Primeri slikarstva, žanri, slogi, različne tehnike in smeri. Vrste slik Katere so vrste slik

Slikarstvo je ena najpogostejših vrst umetnosti, s pomočjo katere slikarji občinstvu posredujejo svoje videnje sveta.

Tako je slikanje ločena in zelo priljubljena vrsta likovne umetnosti, v kateri vizualne podobe prenaša mojster z nanašanjem barv na površino slike.

I. I. Šiškin. Krajina "Ladijski gaj" (1898).

Vse slike, ki obstajajo danes, lahko razdelimo na več ločenih žanrov, ki imajo svoje značilnosti v temi in slikovni tehniki. Razmislimo o glavnih, da bi imeli pravilno predstavo o strukturi slik.

Torej, med sodobnimi žanri slikarstva so naslednji:

• Portret
• Pokrajina
• Marina
• zgodovinsko slikarstvo
• Bojna slika
• Mirno zivljenje
• Žanrsko slikarstvo
• arhitekturno slikarstvo
• nabožno slikarstvo
• Slikanje živali
• dekorativno slikanje

Shematska razdelitev žanrov likovna umetnost bo videti takole:

Portret

Mnogi od nas poznajo tak žanr slikanja kot portret. To je ena najstarejših vrst likovne umetnosti, najdemo pa jo tudi v kiparstvu in grafiki. Včasih ni bilo slik, zato so vsi bogati oz znana oseba je menil, da je treba njegov obraz in postavo ovekovečiti za zanamce - pri tem pa so mu pomagali portretisti.

Poleg tega lahko portret prikazuje tako resnične ljudi kot literarne ali mitske junake. Poleg tega je mogoče ustvariti tako portret osebe, ki je živela v preteklih časih, kot našega sodobnika, ki obstaja danes.

Jasne meje za portretni žanr ne, zato je v enem delu portret mogoče kombinirati z elementi drugih žanrov slikarstva - krajine, tihožitja itd.

Vrste portretov

Med najpogostejšimi vrstami portretno slikarstvo ločimo naslednje:

• zgodovinski portret
• retrospektivni portret
• Portret – slikanje
• tipičen portret
• Avtoportret
• Portret donatorja
• Slavnostni portret
• Portret v napol obleki
• komorni portret
• intimni portret
• portret malega formata
• Portret - miniatura

Vsaka od vrst portretov ima svoje značilnosti in razlike v tehniki izvedbe. Razmislimo o njih podrobneje.

• zgodovinski portret- vsebuje podobo katere koli zgodovinske osebe, politične osebe ali ustvarjalne osebe. Takšen portret je lahko ustvarjen po spominih sodobnikov ali pa se rodi v domišljiji slikarja.

A. M. MATVEEV Portret Petra Velikega (1724-1725). Platno, olje.

• retrospektivni portret- posmrtna podoba osebe, ki je živela v preteklosti, ki je nastala po opisih očividcev ali po življenjski podobi. Vendar pa obstajajo tudi primeri popolne kompozicije portreta mojstra.

Vladislav Rožnev » Ženski portret«(1973). Platno, olje.

• Slikarstvo - portret- oseba je upodobljena v zapletu z zunanjim svetom, naravo, na ozadju arhitekturnih zgradb ali dejavnosti drugih ljudi. V portretnih slikah je najbolj jasno vidna nejasnost meja in kombinacija različnih žanrov - krajine, zgodovinskega in bojnega slikarstva itd.

Boris Kustodiev. Slika je portret F. I. Chaliapina (1922). Platno, olje.

• tipičen portret- umetnik - slikar upodablja kolektivno podobo, sestavljeno iz značilnih značilnosti videza številnih ljudi, ki jih združujejo skupne ideje, dejavnosti, družbeni status ali življenjski slog.

F. V. Sychkov "Portret kmečke ženske".

• Kostumirani portret- upodobljena oseba je gledalcu predstavljena v obliki literarne ali gledališke osebe, zgodovinske osebe ali mitološkega junaka. Takšni portreti so še posebej zanimivi za preučevanje kostumov iz drugih obdobij.

• Avtoportret- posebna vrsta portretnega slikarstva, v katerem umetnik upodablja samega sebe. To pomeni, da želi občinstvu posredovati in posredovati svoje notranje bistvo.

• Portret donatorja- ena od zastarelih oblik portretiranja. Takšna slika z versko tematiko je upodabljala osebo, ki je cerkvi dajala velike donacije. Pred občinstvom se je pojavil obkrožen s svetniki, poleg Madone ali na enem od kril oltarja v klečeči podobi. Premožni ljudje v tistih časih so v ustvarjanju portreta donatorja videli poseben pomen, saj so bile takšne slike vedno zaznane pozitivno in so bile enako cenjene.

Pinturicchio. "Kristusovo vstajenje" s klečečim papežem Aleksandrom VI.

Po naravi in ​​metodi slikečloveške figure so vsi portreti razdeljeni na naslednje vrste:

• Slavnostni portret- prikazuje osebo v stoječem položaju v polni rasti. Hkrati so vse podrobnosti videza in številk zelo jasno zapisane.

