EntradaAmapolas silvestres de Claude Monet. "Poppy Field" es una instalación inspirada en las pinturas de Claude Monet. Flores en un florero
Campo de amapolas (1873), expuesta en la primera exposición impresionista, representa a la esposa de Monet, Camille, y a su hijo Jean en un campo cerca de su casa en Argenteuil. Como en muchas otras obras de Monet, Camille está pintada con un paraguas en la mano y sus elegantes contornos le dan al cuadro un encanto especial.Monet pintó “Campo de amapolas” al aire libre, sobre un pequeño lienzo portátil. Aunque la pintura transmite un sentimiento natural y espontáneo, está cuidadosamente compuesta. Esto se expresa no sólo en el hecho de que el artista repitió las figuras dos veces, sino también en la elección del ángulo, que está dispuesto de tal manera que amapolas brillantes, que llenan el lado izquierdo de la composición, están ubicados en diagonal, por donde caminan Camille y Jean, como si fueran más allá del alcance de la imagen. El rico color y el movimiento que llena esta zona del cuadro contrasta cuidadosamente con los tonos tranquilos del borde superior derecho del lienzo, donde el techo de terracota de la casa conecta hábilmente el fondo con el primer plano de la composición.
Pasión por las flores
A lo largo de su vida, a Monet le gustó mucho pintar flores: flores silvestres, de jardín o cortadas, están constantemente presentes en sus paisajes.Monet admitió una vez que las dos mayores pasiones de su vida eran la pintura y la jardinería. Cuando pintaba flores, combinaba ambas pasiones. En “Campo de amapolas”, como en muchas de sus otras pinturas, Monet disfruta de la naturaleza salvaje y colores brillantes. Se conocen varios hermosos bodegones de flores cortadas de Monet, pero sobre todo le encantaba pintar las flores que crecían en sus jardines, primero en Argenteuil y luego en Giverny. En 1871, Monet se trasladó con su familia a Argenteuil para encontrar su primera casa y su primer jardín. Sin embargo pasión principal Su jardín de Giverny pasó a formar parte de la vida del artista. Monet seleccionó las flores para su jardín de modo que estuvieran dispuestas en un orden determinado, contrastaran en color y florecieran durante todo el año. Plantó muchas flores inusuales en su jardín. La pasión de Monet por las flores fue compartida por muchos otros artistas impresionistas, entre los que destaca Gustave Caillebotte. “Asegúrate de venir el lunes, según lo acordado”, le escribí a mi amiga Mona. "Todos mis lirios estarán en flor".
Obsesión por la luz y el color
La obsesión de Monet por la luz y el color dio lugar a muchos años de investigación y experimentación, cuyo objetivo era capturar los matices fugaces y esquivos de la naturaleza en el lienzo.LAS PINTURAS DE MONET dieron origen a un nuevo movimiento en la pintura: el impresionismo, y el propio Monet es reconocido como el representante más grande y típico de este movimiento. A lo largo de su larga vida, Monet siguió constantemente las reglas básicas del impresionismo: capturar escenas en lienzo. vida moderna(para Monet, estos son paisajes) y trabajar al aire libre.
TRABAJAR AL PLEIN AIR La práctica de un artista de trabajar al aire libre (plein air) no era algo completamente nuevo. A principios del siglo XIX. artista inglés John Constable solía pintar sus bocetos y estudios al óleo en la naturaleza. En 1840, siguiendo su ejemplo, un grupo de artistas franceses se reunieron en el pueblo de Barbizon, cerca del bosque de Fontainebleau, con el objetivo de pintar paisajes que representaran la “verdadera naturaleza”. Camille Corot, muy apreciado por muchos impresionistas por su visión no idealizada de la naturaleza, también pintó óleos al aire libre, instando a los artistas a "seguir su primera impresión".
Mayoría papel importante El desarrollo de Monet como artista estuvo influenciado por su amistad juvenil con el paisajista Eugene Boudin, quien se especializaba en pequeños y aireados paisajes costeros que creaba al aire libre. Bodin insistió en que Monet se uniera a él durante una de estas sesiones en Le Havre. “De repente se me cayeron las escamas de los ojos”, escribió más tarde Monet.
Allí, en Le Havre, Monet conoció artista holandés Johan Barthold Jonkind, que intentó transmitir los matices más delicados de aire y estado de ánimo en sus paisajes marinos. Monet dijo más tarde sobre él: "Él fue el hombre que finalmente desarrolló mi visión".
