EntradaLas principales direcciones del arte occidental moderno. Presentación Presentación "Arte moderno" para una lección de bellas artes (arte) sobre el tema Arte contemporáneo del siglo XXI presentación vistas inusuales
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Net art (Net Art - del inglés net - network, art - art) El tipo de arte más nuevo, la práctica del arte moderno, que se desarrolla en redes informáticas, en particular en Internet. Sus investigadores en Rusia, que también contribuyen a su desarrollo, O. Lyalina y A. Shulgin, creen que la esencia del Net art se reduce a la creación de espacios comunicativos y creativos en Internet, garantizando a todos total libertad de existencia en línea. Por tanto, la esencia del Net art. no representación, sino comunicación, y su unidad artística única es un mensaje electrónico. Net art (Net Art - del inglés net - network, art - art) El tipo de arte más nuevo, la práctica del arte moderno, que se desarrolla en redes informáticas, en particular en Internet. Sus investigadores en Rusia, que también contribuyen a su desarrollo, O. Lyalina y A. Shulgin, creen que la esencia del Net art se reduce a la creación de espacios comunicativos y creativos en Internet, garantizando a todos total libertad de existencia en línea. Por tanto, la esencia del Net art. no representación, sino comunicación, y su unidad artística única es un mensaje electrónico.
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(Op-art inglés - versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza diversas ilusiones visuales basadas en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. El movimiento continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo "geométrico", cuyo representante fue V. Vasarely (de 1930 a 1997 trabajó en Francia), el fundador del op art. Las posibilidades del Op art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño. (Op-art inglés - versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza diversas ilusiones visuales basadas en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. El movimiento continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo "geométrico", cuyo representante fue V. Vasarely (de 1930 a 1997 trabajó en Francia), el fundador del op art. Las posibilidades del Op art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño.
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(graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayada en cualquier superficie, del italiano graffiare - rayar) Así se designan las obras de la subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, vehículos, realizado con varios tipos de pistolas pulverizadoras y latas de pintura en aerosol. (graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayada en cualquier superficie, del italiano graffiare - rayar) Así se designan las obras de la subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, vehículos, realizado con varios tipos de pistolas pulverizadoras y latas de pintura en aerosol.
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(del land art inglés - arte de la tierra), una dirección de las bellas artes del último tercio del siglo XX, basada en el uso de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas y eligen para sus obras lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, como si intentaran devolver el arte a la naturaleza. (del land art inglés - arte de la tierra), una dirección de las bellas artes del último tercio del siglo XX, basada en el uso de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas y eligen para sus obras lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, como si intentaran devolver el arte a la naturaleza.
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(arte minimalista - inglés: arte minimalista) - artista. un flujo que surge de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso creativo, la sencillez y uniformidad de las formas, la monocromía, la creatividad. autocontrol del artista. (arte minimalista - inglés: arte minimalista) - artista. un flujo que surge de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso creativo, la sencillez y uniformidad de las formas, la monocromía, la creatividad. autocontrol del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo de la subjetividad, la representación y el ilusionismo. Rechazando lo clásico Técnicas de creatividad y tradición. artista Materiales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de formas geométricas simples. Se utilizan formas y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes, en serie, métodos de transporte de producción industrial.