• Portret v napol obleki- oseba je upodobljena do pasu, do kolen ali v sedečem položaju, ko spodnji del nog ni viden. IN podobno delo portret igra veliko vlogo pri podobi okolja ali dodatkov.

Rokotov F. S. "Portret kronanja Katarine II" (1763).

• komorni portret- človeška figura je izvedena na nevtralnem ozadju in uporabljena je skrajšana različica podobe človeške figure - do pasu, do prsi ali celo do ravni ramen. V tem primeru mojster posebej jasno in skrbno izpiše poteze obraza osebe.

• intimni portret- se uporablja zelo redko in je ena od vrst komornega portreta zaradi izvedbe na nevtralnem ozadju. Nastanek intimnega portreta temelji na umetnikovih globokih čustvih do upodobljencev oziroma zaupljivem odnosu med njimi.

Edouard Manet "Dekle v španski noši" (1862 - 1863).

• portret malega formata- slika majhne velikosti. običajno narejeno s tušem, svinčnikom, pastelom ali akvarelom.

• Portret - miniatura- ena tehnično najbolj prepoznavnih in kompleksnih vrst portreta. Za miniaturo je značilen majhen slikovni format (od 1,5 do 20 cm), pa tudi izredna tenkočutnost pisave in skrbno, skoraj nakitno izrisovanje vseh linij. V medaljone so vstavljali miniaturne portrete, z njimi so krasili ure, zapestnice, broške, prstane in tobačerice.

Jacques Augustine "Bacchae" - miniaturni portret (1799). Kost, akvarel, gvaš. Velikost 8 cm (krog).

Pokrajina

Pokrajina je ločen slikarski žanr, katerega glavni predmet podobe je narava v svoji izvirni obliki ali nekoliko spremenjena v procesu človekove dejavnosti.

Konstantin Kryzhitsky "Cesta" (1899).

Žanr krajinskega slikarstva je znan že od antičnih časov. Vendar pa v srednjem veku nekoliko izgubi pomen. Toda že v renesansi se krajina ponovno rodi in pridobi pomen ene najpomembnejših zvrsti v likovni umetnosti.

Jean-Francois Millet "Pomlad".

Marina

Marina (iz latinske besede "marinus" - "morska") - poseben žanr slika, v kateri so vsi upodobljeni dogodki, pogledi človeška dejavnost in slike narave so posvečene morju. Platna pogosto prikazujejo morske pokrajine drugačen čas letu in pri različnih svetlobnih pogojih.

I. K. Aivazovsky "Deveti val" (1850).

Umetniki, ki rišejo morski prostori v svojih različnih pojavnih oblikah se imenujejo "marinisti". Eden najbolj znanih morskih slikarjev je Ivan Aivazovski, ki je ustvaril več kot 6 tisoč slik na morsko temo.

Ivan Aivazovski "Mavrica" ​​(1873).

zgodovinsko slikarstvo

Žanr zgodovinsko slikarstvo izvira iz renesanse, ko so umetniki na svojih platnih skušali odsevati prizore iz družbenega življenja v različnih obdobjih zgodovine.

Vendar pa bi zgodovinska platna lahko prikazovala ne le slike iz življenja resničnih ljudi, ampak tudi mitološke predmete, pa tudi ilustrirano preoblikovanje svetopisemskih in evangelijskih zgodb.

Domenico Beccafumi "Kontinenca Scilia Africanusa" (okoli 1525).

Zgodovinsko slikarstvo je namenjeno prikazovanju dogodkov iz preteklosti, najpomembnejših za posamezno ljudstvo ali celotno človeštvo.

Francisco Pradilla "Krst princa Juana, sina Ferdinanda in Isabelle" (1910).

Bojna slika

Ena od vrst zgodovinskega žanra je bojno slikarstvo, katerega tema slik je posvečena predvsem vojaškim dogodkom, slavnim bitkam na kopnem in na morju ter vojaškim akcijam. Bitka zajema zgodovino vojaških spopadov v zgodovini človeške civilizacije.

Hkrati bojna platna odlikuje veliko število in raznolikost upodobljenih figur, pa tudi dokaj natančne slike terena in značilnosti določene regije.

François Edouard Picot "Obleganje Calaisa" (1838).

Umetnik bitke se sooča z več težkimi nalogami:

1. Pokažite junaštvo vojne in pokažite obnašanje najpogumnejših bojevnikov.
2. Ujemite posebno pomembno ali prelomno točko v bitki.
3. V svojem delu razkrijte celoten zgodovinski pomen vojaških dogodkov.
4. Natančno in jasno izrazite vedenje in občutke vsakega od udeležencev bitke - tako slavnih generalov kot navadnih vojakov.

Jean-Baptiste Debray » Napoleon nagovori bavarske čete pri Abensbergu 20. aprila 1809.

Treba je opozoriti, da žanr bojnega slikarstva velja za enega najtežjih, zato takšna platna ustvarjajo mojstri dolgo časa- včasih tudi deset let. Od umetnika se zahteva ne le odlično poznavanje podrobne zgodovine upodobljene bitke, ampak tudi sposobnost ustvarjanja večfiguralnih platen z velikim številom pomožnih podrobnosti. To so slike narave in elementi arhitekture ter podobe orožja ali vojaških mehanizmov. Zato bojni žanr zavzema posebno mesto in se loči od zgodovinskega slikarstva.

