de 1892, Pavel Mikhailovich escribió una declaración a la Duma de la ciudad de Moscú sobre la donación de su colección a la ciudad, así como la colección de Sergei Mikhailovich (junto con la casa). En septiembre, la Duma en su reunión aceptó oficialmente el regalo, decidió agradecer a Pavel Mikhailovich y Nikolai Sergeevich (hijo de Sergei Mikhailovich) por el regalo, y también decidió solicitar que la colección donada se llamara "Ciudad galería de arte Pavel y Serguéi Mijáilovich Tretiakov." P.M. Tretyakov fue aprobado como administrador de la Galería. Al no querer participar en las celebraciones y escuchar el agradecimiento, Pavel Mikhailovich se fue al extranjero. Pronto, comenzaron a llegar direcciones de agradecimiento, cartas y telegramas. sociedad rusa no permaneció indiferente ante acto noble Tretiakov. En enero de 1893, la Duma de la ciudad de Moscú decidió destinar 5.000 rublos anuales a la compra. obras de arte para la Galería, además de las cantidades legadas por Sergei Mikhailovich Tretyakov. En agosto de 1893, la Galería se abrió oficialmente al público (Paul

Mihailovich se vio obligado a cerrarlo en 1891 debido a robos de obras).

En diciembre de 1896, P.M. Tretyakov se convirtió en ciudadano honorario de la ciudad de Moscú, como se indica en el veredicto de la Duma de la ciudad de Moscú “... Por gran mérito antes de Moscú, que convirtió en el centro educación artística Rusia, trayendo su preciosa colección de obras de arte ruso como regalo a la antigua capital”.

Después de trasladar la colección a la ciudad, Pavel Mikhailovich no dejó de preocuparse por su galería, siendo su administrador hasta el final de su vida. Las pinturas se compraron no sólo con dinero de la ciudad, sino también con fondos de Tretyakov, quien las donó a la Galería. En la década de 1890, la colección se reponía con obras de N.N. Ge, I.E. Repin, A.K. Savrasov, V.A. Kasatkin, M.V. A partir de 1893, P.M. Tretyakov publicó anualmente catálogos de la colección, complementándolos y aclarándolos constantemente. Para ello, mantuvo correspondencia con artistas, sus familiares y coleccionistas, obteniendo poco a poco información valiosa, sugiriendo en ocasiones cambiar el nombre del cuadro. Así coincidió N.N. Roerich con Pavel Mikhailovich al compilar el catálogo de 1898: “...Para el idioma, es mejor tener un nombre corto, al menos “Ciudad eslava”. Mensajero". Éste fue el último catálogo elaborado por Tretyakov, el más completo y preciso. En 1897-1898, el edificio de la Galería se amplió nuevamente, esta vez para incluir un jardín interior, donde a Pavel Mikhailovich le encantaba caminar, sacrificando todo por el bien de su amada creación. Organizar la colección de Sergei Mikhailovich y volver a colgar las pinturas requirió mucha energía por parte de Tretyakov. Los asuntos comerciales e industriales, la participación en muchas sociedades y la caridad requerían tiempo y energía. Pavel Mikhailovich participó activamente en las actividades de Moscú.

Sociedad de Amantes del Arte, Sociedad de Arte de Moscú, Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Hizo mucho por la Escuela Arnold para Sordos, ayudando no sólo económicamente, sino también atendiendo a todos los detalles. proceso educativo, construcción y renovación de edificios. A petición de I.V. Tsvetaev, Tretyakov contribuyó a la creación del Museo de Bellas Artes (ahora Museo Estatal). bellas artes lleva el nombre de A.S. Pushkin). Es imposible enumerar todas las donaciones de P.M. Tretyakov; basta mencionar la ayuda de la expedición de N.N. Miklukha-Maclay, las numerosas becas y las donaciones para las necesidades de los pobres. EN últimos años Pavel Mikhailovich se encontraba a menudo enfermo. También estaba muy preocupado por la enfermedad de su esposa, que quedó paralizada. En noviembre de 1898, Tretyakov fue a San Petersburgo por negocios y, al regresar a Moscú, se sintió mal. El 4 de diciembre murió Pavel Mikhailovich Tretyakov.

Historia de la galería. Galería estatal Tretiakov

MONUMENTO AL P.M. TRETYAKOV

Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898) fue enterrado en el cementerio Danilovsky junto a sus padres y su hermano Sergei, quien murió en 1892; en 1948, sus restos fueron trasladados al cementerio de Serafines (Convento Novodevichy). Lápida del escultor I. Orlov según el diseño del artista I. Ostroukhov (granito, bronce).

