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Artistas rusos famosos del siglo XIX. Grandes artistas extranjeros

Artistas del siglo XIX A principios del siglo XIX, la pintura comenzó a abandonar los temas bíblicos y mitológicos y rendir culto a la herencia clásica de Grecia y Roma. Hay un creciente interés de los artistas por la personalidad del hombre, sus estados mentales, por la vida no solo de dioses y reyes, sino también gente común.

Karl Pavlovich Bryullov También actúa como un maestro del retrato secular, convirtiendo un motivo natural en un ejemplo de armonía idílica celestial “Amazona”, Retrato de Giovanina y Amatzilia Paccini, alumnas del gr. Samoilova Yu.

Orest Adamovich Kiprensky KIPRENSKY Orest Adamovich 24 de marzo de 1782, en Región de Leningrado 17 de octubre de 1836, Roma, artista ruso. Un destacado maestro de las bellas artes rusas del romanticismo, que adquirió especial fama como maravilloso retratista. “Autorretrato con pinceles detrás de la oreja” (fragmento, aprox. Galería Tretiakov).

Orest Adamovich Kiprensky A. S. Pushkin. Retrato de O. A. Kiprensky (1827, Galería Tretyakov). Este retrato es la más famosa de todas las imágenes de Pushkin. Se exhibió por primera vez en una exposición en la Academia de Artes de San Petersburgo en septiembre de 1827. “Tú creaste de nuevo, querido mago, a mí, la mascota de las Musas puras, y me río de la tumba, habiendo salido para siempre de las ataduras mortales…”, le escribió el poeta al artista.

Orest Adamovich Kiprensky Retrato de D. N. Tail Año. Galería Tretiakov. Moscú. “Retrato de la vida del coronel húsar Evgraf Davydov”

Vasily Andreevich Tropinin TROPININ Vasily Andreevich, artista ruso. Uno de los fundadores del romanticismo en la pintura rusa. Nacido en una familia de siervos. Fue siervo primero del Conde A. S. Minikh, luego de I. I. Morkov. Estudió en la Academia de las Artes de San Petersburgo, donde se hizo cercano a O. A. Kiprensky y A. G. Varnek (este último también se convirtió más tarde en un destacado maestro del romanticismo ruso).

Vasily Andreevich Tropinin “Retrato de un hombre desconocido en bata y con una pipa”. Este cuadro es inusual en su estilo; destaca entre los retratos cotidianos pintados por el artista en los años 80. Una luz lateral nítida revela los rasgos faciales expresivos de la persona retratada y le da a la imagen un cierto romanticismo característico de más primeros trabajos Tropinina.

Vasily Andreevich Tropinin V. A. Tropinin. Año de la encajera. Galería Tretiakov.

Alexey Gavrilovich Venetsianov VENETSIANOV Alexey Gavrilovich, artista ruso. el mejor maestro género rural cotidiano en ruso bellas artes romanticismo, maestro-reformador. Proveniente de una familia de comerciantes, en su juventud se desempeñó como funcionario menor. Se desarrolló como artista en gran medida de forma independiente, copiando pinturas del Hermitage. Entre 1807 y 1811 recibió lecciones de pintura de V. L. Borovikovsky.

Alexey Gavrilovich Venetsianov “Pastor con pipa” Década de 1820 “Pastor”

Alexey Gavrilovich Venetsianov “Sobre la tierra cultivable. Primavera" Galería Tretiakov.

Vasily Grigorievich Perov Vasily Grigorievich PEROV, pintor ruso, uno de los organizadores de la Asociación de Itinerantes. Autor de pinturas de género (“Procesión rural en Semana Santa”, 1861), imbuidas de simpatía por el pueblo (“Despedida de los difuntos”, 1865, “Troika”, 1866), retratos psicológicos(“A. N. Ostrovsky”, 1871; “F. M. Dostoievski”, 1872). Hijo ilegítimo del barón G. K. Kridener; El apellido "Perov" surgió como un apodo que le dio al futuro artista su alfabetizador, un sacristán junior. Estudió en la Escuela de Pintura de Arzamas () y en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú (), en particular con S. K. Zaryanko. Vivió y trabajó en Moscú y París (pensionista de la Academia de las Artes). Estuvo particularmente influenciado por P. A. Fedotov, así como por los gráficos satíricos de revistas y el género cotidiano alemán de la escuela de Düsseldorf. Fue uno de los miembros fundadores de la Asociación de Móviles. exposiciones de arte.

Vasily Grigorievich Perov Año de la “Procesión religiosa rural de Pascua”. Galería Tretiakov. Las primeras obras están imbuidas de un tono "acusativo" característico de la escuela realista rusa.

Vasily Grigorievich Perov V. G. Perov. Año “La última taberna del puesto de avanzada”. Galería Tretiakov.

El colorido de Vasily Grigorievich Perov Perov adquirió una nueva expresividad tonal, más nítida, en el cuadro "La despedida del muerto" (1865). El funeral de un campesino ya no aparece simplemente como una sátira social, sino como un drama sobre los "humillados e insultados". ”que es universal en su significado.

Vasily Grigorievich Perov Perov también hizo una gran contribución al arte del retrato. Creó imágenes de varias figuras culturales famosas. Año “Retrato de A. N. Ostrovsky”. Galería Tretiakov.

Ivan Nikolaevich Kramskoy KRAMSKOY Ivan Nikolaevich, artista, crítico y teórico del arte ruso. Uno de los maestros más importantes del realismo ruso del siglo XIX. Nacido en una familia pobre de clase media. La carrera inicial de Kramskoy fue “multidisciplinaria”, típica de un intelectual plebeyo: fue escriba clerical, aprendiz de un pintor de iconos y trabajó como retocador para un fotógrafo ambulante. Estudió en la Academia de las Artes (). Vivió y trabajó en San Petersburgo. Los retratos de figuras culturales rusas (L.N. Tolstoi, 1873; Nekrasov) y campesinos (Polesovshchik, 1874) son notables por la profundidad de su caracterización social y psicológica. Los lienzos temáticos están dedicados a problemas filosóficos y éticos (“Cristo en el desierto”, 1872), que revelan complejos movimientos emocionales (« pena inconsolable", 1884).

Ivan Nikolaevich Kramskoy “Cristo en el desierto” (1872, Galería Tretyakov). “Entonces [después del bautismo] Jesús fue llevado por el Espíritu al desierto para ser tentado por el diablo, y después de ayunar durante cuarenta días y cuarenta noches, finalmente tuvo hambre. Y se le acercó el tentador y le dijo: Si eres Hijo de Dios, di que estas piedras se conviertan en pan. Él respondió y le dijo: Escrito está: No sólo de pan vivirá el hombre, sino de toda palabra que sale de la boca de Dios (Mateo 4:1-4).

Ivan Nikolaevich Kramskoy “Desconocido” Galería Tretyakov.

Ivan Nikolaevich Kramskoy año “Retrato de L. N. Tolstoi”. Galería Tretiakov. Kramskoy demostró ser principalmente un maravilloso retratista. A partir de un autorretrato de 1867, afirmó los ideales de una personalidad orgullosa y moralmente fuerte.

Vasily Ivanovich Surikov SURIKOV Vasily Ivanovich, artista ruso. El mejor maestro de la pintura histórica rusa, que combina el realismo del siglo XIX. con vibrante innovación pictórica. Nacido en la familia de un empleado administrativo. La familia de Surikov pertenecía a una antigua familia cosaca; el futuro maestro estaba acostumbrado desde la infancia a percibir la vida siberiana circundante con su arcaísmo pintoresco y leyendas antiguas como historia viva. B estudia en la Academia de Artes de San Petersburgo con P. P. Chistyakov. Vivió en San Petersburgo y desde 1877 en Moscú. Fue miembro de la Asociación de Exposiciones de Arte Itinerantes y de la Unión de Artistas Rusos. Viajó constantemente a Siberia, visitó el Don (1893), el Volga () y Crimea (1913). En la década de 2000 visitó Francia, Italia y varios otros países europeos.

Vasily Ivanovich Surikov En lienzos monumentales dedicados a puntos de inflexión, intensos conflictos de la historia rusa, el personaje principal mostró a las masas, ricas en brillantes individualidades, llenas de sentimientos fuertes. Profundo en la comprensión de las contradicciones del proceso histórico, las obras de Surikov (“Morning Ejecución streltsy", 1881; “Ménshikov en Berezovo”, 1883; “Boyarina Morozova”, 1887; “La conquista de Siberia por Ermak”, 1895) se distinguen por la amplitud y polifonía de la composición, el brillo y la riqueza de color. Retratos, acuarelas.
Vasily Ivanovich Surikov Jefe del año noble Morozova. Boceto para el cuadro “Boyarina Morozova”. Galería Tretiakov.

Año de Vasily Ivanovich Surikov “Menshikov en Berezovo”. Galería Tretiakov.

Arkhip Ivanovich Kuindzhi KUINDZHI Arkhip Ivanovich [enero de 1841, ciudad de Karasu cerca de Mariupol 11 (24) de julio de 1910, San Petersburgo], paisajista ruso. Hijo de un zapatero, de nacionalidad griega. Estudió pintura por su cuenta y en 1868 estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo. En 1878 recibió el título " artista genial primer grado" por las pinturas "En la isla de Valaam", "La zona de Chumatsky en Mariupol", "La noche ucraniana" y "La estepa".

Isaac Ilyich Levitan LEVITAN Isaac Ilyich, artista ruso. El mayor maestro del paisaje ruso de finales del siglo XIX, que sentó los principios del simbolismo y la modernidad en este género. Hijo de un empleado ferroviario. En los primeros años La familia de Levitan se mudó a Moscú. El futuro maestro estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde V. D. Polenov y A. K. Savrasov tuvieron la mayor influencia sobre él. P. P. Trubetskoi. "Isaak Ilich Levitan". Año de bronce. Galería Tretiakov.

La primera mitad del siglo XIX fue una página brillante en la cultura rusa. Todas las direcciones: literatura, arquitectura, pintura de esta época están marcadas por toda una constelación de nombres que dieron fama mundial al arte ruso.
La cultura se desarrolló en el contexto de la creciente conciencia nacional del pueblo ruso y, en este sentido, tuvo un pronunciado carácter nacional. La Guerra Patria de 1812 tuvo un impacto significativo en la literatura, el teatro, la música y las bellas artes, que aceleró en un grado sin precedentes el crecimiento de la autoconciencia nacional del pueblo ruso y su consolidación.

Clasicismo

A principios del siglo XIX, el clasicismo jugó un papel importante en la pintura rusa.
uno de obras famosas principios de siglo sobre un tema histórico: una pintura de Dmitry Ivanovich Ivanov (1782 - después de 1810) "Martha Posadnitsa", pintada en 1808. El artista recurre a la historia antigua Rusia, el período de la lucha del principado de Novgorod con el creciente principado de Moscú.
La pintura representa a Miroslav, que se prepara para liderar a los novgorodianos en la lucha contra Moscú, y recibe la espada de Ratmir de manos del ermitaño Teodosio Boretsky. Miroslav fue llevado al ermitaño por la hija de Teodosio, Marta, quien encabeza la oposición de Novgorod. Tanto la naturaleza de la trama como el lenguaje artístico del cuadro corresponden al estilo clásico.