Mirno zivljenje

Tihožitje je ustvarjanje kompozicij na platnih iz neživih predmetov v njihovih različnih kombinacijah. Najbolj priljubljene so podobe posode, cvetlični lončki s šopki rož in sadja na posodi.

Cezanne "Namizni kot" (1895 - 1900).

Sprva se je tema podob v žanru tihožitja pojavila na prehodu iz 15. v 16. stoletje, dokončno pa se je žanr oblikoval v ločeno smer slikarstva v 17. stoletju. Prvi ustvarjalci tihožitij so bili nizozemski in flamski umetniki. Kasneje je tihožitje zavzelo pomembno mesto v delu ruskih umetnikov.

Teme podob v tihožitjih so lahko zelo bogate in raznolike in niso omejene izključno na gospodinjske predmete. To so lahko knjige, revije in časopisi, steklenice, figurice, globus in številni drugi predmeti.

David Teniers mlajši. Tihožitje (1645 - 1650).

Glavna ideja skladb v žanru Vanitas je misel o končnosti zemeljskega obstoja in ponižnosti pred neizogibnostjo prehoda v drug svet. Najbolj priljubljena tihožitja s podobo lobanje v središču kompozicije so pridobila v 16. in 17. stoletju v Flandriji in na Nizozemskem. Malo kasneje so se francoski in španski umetniki začeli obračati nanj.

Pieter Claesz "Tihožitje z lobanjo".

Žanrsko slikarstvo

IN likovna umetnostžanrsko slikarstvo velja za del gospodinjski žanr. Umetniki so že od antičnih časov upodabljali prizore vsakdanjega življenja navadnih ljudi - kmetov, rokodelcev, trgovcev, pa tudi služabnikov plemiških dvorjanov. delovna dejavnost ali v vsakdanjem življenju njihovih družin.

Gabriel Metsu "Prodajalec ptic" (1662).

Prvi vzorci žanrske slike v sodobnem pomenu se je pojavil v srednjem veku, nato pa je postal razširjen in priljubljen. Za žanrske slike je značilna zavidljiva raznolikost tem, ki vzbujajo zanimanje občinstva.

Bernardo Strozzi "Kuhar" (1625).

arhitekturno slikarstvo

Arhitekturno slikarstvo je poseben slikarski žanr, katerega tema je posvečena podobi stavb, objektov in različnih arhitekturnih spomenikov, pa tudi najzanimivejših rešitev v zgodovinskem pogledu. To se nanaša na podobo notranje opreme palač, gledališč in koncertne dvorane in tako naprej.

Zahvaljujoč takšnim slikam ima gledalec možnost osebno videti spomenike arhitekture v njihovi izvirni obliki skozi oči umetnika samega. Dela arhitekturnega slikarstva pomagajo tudi pri preučevanju arhitekturne krajine mest preteklih časov.

Louis Daguerre "Megla in sneg, viden skozi uničeno gotsko stebrišče" (1826).

Slikanje živali

Živalski žanr je ločen žanr slikovne umetnosti, ki je specializiran predvsem za prikazovanje živalskega sveta našega planeta. Na slikah tega žanra lahko vidimo živali, ptice, ribe, pa tudi predstavnike mnogih drugih vrst v njihovem naravnem okolju.

George Stubbs "Speči leopard" (1777).

Vendar to ne pomeni, da so samo divje živali tema animalističnega žanra. Nasprotno, umetniki zelo pogosto slikajo slike, posvečene hišnim ljubljenčkom - mačkam, psom, konjem itd.

dekorativno slikanje

Žanr dekorativno slikanje lahko razdelimo na več vrst s svojimi razlikami:

• monumentalno slikarstvo
• Slikanje gledališke kulise
• dekorativno slikanje

Vrstna raznolikost dekorativnega žanra je razložena z dejstvom, da so umetniki ves čas poskušali okrasiti vsak predmet okoliškega sveta.

• monumentalno slikarstvo- zvrst monumentalne umetnosti, katere dela so precej obsežne narave in se uporabljajo kot dekorativni dizajn za zgradbe in strukture posvetne in verske narave za različne namene (in cerkve, poslovne zgradbe in kulturne strukture, arhitekturne spomeniki in stanovanjske zgradbe).

• gledališke kulise- To je zelo iskana vrsta dekorativnega žanra, ki vključuje ustvarjanje scenografije in kostumografije za like. gledališke produkcije in filmskih likov ter skic posameznih mizanscen. Umetniki - dekoraterji v gledališču in na snemanju včasih ustvarijo prave mojstrovine, ki kasneje postanejo ena najboljših kulis gledališča in filma.

• dekorativno slikanje- predstavlja ploskev ali okrasni dekor, ustvarjen na različnih delih zgradb in objektov, pa tudi na vzorcih dekorativne in uporabne umetnosti, ki izvira iz ljudske umetnostne obrti. Glavne vrste poslikanih izdelkov so bile posoda, gospodinjski predmeti, pohištvo itd.