LO QUE REALMENTE VE EL OJO Monet aprendió que un cuadro pintado al aire libre tiene una frescura y vitalidad únicas que no se pueden lograr trabajando en un estudio, donde el artista tiene una idea preconcebida de la obra que está a punto de crear. Consejo, dado por monet artistas, revela claramente su propio enfoque de la pintura: “Trata de olvidarte de lo que ves frente a ti: un árbol, una casa, un campo, lo que sea. Sólo piensa que en este lugar hay un pequeño cuadrado azul, hay una figura rosada alargada, y continúa hasta que tengas una impresión ingenua de la imagen que está frente a tus ojos”. Así, una impresión es un impulso visual creado por lo que se ve en ese momento particular.
UNA IDEA REVOLUCIONARIA Para todos los impresionistas, y para Monet en particular, el objetivo principal del arte era capturar lo esquivo, impresión fugaz. En ese momento, tal idea parecía revolucionaria y chocaba no menos que el realismo manifiesto de Courbet en NUEVAS TÉCNICAS. Para lograr sus objetivos, el artista necesitaba nuevas técnicas técnicas de escritura. Monet, en particular, desarrolló su propia técnica pictórica, aplicando al lienzo trazos amplios y ásperos, puntos dispersos, guiones, zigzags y trazos gruesos con un pincel corto. Monet trabajó simultáneamente en todo el espacio del cuadro, creyendo, como dijo más tarde, que “la primera capa de pintura debería cubrir la mayor cantidad posible de pintura”. la mayoría de lienzo y no importa cuán toscamente se aplique”.
Monet utilizó el color de una manera completamente nueva y revolucionaria, inspirado, sin duda, en los descubrimientos de Eugene Chevreul sobre el método de percepción visual. Chevreul demostró que los colores primarios adyacentes rueda de color se suavizan entre sí y el mayor contraste se logra cuando los colores complementarios son adyacentes. Su otro descubrimiento importante fue que el color no es una propiedad inherente a los objetos. El color es simplemente la forma en que la luz se mezcla cuando se refleja en la superficie de un objeto. Al igual que sus compañeros impresionistas, Monet solía utilizar una paleta limitada, prefiriendo la pureza, colores mezclados y pintar sobre lienzos previamente recubiertos con imprimación blanca o crema, lo que hacía que los colores aplicados fueran más claros y brillantes.
a otros descubrimiento importante Lo que influyó en la visión de los artistas fue la fotografía. En las fotografías de esa época, los objetos en movimiento se perciben como puntos borrosos y solo los objetos estacionarios tienen contornos claros. Este efecto se refleja claramente en las figuras de personas con forma de hormigas que vemos en el cuadro de Monet “Boulevard des Capucines” (1873).
CAMBIAR EL TEMA DE LA IMAGEN
Es muy interesante observar cómo la actitud de Monet hacia los objetos que representaba cambió a lo largo de su larga vida. A pesar de que estaba constantemente absorto en el juego de luces, en sus primeras pinturas Monet representaba con mayor frecuencia figuras humanas pintadas de manera familiar sobre el fondo de un paisaje.
Sin embargo, más cerca de la década de 1880, Monet comenzó a sentirse cada vez más atraído por la naturaleza en forma pura. Si en las pinturas de esta época aparecen figuras u objetos inanimados, suelen jugar papel de apoyo y se desvanecen en el fondo.
SERIE DE PINTURAS
A pesar de que los artistas en todo momento crearon una serie de bocetos de la misma escena, antes de Monet no hubo nadie que pintara el mismo objeto varias veces bajo diferente iluminación y diferentes condiciones climáticas. Las pinturas de Monet representan series enteras que representan pajares, álamos, la catedral de Rouen, una vista de Londres desde el Támesis y, finalmente, nenúfares.
Los paisajes de Londres de Monet, pintados entre 1899 y 1901, con su luz y color difusos, son obras de arte virtuosas y dramáticas que trazan la evolución del estilo del artista hacia una manera casi abstracta. Muestran el avance paulatino del artista hacia el objeto que pintará a lo largo de los años restantes de su vida, creando sus jardines y convirtiéndolos en raras obras de arte.
Desde aproximadamente 1905 hasta el final de su vida, Monet se concentró exclusivamente en los nenúfares. Estas pinturas, en las que las copas de nenúfares se materializan literalmente en la superficie del agua que no tiene línea de horizonte, se convirtieron en estudios que capturaron la infinita y única variedad de color y luz. De hecho, estas series de pinturas, como cualquier trabajo brillante Arte que desafía toda explicación. Estas son las obras de un poeta que tiene un agudo sentido de la naturaleza y es capaz de transmitir su belleza en su pintura.
