EntradaLas negras comienzan, el oro gana. Colección de pinturas holandesas en el Hermitage Pinturas domésticas holandesas en el Hermitage
20.Rembrandt y el holandés
pintura del siglo 17
en la colección del Hermitage.
La colección de pinturas de Rembrandt, conservada en el Hermitage, es conocida en todo el mundo. Se compone de obras de diferentes épocas: la más antigua data de 1631, la última se remonta al final de la vida del artista. Se trata de retratos, pinturas sobre temas bíblicos y escenas de la mitología antigua. Muchas de ellas son reconocidas obras maestras del gran holandés.
El museo tiene una sala separada para las pinturas de Rembrandt. También se encuentran aquí algunas obras de sus alumnos holandeses.
"Retrato de un científico" es la primera pintura de Rembrandt en el Hermitage. Es el género del retrato el que ocupa un lugar sumamente importante en la obra del gran maestro.
"Retrato de un científico" es el nombre tradicional del cuadro, pero se desconoce quién era realmente la persona representada en el lienzo.
El libro que tiene delante y el bolígrafo en la mano indican, quizás, actividades académicas. Flora" – uno de obras famosas Colección de la Ermita. La obra fue realizada por Rembrandt el año de su matrimonio con Saskia van Uylenburch. Largo se contó el tiempo
que el artista capturó aquí a su joven esposa.
Descendimiento de la Cruz
Rembrandt Harmens van Rijn (1606–1669), Holanda, 1634"El sacrificio de Abraham"
- una obra maestra del estilo barroco dinámico y expresivo de la obra de Rembrandt. El movimiento violento en la imagen está determinado por el momento capturado en ella: un ángel aparece rápidamente, se representa un cuchillo cayendo, que Abraham, sorprendido, dejó caer, y la palma del padre cubre misericordiosamente el rostro de su hijo."Retrato de Barthier Martens" por mucho tiempo. Rembrandt, el pintor más caro de Ámsterdam durante este período, pintó retratos emparejados de los cónyuges, que Barthier obviamente apreciaba mucho. Ella los legó a Lambert con la condición de que hiciera copias para sus hermanos y hermanas.
Cuadro "El adiós de David a Jonatán" Representa un episodio del Antiguo Testamento (1 Samuel 20:41, 42). El rey Saúl, sospechando que su comandante David quería apoderarse del trono, decidió matarlo. El hijo de Saúl, el príncipe Jonatán, que amaba a David “como a su propia alma”, le informó del plan de su padre.
Rembrandt describió el encuentro de amigos antes de la huida de David, cuando "ambos lloraron juntos, pero David lloró más"."Sagrada Familia" - uno de los más pinturas famosas
Rembrandt sobre este tema, al que el maestro recurrió más de una vez. La escena presentada por el artista parece un episodio corriente de la vida de una familia modesta, pero encierra un profundo significado simbólico.
En el último período de su creatividad, el maestro pintó con mayor frecuencia a personas de edad avanzada. A menudo, los residentes del gueto, una zona de Ámsterdam habitada por judíos, posaban para él. Los retratos de personas mayores se caracterizan por una composición con figuras presentadas desde el pecho hasta la cintura. Como regla general, los retratados aparecen sentados en poses inmóviles, con las manos tranquilamente cruzadas frente a ellos. El fondo de estas pinturas es neutro, los detalles son pocos y en el colorido predominan los tonos marrones y rojos. Se resaltan las caras y las manos de los modelos. luz brillante
. Poco a poco se desvanece y parpadea en los colores que transmiten las ropas oscuras de los personajes y los fondos de los retratos.
Retrato de un anciano judío
Rembrandt Harmens van Rijn (1606–1669), Holanda, 1654
A veces Rembrandt pintaba el mismo modelo varias veces. Así, la anciana representada en “Retrato de una anciana” posó para el maestro para sus otras obras. El cuadro llegó al Hermitage como
"Retrato de la madre de Rembrandt"
No por casualidad: en los siglos XVIII y XIX. muchas de las obras del artista fueron consideradas imágenes de sus familiares.
