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Masques de théâtre chinois. Opéra de Pékin, masques. Maquillage au théâtre classique chinois

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Opéra de Pékin (‹ћѕз jingju)
Scène de Pékin
Histoire des masques
Masques (–К‹п mianju)
Changement de masques (±dBi bianlian)
En chantant
Littérature

Opéra de Pékin (‹ћѕз jingju)

L'Opéra de Pékin est l'opéra chinois le plus célèbre au monde. Il a été formé il y a 200 ans sur la base de l'opéra local « Huidiao » de la province d'Anhui. En 1790, par décret impérial, les quatre plus grandes troupes d'opéra Huidiao - Sanqing, Sixi, Chuntai et Hechun - furent réunies à Pékin pour célébrer le 80e anniversaire de l'empereur Qianlong. Mots parties d'opéra Huidiao était si facile à comprendre à l'oreille que l'opéra commença bientôt à jouir d'une énorme popularité parmi le public de la capitale. Au cours des 50 années suivantes, Huidiao a absorbé le meilleur des autres écoles d'opéra du pays : Beijing Jingqiang, Kunqiang de la province du Jiangsu, Qinqiang de la province du Shaanxi et bien d'autres, pour finalement devenir ce que nous appelons aujourd'hui l'Opéra de Pékin.

En 1935, le célèbre acteur chinois, maître du déguisement, célèbre pour ses rôles féminins, Mei Lanfang rendit visite à Union soviétique. Dans des conversations sincères avec de grandes personnalités russes arts théâtraux Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Meyerhold et d'autres ont donné une évaluation approfondie et précise de l'école de théâtre chinoise. Des dramaturges européens sont venus spécialement en URSS pour assister au spectacle de la troupe de Mei Lanfan et échanger des opinions et des réflexions sur l'art. Depuis lors, le système théâtral chinois a gagné en reconnaissance dans le monde entier. Les représentants éminents des trois « grands » systèmes théâtraux (russe, européen occidental et chinois), s'étant réunis et échangeant leurs expériences, ont eu un impact profond sur le développement futur du secteur théâtral.

Le nom de Mei Lanfan et de « l'Opéra de Pékin » chinois a choqué le monde et est devenu l'un des symboles de beauté généralement reconnus.

« L'Opéra de Pékin » est une fusion de tous les genres de l'art théâtral (opéra, ballet, pantomime, tragédie et comédie). Grâce à la richesse du répertoire, aux intrigues classiques, à l'habileté des acteurs et aux effets scéniques, elle a trouvé la clé du cœur du public et a suscité son intérêt et son admiration. Mais l'Opéra de Pékin n'est pas seulement un lieu où les spectateurs peuvent s'asseoir confortablement, mais aussi un salon de thé, c'est-à-dire que pendant la représentation, vous pouvez toujours déguster du thé vert aromatique aux fruits confits. Le jeu indescriptible des acteurs, leur transformation complète vous transportera complètement dans un conte de fées, monde magique"Opéra de Beijing"

Les pièces combinent parfaitement le travail des dramaturges des dynasties Yuan et Ming (1279-1644) et des éléments art du cirque. Le spectacle est basé sur les traditions du théâtre chinois, pas comme les autres. Les principales caractéristiques du théâtre traditionnel sont la liberté et la détente.

Afin de répondre à ces exigences, l'artiste doit connaître les bases du jeu d'acteur national, ce sont les « quatre compétences » et les « quatre techniques ».

Les quatre premiers chantent, récitent, se font passer pour et font des gestes ; les quatre seconds sont « jouer avec les mains », « jouer avec les yeux », « jouer avec le corps » et « les pas ».

Scène de l'Opéra de Pékin

La scène de l'Opéra de Pékin ne prend pas beaucoup de place et les décorations sont très simples. Les personnages des personnages sont clairement répartis. Les rôles des femmes sont appelés « dan », les rôles des hommes sont appelés « sheng », les rôles de comédie sont appelés « chow » et le héros avec divers masques est appelé « jing ».

Parmi les rôles masculins, il existe plusieurs rôles : un jeune héros, un homme âgé et un commandant. Les femmes sont divisées en « qingyi » (le rôle d'une femme jeune ou d'âge moyen), « huadan » (le rôle d'une jeune femme), « laodan » (le rôle d'une femme âgée), « daomadan » (le rôle d'une guerrière) et « wudan » (le rôle d'une héroïne militaire). Le héros Jing peut porter les masques Tongchui, Jiazi et Wu. Les rôles de comédie sont divisés entre scientifiques et militaires. Ces quatre personnages sont communs à toutes les écoles de l’Opéra de Pékin.

Maquillage dans l'opéra chinois (БіжЧ lianpu)

Une autre particularité du chinois Opéra- se maquiller Chaque rôle a sa propre composition particulière. Traditionnellement, le maquillage est créé selon certains principes. Il met l'accent sur les caractéristiques d'un certain personnage - vous pouvez facilement déterminer s'il est positif ou héros négatif l'acteur joue, qu'il soit honnête ou trompeur. De manière générale, on peut distinguer plusieurs types de maquillage :

2. Des visages rouge-violet peuvent également être vus sur des personnages nobles et bien élevés. Prenez, par exemple, Lian Po dans la célèbre pièce « Le général fait la paix avec le ministre en chef », dans laquelle un général fier et colérique se disputait, puis faisait la paix avec le ministre.

3. Les visages noirs indiquent un caractère audacieux, courageux et altruiste. Des exemples typiques sont le général Zhang Fei dans "Trois Royaumes", Li Kui dans "Les Piscines" et Wao Gong, l'intrépide légendaire et juge justeère de la dynastie Song.

4. Les visages verts indiquent des héros têtus, impulsifs et manquant complètement de maîtrise de soi.

5. En règle générale, les visages blancs sont caractéristiques des méchants puissants. couleur blanche indique également tout côtés négatifs nature humaine : tromperie, tromperie et trahison. Les personnages typiques au visage blanc sont Cao Cao, le ministre cruel et avide de pouvoir des Trois Royaumes, et Qing Hui, le ministre rusé de la dynastie Song qui a détruit Héro national Yue Fei.

Tous les rôles ci-dessus appartiennent à la catégorie sous le nom général «jing» (l'ampoule d'un homme aux qualités personnelles prononcées). Pour les personnages de comédie théâtre classique existe type particulier grima - "xiaohualien". Une petite tache blanche sur et autour du nez indique un personnage fermé et secret, comme Jiang Gan des Trois Royaumes, qui adorait Cao Cao. En outre, un maquillage similaire peut être trouvé sur un garçon de service ou un roturier plein d'esprit et d'humour, dont la présence anime l'ensemble du spectacle. Un autre rôle est celui du bouffon acrobate « uchou ». Une petite tache sur le nez indique également la ruse et l'esprit du héros. Personnages similaires peut être vu dans le roman « River Backwaters ».

Histoire des masques

L’histoire des masques et du maquillage commence sous la dynastie Song (960-1279). Les exemples de maquillage les plus simples ont été découverts sur les fresques des tombes de cette époque. Sous la dynastie Ming (1368-1644), l'art du maquillage se développe fructueusement : les couleurs s'améliorent, de nouveaux motifs plus complexes apparaissent, comme on peut le voir dans l'opéra de Pékin moderne. Il existe plusieurs théories différentes sur l’origine du maquillage :

1. On pense que les chasseurs primitifs se peignaient le visage pour effrayer les animaux sauvages. Dans le passé également, les voleurs agissaient ainsi pour intimider la victime et passer inaperçus. Peut-être que plus tard, le maquillage a commencé à être utilisé au théâtre.

2. Selon la deuxième théorie, l’origine du maquillage est associée aux masques. Sous le règne de la dynastie Qi du Nord (479-507), il y avait un magnifique commandant Wang Lanling, mais il Beau visage n'a pas semé la peur dans le cœur des soldats de son armée. Par conséquent, il a commencé à porter un masque terrifiant pendant la bataille. Ayant prouvé sa redoutabilité, il connut davantage de succès dans les batailles. Plus tard, des chansons ont été composées sur ses victoires, puis un spectacle de danse masquée est apparu, démontrant la prise de la forteresse ennemie. Apparemment, au théâtre, les masques ont été remplacés par du maquillage.

3. Selon la troisième théorie, le maquillage était utilisé dans les opéras traditionnels uniquement parce que la représentation se déroulait dans des espaces ouverts devant un grand nombre de personnes qui ne pouvaient pas facilement voir l'expression du visage de l'acteur de loin.

Les masques chinois font partie intégrante de l'art mondial. Les premiers masques sont apparus en Chine sous les dynasties Shang et Zhou, soit il y a environ 3 500 ans. Ils constituaient l’élément le plus important du chamanisme chinois. Servir la divinité qui a sauvé de la peste impliquait la danse et le chant des lanceurs de sorts, ce qui était impensable sans masques. Aujourd’hui encore, les minorités nationales portent des masques lors des rituels religieux, des mariages et des funérailles.

Les masques chinois sont principalement en bois et portés sur le visage ou la tête. Bien qu’il existe de nombreux masques de démons, d’esprits maléfiques et d’animaux mythiques, chacun véhicule une signification particulière. Les masques chinois peuvent être divisés dans les catégories suivantes :

1. Masques de danseurs-lanceurs de sorts. Ces masques sont utilisés lors des cérémonies de sacrifices parmi les petits groupes ethniques pour effrayer les mauvais esprits et prier les divinités.

2. Masques de vacances. Des masques similaires sont portés pendant les vacances et les célébrations. Ils sont destinés aux prières pour la longévité et une riche récolte. Dans de nombreux endroits, des masques de fête sont portés lors des mariages.

3. Masques pour nouveau-nés. Ils sont utilisés lors d'une cérémonie dédiée à la naissance d'un enfant.

4. Des masques qui protègent votre maison. Ces masques, comme les masques des danseurs de sorts, sont utilisés pour effrayer les mauvais esprits. En règle générale, ils sont accrochés aux murs de la maison.

