ВходЖанровые картины европейских художников 17 века. Реферат Русские художники XVII века. Новизна в портретной живописи
Содержание
Введение
1.1. Рембрант Харменс ван Рейн
- величайший голландский художник XVII
века
1.2. Рубенс Питер Пауль
1.3. Французский живописец
Пуссен Никола
Глава II Русские художники XVII
века
2.1. Зубов Алексей Федорович (1682- 1750)
2.2. Никитин Иван Никитич
(1680-1742)
Заключение
Список литературы
Введение
Живопись 17 века развивалась под влиянием
стиля барокко, который главенствовал
в европейском искусстве до середины 18
века. Новая философия мира, которая заключалась
в измененных суждениях о единстве, многообразии
и безграничности мира, оказала большое
влияние на мировоззрение художников
того времени. Пышность и динамика, интенсивность
чувств и патетичность, эффектность, реальность
и иллюзорность, контрасты и игра света
отличают живопись этого периода.
Семнадцатый век во многом имел значение
в формировании национальных культур
нового времени. В это время был
завершён процесс локализации художественных
школ, многообразие которых в основном
определялось условиями исторического
развития и сложившимися традициями
в каждой конкретной стране. Русские
художники 17 века в основном занимались
иконописью. Испанские художники 17
века были сформированы под идеологией
монашеских орденов, поэтому основные
заказы на произведения искусства были
из духовной сферы. Итальянские художники
17 века, пристально изучали различные
науки: естествознания, перспективу, анатомию
и другие. Они изображали на картинах
религиозные сцены как светские.
В эпизодах научились передавать
характер и раскрывать глубокие переживания
человека. Взглянув на «Распятие» написанное
Андреа Мантеньи. Голландские художники
17 века отличались тем, что у них
преобладали практически все
виды живописи. Эта профессия была
далеко не редкой, среди первых художников
была серьёзная конкуренция. В Голландии
картины художников 17 века украшали
дома не только богатых представителей
общества, но и обычных ремесленников
и крестьян.
Глава I Зарубежные художники
XVII века
1.1.Рембрант Харменс ван
Рейн - величайший голландский художник
XVII века
Творчество голландского
художника Рембрандта Харменса Ван
Рейна (1606-1669) - одна из вершин мировой
реалистической живописи. Рембрандт
писал картины на исторические, библейские,
мифологические и бытовые темы, портреты
и пейзажи. Он был крупнейшим в
Европе мастером рисунка и офорта.
Для его творчества характерно стремление
к философскому осмыслению жизни, честность
к себе и людям, интерес к духовному
миру человека. Нравственная оценка событий
и человека - основной нерв искусства
мастера. Одухотворенность модели и
драматизм события художник великолепно
передавал через эффекты светотени,
когда пространство словно тонет
в тени, в золотистых сумерках, а
луч света выделяет отдельные
фигуры людей, их лица, жесты и движения.
В этом методе живописного построения
картины Рембрандту не было и нет
равных (один лишь только итальянец
Караваджо может соперничать
с ним по мастерству использования
светотени). Как это часто бывает
в истории искусства, не смотря на
свой гениальный талант, Рембрандт
умер в бедности и одиночестве, забытым,
никому не нужным мастером. Но работы его
живут в веках, так что можно
без преувеличения сказать, что
Рембрандт - один из самых величайших
художников в истории мирового искусства.
Многие назвали бы его непревзойденным
живописцем, даже гораздо более великим
чем Рафаэль или Леонардо. Его
творчество, казалось бы, сковывали
традиции и догмы голландского протестантского
искусства, ведь он никогда не выезжал
за пределы Голландии. И все же
Рембрант не только восхищает блестящей
техникой живописи, но и являет своим
творчеством откровение: никто прежде
не рассказывал о простых человеческих
чувствах столь глубоко, нежно, интересно
и проникновенно. В своих исторических
и библейских сценах, в своих портретах
современников он достигает глубин
психологической выразительности.
Его мудрость, сострадание и проницательность,
скорее всего, являются следствием самопознания:
много раз, как никто другой, писал
он автопортреты и запечатлел свой
жизненный путь, начиная с поры
молодости и успеха и кончая старостью,
принесшей горести и лишения.
В настоящий момент известно более
ста автопортретов Рембрандта, каждый
из которых является удивительным шедевром.
Благодаря удачно сложившимся историческим
обстоятельствам, Россия сейчас обладает
одной из самых богатых коллекций
картин Рембрандта. Почти все они
хранятся в Государственном Эрмитаже
в Санкт-Петербурге, включая такие
прославленные шедевры, как "Возвращение
блудного сына", "Даная", "Портрет
Саскии в образе Флоры", "Портрет
старика в красном", "Давид
и Урия" и др. На картинах Рембранта
из Эрмитажа училось не одно поколение
русских художников. Если же у вас
нет возможности посетить Государственный
Эрмитаж, то приглашаем вас в нашу
виртуальную галерею картин Рембранта.