El atuendo de una anciana con un tocado inusual recuerda a los trajes ficticios de los llamados troniers.
El rostro con arrugas seniles y las manos con articulaciones nudosas están representados con pinceladas densas y enérgicas, características del estilo tardío del artista. Los rostros seniles de los retratos de Rembrandt suelen caracterizarse por una expresión de profunda tristeza espiritual. Las imágenes de ancianos ensimismados encarnan tanto la sabiduría como la tristeza que conllevan los años de vida. representa una persona en cuyo rostro y postura se puede sentir dignidad y fuerza de carácter.
Mujer joven probándose aretes" - un pequeño cuadro que representa un episodio de la vida cotidiana. Sin embargo, en arte XVII v. Tales historias contenían un significado alegórico. Así, un personaje admirando su reflejo en el espejo sirvió como recordatorio de tal vicios humanos
como vanidad y vanidad.
Al mismo tiempo, la artista creó una imagen femenina encantadora, que transmite con precisión el gesto relajado de la heroína, su gracia natural y su sonrisa vivaz. Una escena ordinaria está pintada con un humor suave. Un papel importante en su creación lo juega el color, que se compone de tonos claros de rojo y marrón, impregnados de luz."Amán descubre su destino"
(“David y Urías”?) – una imagen del género histórico. Su trama se remonta al Antiguo Testamento, pero hay dos opiniones sobre qué episodio bíblico se presenta aquí (de ahí los dos nombres).
En el siglo XX surgió una versión de la historia del rey David y su general Urías. Habiéndose enamorado de Betsabé, la esposa de Urías, David envió a su esposo a la guerra con una carta al comandante militar: la orden de enviar a Urías a una muerte segura (2 Samuel 11:14). En este caso, Urías está representado en el primer plano de la imagen, los personajes del fondo son el rey David con una corona y el profeta Natán. Sin embargo, esta interpretación se contradice por la ausencia de una carta en manos del principal A las obras maestras género de retrato V creatividad tardía el artista pertenece
"Retrato del poeta Jeremías de Dekker."
La obra fue escrita en el último año de la vida de Dekker (1606-1666), amigo y admirador de Rembrandt.
El artista representó a una persona cercana a él no con un atuendo ficticio, sino con un estricto traje negro con un cuello blanco plano. El poeta se presenta profundamente inmerso en sí mismo. La sombra transparente del ala del sombrero de copa realza el estado de ánimo de triste desapego que se puede leer en el rostro del modelo (una técnica característica de Rembrandt)."El regreso del hijo pródigo"
– uno de los picos de la creatividad de Rembrandt. La trama de la imagen está tomada de la parábola del Evangelio sobre hijo pródigo
(Lucas 15:11–32) Cierto joven, habiendo recibido su parte de la herencia de su padre, “se fue a un lugar lejano y allí despilfarró sus bienes, viviendo disolutamente. Cuando había pasado por todo, surgió una gran hambruna en aquel país, y empezó a pasar necesidad”. Pastoreaba cerdos, mendigaba y pasaba hambre. La necesidad obligó al desafortunado a regresar a la casa de su padre.- La reconocida obra maestra de Rembrandt. La fecha del lienzo es 1636. Sin embargo, se sabe que hacia 1643 el artista volvió a trabajar en la obra, cambiando en gran medida su concepto y solución pictórica. Hay muchos misterios en la historia de "Danae".
Probablemente en 1656 se encontraba en la casa de Rembrandt y en 1660 aún no había abandonado Holanda. En 1755, “Danae” aparece en la colección Crozat, que contenía al menos seis obras de diferentes autores sobre el mismo tema. La pintura de Rembrandt se colocó en la Galería Crozat frente a "Dánae recibiendo a Júpiter como lluvia dorada" de Tiziano.
La historia de la colección de pinturas de Rembrandt en el Hermitage comenzó mucho antes que el propio museo. El primero traído a Rusia. pinturas maestros -"El adiós de David a Jonatán". La obra fue adquirida en nombre del emperador Pedro I en Amsterdam durante la venta de la famosa colección de Jan van Beuningen en Holanda, organizada en 1717 antes de que su propietario partiera hacia Sudamerica
(como gobernante de la isla de Curazao, en ese momento colonia holandesa).
