Pintura flamenca, tecnología de escritura de Rubens. Pintura flamenca. Secretos de hacer materiales para pintar al óleo.

"El método flamenco de trabajar con pinturas al óleo".

A. Arzamastsev.
“Joven Artista” N°3 1983.

Aquí se encuentran obras de artistas del Renacimiento: Jan van Eyck, Petrus Christus, Pieter Bruegel y Leonardo da Vinci. Estas obras de diferentes autores y de diferente trama están unidas por un método de escritura: el método de pintura flamenco.

Históricamente, este es el primer método de trabajar con pinturas al óleo, y la leyenda atribuye su invención, así como la invención de las pinturas mismas, a los hermanos van Eyck. El método flamenco fue popular no sólo en el norte de Europa.

Fue llevado a Italia, donde todos recurrieron a él. grandes artistas el Renacimiento hasta Tiziano y Giorgione. Existe la opinión de que de esta manera. artistas italianos escribieron sus obras mucho antes que los hermanos van Eyck.

No profundizaremos en la historia y aclararemos quién fue el primero en utilizarlo, pero intentaremos hablar del método en sí.

Hermanos Van Eyck.
Retablo de Gante. Adán. Fragmento.
1432.
Óleo, madera.

Hermanos Van Eyck.
Retablo de Gante. Fragmento.
1432.
Óleo, madera.

Los estudios modernos de obras de arte nos permiten concluir que la pintura en la antigüedad maestros flamencos Realizado siempre sobre imprimación adhesiva blanca.

Las pinturas se aplicaron en una fina capa de esmalte, y de tal manera que no sólo todas las capas de pintura, sino también blanco imprimación que, brillando a través de la pintura, ilumina la imagen desde el interior.

También es destacable la práctica ausencia del blanco en la pintura, a excepción de aquellos casos en los que se pintaban ropas o cortinas de color blanco. A veces todavía se encuentran bajo la luz más intensa, pero aun así sólo en forma de los mejores esmaltes.

Pedro Cristo.
Retrato de una joven.
Siglo XV.
Óleo, madera.

Todo el trabajo de pintura se llevó a cabo en estricta secuencia. Comenzó con un dibujo sobre papel grueso del tamaño pintura futura. El resultado fue el llamado "cartón". Un ejemplo de este tipo de cartón es el dibujo de Leonardo da Vinci para el retrato de Isabella d'Este.

Leonardo da Vinci.
Cartón para el retrato de Isabella d'Este Fragmento.
1499.
Carbón, sanguina, pastel.

La siguiente etapa del trabajo es transferir el dibujo al suelo. Para ello, se pinchó con una aguja a lo largo de todo el contorno y bordes de las sombras. Luego se colocó el cartón sobre una imprimación lijada blanca aplicada al tablero y se transfirió el diseño con polvo de carbón. Al entrar en los agujeros hechos en el cartón, el carbón dejó líneas claras del diseño basado en la imagen.

Para asegurarlo, se trazó la marca de carbón con un lápiz, bolígrafo o la punta afilada de un pincel. En este caso utilizaron tinta o algún tipo de pintura transparente. Los artistas nunca pintaban directamente sobre el suelo, porque tenían miedo de perturbar su blancura, que, como ya se mencionó, desempeñaba el papel del tono más claro en la pintura.

Después de transferir el dibujo, comenzamos a sombrear con un transparente. pintura marrón, asegurándose de que la tierra brille a través de su capa en todas partes. El sombreado se realizó con témpera o óleo. En el segundo caso, para evitar que el aglutinante de pintura fuera absorbido por el suelo, se cubrió con una capa adicional de pegamento.

En esta etapa del trabajo, el artista resolvió casi todas las tareas de la futura pintura, a excepción del color. Posteriormente, no se realizaron cambios ni en el dibujo ni en la composición, y ya en esta forma la obra era una obra de arte.