Здесь вы можете увидеть практически
все знаменитые шедевры мастера,
ко многим из которых даны развернутые
описания. Приятного путешествия в пленительный
мир удивительного художника и чуткого
человека - Рембрандта.
1.2. Питер Пауль Рубенс
Питер Пауль Рубенс (Peter Paul
Rubens), 1577–1640 гг. - фламандский художник и дипломат.
Родился в Зигене в Вестфалии 28 июня 1577
г. в семье Яна Рубенса, антверпенского
юриста. Когда Питеру Паулю Рубенсу было
одиннадцать лет, его отец умер, а мать
переехала с детьми в Антверпен. Будущий
художник получил образование в школе
иезуитов. Способности к языкам (он говорил
на шести языках) позволили ему не только
освоить культурное наследие своей эпохи,
но и достичь значительных успехов на
дипломатическом поприще. Рубенс учился
у трех фламандских живописцев – Тобиаса
Верхахта, Адама ван Норта и Отто ван Вена.
В 1598 г. он был принят в гильдию св. Луки.
В 1600 г. художник приехал в Италию; там
он изучал античную архитектуру и скульптуру,
итальянскую живопись, а также писал портреты
(в основном в Генуе) и алтарные образы
(в Риме и Мантуе). В 1603 г. итальянский покровитель
Рубенса Виченцо Гонзага послал его в
Испанию в составе дипломатической миссии.
В 1608 г. Рубенс стал придворным живописцем
Изабеллы Австрийской, поселился в Антверпене
и в 1609 г. женился на аристократке Изабелле
Брант. От этого брака родилось трое детей.
Чтобы удовлетворить растущий спрос на
свои картины, Рубенс за несколько лет
создал большую мастерскую, где работали А. ван Дейк, Якоб Йорданс и Ф. Снейдерс. Он выполнял эскизы,
которые его ученики и помощники переносили
на холст, а затем, по окончании работы,
слегка подправлял картины. Он даже организовал
гравировальную школу, чтобы еще шире
распространять свои работы. Картины Рубенса
этих лет полны страстной динамики. Среди
сюжетов преобладают сцены охоты, битвы,
яркие и драматичные евангельские эпизоды
и сцены из жизни святых, аллегорические
и мифологические композиции; в них Рубенс
с удовольствием писал энергичные, мощные
тела, так нравившиеся его современникам.
Кроме заказов, поступавших от местных
церквей и антверпенских аристократов,
художник получал заказы из-за границы,
в основном из Англии. Большая мастерская,
здание которой он спроектировал в стиле
генуэзского палаццо (восстановлено в
1937–1946), вскоре стала общественным центром
и достопримечательностью Антверпена.
В 1620-е годы Рубенс работал для французского
королевского дома. Он написал для Марии
Медичи цикл аллегорических панно на сюжеты
из ее жизни и выполнил картоны для гобеленов
по заказу Людовика XIII, а также начал цикл
композиций с эпизодами из жизни французского
короля Генриха IV Наваррского, так и оставшийся
незавершенным. С начала 1620-х годов Рубенс
вел активную дипломатическую деятельность.
В 1628 и 1630 гг. Рубенс ездил в Мадрид и Лондон
с дипломатическими поручениями и участвовал
в заключении мирного договора между Испанией,
Англией и Голландией. Вернувшись в Антверпен,
Рубенс был встречен с большими почестями;
испанский король пожаловал ему титул
государственного советника, а английский
король – личное дворянство. Вскоре Рубенс
женился на шестнадцатилетней Елене Фоурмен;
у них было пятеро детей. В эти годы стиль
Рубенса изменился – композиции строятся
в свободном и плавном ритме, характерная
для раннего периода творчества жесткая
скульптурная трактовка форм сменяется
более легкой и воздушной цветовой моделировкой.
В них можно заметить влияние произведений Тициана, которые Рубенс копировал во
время пребывания в Мадриде. Несмотря
на то, что у него много времени отнимала
работа над большими декоративными композициями
и сооружениями (роспись плафона в банкетном
зале во дворце Уайтхолл в Лондоне; триумфальные
арки в честь въезда в Антверпен инфанта
Фердинанда; украшение охотничьего замка
Торре де ла Парада), Рубенс успевал писать
также более камерные, лирические произведения.
