Hogar / Escenarios de cuentos de hadas/ Artistas de los siglos XVII y XVIII y sus pinturas. Artistas rusos abstractos del siglo XVII. División en dos escuelas

Artistas de los siglos XVII y XVIII y sus pinturas. Artistas rusos abstractos del siglo XVII. División en dos escuelas

Detalles Categoría: Bellas artes y arquitectura de finales de los siglos XVI-XVIII Publicado el 06/02/2017 15:37 Vistas: 2498

Nuestro artículo se centrará en dos artistas: Jan van Goyen Y Jacob van Ruisdael.

Ambos vivieron durante la época de la liberación de Holanda del yugo extranjero, y fue la Edad de Oro. pintura holandesa. Fue en el arte de Holanda donde comenzaron a desarrollarse los siguientes géneros: retrato, paisaje, género cotidiano, naturaleza muerta. Esto no se observaba entonces ni siquiera en los centros artísticos más destacados: Italia o Francia. Arte holandés del siglo XVII. se ha convertido en un fenómeno en mundo del arte Europa XVII v. Los maestros holandeses abrieron el camino a artistas de otras nacionalidades europeas. escuelas de arte.

Jan van Goyen (1596-1656)

Terborch "Retrato de van Goyen" (c. 1560)

Jan van Goyen es uno de los primeros artistas que representó la naturaleza de forma natural, sencilla y sin adornos. Es el creador del nacional. paisaje holandés. La naturaleza de su país le proporcionó suficientes temas para toda su vida.
Jan van Goyen nació en 1596 en la ciudad de Leiden en la familia de un zapatero.
Aunque Jan van Goyen pasó algún tiempo en París en su juventud, en Francia el amor por paisaje sencillo era desconocido, por lo que no vale la pena hablar de la influencia en su trabajo por parte de representantes pintura francesa.
En su tierra natal tuvo varios profesores de pintura, pero sólo pasó un año en el taller de Isaiah van de Velde y se comunicaba aún menos con los demás mentores.

Jan van Goyen "Paisaje con dunas" (1630-1635). Museo Kunsthistorisches (Viena)

Creación

En un principio, Goyen pintó pueblos holandeses o zonas aledañas con su vegetación, luego empezaron a predominar en sus cuadros las vistas costeras, donde el cielo y el agua ocupaban la mayor parte de los cuadros.

Jan van Goyen "Vista del río" (1655). Mauritshuis (La Haya)

Árboles, chozas o edificios de la ciudad juegan en sus cuadros. papel menor, pero tiene muy vista panorámica, así como pequeños barcos de vela y remo con figuras de pescadores, timoneles y pasajeros.
Las pinturas de Goyen son en su mayoría monótonas. Al artista le encantaba la sencillez del color, pero al mismo tiempo sus colores eran armoniosos. Aplicó la pintura en una capa ligera.

Jan van Goyen "Vista del Merwede cerca de Dordrecht (c. 1645). Rijksmuseum (Ámsterdam)

Las últimas obras del artista se distinguen por una paleta casi monocromática y el suelo translúcido les confiere una profundidad especial y un encanto único.

Jan van Goyen, Paisaje con dos robles (1641). Rijksmuseum (Ámsterdam)

Sus cuadros resultan agradables precisamente por su sencillez y realismo. El artista creó muchos lienzos artísticos, pero su trabajo no siempre fue recompensado de manera digna. Por lo tanto, Goyen tuvo que ganar dinero extra de otras formas: comerciaba con tulipanes, participaba en la valoración y venta de obras de arte, bienes raíces y terrenos. Pero los intentos de emprender por lo general no condujeron al éxito.

Jan van Goyen" escena de invierno con hielo"

Ahora su trabajo es apreciado y cualquier museo considera sus pinturas como exhibiciones valiosas.
En el Hermitage también se encuentran varios cuadros de Jan van Goyen: “Vista del río. Maas, cerca de Dortrecht", "Orilla de Scheveningen, cerca de La Haya", "Paisaje invernal", "Vista del río. Maas”, “Vista del pueblo”, “Paisaje con roble”, etc.

Jan van Goyen "Paisaje con un roble"

Además de pintar, Goyen se dedicaba al grabado (un tipo de grabado en metal) y al dibujo.

En 1632, Goyen y su familia se trasladaron a La Haya, donde vivió hasta el final de su vida, hasta 1656.

Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)

Jacob Isaacs van Ruisdael nació y murió en Haarlem (Países Bajos). No se han conservado retratos exactos de él. este retrato- sólo especulativo.
Actualmente, Ruisdael es considerado el paisajista holandés más importante, pero durante su vida su talento no fue suficientemente apreciado. Su maestro podría haber sido su tío, el artista Solomon van Ruisdael.
Ruisdael también era cirujano en ejercicio y trabajaba en Amsterdam.

Creación

El artista transmitió hábilmente las emociones humanas a través del paisaje. Y para él, cualquier componente del paisaje era importante: la rama de un árbol doblada por una ráfaga de viento, una brizna de hierba aplastada, una nube de tormenta, un camino transitado... Y todos estos componentes se combinaban armoniosamente en sus pinturas en un solo NATURALEZA.
Escribió con pequeños trazos. Le encantaba pintar matorrales de bosques, pantanos, cascadas, pequeñas ciudades o pueblos holandeses y, sobre todo, un cielo triunfante. Los paisajes de Ruisdael son comprensibles para cualquier persona de cualquier nacionalidad, porque expresan la unidad con la naturaleza común a todas las personas.
Ruisdael creó alrededor de 450 pinturas. Otras fuentes indican que el número es 600. La mayoría de sus paisajes están dedicados a la naturaleza de su Holanda natal, pero también pintó bosques de robles en Alemania y cascadas en Noruega.

Pintura europea del siglo XVII. sigue el Renacimiento. Acerca de acontecimientos historicos, luego en esto el tiempo pasa cambio del feudalismo al capitalismo, crecimiento económico paises europeos. Debido a la gran saturación de eventos sociales, tema principal La pintura es una imagen de una persona en una situación cotidiana real. Pero los temas religiosos del Renacimiento siguen siendo fuertes. no hay ninguno estilo uniforme en pintura. Los artistas intentan y experimentan. Las direcciones más importantes son el barroco y el clasicismo. Tiene un gran impacto arte italiano. Se caracteriza por las grandes personalidades de Velázquez, Rembrandt, Poussin, Caravaggio, Rubens, Bernini.

El mayor avance en la pintura se produjo en la primera mitad del siglo XVII, principios de los años 60. La segunda mitad del siglo XVII fue un punto de inflexión. La influencia de la política repercutió en los pintores. Pero Roma se está convirtiendo en una especie de centro artístico. joven y ya artistas experimentados vienen allí ya sea para estudiar o para vivir nuevas experiencias.

En el siglo XVII ocurrió otro hecho importante. El arte de la pintura parecía dividirse en dos campos: los maestros que sólo podían trabajar bajo el plan del gobierno y los artistas progresistas que se oponían a las tendencias establecidas en la pintura y que aportaban sus nuevas ideas.
En Italia aparecieron dos escuelas que protestaban contra el manierismo (estilo caracterizado por la pérdida de armonía entre la naturaleza y el hombre mismo, espiritual y físico). Se trata de la Escuela del Equilibrio (hermanos Caracci) y el caravaggismo de Michelangelo Merisi da Caravaggio.

escuela de equilibrio

Representantes Ludovico Caracci, Agostino Caracci y Annibale Caraccio. Al desarrollar un nuevo estilo, confiaron en dirección clásica Siglo XVI. Promovieron imágenes más sencillas, pero a la vez majestuosas. Los primeros trabajos de los hermanos Caracci fueron pintar los palacios de Bolonia. Pero estos fueron sólo los comienzos de un nuevo estilo. Las primeras obras reales del nuevo estilo pueden considerarse las pinturas de Annibale Carracci "La Ascensión de la Virgen" y "La Virgen con San Mateo".

En la década de 1580, los hermanos abrieron una Academia en Bolonia: la "Accademia dei Incaminati" (Academia que ingresa a la nueva manera). El énfasis estaba en la práctica más que en fundamentos teóricos construyendo una imagen. Además de las materias típicas de las escuelas de arte, allí se enseñaba anatomía, literatura, historia y filosofía. Este fue un paso grande e importante en el desarrollo. arte europeo. Después de todo, las escuelas posteriores se abrieron según este principio. Más tarde, Anibale Caracci se convirtió en el fundador del paisaje “clásico”.

caravaggismo

La corriente es de carácter más democrático, aunque también aboga por imágenes realistas. Pasó a primer plano después del academicismo de Bolonia. El movimiento recibió su nombre de su fundador Michelangelo Merisi da Caravaggio. Para ver un ejemplo de la presentación del estilo, puede consultar la obra de Caravaggio “El laudista”; refleja más claramente la esencia del estilo; Caravaggio fue también el pionero del estilo de pintura funeraria. En esta técnica predominan los tonos oscuros, que contrastan con detalles muy iluminados.