Veliki lik, znanstvenik in renesančni umetnik Leonardo da Vinci je rekel: "Slika je poezija, ki jo vidimo, in poezija je slika, ki jo slišimo." In ne moremo se strinjati z njim. Pravo umetnost resnično dojemamo celovito. Vidimo, razmišljamo in slišimo in v duši hranimo umetnine, ki so nam všeč. In svetovne mojstrovine ostajajo v našem spominu še vrsto let.

Zvrsti in vrste slikarstva

Risanje slike, mojster izvaja v določenem stanju, poseben značaj. Delo se ne bo izkazalo za polnopravno, vredno ljubezni in pozornosti, če bo na njem prikazana le oblika in barva. Umetnik je dolžan predmetom podariti dušo, ljudem karizmo, iskrico, morda skrivnost, naravi svojevrstne občutke, dogodkom pa resnična doživetja. In žanri in vrste slikarstva so ustvarjalcu pri tem v pomoč. Omogočajo vam, da pravilno prenesete razpoloženje obdobja, dogodka, dejstva, bolje je zajeti glavno idejo, sliko, pokrajino.

Med glavnimi so:

• Zgodovinski- podoba dejstev, trenutkov zgodovine različne države in epohe.
• Bitka- prenaša bojne prizore.
• Domače- Prizori iz vsakdanjega življenja.
• Pokrajina To so slike narave. Obstajajo morske, gorske, fantastične, lirične, podeželske, mestne, vesoljske pokrajine.
• Mirno zivljenje- ponazarja nežive predmete: kuhinjske pripomočke, orožje, zelenjavo, sadje, rastline itd.
• Portret- To je podoba osebe, skupine ljudi. Pogosto umetniki radi slikajo avtoportrete ali platna, ki prikazujejo svoje ljubimce.
• živalski- Slike o živalih.

Ločeno lahko izpostavimo še en ploskovno-tematski žanr in sem vključimo dela, katerih predmet so miti, legende, epi, pa tudi slike vsakdanjega življenja.

Zvrsti slike pomenijo tudi ločene, ki umetniku pomagajo doseči popolnost pri ustvarjanju platna, mu povedo, v katero smer naj se giblje in dela. Obstajajo naslednje možnosti:

- Panorama- slika območja v velikem formatu, splošen pogled.

- Diorama- slika bitk, spektakularnih dogodkov, ukrivljenih v polkrogu.

- Miniaturno- Rokopisi, portreti.

- Monumentalno in dekorativno slikarstvo- slikanje na stene, plošče, plafone itd.

- ikonografija- slike na verske teme.

- dekorativno slikanje- ustvarjanje umetniške kulise v kinu in gledališču.

- štafelajno slikarstvo Z drugimi besedami, slike.

- Dekorativno slikanje predmetov vsakdanjega življenja.

Praviloma si vsak mojster likovne umetnosti izbere določeno zvrst in vrsto slikarstva, ki mu je po duhu najbližje, in večinoma deluje samo v njem. Na primer, Ivan Konstantinovič Aivazovski (Hovhannes Gayvazyan) je delal v slogu morske krajine. Takšni umetniki se imenujejo tudi morski slikarji (iz "marina", kar v latinščini pomeni "morje").

Tehnike

Slikarstvo je določen način izvajanja ploskve, njeno občutenje skozi svet barv in potez. In seveda takšne reprodukcije ni mogoče storiti brez uporabe določenih tehnik, vzorcev in pravil. Sam koncept "tehnike" v vizualni umetnosti je mogoče opredeliti kot niz tehnik, norm in praktičnih znanj, s pomočjo katerih avtor najbolj natančno prenese idejo in zaplet slike, ki je blizu realnosti.

Izbira tehnike slikanja je odvisna od tega, kateri materiali, vrsta platna bodo uporabljeni za ustvarjanje dela. Včasih lahko umetnik zavzame individualen pristop k svojemu delu, izkoristi mešanico različnih stilov in trendov. Ta avtorski pristop vam omogoča ustvarjanje resnično edinstvenih umetniških del - svetovnih mojstrovin.

V tehničnem smislu obstaja več možnosti za barvanje. Razmislimo o njih podrobneje.

Slikarstvo starih časov

Zgodovina slikarstva se začne s kamnitimi vrezi pračloveka. V tem času se slike ne odlikujejo z živahnostjo ploskev, neredom barv, vendar je bilo v njih posebno čustvo. In zapleti teh let nas jasno obveščajo o obstoju življenja v daljni preteklosti. Linije so izjemno preproste, tema predvidljiva, smeri nedvoumne.

V starih časih postane vsebina risb bolj raznolika, pogosteje prikazujejo živali, različne stvari, naredijo cele biografije na celotni steni, še posebej, če so slike ustvarjene za faraone, kar je bilo takrat zelo verjetno. Po približno dva tisoč letih začnejo pridobivati ​​barve.

Starodavno slikarstvo, zlasti starorusko, je dobro preneseno in ohranjeno v starih ikonah. So svetišče in najboljši zgled, ki prenaša lepoto božje umetnosti. Njihova barva je edinstvena, namen pa popoln. Takšno slikanje prenaša neresničnost bivanja, podobe in človeku vcepi idejo o božanskem principu, o obstoju idealne umetnosti, ki ji je treba biti enak.

Razvoj slikarstva ni minil brez sledu. Človeštvu je dolgo uspelo nabrati prave relikvije in duhovno dediščino mnogih stoletij.