Claude Monet. Amapolas. 1773 Museo de Orsay, París
“Maki”, uno de los más obras famosas Claude Monet, lo vi en . Sin embargo, entonces no lo miré adecuadamente. Como fanático, ¡quedé simplemente impresionado por todas las obras maestras que se encuentran en este museo!
Más tarde, por supuesto, miré “Poppies” correctamente. Y descubrí que ni siquiera me había fijado en varios detalles interesantes del museo. Si miras la imagen más de cerca, probablemente tengas al menos tres preguntas:
- ¿Por qué las amapolas son tan grandes?
- ¿Por qué Monet representó dos pares de figuras casi idénticas?
- ¿Por qué el artista no dibujó el cielo en el cuadro?
Responderé estas preguntas en orden.
1. ¿Por qué las amapolas son tan grandes?
Las amapolas están representadas en gran tamaño. La mayoría de ellos son tan grandes como la cabeza del niño representado. Y si tomas las amapolas del fondo y las acercas a las figuras en primer plano, quedarán completamente más grande que la cabeza tanto el niño como la mujer representada. ¿Por qué tanta irrealidad?
En mi opinión, Monet aumentó deliberadamente el tamaño de las amapolas: por eso optó una vez más por transmitir una impresión visual vívida en lugar del realismo de los objetos representados.
Aquí, dicho sea de paso, se puede establecer un paralelo con su técnica de representar nenúfares en trabajos posteriores.
Para mayor claridad, mire fragmentos de pinturas con nenúfares. diferentes años(1899-1926). La obra superior es la más antigua (1899), la inferior es la última (1926). Obviamente, con el tiempo, los nenúfares se volvieron cada vez más abstractos y menos detallados.
Aparentemente, "Poppy" es solo un presagio del predominio del arte abstracto en pinturas posteriores Monet.
Pinturas de Claude Monet. 1. Arriba a la izquierda: Nenúfares. 1899 g. colección privada. 2. Arriba a la derecha: Nenúfares. 1908 g. colección privada. 3. Medio: Estanque con nenúfares. 1919 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. 4. Abajo: Lirios. 1926 Museo de Arte Nelson-Atkins, Kansas City.
2. ¿Por qué hay dos pares de figuras idénticas en la imagen?
Resulta que para Monet también era importante mostrar movimiento en su pintura. lo logro de una manera inusual, que representa un camino apenas visible en una colina entre flores, como si lo pisaran dos pares de figuras.
Al pie de la colina con amapolas están su esposa Camille y su hijo Jean. Camilla es representada tradicionalmente con un paraguas verde, como en el cuadro “Mujer con paraguas”.
En lo alto de la colina hay otra pareja formada por una mujer y un niño, para quienes probablemente también posaron Camilla y su hijo. Por eso las dos parejas son tan similares.
Claude Monet. Amapolas. Fragmento. 1873 Museo D'Orsay, París. Este par de figuras en la colina se representa quizás exclusivamente para efecto visual movimiento por el que tanto luchó Monet.
3. ¿Por qué Monet no pintó el cielo?
Otro punto notable: observe lo mal que está dibujado el cielo, hasta las áreas desnudas del lienzo que quedan.
Claude Monet. Amapolas. Fragmento. 1873 Excelente artista francés-El impresionista Claude Monet ( Moneda Oscar-Claude), (1840-1926) le encantaba pintar flores. Pintó flores a lo largo de su vida, en diferentes periodos creatividad. Más a menudo flores de jardín y silvestres, con menos frecuencia flores cortadas en jarrones.
Las flores eran su pasión. Monet dijo que sobre todo en la vida adora dos cosas: la pintura y la jardinería. Por eso, experimentó el mayor placer cuando representó flores en sus cuadros.
Siempre pintaba incluso a los miembros de su familia rodeados de flores, enfatizando así su sincero amor por ellos.
“Quizás gracias a las flores me convertí en artista”, dijo Claude Monet sobre sí mismo.
uno de primeros trabajos Claude Monet "Mujeres en el jardín", 1866-1867, Museo de Orsay, París.
Las figuras de mujeres están representadas en este lienzo de forma muy estilizada. El artista pone todo el énfasis en el juego de luces y sombras, en el follaje de árboles y flores. Monet sigue buscando su propio estilo; aún faltan cinco años para la fecha oficial del nacimiento del impresionismo.