Romanticismo

Aportó novedad de puntos de vista a arte ruso El romanticismo es un movimiento europeo que se desarrolló a finales de los siglos XVIII y XIX. El desarrollo del romanticismo en la pintura rusa está asociado con la moda de las ruinas, los sacramentos masónicos, las novelas de caballerías y los romances.
En Rusia, el romanticismo adquirió su propia peculiaridad: a principios de siglo tenía una connotación heroica, y durante los años de la reacción de Nicolás tuvo una connotación trágica. Al mismo tiempo, el romanticismo en Rusia siempre ha sido una forma de pensamiento artístico, cercano en espíritu a los sentimientos revolucionarios y amantes de la libertad.

Retratos de Orest Kiprensky

El romanticismo se manifestó más claramente en el arte del retrato. Un retrato romántico afirma la individualidad única del mundo espiritual de una persona; se distingue por la espontaneidad de expresión, la precisión y agudeza de las características fisionómicas y la viva emocionalidad.
El retratista más significativo del primer tercio del siglo XIX. fue Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836). Ya en 1804 creó una de sus obras más interesantes: un retrato de su padrastro, Adam Schwalbe.
En la obra de Kiprensky se formó un tipo único de retrato de cámara, que revela con profundidad conmovedora la vida espiritual de una persona. La mayoría de los héroes de Kiprensky son portadores de la más alta bondad, principios humanistas y altamente morales.

Alexey Gavrilovich Venetsianov

Un pintor notable, creador de un movimiento romántico nacional único en la pintura rusa, fue Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847), el alumno favorito de Borovikovsky. Venetsianov creó un estilo único, combinando en sus obras las tradiciones del academicismo capitalista y el romanticismo ruso. principios del XIX v. y la idealización de la vida campesina. Se convirtió en el fundador del género cotidiano ruso.

Alexander Osipovich Orlovsky

Otro representante famoso Pintura rusa de principios de siglo: Alexander Osipovich Orlovsky (1777-1832). En la obra de Orlovsky, así como en la de Kiprensky, se expresaron claramente tendencias románticas. El artista estaba interesado en personas libres y fuertes, las características nacionales de varias nacionalidades. En sus pinturas, Orlovsky a veces representaba escenas características y conmovedoras. La imagen romántica favorita del artista es la de un hombre a caballo. Jinetes y escenas ecuestres rodeadas de paisajes emotivos están presentes en muchas de sus obras de arte.

Vasili Andreevich Tropinin

El famoso retratista ruso Vasily Andreevich Tropinin (1776-1857) continuó su actividad creativa durante más de medio siglo. la mayoría de vida sin dejar de ser un siervo. mejores años La creatividad del artista coincidió en el tiempo con el apogeo del talento de Kiprensky. Ambos artistas estaban unidos en su deseo de sencillez y tranquilidad en la imagen de una persona. Sin embargo, los personajes de Tropinin son más cotidianos y simples, lo que indica que el artista siguió las nuevas tendencias hacia la democratización del arte características de esa época.
Hasta los 47 años estuvo en cautiverio. Probablemente por eso los rostros de la gente corriente en sus lienzos son tan frescos, tan inspirados. Y la juventud y el encanto de su “Lacemaker” son infinitos.

Uno de los más famosos y retratos realistas A.S. Pushkin es un retrato pintado por V. Tropinin en 1827.
La vestimenta del poeta es muy simbólica: el artista lo representó con una bata holgada sobre una camisa blanca con cuello levantado. Un pañuelo de seda atado informalmente sobre el cuello y el cabello ligeramente despeinado completan el look. ¡El verdadero Byron ruso en bata! No en vano Tropinin eligió este traje para representar a Pushkin: como ningún otro, transmite con precisión los rasgos principales del personaje del poeta, su amor por la libertad y el librepensamiento.
El retrato no muestra a Pushkin el poeta, sino a Pushkin el hombre. Toda su postura habla de su energía incontenible; puede parecer que en un momento se levantará y se marchará.
El artista logró transmitir magistralmente a través del retrato la espiritualidad y el rico mundo interior de Alexander Sergeevich, gracias a lo cual la imagen resultante evoca deleite y amor en el público.

Karl Pavlovich Bryullov

Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) fue uno de los artistas más brillantes y al mismo tiempo controvertidos de la pintura rusa del siglo XIX. Bryullov tenía un talento brillante y una forma de pensar independiente. A pesar de las tendencias de la época (la influencia del romanticismo), el artista no pudo deshacerse por completo de los cánones clasicistas. Quizás es por eso que su trabajo fue muy valorado por la nada avanzada Academia de las Artes de San Petersburgo: en su juventud fue su alumno y luego se convirtió en profesor emérito.

La búsqueda artística e ideológica del pensamiento social ruso y la expectativa de cambio se reflejan en la pintura de K.P. Bryullov "El último día de Pompeya".
En 1830 Bryullov visitó las excavaciones. ciudad antigua Pompeya. Caminó por las antiguas aceras, admiró los frescos y en su imaginación surgió aquella trágica noche de agosto del 79 d.C. e., cuando la ciudad estaba cubierta de cenizas calientes y piedra pómez del Vesubio despierto. Tres años después, el cuadro "El último día de Pompeya" hizo un viaje triunfal desde Italia a Rusia.

Alexander Andreevich Ivanov

En la primera mitad del siglo XIX. Vivió y trabajó el artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). todo mi vida creativa dedicó la idea del despertar espiritual del pueblo, plasmandola en el cuadro “La aparición de Cristo al pueblo”. Trabajó en esta película durante más de 20 años, en los que puso todo el poder y el brillo de su talento. En el primer plano de su grandioso lienzo, llama la atención la valiente figura de Juan Bautista, señalando a la gente hacia Cristo que se acerca. Su figura se muestra a lo lejos. Aún no ha llegado, ya viene, seguro que vendrá, afirma el artista. Y los rostros y las almas de quienes esperan al Salvador se iluminan y se aclaran. En esta imagen mostraba, como dijo más tarde I. E. Repin, “un pueblo oprimido que anhela la palabra de libertad”.

Pavel Andreevich Fedotov

Asociado con el nombre de Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) etapa importante la formación de la pintura realista rusa del siglo XIX. Fedotov tenía grandes poderes de observación y era sensible a las deficiencias. orden social. Poseyendo el talento de un satírico, el artista, por primera vez en la pintura rusa, dio al género cotidiano una expresión social y crítica. En sus cuadros, el pintor mostró la vida de la gente del pueblo: entre los personajes de sus obras se encontraban comerciantes, oficiales, funcionarios y pobres. Fedótov gran valor se apegó a las observaciones de la vida que lo rodeaba, hizo muchos bocetos de la naturaleza. A menudo las acciones de sus pinturas se basan en conflictos, donde se dan las características sociales de las personas.
El guión de la película "Major's Matchmaking" se basa en un matrimonio de conveniencia ordinario entre la hija de un rico comerciante y un noble mayor en quiebra. En ese momento, este tipo de transacciones eran comunes: algunos buscaban obtener dinero, otros buscaban un rango en la sociedad, y la familia simplemente necesitaba sobrevivir la quiebra era un colapso inevitable;

En 1848, su cuadro “ caballero fresco" La pintura representa a un funcionario que el día anterior recibió su primer premio, una orden, y ahora, en sus sueños, ya está ascendiendo en la carrera hasta lo más alto, imaginándose a sí mismo como alcalde o gobernador.
Fue una burla atrevida no sólo de la burocracia estúpida y complaciente, sino también de las tradiciones académicas. La túnica sucia con la que vestía el personaje principal de la imagen recordaba mucho a una toga antigua. Bryullov permaneció largo rato delante del lienzo y luego le dijo al autor, medio en broma, medio en serio: “Felicitaciones, me has derrotado”.

A pesar de la diversidad individuos creativos Y a pesar de las diferencias en las tareas artísticas específicas, la tendencia general en la pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX fue acercar todos los géneros del arte a la vida. Esta tendencia se refleja en la apelación de la mayoría de los artistas a temas y problemas modernos, en la atención a mundo interior persona, a las vivencias del propio artista. Es por eso que el conocimiento de las obras de los maestros de la primera mitad del siglo XIX evoca en el espectador una sensación vívida de la época y da una idea de los pensamientos y sentimientos de la sociedad rusa.

La pintura rusa del siglo XIX no puede limitarse a ningún estilo o género. El arte se desarrolló en todas direcciones, abarcando los principales aspectos de la vida de aquella época.

Género religioso

Siendo pionera en pintura, la Academia de San Petersburgo fomentó la pintura de lienzos sobre temas bíblicos y mitológicos. . Por tanto, las obras de muchos pintores tienen su propia visión de este género. Vereshchagin, Borovikovsky, Vasnetsov, Aivazovsky, Bryullov, Semiradsky tienen muchos ejemplos de trabajos sobre este tema.

“Frine en el Festival de Poseidón”, art. G. Semiradsky

Así, por el lienzo "La orgía romana en los tiempos brillantes del cesarismo", el artista G. Semiradsky, que trabajó en el estilo del academicismo europeo tardío, recibió una cantidad bastante decente. Fue reconocido en la Academia y recibió todos los títulos posibles.

El pináculo de la creatividad en el género de temas antiguos de Semiradsky fue el lienzo. "Frine en el Festival de Poseidón en Elyvsinus", reconocida como obra maestra en vida del autor.

También destacó

“Siguiendo el ejemplo de los dioses”, “Danza entre espadas”, “En el templo (Idilio)”,

cuyas tramas están tomadas de la antigua cultura griega y romana.

género cotidiano

La pintura del género cotidiano estaba subordinada a la solución de problemas sociales. Ahora se presta atención no sólo a la élite de la sociedad, sino también a los representantes del pueblo. Simpatizando con el complejo y difícil destino de la gente corriente, los artistas centraron su atención en los niños de las familias más pobres, los campesinos y los pobres de las ciudades. Se convirtieron en los personajes principales de las pinturas de P. Fedotov, T. Shevchenko, V. Perov, P. Shmelkov. Al mismo tema también dedicaron sus obras los artistas “Itinerantes”: I. Repin, K. Savitsky, G. Myasoedov, V. Maksimov, V. Makovsky.

"Transportadores de barcazas en el Volga", art. I. repin

Una etapa importante en el desarrollo de este género fue pintura famosa I. Repina , que reveló un fenómeno tan escandaloso como el transporte de barcazas. En las filas de los oprimidos representados en las pinturas de la vida cotidiana, personalidades fuertes, luchadores por la libertad y la justicia, que simbolizan el ascenso de la conciencia de la parte avanzada de la sociedad. Los artistas intentaron declarar que la gente todavía tiene la fuerza y el deseo de cambiar sus vidas para mejor.

Género histórico

En sus lienzos, los artistas de este género representaron tanto el pasado acontecimientos historicos, y los que sucedieron recientemente. A menudo, el tema histórico se entrelazaba con otros géneros:

batalla,
familiar,
paisaje.

“El último día de Pompeya”, art. K. Bryullov

Controversias entre el pueblo, acontecimientos históricos importantes, personajes heroicos en combinación con paisajes y arquitectura nacionales quedaron plasmados en las pinturas de grandes artistas. Y después de la guerra de 1812 este genero ha adquirido especial relevancia. Muchas obras están dedicadas a glorificar el heroísmo de los desinteresados libertadores del pueblo ruso.

Las obras más destacadas del género histórico en la pintura rusa del siglo XIX:

I. Repin ("Los cosacos escriben una carta al sultán turco», « Procesión de la Cruz en la provincia de Kursk", "Iván el Terrible y su hijo Iván");

V. Vasnetsov (“Bogatyrs”);

V. Surikov (“La mañana de la ejecución de Streltsy”, “La conquista de Siberia por Ermak”, “Boyaryna Morozova”, “El cruce de los Alpes por Suvorov”);

V. Vereshchagin (serie de Turquestán);

K. Bryullov (“El último día de Pompeya”);

G. Semiradsky (“Funeral del líder ruso en búlgaro”, “Fiesta de los guerreros de Svyatoslav después de la batalla de Dorostol en 971”).