El seguidor más cercano de Caravaggi fue Domenico Zampieri.

En la tercera década del siglo XVII aumentó la influencia de la pintura barroca. Se le llama barroco "alto".
Más decorativo, más dinámico y expresivo. Entre los artistas de este período del siglo XVII se encuentran Giovanni Lanfranco, Francesco Barbieri (Guercino), Domenico Fetti, Lorenzo Bernini, Pietro da Nortona y Salvator Rosa.

En los años 60 se inicia la tercera etapa de la pintura del siglo XVII. Este es también el desarrollo del arte barroco, el "barroco tardío". De personalidades brillantes Los artistas incluyen a Giovanni Battista Gauli, Andrea Pozzo y Carlo Maratta.

Además de la influencia de Italia, los Países Bajos desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la pintura en el siglo XVII. De allí surgieron dos escuelas: la holandesa y la flamenca. Desarrollan temas religiosos. Un representante brillante escuela flamenca Era Rubens Pedro Pablo. Otros artistas de este período del siglo XVII: Jacob Jordan, Frans Snyders, Adrian Brouwer, David Teniers.

En cuanto a la pintura holandesa, en su apogeo prevalecieron las ideas del realismo. La gran popularidad y demanda de pintura provino de propietarios privados. Poco a poco se va produciendo una diferenciación de géneros entre los artistas. Este es un género cotidiano, un paisaje con sus propias subdirecciones, pintores marinos. La obra de Caravaggio influyó en la pintura holandesa, así como en artista alemán Adán Elsheimer. Directamente personalidades famosas Pintura holandesa: Frans Hals, Rembrandt Harmens van Rijn, Jan van Goyen, Paulus Potter, Albert Cuyp, Jan Porcellis, Gerard Dou, Gerard Terborch, Jan Vermeer de Delft, Adrian van Ostade, Philips Wouwerman.

En la pintura holandesa los géneros y los paisajes se desarrollan bien. Además, la naturaleza muerta es cada vez más popular. La peculiaridad de la naturaleza muerta holandesa es la suavidad y el carácter inherentes de los objetos. Y su papel lo desempeñaban a menudo un jamón, un trozo de pan, vasos y una pipa. De artistas famosos Este género lo distinguen Pieter Klaas y Billem Klaas Heed, Abraham van Beyeren y Billem Kalf.

En España, que era considerada el centro de las artes, a principios del siglo XVII el principal movimiento era el realismo. uno de artistas importantes de esa época era José Ribera. Se centró en temas religiosos. Junto a Ribera podemos identificar la figura de Francisco Zurbarán. Tenía un estilo de escritura especial: combinaba algunos tonos que se daban en un gran plano. Y además su pintura era bastante detallada en cuanto a vestimenta y cuerpo humano. La figura central de la pintura española del siglo XVII es Diego de Silva Velázquez. Desde el comienzo de su obra, escribió en estilo realista. pagado gran atención imagen humana, rostro, pero prestó menos atención al fondo. Otro artistas españoles: Bartolomé Esteban Murillo, Valdez Leal.

La pintura francesa también estuvo influenciada por el realismo y la democracia. Uno de los primeros artistas realistas en Francia fue Jacques Callot. Escribió sobre el tema. historias bíblicas y los acontecimientos de la modernidad. Posteriormente, la pintura francesa estuvo influenciada por el caravaggismo. Otros representantes de la pintura francesa del siglo XVII: Valentin, Georges de Latour, Aptuai Lenain, Louis Lenain y Mathieu Lenain. Los hermanos Lehnen escribieron principalmente sobre temas de género. Cada hermano tenía nivel diferente habilidad. Después del realismo, el clasicismo comienza a cobrar impulso. Su base es el racionalismo. Los representantes de esa época fueron Nicolas Poussin (fue considerado el fundador del clasicismo en Francia), Eustache Lesueur, Philippe de Champagne.
Se crea en Francia la Academia de Pintura y Escultura. Ayudó a centralizar la pintura francesa. Charles Lebrun jugó un papel importante en la pintura francesa. Estudió con Poussin. También se pueden destacar las figuras de Pierre Mignard, Adam Frans van der Meulen, Hyacinthe Rigaud, Nicolas Largilliere.