5. Masques pour représentations théâtrales. Dans les théâtres de petites nationalités, les masques sont l'élément le plus important à l'aide duquel l'image du héros est créée. Ils ont donc une grande signification artistique.

Masques de sorcellerie (ShРГжѕЯnuomianju). Ces masques uniques sont le résultat du travail d'artisans de la province du Guizhou. Les masques sont sculptés dans du bois et des racines d'arbres. Certains masques ne mesurent que quelques centimètres de haut, tandis que d’autres atteignent deux mètres. Les masques du peuple Miao sont une véritable perle de l’art populaire chinois.

Initialement, les masques de sorcellerie sont apparus dans le centre de la Chine. Une fois au Guizhou, les masques ont commencé à être populaires auprès des chamanes locaux, qui se sont tournés vers les légendaires Fu Xi et Nyu Wa dans leur divination. Le dirigeant chinois Fu Xi a enseigné aux gens à pêcher, chasser et élever du bétail. Et la déesse Nu Wa créa les hommes et répara le firmament.

Dans les temps anciens, les gens croyaient que tous les problèmes et malheurs étaient les machinations des mauvais esprits et des démons. Par conséquent, lors de la divination, ils portaient des masques pour paraître plus grands et effrayer forces du mal. Des danses rituelles étaient également exécutées pour éloigner les démons. Au fil du temps, la fonction de la danse est devenue plus divertissante que religieuse. Et les chants religieux ont dépassé les frontières des temples taoïstes et bouddhistes pour devenir partie intégrante de la culture populaire.

Manches longues en soie blanche (ђ…‘і shuixiu)

Des manches longues et majoritairement blanches sont souvent vues dans les représentations de théâtre traditionnel chinois. En règle générale, ils atteignent une longueur d'un demi-mètre, mais il existe également des spécimens de plus de 1 m. salle les manches en soie blanche ressemblent à des ruisseaux. Bien sûr, même dans les temps anciens, les gens ne portaient pas de vêtements à manches aussi longues. Sur scène, les manches longues sont un moyen de créer un effet esthétique. Agitant de telles manches peut distraire l'attention du spectateur entre les jeux, transmettre les sentiments du héros et ajouter de la couleur à son portrait. Si un héros jette ses manches en avant, cela signifie qu'il est en colère. Secouer ses manches symbolise le tremblement de peur. Si un acteur lève ses manches vers le ciel, c'est qu'un accident vient d'arriver à son personnage. Si un personnage agite ses manches comme s'il essayait de se débarrasser de la saleté du costume d'un autre, il montre ainsi son respect. Changements dans monde intérieur le héros se reflète dans le changement de gestes. Les mouvements des manches longues font partie des compétences de base d’un acteur du théâtre traditionnel chinois.

Changer de masque

Changer de masque est une véritable astuce dans le théâtre traditionnel chinois. Ainsi, le changement d’humeur du héros est affiché. Lorsque la panique dans le cœur du héros fait place à la rage, l'acteur doit changer de masque en quelques secondes. Cette astuce ravit toujours le public. Le changement de masque est le plus souvent utilisé dans le théâtre du Sichuan. Dans l'opéra « Severing the Bridge », par exemple, le personnage principal Xiao Qing remarque le traître Xu Xian, la rage éclate dans son cœur, mais tout à coup elle est remplacée par un sentiment de haine. À ce moment-là, son beau visage blanc comme neige devient d'abord rouge, puis vert, puis noir. L'actrice doit changer rapidement de masque à chaque tour, ce qui n'est possible que grâce à une longue formation. Parfois, plusieurs couches de masques sont utilisées, qui sont arrachées les unes après les autres.

Théâtre de masques d'opéra chinois

En chantant

Le chant joue un rôle très important dans l'Opéra de Pékin. Grande importance ici le son lui-même a. Le caractère unique de la performance et du son envoûtant est déterminé par une connaissance approfondie de la phonologie, des techniques de chant et par la réalisation de l'harmonie entre le Yin et le Yang. La chanson captive non seulement par son contenu, mais évoque également des sentiments profonds chez l'auditeur. L'artiste doit d'abord se mettre dans la peau de quelqu'un d'autre, adopter le caractère et le langage du personnage, puis le maître doit devenir extérieurement comme lui, l'entendre et se sentir comme lui, devenir une personne proche de lui. La respiration joue un rôle très important dans l'exécution de la partie ; pendant le chant, le « changement de souffle », la « respiration secrète », la « respiration » et d'autres techniques sont utilisés. Après sa création, l'Opéra de Pékin est devenu un riche ensemble de compétences en chant. Une utilisation inhabituelle de la voix, du timbre, de la respiration et d'autres aspects est utilisée pour obtenir le plus grand effet scénique. Même si à première vue le chanteur doit absolument adhérer aux canons des arts du spectacle traditionnels chinois, c’est à travers eux que se manifestent la vision individuelle et le talent de l’artiste.

La récitation à l'Opéra de Pékin est un monologue et un dialogue. Les proverbes du théâtre disent : « chantez pour le vassal, récitez pour le maître » ou « chantez bien, parlez bien ». Ces proverbes soulignent l'importance de prononcer des monologues et des dialogues. Tout au long de l’histoire, la culture théâtrale s’est développée sur la base d’un ensemble d’exigences élevées. arts performants et j'ai trouvé brillant, pur Caractéristiques chinoises. Ce style inhabituel et trois types de récitation à des fins diverses- des monologues en langues anciennes et modernes et des dialogues rimés.

La réincarnation est une des formes de manifestation du « Gong Fu ».

Il est accompagné de chants, de récitations et de gesticulations. Ces quatre éléments sont fondamentaux dans l'art du maître. Ils courent comme un fil rouge du début à la fin de la représentation. Agir prend également différentes formes. « Haute compétence » montre des personnages forts et volontaires ; « proche de la vie » - faible, imparfait. Il y a aussi la maîtrise du « style rimé » - l'exécution de mouvements relativement stricts et intelligents combinés à une musique rythmée, et la maîtrise du « style prosaïque » - l'exécution de mouvements libres sur une musique « lâche ».

Dans le « style rimé », l’élément le plus important est la danse. Les compétences en danse peuvent également être divisées en deux types.

Le premier type est le chant et la danse. Les artistes chantent et dansent simultanément pour créer des images et des paysages pour nous. Par exemple, si une scène décrit une forêt nocturne recouverte de neige et un voyageur cherchant refuge, alors l'artiste, à travers l'air du personnage et, en même temps, à travers la danse correspondante, peint ce paysage et l'état du personnage devant nous. (il n'y a pas de décorations dans « PO »).

Le deuxième type est la danse pure. Les artistes utilisent uniquement mouvements de danse pour transmettre l'ambiance et créer une image holistique de ce qui se passe. Tout au long de l’histoire du théâtre en Chine, des danses folkloriques ont été mises en scène. Durant la dynastie Ming (1368-1644), de petits spectacles romans étaient souvent créés et exécutés sur la base de motifs de danse folklorique.

Les gestes sont des éléments d'acrobaties utilisés lors d'une représentation. Dans l'Opéra de Pékin, il y a des personnages qui ne peuvent être imaginés qu'à l'aide de l'art acrobatique. Ce sont les soi-disant rôles de « héros militaire », « d’héroïne militaire » et de « guerrière ». Toutes les scènes de guerre brutale dans les représentations sont constituées de cascades acrobatiques, il y a même des « pièces de guerre » spéciales. Lorsqu’on joue au « vieux », on ne peut pas se passer de techniques acrobatiques car le « vieux » a parfois aussi besoin de « agiter les poings ». L’art de la gestuelle est un « Gung Fu » que tout personnage et donc acteur se doit de posséder.

Dans chaque partie de la performance, l’artiste utilise des manières de jouer particulières : « jouer avec ses mains », « jouer avec ses yeux », « jouer avec son corps » et « jouer avec les pas ». Ce sont les « quatre compétences » déjà mentionnées ci-dessus.

Jouer avec les mains. Les acteurs disent : « Vous pouvez déterminer le maître par un seul mouvement de la main », c'est pourquoi « jouer avec les mains » est un élément très important de la représentation théâtrale. Il comprend la forme des mains, leur position et leurs gestes. La forme des mains est en réalité celle des paumes. Il y a des femmes et formes masculines. Par exemple, les noms des femmes portent les noms suivants : « doigts de lotus », « paume de vieille femme », « poing de lotus », etc. Pour hommes - « paume étendue », « doigts d'épée », « poing serré ». De plus, les positions des mains ont des noms très intéressants : « Le pied d'une montagne solitaire », « deux paumes de soutien », « paumes de soutien et de rencontre ». Les noms des gestes traduisent également la nature du jeu : « mains nuageuses », « mains vacillantes », « mains tremblantes », « mains levées », « mains dépliées », « mains poussantes », etc.

Les gens appellent souvent les yeux les fenêtres de l’âme. Il existe un proverbe théâtral : « Le corps est dans le visage, le visage est dans les yeux ». Et encore : "S'il n'y a pas d'esprit dans les yeux, la personne est morte dans sa tempe." Si pendant le jeu les yeux de l'acteur n'expriment rien, alors la vitalité est perdue. Pour que les yeux soient vivants, les maîtres de théâtre paient grande attentionà votre état intérieur. Cela les aide à ressentir la différence entre des concepts tels que « regarder », « regarder », « viser », « regarder attentivement », « examiner », etc. Pour ce faire, l'artiste doit s'éloigner de toute pensée vaine, ne voir devant lui, comme un artiste, que la nature de son personnage : « J'ai vu une montagne - je suis devenu une montagne, j'ai vu de l'eau - elle coulait comme de l'eau. .»