Género de batalla

En muchos sentidos, para revelar la esencia antihumana de la guerra y el papel de la gente común en ella, para educar a un ciudadano patriótico, se utilizó género de batalla. Los artistas intentaron transmitir de manera realista imágenes de la guerra y el horror de la situación del hombre común en ese momento.

"Apoteosis de la guerra", art. V.Vereshchagin

La dura vida cotidiana de la guerra quedó especialmente representada con sinceridad en su serie de obras dedicadas a 1812 por V. Vereshchagin, que quería llamar la atención del público sobre la insensibilidad de los conquistadores y el coraje del pueblo ruso.

El género de batalla, como el histórico, se desarrolló en tradiciones estrictamente definidas de la Academia de las Artes. Muchas pinturas de esa época podrían clasificarse como escenas tanto históricas como de batalla. También interactuaron los géneros de batalla y cotidianos.

Las tramas de batalla se pueden rastrear en las obras:

I. Pryanishnikova (“En 1812”);

I. Pryanishnikov y V. Makovsky (serie de pinturas “Defensa de Sebastopol”);

N. Dmitriev-Orenburgsky;

A. Kivshenko (“Consejo militar en Fili en 1812”);

V. Vereshchagin (ciclo sobre la guerra de 1812);

B. Villevalde;

A. Sauerweid;

A. Kotzebue;

K. Filippova.

Sobre géneros como el retrato, el paisaje, la naturaleza muerta y la gráfica en la pintura rusa del siglo XIX.

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Pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX.

La pintura encarna los ideales románticos de la era del levantamiento nacional. Habiendo rechazado los principios estrictos y no desviados del clasicismo, los artistas descubrieron la diversidad y singularidad del mundo circundante. Esto no sólo se reflejó en los géneros ya familiares (retrato y paisaje), sino que también impulsó el nacimiento. pintura del hogar, que se convirtió en el centro de atención de los maestros de la segunda mitad del siglo. Por ahora, la primacía sigue siendo el género histórico. Fue el último refugio del clasicismo, sin embargo, incluso aquí, detrás de la “fachada” formalmente clásica, se escondían ideas y temas románticos.

Romanticismo - (romantisme francés), movimiento ideológico y artístico en la cultura espiritual europea y americana de finales del siglo XVIII - primera mitad. siglos XIX Reflejando decepción en los resultados. revolución francesa finales del siglo XVIII, en la ideología de la Ilustración y progreso social. El romanticismo contrastó el utilitarismo y la nivelación del individuo con aspiraciones de libertad ilimitada y lo “infinito”, una sed de perfección y renovación, y el patetismo de la independencia personal y civil. La dolorosa discordia entre el ideal y la realidad social es la base de la cosmovisión y el arte románticos. La afirmación del valor intrínseco de la vida espiritual y creativa del individuo, la imagen de pasiones fuertes, la imagen de pasiones fuertes, la naturaleza espiritualizada y curativa, para muchos románticos: los actos heroicos de protesta o lucha coexisten con los motivos del "dolor mundial". ”, “el mal mundial”, el lado “nocturno” del alma, revestido de formas de ironía, grotesco, poética de dos mundos. Interés por el pasado nacional (a menudo su idealización), las tradiciones del folclore y la cultura propia y ajena, el deseo de crear una imagen universal del mundo (principalmente historia y literatura), la idea de una síntesis de las artes. encontró expresión en la ideología y la práctica del romanticismo.

En las bellas artes, el romanticismo se manifestó más claramente en la pintura y la gráfica, menos claramente en la escultura y la arquitectura (por ejemplo, el falso gótico). La mayoría de las escuelas nacionales de romanticismo en las bellas artes surgieron en la lucha contra el clasicismo académico oficial.

En lo más profundo de la cultura oficial del Estado hay una capa notable de cultura de “élite”, que sirve a la clase dominante (la aristocracia y la corte real) y tiene una especial receptividad a las innovaciones extranjeras. suficiente para recordar pintura romantica O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov y otros importantes artistas del siglo XIX v.

Kiprensky Orest Adamovich, artista ruso. Un destacado maestro de las bellas artes rusas del romanticismo, conocido como un maravilloso retratista. En el cuadro “Dmitry Donskoy en el campo de Kulikovo” (1805, Museo Ruso) demostró un conocimiento seguro de los cánones de la pintura histórica académica. Pero desde el principio, el área donde su talento se reveló con mayor naturalidad y sin esfuerzo fue el retrato. Su primer retrato pictórico (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibíd.), escrito al estilo “Rembrandt”, destaca por su expresiva y dramática estructura de claroscuros. Con el paso de los años, su habilidad, que se manifiesta en la capacidad de crear, ante todo, imágenes únicas y características individualmente, seleccionando medios plásticos especiales para resaltar esta característica, se ha ido fortaleciendo. Lleno de una vitalidad impresionante: un retrato del niño A. A. Chelishchev (hacia 1810-11), imágenes pareadas de los cónyuges F. V. y E. P. Rostopchin (1809) y V. S. y D. N. Khvostov (1814, todos - Galería Tretyakov). El artista juega cada vez más con las posibilidades del color y los contrastes de luces y sombras, fondos de paisajes, detalles simbólicos(“E. S. Avdulina”, alrededor de 1822, ibíd.). El artista sabe cómo realizar incluso grandes retratos ceremoniales de forma lírica, casi íntimamente relajada (“Retrato de la vida del coronel húsar Evgraf Davydov”, 1809, Museo Ruso). Su retrato del joven A. S. Pushkin, cubierto de gloria poética, es uno de los mejores en la creación de una imagen romántica. En la obra de Kiprensky, Pushkin parece solemne y romántico, en un aura de gloria poética. "Me halagas, Orestes", suspiró Pushkin, mirando el lienzo terminado. Kiprensky también fue un dibujante virtuoso que creó (principalmente utilizando la técnica italiana del lápiz y el pastel) ejemplos de habilidad gráfica, superando a menudo sus retratos pintados en su emotividad abierta y excitantemente ligera. Estos incluyen tipos cotidianos (“El músico ciego”, 1809, Museo Ruso; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Galería Tretyakov) y la famosa serie de retratos a lápiz de los participantes en la Guerra Patriótica de 1812 (dibujos que representan a E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, el mismo dibujo con el poeta Batyushkov y otros 1813-15, Galería Tretyakov y otras colecciones); el comienzo heroico adquiere aquí una connotación sincera. Un gran número de bocetos y evidencia textual muestran que el artista está enteramente periodo de madurez gravitó hacia la creación de un gran (en sus propias palabras de una carta a A.N. Olenin en 1834), “espectacular o, en ruso, impactante y imagen mágica", donde se representarían en forma alegórica los resultados de la historia europea, así como el destino de Rusia. “Lectores de periódicos en Nápoles” (1831, Galería Tretyakov) - en apariencia solo un retrato de grupo - en realidad es una respuesta secretamente simbólica a los acontecimientos revolucionarios en Europa.

Sin embargo, la más ambiciosa de las alegorías pictóricas de Kiprensky quedó sin realizar o desapareció (como la "Tumba de Anacreonte", terminada en 1821). Estas búsquedas románticas, sin embargo, tuvieron una continuación a gran escala en las obras de K. P. Bryullov y A. A. Ivanov.

El estilo realista se reflejó en las obras de V.A. Tropinina. Los primeros retratos de Tropinin, pintados en colores sobrios ( retratos familiares Counts Morkov, 1813 y 1815, ambos en la Galería Tretyakov), todavía pertenecen enteramente a la tradición del Siglo de las Luces: en ellos el modelo es el centro incondicional y estable de la imagen. Más tarde, el color de la pintura de Tropinin se vuelve más intenso, los volúmenes suelen estar esculpidos de forma más clara y escultórica, pero lo más importante es que crece insinuantemente el sentimiento puramente romántico del elemento en movimiento de la vida, del cual el héroe del retrato parece ser sólo un parte, un fragmento (“Bulakhov”, 1823; “K.G. Ravich”, 1823; autorretrato, alrededor de 1824; los tres, en el mismo lugar). Así es A. S. Pushkin en el famoso retrato de 1827 (Museo Panruso de A. S. Pushkin, Pushkin): el poeta, colocando su mano sobre una pila de papeles, como si "escuchara a la musa", escucha el sueño creativo que rodea a la Imagen de un halo invisible. También pintó un retrato de A.S. El espectador aparece ante él, sabio en experiencia de vida, no muy hombre feliz. En el retrato de Tropinin, el poeta es encantador y hogareño. De las obras de Tropinin emana una calidez y un confort especiales del viejo Moscú. Hasta los 47 años estuvo en cautiverio. Probablemente por eso los rostros de la gente corriente en sus lienzos son tan frescos, tan inspirados. Y la juventud y el encanto de su “Lacemaker” son infinitos. Muy a menudo, V. A. Tropinin recurrió a la imagen de personas del pueblo ("La encajera", "Retrato de un hijo", etc.).

La búsqueda artística e ideológica del pensamiento social ruso, la expectativa de cambio se reflejan en las pinturas de K.P. Bryullov "El último día de Pompeya" y A. A. Ivanov "La aparición de Cristo al pueblo".

Una gran obra de arte es el cuadro "El último día de Pompeya" de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). En 1830, el artista ruso Karl Pavlovich Bryullov visitó las excavaciones de la antigua ciudad de Pompeya. Caminó por las antiguas aceras, admiró los frescos y en su imaginación surgió aquella trágica noche de agosto del 79 d.C. e., cuando la ciudad estaba cubierta de cenizas calientes y piedra pómez del Vesubio despierto. Tres años después, el cuadro "El último día de Pompeya" hizo un viaje triunfal desde Italia a Rusia. El artista encontró colores sorprendentes para representar la tragedia de la antigua ciudad, muriendo bajo la lava y las cenizas del Vesubio en erupción. La imagen está imbuida de altos ideales humanistas. Muestra el coraje de las personas, su dedicación, demostrada durante un terrible desastre. Bryullov estaba en Italia en un viaje de negocios a la Academia de las Artes. Esta institución educativa brindó una buena formación en técnicas de pintura y dibujo. Sin embargo, la Academia se centró claramente en la herencia antigua y los temas heroicos. Para pintura academica se caracterizaron por un paisaje decorativo, teatralidad composición general. Escenas de vida moderna, el paisaje ruso corriente se consideraba indigno del pincel del artista. El clasicismo en la pintura se llamó academicismo. Bryullov estuvo asociado con la Academia con toda su creatividad.

Tenía una imaginación poderosa, un ojo agudo y una mano fiel, y dio a luz creaciones vivas acordes con los cánones del academicismo. En verdad, con la gracia de Pushkin, supo plasmar en el lienzo la belleza del desnudo. cuerpo humano y temblando rayo de sol sobre una hoja verde. Sus lienzos “Amazona”, “Betsabé”, “Mañana italiana”, “ mediodía italiano", numerosos retratos ceremoniales e íntimos. Sin embargo, el artista siempre se ha inclinado hacia grandes temas históricos, hacia la representación de acontecimientos importantes de la historia de la humanidad. Muchos de sus planes a este respecto no se realizaron. Bryullov nunca abandonó la idea de crear un lienzo épico basado en una trama de la historia rusa. Comienza con el cuadro "El asedio de Pskov por las tropas del rey Stefan Batory". Representa el clímax del asedio de 1581, cuando los guerreros de Pskov y. Los habitantes se apresuran a atacar a los polacos que irrumpieron en la ciudad y los arrojan detrás de los muros. Pero la pintura quedó inacabada, y la tarea de crear pinturas históricas verdaderamente nacionales no la llevó a cabo Bryullov, sino la siguiente generación de artistas rusos. Bryullov, de la misma edad que Pushkin, le sobrevivió 15 años. Ha estado enfermo en los últimos años. A partir de un autorretrato pintado en esa época, nos mira un hombre rojizo, de rasgos faciales delicados y mirada tranquila y pensativa.