Среди них следует назвать портрет "Елены
Фоурмен Шубка" (ок. 1638–1640, Вена, Художественно-исторический
музей), "Кермесса" (ок. 1635–1636, Лувр), и особенно несколько сияющих,
ярко освещенных пейзажей, созданных в
последние пять лет жизни в загородном
поместье близ Мехлина. Умер Рубенс 30 мая
1640 г.
В своих произведениях
Рубенсу удалось достичь того,
к чему стремились три предыдущих
поколения художников Фландрии: соединения
фламандского реализма с классической
традицией, возрожденной итальянским
Ренессансом. Художник был наделен
огромной творческой энергией и неистощимым
воображением; черпая вдохновение из
самых разных источников, он создал
свой неповторимый стиль. Для выполненных
им алтарных образов характерны чувственность
и эмоциональность; украшая замки
аристократии эпохи зарождающегося
абсолютизма, он способствовал распространению
стиля барокко – художественного
языка не только Контрреформации, но
и светской культуры этого времени.
1.3. Французский
живописец Пуссен Никола
Родился в 1594 в Лез-Андели
в Нормандии. Первым учителем Пуссена
стал Кантен Варен из Амьена, который
в 1611–1612 жил в Лез-Андели. В 1612 Пуссен
приехал в Париж, где Александр
Кутуа, камердинер короля, предоставил
молодому художнику возможность
посещать королевскую коллекцию
живописи; там он впервые увидел
произведения Рафаэля и мастеров
его школы. В Париже Пуссен познакомился
с поэтом Джованни Баттиста Марино,
для которого впоследствии выполнил
прекрасную серию рисунков на сюжеты
из Овидия, Вергилия и Тита Ливия, хранящуюся
сейчас в Виндзорском замке.
Весной 1624 художник приехал
в Рим и поселился там на всю оставшуюся
жизнь. В 1640, когда слава Пуссена достигла,
наконец, его родины, он получил приглашение
Людовика XIII и был вынужден на некоторое
время вернуться в Париж. В Париже Пуссен
создал такие произведения, как Евхаристия,
Чудо св. Франциска Ксаверия (обе в Лувре)
и Время спасает Истину от посягательств
Зависти и Раздора (Лили, Музей изящных
искусств). Последняя была написана по
заказу кардинала Ришелье и предназначалась
для украшения плафона. Известно, что жизнь
при королевском дворе тяготила Пуссена,
и в 1642 он вернулся в Рим.
Главными источниками живописи
Пуссена являются произведения классической
античности и итальянского Ренессанса.
Многочисленные рисунки свидетельствуют
о его огромном интересе к памятникам
Древнего Рима. Ему принадлежит множество
зарисовок античных рельефов, статуй и
саркофагов. Однако классические мотивы,
столь многочисленные в произведениях
Пуссена, почти всегда изменены и переработаны
им в соответствии с его собственными
художественными задачами. Из произведений
мастеров итальянского Возрождения наиболее
сильное воздействие на художника оказала
живопись Рафаэля и Тициана. В поздних
работах Аполлон и Дафна (ок. 1664) и серии
из четырех картин Времена года (1660–1664,
все в Лувре) Пуссен обращается к лирическим
мотивам; эти произведения богаче по композиции
и тоньше по технике исполнения, нежели
чисто романтические полотна раннего
периода. Серия Времена года с библейскими
сценами Рай (Весна), Руфь (Лето), Исход
(Осень) и Потоп (Зима) принадлежит к числу
лучших пейзажей Пуссена.
Пуссен создаёт произведения,
предвосхищающие суровую гражданственность
позднего классицизма ("Смерть Германика",
около 1628, институт искусств, Миннеаполис),
полотна в духе барокко ("Мученичество
свыше Эразма", около 1628-1629, Ватиканская
пинакотека), просветленно-поэтичные
картины на мифологические и литературные
темы, отмеченные особой активностью
цветового строя, близкого традициям
венецианской школы. ("Спящая Венера",
Картинная галерея, Дрезден; "Нарцисс
и Эхо", Лувр, Париж; "Ринальдо и
Армида", Музей изобразительных
искусств им. А. С. Пушкина, Москва; все
три - около 1625-1627; "Царство Флоры",
около 1631-1632, Картинная галерея, Дрезден;
"Танкред и Эрминия"). Более
четко классицистические принципы
Пуссена выявляются в полотнах 2-й
половины 30-х годов. ("Похищение
сабинянок", 2-й вариант, около 1635;
"Израильтяне, собирающие манну",
около 1637-1639; обе - в Лувре, Париж). Царящий
в этих произведениях чеканный композиционный
ритм воспринимается как непосредственное
отражение разумного начала, умеряющего
низменные порывы и придающего величие
благородным поступкам человека.