El modelo para las tres mujeres fue Camille Doncier, de 19 años, futura esposa Claude Monet.
El lienzo es muy grande, sus dimensiones son 2,05 por 2,55 m.
El artista pretendía exponer este cuadro en el Salón de París de 1967, pero el jurado lo rechazó.
Al final de la vida de Claude Monet, cuando ya era un maestro reconocido y renombrado, el gobierno francés compró al artista el cuadro “Mujeres en el jardín” en 1921 por 200 mil francos.
Saint Andresse
| "Terraza de Sainte-Andresse", ca. 1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Esta pintura representa a la familia del artista, que vivía en la pequeña ciudad portuaria de Saint-Andresse, cerca de Le Havre, en la costa de Normandía. El padre de Monet y su tía Madame Lecadre están sentados en sillones. La pariente lejana de Monet, Jeanne-Margarita, está junto a la barandilla con un joven. Se puede decir que hay una escena familiar de fondo. marina. ¡Pero mira cómo están dibujadas las flores en el primer plano de la imagen! Con qué éxito Monet transmitió la textura de los colores y el juego de luces y sombras. |
 |
| "Jardín en flor en Sainte-Andresse", c. 1866, Museo de Orsay, París. |  |
| "Adolphe Monet leyendo en el jardín de Le Coteaux en Saint-Andresse", c. 1866 |  |
| "La dama del jardín", 1867, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. La pintura representa a Jeanne-Marguerite Lecadre, pariente lejana de Claude Monet, en el jardín de Sainte-Andresse. |
 |
Argenteuil, 1872 - 1977
Claude Monet siempre quiso tener su propio jardín, donde poder trabajar tranquilamente al aire libre.
A finales de 1871, Claude Monet y su familia se instalaron en Argenteuil. era pequeño entonces pueblo turístico cerca de París, a 12 km del centro de la ciudad, situado en las pintorescas orillas del Sena. Argenteuil ahora forma parte del Gran París. En Argenteuil, Monet tuvo su propia casa y su primer jardín. Me parece que fue en Argenteuil donde fueron creados. mejores pinturas Claude Monet. Este fue el período más brillante de su trabajo. Las pinturas de Monet son generalmente luminosas, pero es en Argenteuil donde sus lienzos simplemente brillan de alegría. Al parecer, estos fueron los años más felices de su vida. Casi todos los cuadros pintados en Argenteuil representan a Camille, la amada primera esposa de Claude Monet.
En aquellos años, Argenteuil era el lugar de vacaciones favorito de los parisinos; allí se celebraban regularmente regatas de vela. Conducido a Argenteuil ferrocarril, llegar desde París fue rápido y sencillo. No sólo Monet, sino también otros artistas impresionistas, Manet, Renoir, Sisley y Caillebotte, pintaron sus paisajes en Argenteuil.
| El amigo del artista, Renoir, lo captó trabajando en Argenteuil, y gracias a ello podemos ver cómo era el jardín de Claude Monet y cómo pintaba al aire libre. Pierre Auguste Renoir "Pintura de Monet en su jardín de Argenteuil", 1873 |
 |
| Y Édouard Manet escribió retrato familiar artista en el fondo jardín floreciente. Edouard Manet "La familia de Monet en su jardín de Argenteuil", 1874, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. La pintura muestra a Claude Monet cuidando flores, su esposa Camille y su hijo Jean. Jardín, flores y gallinas. Dentro de 10 años, Claude Monet tendrá todo esto en Giverny. |
 |
| Pierre Auguste Renoir "Madame Monet y su hijo", 1974. Galería Nacional, Washington. Camille Monet y su hijo Jean. Esta pintura se conservó en la colección de Claude Monet en Giverny. hijo menor el artista Michel Monet lo vendió en 1952, durante un período de total devastación en Giverny. Después de varias reventas por voluntad del último propietario en 1970, este cuadro entró en la Galería Nacional de Washington. |
 |
| "La Casa del Artista en Argenteuil", 1873. Instituto de Arte, Chicago. |  |
| "El jardín de Monet en Argenteuil", 1873 |  |
| "Casas en Argenteuil", 1873, Antigua Galería Nacional, Berlín. En verano, Argenteuil estaba literalmente sepultada entre flores. |
 |
| "Flores a la orilla del río en Argenteuil", 1877, Museo de Arte Pola, Hakone, Japón. El Sena en Argenteuil es muy pintoresco, en este lugar forma un hermoso recodo. Claude Monet quedó fascinado por el río y la naturaleza de Argenteuil y trabajó aquí con entusiasmo al aire libre. |