Akvarel

Akvarelno slikanje odlikujejo svetlost barv, čistost barve in prosojnost nanosa na papir. Da, prav na papirni površini je najbolje delati v tej likovni tehniki. Risba se hitro suši in posledično pridobi lažjo in mat teksturo.

Akvarel ne omogoča doseganja zanimivih odtenkov pri uporabi temnih, enobarvnih odtenkov, vendar odlično modelira barvo, ko se plasti nanesejo ena na drugo. V tem primeru se izkaže, da najdemo povsem nove, nenavadne možnosti, ki jih je težko dobiti z drugimi umetniškimi tehnikami.

Težave z akvarelom

Kompleksnost dela v takšni tehniki, kot je akvarelno slikanje, je v tem, da ne odpušča napak, ne dopušča improvizacije s kardinalnimi spremembami. Če vam uporabljeni ton ni bil všeč ali ste dobili popolnoma drugačno barvo, ki ste jo želeli, potem je malo verjetno, da ga boste lahko popravili. Vsi poskusi (pranje z vodo, strganje, mešanje z drugimi barvami) lahko privedejo do bolj zanimivega odtenka in popolne kontaminacije slike.

Spreminjanje lokacije figure, predmeta, kakršna koli izboljšava kompozicije v tej tehniki je v bistvu nemogoča. Zaradi hitrega sušenja barv na sliki pa je idealen za risanje skic. In glede upodabljanja rastlin, portretov, urbanih krajin se lahko kosa z oljnimi slikami.

Olje

Vsaka od tehničnih vrst barvanja ima svoje posebnosti. To velja tako za način izvedbe kot za umetniški prenos podobe. Oljna slika je ena najljubših tehnik mnogih umetnikov. V njem je težko delati, saj zahteva določeno raven znanja in izkušenj: od priprave potrebnih predmetov, materialov do končne faze - prekrivanja nastale slike. zaščitni sloj lak.

Celoten postopek slikanja z oljem je precej naporen. Ne glede na to, katero podlago izberete: platno, karton ali lesonit (vlaknene plošče), jo morate najprej prekriti s temeljnim premazom. To bo omogočilo, da se barva uleže in dobro drži, ne da bi izstopala iz olja. Prav tako bo ozadju dal želeno teksturo in barvo. Obstaja veliko vrst in receptov za različna tla. In vsak umetnik ima raje svojega, specifičnega, na katerega je navajen in za katerega meni, da je najboljša možnost.

Kot že omenjeno, delo poteka v več fazah, končna pa je premazovanje slike z laki. To se naredi za zaščito platna pred vlago, pojavom razpok (mrežice) in drugimi mehanskimi poškodbami. Oljna slika ne prenaša dela na papirju, vendar zahvaljujoč celotni tehnologiji nanašanja barv omogoča prihranek umetniška dela varno in zdravo za veke.

likovna umetnost Kitajske

Posebno pozornost bi rad namenil obdobju kitajskega slikarstva, saj ima posebno stran v zgodovini. Vzhodna smer slikarstvo se je razvijalo več kot šest tisoč let. Njen nastanek je bil tesno povezan z drugimi obrtmi, družbenimi spremembami in razmerami v življenju ljudi. Na primer, po uvedbi budizma na Kitajskem so verske freske pridobile velik pomen. V časih (960-1127) postanejo priljubljene zgodovinske slike, vključno z zgodbami o vsakdanjem življenju. krajinsko slikarstvo se je kot samostojna smer uveljavila že v 4. stoletju našega štetja. e. Podobe narave so nastale v modro-zelenih barvah in kitajskem tušu. In v devetem stoletju so umetniki vse bolj začeli slikati slike, ki so upodabljale rože, ptice, sadje, žuželke, ribe, ki so v njih utelešale svoje ideale in naravo dobe.

Značilnosti kitajskega slikarstva

Tradicionalno kitajsko slikarstvo je značilno po svojem specifičnem slogu in materialih, ki se uporabljajo za slikanje, kar vpliva na metode in oblike orientalske umetnosti. Prvič, kitajski slikarji uporabljajo poseben čopič za ustvarjanje slik. Videti je kot akvarel in ima posebno ostro konico. Tako orodje vam omogoča ustvarjanje prefinjenih del in, kot veste, se slog kaligrafije na Kitajskem še vedno pogosto uporablja. Drugič, črnilo se povsod uporablja kot barve - kitajsko črnilo (se zgodi, da skupaj z drugimi barvami, vendar se uporablja tudi kot samostojna barva). To se dogaja že dva tisoč let. Omeniti velja tudi, da so ljudje na Kitajskem pred pojavom papirja slikali na svilo. Danes sodobni mojstri umetniškega poslovanja opravljajo svoje delo tako na papirni osnovi kot na svileni površini.

To še ni vse tehnične zmogljivosti slika. Poleg zgoraj naštetega obstaja še veliko drugih (gvaš, pastel, tempera, freska, akril, vosek, slikanje na steklo, porcelan itd.), Vključno z avtorskimi možnostmi za umetnost.