En ocasiones, antes de terminar un cuadro en color, se preparaba todo el cuadro en los llamados “colores muertos”, es decir, tonos fríos, claros y de baja intensidad. Esta preparación tomó la capa final de pintura vidriada, con la que se dio vida a toda la obra.

Por supuesto que dibujamos esquema general Método de pintura flamenca. Naturalmente, cada artista que lo utilizó aportó algo propio. Por ejemplo, sabemos por la biografía del artista Hieronymus Bosch que pintó en un solo paso, utilizando el método flamenco simplificado.

Al mismo tiempo, sus pinturas son muy hermosas y los colores no han cambiado de color con el tiempo. Como todos sus contemporáneos, preparó una fina imprimación blanca a la que transfirió el dibujo más detallado. Lo sombreé con pintura al temple marrón, después de lo cual cubrí el cuadro con una capa de barniz transparente de color carne, que aisló la tierra de la penetración del aceite de las capas de pintura posteriores.

Una vez seco el cuadro sólo quedó pintar el fondo con veladuras de tonos precompuestos y la obra quedó terminada. Sólo que a veces algunos lugares se pintaban adicionalmente con una segunda capa para realzar el color. Pieter Bruegel escribió sus obras de forma parecida o muy parecida.

Pieter Bruegel.
Cazadores en la nieve. Fragmento.
1565.
Óleo, madera.

Otra variedad del método flamenco se puede rastrear en el ejemplo de la obra de Leonardo da Vinci. Si miras su obra inacabada “La Adoración de los Magos”, puedes ver que comenzó sobre fondo blanco. El dibujo, transferido de cartulina, fue perfilado con pintura transparente como la tierra verde.

El dibujo está sombreado en las sombras con un tono marrón, cercano al sepia, compuesto por tres colores: negro, moteado y ocre rojo. Toda la obra está sombreada, el fondo blanco no queda sin escribir en ningún lado, incluso el cielo se prepara en el mismo tono marrón.

Leonardo da Vinci.
Adoración de los Reyes Magos. Fragmento.
1481-1482.
Óleo, madera.

En las obras terminadas de Leonardo da Vinci, la luz se obtiene gracias al fondo blanco. Pintó el fondo de sus obras y ropa con las más finas capas de pintura transparente superpuestas.

Utilizando el método flamenco, Leonardo da Vinci logró lograr una extraordinaria interpretación del claroscuro. Al mismo tiempo, la capa de pintura es uniforme y muy fina.

Los artistas no utilizaron el método flamenco durante mucho tiempo. Duró por forma pura no más de dos siglos, pero muchas grandes obras se crearon precisamente de esta manera. Además de los maestros ya mencionados, fue utilizado por Holbein, Durero, Perugino, Rogier van der Weyden, Clouet y otros artistas.

Las pinturas realizadas según el método flamenco se distinguen por su excelente conservación. Fabricados sobre tablas curadas y suelos fuertes, resisten bien la destrucción.

La práctica ausencia de blanco en la capa pictórica, que con el tiempo pierde su poder cubriente y cambia así el color general de la obra, garantiza que veamos las pinturas casi tal como salieron de los talleres de sus creadores.

Las principales condiciones que se deben observar al utilizar este método son un dibujo meticuloso, los cálculos más finos, la secuencia correcta de trabajo y mucha paciencia.

Diré de inmediato que pinté este pequeño primer bodegón (40 x 50 cm) durante aproximadamente 2 años. Estaba en el taller sólo los sábados, además no siempre, con descansos por el verano, por eso tardaba tanto. Y el primer trabajo en sí lleva mucho más tiempo que los siguientes. Como norma, deberías presupuestar sólo seis meses de trabajo.

Estoy agregando fotos de otros trabajos para que quede más claro, además trabajamos sincrónicamente con mi hermana (hay tomas cuando dos lienzos están uno al lado del otro, se ven diferentes manos :)

Hay muchos matices que no se pueden cubrir en un solo artículo. Esta es una clase magistral de descripción general para aquellos que ya han tomado el petróleo en sus manos.