В 1640-1642 годах Никола Пуссен работает в
Париже при дворе Людовика XIII ("Время
спасает Истину от посягательств Зависти
и Раздора", около 1641-1642, Художественный
музей, Лилль). Интриги придворных художников
во главе с С.Вуэ побуждают Пуссена вернуться
в Рим.
Глава II Русские художники
XVII века
2.1. Зубов Алексей
Федорович
Сначала живописец при Оружейной палате,
с 1699обучался у Адриана Шхонебека «грыдоровать
гербы» (для гербовой бумаги). Для доказательства
своих познаний в гравировании, Зубов
уже в 1701 представил в Оружейную палату копию
с голландской Библии 1674, за подписью: «по фрески Сошествие Святого
Духа».
Зубов скоро стал искусным гравёром
и награвировал много больших
листов, в которых достиг высокой
техники. Огромный видСанкт-Петербурга,
выгравированный им на 8 досках, в пару
виду Москвы, награвированному Яном Бликландтом,
лучшее произведение Зубова. Ему также
принадлежат изображения морских сражений
(«Баталия при Гренгаме», 1721), празднеств
по случаю побед («Торжественное вступление
русских войск в Москву после победы под
Полтавой», 1711) и других важнейших событий
того времени. Парадную часть подобных
изображений Зубов дополнял точно переданными
жизненными деталями. Он создавал гравюры,
пользуясь чертежами и проектами зодчих,
например, М. Г. Земцова. Документальность
композиций совмещалась с декоративностью
гравированного листа и изображением
предполагаемых построек. Виды города
изображались художником «с птичьего
полета», что способствовало ощущению
масштабов грандиозных сцен - панорам
берегов Невы.
С 1714 года Зубов работал в Санкт-Петербурге.
Был старшим мастером при Санкт-Петербургской
типографии. После смерти Петра I, в царствование
Екатерины I, Зубов делает портрет императрицы
(1726, с оригинала И. Адольского), гравирует,
вместе с П. Пикартом, конный портрет Петра
(1726), исполняет по заказу А. Д. Меншикова
портреты жены и дочери «светлейшего»
князя - Д. М. и М. А. Меншиковых (1726). Осенью
1727 г. закрывается Санкт-Петербургская
типография, при которой Зубов состоял
с момента приезда в северную столицу.
После отставки он вынужден был, как и
его брат, превратиться в мастера народных
лубочных картинок. Художник пытался устроиться
в Гравировальную палату Академии наук,
но постоянную работу там так и не получил.
К 1730 г. он возвращается в Москву.
В старой столице Зубов по-прежнему
трудится очень интенсивно. В 1734 году
он создает портреты Петра I, Петра II и
Анны Иоанновны. Много работает по заказам
церквей и богатых горожан. Но вещи Зубова
этого времени показывают, сколь тонок
еще был слой новой культуры, сколь сильно
зависели русские художники от окружения,
сколь сильны еще были традиции допетровской
эпохи. Тому свидетельство - известный
«Вид Соловецкого монастыря» - огромная
гравюра, выполненная Зубовым совместно
с братом Иваном в 1744 году. Словно и не было
видов Петербурга, баталий, портретов.
Словно не было самой петровской эпохи.
Словно никогда не покидал Зубов Москвы
и Оружейной палаты. Последние известные
нам работы гравера датированы 1745 годом,
а последнее упоминание о нем - 1749-м. Умер
мастер в бедности и безвестности.
Последний лист, выгравированный Зубовым,
отмечен в 1741 году. Лучшие его портреты чёрной манерой:
«Екатерины I», «Петра I», двух княгинь
«Дарьи и Марьи Меншиковых» - чрезвычайно
редки; резцом - «Екатерины I», «Головина»
и «Стефана Яворского». У Ровинского («Русские граверы», М. 1870) приведён список 110 досок работы Зубова.
Некоторые доски сохранились до настоящего
времени и даже способны давать ещё хорошие
отпечатки.
2.2. Никитин Иван
Никитич
Родился в Москве, сын священника Никиты Никитина, служившего
в Измайлове, брат священника Иродиона
Никитина, позднее протопопа Архангельского
собора в Кремле, и живописца Романа Никитина.
Учился в Москве, по всей видимости,
при Оружейной Палате, возможно,
под руководством голландца Шхонебека в гравировальной мастерской. В1711 году переведен в Петербург, учился у Иоганна Таннауэра,
немецкого художника, который одним из
первых принял приглашение Петра Первогопереехать в Петербург учить перспективной живописи русских
художников. Быстро завоевывает авторитет
при дворе. В 1716-1720 на государственную пенсию, вместе со
своим братом Романом послан, в числе двадцати
человек, учиться в Италии, в Венеции иФлоренции. Он учился у таких мастеров, как Томмазо
Реди и И. Г. Дангауера. После возвращения
становится придворным художником. Так,
Никитину принадлежит портрет умирающего
Петра Первого. В 1732 году вместе с братом Романом, также художником,
был арестован по делу о распространении
пасквилей на Феофана Прокоповича.