 |
| "Camille Monet en un banco del jardín". 1873 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Como siempre, un jardín, y como siempre, flores. |
 |
| "Jean Monet en bicicleta a caballo". 1872 Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. Incluso al pintar el retrato de su hijo, Claude Monet no se olvidó de las flores. Todo eventos significativos Prefería plasmar la vida en sus lienzos sobre un fondo de flores. |
 |
| "En el prado", 1876 El lienzo representa a la esposa del artista, Camille Monet, leyendo un libro en un prado, rodeada de flores. |
 |
| "Manzanos en flor", 1873. ¡Asombroso! |
 |
| "La familia del artista en el jardín", 1875 |  |
| "En el jardín", 1875 Esta pintura aparentemente representa el mismo rincón del jardín que la anterior, sólo unos meses después, en otoño. |
 |
| "Mujer con paraguas" ("Caminando: Camille Monet con su hijo Jean"), 1875, Galería Nacional de Arte, Washington. |  |
| "Camille Monet con su hijo", 1875, Museo bellas artes, Boston, Estados Unidos. |  |
| "El rincón del jardín de Montgeron", aprox. 1876, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. Montgeron es una pequeña ciudad en las afueras de París, situada a 18,5 km al sureste del centro de la ciudad. Ahora es uno de los suburbios del sureste de París. |
 |
 "Mujer con sombrilla en un jardín de Argenteuil", 1875. |
 "Paseo, Argenteuil", 1875. |
 "Paseo por Argenteuil", 1875, Musée Marmottan-Monet, París. |
 "Jardín", 1872. |
 "Camille Monet en el jardín", 1873. |
 "Camille Monet en la ventana. Argenteuil", 1873. |
 "Orilla del Sena cerca del puente de Argenteuil", 1874. |
 "Camille y Jean Monet en el jardín de Argenteuil", 1873. |
 "Camille Monet en el jardín de su casa en Argenteuil", 1876, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. |
"Gladiolos" DE ACUERDO. 1876. Instituto de Artes, Detroit, Estados Unidos. |
 "Niñas en el jardín", 1875, Galería Nacional de Praga. |
 "Camilla con un paraguas verde", 1876. |
 "Puerta del jardín de Vétheuil", 1876. |
 "Jardín", 1876. |
 "Jardín, Malvas", 1877. |
Una serie muy interesante "Lila". Comparar:
campos de amapola
Uno de los más pintura famosa El "Campo de amapolas" de Claude Monet (1873, Museo de Orsay, París) fue pintado en Argenteuil, no lejos de la casa del artista. La pintura representa a la esposa de Monet, Camille, y su hijo Jean. Presumiblemente, su esposa y su hijo también sirvieron de modelos para las figuras de la dama con el niño al fondo.
Mire con qué expresividad el artista pintó amapolas escarlatas y ranúnculos amarillos. Camille y Jean están literalmente enterrados en amapolas, formando completa armonía con la naturaleza del sol. dia de verano.
Monet eligió un muy buen ángulo para su pintura: las amapolas escarlatas se encuentran en la parte inferior izquierda de la imagen, en diagonal por donde caminan Camille y Jean. Se siente como si las amapolas se extendieran más allá del lienzo.
Los campos de amapolas fascinaron a Monet. Recurrió a ellos varias veces en su trabajo. Le atrajo el contraste entre las amapolas rojas y la hierba verde.
"Verano. Campo de amapolas", 1875, colección privada.
"Campo de amapolas cerca de Vetheuil" 1879.
"Campo de amapolas en una hondonada cerca de Giverny", 1885. Museo de Bellas Artes de Boston.
"Campo de amapolas", hacia 1890. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo.
"Campo de avena con amapolas", 1890. Museo arte contemporáneo, Estrasburgo.
"Campo de amapolas en Giverny". 1890-1891 Instituto de Arte, Chicago.
"Campo de amapolas rojas cerca de Giverny", 1895. Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond, Estados Unidos.
Campos de tulipanes
Claude Monet visitó Holanda varias veces. Y, por supuesto, no podía permanecer indiferente ante los tulipanes. Creó una serie de pinturas que representan las principales atracciones de Holanda: campos de tulipanes y molinos de viento.
"Tulip Fields en Sassenheim, cerca de Leiden", 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, Estados Unidos.
"Campos de tulipanes y molinos de viento en Rheinsburg", 1886, colección privada.