Jouer avec le corps implique différentes positions du cou, des épaules, de la poitrine, du dos, du bas du dos et des fesses. Un léger changement dans la position du torse peut transmettre l'état interne du personnage. Bien qu’il s’agisse d’un langage théâtral complexe mais très important. Afin de bien le maîtriser, de bouger naturellement et avec précision, l'artiste doit respecter certaines lois de position du corps. Tels que : cou droit, épaules égales ; bas du dos droit, poitrine en avant ; ventre rentré, fesses serrées. Lorsque, lors du mouvement, le bas du dos sert de centre à tout le corps, alors on peut dire que tout le corps travaille en harmonie. Un proverbe dit ceci : « Un mouvement ou cent, cela commence dans le bas du dos. »

Pas. Les « étapes » font référence aux poses et aux mouvements théâtraux sur scène. Il existe plusieurs poses et étapes de base dans l’Opéra de Pékin. Postures : droites ; lettre « T » ; « ma-bu » (jambes écartées, poids réparti uniformément sur les deux jambes) ; « gun-bu » (poids corporel transféré sur une jambe) ; la pose du cavalier ; position détendue; "jambes vides" Méthodes d'étapes : « nuageux », « écrasé », « circulaire », « nain », « rapide », « rampant », « étalé » et « haché » (ceux qui connaissent le wushu en trouveront beaucoup dans les noms de pas et positions de l'école de théâtre communs avec la terminologie adoptée dans l'art martial chinois). Les acteurs croient que les pas et les poses sur scène constituent le fondement du spectacle et remplissent le rôle. mouvements de base porteur de possibilités de changements infinis, qui, à leur tour, sont utilisés par le maître pour transmettre ses sentiments au spectateur. L'Opéra de Pékin repose sur ces huit piliers : « quatre façons de jouer » et « quatre types de compétences ». Bien que ce ne soit bien sûr pas tout. Après tout, les fondements de la pyramide artistique de l’Opéra de Pékin sont profondément ancrés dans la culture chinoise. Mais la portée de l'article ne permet pas d'apprécier pleinement la beauté et la profondeur de cette représentation théâtrale.

Littérature

Morkovskaya, Lisa. Masques de l'Opéra de Pékin // Autour du monde. 2006. N° 8 (2791).

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1. On pense que les chasseurs primitifs se peignaient le visage pour effrayer les animaux sauvages. Dans le passé également, les voleurs agissaient ainsi pour intimider la victime et passer inaperçus. Peut-être que plus tard, le maquillage a commencé à être utilisé au théâtre.
2. Selon la deuxième théorie, l’origine du maquillage est associée aux masques. Sous le règne de la dynastie Qi du Nord (479-507), il y avait un magnifique général, Wang Lanling, mais son beau visage n'inspirait pas la peur dans le cœur des soldats de son armée. Par conséquent, il a commencé à porter un masque terrifiant pendant la bataille. Ayant prouvé sa redoutabilité, il connut davantage de succès dans les batailles. Plus tard, des chansons ont été composées sur ses victoires, puis un spectacle de danse masquée est apparu, démontrant la prise de la forteresse ennemie. Apparemment, au théâtre, les masques ont été remplacés par du maquillage.
3. Selon la troisième théorie, le maquillage était utilisé dans les opéras traditionnels uniquement parce que la représentation se déroulait dans des espaces ouverts devant un grand nombre de personnes qui ne pouvaient pas facilement voir l'expression du visage de l'acteur de loin.

1. Masques de danseurs-lanceurs de sorts. Ces masques sont utilisés lors des cérémonies de sacrifice au sein de petits groupes ethniques pour éloigner les mauvais esprits et prier les divinités.
2. Masques de vacances. Des masques similaires sont portés pendant les vacances et les célébrations. Ils sont destinés aux prières pour la longévité et une riche récolte. Dans de nombreux endroits, des masques de fête sont portés lors des mariages.
3. Masques pour nouveau-nés. Ils sont utilisés lors d'une cérémonie dédiée à la naissance d'un enfant.
4. Des masques qui protègent votre maison. Ces masques, comme les masques des danseurs de sorts, sont utilisés pour effrayer les mauvais esprits. En règle générale, ils sont accrochés aux murs de la maison.
5. Masques pour représentations théâtrales. Dans les théâtres de petites nationalités, les masques sont l'élément le plus important à l'aide duquel l'image du héros est créée. Ils ont donc une grande signification artistique.

Dans les temps anciens, les gens croyaient que tous les problèmes et malheurs étaient les machinations des mauvais esprits et des démons. Par conséquent, lors de la divination, ils portaient des masques pour paraître plus grands et effrayer les forces du mal. Des danses rituelles étaient également exécutées pour éloigner les démons. Au fil du temps, la fonction de la danse est devenue plus divertissante que religieuse. Et les chants religieux ont dépassé les frontières des temples taoïstes et bouddhistes pour devenir partie intégrante de la culture populaire.

Manches longues en soie blanche (ђ…‘і shuixiu)

Des manches longues et majoritairement blanches sont souvent vues dans les représentations de théâtre traditionnel chinois. En règle générale, elles atteignent une longueur d'un demi-mètre, mais il existe également des exemples de plus d'un mètre. Depuis l'auditorium, les manches en soie blanche ressemblent à des ruisseaux. Bien sûr, même dans les temps anciens, les gens ne portaient pas de vêtements à manches aussi longues. Sur scène, les manches longues sont un moyen de créer un effet esthétique. Agitant de telles manches peut distraire l'attention du spectateur entre les jeux, transmettre les sentiments du héros et ajouter de la couleur à son portrait. Si un héros jette ses manches en avant, cela signifie qu'il est en colère. Secouer ses manches symbolise le tremblement de peur. Si un acteur lève ses manches vers le ciel, c'est qu'un accident vient d'arriver à son personnage. Si un personnage agite ses manches comme s'il essayait de se débarrasser de la saleté du costume d'un autre, il montre ainsi son respect. Les changements dans le monde intérieur du héros se reflètent dans les changements de gestes. Les mouvements des manches longues font partie des compétences de base d’un acteur du théâtre traditionnel chinois.

Yuju(Opéra du Henan), ou banzi du Henan, est né à l'époque Qing de spectacles folkloriques locaux qui absorbaient des éléments de l'opéra du Shanxi et du banzi de Puzhou. Cela lui donnait un caractère vivant, simple et conversationnel. Vers la fin de la dynastie Qing, l'opéra du Henan s'est répandu dans les villes et, sous l'influence de l'opéra de Pékin, est devenu un genre développé et populaire dans les provinces du Henan, du Shaanxi, du Shanxi, du Hebei, du Shandong et de l'Anhui.

Yueju(Opéra de Shaoxing) a pris sa propre forme à la fin de l'ère Qing, sur la base des chansons folkloriques du comté de Shengxian, province du Zhejiang. Inclus des éléments vocaux et scéniques d'opéras locaux. Plus tard, influencé nouveau drame et l'opéra ancien Kunqu, sont devenus populaires dans les provinces de Shanghai, du Jiangsu et du Zhejiang. La musique douce et mélodique de l'opéra de Shaoxing est la plus adaptée pour transmettre des sentiments tendres ; le style de jeu est également gracieux et sophistiqué.

Qinqiang(Opéra du Shaanxi) est apparu à l’époque Ming (1368-1644). Le chant ici est fort et clair, les hochets battent un rythme clair, les mouvements sont simples et énergiques. Le genre Qinqiang était très populaire à la fin des époques Ming et au début des Qing et a influencé un certain nombre d'autres types d'opéra local. Aujourd'hui, l'opéra du Shaanxi attire de nombreux spectateurs dans les provinces du Shaanxi, du Gansu et du Qinghai ; son répertoire traditionnel comprend plus de 2 000 œuvres.

Kunqu(Opéra Kunshan) est né dans le comté de Kunshan, province du Jiangsu, à la fin de la dynastie Yuan (1271-1368) – le début des Ming. Kunqu a une voix douce et claire, ses mélodies sont belles et sophistiquées, rappelant la musique de danse. Ce genre a eu une énorme influence sur d’autres types d’opéra. Vers le milieu des Ming, il s'est répandu dans le nord du pays et s'est progressivement développé vers un type d'opéra plus énergique et plus sévère appelé « du Nord ». À la fin du XVIIe siècle, l'opéra kunqu avait conquis le public de la capitale et la cour de l'empereur et perdait progressivement le public de masse pour se transformer en une forme d'art aristocratique.

Chuanju(Opéra du Sichuan) est populaire dans les provinces du Sichuan, du Guizhou et du Yunnan. C'est la principale forme de théâtre local dans le sud-ouest de la Chine. Il s'est développé vers le milieu de l'ère Qing sur la base d'une combinaison de formes d'opéra locales telles que le kunqu, le gaoqiang, le huqin et le tanxi idengshi. Son trait le plus caractéristique est son chant. à voix haute. Le répertoire est très riche, comprenant plus de 2 mille œuvres. Les textes se distinguent par une grande valeur artistique et humoristique. Les mouvements sont détaillés et très expressifs.

Hanju(Opéra du Hubei) est une forme théâtrale ancienne originaire de la province du Hubei. Il a une histoire de plus de trois cents ans et a grandement influencé la formation des opéras de Pékin, du Sichuan et du Henan. Très riche vocalement, compte plus de 400 mélodies. Le répertoire est également très large. Le genre Hanju est populaire dans les provinces du Hubei, du Henan, du Shaanxi et du Hunan.

Yueju(Opéra de Guangzhou) est apparu à l’époque Qing sous l’influence du kunqu et du yangqiang (un autre type d’opéra ancien). Plus tard, il a absorbé des éléments des opéras de l'Anhui et du Hubei et des mélodies folkloriques de la province du Guangdong. Grâce à sa riche composition orchestrale, sa variété mélodique et sa grande capacité d'innovation, il devint rapidement la principale forme théâtrale dans les provinces du Guangdong et du Guangxi, ainsi que chez les Chinois d'Asie du Sud-Est et d'Amérique.

