Tuja gledališča. Tuje gledališče 20. stoletja. Sydneyjska operna hiša

Japonsko gledališče* Prihod japonskega gledališča Kabuki v Moskvo in Leningrad je izjemno zanimiv.1 Prvič, pravo japonsko gledališče, tradicionalno gledališče, ki ima vrsto izvirnih značilnosti, kolikor vem, ni nikoli zapustilo

Gledališče na Zahodu in pri nas* »Krize gledališča na Zahodu ni«1 - to trditev slišite vse pogosteje. Pravkar sem prebral v Giraudouxovem članku v ultraburžoaznem časopisu Tan, v številki 22. julija. Da bi dokazal to stališče, Giraudoux izjavi: Ali res imamo

Gledališče Sanktpeterburško gledališko okolje je igralo veliko vlogo v Puškinovem življenju, mladi pesnik se je vanj dobesedno potopil, ko je zapustil licej. Ta tema v kontekstu tega poglavja se nam zdi še posebej pomembna tudi zato, ker v zadnja leta Puškinovo zanimanje za življenje

Gledališče brez gledališča Izkušnja lirične in polemične gledališke proze Močna sila vztrajnosti avtoritete in naša edinstvena sposobnost ustvarjanja mitov in legend je naši zavesti narekovala popolnoma romantično sliko: zdelo se je, da so v veličastni zgradbi Rusije čudovite tradicije.

1. Gledališče in »gledališče« Leta 1576 je v Shoreditchu na severnem obrobju Londona nastalo prvo stalno gledališče za javne predstave v zgodovini sodobne Evrope. Njegova ustanovitelja: igralec James Burbage in njegov zet, prodajalec zelenjave John Brain, sta svojemu zamisli dala ime »Theatre«.

Gledališče in drama Veste, kaj se nahaja poleg vas? čarobni svet kjer veljajo zakoni ustvarjalna domišljija? ne ne! Ne govorim o knjigah. Ta svet je mogoče videti, ljudi, ki živijo v njem, je mogoče slišati brez pomoči domišljije, ki jo potrebujete pri branju knjig

Predstave dramskega gledališča temeljijo na literarna dela, v katerem odlično mesto prihaja do improvizacije. Odvisno od scenarija lahko igra vsebuje elemente vokala, plesa in pantomime. Preprosto povedano, predstave dramskega gledališča so simbioza različne vrste umetnosti, ki harmonično sobivajo na enem odru.

Predstave tujih gledališč

Koliko na svetu dramska gledališča, na odru katere mojstrovine klasične in sodobna umetnost. Življenje ni dovolj, da bi obiskovali vse predstave v gledališčih , v kateri se zaradi neverjetne igre izgubi občutek za realnost in čas. Zelo si želim na svetovne premiere in predstave. klasična delaŽal pa je nemogoče uskladiti delovanje vodilnih gledaliških umetnikov z našim življenjskim urnikom. Toda kljub temu imajo ljubitelji te umetnosti odlična priložnost ogled video nastopov v načinu “tukaj in zdaj”, kljub jezikovna ovira, časovna razlika in socialni status v družbi.

Dobra alternativa obisku gledališča je možnost brezplačnega ogleda predstav na spletu. Poleg tega, da si ljubitelji te umetniške oblike lahko ogledajo vse predstave, ki se odvijajo v domačih gledališčih, obstaja tudi neverjetna priložnost, da se pridružite občinstvu tujih dramskih gledališč, katerih produkcije se predvajajo na spletu v ruskem jeziku. Tako se lahko vsak, ne da bi imel finančna sredstva in niti ni poliglot, vključi v lep in vzvišen svet gledališke umetnosti, ne glede na jezikovno oviro z državo, v kateri se predstava predvaja.

Praktični obisk tujih gledališč, katerih predstave so prikazane na spletu, je priložnost, da vidite neverjetno igro, ne da bi zapustili dom, brez upoštevanja kodeksa oblačenja ali nakupa drage vstopnice za letalo in nastope. Gledanje predstav v tako nenavadnem formatu nikakor ne zmanjša količine užitka, ki ga boste deležni od nastopa profesionalnih igralcev, čudovite kulise in odlična kakovost oddaje. Vsak dan se lahko udeležite predstav prek spleta veliko podjetje ali celo družino, saj je veliko lažje zbrati najdražje za takšen ogled, kot iti v gledališče. Nič ni prijetnejšega kot po končanem ogledu ob skodelici kave deliti svoje izkušnje in čustva z ljudmi s podobnimi interesi.