El siglo XVII había significado especial formar culturas nacionales nuevo tiempo. Durante esta época se completó el proceso de localización de las grandes escuelas de arte nacionales, cuya originalidad estuvo determinada tanto por las condiciones del desarrollo histórico como por la tradición artística que se desarrolló en cada país: Italia, Flandes, Holanda, España, Francia. Esto nos permite considerar el siglo XVII como nueva etapa en la historia del arte. La identidad nacional no excluye, sin embargo, características comunes. Desarrollando en gran medida las tradiciones del Renacimiento, los artistas del siglo XVII ampliaron significativamente su gama de intereses y profundizaron el espectro cognitivo del arte.

En comparación con el Renacimiento, el arte del siglo XVII es más complejo, contradictorio en contenido y formas artísticas. La percepción poética holística del mundo, característica del Renacimiento, se destruye, el ideal de armonía y claridad resulta inalcanzable. Pero la imagen de una persona sigue siendo el centro de atención del artista. Los titanes, glorificados en las obras de arte del Renacimiento, dieron paso a un hombre consciente de su dependencia del entorno social y de las leyes objetivas de la existencia. Su encarnación se vuelve más concreta, emocional y psicológicamente compleja. Revela la infinita variedad y riqueza del mundo interior, la rasgos nacionales, muestra su lugar en la sociedad. la vida real es revelado por artistas del siglo XVII en una variedad de colisiones y conflictos dramáticos, situaciones grotesco-satíricas y cómicas. En literatura, este es el apogeo de la tragedia y la comedia (Shakespeare, Lope de Vega, Calderón, Corneille, Racine, Moliere).

La cultura artística del siglo XVII refleja la complejidad de la época que preparó la victoria del sistema capitalista en los países económicamente desarrollados de Europa. A principios del siglo XVII, los avances revolucionarios se estaban estableciendo en Holanda, el primer país capitalista de Europa. En Inglaterra tuvo lugar una revolución burguesa de 1640-1660 a escala paneuropea. En Francia está surgiendo un ejemplo clásico de Estado absolutista. Al servicio de los intereses de la nobleza feudal, el absolutismo francés aseguró el crecimiento de la burguesía mediante políticas proteccionistas. Sin embargo, el feudalismo seguía siendo fuerte. España, que era la potencia más fuerte del mundo en el siglo XVI, se convirtió en uno de los estados reaccionarios atrasados de Europa. En Italia y Alemania, manteniendo fragmentación feudal se forma un estado principesco de pequeña potencia; despotismo. Incluso en Inglaterra la burguesía comparte el poder con la aristocracia terrateniente.

En la lucha por una vía progresista de desarrollo paises europeos papel importante desempeñado por los movimientos populares. La protesta de las masas populares contra la opresión absolutista y la depredación de la era de la acumulación primitiva fue el contenido principal. vida pública Siglo XVII. El desarrollo de la cultura estuvo influenciado por esto en un grado u otro. Los discursos de los pensadores progresistas contra el feudalismo estuvieron asociados a la crítica. iglesia católica, fortaleciendo nuevamente su influencia y poniendo grilletes al pensamiento público.

Al mismo tiempo, el ascenso general de la economía en los países avanzados de Europa, el florecimiento de la manufactura y el comercio crearon el terreno para el progreso de la precisión y ciencias naturales. Los grandes descubrimientos de Galileo, Kepler, Newton, Leibniz, Descartes en matemáticas, astronomía, física y filosofía contribuyeron al establecimiento de ideas materialistas (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), a la expansión y profundización de las ideas sobre la naturaleza y el universo. . Mientras que para los científicos del Renacimiento el establecimiento de patrones de fenómenos se basaba en la observación experimental de un individuo único, los pensadores del siglo XVII basaron sus teorías científicas en sistemas y visiones del mundo holísticos. Las obras de los artistas también afirman una percepción más holística y profunda de la realidad. El concepto de síntesis de las artes recibe una nueva interpretación.