Chaoju(Opéra de Chaozhou) remonte au milieu de l’ère Ming et conserve des éléments des « drames du sud » Song (960-1279) et Yuan Nanxi, originaires des provinces du Jiangsu et du Zhejiang. Le style vocal est riche et coloré. Le genre Chaoju fait largement appel à l'acrobatie, au clown, à toutes sortes de mouvements de danse, de gestes et d'arts plastiques. Attire de nombreux téléspectateurs dans la région de Chaozhou-Shantou de la province du Guangdong, dans le sud de la province du Fuijian et dans les communautés chinoises d'Asie du Sud-Est.

opéra tibétain basé sur des chants et des danses folkloriques tibétaines, né à la fin du 14ème siècle et développé en genre d'opéra au 17ème siècle. Populaire dans les communautés tibétaines du Tibet, du Sichuan, du Qinghai et du sud du Gansu. Son livret est basé principalement sur des ballades folkloriques, les mélodies sont fixes. Dans l'opéra tibétain, ils chantent fort, à voix haute, et le chœur chante avec les solistes. Certains personnages portent des masques. L'opéra tibétain est généralement joué en plein air. Son répertoire traditionnel comprend de longues œuvres basées sur des histoires folkloriques et bouddhistes (par exemple, « Princesse Wencheng », « Princesse Norsan »), ou de courts sketches comiques avec chants et danses.

Il y a 100 ans, dans le village de Dongwan, province du Zhejiang, scène d'opéra actrices jouées pour la première fois Opéra de Shaoxing. Peu à peu, il a évolué d'un genre folk pop à une forme bien connue d'art lyrique local en Chine. L'Opéra de Shaoxing s'inspire du dialecte Shengzhou de la province du Zhejiang et des mélodies folkloriques locales, tout en incorporant les meilleurs éléments de l'Opéra de Pékin, de l'Opéra Kunqu local, de l'art théâtral et de la cinématographie. Les images présentées lors de la représentation sur scène sont tendres et touchantes, la prestation est lyrique et belle. Elle se distingue par un style doux et lyrique.

À la fin des années 50 et au début des années 60 du 20e siècle, il existait 367 types d’opéras locaux en Chine. Aujourd'hui, ils sont 267 et, pour certains types d'opéra, un seul groupe se produit. En d’autres termes, 100 types d’opéras locaux ont déjà cessé d’exister et nombre d’entre eux sont sur le point de disparaître. À cet égard, la tâche de préserver le patrimoine culturel en le perpétuant sur les supports audio et vidéo devient de plus en plus urgente. Ce travail est d'ailleurs important non seulement en termes de protection du patrimoine culturel, mais aussi en termes de pérennité et de développement de l'art de l'opéra.

Après la formation de la nouvelle Chine, deux campagnes à grande échelle ont été menées dans le pays pour sauver, préserver et systématiser l'art de l'opéra. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, des milliers d’opéras traditionnels ont été immortalisés. Grâce à ce travail, l'état général du patrimoine lyrique en Chine a été connu. La deuxième campagne a eu lieu dans les années 80 et 90 du XXe siècle, époque à laquelle les « Notes sur l'opéra chinois » et les « Mélodies d'opéra rassemblées de Chine » ont été publiées.

Conclusion

2007 est l'année du centenaire du Théâtre dramatique chinois.

Le drame (huaju) est apparu en Chine il y a 100 ans sous l'influence de culture étrangère. Avant cela, le drame au sens occidental du terme n’était pas familier aux Chinois. Seuls les drames traditionnels chinois, qui sont davantage une forme d'art musical que parlé, étaient populaires dans le pays.

En 1907, plusieurs étudiants chinois étudiant au Japon créent le groupe de scène « Chunliushe », qui met en scène des fragments de « La Dame aux camélias » de Dumas le Fils sur les scènes de Tokyo. La même année, un autre groupe de scène, Chunyangshe, est créé à Shanghai. Sur les scènes chinoises, ce groupe a joué la pièce « La Case de l'oncle Tom » basée sur le livre de l'écrivain américain H. Beecher Stowe. C’est ainsi qu’est apparu en Chine le théâtre au sens européen du terme.

Dans les années 20 du 20e siècle, le théâtre chinois étranger était influencé par le réalisme et l’expressionnisme. Dans les années 30, Cao Yu a créé une trilogie - "Thunderstorm", "Sunrise" et "Field", qui est encore jouée aujourd'hui sur la scène chinoise.

Après l’arrivée au pouvoir de Mao Zedong et du Parti communiste, des théâtres de propagande ont commencé à apparaître partout et des spectacles correspondants ont été organisés. Par conséquent, les rôles traditionnels ont commencé à être remplacés par de nouveaux.

En 1952, le Théâtre d'art populaire de Pékin a été créé, mettant en scène des pièces réalistes (par exemple, « Tea House » et « Longxugou Ditch »).

Au milieu et à la fin des années 80 du XXe siècle, le théâtre s'est encore développé, des réformes et des recherches ont été menées pour mettre à jour le contenu et la forme artistique.

Aujourd’hui, la dramaturgie se développe rapidement, tout comme l’opéra traditionnel chinois. En 2006, plus de 40 pièces ont été créées sur les scènes de Pékin. La plupart parlent de vrai vie chinois ordinaire, aborde les problèmes les plus importants de la société chinoise. Certains réalisateurs ont choisi de combiner des éléments traditionnels avec des éléments modernes. Ils ont immédiatement commencé à être qualifiés de réalisateurs d'avant-garde. Un représentant de l’avant-garde, par exemple, est le réalisateur Meng Jinghui.

Bibliographie

1. Borodycheva E.S. Site Internet du théâtre chinois "Secular Club"

Théâtre traditionnel chinois

L'Opéra de Pékin est l'opéra chinois le plus célèbre au monde. Il a été formé il y a 200 ans sur la base de l'opéra local « Huidiao » de la province d'Anhui. En 1790, par décret impérial, les quatre plus grandes troupes d'opéra Huidiao - Sanqing, Sixi, Chuntai et Hechun - furent réunies à Pékin pour célébrer le 80e anniversaire de l'empereur Qianlong. Les paroles des parties de l'opéra Huidiao étaient si faciles à comprendre à l'oreille que l'opéra commença bientôt à jouir d'une énorme popularité parmi le public de la capitale. Au cours des 50 années suivantes, Huidiao a absorbé le meilleur des autres écoles d'opéra du pays : Beijing Jingqiang, Kunqiang de la province du Jiangsu, Qinqiang de la province du Shaanxi et bien d'autres, pour finalement devenir ce que nous appelons aujourd'hui l'Opéra de Pékin.

La scène de l'Opéra de Pékin ne prend pas beaucoup de place et le décor est très simple. Les personnages des personnages sont clairement répartis. Les rôles des femmes sont appelés « dan », les rôles des hommes sont appelés « sheng », les rôles de comédie sont appelés « chow » et le héros avec divers masques est appelé « jing ». Parmi les rôles masculins, il existe plusieurs rôles : un jeune héros, un homme âgé et un commandant. Les femmes sont divisées en « qingyi » (le rôle d'une femme jeune ou d'âge moyen), « huadan » (le rôle d'une jeune femme), « laodan » (le rôle d'une femme âgée), « daomadan » (le rôle d'une guerrière) et « wudan » (le rôle d'une héroïne militaire). Le héros Jing peut porter les masques Tongchui, Jiazi et Wu. Les rôles de comédie sont divisés entre scientifiques et militaires. Ces quatre personnages sont communs à toutes les écoles de l’Opéra de Pékin.

Une autre caractéristique de l’opéra chinois est le maquillage. Chaque rôle a sa propre composition particulière. Traditionnellement, le maquillage est créé selon certains principes. Il met l'accent sur les caractéristiques d'un certain personnage - à partir de là, vous pouvez facilement déterminer si l'acteur joue un personnage positif ou négatif, s'il est honnête ou trompeur. De manière générale, on peut distinguer plusieurs types de maquillage :

1. Le visage rouge symbolise le courage, l'honnêteté et la loyauté. Le personnage typique au visage rouge est Guan Yu, un général de l'époque des Trois Royaumes (220-280) célèbre pour sa loyauté envers l'empereur Liu Bei.

3. Les visages noirs indiquent un caractère audacieux, courageux et altruiste. Des exemples typiques sont le général Zhang Fei dans Les Trois Royaumes, Li Kui dans Les Étangs et Wao Gong, le juge légendaire et juste intrépide de la dynastie Song.

4. Les visages verts indiquent des héros têtus, impulsifs et manquant complètement de maîtrise de soi.

5. En règle générale, les visages blancs sont caractéristiques des méchants puissants. La couleur blanche indique également tous les aspects négatifs de la nature humaine : tromperie, tromperie et trahison. Les personnages typiques au visage blanc sont Cao Cao, le ministre cruel et avide de pouvoir des Trois Royaumes, et Qing Hui, le ministre rusé de la dynastie Song qui a tué le héros national Yue Fei.

Tous les rôles ci-dessus appartiennent à la catégorie sous le nom général «jing» (l'ampoule d'un homme aux qualités personnelles prononcées). Pour les personnages de comédie du théâtre classique, il existe un type de maquillage spécial : le « xiaohualien ». Une petite tache blanche sur et autour du nez indique un personnage fermé et secret, comme Jiang Gan des Trois Royaumes, qui adorait Cao Cao. En outre, un maquillage similaire peut être trouvé sur un garçon de service ou un roturier plein d'esprit et d'humour, dont la présence anime l'ensemble du spectacle. Un autre rôle est celui du bouffon acrobate « uchou ». Une petite tache sur le nez indique également la ruse et l'esprit du héros. Des personnages similaires peuvent être vus dans le roman « River Backwaters ».