Al principio, la pintura decoraba uno de los interiores del Palacio Monplaisir en Peterhof y en 1882 ingresó al Hermitage. La mayor parte de la colección se formó durante el reinado de Catalina II. La emperatriz, que gobernó durante el Siglo de las Luces y abrazó su espíritu, patrocinó las artes. Ella decidió crear
galería de arte
, que sería famoso en Europa.
Una casualidad ayudó a que la emperatriz rusa recibiera en 1764 pinturas coleccionadas por el comerciante berlinés Gotzkowsky para Federico II, rey de Prusia. Los gastos de la guerra obligaron al monarca a negarse a comprar obras de pintura, y el comerciante se ofreció a cubrir con ellas su deuda con la corte rusa.
El año de esta adquisición se considera la fecha de fundación del Hermitage. Al mismo tiempo, comenzaron a construir la Pequeña Ermita, el edificio donde se guardaban las pinturas. pintura holandesa Ni una sola escuela nacional de pintura ha visto un florecimiento tan rápido de la naturaleza muerta. Sólo la capacidad del maestro holandés de ver una partícula de existencia en las cosas más pequeñas elevó este género al nivel de los principales.
Expresar nuevas visiones artísticas de la sociedad y servir a un consumidor más amplio que antes: el ciudadano común y corriente del primer siglo. Europa occidental En la república burguesa, los pintores holandeses encontraron un lenguaje artístico inteligible y vibrante. gran influencia sobre el arte contemporáneo y del futuro. A los mejores ejemplos pintura holandesa todas las figuras progresistas abordadas arte XVIII-XIX siglos. Hasta el día de hoy, los logros audaces permanecen en el arsenal de los artistas realistas. escuela holandesa, y sus pinturas, imbuidas de un sentimiento de afirmación de la vida, continúan brindando al espectador un verdadero placer artístico.
La escuela holandesa brindó a la humanidad una galaxia de maestros destacados encabezados por Hals, Rembrandt, Ruisdael y Vermeer de Delft. Sus obras han entrado para siempre en el tesoro mundial del arte y, como mayores manifestaciones del genio humano, se conservan cuidadosamente en museos y galerías de arte.
El Hermitage Estatal tiene una de las colecciones de pintura holandesa más grandes del mundo. Sus primeras piezas aparecieron a orillas del Neva en 1716, mucho antes de que se fundara el museo. Este año, Osip Solovyov compró ciento veintiún cuadros para Pedro I en Holanda, y luego Yuri Kologrivov compró otros ciento diecisiete cuadros en Bruselas y Amberes. Algo más tarde se sumaron a esta colección ciento diecinueve obras, enviadas al rey por los comerciantes ingleses Zwan y Elsey. Aquí prevalecieron las pinturas holandesas, junto con las flamencas: según el biógrafo de Pedro I, Yakov Shtelin, los artistas favoritos del zar eran Rubens, van Dyck, Rembrandt, Steen, Wouwerman, Bruegel, van der Werff y van Ostade, y su favorito Los temas eran escenas de la vida de "hombres y mujeres holandeses". Este compromiso con todo lo holandés no debe verse simplemente como una manifestación del gusto personal del “Skipper Peter”, como lo llamaban Peter durante su estancia en Holanda. democracia burguesa holandesa, que encontró
expresión brillante
La colección holandesa del Hermitage se enriqueció aún más con las colecciones de Balduino (París), Walpole (Inglaterra) y la primera esposa de Napoleón I, la emperatriz Josefina, adquiridas para el Hermitage en finales del XVIII - principios del XIX siglo. El Hermitage pudo entonces incluir en su exposición “El sacrificio de Abraham”, “El Descendimiento de la Cruz” y una docena más de lienzos de Rembrandt, obras de G. Dou, que estuvo de moda en el siglo XVIII, tres de los mejores. pinturas de P. Potter (entre ellas la obra maestra del maestro: "La granja"), "Un vaso de limonada" de G. Terborch, "Desayuno" de G. Metsu, dos naturalezas muertas florales increíblemente delicadamente ejecutadas de J. van Hey- suma y muchas otras obras igualmente significativas.