Epohe slikarstva

Kot vsaka oblika umetnosti ima tudi slikarstvo svojo zgodovino nastajanja. Najprej je značilno različnih stopnjah razvoj, večplastni slogi, zanimive smeri. Ne zadnja vloga tukaj igra obdobje slikarstva. Vsak od njih ne vpliva samo na košček življenja ljudi in ne samo na čas nekaterih zgodovinskih dogodkov, ampak na celotno življenje! Med najbolj znanimi obdobji v slikarski umetnosti so: renesansa in razsvetljenstvo, delo impresionistov, moderna, nadrealizem in mnoga, mnoga druga. Z drugimi besedami, slika je vizualna ilustracija neke dobe, slika življenja, pogled na svet skozi oči umetnika.

Pojem "slikarstvo" dobesedno pomeni "pisati življenje", upodabljati realnost živo, mojstrsko, prepričljivo. Na svoje platno prenesti ne le vsako podrobnost, vsako malenkost, trenutek, temveč tudi razpoloženje, čustva, barvo tega ali onega časa, slog in žanr celotnega umetniškega dela.

stili slikanja

2.1 Nadrealizem
2.2 Kubizem
2.3 Abstraktna umetnost
2.4 Fovizem
2.5 Futurizem
2.6 Manierizem
2.7 Renesansa
2.8 Avantgarda
2.9 Barok

2.1 Nadrealizem
Nadrealizem (nadrealizem), modernistična (modernistična) smer v literaturi, likovni umetnosti in kinematografiji, ki izvira iz Francije v dvajsetih letih prejšnjega stoletja. in upodobljeno velik vpliv na Zahodna kultura. Za nadrealizem je značilna nagnjenost k vsemu bizarnemu, iracionalnemu, ki ni v skladu s splošno sprejetimi standardi. Gibanje samo je bilo heterogeno, a si je za glavni cilj zadalo osvoboditev ustvarjalnih sil podzavesti in njihovo prevlado nad umom. V določeni meri so bili predhodniki nadrealistov dadaisti (dadaizem). Teoretik in ustanovitelj S. Andre Breton je trdil, da naj bi ta smer razrešila protislovje med sanjami in resničnostjo ter ustvarila nekakšno absolutno resničnost, nadresničnost. Kljub vsem Bretonovim poskusom, da bi združil nadrealiste, jim je manjkalo soglasja: nenehno so se prepirali, medsebojno obtoževali in iz svojih vrst izključevali drugače misleče. Nadrealizem temelji na Freudovi teoriji podzavesti in njegovi metodi "svobodnih asociacij" za prehod iz zavesti v podzavest. Vendar so bile oblike izražanja teh idej med nadrealisti zelo različne. Na primer, Dali je s skrbno natančnostjo, "verodostojnostjo", zapisal vsako podrobnost v svojih nelogičnih, nočnih morah podobnih slikah, kar je poslabšalo vtis halucinacije ali delirija, medtem ko je Max Ernst delal na platnih kot samodejno, "izklopil" um , raje poljubne slike, ki se pogosto spreminjajo v abstrakcijo. Kljub temu se je Jean Miro od drugih nadrealističnih umetnikov razlikoval po pestrosti in radoživosti svojih platen. V obdobju med obema svetovnima vojnama je nadrealizem postal najbolj razširjeno, čeprav najbolj kontroverzno gibanje. Njegovi privrženci se niso pojavili le v Evropi, ampak tudi v ZDA, kamor so med vojno emigrirali številni pisatelji in umetniki. Nadrealizem, ki je znan po svoji širini pristopa in bogastvu oblik, je olajšal dojemanje kubizma in abstraktne umetnosti, njegove metode in tehnike pa so vplivale na delo pisateljev in umetnikov v mnogih državah sveta.

2.2 Kubizem
Kubizem (kubizem), modernistično gibanje v slikarstvu 1. četrtine 20. stoletja. Njegov videz pripisujejo letu 1907 in ga povezujejo z delom Picassa in Braquea, zlasti s Picassovo sliko "Avignonske deklice", ki prikazuje deformirane, grobe figure, brez perspektive in chiaroscura. Kubizem je pomenil popoln prelom z realističnim prikazovanjem narave, ki je prevladovalo v evropsko slikarstvo od renesanse. Cilj Picassa in Braquea je zgraditi tridimenzionalno obliko na ravnini, ki jo razdeli na geometrijske elemente. Oba umetnika sta težila k preprostim, oprijemljivim oblikam, nezapletenim zapletom, kar je še posebej značilno za zgodnje obdobje Kubizem, tako imenovani "Cezanne" (1907-1909), je nastal pod vplivom afriškega kiparstva in del Cezanna. Zdi se, da se močni volumni prilegajo platnu, barva poveča volumen (Picasso "Tri ženske", 1909). Naslednje obdobje (1910-1912) se imenuje "analitično": predmet je zdrobljen v majhne obraze, ki so jasno ločeni drug od drugega, zdi se, da se objektivna oblika na platnu zabriše, barve kot take praktično ni (Poroka "V v čast J.S. Bacha", 1912). V slednjem, znanem kot »sintetični« kubizem, se slike spremenijo v pisane, ploskovite plošče (Picassova krčma, 1913-1914), oblike postanejo bolj dekorativne, v vzorec se vnesejo šablone črk in različne nalepke, ki tvorijo kolaže. Juan Gris piše v tej maniri, skupaj z Braqueom in Picassom. Prva svetovna vojna je končala sodelovanje med Braqueom in Picassom, vendar je njuno delo močno vplivalo na druga gibanja, vključno s futurizmom, orfizem, purizmom in vorticizmom. Vpliv kubizma v vizualni umetnosti se je nadaljeval do šestdesetih let prejšnjega stoletja.