2. Selon la deuxième théorie, l’origine du maquillage serait associée aux masques. Sous le règne de la dynastie Qi du Nord (479-507), il y avait un magnifique général, Wang Lanling, mais son beau visage n'inspirait pas la peur dans le cœur des soldats de son armée. Par conséquent, il a commencé à porter un masque terrifiant pendant la bataille. Ayant prouvé sa redoutabilité, il connut davantage de succès dans les batailles. Plus tard, des chansons ont été composées sur ses victoires, puis un spectacle de danse masquée est apparu, démontrant la prise de la forteresse ennemie. Apparemment, au théâtre, les masques ont été remplacés par du maquillage.

1. Masques de danseurs-lanceurs de sorts. Ces masques sont utilisés lors des cérémonies de sacrifice au sein de petits groupes ethniques pour éloigner les mauvais esprits et prier les divinités.

3. Masques pour nouveau-nés. Ils sont utilisés lors d'une cérémonie dédiée à la naissance d'un enfant.

ENCYCLOPÉDIE DE CHINE - Opéra de Pékin, masques - Théâtre... L'Opéra de Pékin est l'opéra chinois le plus célèbre au monde. Il a été formé il y a 200 ans sur la base de l'opéra local « Huidyao » de la province... http://www.abirus.ru/content/564/623/625/645/655/859.html

Ces masques uniques sont le résultat du travail d'artisans de la province du Guizhou. Les masques sont sculptés dans du bois et des racines d'arbres. Certains masques ne mesurent que quelques centimètres de haut, tandis que d’autres atteignent deux mètres. Les masques du peuple Miao sont une véritable perle de l’art populaire chinois.

Dans les temps anciens, les gens croyaient que tous les problèmes et malheurs étaient les machinations des mauvais esprits et des démons. Par conséquent, lors de la divination, ils portaient des masques pour paraître plus grands et effrayer les forces du mal. Des danses rituelles étaient également exécutées pour éloigner les démons. Au fil du temps, la fonction de la danse est devenue plus divertissante que religieuse. Et les chants religieux ont dépassé les frontières des temples taoïstes et bouddhistes pour devenir partie intégrante de la culture populaire.

Sur scène, les manches longues sont un moyen de créer un effet esthétique. Agitant de telles manches peut distraire l'attention du spectateur entre les jeux, transmettre les sentiments du héros et ajouter de la couleur à son portrait. Si un héros jette ses manches en avant, cela signifie qu'il est en colère. Secouer ses manches symbolise le tremblement de peur. Si un acteur lève ses manches vers le ciel, c'est qu'un accident vient d'arriver à son personnage. Si un personnage agite ses manches comme s'il essayait de se débarrasser de la saleté du costume d'un autre, il montre ainsi son respect. Les changements dans le monde intérieur du héros se reflètent dans les changements de gestes. Les mouvements des manches longues font partie des compétences de base d’un acteur du théâtre traditionnel chinois.

La signification des masques utilisés dans l’opéra chinois reste peut-être un mystère pour les étrangers, mais le choix de la couleur des masques n’est pas du tout aléatoire. Quel est le secret ? Découvrez les significations exprimées par les couleurs des masques.

La signification des masques utilisés dans l'opéra chinois est peut-être un mystère pour les étrangers, mais pour les amateurs d'opéra chinois qui connaissent bien art chinois, un seul coup d'œil suffit - et ils peuvent facilement déterminer le personnage et même le rôle que le héros jouera dans l'opéra. Photo : Alcuín/Flickr

Noir

Curieusement, la couleur noire dans l'opéra de Pékin signifie la couleur de la peau, cela est dû au fait que le haut fonctionnaire Bao avait la peau noire (Bao Zheng - un scientifique et homme d'État exceptionnel de la dynastie Song, 999-1062 après JC). C'est pourquoi le masque était également noir. Elle a reçu une large reconnaissance parmi le peuple et la couleur noire est devenue un symbole de justice et d’impartialité. Initialement, un masque noir associé à une peau de couleur chair signifiait galanterie et sincérité. Au fil du temps, le masque noir a commencé à signifier courage et honnêteté, franchise et détermination.

Rouge

Les caractéristiques de la couleur rouge sont des qualités telles que la loyauté, le courage et l’honnêteté. Un masque avec la présence de couleur rouge est généralement utilisé pour jouer un rôle positif. Puisque la couleur rouge signifie le courage, les masques rouges représentaient des soldats loyaux et vaillants et représentaient également divers êtres célestes.

Blanc

Dans l’opéra chinois, le blanc peut être associé au rose pâle ou au beige. Ce masque est souvent utilisé pour représenter un méchant. Dans l'histoire des Trois Royaumes, le chef militaire et chancelier de la dynastie des Han de l'Est était Cao Cao, symbole de trahison et de suspicion. Cependant, le masque blanc est également utilisé pour représenter des héros plus âgés aux cheveux et au teint blancs, comme les généraux, les moines, les eunuques, etc.

Vert

Dans l’opéra chinois, les masques verts sont généralement utilisés pour montrer des personnages courageux, imprudents et forts. Les voleurs qui se sont imposés comme dirigeants étaient également représentés avec des masques verts.

Bleu

Dans l’opéra chinois, le bleu et le vert sont des couleurs identiques et, combinés au noir, représentent la rage et l’entêtement. Cependant, le bleu peut aussi signifier la méchanceté et la ruse.

Violet

Cette couleur se situe entre le rouge et le noir et exprime un état de solennité, d'ouverture et de sérieux, et démontre également un sens de la justice. La couleur violette est parfois utilisée pour rendre le visage laid.

Jaune

Dans l’opéra chinois, la couleur jaune peut être considérée comme une expression de courage, de ténacité et de cruauté. Les masques jaunes sont également utilisés pour des rôles où un caractère cruel et colérique est pleinement démontré. Couleurs argent et or

Dans l'opéra chinois, ces couleurs sont principalement utilisées pour les masques fantastiques montrant le pouvoir d'êtres surnaturels, ainsi que pour divers fantômes et fantômes qui montrent la cruauté et l'indifférence. Parfois, des masques dorés sont utilisés pour montrer la valeur des généraux et leurs hauts grades.