Después de 1917, se erigió un busto de V.I. Lenin frente a la fachada de la Galería Tretyakov sobre un pedestal rectangular. Algún tiempo después, en 1939, se erigió en este lugar un monumento, una imagen escultórica del Presidente del Consejo de Ministros de la URSS. Escultura de S.D. Merkulova, de 3,5 metros de altura, que representa a Stalin en toda su altura, está realizada en granito rojo. Después de su desmantelamiento, se conserva en la Galería Estatal Tretyakov, tiene un alto grado de conservación y se encuentra en patio el edificio principal de la Galería Tretyakov (apoyado contra la pared). El 29 de abril de 1980, en el lugar del monumento retirado a Stalin, finalmente se erigió un monumento al fundador de la Galería Tretyakov, Pavel Tretyakov, una escultura que todavía existe hoy. Se trata de una estatua de granito de cuatro metros, creada según el diseño del escultor A.P. Kibalnikov y el arquitecto I.E.

"EL VIAJE POSTERIOR A LA MUERTE" DE LOS TRETYAKOV

El cementerio de Danilovskoe era famoso antiguamente por su sabor especial de "tercera clase", que, sin embargo, no se ha perdido por completo hasta el día de hoy. El historiador moscovita A.T. Saladin declaró en 1916: “El cementerio de Danilovskoye puede llamarse con seguridad un cementerio de comerciantes, pero no podría ser otra cosa, ya que está cerca del comerciante de Zamoskvorechye. Quizás ningún otro cementerio de Moscú tenga tanta cantidad de monumentos comerciales como este”. Mucho ha cambiado desde entonces. Aquí ya no se encuentran las tumbas de los famosos comerciantes moscovitas Solodovnikov, Golofteev y Lepeshkin...

Quizás el entierro de comerciantes más famoso del cementerio Danilovsky, y quizás de todo Moscú, fue el sitio de los Tretyakov Pavel Mikhailovich, Sergei Mikhailovich y sus padres. A. T. Saladin dejó la siguiente descripción: “Sobre la tumba de Sergei Mikhailovich hay un monumento de mármol negro, bastante alto, pero completamente simple, con la inscripción: “Sergei Mikhailovich TRETYAKOV nació el 19 de enero de 1834, murió el 25 de julio de 1892. " El monumento a Pavel Mikhailovich se encuentra a pocos pasos, bajo una reja protectora, es casi igual, pero con un diseño un poco más refinado; Pie de foto: “Pavel Mikhailovich TRETYAKOV 15 de diciembre. 1832 d. 4 de diciembre 1898." Sin embargo, hoy todo esto no ocurre en el cementerio Danilovsky. El 10 de enero de 1948, los restos de ambos hermanos, así como los de la esposa de P. M. Tretyakov, Vera Nikolaevna, fueron trasladados al cementerio de Novodevichy.

Formalmente, el nuevo entierro se llevó a cabo por iniciativa del Comité de Artes del Consejo de Ministros de la URSS. El presidente del comité, M. B. Khrapchenko, en una carta al director de la funeraria dependiente del Ayuntamiento de Moscú, motivó su iniciativa de la siguiente manera: “A pesar del acuerdo celebrado por la administración de la Galería [Tretyakov] sobre la protección de Estas tumbas y sus lápidas artísticas, realizadas por el artista V. M. Vasnetsov, están cayendo en un declive extremo. (...) Considerando la petición de la Dirección de la Galería Estatal Tretyakov, así como la petición de los familiares más cercanos de los fundadores de la Galería, el Comité de Asuntos Artísticos del Consejo de Ministros de la URSS, por su parte , peticiones para el traslado de los restos de Pavel Mikhailovich, Vera Nikolaevna y Sergei Mikhailovich Tretyakov, así como sus lápidas artísticas del cementerio Monasterio Danilovsky en el cementerio Convento Novodévichi, donde están enterradas las figuras más destacadas de la cultura y el arte rusos”.

Que el presidente del comité de arte confundiera los cementerios del Monasterio Danilovsky y los cementerios Danilovskoye no es tan extraño: todavía están confundidos, aunque el primero no existe desde hace más de setenta años. La justificación de la necesidad de trasladar las tumbas suena extraña: en el antiguo lugar están “cayendo en un estado de extrema decadencia”. Sin embargo, las tumbas que se cuidan nunca “caerán en decadencia”, pero si se abandonan, el deterioro está garantizado, incluso si están ubicadas justo al lado del muro del Kremlin. La urna con las cenizas de Mayakovsky se encontraba en el mejor columbario del cementerio Donskoye del país en ese momento y no podía "caer en descomposición"; sin embargo, aún así fue trasladada a Novodevichye.