En la primera mitad del siglo XIX. Vivió y trabajó el artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Dedicó toda su vida creativa a la idea del despertar espiritual del pueblo, encarnándola en la película "La aparición de Cristo al pueblo". Durante más de 20 años trabajó en el cuadro “La aparición de Cristo al pueblo”, en el que puso todo el poder y brillo de su talento. En el primer plano de su grandioso lienzo, llama la atención la valiente figura de Juan Bautista, señalando a la gente hacia Cristo que se acerca. Su figura se muestra a lo lejos. Aún no ha llegado, ya viene, seguro que vendrá, afirma el artista. Y los rostros y las almas de quienes esperan al Salvador se iluminan y se aclaran. En esta imagen mostraba, como dijo más tarde I. E. Repin, “un pueblo oprimido que anhela la palabra de libertad”.

En la primera mitad del siglo XIX. La pintura rusa incluye temas cotidianos.

Uno de los primeros en recurrir a él fue Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Dedicó su obra a representar la vida de los campesinos. Muestra esta vida de forma idealizada y embellecida, rindiendo homenaje al sentimentalismo entonces de moda. Sin embargo, las pinturas de Venetsianov "The Threshing Barn", "At the Harvest". Verano", "En la tierra cultivable. Primavera", "Mujer campesina con acianos", "Zakharka", "Mañana del terrateniente", que refleja la belleza y la nobleza del pueblo ruso común, sirvieron para afirmar la dignidad de una persona, independientemente de su estatus social.

Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) continuó sus tradiciones. Sus lienzos son realistas, llenos de contenido satírico, exponiendo la moral mercantil, la vida y las costumbres de la élite de la sociedad ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", etc.). Inició su camino como artista satírico como oficial de guardia. Luego hizo bocetos divertidos y traviesos de la vida militar. En 1848, su cuadro "Fresh Cavalier" se presentó en una exposición académica. Fue una burla atrevida no sólo de la burocracia estúpida y complaciente, sino también de las tradiciones académicas. La túnica sucia con la que vestía el personaje principal de la imagen recordaba mucho a una toga antigua. Bryullov permaneció largo rato delante del lienzo y luego le dijo al autor, medio en broma, medio en serio: “Felicitaciones, me has derrotado”. Otras películas de Fedotov ("El desayuno de un aristócrata", "Major's Matchmaking") también son de naturaleza cómica y satírica. Sus últimos cuadros son muy tristes (“¡Ancla, más ancla!”, “Viuda”). Los contemporáneos compararon acertadamente a P. A. Fedotov en pintura con N. V. Gogol en literatura. Exponer los males de la Rusia feudal es el tema principal de la obra de Pavel Andreevich Fedotov.

Pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX..

A finales de los años 50 surgió un giro consciente de la nueva pintura rusa hacia el realismo democrático, la nacionalidad y la modernidad, junto con la situación revolucionaria del país, con la maduración social de la intelectualidad de las distintas clases, con la ilustración revolucionaria de Chernyshevsky, Dobrolyubov. , Saltykov-Shchedrin, con la poesía popular de Nekrasov. En "Ensayos sobre el período de Gogol" (en 1856), Chernyshevsky escribió: "Si la pintura se encuentra ahora en general en una posición bastante lamentable, la razón principal de esto debe considerarse la alienación de este arte de las aspiraciones modernas". La misma idea se presentó en muchos artículos de la revista Sovremennik.

tema central el arte se ha convertido en un pueblo, no sólo de los oprimidos y los que sufren, sino también en un pueblo: el creador de la historia, un pueblo luchador, el creador de todo lo mejor que hay en la vida.

El establecimiento del realismo en el arte se produjo en una tenaz lucha con la dirección oficial, cuyo representante era la dirección de la Academia de las Artes. Los líderes de la academia inculcaron a sus estudiantes la idea de que el arte es superior a la vida y propusieron sólo temas bíblicos y mitológicos para la creatividad de los artistas.

Pero la pintura ya empezaba a sumarse a las aspiraciones modernas, sobre todo en Moscú. La Escuela de Moscú no disfrutaba ni de una décima parte de los privilegios de la Academia de las Artes de San Petersburgo, pero dependía menos de sus dogmas arraigados y la atmósfera en ella era más animada. Aunque los profesores de la Escuela son en su mayoría académicos, los académicos son secundarios y vacilantes: no reprimieron con su autoridad tanto como en la Academia a F. Bruni, el pilar de la vieja escuela, que en un momento compitió con la pintura de Bryullov ". La serpiente de cobre”.

En 1862, el Consejo de la Academia de las Artes de San Petersburgo decidió igualar los derechos de todos los géneros, aboliendo la primacía de la pintura histórica. Medalla de oro ahora fueron premiados independientemente del tema de la imagen, teniendo en cuenta únicamente sus méritos. Sin embargo, las “libertades” dentro de los muros de la academia no duraron mucho.

En 1863, jóvenes artistas que participaban en un concurso académico presentaron una petición “solicitando permiso para elegir libremente los temas que deseen, además del tema dado”. El Consejo de la Academia se negó. Lo que ocurrió después se denomina en la historia del arte ruso la “revuelta de los catorce”. Catorce estudiantes de la clase de historia no querían pintar cuadros sobre el tema propuesto de la mitología escandinava: "La fiesta en Valgaal" y deliberadamente presentaron una petición para abandonar la academia. Al encontrarse sin talleres y sin dinero, los rebeldes se unieron en una especie de comuna, similar al tipo de comuna descrita por Chernyshevsky en la novela "¿Qué hacer?", el Artel de los Artistas, encabezado por el pintor Ivan Nikolaevich Kramskoy. . Los trabajadores del artel aceptaron órdenes para la ejecución de diversas obras de arte, vivieron en la misma casa y se reunieron en una sala común para conversar, discutir pinturas y leer libros.

Siete años después, Artel se disolvió. En ese momento, en los años 70, por iniciativa del artista Grigory Grigorievich Myasoedov, surgió una asociación: la "Asociación de Inserciones Artísticas Móviles", una asociación profesional y comercial de artistas que tenían posiciones ideológicas similares.

La Asociación de Itinerantes, a diferencia de muchas asociaciones posteriores, prescindió de declaraciones o manifiestos. Sus estatutos sólo establecían que los miembros de la Asociación debían gestionar sus propios asuntos materiales, sin depender de nadie a este respecto, así como organizar ellos mismos exposiciones y llevarlas a diferentes ciudades(“moverse” por Rusia) para presentar al país el arte ruso. Ambos puntos fueron de gran importancia, afirmando la independencia del arte de las autoridades y la voluntad de los artistas de comunicarse ampliamente con la gente no solo en la capital. El papel principal en la creación de la Asociación y el desarrollo de sus estatutos perteneció, además de Kramskoy, a Myasoedov, Ge, de San Petersburgo, y de los moscovitas, Perov, Pryanishnikov, Savrasov.

Los Peredvizhniki estaban unidos en su rechazo del “academicismo” por su mitología, paisajes decorativos y pomposa teatralidad. Querían representar cómo se vive la vida. Las escenas de género (cotidianas) ocuparon un lugar destacado en su obra. El campesinado gozaba de especial simpatía por los "itinerantes". Mostraron su situación de necesidad, sufrimiento y opresión. En ese momento, en los años 60-70. Siglo XIX: el lado ideológico del arte se valoraba más que el estético. Sólo con el tiempo los artistas recordaron el valor intrínseco de la pintura.

Quizás el mayor homenaje a la ideología lo rindió Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Baste recordar cuadros suyos como "La llegada del jefe de investigación", "La fiesta del té en Mytishchi". Algunas de las obras de Perov están imbuidas de una auténtica tragedia ("Troika", "Viejos padres en la tumba de su hijo"). Perov pintó varios retratos de sus contemporáneos famosos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoievski).

Algunas de las pinturas de los "Itinerantes", pintadas del natural o inspiradas en escenas reales, han enriquecido nuestras ideas sobre la vida campesina. La película "Sobre el mundo" de S. A. Korovin muestra un enfrentamiento en una reunión rural entre un hombre rico y un hombre pobre. V. M. Maksimov capturó la rabia, las lágrimas y el dolor de la división familiar. La solemne festividad del trabajo campesino se refleja en el cuadro "Segadoras" de G. G. Myasoedov.

En la obra de Kramskoy, el lugar principal lo ocupaba retrato. Escribió Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Posee uno de los mejores retratos de León Tolstoi. La mirada del escritor no abandona al espectador, sin importar desde qué punto mire el lienzo. Una de las obras más poderosas de Kramskoy es el cuadro "Cristo en el desierto".

La primera exposición de los “Itinerantes”, inaugurada en 1871, demostró de manera convincente la existencia de una nueva dirección que tomó forma a lo largo de los años 60. Sólo hubo 46 exposiciones (a diferencia de las engorrosas exposiciones de la Academia), pero seleccionadas cuidadosamente, y aunque la exposición no fue deliberadamente programática, el programa general no escrito quedó bastante claro. Estuvieron representados todos los géneros (histórico, cotidiano, retratos de paisajes) y el público pudo juzgar qué novedades les aportaron los "Wanderers". Sólo la escultura tuvo mala suerte (hubo una, e incluso entonces una escultura un poco notable de F. Kamensky), pero este tipo de arte tuvo "mala suerte" durante mucho tiempo, de hecho, toda la segunda mitad del siglo.

A principios de los años 90, entre los jóvenes artistas de la escuela de Moscú había, sin embargo, aquellos que continuaban digna y seriamente la tradición cívica itinerante: S. Ivanov con su ciclo de pinturas sobre inmigrantes, S. Korovin, autor de la pintura "Sobre el mundo", donde es interesante y se revelan cuidadosamente los conflictos dramáticos (¡realmente dramáticos!) de la aldea anterior a la reforma. Pero no marcaron la pauta: se acercaba la entrada a la vanguardia del “Mundo del Arte”, igualmente lejos tanto de los Wanderers como de la Academia. ¿Cómo era la Academia en ese momento? Sus anteriores actitudes artísticas rigoristas se habían desvanecido; ya no insistía en las estrictas exigencias del neoclasicismo, en la notoria jerarquía de géneros, era bastante tolerante con el género cotidiano, sólo prefería que fuera "bello" que "campesino"; (un ejemplo de obras no académicas “hermosas”: escenas de la vida antigua del entonces popular S. Bakalovich). En su mayor parte, la producción no académica, como en otros países, era un salón burgués, su “belleza” era una belleza vulgar. Pero no se puede decir que no presentó talentos: G. Semiradsky, mencionado anteriormente, tenía mucho talento, V. Smirnov, que murió temprano (que logró crear un impresionante cuadro de gran tamaño "La muerte de Nerón"); No se pueden negar ciertos méritos artísticos de las pinturas de A. Svedomsky y V. Kotarbinsky. Repin habló con aprobación de estos artistas, considerándolos portadores del “espíritu helénico” en sus últimos años, y Vrubel quedó impresionado por ellos, al igual que Aivazovsky, también un artista “académico”. Por otro lado, nada menos que Semiradsky, durante la reorganización de la Academia, se pronunció decisivamente a favor del género cotidiano, señalando a Perov, Repin y V. Mayakovsky como ejemplos positivos. Así que había suficientes puntos de convergencia entre los "Itinerantes" y la Academia, y así lo entendió el entonces vicepresidente de la Academia I. I. Tolstoi, por cuya iniciativa los principales "Itinerantes" fueron llamados a enseñar.