"Campos de tulipanes en Holanda", 1886. Museo de Orsay, París.
"Campo de tulipanes en Holanda." 1886, Museo Marmottan-Monet, París.
Vétheuil, 1879 - 1881
"El jardín del artista en Vétheuil", 1880. Galería Nacional, Washington.
En 1879, la familia de Monet se mudó a Vétheuil, un pequeño pueblo a orillas del Sena, a 65 km al noroeste de París. Aquí Claude Monet tuvo su segundo hijo, Michel, pero, lamentablemente, pronto murió su primera esposa, Camille.
La familia Monet vivió en Vétheuil hasta 1881.
Claude Monet conoce a la familia de Alice Hoschedé, a quien ya conocía desde hacía varios años. Viven juntos y Alice más tarde se convirtió en su segunda esposa. Pero en las pinturas de Claude Monet, Alice Goschede, a diferencia de Camille, es muy rara. Sus hijas, hijastras de Claude Monet, sirvieron de modelo para las pinturas del artista.
 "Flores a orillas del Sena cerca de Vétheuil", 1880. |
 "Alice Goshede en el jardín", 1881. Futura segunda esposa de Claude Monet. |
 "Escalera de Vétheuil", 1881. |
 "La Isla de las Flores cerca de Vetheuil", 1880, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. |
 "Flores en Vétheuil", 1881. |
 "Flores en Vétheuil", 1881. |
Flores en un florero
A Claude Monet le encantaban sobre todo los jardines y las flores silvestres, pero a veces también pintaba naturalezas muertas y ramos de flores cortadas.
"Flores de primavera", 1864. Actualmente se desconoce el paradero del cuadro.
Por supuesto, todavía resulta difícil reconocer en este cuadro al futuro gran artista impresionista.
"Crisantemos", 1878. Museo de Orsay, París.
"Ramo de malva", 1880.
"Girasoles", 1881. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
"Crisantemos" 1882. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
"Amapolas moradas", 1883. Museo Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Países Bajos.
"Anémonas", ca. 1885, colección privada.
"Dos jarrones con crisantemos." 1888, colección privada.
Giverny 1883 - 1926
En 1883, la familia de Claude Monet se trasladó a Giverny. Se trata de un pequeño pueblo situado en una zona pintoresca a orillas del río Epte, en su confluencia con el Sena, a unos 80 km de París. Claude Monet vivirá en Giverny el resto de su vida.
En ese momento ya se había convertido artista famoso y una persona bastante rica. En 1890 pudo comprar la casa en Giverny donde vivía su familia. Equipó un espacioso taller en la casa.
Claude Monet amplió significativamente su jardín y construyó en él un estanque, cuyo agua procedía de un tanque de toma de agua especial construido en el río Epte.
En esos años, Claude Monet se interesó por cultura japonesa, Estampados japoneses, especialmente grabados de los grandes artista japonés Hokusai.
Para cuidar el jardín, Monet contrató a un jardinero japonés que le ayudó a arreglar el jardín en estilo japonés. El propio Monet participó directamente en la planificación del jardín. El artista se suscribió a la revista Revue horticole (Revista de jardinería) y encargó plantas y flores a diferentes paises paz.
Fue este jardín el que se convirtió amor principal V últimos años la vida del artista. Trabajó en él, lo escribió en todas sus formas, desde diferentes puntos, en diferentes momentos del día. El jardín se convirtió en la principal fuente de inspiración del artista.
Monet creció en su jardín. varias flores En el estanque crecieron nenúfares y el famoso “Puente Japonés” cruzó el estanque. Podría pasar horas admirando su jardín, observando los más mínimos cambios en la iluminación y el clima.
En el otoño de 1899, Claude Monet comenzó a pintar su famosa serie "Nenúfares", en la que trabajó hasta el final de sus días.
Claude Monet en su jardín con un estanque de nenúfares al fondo, 1905.
Claude Monet en su jardín, ca. 1917 Foto: Étienne Clementel.
Las imágenes se ven un poco “coloreadas” y borrosas, ya que eran fotografías estereoscópicas, tenían que verse a través de lentes especiales de colores, luego la imagen resultaba tridimensional.
Claude Monet (derecha) en su jardín de Giverny. 1922 Foto del archivo del New York Times.
El famoso estanque con nenúfares y el puente japonés.
En los primeros lienzos de la serie "Nenúfares", Claude Monet representó un estanque con un puente japonés, con el telón de fondo de una exuberante vegetación de jardín.