Entonces. Se está poniendo una naturaleza muerta., dibujado con un lápiz sobre papel normal (un letrero estatal es suficiente). No sólo se pinta, se construye. Todos los ejes se controlan con una regla, las verticales deben ser verticales, las elipses deben ser perfectamente redondas, sin fracturas. Todos los defectos del dibujo saldrán a la superficie y será imposible corregir nada sin consecuencias.

Este tipo de pintura capa por capa es muy similar a la acuarela: todas las manchas de las capas inferiores son visibles. Lo que añade más responsabilidad es que dentro de unos cientos de años la capa de pintura se adelgazará y nuestros descendientes verán las imperfecciones y errores que supuestamente cubristeis. Conclusión: es necesario trabajar de forma eficaz en cualquier momento.

El dibujo a lápiz está listo, ahora lo necesitas. transferir a lienzo imprimado(más sobre esto a continuación).

Para hacer esto, se perfora todo el dibujo a lo largo de las líneas, creando una pólvora (plantilla).

La parte trasera se ve así:

La plantilla se aplica al lienzo y con un pincel esponjoso se frota polvo de sanina o grafito, dependiendo del color de la impresión.

Retrocedamos un poco lienzo En este punto ya debería estar preparado y secado. Si necesita una opción rápida, entonces es adecuado un lienzo comprado normal, imprimado con blanco, sobre el cual se aplica sombra natural diluida uniformemente con trementina.

Si necesita la opción "real", entonces el lienzo se estira a mano, se pega y se imprima con una capa gruesa de una mezcla de blanco titanio y negro lámpara, se unta con una espátula rectangular gruesa y se envía a secar durante un año. A continuación se lija a mano. La imprimatura en ambos casos debe tener un tono medio.

En mis fotos hay una variante de imprimatura sombra por todas partes.

Después de que el dibujo se "derrama" sobre el lienzo, todos los puntos se conectan cuidadosamente con tinta gris y se restaura todo el dibujo.

Te diré de antemano que deben transcurrir 10 días entre la prescripción en el mismo lugar (secado tecnológico).

Después viene el escenario grisalla. Se mezcla una gradación de blanco y negro con calidez y frialdad (abajo a la derecha hay un tablero de luces a sombras).

El diseño comienza con las luces (no toques las luces). Blanco + negro lámpara + sombra natural para neutralizar el violeta del negro. Más cerca de las sombras, entra el color ámbar quemado (el blanco, por supuesto, queda excluido) y el acero de grano.

Recordamos: luces pastosas, pero prácticamente no tocamos las sombras (nuestro anterior tono ámbar brilla).

Siguiente paso: pintura base de color.

Como todo el ambiente es gris, cualquier color ingresado aparecerá muy brillante, por lo que habrá varias de estas etapas para luego lograr los colores deseados.

En esta etapa, cada objeto se registra como un “espacio en blanco” con solo una forma (casi una repetición de grisalla) sin texturas ni nada más.

Y un fondo de color más (y quizá más de uno)...

Y solo después de esto viene la etapa de finalización (detallar y resaltar).

Una vez finalizado, lo secamos durante 3 meses y lo reparamos :)

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Trabajó con la técnica del claroscuro (luz-sombra), en la que las zonas oscuras del cuadro se contrastan con las claras. Es de destacar que no se ha descubierto ni un solo boceto de Caravaggio. Inmediatamente trabajó en la versión final de la obra.

La pintura del siglo XVII en Italia, España y Países Bajos adoptó las nuevas tendencias como un trago aire fresco. Los italianos de Fiori y Gentileschi, el español Ribera, Terbruggen y Barburen trabajaron con una técnica similar.
El caravaggismo también tuvo una fuerte influencia en las etapas de la creatividad de maestros como Peter Paul Rubens, Georges de La Tour y Rembrandt.

Las voluminosas pinturas de los caravaggistas sorprenden por su profundidad y atención al detalle. Hablemos más de los pintores holandeses que trabajaron con esta técnica.