После пяти лет предварительного заключения
в Петропавловской Крепости был бит плетьми
и сослан в Тобольск пожизненно. В 1741 году, после смерти Анны Иоанновны,
получил разрешение вернуться в Петербург.
Выехал в 1742 году и скончался по дороге.
Имеется всего три подписанных
работы Никитина, вместе с теми, что
ему приписываются, всего около
десяти. Ранние работы еще содержат
следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета
в России в XVII веке. Никитин является одним
из первых (часто называется первым) русских
художников, отошедших от традиционного
иконописного стиля русской живописи
и начавших писать картины с перспективой,
так, как в это время писали в Европе. Тем
самым он является основателем традиции
русско
и т.д.................
Европейская живопись 17 века идет вслед за эпохой Возрождения. Что касаемо исторических событий, то в это время идет смена феодализма на капитализм, экономический рост Европейских стран. В связи с большой насыщенностью социальными событиями, главной темой живописи является образ человека в настоящей бытовой ситуации. Но еще остаются сильны религиозные сюжеты, из эпохи Возрождения . Не существует какого-то единого стиля в живописи. Художники пробуют, экспериментируют. Самые главные направления - это барокко и классцизм. Большое влияние вносит Итальянское искусство. Его характеризую великие личности Веласкеса, Рембрандта, Пуссена, Караваджо, Рубенса, Бернини.
Самый большой прорыв в живописи был в первой половине 17 века, начало 1960-х годов. Вторая половна 17 века - время перелома. Влияние политики оказало воздействие на живописцев. Зато Рим становится неким художественным центром. Молодые и уже опытные художники приезжают туда либо для обучения, либо за новыми впечатлениями.
В 17 веке произошло еще одно не маловажное событие. Искусство живописи как бы разделилось на 2 лагеря: это мастера, которые могли работать только под планкой правительства, и прогрессивные художники, которые стояли в оппозиции к устоявшимся направлениям живописи, которые несли свои новые идеи.
В Италии появляются две школы, протестующие против маньеризма (стиль это характеризуется утратой гармонии между природой и самим человеком, духовным и телесным). Это Балансная школа (братья Караччи) и караваджизм Микеланджело Меризи да Караваджо.
Балансная школа
Представители Людовико Караччи, Агостино Караччи и Аннибале Караччо. При разработке нового стиля они опирались на классическое направление 16 века. Они продвигали более простые образы, но в то же время величественные. Первые работы братьев Караччи были по росписи дворцов Болоньи. Но это были лишь зачатки нового стиля. Первыми же настоящими работами в новом стиле можно считать картины Аннибале Карраччи "Вознесение Мадонны" и "Мадонна со св.Матвеем".
В 1580-х годах братья открыват Академию в Болонье - "Академиа-деи-инкаминати" (Академия, вступающая на новый путь). Основной упор делался на практику, а не на теоретические основы выстраивания изображения. Кроме типичных предметов школ искусств там преподавали анатомию, литературу, историю и филососфию. Это был большой и важный шаг в развитии европейского искусства. Ведь последующие школы открывались уже по этому принципу. Позже Анибале Караччи становится родоначальником "классического" пейзажа.
Караваджизм
Течение носит более демократичный характер, хотя так же выступает за реалистичность образов. Выдвинулось оно уже после болонского академизма. Течение получило название от имени своего основателя Микеланджело Меризи да Караваджо. Для примера о представлении стиля можно посмотреть работу Караваджо "Лютнист", она более ярко отображает суть стиля. Караваджо так же был первооткрывателем стиля живописи "погребно" . В этой технике преобладают темные тона, которые противопоставленны ярко освещенным деталям.
Ближайшим последователем Караваджи был Доменико Зампиери.
В третьем десятилетии 17 века усилилось влияние барочной живописи. Ее называют "высокое" барокко .
Больше декоративности, больше динамики и экспрессивности. Из художников этого периода 17 века можно выделить Джованни Ланфранко, Франческо Барбьери (Гверчино), Доменико Фетти, Лоренцо Бернини, Пъетро да Нортона, Сальватор Роза.
В 60-х годах наступает третий этап в живописи 17 века. Это также развитие барочного искусства, "позднее барокко". Из ярких личностей художиков можно выделить Джованни Баттиста Гаули, Андреа Поццо, Карло Маратта.