EN últimos trabajos Ah, al representar un estanque con nenúfares, distorsionó deliberadamente todas las reglas de perspectiva aceptadas, abandonó la línea del horizonte y pintó solo agua con nenúfares. Los nenúfares que flotan en el agua a menudo quedan cortados por los bordes del lienzo, creando la impresión de que el estanque real es algo más grande de lo que se representa en la pintura.
Esta serie de "Nenúfares" incluye más de 60 pinturas.
| "Nenúfares". 1906 Instituto de Arte, Chicago. |  |
| "Nenúfares", 1916. Museo Nacional de Arte Occidental, Tokio. Este enorme lienzo de 2 metros es uno de los más expresivos de la serie “Nenúfares”. Sobre la superficie azul oscuro, verde oscuro e incluso violeta del agua del estanque se encuentran islas de nenúfares de color rosa y amarillo. La imagen está toda en movimiento, vemos las raíces entrelazadas de los nenúfares. Las flores de los nenúfares sobresalen literalmente de la superficie del agua. Claude Monet sintió la naturaleza de manera muy sutil y pudo transmitir todas sus sutilezas y matices en sus lienzos. |
|
| "Nenúfares". 1920-26 Museo de la Orangerie, París. |
 |
En 1980, la casa y el jardín de Claude Monet en Giverny se abrieron al público. Ahora bien, este es uno de los museos favoritos entre los turistas en los suburbios de París.
El impresionismo apareció en Francia en la década de 1860 y trastocó las ideas tradicionales sobre la pintura. Al observar las pinturas soleadas, llenas de vida y llenas de luz de los artistas de este movimiento, es difícil creer que sus obras por mucho tiempo no fueron reconocidos y fueron considerados una desviación de los cánones pintura clasica. "La vuelta al mundo" te invita a viajar por Francia y ver cómo diferentes rincones Los países están representados en las obras de artistas impresionistas.
Claude Monet. "Campo de amapolas en Argenteuil" (1873)
El cuadro "Campo de amapolas..." fue pintado por Monet en Argenteuil, que se encuentra a sólo 10 kilómetros de París y en el siglo XIX era el lugar de vacaciones favorito de los habitantes de la capital. Monet y su familia vivieron en este suburbio durante siete años y crearon muchas pinturas brillantes y coloridas.
En Argenteuil, el artista trabajó mucho al aire libre: siempre le atrajo la oportunidad de representar en el lienzo un determinado fragmento de tiempo, acción y espacio. El cuadro “Campo de amapolas en Argenteuil” refleja otra pasión del artista: su amor por las flores. Monet incluso una vez llamó a su jardín su principal obra maestra.
Esta imagen está claramente dividida en varias partes, la más importante de las cuales es la que representa flores escarlatas, contrastando con el lado derecho más vacío del lienzo. También vemos dos parejas pintadas con la esposa del artista, Camille, y su hijo mayor, Jean. Su disposición ayuda a estructurar el espacio de la imagen y a transmitir el movimiento capturado.
Mientras trabajaba en la pintura, Monet no mezcló pinturas, sino que aplicó trazos. diferentes colores, que el ojo humano percibe como diferentes tonalidades de color. Al mismo tiempo, el artista pintó con más cuidado las cosas más significativas. Entonces, el énfasis aquí está en los colores y la parte superior. figuras humanas en primer plano, mientras que el campo a la derecha de la imagen y el cielo están menos definidos.
Pierre Auguste Renoir. "Puente a Chatou" (1875)
Chatou es otro rincón pintoresco de Francia, amado por los artistas del nuevo movimiento. A menudo se la llama la isla de los impresionistas, porque en este punto el Sena se divide en dos brazos. Al igual que la vecina Argenteuil, la ciudad de Chatou en el siglo XIX tenía una atmósfera de alegre tranquilidad y actividad ruidosa.
La gente venía aquí para nadar, pasear en bote o hacer un picnic, y estos historias simples se reflejaron en las pinturas de los impresionistas. El establecimiento del padre Fournaise bajo el puente de Chatou, donde no sólo se podía pasar la noche sino también alquilar habitaciones, era el lugar favorito de Renoir. Fue en este establecimiento donde el artista pintó su cuadro “El desayuno de los remeros”, en el que representa a sus conocidos y amigos. En 1990, el restaurante Maison Fournaise fue restaurado y actualmente alberga un pequeño museo.