Hendrik Terbruggen fue el primero en aceptar la idea. A principios del siglo XVII visitó Roma, donde conoció a Manfredi, Saraceni y Gentileschi. Fue el holandés quien inició la escuela de pintura de Utrecht con esta técnica.

Los temas de las pinturas son realistas y se caracterizan por el suave humor de las escenas representadas. Terbruggen demostró no sólo momentos individuales la vida contemporánea, pero también repensa el naturalismo tradicional.

Honthorst fue más allá en el desarrollo de la escuela. Se volvió hacia historias bíblicas, pero la trama se basó en el punto de vista cotidiano de los holandeses del siglo XVII. Así, en sus pinturas vemos una clara influencia de la técnica del claroscuro. Fueron sus obras influenciadas por los caravaggistas las que le dieron fama en Italia. Por sus escenas de género a la luz de las velas, recibió el sobrenombre de “noche”.

A diferencia de la escuela de Utrecht, los pintores flamencos como Rubens y van Dyck no se convirtieron en fervientes partidarios del caravaggismo. Este estilo se indica en sus obras sólo como una etapa separada en la formación de un estilo personal.

Adrián Brouwer y David Teniers

A lo largo de varios siglos, la pintura de los maestros flamencos ha sufrido cambios importantes. Comenzaremos nuestra revisión de artistas con más. etapas posteriores, cuando hubo un alejamiento de las pinturas monumentales hacia temas de enfoque limitado.

Primero Brouwer, y luego Teniers el Joven, basaron su creatividad en escenas de la vida cotidiana holandeses comunes y corrientes. Así, Adrian, continuando con los motivos de Pieter Bruegel, cambia un poco la técnica de escritura y el enfoque de sus pinturas.

Se centra en el lado más desagradable de la vida. Busca tipos para sus lienzos en tabernas y tabernas llenas de humo y con poca luz. Sin embargo, las pinturas de Brouwer sorprenden por su expresión y profundidad de carácter. El artista esconde a los personajes principales en las profundidades, poniendo naturalezas muertas en primer plano.

Una pelea jugando a los dados o a las cartas, un fumador dormido o unos borrachos bailando. Precisamente estos temas interesaban al pintor.

pero mas trabajos tardíos Los lectores se vuelven blandos, en ellos el humor ya prevalece sobre lo grotesco y el desenfreno. Ahora los lienzos contienen sentimientos filosóficos y reflejan el ritmo pausado de personajes reflexivos.

Los investigadores dicen que en el siglo XVII los artistas flamencos comenzaron a reducir su tamaño en comparación con la generación anterior de maestros. Sin embargo, simplemente vemos una transición de la vívida expresión de los temas míticos de Rubens y el burlesco de Jordaens a la vida tranquila de los campesinos en Teniers el Joven.

Estos últimos, en particular, se concentraban en los momentos despreocupados de las vacaciones en el pueblo. Intentó representar bodas y celebraciones de agricultores corrientes. Además, se prestó especial atención a los detalles externos y a la idealización del estilo de vida.

Frans Snyders

Al igual que Anton van Dijk, del que hablaremos más adelante, empezó a entrenar con Hendrik van Balen. Además, Pieter Bruegel el Joven fue también su mentor.

Al observar las obras de este maestro, nos familiarizamos con otra faceta de la creatividad en la que es tan rica la pintura flamenca. Las pinturas de Snyders son completamente diferentes de las pinturas de sus contemporáneos. Francia logró encontrar su nicho y desarrollarse en él hasta la altura de un maestro insuperable.

Se convirtió en el mejor en la representación de naturalezas muertas y animales. Como pintor de animales, otros pintores, en particular Rubens, lo invitaban a menudo a crear determinadas partes de sus obras maestras.

En la obra de Snyders hay una transición gradual de naturalezas muertas a primeros años a escenas de caza en períodos posteriores. A pesar de toda su aversión por los retratos y las representaciones de personas, todavía están presentes en sus lienzos. ¿Cómo salió de la situación?