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El expresionismo (del latín expressio, "expresión") es un movimiento en el arte europeo que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX, caracterizado por una tendencia a expresar las características emocionales de una imagen (generalmente una persona o un grupo de personas). ) o el estado emocional del propio artista . Edvard Munch. Gritar
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Primitive zm es un estilo de pintura que incluía una simplificación deliberada de la imagen, haciendo que sus formas sean primitivas, como la creatividad de un niño o los dibujos de tiempos primitivos. Niko Pirosmani. Margarita
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El fauvismo (del francés fauve - salvaje) es una dirección de la pintura francesa. El estilo artístico de los fauves se caracterizó por el dinamismo espontáneo de la pincelada, el deseo del poder emocional de la expresión artística, el color brillante, la pureza penetrante y los agudos contrastes de color, la intensidad del color local abierto y la agudeza del ritmo. Enrique Matisse. Naturaleza muerta
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Cubi zm (fr. Cubisme) es un movimiento en las artes visuales caracterizado por el uso de formas convencionales enfáticamente geometrizadas, el deseo de “dividir” objetos reales en primitivos estereométricos. L. Popova. Retrato de un filósofo
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Supremati zm (del latín supremus - más alto) es una dirección en el arte expresada en combinaciones de planos multicolores de las formas geométricas más simples, desprovistas de significado visual (en las formas geométricas de una línea recta, un cuadrado, un círculo y un rectángulo). Kazimir Malevich. Composición
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El abstraccionismo (lat. abstractio - eliminación, distracción) es una dirección del arte que abandonó la representación de formas cercanas a la realidad en la pintura y la escultura. Uno de los objetivos del arte abstracto es lograr la "armonización", la creación de ciertas combinaciones de colores y formas geométricas para evocar diversas asociaciones en el espectador. Wassily Kandinsky. Impreciso
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El surrealismo (surréalisme francés - superrealismo) es una tendencia en el arte, cuyo rasgo distintivo es la representación del mundo irracional; en las pinturas hay objetos reconocibles, pero se ven extraños o en una composición inusual. Salvador Dalí. Tentación de San Antonio
“Arte” es la creatividad artística en general: literatura, arquitectura, escultura, pintura, gráfica, artes decorativas y aplicadas, música, danza, teatro, cine y otros tipos de actividad humana, combinados como formas artísticas y figurativas de reflejo de la realidad.
La abstracción es una de las principales formas de nuestro pensamiento. Su resultado es la formación de los conceptos y juicios más generales (abstracciones). En el arte decorativo, la abstracción es el proceso de estilizar las formas naturales. En la actividad artística la abstracción está constantemente presente; en su expresión extrema en las bellas artes, conduce al abstraccionismo, una dirección especial en las bellas artes del siglo XX, que se caracteriza por el rechazo a representar objetos reales, la generalización extrema o el rechazo total de la forma, composiciones no objetivas (de líneas, puntos, manchas, planos, etc.), experimentos con el color, expresión espontánea del mundo interior del artista, su subconsciente en formas abstractas caóticas y desorganizadas (expresionismo abstracto). El abstraccionismo se expresó menos en la escultura que en la pintura. El abstraccionismo fue una respuesta a la falta de armonía general del mundo moderno y tuvo éxito porque proclamaba el rechazo de la conciencia en el arte y pedía "ceder a la iniciativa de las formas, los colores, los colores". ¿Qué es la abstracción?
¿Qué es el realismo? Realismo (del francés realisme, del latín realis - material) - en el arte en un sentido amplio, un reflejo veraz, objetivo e integral de la realidad utilizando medios específicos inherentes a los tipos de creatividad artística. Las características generales del método del realismo son la fiabilidad en la reproducción de la realidad. Al mismo tiempo, el arte realista tiene una gran variedad de formas de conocimiento, generalización y reflexión artística de la realidad. Arte realista del siglo XX. adquiere características nacionales brillantes y una variedad de formas. El realismo es el fenómeno opuesto al modernismo.
¿Qué es la vanguardia? Vanguardia - (del francés vanguardia - avanzado, garde - desapego) es un concepto que define los esfuerzos experimentales y modernistas en el arte. En todas las épocas surgieron fenómenos innovadores en las bellas artes, pero el término "vanguardia" no se estableció hasta principios del siglo XX. En este momento aparecieron corrientes como el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo y el abstraccionismo. Luego, en los años 20 y 30, el surrealismo ocupó posiciones de vanguardia. Durante la década de 1920, se agregaron nuevas variedades de abstraccionismo: diversas formas de accionismo, trabajo con objetos (arte pop), arte conceptual, fotorrealismo, cinético, etc. En todos los movimientos de vanguardia, a pesar de su gran diversidad, se pueden identificar características comunes. : rechazo de las normas imágenes clásicas, novedad formal, deformación de formas, expresión y diversas transformaciones lúdicas. Todo esto lleva a difuminar los límites entre arte y realidad (ready-made, instalación, entorno), creando el ideal de una obra de arte abierta que invade directamente el entorno. El arte de vanguardia está diseñado para el diálogo entre el artista y el espectador, la interacción humana activa con una obra de arte, la participación en la creatividad (por ejemplo, arte cinético, sucesos, etc.).