2.3 Abstraktna umetnost
Abstrakcionizem je najbolj skrajna šola modernizma. Abstraktna umetnost, imenovana tudi nefigurativna umetnost, se je kot trend pojavila v 10. letih dvajsetega stoletja. Ker umetniki te smeri zanikajo kakršno koli upodabljanje v umetnosti, nočejo upodabljati objektivnega sveta, abstrakcionizem imenujemo tudi neobjektivnost. Teoretiki abstrakcionizma jo črpajo iz Cezanna prek kubizma. Prav to pot - od piktorializma prek »idealne realnosti« tako imenovanega sintetičnega kubizma do popolnega nepiktoralizma - je prehodil eden od utemeljiteljev »neoplasticizma« nizozemski slikar Piet (Peter Cornelis) Mondrian (1872-1944). ki je verjel, da "čista plastičnost ustvarja čisto resničnost". V 10. letih prejšnjega stoletja je bil Mondrian povezan s kubizmom, vendar je svoja načela prenesel na preprosto risbo na ravnini. Doma, na Nizozemskem, ima Mondrian skupino privržencev, združenih okoli revije "Style". Program revije je razglašal ustvarjanje univerzalne podobe sveta skozi pravokotnike drugačna barva ločeni drug od drugega z debelimi črnimi črtami. Tako je nastalo nešteto skladb brez imena, pod številkami in črkami. Mondrian je bil dobesedno obseden s kultom ravnovesja vertikale in horizontale in je prekinil z revijo "Style", ko je leta 1924 uvedla 45-stopinjski kot kot sestavino izraznega jezika. Mondrianova določila v 40. letih so povzeli italijanski »konkretisti«. Na podlagi Mondrianove izjave, da »nič ni bolj konkretnega kot črta, barva, ravnina«, so začeli ustvarjati »novo realnost« iz črt in ravnin odprte rumene, rdeče, modre. Drugi utemeljitelj abstrakcionizma, Vasilij Kandinski (1866-1944), je svoja prva »neobjektivna« dela ustvaril že pred kubisti. Po rodu Moskovčan se je Kandinski najprej pripravljal na pravno kariero, leta 1896 je prišel v München, kjer je študiral na šoli A. Azhbeja (1897-1898) in na Akademiji umetnosti (1900) pri F. von Stucku, opravil strast do Gauguina in fovistov, ljudski tisk. Leta 1911 je skupaj s F. Markom ustanovil združenje Modri ​​jezdec. V delu »O duhovnem v umetnosti« oznanja odmik od narave, od narave k »transcendentalnim« bistvom pojavov in predmetov; aktivno se ukvarja s problemi zbliževanja barve z glasbo. Velik vpliv simbolizma je doživel tudi Kandinski. Nedvomno iz simbolizma, njegovo razumevanje črne, na primer, kot simbol smrti, belo - kot rojstvo, rdeče - kot pogum. Vodoravna črta pooseblja pasivni začetek, navpična - aktivni začetek. Raziskovalci upravičeno menijo, da je Kandinski zadnji predstavnik literarnega in psihološkega simbolizma, tako kot Moreau v Franciji in Ciurlionis v Litvi, in hkrati prvi abstraktni umetnik. "Objektivnost škodi mojim slikam," je zapisal v svojem delu "Umetnikovo besedilo". Kandinskega tega obdobja so barvita platna, na katerih so brezoblične lise intenzivnih barv lepe kombinacije sekajo z ukrivljenimi ali vijugastimi črtami, včasih podobnimi hieroglifom. Že to je bilo samo po sebi velik zločin, z Mondrianovega vidika jim je precej blizu otroška neposrednost Kleejevih slik. Dela Kandinskega spominjajo na fotografske učinke svetlobe, fiksirane v barvi. Leta 1914 se je Kandinski vrnil v Rusijo, bil je eden od organizatorjev Muzeja lepih umetnosti v Petrogradu in Inkhuk v Moskvi. Od konca 1921 je živel v Nemčiji. V zgodnjih dvajsetih letih prejšnjega stoletja je bil Kandinski naklonjen tako imenovanemu geometrijskemu abstrakcionizmu (v nasprotju s slikovnim abstrakcionizmom prejšnjega obdobja). Leta 1933 je s prihodom fašizma v Nemčijo Kandinski emigriral v Francijo, kjer je živel do konca svojih dni. Kasnejša dela Kandinskega tako rekoč združujejo načela slikovnega in geometrijskega abstrakcionizma. Tretji začetnik abstraktnega slikarstva je Kazimir Malevič (1878-1935). Impresionizem Kandinskega in Cezannov geometrični abstrakcionizem Mondriana je združil v suprematizem, ki ga je izumil (iz francoskega supreme - najvišji). Kijevski študent umetniška šola, takrat Moskovska šola za slikarstvo, kiparstvo in arhitekturo, je Malevič šel skozi strast do impresionizma, nato kubizma, v 10. letih sta nanj vplivala futurista Carr in Boccioni. Od leta 1913 je ustvaril lasten sistem abstraktnega slikarstva, javnosti pa je razstavljal sliko Črni kvadrat, preprost črn kvadrat, naslikan na beli podlagi, in ta sistem imenoval "dinamični suprematizem". V svojih teoretskih delih pravi, da v suprematizmu »ne gre za slikarstvo, slikarstvo je že zdavnaj zastarelo in umetnik sam je predsodek preteklosti«. V zgodnjih tridesetih letih prejšnjega stoletja se je vrnil k figurativnemu slikarstvu v realistični tradiciji, poleg tega na sovjetsko tematiko ("Dekle z rdečo zastavo"). "Črni kvadrat" Maleviča se je v zgodovino zapisal kot najvišji izraz ekstremi modernistične umetnosti. Posebno smer v abstrakcionizmu - rajonizem - sta vodila Mihail Larionov in Natalija Goncharova. Po Larionovu so vsi predmeti vidni kot vsota žarkov. Naloga umetnika je iskanje presečišča žarkov, ki se zbirajo na določenih točkah, tj. pisane črte, ki jih predstavljajo na sliki. S prihodom nacistov na oblast so se središča abstrakcionizma preselila v Ameriko. Leta 1937 je bil v New Yorku ustanovljen muzej nepredmetnega slikarstva, ki ga je ustanovila družina milijonarja Guggenheima, leta 1939 - Muzej sodobna umetnost financiral Rockefeller. Med drugo svetovno vojno in nasploh po njenem koncu so se v Ameriki zbrale vse ultraleve sile umetniškega sveta. V povojnem obdobju je bil nov val abstrakcionizma podprt z velikim obsegom oglaševanja, ki ga je organiziral uspeh. Vlagajo v dela abstraktnega slikarstva. Jackson Pollock (1912-1956) velja za "zvezdo" ameriške abstraktne umetnosti povojnega obdobja. Pollock je skoval izraz "dripping" - brizganje barve na platno brez uporabe čopiča. Imenujejo ga tudi abstraktni ekspresionizem v Ameriki, tachisme (iz besede tache - lisa) v Franciji, akcijsko slikarstvo v Angliji, nuklearno slikarstvo (pittura nuklearne) v Italiji. V Franciji je v prvi polovici štiridesetih let na področju abstraktne umetnosti vladalo nekaj zatišja. To je bila posledica krepitve pozicij realistične umetnosti po vojni, po gibanju ljudske fronte in odpora. Od konca 40. let so se abstrakcionisti ponovno združili v "Salon des realites nouvelles" in izdajali posebno revijo "Aujourd" hui art et architecture". Njena teoretika sta Leon Degan in Michel Seyfor. V 50. letih v Franciji je strast kajti abstrakcionizem je zelo razširjen.Ameriškega Pollocka izvaja Georges Mathieu, ki svoje "ustvarjalne seanse" v navzočnosti javnosti spremlja z maskiranimi preoblekami in glasbo ter svoje ogromne stvaritve imenuje precej zapletov (na primer "Bitka pri Bouvinu") , kar pa jih ne naredi manj abstraktnih.Kot je zapisal teoretik abstrakcionizma L. Ventuli, "... se umetnost imenuje abstraktna, ko ne abstrahira od umetnikove osebnosti, ampak od predmetov zunanjega sveta. ..".