Pero lo principal que no nos permite descartar por completo el papel de la Academia de las Artes, en primer lugar, como institución educativa, en la segunda mitad del siglo, es el simple hecho de que de sus muros surgieron muchos artistas destacados. Estos son Repin, Surikov, Polenov, Vasnetsov y, más tarde, Serov y Vrubel. Además, no repitieron la “revuelta de los catorce” y, aparentemente, se beneficiaron de su aprendizaje.

El respeto por el dibujo, por la forma constructiva construida, tiene sus raíces en el arte ruso. La orientación general de la cultura rusa hacia el realismo se convirtió en la razón de la popularidad del método Chistyakov: de una forma u otra, los pintores rusos, hasta Serov, Nesterov y Vrubel inclusive, honraron las "leyes eternas e inmutables de la forma" y desconfiaron de la "desmaterialización". ” o subordinación del elemento colorido y amorfo, por mucho que amaran el color.

Entre los Peredvizhniki invitados a la Academia se encontraban dos paisajistas: Shishkin y Kuindzhi. Fue precisamente en ese momento cuando comenzó la hegemonía del paisaje en el arte como género independiente, donde reinaba Levitan, y como elemento igual de la pintura cotidiana, histórica y en parte retratista. Contrariamente a las previsiones de Stasov, que cree que el papel del paisaje disminuirá, en los años 90 aumentó más que nunca. Prevaleció el “paisaje anímico” lírico, cuyo origen se remonta a Savrasov y Polenov.

El grupo Peredvizhniki hizo verdaderos descubrimientos en la pintura de paisajes. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) logró mostrar la belleza y el lirismo sutil de un sencillo paisaje ruso. Su cuadro "Las torres han llegado" (1871) hizo que muchos contemporáneos miraran con nuevos ojos su naturaleza nativa.

Fyodor Aleksandrovich Vasiliev (1850-1873) vivió corta vida. Su obra, interrumpida desde el principio, enriqueció la pintura rusa con una serie de paisajes dinámicos y apasionantes. El artista era especialmente bueno en los estados de transición de la naturaleza: del sol a la lluvia, de la calma a la tormenta.

El cantante del bosque ruso, la amplitud épica de la naturaleza rusa, fue Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) se sintió atraído por el pintoresco juego de luces y aire. La misteriosa luz de la luna en las nubes raras, los reflejos rojos del amanecer en las paredes blancas de las chozas ucranianas, los rayos oblicuos de la mañana que atraviesan la niebla y juegan en los charcos en un camino embarrado: estos y muchos otros descubrimientos pintorescos están plasmados en sus lienzos.

La pintura de paisajes rusa del siglo XIX alcanzó su apogeo con la obra del alumno de Savrasov, Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan es un maestro de los paisajes tranquilos y silenciosos. Un hombre muy tímido, tímido y vulnerable, sabía relajarse solo a solas con la naturaleza, imbuido del ambiente de su paisaje favorito.

Un día llegó al Volga para pintar el sol, el aire y las extensiones fluviales. Pero no había sol, interminables nubes se arrastraban por el cielo y las lluvias apagadas cesaron. El artista estaba nervioso hasta que se vio envuelto en este clima y descubrió el encanto especial de los colores lilas del mal tiempo ruso. Desde entonces, el Alto Volga y la ciudad provincial de Ples se han arraigado firmemente en su obra. En esos lugares creó sus obras "lluviosas": "After the Rain", "Gloomy Day", "Above Eternal Peace". Allí también se pintaron tranquilos paisajes nocturnos: “Tarde en el Volga”, “Tarde. Golden Reach", "Tarde sonando", "Morada tranquila".

En los últimos años de su vida, Levitan llamó la atención sobre las obras de los artistas impresionistas franceses (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Se dio cuenta de que tenía mucho en común con ellos, que sus búsquedas creativas iban en la misma dirección. Como ellos, prefería trabajar no en el estudio, sino al aire libre (al aire libre, como dicen los artistas). Como ellos, aligeró la paleta, desterrando los colores oscuros y terrosos. Como ellos, buscó capturar la naturaleza fugaz de la existencia, transmitir los movimientos de la luz y el aire. En esto fueron más lejos que él, pero casi disolvieron formas volumétricas (casas, árboles) en corrientes de aire ligero. Lo evitó.

“Las pinturas de Levitan requieren una visión lenta”, escribió K. G. Paustovsky, un gran conocedor de su obra. “No aturden la vista. Son modestas y precisas, como las historias de Chéjov, pero cuanto más las miras, más dulce se vuelve el silencio de las ciudades de provincia, los ríos familiares y los caminos rurales”.

en el segundo mitad del XIX v. marca el florecimiento creativo de I. E. Repin, V. I. Surikov y V. A. Serov.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nació en la ciudad de Chuguev, en la familia de un colono militar. Logró ingresar a la Academia de las Artes, donde P. P. Chistyakov, quien educó a toda una galaxia de artistas famosos(V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M. A. Vrubel, V. A. Serova). Repin también aprendió mucho de Kramskoy. En 1870, el joven artista viajó a lo largo del Volga. Para el cuadro “Transportadores de barcazas en el Volga” (1872) utilizó numerosos bocetos traídos de sus viajes. ella produjo fuerte impresión al público. El autor inmediatamente ascendió a las filas de los más maestros famosos.

Repin fue un artista muy versátil. A su pincel pertenecen varias pinturas de género monumentales. Quizás no menos impresionante que “Transportadores de barcazas” sea la “Procesión religiosa en la provincia de Kursk”. El cielo azul brillante, las nubes de polvo de la carretera atravesadas por el sol, el resplandor dorado de cruces y vestimentas, la policía, la gente corriente y los lisiados: todo cabe en este lienzo: la grandeza, la fuerza, la debilidad y el dolor de Rusia.

Muchas de las películas de Repin trataron temas revolucionarios ("La negativa a confesar", "No esperaban", "Arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus cuadros se comportan con sencillez y naturalidad, evitando poses y gestos teatrales. En el cuadro “La negativa a confesar”, el condenado a muerte parecía haber escondido deliberadamente las manos en las mangas. El artista claramente simpatizaba con los personajes de sus cuadros.

Varias pinturas de Repin fueron escritas sobre temas históricos ("Iván el Terrible y su hijo Iván", "Los cosacos redactan una carta al sultán turco", etc.). Repin creó toda una galería de retratos. Pintó retratos de científicos (Pirogov y Sechenov), escritores Tolstoi, Turgenev y Garshin, compositores Glinka y Mussorgsky, artistas Kramskoy y Surikov. A principios del siglo XX. recibió un encargo para el cuadro “La reunión ceremonial del Consejo de Estado”. El artista logró no solo colocar tal composición en el lienzo. gran número los presentes, sino también para dar características psicológicas a muchos de ellos. Entre ellos se encontraban figuras tan famosas como S. Yu Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tian-Shansky. Nicolás II apenas se nota en la imagen, pero está representado de forma muy sutil.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nació en Krasnoyarsk, en una familia cosaca. El apogeo de su obra se produjo en los años 80, cuando creó sus tres pinturas históricas más famosas: "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Menshikov en Berezovo" y "Boyaryna Morozova".

Surikov conocía bien la vida y las costumbres de épocas pasadas y supo transmitir vívidamente características psicológicas. Además, era un excelente colorista (maestro del color). Baste recordar la nieve deslumbrantemente fresca y brillante de la película "Boyaryna Morozova". Si te acercas al lienzo, la nieve parece “desmoronarse” en pinceladas azules, celestes y rosas. Esta técnica pictórica, cuando dos o tres trazos diferentes se fusionan a distancia y dan color deseado, muy utilizado por los impresionistas franceses.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), hijo del compositor, pintó paisajes, lienzos sobre temas históricos, trabajó como artista de teatro. Pero fueron principalmente sus retratos los que le dieron fama.

En 1887, Serov, de 22 años, estaba de vacaciones en Abramtsevo, la dacha del filántropo S.I. Mamontov, cerca de Moscú. Entre sus muchos hijos, el joven artista era su propio hombre, un participante en sus ruidosos juegos. Un día, después del almuerzo, dos personas se quedaron accidentalmente en el comedor: Serov y Verusha Mamontova, de 12 años. Se sentaron a la mesa en la que había melocotones, y durante la conversación Verusha no se dio cuenta de cómo el artista comenzaba a dibujar su retrato. El trabajo duró un mes y Verusha estaba enojada porque Anton (como llamaban a Serov en casa) la obligaba a sentarse en el comedor durante horas.

A principios de septiembre se completó "La chica de los melocotones". A pesar de tamaño pequeño, el cuadro, pintado en tonos rosa dorado, parecía muy “espacioso”. Había mucha luz y aire en él. La niña, que se sentó a la mesa por lo que pareció un minuto y fijó su mirada en el espectador, encantó con su claridad y espiritualidad. Y todo el lienzo estaba cubierto de una percepción puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no se reconoce a sí misma, sino al frente. toda la vida.

Los habitantes de la casa Abramtsevo, por supuesto, entendieron que había ocurrido un milagro ante sus ojos. Pero sólo el tiempo da valoraciones finales. Colocó a “La muchacha de los melocotones” entre los mejores retratos de la pintura rusa y mundial.

Al año siguiente, Serov logró casi repetir su magia. Pintó un retrato de su hermana Maria Simonović (“Niña iluminada por el sol”). El nombre es un poco inexacto: la niña está sentada a la sombra y los rayos del sol de la mañana iluminan el claro del fondo. Pero en la imagen todo está tan unido, tan unido: la mañana, el sol, el verano, la juventud y la belleza, que es difícil encontrar un nombre mejor.

Serov se convirtió en un retratista de moda. posaron frente a el escritores famosos, artistas, artistas, empresarios, aristócratas, incluso reyes. Aparentemente, no todos los que escribió tenían el corazón puesto en ello. Algunos retratos de la alta sociedad, a pesar de su técnica de filigrana, resultaron fríos.

Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un profesor exigente. Serov, oponente de las formas congeladas de pintura, creía al mismo tiempo que las búsquedas creativas debían basarse en un sólido dominio de las técnicas del dibujo y la escritura pictórica. Muchos maestros destacados se consideraban alumnos de Serov. Este es M.S. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K.S.

Muchas pinturas de Repin, Surikov, Levitan, Serov y los "Vagabundos" terminaron en la colección de Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), representante de una antigua familia de comerciantes de Moscú, era una persona inusual. Delgado y alto, con una espesa barba y una voz tranquila, parecía más un santo que un comerciante. Comenzó a coleccionar pinturas de artistas rusos en 1856. Su afición se convirtió en el principal negocio de su vida. A principios de los 90. la colección alcanzó el nivel de un museo, absorbiendo casi toda la fortuna del coleccionista. Posteriormente pasó a ser propiedad de Moscú. La Galería Tretyakov se ha convertido en un museo mundialmente famoso de pintura, gráfica y escultura rusas.