historia entretenida tamaño pequeño y los precios relativamente bajos hicieron que las pinturas holandesas fueran accesibles gran circulo Coleccionistas rusos. Fueron adquiridos no sólo por miembros de la casa reinante y la más alta nobleza de San Petersburgo, sino también por representantes de los círculos más democráticos de la población. Estas colecciones se convertirán posteriormente en la principal fuente de reposición de la colección del Hermitage. Así, en 1915, el museo recibió una enorme colección de "pequeños holandeses", adquirida en 1910 por el famoso científico y viajero ruso P. P. Semenov-Tyan-Shansky, que recopiló setecientos diecinueve cuadros de trescientos cuarenta autores. Con esta colección aparecieron ciento noventa nuevos nombres en el catálogo del museo. Así, si antes la colección holandesa del Hermitage destacaba entre otros museos del mundo por el número de obras maestras, ahora ha ocupado uno de los primeros lugares por el número de nombres representados en ella, incluidos los más raros.
La colección de pintura holandesa del Hermitage cuenta con más de 1.000 cuadros y se sitúa entre las primeras del mundo en cuanto a número de obras maestras y nombres, incluidas las más raras. Las pinturas de artistas holandeses ocupan seis salas del New Hermitage, la mayor de las cuales es la Tent Hall, donde se encuentra la principal exposición de pinturas de los llamados pequeños holandeses.
Frans Hals, uno de los pintores holandeses más destacados y atrevidos de este período, está representado por dos magníficas obras: "Retrato de un joven con un guante en la mano" (c.1659) y " retrato de un hombre"(hasta 1660).
Holanda XVII regaló al mundo una constelación de grandes artistas sin precedentes en la historia mundial. Esto nunca había sucedido ANTES. Esto no sucedió DESPUÉS. El increíblemente brillante Rembrandt. Es el primero de una serie de artistas holandeses, también por su súper técnica y su súper pintoresquismo. Para ello, vale la pena mirar “La mujer que se baña” de Londres, o “Flora” del Hermitage (y no toco el tema del humanismo más cristiano, el psicologismo más sutil, la invención deslumbrante, la autorreflexión más profunda, la experiencia de uno mismo como otro). Desde mi punto de vista, y en general de forma objetiva, Rembrandt es el artista número uno de la historia de la humanidad. Vermeer con su plein air, color puro, silencio místico. F. Hals con su derroche de encaje y sonrisa. Terborkh con sus vibraciones, texturas de telas y crepúsculo. Metsyu con su especie de eternamente desapegado, pero irrumpiendo por todas partes y su estúpido pintoresquismo absoluto. Gobbema con su tipo de ritmo especial, una incorporación muy especial del hombre a la naturaleza. J. Ruisdael con su especie de monumentalidad ingenua, cierta habilidad especial para reconocer un lugar como un campo de batalla, una inclinación muy extraña por la ornamentación. Potter con su autenticidad fotográfica y sus detalles fisiológicos siempre irrelevantes. Hoch (prearistocrático) con sus muñecos ídolos y extraños experimentos en geometría de objetos domésticos. Puedo enumerar muchos más artistas de no menos importancia y habilidad: Ner, Berchem, Peinaker, Miris, Kalf, Beyeren, Heda, Ast, Witte, Dow, Fabricius, Mas, Hoogstraten, Gelder, Flink, Wauwerman, Goyen, Steen, Helst. y etc. etc. Pero incluso en esta “pequeña” serie hay un número muy pequeño de artistas. Yo los llamo "tranquilos". Todos ellos fueron influenciados por Pieter de Hooch. Pintaron el silencio. Eran muy hábiles. No todos están en el Hermitage. Pero sus obras del Hermitage pueden considerarse entre las más importantes. Escúchalos.