Ciertos tipos de arte, como obras individuales, pierdan su aislamiento y se esfuercen por conectarse entre sí. Los edificios se incluyen orgánicamente en el espacio de una calle, plaza o parque. La escultura se vuelve dinámica e invade la arquitectura y el espacio del jardín. La pintura decorativa complementa lo inherente al interior arquitectónico con efectos de perspectiva espacial. El deseo de una amplia visualización de la realidad condujo en el siglo XVII a una variedad de formas de género. En las bellas artes, junto con los géneros mitológicos y bíblicos tradicionales, los géneros seculares están ganando un lugar independiente: género cotidiano, paisaje, retrato, naturaleza muerta.

Las relaciones complejas y la lucha de fuerzas sociales también dan lugar a una variedad de movimientos artísticos e ideológicos. A diferencia de períodos históricos anteriores, cuando el arte se desarrolló en un contexto homogéneo grandes estilos (estilo románico, Gótico, Renacimiento), el siglo XVII se caracteriza por dos grandes estilos: el Barroco y el Clasicismo, cuyos elementos se expresan claramente en la arquitectura y en una nueva comprensión de la síntesis de las artes. El arte barroco revela la esencia de la vida en el movimiento y la lucha de fuerzas elementales cambiantes y aleatorias. En manifestaciones extremas, el arte barroco llega al irracionalismo, al misticismo, afectando la imaginación y el sentimiento del espectador con tensión dramática y expresión de formas. Los acontecimientos se interpretan a gran escala; los artistas prefieren representar escenas de tormento, éxtasis o panegíricos de hazañas y triunfos.

El arte del clasicismo se basa en un principio racional. Desde el punto de vista del clasicismo, bello es sólo aquello que es ordenado, razonable y armonioso. Los héroes del clasicismo subordinan sus sentimientos al control de la razón; son comedidos y dignos. La teoría del clasicismo justifica la división en géneros altos y bajos. En el arte del clasicismo, la unidad se logra conectando y combinando todas las partes del todo, que, sin embargo, conservan su significado independiente. Tanto el Barroco como el Clasicismo se caracterizan por un deseo de generalización, pero los maestros del Barroco gravitan hacia masas dinámicas, hacia conjuntos complejos y extensos. A menudo, las características de estos dos grandes estilos se entrelazan en el arte de un país e incluso en la obra del mismo artista, dando lugar a contradicciones en el mismo.

Junto con el barroco y el clasicismo, surge en las artes visuales un reflejo realista más directo y poderoso de la vida, libre de elementos estilísticos. El movimiento realista es un hito importante en la evolución del arte de Europa occidental. Sus manifestaciones son inusualmente diversas y vívidas, tanto en diversas escuelas nacionales como entre maestros individuales. El siglo XVII pertenece a los mayores maestros del realismo: Caravaggio, Velázquez, Rembrandt, Hals, Vermeer de Delft. En el siglo XVII, esos fueron los primeros. escuelas nacionales, en cuyo arte se lograron los más altos resultados creativos. Italia, España, Flandes, Holanda y Francia se están convirtiendo rápidamente en centros artísticos influyentes. En otros países europeos: Inglaterra, Alemania, Austria, República Checa, Polonia, Dinamarca. cultura artística Conserva la impronta de las propiedades locales y las relaciones con la tradición de épocas anteriores.

El siglo XVIII es un período en el que se produjeron transformaciones colosales en todos los ámbitos: político, social y público. Europa introduce nuevos géneros en la pintura rusa: paisaje, historia, vida cotidiana. La dirección realista de la pintura se vuelve predominante. Una persona viva es un héroe y portador de los ideales estéticos de la época.

El siglo XVIII entró en la historia del arte como una época. retratos pintorescos. Todos querían tener su propio retrato: desde la reina hasta un simple funcionario de la provincia.

Tendencias europeas en la pintura rusa.

Los famosos artistas rusos del siglo XVIII se vieron obligados a seguir la moda occidental a instancias de Pedro I, que quería europeizar Rusia. el dio gran valor desarrollo bellas artes e incluso planeó construir una institución educativa especializada.

Los artistas rusos del siglo XVIII dominaron nuevas técnicas. pintura europea y representaron en sus lienzos no solo reyes, sino también varios boyardos, comerciantes, patriarcas, que intentaron mantenerse al día con la moda y, a menudo, encargaron artistas locales dibujar un retrato. Al mismo tiempo, los artistas de la época intentaron enriquecer los retratos con objetos domésticos, elementos. traje nacional, naturaleza, etc. La atención se centró en muebles caros, grandes jarrones, ropa lujosa y poses interesantes. La representación de personas de esa época es percibida hoy por los artistas como una historia poética sobre su época.