Predstave tujih gledališč si lahko ogledate na spletni strani našega video portala

Nadaljevanje v gledališču obdobje obnovitve, ki se je začel v 70-90-ih. XIX stoletje Preko naturalizma do simbolizma in realizma – to je pot evropska gledališča

tistega časa. Tuja dramaturgija konec XIX

• - začetek 20. stoletja predstavljena z imeni
• B. Shaw (Anglija; »Hiše vdovcev«, 1892, »Poklic gospe Warren«, 1894, »Pigmalion«, 1913),
• R. Rolland (Francija),
• G. Ibsen (Norveška),
• G. Hauptmann (Nemčija),

M. Maeterlinck (Belgija) itd. V tem času je bil v gledališču presežen zastoj, ki se je začel v času romantike.(1828-1906), ki je vodil gledališče najprej v Bergnu (1852-1856), nato v Christianii (1857-1862). Spremenil je dramsko strukturo predstave, želel je, da gledalec ne bi bil kontemplator, ampak udeleženec predstave, želel ga je spodbuditi k razmišljanju o dogajanju na odru. Ibsen je premagal prevlado gledališča. "inercija dobrega konca" Ibsenova realistična dramaturgija obsojal meščansko pravo, moralo in vero. Njegovi liki so dinamični, iščejo samega sebe. Gledališče se začne z Ibsenovim delom nova etapa

. Njegove igre "Hiša lutk" ("Nora", 1879), "Doktor Štokman" ("Sovražnik ljudstva", 1882) so bile uprizorjene na odrih mnogih evropskih držav, vključno z Rusijo. Pripovedujejo o življenju majhnih provincialnih mest, zgrajenih na laži, hinavščini in hinavščini. Ko nekdo poskuša govoriti resnico, ga razglasijo za sovražnika družbe. Privrženec Ibsenovih idej je bil njegov mlajši sodobnik Šved. Johan August Strindberg (1849-1912). Pritegne tudi Strindberga duhovni svet oseba, a njegovi junaki bežijo pred resnično življenje, se ukvarjajo s samoraziskovanjem, se skrivajo v družini ali sami (»Freken Julia«, »Ples smrti«, »Christina« itd.) - vpliva na razpoloženje dekadence. Strindberg je bil utemeljitelj teorije "Intimno gledališče", ki je bil razvit v moderno gledališče. Razkorak med humanističnim idealom umetnika in meščansko stvarnostjo je dramatike, režiserje in umetnike prisilil v iskanje novih

izrazna sredstva

• , nove slike. Ta iskanja so potekala na področju simbolike. Simbolne podobe so pritegnile velikega norveškega dramatika Ibsena; to je mogoče čutiti v njegovih kasnejših dramah ("Graditelj Solnes", "Rosmersholm", "Ko se mrtvi prebudimo" itd.).
• Simbolizem se je odražal tudi v ustvarjalnosti
• Hauptmann,
• A. Strindberg (Švedska),
• W. B. Yeats (Irska),
• S. Wyspianski,

S. Przybyszewski (Poljska), G. Annunzio (Italija). Največji dramatik in teoretik simbolizma je bil Maurice Maeterlinck (1862-1949). Njegov človek obstaja v svetu, kjer ga obkroža pritajeno, nevidno zlo. Maeterlinckovi junaki so šibka, krhka bitja, ki se ne morejo braniti ali spremeniti do njih sovražnih vzorcev. Toda v sebi ohranjajo načela človečnosti, duhovne lepote in vere v ideal. Zato so njegove igre polne dramatike in visoke poezije (»Smrt Tentagille«, »Pelias in Melisande« itd.). Ustvaril je klasična oblika, prekinjen dialog, poln prikrite tesnobe in podcenjevanja. Vsaka podrobnost postavitve, geste in intonacije igralca je v njej opravljala svojo figurativno funkcijo, sodelovala pri razkritju glavna tema- boj na življenje in smrt. Človek sam je postal simbol tega boja, svet okoli nas je bil izraz njegove notranje tragedije. Maeterlinckove drame so uprizarjali po vsej Evropi, uprizarjali so ga tudi v Rusiji, kjer se je simbolizem pojavil pozneje (v Moskovskem umetniškem gledališču leta 1904 so uprizorili njegove »Slepe«, »Nepovabljene«, »Tam notri«, leta 1908 » modra ptica"; v Sankt Peterburgu, v gledališču V. Krmissarrzhevskaya "Sestra Beatrice").