Кроме влияния Италии, в развитии живописи 17 века сыграли большую роль Нидерланды. Оттуда появились две школы: голландская и фламандская. В них разивается религиозная тематика. Ярким представителем фламандской школы был Рубенс Питер Пауль. Другие художники этого периода 17 века: Якоб Иордане, Франс Снейдерс, Адриан Браувер, Давид Тенирс.
Что касаемо голландской живописи, то в ее расцвете пробладают идеи реализма. Большая популярность и спрос на живопись исходила от частников. Постепенно происходит дифференциация жанров у художников. Это бытовой жанр, пейзаж со своими поднаправлениями, маринисты. Оказывает влияие на голландсую живопись творчество Караваджо, а так же немецкого художника Адама Эльсхеймера. Непосредственно известные личности голландской живописи: Франс Хальс, Рембрандт Харменс ван Рейн, Ян ван Гойен, Паулус Поттер, Альберт Кейп, Ян Порселлис, Герард Доу, Герард Терборх, Ян Вермеер Делъфтский, Адриан ван Остаде, Филипс Воуверман.
В голландской живописи хороша развивается жанровое направление и пейзаж. Кроме этого натюрморт становится все популярнее. Особенностью именно голландского натюрморта явлется присущая мягкость и характерность предметов. А в их роли часто выступали окорок, кусок хлеба, стаканы и трубка. Из известных художников это жанра выделяют Питера Клааса и Биллема Клаас Хеда, Абраама ван Бейерена и Биллема Кальфа.
В Испании, которая считалась центром художеств, начале 17 века основным течением был реализм. Одним из значимых художников того времени был Хосе Рибера. Он делал упор на религиозную тематику. Наряду с Рибера можно обозначить фигуру Франсиско Сурбарана. У него была особая манера письма: он сочетал немного тонов, которые давались большим планом. А так же его живопись был достаточно предметна в плане одежды и человеческого тела. Центральной фигурой испанской живописи 17 века является Диего де Сильва Веласкес. С самого начала творчества он писал в стиле реализма. Уделял большое внимание человеческому образу, лицу, на фон же обращал меньше внимания. Другие испанские художники: Бартоломее Эстебан Мурильо, Вальдес Леаль.
Французская живопись тоже была подвржена влиянию реальизма и демократичности. Одним из первых художников-реалистов во Франци был Жак Калло. Он писал как на тему библейских сюжетов, так и события соврененности. Позднее на французскую живопись оказывает влияние караваджизм. Другие представители французской живописи 17 века: Валантен, Жорж де Латур, Аптуаи Ленен, Луи Ленен и Матье Ленен. Братья Ленен писали в основном в жанровой тематике. У каждого брата был разный уровень мастерства. После реализма обороты начинает набирать классицизм. Основой его является рационализм. Представителями того времени были Никола Пуссен (он считался основателем классицизма во Франции), Эсташ Лесюер, Филипп де Шампань.
Во Франции создается Академия живописи и скульптуры. Она помогла централизовать французскую живопись. Не малую роль во французской живописи сыграл Шарль Лебрен. Он учился у Пуссена. Еще можно выделить фигуры Пьера Миньяра, Адама Франс ван дер Мейлена, Гиацинт Риго, Никола Ларжильер.
Семнадцатый век является расцветом феодального периода в России. В это время происходит укрепление феодально-крепостного строя и попутное зарождение буржуазных связей в недрах этого же строя. Быстрое развитие городов и общественности в целом привело к расцвету культуры. Живопись в 17 веке в России также обретала силу. Началось сосредоточение народных масс в крупных городах, что, в свою очередь, и было основной причиной столь стремительного развития культуры. Кругозор русских людей также расширило начало промышленного производства, которое заставляло внимательней присмотреться к дальним районам страны. Различные светские элементы проникают в живопись 17 века в России. Картины становятся все более популярными.
Воздействие церкви на искусство
Большую силу воздействия искусства, в частности живописи, осознавала и церковь. Представители духовенства старались держать под контролем написание картин, пытаясь подчинить их религиозной догматике. Преследованию подвергались народные мастера - живописцы, которые, по их мнению, отходили от установленных канонов.
Живопись в 17 веке в России все ещё была далека от реалистических тенденций и развивалась крайне медленно. На переднем плане все ещё было отвлечённо-догматическое и аллегорическое видение живописи. Иконы и росписи отличались перегруженностью мелкими сценамии и предметами вокруг главного изображения. Ещё характерными для того времени были пояснительные надписи на картинах.