¿Qué es el subsuelo? Underground (inglés underground - underground, dungeon) es un concepto que significa cultura "underground", oponiéndose a las convenciones y restricciones de la cultura tradicional. Las exposiciones de los artistas del movimiento en cuestión a menudo no se llevaban a cabo en salones y galerías, sino directamente en el suelo, así como en pasajes subterráneos o en el metro, que en varios países se llama metro. Probablemente, esta circunstancia también influyó en el hecho de que esta dirección tomó forma en el arte del siglo XX. se estableció este nombre. En Rusia, el concepto de underground se ha convertido en una designación para una comunidad de artistas que representan el arte no oficial.
¿Qué es el surrealismo? El surrealismo (surrealismo francés - superrealismo) es un movimiento en la literatura y el arte del siglo XX. desarrollado en la década de 1920. Surgido en Francia por iniciativa del escritor A. Breton, el surrealismo pronto se convirtió en una tendencia internacional. Los surrealistas creían que la energía creativa proviene de la esfera del subconsciente, que se manifiesta durante el sueño, la hipnosis, los delirios dolorosos, las intuiciones repentinas, las acciones automáticas (el deambular aleatorio de un lápiz sobre papel, etc.). Los artistas surrealistas, a diferencia de los abstraccionistas, no se niegan a representar objetos de la vida real, sino que los presentan en un caos, deliberadamente desprovistos de relaciones lógicas. La falta de significado, el rechazo de un reflejo razonable de la realidad es el principio básico del arte del surrealismo. El mismo nombre de la dirección habla de su aislamiento de la vida real: “sur” en francés “arriba”; Los artistas no pretendían reflejar la realidad, sino que colocaban mentalmente sus creaciones "por encima" del realismo, haciendo pasar fantasías delirantes por obras de arte. Así, el número de pinturas surrealistas incluía obras similares e inexplicables de M. Ernst, J. Miró, I. Tanguy, así como objetos procesados por los surrealistas hasta quedar irreconocibles (M. Oppenheim).
¿Qué es el modernismo? Modernismo (fr. modernisme, del lat. modernus - nuevo, moderno) es una designación colectiva de todas las últimas tendencias, direcciones, escuelas y actividades de maestros de arte individuales del siglo XX, rompiendo con la tradición, el realismo y considerando el experimento como base. del método creativo (fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, arte abstracto, dadaísmo, surrealismo, pop art, op art, arte cinético, hiperrealismo, etc.). El modernismo tiene un significado cercano a la vanguardia y opuesto al academicismo. Los críticos de arte soviéticos evaluaron negativamente el modernismo como un fenómeno de crisis en la cultura burguesa. El arte tiene la libertad de elegir sus caminos históricos. Las contradicciones del modernismo, como tal, no deben considerarse de forma estática, sino en una dinámica histórica.
¿Qué es el arte pop? El arte pop (inglés: pop art, de popular art - popular art) es un movimiento artístico en Europa occidental y Estados Unidos desde finales de los años cincuenta. El apogeo del arte pop se produjo en los turbulentos años 60, cuando estallaron disturbios juveniles en muchos países de Europa y América. El movimiento juvenil no tenía un único objetivo: estaba unido por el patetismo de la negación. Los jóvenes estaban dispuestos a tirar por la borda toda la cultura pasada. Todo ello queda reflejado en el art. Una característica distintiva del arte pop es una combinación de desafío e indiferencia. Todo es igualmente valioso o igualmente invaluable, igualmente bello o igualmente feo, igualmente digno o indigno. Quizás sólo el negocio de la publicidad se base en la misma actitud desapasionada y profesional hacia todo en el mundo. No es casualidad que la publicidad haya tenido una gran influencia en el arte pop, y muchos de sus representantes trabajaron y trabajan en centros de publicidad. Los creadores de programas y espectáculos publicitarios saben cortar en pedazos y combinar en la combinación que necesitan detergente en polvo y una famosa obra maestra de arte, pasta de dientes y la fuga de Bach. El arte pop hace lo mismo.