En 1898, se inauguró el Museo Ruso en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsky (creación de K. Rossi). Recibió obras de artistas rusos del Hermitage, la Academia de las Artes y algunos palacios imperiales. La apertura de estos dos museos pareció coronar los logros de la pintura rusa del siglo XIX.

Las bellas artes rusas se caracterizaron por el romanticismo y el realismo. Sin embargo, el método oficialmente reconocido fue el clasicismo. La Academia de las Artes se convirtió en una institución conservadora e inerte que obstaculizó cualquier intento de libertad creativa. Exigió un estricto cumplimiento de los cánones del clasicismo y fomentó la pintura sobre temas bíblicos y mitológicos. Los jóvenes artistas rusos con talento no estaban satisfechos con el marco académico. Por lo tanto, recurrieron con mayor frecuencia al género del retrato.
La pintura encarna los ideales románticos de la era del levantamiento nacional. Habiendo rechazado los principios estrictos y no desviados del clasicismo, los artistas descubrieron la diversidad y singularidad del mundo circundante. Esto no sólo se reflejó en los géneros ya familiares (retrato y paisaje), sino que también impulsó el nacimiento de la pintura cotidiana, que se convirtió en el centro de atención de los maestros de la segunda mitad del siglo. Por ahora, la primacía sigue siendo el género histórico. Fue el último refugio del clasicismo, sin embargo, incluso aquí, detrás de la “fachada” formalmente clásica, se escondían ideas y temas románticos.
Romanticismo - (romantisme francés), movimiento ideológico y artístico en la cultura espiritual europea y americana de finales del siglo XVIII - primera mitad. siglos XIX Reflejando la decepción por los resultados de la Revolución Francesa de finales del siglo XVIII, en la ideología de la Ilustración y el progreso social. El romanticismo contrastó el utilitarismo y la nivelación del individuo con aspiraciones de libertad ilimitada y lo “infinito”, una sed de perfección y renovación, y el patetismo de la independencia personal y civil. La dolorosa discordia entre el ideal y la realidad social es la base de la cosmovisión y el arte románticos. La afirmación del valor intrínseco de la vida espiritual y creativa del individuo, la imagen de pasiones fuertes, la imagen de pasiones fuertes, la naturaleza espiritualizada y curativa, para muchos románticos: los actos heroicos de protesta o lucha coexisten con los motivos del "dolor mundial". ”, “el mal mundial”, el lado “nocturno” del alma, revestido de formas de ironía, grotesco, poética de dos mundos. Interés por el pasado nacional (a menudo su idealización), las tradiciones del folclore y la cultura propia y ajena, el deseo de crear una imagen universal del mundo (principalmente historia y literatura), la idea de una síntesis de las artes. encontró expresión en la ideología y la práctica del romanticismo.
En las bellas artes, el romanticismo se manifestó más claramente en la pintura y la gráfica, menos claramente en la escultura y la arquitectura (por ejemplo, el falso gótico). Mayoría escuelas nacionales El romanticismo en las bellas artes surgió en la lucha contra el clasicismo académico oficial.
En lo más profundo de la cultura oficial del Estado hay una capa notable de cultura de “élite”, que sirve a la clase dominante (la aristocracia y la corte real) y tiene una especial receptividad a las innovaciones extranjeras. Baste recordar las pinturas románticas de O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov y otros artistas importantes del siglo XIX.
Kiprensky Orest Adamovich, artista ruso. Un destacado maestro de las bellas artes rusas del romanticismo, conocido como un maravilloso retratista. En el cuadro “Dmitry Donskoy en el campo de Kulikovo” (1805, Museo Ruso) demostró un conocimiento seguro de los cánones de la pintura histórica académica. Pero desde el principio, el área donde su talento se reveló con mayor naturalidad y sin esfuerzo fue el retrato. Su primer retrato pictórico (“A.K. Schwalbe”, 1804, ibíd.), escrito al estilo “Rembrandt”, destaca por su expresiva y dramática estructura de claroscuros. Con el paso de los años, su habilidad, que se manifiesta en la capacidad de crear, ante todo, imágenes únicas y características individualmente, seleccionando medios plásticos especiales para resaltar esta característica, se fortalece. Lleno de una vitalidad impresionante: un retrato del niño A. A. Chelishchev (hacia 1810-11), imágenes pareadas de los cónyuges F. V. y E. P. Rostopchin (1809) y V. S. y D. N. Khvostov (1814, todos - Galería Tretyakov). El artista juega cada vez más con las posibilidades del color y los contrastes de luces y sombras, los fondos paisajísticos y los detalles simbólicos (“E. S. Avdulina”, circa 1822, ibid.). El artista sabe cómo realizar incluso grandes retratos ceremoniales de forma lírica, casi íntimamente relajada (“Retrato de la vida del coronel húsar Evgraf Davydov”, 1809, Museo Ruso). Su retrato del joven A.S., cubierto de gloria poética. Pushkin es uno de los mejores en crear una imagen romántica. En la obra de Kiprensky, Pushkin parece solemne y romántico, en un aura de gloria poética. "Me halagas, Orestes", suspiró Pushkin, mirando el lienzo terminado. Kiprensky también fue un dibujante virtuoso que creó (principalmente utilizando la técnica italiana del lápiz y el pastel) ejemplos de habilidad gráfica, superando a menudo sus retratos pintados en su emotividad abierta y excitantemente ligera. Estos incluyen tipos cotidianos (“El músico ciego”, 1809, Museo Ruso; “Kalmychka Bayausta”, 1813, Galería Tretyakov) y la famosa serie de retratos a lápiz de los participantes en la Guerra Patriótica de 1812 (dibujos que representan a E.I. Chaplits, A.R. Tomilova , P. A. Olenina, el mismo dibujo con el poeta Batyushkov y otros 1813-15, Galería Tretyakov y otras colecciones); el comienzo heroico adquiere aquí una connotación sincera. Una gran cantidad de bocetos y evidencia textual muestran que el artista a lo largo de su período de madurez gravitó hacia la creación de una pintura grande (en sus propias palabras de una carta a A. N. Olenin en 1834), "espectacular o, en ruso, sorprendente y mágica". donde se representarían en forma alegórica los resultados de la historia europea, así como el destino de Rusia. “Lectores de periódicos en Nápoles” (1831, Galería Tretyakov) - en apariencia solo un retrato de grupo - en realidad es una respuesta secretamente simbólica a los acontecimientos revolucionarios en Europa.
Sin embargo, la más ambiciosa de las alegorías pictóricas de Kiprensky quedó sin cumplirse o desapareció (como la "Tumba de Anacreonte", terminada en 1821). Estas búsquedas románticas, sin embargo, tuvieron una continuación a gran escala en las obras de K. P. Bryullov y A. A. Ivanov.
El estilo realista se reflejó en las obras de V.A. Tropinina. Los primeros retratos de Tropinin, pintados en colores sobrios (retratos de familia de los condes Morkov, 1813 y 1815, ambos en la Galería Tretyakov), todavía pertenecen enteramente a la tradición del Siglo de las Luces: el modelo es el centro incondicional y estable de la imagen en a ellos. Más tarde, el color de la pintura de Tropinin se vuelve más intenso, los volúmenes suelen estar esculpidos de forma más clara y escultórica, pero lo más importante es que crece insinuantemente el sentimiento puramente romántico del elemento en movimiento de la vida, del cual el héroe del retrato parece ser sólo un parte, un fragmento (“Bulakhov”, 1823; “K. G. Ravich”, 1823; autorretrato, alrededor de 1824; los tres, en el mismo lugar). Así es A. S. Pushkin en el famoso retrato de 1827 (Museo All-Russian de A. S. Pushkin, Pushkin): el poeta, colocando su mano sobre una pila de papeles, como si "escuchara a la musa", escucha el sueño creativo que lo rodea. la imagen con un halo invisible. También pintó un retrato de A.S. Pushkin. Al espectador se le presenta un hombre sabio por experiencia de vida y no muy feliz. En el retrato de Tropinin, el poeta es encantador y hogareño. De las obras de Tropinin emana una calidez y un confort especiales del viejo Moscú. Hasta los 47 años estuvo en cautiverio. Probablemente por eso los rostros de la gente corriente en sus lienzos son tan frescos, tan inspirados. Y la juventud y el encanto de su “Lacemaker” son infinitos. Muy a menudo, V.A. Tropinin recurrió a la representación de personas del pueblo ("La encajera", "Retrato de un hijo", etc.).
La búsqueda artística e ideológica del pensamiento social ruso, la expectativa de cambio se reflejan en las pinturas de K.P. Bryullov "El último día de Pompeya" y A.A. Ivanov "La aparición de Cristo al pueblo".
Una gran obra de arte es el cuadro "El último día de Pompeya" de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). En 1830, el artista ruso Karl Pavlovich Bryullov visitó las excavaciones de la antigua ciudad de Pompeya. Caminó por las antiguas aceras, admiró los frescos y en su imaginación surgió aquella trágica noche de agosto del 79 d.C. e., cuando la ciudad estaba cubierta de cenizas calientes y piedra pómez del Vesubio despierto. Tres años después, el cuadro "El último día de Pompeya" hizo un viaje triunfal desde Italia a Rusia. El artista encontró colores sorprendentes para representar la tragedia de la antigua ciudad, muriendo bajo la lava y las cenizas del Vesubio en erupción. La imagen está imbuida de altos ideales humanistas. Muestra el coraje de las personas, su dedicación, demostrada durante un terrible desastre. Bryullov estaba en Italia en un viaje de negocios a la Academia de las Artes. Esta institución educativa brindó una buena formación en técnicas de pintura y dibujo. Sin embargo, la Academia se centró claramente en la herencia antigua y los temas heroicos. La pintura académica se caracterizó por un paisaje decorativo y la teatralidad de la composición general. Las escenas de la vida moderna y los paisajes rusos corrientes se consideraban indignos del pincel del artista. El clasicismo en la pintura recibió el nombre de academicismo. Bryullov estuvo asociado con la Academia con toda su creatividad.
Tenía una imaginación poderosa, un ojo agudo y una mano fiel, y dio a luz creaciones vivas acordes con los cánones del academicismo. En verdad, con la gracia de Pushkin, supo plasmar en el lienzo tanto la belleza de un cuerpo humano desnudo como el temblor de un rayo de sol sobre una hoja verde. Sus lienzos "La amazona", "Batsabé", "Mañana italiana", "Tarde italiana" y numerosos retratos ceremoniales e íntimos seguirán siendo para siempre obras maestras imperecederas de la pintura rusa. Sin embargo, el artista siempre se ha inclinado hacia grandes temas históricos, hacia la representación de acontecimientos importantes de la historia de la humanidad. Muchos de sus planes a este respecto no se realizaron. Bryullov nunca abandonó la idea de crear un lienzo épico basado en una trama de la historia rusa. Comienza con el cuadro "El asedio de Pskov por las tropas del rey Stefan Batory". Representa el clímax del asedio de 1581, cuando los guerreros de Pskov y. Los habitantes se apresuran a atacar a los polacos que irrumpieron en la ciudad y los arrojan detrás de los muros. Pero la pintura quedó inacabada, y la tarea de crear pinturas históricas verdaderamente nacionales no la llevó a cabo Bryullov, sino la siguiente generación de artistas rusos. Bryullov, de la misma edad que Pushkin, le sobrevivió 15 años. Ha estado enfermo en los últimos años. A partir de un autorretrato pintado en esa época, nos mira un hombre rojizo, de rasgos faciales delicados y mirada tranquila y pensativa.
En la primera mitad del siglo XIX. Vivió y trabajó el artista Alexander Andreevich Ivanov (1806-1858). Dedicó toda su vida creativa a la idea del despertar espiritual del pueblo, encarnándola en la película "La aparición de Cristo al pueblo". Durante más de 20 años trabajó en el cuadro “La aparición de Cristo al pueblo”, en el que puso todo el poder y brillo de su talento. En el primer plano de su grandioso lienzo, llama la atención la valiente figura de Juan Bautista, señalando a la gente hacia Cristo que se acerca. Su figura se muestra a lo lejos. Aún no ha llegado, ya viene, seguro que vendrá, afirma el artista. Y los rostros y las almas de quienes esperan al Salvador se iluminan y se aclaran. En esta imagen mostraba, como dijo más tarde I. E. Repin, “un pueblo oprimido que anhela la palabra de libertad”.
En la primera mitad del siglo XIX. La pintura rusa incluye temas cotidianos.
Uno de los primeros en recurrir a él fue Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Dedicó su obra a representar la vida de los campesinos. Muestra esta vida de forma idealizada y embellecida, rindiendo homenaje al sentimentalismo entonces de moda. Sin embargo, las pinturas de Venetsianov "The Threshing Barn", "At the Harvest". Verano", "En la tierra cultivable. Primavera", "Mujer campesina con acianos", "Zakharka", "Mañana del terrateniente", que reflejan la belleza y la nobleza del pueblo ruso común, sirvieron para afirmar la dignidad de una persona, independientemente de su estatus social.
Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) continuó sus tradiciones. Sus lienzos son realistas, llenos de contenido satírico, exponiendo la moral mercantil, la vida y las costumbres de la élite de la sociedad ("Major's Matchmaking", "Fresh Cavalier", etc.). Inició su camino como artista satírico como oficial de guardia. Luego hizo bocetos divertidos y traviesos de la vida militar. En 1848, su cuadro "Fresh Cavalier" se presentó en una exposición académica. Fue una burla atrevida no sólo de la burocracia estúpida y complaciente, sino también de las tradiciones académicas. La túnica sucia con la que vestía el personaje principal de la imagen recordaba mucho a una toga antigua. Bryullov permaneció largo rato delante del lienzo y luego le dijo al autor, medio en broma, medio en serio: “Felicitaciones, me has derrotado”. Otras películas de Fedotov ("El desayuno de un aristócrata", "Major's Matchmaking") también son de naturaleza cómica y satírica. Sus últimos cuadros son muy tristes (“¡Ancla, más ancla!”, “Viuda”). Los contemporáneos compararon con razón a P.A. Fedotov pintando con N.V. Gogol en la literatura. Exponer los males de la Rusia feudal es el tema principal de la obra de Pavel Andreevich Fedotov.

Pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX.

Segunda mitad del siglo XIX. estuvo marcado por el florecimiento de las bellas artes rusas. Se convirtió en un verdadero gran arte, estuvo imbuido del patetismo de la lucha de liberación del pueblo, respondió a las exigencias de la vida y la invadió activamente. En las bellas artes finalmente se estableció el realismo: un reflejo veraz y completo de la vida de las personas, el deseo de reconstruir esta vida sobre los principios de igualdad y justicia.
A finales de los años 50 surgió un giro consciente de la nueva pintura rusa hacia el realismo democrático, la nacionalidad y la modernidad, junto con la situación revolucionaria del país, con la maduración social de la intelectualidad de las distintas clases, con la ilustración revolucionaria de Chernyshevsky, Dobrolyubov. , Saltykov-Shchedrin, con la poesía popular de Nekrasov. En "Ensayos sobre el período de Gogol" (en 1856), Chernyshevsky escribió: "Si la pintura se encuentra ahora en general en una posición bastante lamentable, la razón principal de esto debe considerarse la alienación de este arte de las aspiraciones modernas". La misma idea se presentó en muchos artículos de la revista Sovremennik.
El tema central del arte fue el pueblo, no sólo los oprimidos y los que sufren, sino también el pueblo: el creador de la historia, el pueblo luchador, el creador de todo lo mejor que hay en la vida.
El establecimiento del realismo en el arte se produjo en una tenaz lucha con la dirección oficial, cuyo representante era la dirección de la Academia de las Artes. Los líderes de la academia inculcaron a sus estudiantes la idea de que el arte es superior a la vida y propusieron sólo temas bíblicos y mitológicos para la creatividad de los artistas.
Pero la pintura ya empezaba a sumarse a las aspiraciones modernas, sobre todo en Moscú. La Escuela de Moscú no disfrutaba ni de una décima parte de los privilegios de la Academia de las Artes de San Petersburgo, pero dependía menos de sus dogmas arraigados y la atmósfera en ella era más animada. Aunque los profesores de la Escuela son en su mayoría académicos, los académicos son secundarios y vacilantes: no reprimieron con su autoridad tanto como en la Academia a F. Bruni, el pilar de la vieja escuela, que en un momento compitió con la pintura de Bryullov ". La serpiente de cobre”.
En 1862, el Consejo de la Academia de las Artes de San Petersburgo decidió igualar los derechos de todos los géneros, aboliendo la primacía de la pintura histórica. La medalla de oro ahora se otorga independientemente del tema de la imagen, teniendo en cuenta únicamente sus méritos. Sin embargo, las “libertades” dentro de los muros de la academia no duraron mucho.
En 1863, jóvenes artistas que participaban en un concurso académico presentaron una petición “solicitando permiso para elegir libremente los temas que deseen, además del tema dado”. El Consejo de la Academia se negó. Lo que ocurrió después se denomina en la historia del arte ruso la “revuelta de los catorce”. Catorce estudiantes de la clase de historia no querían pintar cuadros sobre el tema propuesto de la mitología escandinava: "La fiesta en Valgaal" y deliberadamente presentaron una petición para abandonar la academia. Al encontrarse sin talleres y sin dinero, los rebeldes se unieron en una especie de comuna, similar al tipo de comuna descrita por Chernyshevsky en la novela "¿Qué hacer?", el Artel de los Artistas, encabezado por el pintor Ivan Nikolaevich Kramskoy. . Los trabajadores del artel aceptaron órdenes para la ejecución de diversas obras de arte, vivieron en la misma casa y se reunieron en una sala común para conversar, discutir pinturas y leer libros.
Siete años después, Artel se disolvió. En ese momento, en los años 70, por iniciativa del artista Grigory Grigorievich Myasoedov, surgió una asociación: la "Asociación de Inserciones Artísticas Móviles", una asociación profesional y comercial de artistas que tenían posiciones ideológicas similares.
La Asociación de Itinerantes, a diferencia de muchas asociaciones posteriores, prescindió de declaraciones o manifiestos. Sus estatutos sólo establecían que los miembros de la Asociación debían gestionar sus propios asuntos financieros, sin depender de nadie a este respecto, y también organizar ellos mismos exposiciones y llevarlas a diferentes ciudades (“moverse” por Rusia) para presentar el país a Arte ruso. Ambos puntos fueron de gran importancia, afirmando la independencia del arte de las autoridades y la voluntad de los artistas de comunicarse ampliamente con la gente no solo en la capital. El papel principal en la creación de la Asociación y el desarrollo de sus estatutos perteneció, además de Kramskoy, a Myasoedov, Ge, de San Petersburgo, y de los moscovitas, Perov, Pryanishnikov, Savrasov.
Los Peredvizhniki estaban unidos en su rechazo del “academicismo” con su mitología, sus paisajes decorativos y su pomposa teatralidad. Querían representar cómo se vive la vida. Las escenas de género (cotidianas) ocuparon un lugar destacado en su obra. El campesinado gozaba de especial simpatía por los "itinerantes". Mostraron su situación de necesidad, sufrimiento y opresión. En ese momento, en los años 60-70. Siglo XIX: el lado ideológico del arte se valoraba más que el estético. Sólo con el tiempo los artistas recordaron el valor intrínseco de la pintura.
Quizás el mayor homenaje a la ideología lo rindió Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Baste recordar cuadros suyos como "La llegada del jefe de investigación", "La fiesta del té en Mytishchi". Algunas de las obras de Perov están imbuidas de una auténtica tragedia ("Troika", "Viejos padres en la tumba de su hijo"). Perov pintó varios retratos de sus contemporáneos famosos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoievski).
Algunas de las pinturas de los "Itinerantes", pintadas del natural o inspiradas en escenas reales, han enriquecido nuestras ideas sobre la vida campesina. La película "Sobre el mundo" de S. A. Korovin muestra un enfrentamiento en una reunión rural entre un hombre rico y un hombre pobre. V. M. Maksimov capturó la rabia, las lágrimas y el dolor de la división familiar. La solemne festividad del trabajo campesino se refleja en el cuadro "Segadoras" de G. G. Myasoedov.
El retrato ocupó el lugar principal en la obra de Kramskoy. Escribió Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Posee uno de los mejores retratos de León Tolstoi. La mirada del escritor no abandona al espectador, sin importar desde qué punto mire el lienzo. Una de las obras más poderosas de Kramskoy es el cuadro "Cristo en el desierto".
La primera exposición de los “Itinerantes”, inaugurada en 1871, demostró de manera convincente la existencia de una nueva dirección que tomó forma a lo largo de los años 60. Sólo hubo 46 exposiciones (a diferencia de las engorrosas exposiciones de la Academia), pero seleccionadas cuidadosamente, y aunque la exposición no fue deliberadamente programática, el programa general no escrito surgió con bastante claridad. Estuvieron representados todos los géneros (histórico, cotidiano, retratos de paisajes) y el público pudo juzgar qué novedades les aportaron los "Wanderers". Sólo la escultura tuvo mala suerte (hubo una, e incluso entonces una escultura un poco notable de F. Kamensky), pero este tipo de arte tuvo "mala suerte" durante mucho tiempo, de hecho, toda la segunda mitad del siglo.
A principios de los años 90, entre los jóvenes artistas de la escuela de Moscú había, sin embargo, aquellos que continuaban digna y seriamente la tradición cívica itinerante: S. Ivanov con su ciclo de pinturas sobre inmigrantes, S. Korovin, autor de la pintura "Sobre el mundo", donde es interesante y se revelan cuidadosamente los conflictos dramáticos (¡realmente dramáticos!) de la aldea anterior a la reforma. Pero no marcaron la pauta: se acercaba la entrada a la vanguardia del “Mundo del Arte”, igualmente lejos tanto de los Wanderers como de la Academia. ¿Cómo era la Academia en ese momento? Sus anteriores actitudes artísticas rigoristas se habían desvanecido, ya no insistía en las estrictas exigencias del neoclasicismo, en la notoria jerarquía de géneros, era bastante tolerante con el género cotidiano, sólo prefería que fuera “bello” antes que “campesino” ( un ejemplo de obras no académicas “hermosas”: escenas de la vida antigua del entonces popular S. Bakalovich). En su mayor parte, la producción no académica, como en otros países, era un salón burgués, su “belleza” era una belleza vulgar. Pero no se puede decir que no presentó talentos: G. Semiradsky, mencionado anteriormente, tenía mucho talento, V. Smirnov, que murió temprano (que logró crear un impresionante cuadro de gran tamaño "La muerte de Nerón"); No se pueden negar ciertos méritos artísticos de las pinturas de A. Svedomsky y V. Kotarbinsky. Repin habló con aprobación de estos artistas, considerándolos portadores del “espíritu helénico” en sus últimos años, y Vrubel quedó impresionado por ellos, al igual que Aivazovsky, también un artista “académico”. Por otro lado, nada menos que Semiradsky, durante la reorganización de la Academia, se pronunció decisivamente a favor del género cotidiano, señalando a Perov, Repin y V. Mayakovsky como ejemplos positivos. Así que había suficientes puntos de convergencia entre los "Itinerantes" y la Academia, y el entonces vicepresidente de la Academia, I.I., lo entendió. Tolstoi, por cuya iniciativa se llamó a enseñar a los principales "Itinerantes".
Pero lo principal que no nos permite descartar por completo el papel de la Academia de las Artes, principalmente como institución educativa, en la segunda mitad del siglo es el simple hecho de que muchos artistas destacados surgieron de sus muros. Estos son Repin, Surikov, Polenov, Vasnetsov y, más tarde, Serov y Vrubel. Además, no repitieron la “revuelta de los catorce” y, aparentemente, se beneficiaron de su aprendizaje.
El respeto por el dibujo, por la forma constructiva construida, tiene sus raíces en el arte ruso. La orientación general de la cultura rusa hacia el realismo se convirtió en la razón de la popularidad del método Chistyakov: de una forma u otra, los pintores rusos, hasta Serov, Nesterov y Vrubel inclusive, honraron las "leyes eternas e inmutables de la forma" y desconfiaron de la "desmaterialización". ” o subordinación del elemento colorido y amorfo, por mucho que amaran el color.
Entre los Peredvizhniki invitados a la Academia se encontraban dos paisajistas: Shishkin y Kuindzhi. Fue precisamente en ese momento cuando comenzó la hegemonía del paisaje en el arte como género independiente, donde reinaba Levitan, y como elemento igual de la pintura cotidiana, histórica y en parte retratista. Contrariamente a las previsiones de Stasov, que cree que el papel del paisaje disminuirá, en los años 90 aumentó más que nunca. Prevaleció el “paisaje anímico” lírico, cuyo origen se remonta a Savrasov y Polenov.