Личность и картины 17 века
Описывая живопись в 17 веке в России, нельзя не упомянуть художника Симона Фёдоровича Ушакова, который является автором таких знаменитых картин, как «Спас нерукотворный», «Троица» и «Насаждение древа государства Российского». Примечательным явлением в живописи стал интерес к человеку как к личности. Об этом говорила распространившаяся портретная живопись 17 века в России.
Нужно отметить, что портрет стал достоянием народных масс только с середины 18 века, а до этого времени только близкие к верховной власти могли оставить о себе воспоминание на холсте художника. Некоторое количество парадных и декоративных картин создавалось для больших общественных помещений, таких как Академия художеств, Сенат, Адмиралтейство и Императорские дворцы. Портреты могли заказать и семьи, но не выставляли их напоказ, а оставляли в своём кругу. Они могли украшать даже небогатые петербургские квартиры представителей интеллигенции, которые старались следить за тенденциями и модой в обществе.
Влияние на русскую живопись западноевропейской культуры
Нужно отметить, что живопись в 17 веке в России сильно изменилась, особенно это касается портретной. На передний план стал выходить реальный мир с реальными судьбами и процессами. Все становилось более светским и жизнеподобным. Огромное влияние навевалось с запада. Эстетические вкусы запада постепенно начали перетекать и в Россию. Это касалось не только искусства в целом, но и таких художественных вещей, как посуда, кареты, одежда и многое другое. Стало популярным заниматься портретами как увлечением. Было модно привозить в подарок царю картины с изображением монархов. Вдобавок к этому и посланники были не прочь приобрести интересующие их портреты в мировых столицах. Уже чуть позже стало популярным подражать мастерству писания на холсте иностранных художников. Появляются первые «Титулярники», в которых изображены портреты иностранных и русских государей.
Несмотря на то что сопротивление некоторых кругов росло прямо пропорционально увеличению популярности народного искусства, сдержать движение уже было просто невозможно. Во второй половине столетия живопись в 17 веке в России набрала большие обороты. Одной из основных мастерских художественных центров стала в которой была написана не одна сотня картин двумя десятками мастеров под руководством Лопуцкого, Вухтерса и Безмина. В их работах отражались существовавшие противоречивые тенденции живописи. Часть картин была выполнена в официальном стиле, а другая часть - в западноевропейском.
Новизна в портретной живописи
Живопись в 17 веке в России изменила свой вид. Обрёл новую форму светский жанр - портрет. Основной темой искусства стал именно человек. Можно сделать вывод, что роль отдельной личности как человека возросла. Канонические «лики» отошли на второй план и уступили место житейским отношениям и личности в целом. Поэзии стал достоин реальный человек, а не только божественный или святой. Церемониальный портрет сошёл со сцены русского художества. Естественно, его влияние не закончилось и сегодня, но оно стало не столь значимым. В Петровский период он также находит себе место на русской земле, и даже существует наравне с европейским портретом.
Заключение
Так развивалась живопись 17 века в России. Кратко можно заключить, что именно в это столетие произошёл переломный момент в искусстве, повлиявший на культуру страны и её дальнейшее развитие.
Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура конца XVI-XVIII веков Опубликовано 06.02.2017 15:37 Просмотров: 2498В нашей статье речь пойдёт о двух художниках: Яне ван Гойене и Якобе ван Рёйсдале .
Они оба жили в эпоху освобождения Голландии от чужеземного ига, и это был Золотой век голландской живописи. Именно в искусстве Голландии начали развиваться следующие жанры: портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт. Подобного тогда не наблюдалось даже в выдающихся центрах искусства – в Италии или Франции. Искусство Голландии XVII в. стало своеобразным феноменом в художественном мире Европы XVII в. Голландские мастера проложили путь, по которому пошли художники других национальных европейских художественных школ.
Ян ван Гойен (1596-1656)
Терборх «Портрет ван Гойена» (ок. 1560)
Ян ван Гойен принадлежит к числу первых художников, изображавших природу естественно, просто, без украшательства. Он является создателем национального голландского пейзажа. Природа его страны дала ему достаточно сюжетов на всю его жизнь.
Ян ван Гойен родился в 1596 г. в городе Лейдене в семье сапожника.
Хотя Ян ван Гойен провел в молодости некоторое время в Париже, но во Франции любовь к простому пейзажу была неизвестна, поэтому вряд ли стоит говорить о каком-то влиянии на его творчество представителей французской живописи.
В своем отечестве у него было несколько учителей живописи, но только в мастерской Исаии ван де Вельде он провёл год, с остальными же наставниками он общался ещё меньше.
Ян ван Гойен «Пейзаж с дюнами» (1630-1635). Музей истории искусств (Вена)
Творчество
Сначала Гойен писал голландские деревни или окрестности с их растительностью, потом в его картинах стали преобладать прибрежные виды, где бо́льшую часть картин занимали небо и вода.