Režiserji simbolisti P. Faure, O. Lunier-Poe, J. Rouchet v Franciji, A. Appiah v Švici, G. Craig v Angliji, G. Fuchs in deloma M. Reinhardt v Nemčiji so v svojih produkcijah skušali preseči konkretnost vsakdanje, naturalistično slikanje stvarnosti, prevladujoče v tedanjem gledališču. Potem pa na prakso uprizoritvene umetnosti začela vstopati konvencionalne kulise, okolje in kraj dogajanja sta bila označena na posplošen in koncentriran način, brez podrobnosti.

Scenografija(scenska zasnova) se je začela skladati z razpoloženjem posameznega fragmenta predstave, aktivirati podzavestno zaznavo občinstva. Za rešitev teh težav so režiserji združili sredstva slikarstva, arhitekture, glasbe, barve in svetlobe; vsakdanjo mizansceno je zamenjala plastično organizirana, statična mizanscena. Ritem, ki odraža skrito »življenje duše« in napetost v »ozadju« dogajanja, dobi v predstavi velik pomen. Režiserji so poskušali zbližati igralce in gledalce, ustvariti skupno razpoloženje, medtem ko so bili stroji aktivno uporabljeni. Bil je čas milosti sinteza umetnosti

. Iskanje je potekalo v vseh zvrsteh umetnosti, predstavniki različnih zvrsti umetnosti pa so si prizadevali za sodelovanje in skupno eksperimentiranje ter ustvarjanje novih izraznih sredstev. V gledališču je bil čas, ko je režiser postal glavni gledališki poklic

, zdaj je bil odgovoren za celotno proizvodnjo kot celoto in jo tudi izvajal. In 20. stoletje je že postalo čas ne le velikih dramatikov in umetnikov, ampak tudi velikih režiserjev. Torej, leta 1902 je umetnik Max Reinhardt (1873-1943) ustvaril Komorno gledališče , v katerem so sodelovali glavni igralci: Rosa Bergens, Reicher, pa tudi nove zvezdnice, kot je Gertrude Eisold. Gledališče se je obrnilo k dramatikom(Wilde (»Salome«), Šved August Strindberg, Franz Wedenkind). Slava je prišla v gledališče s produkcijo Gorkyjeve igre "V globinah" na njegovem odru. Uprizorjena deloma simbolistično, deloma z naznanjanjem ekspresionizma, je šokirala občinstvo. V dveh sezonah so predstavo odigrali več kot 500-krat, Reinhardt pa je, opogumljen z uspehom, odprl še eno gledališče - Novo, kjer je leta 1905 »Dream in poletna noč»Shakespeare. Zaradi ogromnega uspeha produkcije govorimo o Reinhardtu kot vodilni nemški režiser. Novo gledališče se združi z nemškim gledališčem Brahm (glej zgoraj) in Reinhardt dobi veliko priložnosti za delo. Daleč se odmakne od Brahmovega naturalizma in na novo vzpostavi cela serija igre Hauptmanna in Ibsena, ki poskušajo v njih najprej prenesti boleče duhovno iskanje junakov, krizo zavesti, muko brezupne strasti.

Številna Reinhardtova režijska dela nosijo pečat dekadence, a vsa zaznamujeta velik umetniški pogum in resnično inovativna odkritja. Reinhardt ustvarja nov tip igralec, od izvajalcev zahteva analitični pristop k igri, resnico izkustva, živo ustvarjalnost na odru, s čimer se približuje gledališču Stanislavskega. Konvencionalno stilizirano zasnovo mise-en-scene so izvedli umetniki, ki so blizu avantgardnemu gibanju.