Jacob Vrel
Ermita
De otros museos 
Isaías Burse
Ermita 
Literalmente, este fin de semana se cerrará una exposición con el mismo nombre en el Museo Estatal Pushkin de Bellas Artes de la capital, pero la inauguración de San Petersburgo será completamente diferente: la colección de pinturas holandesas del estadounidense Thomas Kaplan se complementará con lienzos almacenados en el museo más grande Capital del norte. "Nuestras obras maestras resonarán con piezas individuales de la colección o continuarán con ellas, y la exposición recibirá un nuevo contexto", enfatiza Irina Sokolova, la principal especialista en arte holandés del Hermitage.
El propio museo considera que el próximo proyecto es una continuación de la exposición "Maestros holandeses del Hermitage", que se celebró con gran éxito en Ámsterdam. Luego, más de 60 pinturas fueron llevadas desde San Petersburgo a su patria histórica, pero esta vez el museo, a pesar de que su colección de pinturas holandesas es la más grande fuera de los Países Bajos, no mostrará más de una docena: la propia colección de Leiden. pasará a primer plano (lleva el nombre de la ciudad donde nació Rembrandt). Los residentes de San Petersburgo verán 80 obras maestras de esta colección, y en sólo 15 años el matrimonio Kaplan logró reunir alrededor de 250 piezas desde cero.
Los trabajadores del museo consideran que esto es imposible: las obras de Rembrandt y sus contemporáneos (Frans Hals y Johannes Vermeer, Ferdinand Bohl y Govert Flinck) prácticamente no aparecen en las subastas y durante mucho tiempo han estado divididas entre grandes depósitos de arte.
El Hermitage fue uno de los primeros en exhibir colecciones privadas, y esta colección también es privada, pero está completamente a nivel de museo. Para mí, esta exposición será una confrontación entre marcos negros y dorados: Kaplan tiene todas sus pinturas en negro y nosotros exhibiremos las nuestras en marcos dorados. En primer lugar, es un símbolo de esa época y, en segundo lugar, dejará claro de inmediato dónde está la colección”, afirmó Mijaíl Piotrovsky, director del Hermitage estatal.
Otra característica de la exposición serán los pies de foto de cada una de las pinturas: no sólo etiquetas con nombres, sino reales. cuentos cortos sobre cada uno de ellos, elaborado por especialistas del museo de San Petersburgo. En las mismas placas se colocarán reproducciones de obras maestras holandesas de la colección del Hermitage, que no se presentarán "en vivo" en la exposición, pero que tienen gran valor comprender el fenómeno de la escuela de arte de Leiden.
Y también era conocida por ser una maestra de la bella pintura. Estas pequeñas obras, pintadas sobre madera o cobre, también se expondrán en la Sala Nicolás Palacio de Invierno. En las pinturas, además de composiciones históricas, hay retratos y escenas de genero, y también imágenes de animales. “La bella pintura siempre ha sido objeto de admiración para los coleccionistas”, dice Irina Sokolova. “Y este virtuosismo realmente impresiona. Catalina la Grande alguna vez compró docenas de bellas pinturas”.
La pintura holandesa de la colección del Palacio Pavlovsk representa uno de sus componentes principales y ocupa un lugar importante tanto en la composición como en la calidad de las pinturas. La colección incluye más de 80 obras.
Una característica especial de la colección es que el paisaje está mejor representado que otros géneros y el llamado paisaje “italianizante”. Esta tendencia surgió y se desarrolló gracias a los artistas holandeses que visitaron Italia. Las imágenes de la naturaleza brillante y exuberante del país del sur sirvieron de impulso para la creación de obras completamente diferentes del paisaje "nacional". Un ejemplo de la etapa inicial de desarrollo del paisaje "italianizante", llamado "arcadio", es la pintura de B. Brenberg "Tobius y el ángel". Bartholomeus Brenberg (1599/1600-1657) y los maestros que lo rodearon, que trabajaron en Italia en la década de 1620, crearon cuadros de un paisaje italiano convencional, poblándolo necesariamente de elementos mitológicos o personajes bíblicos. El género paisajístico italianizante alcanzó su auge a mediados del siglo XVII en la obra de Jan Both (1610-1652). Pavlovsk tiene dos obras emblemáticas de este maestro: las pinturas "Paisaje italiano" y "Vista de Ponte Lucano cerca de Roma". El artista no sólo reproduce con la mayor autenticidad rincones concretos del paisaje italiano, sino que también se esfuerza por transmitir el estado de una determinada hora del día con su característica luz solar. Un contemporáneo más joven de J. Both fue Adrian van Emont (c.1627-1662), propietario del "Paisaje del Sur", que se distingue por el efecto de la iluminación solar: el resplandor dorado del sol poniente crea una imagen encantadora de un italiano tranquilo. noche.