El trasfondo de todos estos entierros fue, por supuesto, completamente diferente y, a juzgar por la carta de Khrapchenko, las autoridades realmente no querían revelarlo: en Moscú se estaba desarrollando una campaña para recolectar y concentrar los restos de personalidades famosas en el Panteón Novodevichy. . Además, los nuevos entierros se llevaron a cabo no solo desde los cementerios sujetos a liquidación, sino en general desde todas partes, excepto, quizás, el cementerio Vagankovsky, tradicionalmente el segundo en importancia después de Novodevichy.

Algunas fuentes (por ejemplo, la Enciclopedia de Moscú) indican que Sergei Mikhailovich Tretyakov todavía descansa en el cementerio Danilovsky. Esto está mal. En el archivo de la Galería Tretyakov se encuentra la “Ley sobre el nuevo entierro de los restos de P. M. Tretyakov, V. N. Tretyakov y S. M. Tretyakov del cementerio Danilovsky al cementerio del Convento Novodevichy del 11 de enero de 1948”. Además del acta y otros documentos, el archivo también contiene varias fotografías: algunas representan el momento de la exhumación, otras fueron tomadas en el cementerio de Novodevichy, al borde de una tumba recién excavada. Las fotografías no dejan lugar a dudas.

Pero lo curioso es que en los archivos del vecino monasterio Danilovsky, entre las tarjetas de los enterrados aquí, también se encuentra una tarjeta de Sergei Mikhailovich Tretyakov. ¿Resulta que el cementerio del monasterio Danilovsky también afirma ser el lugar de su entierro? Por supuesto que no. Teniendo en cuenta el testimonio de A. T. Saladin y la ley antes mencionada, esta versión se puede descartar con seguridad, pero llegando a la conclusión más interesante: dado que Sergei Mikhailovich no fue enterrado en el monasterio y, sin embargo, se le "abrieron" documentos allí, obviamente, El cementerio de Danilovskoye fue una especie de sucursal del monasterio, tal vez no siempre, pero sí durante algún tiempo.

En el cementerio Danilovsky se conservan las tumbas de los padres de filántropos famosos. O mejor dicho, su monumento. A la izquierda del camino principal, casi inmediatamente después del monumento a los caídos en la Gran guerra patriótica, rodeado de fragmentos extremadamente oxidados de una valla de hierro forjado, se encuentra un obelisco fuerte, ligeramente torcido, que recuerda a una estufa rusa, con la inscripción:

"Mijaíl Zajárovich Tretiakov
comerciante de moscú
murió 1850 diciembre 2 días.
Su vida fue de 49 años, 1 mes y 6 días.
Alexandra Danilovna Tretiakova
nacido en 1812.
Murió el 7 de febrero de 1899.”

No sabemos con certeza si hoy hay restos de alguien bajo el obelisco. Al parecer, ¿a quién se le habría ocurrido perturbar los huesos del anciano Tretyakov? Pero aparentemente podría hacerlo. El traslado de los fundadores de la galería de arte más grande a un cementerio de élite todavía es explicable, pero esto es lo que se les ocurrió entonces a sus admiradores: según la "carta de garantía" almacenada en el archivo Tretyakov, la fábrica de esculturas Mytishchi No. 3 se comprometió a realizar en el cementerio Danilovsky: “a) Confiscación de las cenizas de Tretyakov P.M. y su entierro en el cementerio Novo-Devichy, b) Confiscación de las cenizas de Tretyakov M.Z. y entierro en la tumba en lugar de las cenizas de Tretyakov P.M. c) Traslado del monumento a Tretyakov M.Z. en lugar del monumento a Tretyakov P. M."

¡Tretiakov lo entendió! Tanto mayores como menores. Por cierto, por alguna razón la "carta de garantía" no dice una palabra sobre Alexandra Danilovna. ¿Resulta que el padre fue enterrado nuevamente en el lugar de su hijo (si fue enterrado nuevamente), pero la madre no? Misterio. Entonces resulta que es imposible decir con certeza si los viejos Tretyakov descansan ahora bajo la lápida de su "nombre".

En las profundidades del cementerio Danilovsky, en el mismo ábside de la iglesia-capilla de San Nicolás, hay un monumento apenas perceptible: una columna baja de granito rosa. Allí están enterrados los hermanos y la hermana de Pavel Mikhailovich y Sergei Mikhailovich, que murieron casi simultáneamente en la infancia en 1848 durante la epidemia de escarlatina: Daniil, Nikolai, Mikhail y Alexandra. Ésta es la única tumba de la familia Tretyakov que nadie ha invadido nunca.