Reinhardt je začutil omejitve simbolizma in v novih iskanjih prišel do ekspresionizem. Režiser je v Shakespearovih Macbethu, Hamletu in Ukročeni goropadki dramatično razgalil teatralnost uprizoritve, uprizorjene na odru, tudi z elementi »plakatnega« sloga. Uporabljal je načela gledališča mask, uvedel bufonado in v predstavah dosegel enotno noto od konca do konca. Reinhardt je neumorno eksperimentiral in leta 1910 začel uprizarjati predstave v ogromni areni berlinskega cirkusa Schumann. Tu je preizkušal svoje ideje za množično predstavo, ki naj bi oživila starodavne predstave z njihovim mitotvorstvom na odru (»Oedipus Rex« v Hofmannsthalovi priredbi, Maeterlinckova »Sestra Beatrice«). Ti poskusi so povzročili ostro polemiko, vendar neposredno predvidevajo kasnejša prizadevanja Brechta in drugih ekspresionističnih dramatikov, ki so gledalca poskušali vključiti v dogajanje, pokazati na odru težnje in motivacijo ogromnih množic ljudi.

Angleški režiser je šel po poti, ki je blizu Reinhardtu. Gordon Craig. Začel je kot igralec v družbi Henryja Irvinga, kjer je skupaj z mamo, ugledno igralko Ellen Terry, nastopal v Shakespearovih dramah. Odločno je opustil tako Irvingovo izkušnjo kot naturalizem in šel po poti čisto simbolična predstava. Craig je v knjigi orisal svoje poglede "Umetnost gledališča"(1911). Nalogo gledališča je razglasil za ustvarjanje predstav filozofska vprašanja, potopitev v svet konvencije, v “ nevidni svet"duh. Gledališče ne sme biti niti življenjsko niti, strogo gledano, psihološko. Craig pravi, da je njegov cilj v vidnih slikah poustvariti nekaj večnih stvari, vzetih od zunaj zgodovinski kontekst težave človeško življenje, filozofske uganke biti. Craigov Hamlet je bila drama o konfliktu med duhovnimi in telesnimi željami. Wildeova "Salome" je bila razrešena kot izvrstno abstraktna tragedija strasti.

Craig ni hotel odražati svoje dobe in je s tem svojo reformo obsodil na neuspeh. Toda njegove ugotovitve so podobne

• načelo dekorativnega oblikovanja predstave,
• uporaba dvižnih platform,
• želja po zmanjšanju razdalje med igralcem in gledalcem,
• prenos dogajanja z odra v dvorano,

so uporabljali številni izjemni režiserji, vključno z V. E. Meyerholdom. Gordona Craiga odlikuje duh kreativnega raziskovanja, kar je bilo značilno za evropsko umetnost tistega časa. In kjer je ustvarjalnost, so vedno dosežki in neuspehi.

V tem času je italijanska igralka postala svetovno znana Eleonora Duse(1858-1924). Bila je občudovana najboljši ljudje obdobja, kot sta Stanislavski in Blok. Francozinja je bila tudi vladarica misli Sarah Bernhardt (1844-1923).

Kulturna izmenjava bogati umetniško dojemanje in igre pomembno vlogo pri ustvarjanju medsebojnega razumevanja in mirnega sobivanja med različne države. Ogledi Sovjetske zveze gledališke skupine. Gledalci v Moskvi, Leningradu in drugih sovjetskih mestih ploskajo najboljšim tujim gledališčem in nadarjenim igralcem, ki zadnja leta pogosto prihajajo k nam, da pokažejo svoje sposobnosti.

Najboljša angleška gledališča in igralci se še vedno opirajo na velike realistične tradicije Shakespeara. Prvo mesto med Shakespearovimi gledališči zaseda londonski Old Vic, ustanovljen leta 1894 in imenovan »Shakespearova hiša«. To gledališče, ki je vzgojilo veliko čudovitih igralcev, ima stalno gledališko zgradbo in skupino. Tam so več kot 60 let izvajali vse Shakespearove drame.

Danes zasluženo svetovno slavo uživajo igralci Laurence Olivier, John Gielgud in Michael Redgreve, ki so diplomirali na šoli Old Vic in so znani sovjetskemu občinstvu. Najboljše vloge notranje temperamenten in vedno iskren Olivier - Hamlet, Othello, Rihard III., Macbeth. Laurencea Olivierja dobro poznamo iz filmov, predvsem iz njegove vloge admirala Nelsona v filmu Lady Hamilton. Michael Redgreve je prišel v ZSSR s Shakespearovim Memorialnim gledališčem leta 1958 in z velik uspeh igral vlogo Hamleta.