Opéra de Pékin

L'histoire de l'ouverture des scènes théâtrales en Chine remonte à plus de huit siècles. Il a connu les mêmes étapes de développement que tous les théâtres du monde. Par exemple, en Angleterre, au XVIe siècle, il existait deux types de bâtiments : les théâtres en plein air et les salles de chambre. Les premiers étaient appelés « publics », les seconds « privés ». En Chine, ces théâtres étaient le « Gou-Dan » et le « Chang-Hui ». À cette époque, les formes de scènes théâtrales étaient des plates-formes libres relativement grandes sans toit, appelées « plates-formes de danse », autour desquelles il y avait des couloirs couverts de trois étages qui constituaient la partie périphérique du théâtre. Le billet d'entrée coûtait le même pour toutes les classes ; ceux qui payaient avaient le droit de se tenir au centre du site. S'il voulait s'asseoir, il devait apporter frais supplémentaires pour entrer dans le couloir. De plus, dans chaque couloir se trouvait une loge aristocratique. Le reste des spectateurs entourait la zone de représentation sur trois côtés, située à une altitude d'environ 4 à 6 pieds au-dessus du sol. Sa conception était très simple : une grande plate-forme dépassait à l'avant, avec des portes derrière des deux côtés. . Il y avait un deuxième étage avec des fenêtres au-dessus de la scène, qui était également utilisé pendant la représentation. Bien que les représentations théâtrales et les lieux qui leur étaient réservés dans le monde entier aient été construits selon des lois générales, elles avaient cependant leurs propres caractéristiques nationales en raison des différences de développement culturel et économique. En Europe, à la Renaissance, l'art théâtral a connu un développement continu. De nombreux genres théâtraux et de cirque sont nés, divers styles se sont formés, le réalisme et le symbolisme sont tous les enfants de cette époque. Les acteurs du théâtre chinois à cette époque dans les théâtres en plein air ont tempéré leurs compétences avec diligence et avec un grand dévouement. Et ce n’est qu’à la fin du siècle dernier qu’ils ont commencé à ressentir l’influence de l’école de théâtre européenne. Ainsi fut créé le « Théâtre Classique de la Capitale » du professeur Jou Huawu. Il a dit un jour : « Juste au moment où les acteurs chinois chantaient, dansaient et récitaient en plein air avec altruisme et diligence, un système de jeu oriental spécial, contrairement à d’autres, s’est formé. » En 1935, le célèbre acteur chinois, maître de l'imitation, célèbre pour ses interprétations de rôles féminins, Mei Lanfang, s'est rendu en Union soviétique dans des conversations cordiales avec les grandes figures de l'art théâtral russe Stanislavski, Nemirovich-Danchenko, Meyerhold et d'autres. une évaluation approfondie et précise de l'école de théâtre chinoise a été donnée. Des dramaturges européens sont venus spécialement en URSS pour assister au spectacle de la troupe de Mei Lanfan et échanger des opinions et des réflexions sur l'art. Depuis lors, le système théâtral chinois a gagné en reconnaissance dans le monde entier. Les représentants éminents des trois « grands » systèmes théâtraux (russe, européen occidental et chinois), s'étant réunis et échangeant leurs expériences, ont eu un impact profond sur le développement futur du secteur théâtral. Le nom de Mei Lanfan et de « l'Opéra de Pékin » chinois a choqué le monde et est devenu l'un des symboles de beauté généralement reconnus. "L'Opéra de Pékin" est une fusion de tous les genres de l'art théâtral (opéra, ballet, pantomime, tragédie et comédie). En raison de la richesse du répertoire, des intrigues des manuels, de l'habileté des acteurs et des effets de scène, il a trouvé la clé. a touché le cœur du public et suscité son intérêt et son admiration. Mais le Théâtre de l'Opéra de Pékin n'est pas seulement un lieu pour accueillir confortablement les spectateurs, mais aussi un salon de thé, c'est-à-dire que pendant la représentation, vous pourrez toujours déguster du thé vert aromatique aux fruits confits. La performance indescriptible des acteurs, leur transformation complète vous transportera complètement dans le monde fabuleux et magique de l'Opéra de Pékin. Les pièces combinent parfaitement le travail des dramaturges des dynasties Yuan et Ming (1279-1644) et des éléments de l'art du cirque. Le spectacle est basé sur les traditions du théâtre chinois, pas comme les autres. Les principales caractéristiques du théâtre traditionnel sont la liberté et la détente. Afin de répondre à ces exigences, l'artiste doit connaître les bases du jeu national, ce sont les « quatre compétences » et les « quatre techniques ». Les quatre premiers chantent, récitent, se font passer pour et font des gestes ; les quatre seconds sont « jouer avec les mains », « jouer avec les yeux », « jouer avec le corps » et « les pas ». En chantant occupe une place très importante dans l’Opéra de Pékin. Le son lui-même est ici d'une grande importance. Le caractère unique de la performance, le son fascinant est déterminé par une connaissance approfondie de la phonologie, de la technique du chant et de la réalisation de l'harmonie du Yin et du Yang. La chanson captive non seulement par son contenu, mais aussi. évoque des sentiments profonds chez l'auditeur. L'artiste doit d'abord se mettre dans la peau de quelqu'un d'autre, adopter le caractère et le langage du personnage, puis le maître et extérieurement doivent devenir comme lui, l'entendre et se sentir comme lui, devenir une personne proche de lui. La respiration joue un rôle très important dans l'exécution de la partie ; pendant le chant, le « changement de souffle », la « respiration secrète », la « respiration » et d'autres techniques sont utilisés. Après sa création, l'Opéra de Pékin est devenu une riche collection de compétences en chant. Une utilisation inhabituelle de la voix, du timbre, de la respiration et d'autres aspects est utilisée pour obtenir le plus grand effet scénique. Même si à première vue le chanteur doit absolument adhérer aux canons des arts du spectacle traditionnels chinois, c’est à travers eux que se manifestent la vision individuelle et le talent de l’artiste. Récitation dans l'Opéra de Pékin, c'est monologue et dialogue. Les proverbes du théâtre disent : « chantez pour le vassal, récitez pour le maître » ou « chantez bien, parlez bien ». Ces proverbes soulignent l'importance de prononcer des monologues et des dialogues. Tout au long de l'histoire, la culture théâtrale s'est développée sur la base de l'ensemble des exigences des arts du spectacle de haut niveau et a acquis des caractéristiques brillantes et purement chinoises. Il s'agit d'un style inhabituel et de trois types de récitation à des fins différentes - des monologues en langues anciennes et modernes et des dialogues rimés. La réincarnation est une des formes de manifestation du « Gong Fu ». Il est accompagné de chants, de récitations et de gesticulations. Ces quatre éléments sont fondamentaux dans l'art du maître. Ils courent comme un fil rouge du début à la fin de la représentation. Agir prend également différentes formes. « Haute compétence » montre des personnages forts et volontaires ; « proche de la vie » - faible, imparfait. Il y a aussi la maîtrise du « style rimé » - l'exécution de mouvements relativement stricts et intelligents combinés à une musique rythmée, et la maîtrise du « style prosaïque » - l'exécution de mouvements libres sur une musique « lâche ». Dans le « style rimé », l’élément le plus important est la danse. Les compétences en danse peuvent également être divisées en deux types. Le premier type est le chant et la danse. Les artistes créent simultanément des images et des paysages devant nous avec le chant et la danse. Par exemple, si une scène décrit une forêt nocturne recouverte de neige et un voyageur cherchant refuge, alors l'artiste, à travers l'air du personnage et, en même temps, à travers la danse correspondante, peint ce paysage et l'état du personnage devant nous. (il n'y a pas de décorations dans « PO »). Le deuxième type est la danse pure. Les artistes utilisent uniquement des mouvements de danse pour transmettre l'ambiance et créer une image holistique de ce qui se passe. Tout au long de l’histoire du théâtre en Chine, des danses folkloriques ont été mises en scène. Durant la dynastie Ming (1368-1644), de petits spectacles romans étaient souvent créés et exécutés sur la base de motifs de danse folklorique. Gesticulation- ce sont des éléments d'acrobaties utilisés lors de la représentation. Dans l'Opéra de Pékin, il y a des personnages qui ne peuvent être imaginés qu'à l'aide de l'art acrobatique. Ce sont les soi-disant rôles de « héros militaire », « d’héroïne militaire » et de « guerrière ». Toutes les scènes de guerre brutale dans les représentations sont constituées de cascades acrobatiques, il y a même des « pièces de guerre » spéciales. Lorsqu’on joue au « vieux », on ne peut pas se passer de techniques acrobatiques car le « vieux » a parfois aussi besoin de « agiter les poings ». L’art de la gestuelle est un « Gung Fu » que tout personnage et donc acteur se doit de posséder. Dans chaque partie de la performance, l’artiste utilise des manières de jouer particulières : « jouer avec ses mains », « jouer avec ses yeux », « jouer avec son corps » et « jouer avec les pas ». Ce sont les « quatre compétences » déjà mentionnées ci-dessus. Jouer avec les mains. Les acteurs disent : « Vous pouvez déterminer le maître par un seul mouvement de la main », c'est pourquoi « jouer avec les mains » est un élément très important de la représentation théâtrale. Il comprend la forme des mains, leur position et leurs gestes. La forme des mains est en réalité celle des paumes. Il existe des formes féminines et masculines. Par exemple, les noms des femmes portent les noms suivants : « doigts de lotus », « paume de vieille femme », « poing de lotus », etc. Pour hommes - « paume étendue », « doigts d'épée », « poing serré ». Aussi, les positions des mains ont des noms très intéressants : « Le pied d'une montagne solitaire », « deux paumes de soutien », « paumes de soutien et de rencontre ». Les noms des gestes traduisent également la nature du jeu : « Mains de nuages ». », « mains scintillantes », « mains tremblantes », « mains levées », « mains tendues », « mains poussantes », etc. Jeu avec les yeux. Les gens appellent souvent les yeux les fenêtres de l’âme. Il existe un proverbe théâtral : « Le corps est dans le visage, le visage est dans les yeux ». Et encore : "S'il n'y a pas d'esprit dans les yeux, la personne est morte dans sa tempe." Si pendant le jeu les yeux de l'acteur n'expriment rien, alors la vitalité est perdue. Pour que les yeux soient vivants, les maîtres de théâtre accordent une grande attention à leur état intérieur. Cela les aide à ressentir la différence entre des concepts tels que « regarder », « regarder », « viser », « regarder attentivement », « examiner », etc. Pour ce faire, l'artiste doit s'éloigner de toute pensée vaine, ne voir devant lui, comme un artiste, que la nature de son personnage : « J'ai vu une montagne - je suis devenu une montagne, j'ai vu de l'eau - elle coulait comme de l'eau. .» Jouer avec le corps implique différentes positions du cou, des épaules, de la poitrine, du dos, du bas du dos et des fesses. Un léger changement dans la position du torse peut transmettre l'état interne du personnage. Bien qu’il s’agisse d’un langage théâtral complexe mais très important. Afin de bien le maîtriser, de bouger naturellement et avec précision, l'artiste doit respecter certaines lois de position du corps. Tels que : cou droit, épaules égales ; bas du dos droit, poitrine en avant ; ventre rentré, fesses serrées. Lorsque, lors du mouvement, le bas du dos sert de centre à tout le corps, alors on peut dire que tout le corps travaille en harmonie. Un proverbe dit ceci : « Un mouvement ou cent, cela commence dans le bas du dos. » Pas. Les « étapes » font référence aux poses et aux mouvements théâtraux sur scène. Il existe plusieurs poses et étapes de base dans l’Opéra de Pékin. Postures : droites ; lettre « T » ; « ma-bu » (jambes écartées, poids réparti uniformément sur les deux jambes) ; « gun-bu » (poids corporel transféré sur une jambe) ; la pose du cavalier ; position détendue; "jambes vides" Méthodes d'étapes : « nuageux », « écrasé », « circulaire », « nain », « rapide », « rampant », « étalé » et « haché » (ceux qui connaissent le wushu en trouveront beaucoup dans les noms de pas et positions de l'école de théâtre communs avec la terminologie adoptée dans l'art martial chinois). Les acteurs croient que les pas et les poses sur scène constituent la base du spectacle, agissant comme des mouvements de base qui comportent la possibilité de changements sans fin, qui, à leur tour, sont utilisés par le maître pour transmettre ses sentiments au spectateur. L'Opéra de Pékin repose sur ces huit piliers : « quatre façons de jouer » et « quatre types de compétences ». Bien que ce ne soit bien sûr pas tout. Après tout, les fondements de la pyramide artistique de l’Opéra de Pékin sont profondément ancrés dans la culture chinoise. Mais la portée de l'article ne permet pas d'apprécier pleinement la beauté et la profondeur de cette représentation théâtrale. Pour ce faire, vous devez « le voir une fois »

戏曲理论家翁偶虹先生曾说： Le dramaturge théoricien, M. Wen Yu Hung a déclaré :
"中国戏曲脸谱，胚胎于上古的图腾"Masque d'opéra chinois, c'est un totem d'embryons anciens
滥觞于春秋的傩祭Surgit pendant la fête du Printemps et de l'Automne, se propagea aux Han, début du style de masque chinois sous la dynastie Tang, Développé et renforcé sous le Soleil et le Yuan, Formation de masques sous les dynasties Ming et Qing où des progrès significatifs ont été réalisés. Surtout après la création de l'Opéra de Pékin. 京剧吸收了许多剧种的精粹，在表演上更臻于成熟和完美
L'Opéra de Pékin a absorbé l'essence de nombreux opéras, consolidé le meilleur et l'a développé à la perfection.
« Le masque dramatique chinois est unique, contrairement à d'autres pays, il a un charme particulier et inimitable, utilisé dans l'art du maquillage, du maquillage théâtral et du style. Lisez les couleurs des masques ci-dessous.