¿Qué es el arte óptico? El op art (op art en inglés, abreviatura de arte óptico - arte óptico) es un movimiento del arte del siglo XX que se generalizó en la década de 1960. Los artistas del op art utilizaron diversas ilusiones visuales, basándose en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. Los efectos de movimiento espacial, fusión y flotación de formas se lograron mediante la introducción de repeticiones rítmicas, colores nítidos y contrastes tonales, la intersección de configuraciones en espiral y reticular, y líneas retorcidas. En el op art, a menudo se utilizaban instalaciones de luz cambiante y estructuras dinámicas (que se analizan más adelante en la sección de arte cinético). Ilusiones de movimiento fluido, cambios secuenciales de imágenes, formas inestables y que se reorganizan continuamente aparecen en el op art sólo en la percepción del espectador. La dirección continúa la línea técnica del modernismo.
¿Qué es el arte cinético? El arte cinético (del gr. kinetikos - poner en movimiento) es una dirección del arte moderno asociada con el uso generalizado de estructuras en movimiento y otros elementos dinámicos. El cinetismo como movimiento independiente tomó forma en la segunda mitad de la década de 1950, pero fue precedido por experimentos en la creación de artes plásticas dinámicas en el constructivismo ruso (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko) y el dadaísmo. Anteriormente, el arte popular también nos mostraba ejemplos de objetos y juguetes en movimiento, por ejemplo, pájaros de la felicidad de madera de la región de Arkhangelsk, juguetes mecánicos que imitaban procesos laborales del pueblo de Bogorodskoye, etc. En el arte cinético, el movimiento se introduce de diferentes maneras; algunas obras son transformadas dinámicamente por el propio espectador, otras, por vibraciones del entorno aéreo, y otras son impulsadas por un motor o fuerzas electromagnéticas. La variedad de materiales utilizados es infinita: desde medios técnicos tradicionales hasta modernos, pasando por ordenadores y láseres. Los espejos se utilizan a menudo en composiciones cinéticas.
¿Qué es el hiperrealismo? El hiperrealismo (ing. hiperrealismo) es un movimiento en pintura y escultura que surgió en Estados Unidos y se convirtió en un acontecimiento en las bellas artes mundiales en los años 70 del siglo XX. Otro nombre para el hiperrealismo es fotorrealismo. Los artistas de este movimiento imitaron fotografías utilizando medios pictóricos sobre lienzo. Representaban el mundo de una ciudad moderna: escaparates y restaurantes, estaciones de metro y semáforos, edificios residenciales y transeúntes en las calles. Al mismo tiempo, se prestó especial atención a las superficies brillantes que reflejan la luz: vidrio, plástico, cera para automóviles, etc. El juego de reflejos en estas superficies crea la impresión de interpenetración de espacios.
¿Qué es un readymade? El readymade (inglés: ready made) es una de las técnicas habituales del arte moderno (de vanguardia), que consiste en sacar un objeto producido industrialmente de su entorno cotidiano habitual y exponerlo en una sala de exposiciones. El significado del readymade es el siguiente: cuando cambia el entorno, también cambia la percepción del objeto. El espectador ve en el objeto expuesto en el podio no algo utilitario, sino un objeto artístico, expresividad de forma y color. El nombre readymade fue utilizado por primera vez por M. Duchamp a lo largo de los años en relación con sus “objetos ready-made” (peine, rueda de bicicleta, secador de botellas). En los años 60, el readymade se generalizó en diversos ámbitos del arte de vanguardia, especialmente en el dadaísmo.
¿Qué es la instalación? La instalación (de la instalación en inglés - instalación) es una composición espacial creada por un artista a partir de varios elementos: objetos domésticos, productos y materiales industriales, objetos naturales, texto o información visual. Los fundadores de la instalación fueron el dadaísta M. Duchamp y los surrealistas. Al crear combinaciones inusuales de cosas ordinarias, el artista les da un nuevo significado simbólico. El contenido estético de la instalación es un juego de significados semánticos que cambian según dónde se encuentre el objeto: en un entorno cotidiano familiar o en una sala de exposiciones. La instalación fue creada por muchos artistas de vanguardia R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov. La instalación es una forma de arte muy extendida en el siglo XX.