Es simple, Francia invitó a Janssens, Jordaens y otros maestros que conocía del gremio a crear imágenes de cazadores.

Así, vemos que la pintura del siglo XVII en Flandes refleja una etapa heterogénea de transición desde técnicas y puntos de vista anteriores. No fue tan fácil como en Italia, pero dio al mundo creaciones completamente inusuales de los maestros flamencos.

Jacob Jordan

La pintura flamenca del siglo XVII se caracteriza por una mayor libertad que la del período anterior. Aquí puedes ver no solo escenas de la vida en vivo, sino también los inicios del humor. En particular, a menudo se permitía introducir una pieza burlesca en sus lienzos.

En su trabajo, no alcanzó alturas significativas como retratista, pero, sin embargo, se convirtió quizás en el mejor en transmitir carácter en una imagen. Así, una de sus series principales, "Las fiestas del rey de las judías", se basa en ilustrar el folclore, refranes populares, chistes y refranes. Estos lienzos representan la vida abarrotada, alegre y vibrante de la sociedad holandesa del siglo XVII.

hablando de arte holandés pintura de esta época, a menudo mencionaremos el nombre de Peter Paul Rubens. Fue su influencia la que se reflejó en las obras de la mayoría artistas flamencos.

Jordaens tampoco escapó a este destino. Trabajó durante algún tiempo en los talleres de Rubens, realizando bocetos para lienzos. Sin embargo, Jacob era mejor creando técnicas de tenebrismo y claroscuro.

Si observamos más de cerca las obras maestras de Jordaens y las comparamos con las obras de Peter Paul, veremos una clara influencia de este último. Pero las pinturas de Jacob se distinguen por los colores más cálidos, la libertad y la suavidad.

Pedro Rubens

Discutir obras maestras pintura flamenca, no se puede dejar de mencionar a Rubens. Peter Paul fue un maestro reconocido durante su vida. Se le considera un virtuoso de la religión y temas míticos, pero el artista no mostró menos talento en la técnica del paisaje y el retrato.

Creció en una familia que cayó en desgracia debido a las trampas de su padre en su juventud. Poco después de la muerte de sus padres, su reputación se recupera y Rubens y su madre regresan a Amberes.

Aquí el joven adquiere rápidamente las conexiones necesarias y se convierte en paje de la condesa de Lalen. Además, Peter Paul conoce a Tobias, Verhacht, van Noort. Pero Otto van Veen tuvo sobre él una influencia especial como mentor. Fue este artista quien jugó un papel decisivo en la configuración del estilo del futuro maestro.

Después de cuatro años de formación con Otto Rubens, fueron aceptados en un gremio de artistas, grabadores y escultores llamado Gremio de San Lucas. El final de su formación, según la larga tradición de los maestros holandeses, fue un viaje a Italia. Allí Pedro Pablo estudió y copió. las mejores obras maestras esta era.

No es de extrañar que las pinturas de los artistas flamencos se parezcan en sus características a las técnicas de algunos maestros italianos Renacimiento.

En Italia, Rubens vivió y trabajó bajo filántropo famoso y el coleccionista Vincenzo Gonzaga. Los investigadores llaman a este período de su obra Mantuan, porque en esta ciudad se encontraba la finca del mecenas Pedro Pablo.

Pero la ubicación provincial y el deseo de Gonzaga de utilizarla no agradaron a Rubens. En la carta escribe que Vicenzo también podría haber recurrido a los servicios de retratistas y artesanos. Dos años más tarde, el joven encuentra mecenas y encargos en Roma.

El principal logro de la época romana fue la pintura de Santa María en Valicella y el altar del monasterio de Fermo.

Tras la muerte de su madre, Rubens regresa a Amberes, donde rápidamente se convierte en el maestro mejor pagado. El salario que recibía en la corte de Bruselas le permitía vivir a lo grande, tener un gran taller y muchos aprendices.