L'opéra chinois est un art du spectacle très complet, c'est une combinaison de littérature, de musique, de danse, d'arts martiaux, d'acrobaties, arts visuels et un certain nombre de facteurs. Regardez l'image visuelle du héros présentée au public depuis la scène, dans ses couleurs contrastées du masque - c'est l'image et le personnage.
Une autre caractéristique de l’opéra chinois est le maquillage. Chaque rôle a sa propre composition particulière. Traditionnellement, le maquillage est créé selon certains principes. Il met l'accent sur les caractéristiques d'un certain personnage - à partir de là, vous pouvez facilement déterminer si l'acteur joue un personnage positif ou négatif, s'il est honnête ou trompeur. De manière générale, on peut distinguer plusieurs types de maquillage :

1. Le visage rouge symbolise le courage, l’honnêteté et la loyauté. Le personnage typique au visage rouge est Guan Yu, un général de l'époque des Trois Royaumes (220-280) célèbre pour sa loyauté envers l'empereur Liu Bei.
2. Des visages rouge-violet peuvent également être vus sur des personnages nobles et bien élevés. Prenez, par exemple, Lian Po dans la célèbre pièce « Le général fait la paix avec le ministre en chef », dans laquelle un général fier et colérique se disputait, puis faisait la paix avec le ministre.
3. Les visages jaunes symbolisent la patience, la sagesse, l’accumulation d’expérience et de pouvoir. Le jaune est considéré comme une couleur très favorable car, comme le rouge, il contient beaucoup d’énergie yang. Dans les temps anciens, elle était considérée comme la couleur impériale en Chine. des gens simples n'étaient pas capables de porter des vêtements jaunes, le rouge est donc devenu plus populaire parmi la population. Jaune Elle est considérée comme la couleur du bonheur insouciant, c'est pourquoi pendant les vacances, il est de coutume d'offrir des bouquets de chrysanthèmes jaunes.
4. Les visages noirs indiquent un caractère audacieux, courageux et altruiste. Des exemples typiques sont le général Zhang Fei dans Les Trois Royaumes, Li Kui dans Les Étangs et Wao Gong, le juge légendaire et juste intrépide de la dynastie Song.
5. Les visages verts indiquent des héros têtus, impulsifs et manquant complètement de maîtrise de soi.
6. En règle générale, les visages blancs sont caractéristiques des méchants puissants. La couleur blanche indique également tous les aspects négatifs de la nature humaine : tromperie, tromperie et trahison. Les personnages typiques au visage blanc sont Cao, le ministre cruel et avide de pouvoir des Trois Royaumes, et Qing Hui, le ministre rusé de la dynastie Song qui a tué le héros national Yue Fei.
7. En tant que tel, bleu et couleur bleue V Schéma de couleur Les chinois n’existaient pas, ils se confondaient avec les verts. Symbolise la spiritualité, l’attention, la prudence, la foi et la loyauté. Le bleu est la couleur de l’harmonie car il rafraîchit et apaise.

L'Opéra de Pékin est l'opéra chinois le plus célèbre au monde. Il a été formé il y a 200 ans sur la base de l'opéra local « Huidiao » de la province d'Anhui. En 1790, par décret impérial, les quatre plus grandes troupes d'opéra Huidiao - Sanqing, Sixi, Chuntai et Hechun - furent réunies à Pékin pour célébrer le 80e anniversaire de l'empereur Qianlong. Les paroles des parties de l'opéra Huidiao étaient si faciles à comprendre à l'oreille que l'opéra commença bientôt à jouir d'une énorme popularité parmi le public de la capitale. Au cours des 50 années suivantes, Huidiao a absorbé le meilleur des autres écoles d'opéra du pays : Beijing Jingqiang, Kunqiang de la province du Jiangsu, Qinqiang de la province du Shaanxi et bien d'autres, pour finalement devenir ce que nous appelons aujourd'hui l'Opéra de Pékin.

Il existe plusieurs théories différentes sur l’origine du maquillage :

2. Selon la deuxième théorie, l’origine du maquillage est associée aux masques. Sous le règne de la dynastie Qi du Nord (479-507), il y avait un magnifique général, Wang Lanling, mais son beau visage n'inspirait pas la peur dans le cœur des soldats de son armée. Par conséquent, il a commencé à porter un masque terrifiant pendant la bataille. Ayant prouvé sa redoutabilité, il connut davantage de succès dans les batailles. Plus tard, des chansons ont été composées sur ses victoires, puis un spectacle de danse masquée est apparu, démontrant la prise de la forteresse ennemie. Apparemment, au théâtre, les masques ont été remplacés par du maquillage.

S.P. Shkolnikov

Le théâtre a traversé un chemin de développement long et difficile. Les origines du théâtre remontent aux rituels cultes.

Les premiers masques cultes

Masque iroquois – extraterrestre/faux visage (gauche et droite)

Les anciens croyaient qu'une personne qui met un masque reçoit les propriétés de la créature que le masque représente. Les masques d'animaux, ainsi que les masques d'esprits et de morts, étaient particulièrement répandus parmi les peuples primitifs. Les jeux et danses totémiques font déjà partie de l'art théâtral. La danse totémique marque les tentatives de créer une image artistique et esthétique dans la danse.
DANS Amérique du Nord Les danses totémiques indiennes sur les masques, qui avaient un caractère culte, impliquaient une sorte de costume artistique et un masque décoratif, émietté d'ornements symboliques. Les danseurs ont également fabriqué des masques doubles au design complexe, représentant la double essence du totem : un homme était caché sous l'apparence d'un animal. Grâce à un dispositif spécial, ces masques s'ouvrirent rapidement et les danseurs se transformèrent.
Le développement ultérieur des masques d'animaux a conduit à la création d'un masque de théâtre qui ressemblait vaguement à visage humain, avec cheveux, barbe et moustache, c'est-à-dire au masque dit anthropozoomorphe, puis à un masque d'apparence purement humaine.
Avant que le masque ne fasse partie du théâtre classique, il a connu une longue évolution. Lors des danses de chasse, les crânes d'animaux sont remplacés par des masques décoratifs, puis apparaissent des masques portraits de cérémonies funéraires, qui se transforment peu à peu en masques fantastiques « zoomistère » ; tout cela se reflète dans le « Tsam » mongol, le « Barongan » javanais et le théâtre japonais du « Non ».

Masques du Théâtre Topeng

Masque du théâtre Topeng (gauche et droite)

On sait que le théâtre de masques en Indonésie, appelé Topeng, est né du culte des morts. Le mot « topeng » signifie « bien serré, bien ajusté » ou « masque du défunt ». Les masques qui caractérisent le théâtre malais sont d'une extrême simplicité. Ce sont des planches de bois ovales avec des trous découpés pour les yeux et la bouche. L'image souhaitée est dessinée sur ces planches. Le masque était attaché avec une ficelle autour de la tête. A certains endroits (au niveau du nez, des yeux, du menton et de la bouche), la base en bois du masque a été creusée, obtenant ainsi une impression de volume.
Le masque pantomime avait un dispositif spécial : il à l'intérieur une boucle était attachée, que l'acteur serrait entre ses dents. Plus tard, à mesure que le théâtre se développait et devenait professionnel, les acteurs commencèrent à jouer sans masques, se peignant abondamment le visage.

Masques anciens

Masque tragique théâtre antique en Grèce (gauche et droite)

Dans le théâtre classique grec antique, les masques étaient empruntés aux prêtres, qui les utilisaient dans des images rituelles des dieux. Au début, les visages étaient simplement peints avec des pressions grappes de raisin, puis les masques tridimensionnels sont devenus un attribut indispensable du divertissement populaire, et plus tard un élément important du théâtre grec antique.
En Grèce et à Rome, ils jouaient avec des masques avec une forme de bouche particulière, en forme d'entonnoir - un embout buccal. Cet appareil amplifiait la voix de l’acteur et permettait à plusieurs milliers de spectateurs présents dans l’amphithéâtre d’entendre son discours. Les masques antiques étaient fabriqués à partir d'attelles et de plâtre de tissu, puis de cuir et de cire. La bouche du masque était généralement encadrée de métal, et parfois tout le masque à l'intérieur était doublé de cuivre ou d'argent pour améliorer la résonance. Les masques étaient fabriqués en fonction du caractère d'un personnage particulier ; Des masques de portraits ont également été réalisés. Dans les masques grecs et romains, les orbites étaient approfondies et les traits caractéristiques du type étaient soulignés par des traits nets.

Triple masque

Parfois, les masques étaient doubles, voire triples. Les acteurs déplaçaient un tel masque dans toutes les directions et se transformaient rapidement en certains héros, et parfois en individus spécifiques, contemporains.
Au fil du temps, les masques de portrait ont été interdits et, afin d'éviter la moindre ressemblance accidentelle avec de hauts fonctionnaires (notamment les rois macédoniens), ils ont commencé à être laids.
Des demi-masques étaient également connus, mais ils étaient très rarement utilisés sur la scène grecque. Après le masque, une perruque est apparue sur scène, qui était attachée au masque, puis une coiffe - «onkos». Un masque avec une perruque agrandissait la tête de manière disproportionnée, de sorte que les acteurs portaient des cothurnes et augmentaient le volume de leur corps à l'aide de bonnets épais.
Les acteurs romains de l’Antiquité n’utilisaient pas de masques du tout ou utilisaient des demi-masques qui ne couvraient pas tout le visage. Seulement à partir du 1er siècle. avant JC e. ils commencèrent à utiliser des masques de type grec pour rehausser le son de leur voix.
Parallèlement au développement du masque de théâtre, le maquillage de théâtre est également apparu. La coutume de peindre le corps et le visage remonte aux activités rituelles de la Chine et de la Thaïlande anciennes. Pour intimider l'ennemi, lorsque les guerriers partaient en raid, ils se maquillaient, se peignant le visage et le corps avec des peintures végétales et minérales, et dans certains cas avec de l'encre de couleur. Ensuite, cette coutume s'est transmise aux idées populaires.