¿Qué es el medio ambiente? Environment (Entorno inglés - entorno, entorno) es una extensa composición espacial que abraza al espectador como un entorno real, una de las formas características del arte de vanguardia de los años veinte. Las esculturas de D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg y D. Hanson crearon ambientes naturalistas que imitan un interior con figuras humanas. Tales repeticiones de la realidad podrían incluir elementos de ficción delirante. Otro tipo de ambiente es un espacio de juego que involucra ciertas acciones por parte de los espectadores.
Conclusión El arte siempre está en sintonía con su tiempo, es moderno y refleja la cosmovisión de la sociedad en su conjunto. A su vez, el arte tiene una fuerte influencia en las masas, por eso es tan importante la actitud del propio artista ante la vida. El desarrollo de diversas tendencias distorsionadas en el arte, el llamado pseudoarte, está en sintonía con su época. Toda la historia del arte y la arquitectura es un tejido vivo, en constante desarrollo y cambio. En cualquier época, ya sea el arte clásico de Grecia, el Renacimiento italiano o el arte ruso antiguo, hubo una lucha de tendencias, influencias, una lucha de viejas ideas con manifestaciones emergentes cualitativamente nuevas. Sin embargo, con toda la variabilidad de las formas de arte dentro de un período determinado, siempre hubo características artísticas relativamente estables: compositivas, plásticas, coloristas, rítmicas y otras que determinaron el estilo de una época en particular. Los mejores representantes de la cultura: artistas, artistas gráficos, escultores, arquitectos, cineastas, actores, escritores de ayer y de hoy se esfuerzan en su creatividad por reflejar los mejores pensamientos y sentimientos de la humanidad, por tratar con cuidado las obras maestras de la cultura mundial.
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Títulos de diapositivas:
Arte contemporáneo Direcciones principales Representantes Obras Profesor Escuela secundaria GBOU No. 339 Distrito Nevsky de San Petersburgo Goncharova Marina Nikolaevna
Una breve historia del arte contemporáneo El arte contemporáneo (arte contemporáneo inglés, a veces se utiliza la definición de arte contemporáneo como sinónimo) es el arte creado en el pasado reciente y en la actualidad. Con el tiempo, el arte moderno pasa a formar parte de la historia. En la actualidad se considera arte contemporáneo a las obras creadas entre los años 1970 y la actualidad. En Rusia, en los años 90, también se utilizaba el término "arte contemporáneo", que en muchos aspectos es similar, pero no idéntico en significado, al término "arte contemporáneo". Por arte contemporáneo, los participantes en el proceso artístico en Rusia entendían arte contemporáneo innovador (en términos de ideas y/o medios técnicos).
Una breve historia del arte moderno La historia del desarrollo de las nuevas direcciones artísticas del siglo XX se puede dividir en dos grandes etapas: modernismo (arte moderno): arte desde la era del impresionismo (que comenzó alrededor de 1880) hasta las décadas de 1960 y 1970 y Arte moderno: desde los años 70 del siglo pasado hasta la actualidad. El arte contemporáneo en su forma actual se formó a finales de los años 1960 y 1970, cuando nacieron los términos "posmoderno" y "posmodernismo". En este momento, el arte conceptual y el minimalismo se desarrollaron activamente. Los temas principales fueron el feminismo y el activismo de las minorías étnicas y sociales.
Una breve historia del arte contemporáneo A principios de la década de 1980, el interés por la representación, el color y la figuratividad comenzó a crecer nuevamente. A mediados de siglo, florecieron el campismo, el arte del East Village y el neopop. El mismo período vio el florecimiento de la fotografía en el arte. A finales de los 90 aparecieron las tecnologías de audio y vídeo, que también afectaron el proceso artístico. Han aparecido nuevos medios técnicos para las prácticas artísticas. Varios artistas de la década de 2000 regresan al modernismo con el deseo de adaptarlo al siglo XXI. Más allá de la era del modernismo, los movimientos artísticos han perdido límites claros y cada vez es más difícil clasificarlos. Esta es una de las características del arte de los últimos 30 años. Otra característica es su orientación social, mucho más pronunciada que en todas las épocas anteriores.