Y, sin embargo, los retratos de los artistas rusos del siglo XVIII difieren notablemente de los retratos de los pintores extranjeros invitados. Cabe mencionar que se invitó a artistas de otros países a enseñar a artistas rusos.

tipos de retratos

El comienzo del siglo XVIII estuvo marcado por el giro de los retratistas hacia visiones semiceremoniales e íntimas. Los retratos de pintores de la segunda mitad del siglo XVIII dan lugar a visiones como ceremoniales, semiceremoniales, de cámara e íntimas.

La puerta de entrada se diferencia de las demás por la imagen de un hombre en altura completa. El brillo del lujo, tanto en ropa como en artículos para el hogar.

El look de medio vestido es una imagen del modelo hasta las rodillas o hasta la cintura.

Si se representa a una persona sobre un fondo neutro hasta el pecho o la cintura, este tipo de retrato se llama íntimo.

La visión íntima del retrato sugiere una apelación a mundo interior el héroe de la imagen, mientras que se ignora el fondo.

Imágenes de retratos

A menudo, los artistas rusos del siglo XVIII se vieron obligados a encarnar imagen de retrato la idea que el cliente tiene de sí mismo, pero no su imagen real. Era importante tener en cuenta opinión pública sobre tal o cual persona. Muchos historiadores del arte han llegado a la conclusión de que la regla principal de esa época era representar a una persona no tanto como realmente era o como le gustaría ser, sino como podría ser en su mejor reflejo. Es decir, en los retratos intentaban retratar a cualquier persona como un ideal.

Los primeros artistas

Los artistas rusos del siglo XVIII, cuya lista es generalmente pequeña, son, en particular, I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D. G. Levitsky.

Entre los primeros pintores del siglo XVIII se encuentran los nombres de Nikitin, Antropov, Argunov. El papel de estos primeros artistas rusos del siglo XVIII fue insignificante. Todo se redujo a escribir gran cantidad Imágenes reales, retratos de nobles rusos. Los artistas rusos del siglo XVIII son maestros del retrato. Aunque a menudo simplemente ayudaron a maestros extranjeros a pintar las paredes de una gran cantidad de palacios y a realizar decoraciones teatrales.

El nombre del pintor Ivan Nikitich Nikitin se puede encontrar en la correspondencia de Pedro I con su esposa. Su pincel es el retrato del propio zar, el canciller G.I. No hay nada artificial en su retrato del atamán. La apariencia no cambia ni con una peluca ni con ropa de corte. El artista mostró al atamán tal como era en vida. Es en la verdad de la vida donde reside la principal ventaja de los retratos de Nikitin.

La obra de Antropov se conservó en las imágenes de la Catedral de San Andrés en Kiev y en los retratos del Sínodo. Estas obras se distinguen por la inclinación del artista por los colores amarillo y oliva, porque es un pintor que estudió con un maestro de pintura de iconos. entre el obras famosas- retratos de Elizaveta Petrovna, Pedro I, la princesa Trubetskoy, Ataman F. Krasnoshchekov. La obra de Antropov combinó las tradiciones de la pintura rusa original del siglo XVII y los cánones de las bellas artes de la era de Pedro el Grande.

Ivan Petrovich Argunov es un famoso retratista siervo del Conde Sheremetyev. Sus retratos son elegantes, las poses de las personas que representa son libres y móviles, todo en su obra es preciso y sencillo. Es el creador de un retrato de cámara, que luego se volverá íntimo. Obras significativas artista: la pareja Sheremetyev, P.B. Sheremetyev en la infancia.

No se debe pensar que en ese momento no existían otros géneros en Rusia, pero los grandes artistas rusos del siglo XVIII crearon las obras más significativas en el género del retrato.

El pináculo del siglo XVIII fue obra de Rokotov, Levitsky y Borovikovsky. La persona en los retratos de los artistas es digna de admiración, atención y respeto. La humanidad de los sentimientos emerge característica distintiva sus retratos.

Fiódor Stepánovich Rókotov (1735-1808)

Casi no se sabe nada sobre Fyodor Stepanovich Rokotov, un artista ruso del siglo XVIII de los siervos del príncipe I. Repnin. Este artista pinta retratos de mujeres de forma suave y aireada. Rokotov siente la belleza interior y encuentra los medios para plasmarla en el lienzo. Incluso la forma ovalada de los retratos sólo resalta la apariencia frágil y elegante de las mujeres.