Además, Pedro Pablo mantuvo relaciones con la orden de los jesuitas, con quienes se crió cuando era niño. De ellos recibe encargos para la decoración interior de la iglesia de San Carlos Borromeo de Amberes. Aquí le ayuda su mejor alumno, Anton van Dyck, de quien hablaremos más adelante.

Rubens pasó la segunda mitad de su vida en misiones diplomáticas. Poco antes de su muerte se compró una finca, donde se instaló y comenzó a pintar paisajes y a representar la vida de los campesinos.

La influencia de Tiziano y Bruegel es especialmente evidente en la obra de este gran maestro. lo mas obras famosas Se encuentran los cuadros “Sansón y Dalila”, “La caza del hipopótamo”, “El rapto de las hijas de Leucipo”.

Rubens tuvo una influencia tan fuerte en pintura de europa occidental que en 1843 se le erigió un monumento en la Plaza Verde de Amberes.

Antón van Dyck

Retratista de la corte, maestro de temas míticos y religiosos en pintura, artista: todas estas son las características de Anton van Dyck, el mejor alumno de Peter Paul Rubens.

Las técnicas de pintura de este maestro se formaron durante sus estudios con Hendrik van Balen, con quien fue aprendiz. Fueron los años pasados ​​en el estudio de este pintor los que permitieron a Anton ganar rápidamente fama local.

A los catorce años pintó su primera obra maestra y a los quince abrió su primer taller. Así, a una edad temprana, van Dyck se convirtió en una celebridad de Amberes.

A la edad de diecisiete años, Anton fue aceptado en el Gremio de San Lucas, donde se convirtió en aprendiz de Rubens. Durante dos años (de 1918 a 1920), van Dyck pintó retratos de Jesucristo y los doce apóstoles en trece tablas. Hoy en día estas obras se conservan en muchos museos de todo el mundo.

La pintura de Anton van Dyck se centró más en temas religiosos. Pintó sus famosos cuadros “La Coronación” y “El Beso de Judas” en el estudio de Rubens.

El período de viaje comenzó en 1621. Primero, el joven artista trabaja en Londres, bajo el reinado del rey James, y luego se va a Italia. En 1632, Antón regresó a Londres, donde Carlos I lo nombró caballero y le otorgó el puesto de artista de la corte. Aquí trabajó hasta su muerte.

Sus pinturas se exhiben en museos de Munich, Viena, Louvre, Washington, Nueva York y muchas otras salas de todo el mundo.

Así, hoy nosotros, queridos lectores, conocimos la pintura flamenca. Tienes una idea sobre la historia de su formación y la técnica de creación de lienzos. Además, conocimos brevemente a los más grandes maestros holandeses de este período.

Al estudiar las técnicas de algunos viejos maestros, nos topamos con los llamados “ método flamenco” pintura al óleo. Técnicamente tiene varias capas. el camino difícil escritura, lo opuesto a la técnica “a la prima”. La multicapa implicaba una profundidad especial de imagen, brillo y resplandor de colores. Sin embargo, en la descripción de este método, invariablemente se encuentra una etapa tan misteriosa como la "capa muerta". A pesar del nombre intrigante, no hay ningún misticismo en él.

¿Pero para qué sirvió?

El término "colores muertos" (doodverf - la muerte de la pintura) aparece por primera vez en la obra de Karl van Mander "El libro de los artistas". Podría llamar así a la pintura, por un lado, literalmente, por la muerte que da a la imagen, por otro lado, metafóricamente, ya que esta palidez “muere” bajo el color posterior. Estas pinturas incluían colores blanqueados amarillo, negro y rojo en diferentes proporciones. Por ejemplo, el gris frío se obtuvo mezclando blanco y negro, y negro y amarillo, cuando se combinaron, formaron un tinte oliva.

La capa pintada con “colores muertos” se considera “capa muerta”.

Etapas de pintura con una "capa muerta".

vamos al taller artista holandés Edad Media y descubre cómo escribía.

Primero, el diseño se transfirió a la superficie imprimada.

La siguiente etapa fue modelar el volumen con penumbra transparente, mimetizándose sutilmente con la luz del suelo.