Maquillage au théâtre classique chinois

Le maquillage dans le théâtre classique traditionnel de Chine remonte au 7ème siècle. avant JC e. Le théâtre chinois se distingue par sa culture théâtrale unique, vieille de plusieurs siècles. Le système de représentation conventionnelle de l’état psychologique de l’image dans le théâtre chinois a été réalisé grâce à la peinture symbolique traditionnelle des masques. Telle ou telle couleur dénotait des sentiments, ainsi que l'appartenance du personnage à un certain groupe social. Ainsi, la couleur rouge signifiait la joie, le blanc - le deuil, le noir - un mode de vie honnête, le jaune - la famille impériale ou les moines bouddhistes, le bleu - l'honnêteté, la simplicité, le rose - la frivolité, couleur verte destiné aux servantes. La combinaison de couleurs indiquait diverses combinaisons psychologiques, nuances du comportement du héros. La coloration asymétrique et symétrique avait une certaine signification : la première était caractéristique de l'image types négatifs, le second est pour les positifs.
Dans le théâtre chinois, on utilisait également des perruques, des moustaches et des barbes. Ces derniers étaient fabriqués à partir de poils d'animaux sarlyks (buffle). Les barbes étaient disponibles en cinq couleurs : noire, blanche, jaune, rouge et violette. Ils avaient aussi un caractère conventionnel : une barbe couvrant la bouche témoignait de l'héroïsme et de la richesse ; une barbe divisée en plusieurs parties exprimait la sophistication et la culture. La barbe était réalisée sur une armature en fil de fer et fixée derrière les oreilles avec des crochets provenant de l'armature.
Pour le maquillage, nous avons utilisé des peintures sèches inoffensives de toutes les couleurs, diluées dans de l'eau avec l'ajout de quelques gouttes. huile végétale pour obtenir une surface brillante du visage. Le ton général a été appliqué avec les doigts et les paumes. De longs bâtons pointus étaient utilisés pour peindre et tapisser les lèvres, les yeux et les sourcils. Chaque peinture avait son propre bâton, que les artistes chinois utilisaient de main de maître.
Le maquillage des femmes était caractérisé par un ton général brillant (blanc), sur lequel les joues et les paupières étaient rougies, les lèvres étaient peintes et les yeux et les sourcils étaient tapissés de peinture noire.
Il n'est pas possible d'établir le nombre de types de maquillage dans le théâtre classique chinois ; Selon des données inexactes, il y en aurait eu jusqu'à 60.

Masque au Théâtre No

Masque du Théâtre Nô

Représentations du théâtre japonais Nô, qui est l'un des théâtres antiques monde, peut être vu aujourd'hui. Selon les canons du théâtre No, les masques étaient attribués à un acteur principal dans les deux cents pièces canoniques du répertoire et formaient toute une branche de l'art dans ce théâtre. Le reste des acteurs n'utilisaient pas de masques et jouaient leurs rôles sans perruque ni maquillage.
Les masques appartenaient aux types suivants : garçons, jeunes gens, esprits des morts, guerriers, vieillards, vieilles femmes, dieux, filles, démons, demi-animaux, oiseaux, etc.

Maquillage au Théâtre Kabuki

Maquillage au théâtre Kabuki

Le théâtre classique du Japon « Kabuki » est l'un des plus anciens théâtres du monde. Son origine remonte à 1603. Sur la scène du théâtre Kabuki, comme dans les autres théâtres japonais, tous les rôles étaient joués par des hommes.
Le maquillage au théâtre Kabuki ressemble à un masque. La nature du maquillage est symbolique. Ainsi, par exemple, un acteur, lorsqu'il joue un rôle héroïque, applique des lignes rouges sur le ton blanc de son visage ; celui qui joue le rôle du méchant trace des lignes bleues ou brunes sur un courant blanc ; le joueur jouant le sorcier applique des lignes noires, etc., sur le ton vert du visage.
Le théâtre japonais présente des caractéristiques très uniques et bizarres : rides, sourcils, lèvres, menton, joues, etc. Les techniques et les techniques de maquillage sont les mêmes que celles des acteurs chinois.
Les barbes ont aussi un caractère stylisé. Ils se distinguent par des lignes fantaisistes, nettes et brisées et sont fabriqués selon le principe chinois.

Théâtre mystère

À mesure que les représentations rituelles se transforment en spectacles, les représentations acquièrent des thèmes de plus en plus spécifiques, qui dépendent des conditions sociales et politiques de l'époque.
En Europe, le monde antique a été remplacé par le sombre Moyen Âge. La pression de l’obscurantisme ecclésial sous toutes ses formes vie publique oblige le théâtre à se tourner vers des sujets religieux. C'est ainsi qu'apparaît le théâtre des mystères, qui dura environ trois siècles. Les acteurs de ces théâtres étaient des citadins et des artisans, ce qui introduisait dans les représentations des motifs folkloriques quotidiens : l'action « divine » était interrompue par des intermèdes joyeux et des clowneries. Peu à peu, l'intermède commence à déplacer l'action principale, qui fut la raison de la persécution de l'Église contre ce théâtre. Le Théâtre des Mystères est devenu particulièrement populaire en France.
A la Renaissance (à partir de 1545 environ), des théâtres professionnels apparaissent en France. Les comédiens ambulants se réunissaient en troupes, qui faisaient office d'artels.
Les acteurs de ces théâtres se spécialisaient principalement dans le répertoire comique et farfelu et étaient donc appelés farcers. Les rôles féminins dans les spectacles farfelus étaient interprétés par des jeunes hommes.

Théâtre de l'Art

Personnage du Teatro dell'arte : Arlequin

Dans les années 30 du 16ème siècle. Le théâtre dell'arte émerge en Italie. Les performances des comédiens italiens dell'arte différaient de celles des acteurs français non seulement par plus haut niveau techniques de jeu d'acteur, mais aussi culture de la conception de masques et de maquillage.
Les premières représentations del arte ont eu lieu à Florence, avec des acteurs masqués. Parfois, le masque était remplacé par un nez collé. Il est caractéristique que seuls les interprètes des rôles de deux vieillards et de deux serviteurs portaient des masques.
Les masques de la Commedia dell'arte trouvent leur origine dans les carnavals populaires. Puis ils ont progressivement migré vers la scène.
Les masques de la Commedia dell'arte étaient fabriqués à partir de carton, de cuir et de toile cirée. Les acteurs jouaient généralement dans un masque définitivement établi. Les jeux ont changé, mais les masques sont restés inchangés.
Les masques étaient joués principalement par des personnages comiques. Il y avait aussi des rôles pour lesquels, au lieu d'un masque, il fallait se maquiller avec de la farine et peindre la barbe, la moustache et les sourcils au fusain. Selon la tradition, les acteurs jouant les amoureux ne jouaient pas avec des masques, mais se maquillaient le visage.

Personnage du Teatro dell'arte : Coviello

Des masques figuratifs ont commencé à être attribués à certains artistes qui jouaient le même rôle.
Les masques de la Commedia dell'Arte étaient très divers (le théâtre Commedia dell'Arte comptait plus d'une centaine de masques). Certains masques ne comprenaient que le nez et le front. Ils étaient peints en noir (par exemple, celui du médecin) ; le reste du visage, non couvert par un masque, était maquillé. D'autres masques prévoyaient une certaine coloration de la perruque, de la barbe et de la moustache. Les masques étaient utilisés pour souligner l'expressivité du type recherché. Ils étaient constitués de toutes sortes de personnages et peints en fonction des types de représentation. En général, les masques de la commedia dell'arte étaient divisés en deux groupes : les masques de comédie populaire des serviteurs (Zani) ; masques satiriques de messieurs (noyau de buffon - Pantalone, docteur, capitaine, Tartaglia).
Dans certaines représentations de la commedia dell'arte, les acteurs se transformaient habilement devant le public, remplaçant un masque par un autre.
Initialement, à l'imitation des anciens, les masques étaient fabriqués avec une bouche ouverte ; plus tard, dans un effort pour rapprocher les masques du visage naturel, les bouches ont commencé à être fermées (cette dernière était également due au fait qu'en pantomimes, l'embout buccal devient inutile). Même plus tard, ils ont commencé à ne couvrir que la moitié du visage de l’acteur. Cela a contribué la poursuite du développement jeu de mime. La Commedia dell'arte s'est toujours efforcée d'obtenir une représentation réaliste de l'image non seulement dans l'apparence sociale et psychologique des masques, mais aussi dans la parole, le mouvement, etc.
XVII-XVIII siècles en Europe - l'ère du classicisme. Cela s'est reflété dans la reconstruction du théâtre. Dans le théâtre classique, le maquillage et les perruques étaient les mêmes que dans Vie courante. Les représentations étaient conditionnelles. Jouant dans les pièces de Corneille et Racine, consacrées à l'Antiquité antique, les acteurs continuaient extérieurement à rester des gens des XVIIe-XVIIIe siècles. Le maquillage à cette époque était déterminé par toute la structure de la vie de la cour de France, imitée par le théâtre. Cette période est caractérisée par la dominance des mouches. On croyait que les mouches donnaient une expression languissante aux yeux et décoraient le visage.

Shkolnikov S.P. Minsk : École supérieure, 1969. Pp. 45-55.