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Corrientes y direcciones en el arte de los tiempos modernos Hiperrealismo El hiperrealismo es un movimiento en pintura y escultura que surgió en Estados Unidos y se convirtió en un acontecimiento en las bellas artes mundiales en los años 70 del siglo XX. El objetivo de los hiperrealistas es representar el mundo no sólo de manera auténtica, sino también súper similar, súper real. Nigel Cox P. Campos
Corrientes y direcciones en el arte de la Nueva Era Realismo feo El realismo feo es una dirección en la pintura que combina delineados y dibujos claros con imágenes que se consideraban feas. Estas imágenes fueron transmitidas con una claridad fotográfica aterradora para resaltar la repugnante crueldad y fealdad del mundo moderno. ULRICH BAEHR Vater Hindenburg PETER SORGE Alto
Corrientes y direcciones del arte moderno Escuela de Yunnan En los últimos 10 a 20 años, los artistas chinos contemporáneos de la provincia sureña de Yunnan se han vuelto ampliamente conocidos, principalmente por sus grabados artísticos. En sus pinturas, líneas elegantes y colores ricos se entrelazan para crear imágenes fantásticas. Shi Yi Luna de Invierno Hao Ping Luz de luna en el bosque
Corrientes y direcciones en el arte del Neoconceptualismo de la Nueva Era El neoconceptualismo es un movimiento que representa la etapa moderna de desarrollo del conceptualismo de los años 60-70. En el conceptualismo, la habilidad del artista no importa mucho. Es secundario. Los artistas trabajan exclusivamente sobre sus ideas e imágenes para un proyecto específico. M. Duchamp LHOOQ R. Prince serie “Zona Canal”
Corrientes y direcciones en el arte de la Nueva Era Neoexpresionismo El neoexpresionismo es un movimiento de la pintura moderna que surgió a finales de los años 1970. Los neoexpresionistas volvieron a las imágenes, la figuratividad, los modales vivos y emocionales y los colores brillantes y saturados. David Salle Niña Leyendo Nombre F. Clemente
Corrientes y direcciones en el arte de la Nueva Era Mala pintura La mala pintura es un estilo de pintura tosca y figurativa. Los artistas “malos” critican la pintura desde dentro. Critican tanto los cánones del tradicionalismo y las reglas dogmáticas como las ideas de las vanguardias. René Magritte Canción de Amor N. Jenny Amiga
Corrientes y direcciones en el arte de la Nueva Era Nueva pintura figurativa. Los artistas de este movimiento representaron objetos cotidianos aislados de su entorno o entorno en un estilo pictórico simplificado, a menudo utilizando imágenes caricaturizadas. Pat Steir Manchas solares II S. Rotenberg Sin título (2)
Movimientos y direcciones en el arte moderno Nuovi Nuov Nuovi-Nuovi se centra en elementos teóricos y formales tomados del pasado y se basa en el concepto de "repetición diversa" o reelaboración, que puede llevarse a cabo de diversas maneras. Enzo Esposito Sin título Luigi Mainolfi Sin título
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Corrientes y direcciones en el arte del New Age Superplano “Superplano” es un término acuñado por el artista japonés contemporáneo Takashi Murakami. El término fue creado para explicar el nuevo lenguaje visual de la forma 2D, similar al lenguaje visual plano de la animación y los cómics modernos. Esta es la forma de arte más avanzada en este momento. Fotograma de la película de anime “Mi vecino Totoro” Escultura de un personaje de la serie de anime “One piece”
Corrientes y tendencias en el arte del graffiti New Age El graffiti puede incluir cualquier tipo de pintura mural callejera: desde simples palabras escritas hasta dibujos exquisitos. Se cree que el graffiti está estrechamente relacionado con la cultura hip-hop. El graffiti es hoy en día una de las formas de expresión artística más relevantes. Banksy Compra hasta caer Autor desconocido