El grupo Peredvizhniki hizo verdaderos descubrimientos en la pintura de paisajes. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) logró mostrar la belleza y el lirismo sutil de un sencillo paisaje ruso. Su cuadro "Las torres han llegado" (1871) hizo que muchos contemporáneos miraran con nuevos ojos su naturaleza nativa.
Fyodor Aleksandrovich Vasiliev (1850-1873) vivió una vida corta. Su obra, interrumpida desde el principio, enriqueció la pintura rusa con una serie de paisajes dinámicos y apasionantes. El artista era especialmente bueno en los estados de transición de la naturaleza: del sol a la lluvia, de la calma a la tormenta.
El cantante del bosque ruso, la amplitud épica de la naturaleza rusa, fue Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) se sintió atraído por el pintoresco juego de luces y aire. La misteriosa luz de la luna en las nubes raras, los reflejos rojos del amanecer en las paredes blancas de las chozas ucranianas, los rayos oblicuos de la mañana que atraviesan la niebla y juegan en los charcos en un camino embarrado: estos y muchos otros descubrimientos pintorescos están plasmados en sus lienzos.
La pintura de paisajes rusa del siglo XIX alcanzó su apogeo con la obra del alumno de Savrasov, Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan es un maestro de los paisajes tranquilos y silenciosos. Un hombre muy tímido, tímido y vulnerable, sabía relajarse solo a solas con la naturaleza, imbuido del ambiente de su paisaje favorito.
Un día llegó al Volga para pintar el sol, el aire y las extensiones fluviales. Pero no había sol, interminables nubes se arrastraban por el cielo y las lluvias apagadas cesaron. El artista estaba nervioso hasta que se vio envuelto en este clima y descubrió el encanto especial de los colores lilas del mal tiempo ruso. Desde entonces, el Alto Volga y la ciudad provincial de Ples se han arraigado firmemente en su obra. En esos lugares creó sus obras "lluviosas": "After the Rain", "Gloomy Day", "Above Eternal Peace". Allí también se pintaron tranquilos paisajes nocturnos: “Tarde en el Volga”, “Tarde. Golden Reach", "Tarde sonando", "Morada tranquila".
En los últimos años de su vida, Levitan llamó la atención sobre las obras de los artistas impresionistas franceses (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Se dio cuenta de que tenía mucho en común con ellos, que sus búsquedas creativas iban en la misma dirección. Como ellos, prefería trabajar no en el estudio, sino al aire libre (al aire libre, como dicen los artistas). Como ellos, aligeró la paleta, desterrando los colores oscuros y terrosos. Como ellos, buscó capturar la naturaleza fugaz de la existencia, transmitir los movimientos de la luz y el aire. En esto fueron más lejos que él, pero casi disolvieron formas volumétricas (casas, árboles) en corrientes de aire ligero. Lo evitó.
“Las pinturas de Levitan requieren una visión lenta”, escribió K. G. Paustovsky, un gran conocedor de su obra. “No aturden la vista. Son modestas y precisas, como las historias de Chéjov, pero cuanto más las miras, más dulce se vuelve el silencio de las ciudades de provincia, los ríos familiares y los caminos rurales”.
En la segunda mitad del siglo XIX. marca el florecimiento creativo de I. E. Repin, V. I. Surikov y V. A. Serov.
Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nació en la ciudad de Chuguev, en la familia de un colono militar. Logró ingresar a la Academia de las Artes, donde su maestro fue P. P. Chistyakov, quien formó a toda una galaxia de artistas famosos (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin también aprendió mucho de Kramskoy. En 1870, el joven artista hizo un viaje por el Volga. Para el cuadro “Transportadores de barcazas en el Volga” (1872) utilizó numerosos bocetos traídos de sus viajes. Causó una fuerte impresión en el público. El autor inmediatamente ascendió a las filas de los maestros más famosos.
Repin fue un artista muy versátil. A su pincel pertenecen varias pinturas de género monumentales. Quizás no menos impresionante que “Transportadores de barcazas” sea la “Procesión religiosa en la provincia de Kursk”. El cielo azul brillante, las nubes de polvo de la carretera atravesadas por el sol, el resplandor dorado de cruces y vestimentas, la policía, la gente corriente y los lisiados: todo cabe en este lienzo: la grandeza, la fuerza, la debilidad y el dolor de Rusia.
Muchas de las películas de Repin trataron temas revolucionarios ("La negativa a confesar", "No esperaban", "Arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus cuadros se comportan con sencillez y naturalidad, evitando poses y gestos teatrales. En el cuadro “La negativa a confesar”, el condenado a muerte parecía haber escondido deliberadamente las manos en las mangas. El artista claramente simpatizaba con los personajes de sus cuadros.
Varias pinturas de Repin fueron escritas sobre temas históricos ("Iván el Terrible y su hijo Iván", "Los cosacos redactan una carta al sultán turco", etc.). Repin creó toda una galería de retratos. Pintó retratos de científicos (Pirogov y Sechenov), escritores Tolstoi, Turgenev y Garshin, compositores Glinka y Mussorgsky, artistas Kramskoy y Surikov. A principios del siglo XX. recibió un encargo para el cuadro “La reunión ceremonial del Consejo de Estado”. El artista logró no solo colocar compositivamente a un número tan grande de los presentes en el lienzo, sino también darles características psicológicas a muchos de ellos. Entre ellos se encontraban figuras tan famosas como S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nicolás II apenas se nota en la imagen, pero está representado de forma muy sutil.
Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nació en Krasnoyarsk, en una familia cosaca. El apogeo de su obra se produjo en los años 80, cuando creó sus tres pinturas históricas más famosas: "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Menshikov en Berezovo" y "Boyaryna Morozova".
Surikov conocía bien la vida y las costumbres de épocas pasadas y supo dar características psicológicas vívidas. Además, era un excelente colorista (maestro del color). Baste recordar la nieve deslumbrantemente fresca y brillante de la película "Boyaryna Morozova". Si te acercas al lienzo, la nieve parece “desmoronarse” en pinceladas azules, celestes y rosas. Esta técnica pictórica, en la que dos o tres trazos diferentes se fusionan a distancia y dan el color deseado, fue muy utilizada por los impresionistas franceses.
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), hijo del compositor, pintó paisajes, lienzos sobre temas históricos y trabajó como artista de teatro. Pero fueron principalmente sus retratos los que le dieron fama.
En 1887, Serov, de 22 años, estaba de vacaciones en Abramtsevo, la dacha del filántropo S.I. Mamontov, cerca de Moscú. Entre sus muchos hijos, el joven artista era su propio hombre, un participante en sus ruidosos juegos. Un día, después del almuerzo, dos personas se quedaron accidentalmente en el comedor: Serov y Verusha Mamontova, de 12 años. Se sentaron a la mesa en la que había melocotones, y durante la conversación Verusha no se dio cuenta de cómo el artista comenzaba a dibujar su retrato. El trabajo duró un mes y Verusha estaba enojada porque Anton (como llamaban a Serov en casa) la obligaba a sentarse en el comedor durante horas.
A principios de septiembre se completó "La chica de los melocotones". A pesar de su pequeño tamaño, el cuadro, pintado en tonos rosa dorado, parecía muy “espacioso”. Había mucha luz y aire en él. La niña, que se sentó a la mesa por lo que pareció un minuto y fijó su mirada en el espectador, encantó con su claridad y espiritualidad. Y todo el lienzo estaba cubierto de una percepción puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no es consciente de sí misma y hay toda una vida por delante.
Los habitantes de la casa Abramtsevo, por supuesto, entendieron que había ocurrido un milagro ante sus ojos. Pero sólo el tiempo da valoraciones finales. Colocó a “La muchacha de los melocotones” entre los mejores retratos de la pintura rusa y mundial.
Al año siguiente, Serov logró casi repetir su magia. Pintó un retrato de su hermana Maria Simonović (“Niña iluminada por el sol”). El nombre es algo inexacto: la niña está sentada a la sombra y los rayos del sol de la mañana iluminan el claro del fondo. Pero en la imagen todo está tan unido, tan unido: la mañana, el sol, el verano, la juventud y la belleza, que es difícil encontrar un nombre mejor.
Serov se convirtió en un retratista de moda. Escritores famosos, actores, artistas, empresarios, aristócratas e incluso reyes posaron frente a él. Aparentemente, no todos los que escribió tenían el corazón puesto en ello. Algunos retratos de la alta sociedad, a pesar de su técnica de filigrana, resultaron fríos.
Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un profesor exigente. Serov, oponente de las formas congeladas de pintura, creía al mismo tiempo que las búsquedas creativas debían basarse en un sólido dominio de las técnicas del dibujo y la escritura pictórica. Muchos maestros destacados se consideraban alumnos de Serov. Esta es la Sra. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.
Muchas pinturas de Repin, Surikov, Levitan, Serov y los "Vagabundos" terminaron en la colección de Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), representante de una antigua familia de comerciantes de Moscú, era una persona inusual. Delgado y alto, con una espesa barba y una voz tranquila, parecía más un santo que un comerciante. Comenzó a coleccionar pinturas de artistas rusos en 1856. Su afición se convirtió en el principal negocio de su vida. A principios de los 90. la colección alcanzó el nivel de un museo, absorbiendo casi toda la fortuna del coleccionista. Posteriormente pasó a ser propiedad de Moscú. La Galería Tretyakov se ha convertido en un museo mundialmente famoso de pintura, gráfica y escultura rusas.
En 1898, se inauguró el Museo Ruso en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsky (creación de K. Rossi). Recibió obras de artistas rusos del Hermitage, la Academia de las Artes y algunos palacios imperiales. La apertura de estos dos museos pareció coronar los logros de la pintura rusa del siglo XIX.

Artistas rusos famosos del siglo XIX. Grandes artistas extranjeros

Pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX.

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