En el arte holandés, las imágenes de fincas y parques se han puesto de moda desde mediados del siglo XVII. Se trata del “Paisaje del parque” de Frédéric de Moucheron (1633-1686), donde damas y caballeros estaban colocados contra el fondo de una pared de piedra con jarrones decorativos. El hijo de Moucheron, Isaac Moucheron, también se especializó en el género de los paisajes de parques y era algo inferior a su padre en sus habilidades pictóricas. La colección del museo incluye tres de sus paisajes de parques.
Un rasgo característico del arte holandés es la estrecha especialización de los maestros en un género u otro. Entre los paisajistas “italianos” se encontraban artistas que preferían pintar puertos del sur, como Thomas Wake (c. 1616-1677). Su "Puerto italiano" en la colección del museo sorprende por el brillo de sus colores y la facilidad con la que representa una multitud abarrotada en el terraplén. Otro maestro, Karel Dujardin (c. 1622-1678), prefirió la imagen de pastores y pastoras con ganado en un abrevadero: "Abrevadero". En el último período del desarrollo del paisaje italianizante, a finales de los siglos XVII y XVIII, los maestros comenzaron a desarrollar el deseo de paisajes compuestos. Se trata de interminables “puertos del sur” con una arquitectura de muelles inventada, con magníficos veleros y personal colorido o “ paisajes italianos"con los obligatorios fragmentos de antigüedades antiguas. A este tipo de obras pertenecen “Paisaje con fuente” y “Puerto marítimo” de Jan Griffir el Viejo (1645-1718). Están bellamente ejecutados y presentan expresivos efectos decorativos.
En la segunda mitad del siglo XVII, los maestros holandeses alcanzaron exitazo en el desarrollo del género del paisaje urbano. Uno de los maestros destacados que trabajó allí fue Gerrit Adriens Berkheide (1638-1698). La “Feria del Caballo” de la colección del museo está firmada y fechada en 1682, es decir. se refiere a periodo de madurez su creatividad. La calle que se reproduce en la imagen es tan típica de Holanda que casi no es posible hablar de un lugar concreto. La mayoría de los maestros holandeses que trabajaron en el género de los paisajes urbanos se caracterizan por la concreción de la imagen. El autor de "La plaza del mercado" Ludolf de Jong (1616-1679) describió el desarrollo urbano ordinario, pero colocó a la izquierda la estatua de Erasmo de Rotterdam instalada en la plaza. gran mercado en Róterdam en 1622. De los pocos ejemplos de naturaleza muerta holandesa en la colección del museo, cabe destacar dos pinturas emparejadas de Otto Marceus van Scrieck (1620-1678): "Serpiente atacando a un lagarto" y "Serpiente atacando a una tuza". Representan un tipo único de naturaleza muerta que tuvo lugar, tal vez, sólo en arte alemán Es una imagen de insectos y reptiles en su entorno natural. Con relación a trabajos similares El concepto más correcto no es el de “naturaleza muerta” (nature morte), sino el de “vida tranquila” (stil liven). Los contemporáneos de Van Skryk atestiguan que el artista tenía su propio vivero cerca de Amsterdam con varios seres vivientes, donde observaba la vida de los animales.