A continuación, se aplicó imprimatura, una capa de pintura líquida. Permitió preservar el dibujo, evitando que partículas de carbón o lápiz entraran en las capas superiores de pintura, y también protegió los colores para que no se decoloraran más. Es gracias al imprimatur que se han mantenido casi sin cambios hasta el día de hoy. colores ricos en las pinturas de Van Eyck, Rogier van der Weyden y otros maestros del Renacimiento del Norte.

La cuarta etapa fue la “capa muerta”, en la que se aplicaron pinturas blanqueadas sobre la base volumétrica. El artista necesitaba preservar la forma de los objetos sin alterar el contraste de luces y sombras, lo que provocaría un embotamiento en la pintura posterior. Los "colores muertos" se aplicaron solo en las partes claras de la imagen; a veces, imitando rayos deslizantes, se aplicó cal con pequeños trazos de puntos. La pintura adquirió un volumen adicional y una siniestra palidez mortal que, ya en la siguiente capa, "cobró vida" gracias a los esmaltes de colores de varias capas. Una pintura tan compleja parece inusualmente profunda y radiante cuando la luz se refleja en cada capa, como si fuera un espejo parpadeante.

Hoy en día este método no se utiliza con frecuencia, sin embargo, es importante conocer los secretos de los viejos maestros. Gracias a su experiencia, podrás experimentar tu creatividad y encontrar tu camino en todo tipo de estilos y técnicas.

La pintura flamenca se considera una de las primeras experiencias de los artistas en la pintura al óleo. La autoría de este estilo, así como la invención de las propias pinturas al óleo, se atribuye a los hermanos Van Eyck. El estilo de la pintura flamenca es inherente a casi todos los autores del Renacimiento, en particular los famosos Leonardo da Vinci, Pieter Bruegel y Petrus Christusa dejaron muchas obras de arte de valor incalculable en este género.

Para pintar un cuadro con este método, primero necesitarás crear un dibujo en papel y, por supuesto, no olvides comprar un caballete. El tamaño de la plantilla de papel debe coincidir exactamente con el tamaño de la pintura futura. A continuación, el diseño se transfiere a una imprimación adhesiva blanca. Para ello, se hacen una masa de pequeños agujeros con agujas a lo largo del perímetro de la imagen. Después de fijar el patrón en un plano horizontal, tome carbón en polvo y espolvoréelo en las áreas con agujeros. Después de retirar el papel, los puntos individuales se unen con la punta afilada de un pincel, bolígrafo o lápiz. Si se utiliza tinta, ésta debe ser estrictamente transparente para no perturbar la blancura del fondo, lo que realmente da a las pinturas terminadas un estilo especial.

Los dibujos transferidos deben sombrearse con pintura marrón transparente. Durante el proceso, se debe tener cuidado para garantizar que la imprimación permanezca visible a través de las capas aplicadas en todo momento. Se podría utilizar aceite o témpera como sombreado. Para evitar que la tinta de aceite fuera absorbida por el suelo, primero se cubrió con pegamento. Jerónimo El Bosco Para ello utilizó barniz marrón, gracias al cual sus cuadros conservaron su color durante mucho tiempo.

En esta etapa, se está realizando la mayor cantidad de trabajo, por lo que definitivamente vale la pena comprar un caballete de mesa, porque todo artista que se precie tiene un par de estas herramientas. Si se planeaba pintar la pintura en color, entonces la capa preliminar sería de tonos fríos y claros. Sobre ellos, nuevamente, se aplicó una fina capa de esmalte. pinturas al óleo. Como resultado, la imagen adquirió tonos realistas y parecía mucho más impresionante.

Leonardo da Vinci sombreó todo el terreno con un solo tono, que era una combinación de tres colores: ocre rojo, moteado y negro. Pintó la ropa y el fondo de sus obras con capas de pintura transparentes superpuestas. Esta técnica permitió transmitir las características especiales del claroscuro a la imagen.