Shakespearovo spominsko gledališče se nahaja v njegovi domovini briljanten dramatik- v Stratford-upon-Avon. Igralci in režiserji so v to gledališče, ki uprizarja izključno Shakespearova dela, povabljeni le za eno sezono. V letih 1959-1960 Na gledališkem odru je vlogo Otella odigral temnopolti pevec in igralec Paul Robeson, ki uživa med nami izjemno ljubezen. Sistem gostovanj Memorial Theatra pomeni, da ni močnega ansambla, Shakespearove produkcije pa so slogovno zelo različne – odvisno od tega, ali dramo postavlja režiser, realist ali privrženec modernega modernizma.

Shakespearova dela uprizarjajo tudi v drugih Angleška gledališča. Toda to v bistvu niso gledališča, ampak skupine, ki jih zaposli podjetnik, da prikažejo eno predstavo v naključni gledališki sobi. Takšna skupina, ki jo je vodil režiser Peter Brook, je prišla v Moskvo leta 1956 s predstavo Hamlet s Paulom Scofieldom v naslovni vlogi. V Angliji je kar nekaj podobnih gledaliških podvigov. Dolgoživost takšnih skupin je odvisna od blagajniških izkupičkov. Če honorarjev ni, skupina razpade, igralci ostanejo brez dela.

Posebna stran angleškega gledališkega življenja so ljudska gledališča. Med njimi je na prvem mestu Gledališče Enotnosti, ustanovljeno leta 1937. Enotnost služi množicam in hodi s predstavami v tovarne. Nekateri veliki igralci, kot je Paul Robeson, imajo močno ustvarjalno prijateljstvo z gledališčem. Tukaj so postavljeni samo sodobne igre o občutljivih družbenopolitičnih temah. Pred nekaj leti je bila na odru gledališča politična revija "Rusi pravijo:" Da ", ki govori o boju. Sovjetska zveza za mir; Pred kratkim je bila uprizoritev »Pedagoške pesmi« A. S. Makarenka.

Zdi se drugače gledališko življenje Francija. Tukaj sta dve državni gledališči - stari " francoska komedija« in »Ljudski narodno gledališče«, ustanovljeno v Parizu v 20. Obe gledališči sta po drugi svetovni vojni gostovali v Sovjetski zvezi.

Francosko gledališče komedije je varuh klasične francoske tradicije. Njegov repertoar obsega predvsem igre Corneilla, Racina, Moliera, Huga, Beaumarchaisa in drugih slavnih francoskih dramatikov preteklosti. Profesionalna spretnost igralcev tega gledališča Louisa Seignerja, Andrea Falconija in Anye Ducos se kaže predvsem v njihovem mojstrskem obvladovanju besede, v nenavadno jasni dikciji in temperamentu igranja.

Če »francoska komedija« vidi svojo glavno nalogo v ohranjanju starih tradicij, potem »Ljudsko narodno gledališče« prihaja z drugačnega položaja. S svojimi nastopi hodi po provincah, poskuša narediti uprizoritvene umetnosti javno dostopna in razumljiva sodobnikom. Tudi klasične igre se tukaj uprizarjajo v sodobnih uprizoritvenih tehnikah, ki jih odlikujeta lakonizem in izjemna ekspresivnost. Med najboljšimi igralci tega gledališča izstopata Jean Vilar in Maria Cazares.

Posebna vrsta gledališkega spektakla v Franciji so ljudski festivali, ki so v tej državi nastali med veliko domovinsko vojno. francoska revolucija. Gre za množične predstave in spektakle na revolucionarno temo, v katerih sodelujejo orkestri, zbori, solisti in dramski igralci.

Številni zagovorniki modernizma v Francosko gledališče v svojih produkcijah ne posvečajo toliko pozornosti vsebini kot formi predstave. Takšna gledališča, pa tudi vse vrste zabaviščnih ustanov - kabaretov in glasbenih dvoran - služijo predvsem meščanskemu občinstvu.