Ян ван Гойен «Вид на реку» (1655). Маурицхёйс (Гаага)
Деревья, хижины или городские строения играют в его картинах второстепенную роль, но имеют очень живописный вид, так же, как и небольшие парусные и гребные суда с фигурами рыбаков, кормчих и пассажиров.
Картины Гойена преимущественно монотонны. Художник любил простоту колорита, но при этом его краски гармоничны. Краски он накладывал легким слоем.
Ян ван Гойен «Вид на Мерведе под Дордрехтом (ок. 1645). Рейксмузей (Амстердам)
Поздние работы художника отличаются практически монохромной палитрой, а просвечивающийся грунт придаёт им особую глубину и неповторимое очарование.
Ян ван Гойен «Пейзаж с двумя дубами» (1641). Рейксмузей (Амстердам)
Картины его приятны именно своей простотой и реалистичностью. Художник создал довольно много художественных полотен, но не всегда его труд вознаграждался достойным образом. Поэтому Гойену приходилось подрабатывать и другими способами: он торговал тюльпанами, занимался оценкой и продажей произведений искусства, недвижимости, земельных участков. Но попытки предпринимательства обычно не приводили к успеху.
Ян ван Гойен «Зимняя сцена на льду»
Теперь же его творчество оценено по достоинству, и любой музей считает его картины ценными экспонатами.
Несколько картин Яна ван Гойена находятся и в Эрмитаже: «Вид р. Маас, близ Дортрехта», «Схевенингенский берег, близ Гааги», «Зимний ландшафт», «Вид на р. Маас», «Деревенский вид», «Пейзаж с дубом» и др.
Ян ван Гойен «Пейзаж с дубом»
Кроме живописи, Гойен занимался офортом (разновидность гравюры на металле) и рисунком.
В 1632 г. Гойен вместе с семьёй переехал в Гаагу, где прожил до конца жизни – до 1656 г.
Якоб ван Рёйсдал (1628/1629-1682)
Якоб Исаакс ван Рёйсдал родился и умер в Харлеме (Нидерланды). Точных его портретов не сохранилось. Данный портрет – лишь предположительный.
В настоящее время Рёйсдала считают наиболее значительным нидерландским художником-пейзажистом, но при жизни его талант не был оценён в должной мере. Его учителем мог быть родной дядя – художник Соломон ван Рёйсдал.
Рёйсдал был также практикующим хирургом, работал в Амстердаме.
Творчество
Художник через пейзаж умело передавал человеческие эмоции. И для него был важен любой компонент пейзажа: склонившаяся от порыва ветра ветка дерева, примятая травинка, грозовое облако, протоптанная тропинка... И все эти компоненты гармонично соединялись в его картинах в единую ПРИРОДУ.
Он писал маленькими мазками. Любил писать лесные чащи, болота, водопады, маленькие нидерландские города или деревни, и над всем этим – торжествующее небо. Пейзажи Рёйсдала понятны любому человеку любой национальности, потому что в них выражено общее для всех людей единение с природой.
Рёйсдал создал около 450 картин. В других источниках указывается количество 600. Большинство его пейзажей посвящены природе родных Нидерландов, но он писал и дубовые леса Германии, и водопады Норвегии.
Одним из главенствующих стилей является барокко: это яркий порывистый стиль, проявляющийся в пышности и излишествах. Основоположником барокко, зародившегося в Италии можно считать Микеланджело да Караваджо.
Первым и наиболее ярким представителем церковного барокко стал художник, известный под именем Эль Греко. Творчество де Сильва Веласкеса считается вершиной испанского искусства золотого века барокко.
Величайшими представителями фламандской живописи 17 века являются Питер Рубенс и Рембрандт.
В начале 18 столетия ведущее положение занял новый стиль – рококо. Название этого направления произошло от французского слова, означающего «узор из камней и раковин». Характерной особенностью нового направления был уход от реальной жизни в придуманный мир, что находило яркое выражение в творчестве лучших представителей стиля.
Одним из представителей первого периода французского рококо является Антуан Ватто, Франсуа Буше, Никола Ланкре. Портретный жанр получил развитие в творчестве Жана Наттье.
В итальянском рококо ярким представителем стиля был Джованни Тьеполо, Франческо Гварди, Пьетро Лонги.
Во второй половине 18 века на смену легкому, рафинированному стилю рококо в живописи пришел классицизм с его глубоким содержанием и стремлением к идеальному эталону. Представителями французского классицизма середины 18 века являются Жозеф Мари Вьен, Жак Луи Давид. Представителями германского классицизма – Антон Менгс, Антон Графф, Франц Маульберч.