Significativamente más débil en comparación con pintura de paisaje, el género holandés y el llamado pintura de historia. El primero incluye el cuadro “El fumador”, atribuido a Willem Cornelis Deuster (c. 1599-1635). Posición intermedia entre retrato y pintura de genero ocupado por el cuadro “Niño con un pájaro”, ejecutado en la década de 1630 por uno de los alumnos destacados de Rembrandt, Jacob Adriens Bakker (1608-1651). El exuberante cabello del niño está adornado con un collar de perlas y sus orejas adornadas con aretes. El retrato “puro” incluye una obra atribuida a Cornelis van Wort (1576-1624). Imagen generacional joven con ropa oscura modesta con un cuello plano y exuberante es característico de etapa temprana Desarrollo del género del retrato en Holanda. Gracias a la inscripción en la esquina superior derecha del cuadro, se sabe que el retrato fue pintado en 1622. El principal requisito que se le presentó al artista en este momento fue la extrema autenticidad. Por lo tanto, se prestó especial atención características individuales un rostro que fue representado con sinceridad y sin adornos. Una obra única del holandés. genero historico Se encuentra el cuadro “San Francisco Javier entre los enfermos” de Jan de Bray (1627-1697). La pintura representa una figura histórica real: Francisco Javier, que vivió en la primera mitad del siglo XVI y fue el aliado más cercano de Ignacio de Loyola, el fundador de la orden de los jesuitas. Para la obra misional en la India y Lejano Oriente fue canonizado en 1622. Según la leyenda, el santo tenía el don de curar.
pintura holandesa
Ninguno escuela nacional La pintura no conoció un florecimiento tan rápido de la naturaleza muerta. Sólo la capacidad del maestro holandés de ver una partícula de existencia en las cosas más pequeñas elevó este género al nivel de los principales.
Los paisajistas crearon una imagen veraz y emocionalmente rica. país de origen. Cualquier estado de la naturaleza, época del año o día, cielo, mar, dunas y pantanos en la imagen del artista holandés conservan la vibrante emoción de la vida. Es igualmente capaz del sutil estado de ánimo lírico de calma y el patetismo dramático de los elementos salvajes, los contrastes de luces y sombras, la riqueza cromática del mundo.
Al expresar las nuevas visiones artísticas de la sociedad y servir a un consumidor más amplio que antes: el ciudadano común y corriente de la primera república burguesa de Europa occidental, los pintores holandeses encontraron un lenguaje artístico inteligible y vibrante.
Los logros de los artistas holandeses marcaron una nueva etapa importante en el desarrollo progresivo del realismo, enriqueciendo y profundizando significativamente su contenido y método creativo. Tuvieron una gran influencia en el arte contemporáneo y futuro. Todos los artistas progresistas de los siglos XVIII y XIX recurrieron a los mejores ejemplos de la pintura holandesa. Hasta el día de hoy, los audaces logros de la escuela holandesa permanecen en el arsenal de los artistas realistas, y sus pinturas, imbuidas de un sentimiento de afirmación de la vida, continúan brindando al espectador un verdadero placer artístico.
La escuela holandesa brindó a la humanidad una galaxia de maestros destacados encabezados por Hals, Rembrandt, Ruisdael y Vermeer de Delft. Sus obras han entrado para siempre en el tesoro mundial del arte y, como mayores manifestaciones del genio humano, se conservan cuidadosamente en museos y galerías de arte.