El género principal de su obra es el retrato semi-ceremonial. Entre sus obras se encuentran retratos de Grigory Orlov y Pedro III, la princesa Yusupova y el príncipe Pavel Petrovich.

Dmitri Grigorievich Levitsky (1735-1822)

El famoso artista ruso del siglo XVIII, Dmitry Grigorievich Levitsky, alumno de A. Antropov, supo capturar y recrear con sensibilidad en sus pinturas los estados mentales y las características de las personas. Al retratar a los ricos, sigue siendo veraz e imparcial; sus retratos excluyen el servilismo y la mentira. Su pincel incluye toda una galería de retratos de grandes personajes del siglo XVIII. Es en el retrato ceremonial donde Levitsky se revela como un maestro. el encuentra poses expresivas, gestos, mostrando nobles nobles. La historia rusa en rostros: así se llama a menudo la obra de Levitsky.
Pinturas del artista: retratos de M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, los Mitrofanov.

Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825)

Los artistas rusos de los siglos XVIII y XIX se distinguen por el uso del llamado retrato sentimental. El artista Vladimir Lukich Borovikovsky pinta a las chicas pensativas que aparecen en sus retratos. colores claros, son aireados e inocentes. Sus heroínas no son sólo campesinas rusas con vestidos tradicionales, sino también queridas damas alta sociedad. Estos son retratos de Naryshkina, Lopukhina, la princesa Suvorova, Arsenyeva. Las imágenes son algo parecidas, pero es imposible olvidarlas. Se distingue por la asombrosa sutileza de los personajes transmitidos, rasgos casi esquivos. experiencias emocionales y un sentimiento de ternura que une todas las imágenes. En sus obras, Borovikovsky revela toda la belleza de una mujer de esa época.

El legado de Borovikovsky es muy diverso y extenso. Su obra incluye tanto retratos ceremoniales como pinturas en miniatura e íntimas. Entre las obras de Borovikovsky, las más famosas fueron los retratos de V. A. Zhukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin y Pavel I.

Pinturas de artistas rusos.

Las pinturas del siglo XVIII de artistas rusos fueron escritas con amor por el hombre, su mundo interior y respeto por las virtudes morales. El estilo de cada artista, por un lado, es muy individual, pero por otro lado, tiene algunas características comunes con los demás. Este momento determinó el estilo que enfatiza el carácter del arte ruso del siglo XVIII.

La mayoría de los artistas rusos del siglo XVIII:

"Joven pintor" Segunda mitad de la década de 1760. Autor Ivan Firsov - el más artista misterioso Siglo XVIII. La pintura representa a un niño en uniforme que está pintando el retrato de una niña hermosa.
“El adiós de Héctor a Andrómaca”, 1773. Autor Anton Pavlovich Losenko. Última foto artista. Representa una trama de la sexta canción de la Ilíada de Homero.
“Puente de piedra en Gatchina cerca de Constable Square”, 1799-1801. Autor Semyon Fedorovich Shchedrin. La pintura representa una vista del paisaje.

Y sin embargo

Los artistas rusos del siglo XVIII todavía intentaron revelar la verdad y el verdadero carácter de las personas, a pesar de las condiciones de servidumbre y los deseos de los clientes adinerados. El género del retrato en el siglo XVIII encarnaba las características específicas del pueblo ruso.

Sin duda, se puede decir que, por así decirlo, arte artístico El siglo XVIII no fue influenciado. cultura europea Después de todo, condujo al desarrollo de las tradiciones nacionales rusas.

A pesar de la especialización desarrollada, el siglo XVII de la pintura rusa se convirtió en el siglo del arte y no de las falsificaciones artesanales. En Moscú vivieron destacados pintores de iconos. Estaban incluidos en el departamento de la Cámara de Iconos de la Orden de Iconos.

Symvon Ushakov. Salvador no hecho por manos.

A finales del siglo XVII comenzaron a trabajar como maestros del Taller de Iconos de la Armería. Principios del siglo XVII exitazo Procopio Chirin lo logró. Chirin era originario de Novgorod. Sus íconos están hechos en colores suaves, las figuras están delineadas con un borde dorado, blanqueadas con la mejor ayuda.