El cuadro "El puente de Chatou" se diferencia de la mayoría de las obras de Renoir. A diferencia de Monet, al artista le encantaba mucho más representar a las personas y también prefería una paleta de colores más saturada. Y, sin embargo, “Bridge at Chatou” es un paisaje en el que las personas aparecen como figuras oscuras y borrosas. El puente está dibujado con más cuidado que otros elementos y, además, aquí se representa la popular navegación en barco. El paisaje se caracteriza por líneas borrosas y un ambiente de aire luminoso y humo. La ausencia de figuras humanas claramente definidas crea una sensación de distancia, y la paleta de luces y colores ayuda a ver la alegría en lo cotidiano.
Federico Basilio. "Paisaje a orillas del Lez" (1870)
Gracias al paisaje de Basil viajamos desde el centro de Francia hacia el sur, hasta la región natal del artista. El nombre de Basil es mucho menos conocido que el de sus amigos Monet y Renoir, ya que murió a la edad de 28 años. "Paisaje a orillas del Lez" es una de las últimas obras del artista: poco después de terminar el trabajo en el lienzo, Basil se ofreció como voluntario para la guerra franco-prusiana, donde pronto murió.
El artista completó el paisaje en un tiempo récord; le llevó poco más de dos meses completarlo. Mientras trabajaba, los familiares de Basil estaban ausentes y no lo distrajeron de la pintura. Además, conocía bien la zona. Así, en una carta a su hermano, indicó exactamente qué lugar representaba: “La orilla del río Lez cerca del molino cerca de Navilau y la carretera a Clappier”.
La pintura es muy diferente de los paisajes de Monet y Renoir, ya que Basil prefirió pintar el sol en su cenit, así como representar una luz dura, diferente de la luz ingrávida y ahumada de los lienzos de sus amigos. Basil también utiliza colores brillantes y contrastantes y es más preciso y minucioso al trabajar en los detalles de la imagen. Gracias a ello, podemos reconocer en el lienzo “Paisaje a orillas del Lez” árboles y vegetación característicos de la zona sur de Francia.
Camille Pissarro. "Puente Boildieu en Rouen en un día lluvioso" (1896)
Camille Pissarro pasó a la historia del impresionismo como una maestra del paisaje urbano. Pintó varios cuadros que representan a Rouen, situada en el norte de Francia. Pissarro llegó a esta ciudad después de ver el ciclo de Claude Monet dedicado a la Catedral de Rouen.
Pissarro, como Monet, utiliza la luz y el aire al crear lienzos. Le atrae la posibilidad de representar la ciudad como un organismo vivo en constante movimiento. Él usa un más oscuro combinación de colores y trazos más densos, pero al mismo tiempo sus pinturas parecen más realistas. Esta inusual perspectiva se explica a menudo por el hecho de que Pissarro pintó desde la ventana de un hotel.
El artista buscó reflejar en el lienzo los rasgos industriales que poco a poco iban surgiendo en el aspecto de la ciudad. Esto es lo que interesa a Pissarro en Rouen, que, a pesar de su exquisita arquitectura, finales del XIX siglo se convirtió en una ciudad portuaria y un centro industrial.
Pablo Cézanne. "Vista de la Bahía de Marsella desde Estac" (1885)
El paisaje de Paul Cézanne nos traslada nuevamente al sur de Francia, pero al mismo tiempo es completamente diferente a las pinturas ya comentadas. El lienzo de Cezanne, incluso para un espectador inexperto, parece más atrevido que las obras de otros impresionistas. No es casualidad que al artista se le llame a menudo el padre del arte moderno.
Nacido en el sur del país, Cézanne a menudo representaba paisajes del sur en sus cuadros. El entorno del pueblo pesquero de Estac se convirtió en uno de sus temas favoritos en sus paisajes. En la década de 1880, Cézanne, en un intento de escapar de los problemas familiares, llegó a Estac y pintó una decena de cuadros en los que representaba la bahía de Marsella.
"Vista de la bahía de Marsella desde Estac" es una de las obras culminantes de este período y nos permite ver los rasgos de la pintura de Cézanne que influyeron en Pablo Picasso. se trata de principalmente sobre los especiales trazos horizontales densos del artista, así como el uso de colores tan profundos y saturados como el amarillo anaranjado. Cezanne consigue conseguir una imagen tridimensional del agua mediante el uso de diferentes tonalidades azul, así como inclusiones verdes y violetas. Como otros impresionistas, a Cezanne le encantaba pintar el mar, el cielo y las montañas, pero en su imagen parecen más densos y claramente definidos.