Museo Estatal del Hermitage Tiene una de las colecciones de pintura holandesa más grandes del mundo. Sus primeras piezas aparecieron a orillas del Neva en 1716, mucho antes de que se fundara el museo. Este año, Osip Solovyov compró ciento veintiún cuadros para Pedro I en Holanda, y luego Yuri Kologrivov compró otros ciento diecisiete cuadros en Bruselas y Amberes. Algo más tarde se sumaron a esta colección ciento diecinueve obras, enviadas al rey por los comerciantes ingleses Zwan y Elsey. Aquí prevalecieron las pinturas holandesas, junto con las flamencas: según el biógrafo de Pedro I, Yakov Shtelin, los artistas favoritos del zar eran Rubens, van Dyck, Rembrandt, Steen, Wouwerman, Bruegel, van der Werff y van Ostade, y su favorito Los temas eran escenas de la vida de "hombres y mujeres holandeses". Este compromiso con todo lo holandés no debe verse como una mera manifestación del gusto personal del “Skipper Peter”, como lo llamaban Peter durante su estancia en Holanda. La democracia burguesa holandesa, que encontró una expresión vívida en la pintura nacional, estuvo especialmente cerca de la naturaleza de las transformaciones democráticas en Rusia en ese momento en el campo de la cultura y la vida cotidiana. Pero, por supuesto, no sólo las pinturas de los pintores holandeses despertaron en el espectador ruso el interés artístico. Las obras de maestros como el pintor marino favorito del zar, Adam Silo, satisfacían principalmente el interés educativo de la joven nación rusa por adentrarse en el mar. La colección de Peter de los holandeses ya incluía obras maestras como "David y Jonathan" de Rembrandt, la primera obra del brillante pintor que llegó a Rusia.
En la segunda mitad del siglo XVIII, muchas obras importantes de la pintura holandesa emigraron a San Petersburgo. Como parte de la colección de G. Brühl, adquirida en Dresde (en 1769), el Hermitage recibió cuatro retratos de Rembrandt, cuatro paisajes de J. Reisdahl, pinturas de G. Terborch, F. Miris, A. van Ostade, A. Wouwerman y otros. La colección Crozat de París, que llegó en 1772, trajo al museo obras maestras de Rembrandt como Dánae y La Sagrada Familia.
La colección holandesa del Hermitage se enriqueció aún más con las colecciones de Balduino (París), Walpole (Inglaterra) y la primera esposa de Napoleón I, la emperatriz Josefina, adquiridas para el Hermitage a finales del siglo XVIII y principios del XIX. El Hermitage pudo entonces incluir en su exposición “El sacrificio de Abraham”, “El Descendimiento de la Cruz” y una docena más de lienzos de Rembrandt, obras de G. Dou, de moda en el siglo XVIII, tres mejores pinturas P. Potter (entre ellos la obra maestra del maestro: "La granja"), "Un vaso de limonada" de G. Terborch, "Desayuno" de G. Metsu, dos naturalezas muertas florales increíblemente delicadamente ejecutadas de J. van Hey-sum y muchas otras obras igualmente significativas.
Una trama entretenida, tamaño pequeño y precios relativamente bajos hechos pinturas holandesas accesible a un gran círculo de coleccionistas rusos. Fueron adquiridos no sólo por miembros de la casa reinante y la más alta nobleza de San Petersburgo, sino también por representantes de los círculos más democráticos de la población. Estas colecciones se convertirán posteriormente en la principal fuente de reposición de la colección del Hermitage. Así, en 1915, el museo recibió una enorme colección de "pequeños holandeses", adquirida en 1910 por el famoso científico y viajero ruso P. P. Semenov-Tyan-Shansky, que recopiló setecientos diecinueve cuadros de trescientos cuarenta autores. Con esta colección aparecieron ciento noventa nuevos nombres en el catálogo del museo. Así, si antes la colección holandesa del Hermitage destacaba entre otros museos del mundo en cuanto al número de obras maestras, ahora ha ocupado uno de los primeros lugares en cuanto al número de nombres representados en ella, incluidos los más raros.
Después de la Gran Revolución Socialista de Octubre, sobre la base de esta colección, se creó un fondo de reserva especial hasta ahora sin precedentes para el estudio del arte holandés. Este fondo, que creció notablemente durante los primeros años del poder soviético, cuando se nacionalizaron las colecciones de la nobleza que huyó al extranjero, hoy se repone a través de la Comisión de Compras del Hermitage. Si, solo en El museo recibió obras destacadas de A. Bloemaert, J. Both, A. van Ostade, K. Berchem y otros menos destacados pero interesantes para la historia de los maestros de escuela holandeses.
Mejores obras esta colección se exhibe en siete grandes salones El Nuevo Hermitage (248-254) y la larga Galería de Pedro (salas 255-257; ver diagrama en planta).