Otro pintor ruso notable del siglo XVII fue Nazariy Savin. Savin prefería figuras de proporciones alargadas, hombros estrechos y barbas largas. En los años 30 del siglo XVII, Savin dirigió un grupo de pintores de iconos que escribieron los ritos festivos y proféticos de Deesis para el iconostasio de la Iglesia de la Deposición de la Túnica de la Virgen María y en el Kremlin de Moscú.

Iván 4 Vasilievich el Terrible.

A mediados del siglo XVII se celebró gran trabajo sobre la restauración de murales antiguos. El nuevo mural de la Catedral de la Asunción de Moscú, que conserva el esquema del anterior, se completó en el menor tiempo posible. El trabajo fue supervisado por Ivan Pansein. Los artistas bajo su dirección pintaron 249 composiciones complejas y 2066 rostros.

En el siglo XVII, la pintura rusa se distinguía por un deseo especial de los artistas, el deseo. imagen realista persona. En Rusia, un fenómeno como la pintura secular está comenzando a extenderse. Los pintores seculares del siglo XVII representaron reyes, generales y boyardos. En el siglo XVII, en la cultura de Rusia, incluida la pintura, se produjo un proceso de "secularización". Los motivos seculares están penetrando cada vez más en la vida de la sociedad rusa. Rusia ha tomado un nuevo camino, en el umbral nueva era su historia.

En la pintura, se han conservado en gran medida las tradiciones establecidas de escritura. El Concilio de la Iglesia de 1667 reguló estrictamente temas e imágenes, y el estatuto del zar Alexei Mikhailovich exigió que se cumpliera lo mismo. Los parsuns fueron escritos por él:

El ideólogo de los viejos creyentes, Avvakum, condenó con celo cualquier desviación de los cánones en la representación de los santos.

Las actividades de los pintores estaban supervisadas por la Armería del Kremlin, que se convirtió en el siglo XVII. el centro artístico del país, donde se atrajeron los mejores maestros.

Durante 30 años, el negocio de la pintura estuvo dirigido por Simon Ushakov (1626-1686). rasgo característico su obra tenía un gran interés por la imagen rostro humano. Bajo su mano, los rostros ascéticos adquirían rasgos vivos. Este es el icono "El Salvador no hecho por manos".

Otra de sus obras es ampliamente conocida: "Plantar el árbol del Estado de toda Rusia". En el contexto de la Catedral de la Asunción se encuentran las figuras de Ivan Kalita y el metropolitano Peter, regando un gran árbol, en cuyas ramas están montados medallones con retratos de príncipes y reyes. En el lado izquierdo de la imagen está Alexey Mikhailovich, en el lado derecho, su esposa e hijos. Todas las imágenes son retratos. Ushakov también pintó el icono de la Trinidad, en el que aparecen detalles realistas. Simon Ushakov ha proporcionado gran influencia sobre el desarrollo de la pintura rusa.

Un fenómeno notable en el arte ruso del siglo XVII. se convirtió en una escuela de maestros de Yaroslavl. Las escenas tradicionales de iglesias y bíblicas en sus frescos comienzan a representarse en imágenes de la vida familiar rusa. Los milagros de los santos pasan a un segundo plano ante los fenómenos cotidianos. Particularmente característica es la composición "Cosecha" en la Iglesia de Elías el Profeta, así como las imágenes al fresco en la Iglesia de Juan Bautista. Los pintores de Yaroslavl también fueron unos de los “pioneros” en el desarrollo del paisaje.

Otro ejemplo de un género secular que reflejaba el interés por la personalidad humana fue la difusión de la escritura "parsun": imágenes de retratos. Si en la primera mitad del siglo todavía se fabricaban “parsuns” según una tradición puramente iconográfica (imágenes de Iván IV, M. Skopin-Shuisky),

luego, en el segundo, comenzaron a adquirir un carácter más realista (los "parsuns" de los zares Alexei Mikhailovich, Fyodor Alekseevich, el mayordomo G.P. Godunov).

Mikhail Fedorovich, zar, primero de la dinastía Romanov.

Parsun del último Rurikovich en la línea masculina: el hijo de Iván el Terrible.

Patriarca Nikon

Patriarca Nikon bajo el zar Alexei Mikhailovich.

Natalya Kirillovna Naryshkina, segunda esposa del zar Alexei Mikhailovich y otro de sus parsuns