Najbolj očitno komercialni pristop k gledališki posel pojavi v ZDA. Tu ni državnih gledališč, vsa zabavna podjetja so komercialna, zasebno kapitalistična. Veliko takih gledališč se nahaja na glavna ulica New York - Broadway. Zato se imenujejo "broadwayska gledališča". Ni stalnih gledaliških prostorov in stalne trupe. Vsaka gledališka zgradba producira samo eno predstavo, ki jo predvajajo vsak večer, včasih tudi do 1500 noči zapored. Skupino vodi glavni igralec ali igralka; V ZDA jih imenujejo "zvezde". Vse druge vloge opravljajo stranski igralci, ki jih je na »borzi dela« vedno veliko. Uspeh je odvisen od prihodkov v blagajni. Podjetniki delajo velike "posle" iz nekaterih broadwayskih predstav.

Leta 1960 s predstavo »Moj ljubka dama"(remake igre B. Shawa "Pygmalion") je ena od Broadwayskih skupin gostovala v ZSSR.

zaradi komercialni sistem večina gledališke ustvarjalnosti ameriški igralci poteka v težkih razmerah. celo najboljši igralci Združene države morajo vsako noč igrati isto vlogo. To neizogibno vodi v mehanizacijo ustvarjalnega procesa.

Najboljše ameriško repertoarna gledališča obstajala je "Skupina", ki je obstajala le 10 let (1931 -1941).

Trenutno je v Združenih državah zelo malo namenskih ljudskih gledališč. Posamezne skupine izvajajo progresivni repertoar pred demokratičnim občinstvom, tavajoč od kluba do kluba in v poletni čas Nastopajo tudi na prostem.

Gledališko življenje je v ljudskih demokracijah videti povsem drugače. Tukaj v vsaki državi so le državna gledališča s stalnimi gledališkimi prostori in podjetji. Sovjetska gledališka kultura blagodejno vpliva na gledališče teh držav.

Najboljše sovjetske predstave tukaj najdejo topel odziv med občinstvom, najboljši primeri Mladi pisci preučujejo sovjetsko dramatiko. Večkrat sovjetski režiserji - ljudski umetniki A. D. Popov, Yu A. Zavadsky in drugi - potovali v države ljudske demokracije, da bi postavili številne igre.

Med največjimi gledališči v državah ljudske demokracije je treba imenovati " Nemško gledališče"v NDR (Berlin) pod vodstvom režiserja W. Langhofa. Gledališče "Berlinski ansambel", organiziral slavni pisatelj in dramatik Bertolt Brecht, z velikim uspehom uprizorjen v ZSSR. Veliko jih je v NDR nadarjeni igralci: na primer, Ernst Busch je igralec nenavadne globine psihološka igra, pri nas znan kot izvajalec revolucionarnih pesmi; Elena Veigel - karakterna izvajalka ženske podobe v dramah B. Brechta.

Splošno znano je tudi Češko narodno gledališče v Pragi. Igralec tega gledališča, J. Prukha, je čudovito odigral vlogo V. I. Lenina v "Kremeljskih zvončkih" N. F. Pogodina.

Nič manj plodno se razvijajo gledališča v Bolgariji, na Madžarskem, v Romuniji, Albaniji in na Poljskem.

Težko je najti drugo državo, kjer bi gledališka umetnost uživala tako izjemno priljubljenost in ljubezen ljudi kot na Kitajskem. V mladi Ljudski republiki Kitajski obstajata tako klasično tradicionalno gledališče »Xiqu«, ki je staro 800 let, kot gledališče govorjene drame, ki se je pojavilo v začetku 20. stoletja. Komunistična partija Kitajske je postavila prednostno nalogo domačega gledališča - očistiti repertoar in igralsko umetnost vsega škodljivega in protinacionalnega, kar je vanj prinesla doba fevdalizma, približati gledališče življenju, ustvarjati polnopravna podoba sodobnika.

Zdaj na odrih Kitajske, skupaj z nacionalnimi in evropskimi klasiki, z velikim uspehom igrajo igre sodobnih kitajskih dramatikov Guo Mozhuo, Tiash Han, Cao Soi in drugih.

Tradicionalno gledališče in govorjeno dramsko gledališče kljub velikim razlikam težita k ustvarjalnemu sodelovanju in se medsebojno bogatita.

Če najdete napako, označite del besedila in kliknite Ctrl+Enter.