2.4 Fovizem
Fovizem - (francosko fauvisme, od fauve - divji), trend v francoskem slikarstvu zgodnjega dvajsetega stoletja. Ironičen vzdevek "les fauves" (divji) so kritiki nadeli skupini slikarjev, ki so leta 1905 nastopali v pariškem "Salonu neodvisnih" (Henri Matisse, Andre Derain, Maurice Vlaminck, Albert Marquet in drugi). Fovizem je vseboval estetski protest proti umetniškim tradicijam devetnajstega stoletja. Za kratek čas (1905-1907) je umetnike različnih osebnosti združila nagnjenost k figurativnim formulam, kolorističnemu kontrastu in ostrim kompozicijskim ritmom, iskanje svežih vzgibov v primitivni umetnosti, srednjeveški in orientalski umetnosti. Modeliranje volumna, rekreacija prostora, zračnost linearna perspektiva Pri fovistih jo odriva neposredna čustvena ekspresivnost intenzivne barvne lise, dekorativne konstrukcije, ki služijo predvsem kot izraz umetnikovih živih čustev.

2.5 Futurizem
Futurizem - (iz latinščine futurum - prihodnost), splošno ime avantgardnih umetniških gibanj 1910-ih - zgodnjih 20-ih v nekaterih evropskih državah(predvsem v Italiji in Rusiji), blizu v oddaljenih izjavah (razglašanje idej ustvarjanja »umetnosti prihodnosti«, zavračanje umetniških tradicij itd.) in izbranih temah. V Italiji so futuristi dojemali prihodnost z vzvišenim optimizmom, absolutizirali zunanje znake tehnične civilizacije kot nove estetske vrednote, ki označujejo model bodoče svetovne ureditve, nov tip množična zavest. V futurizmu obstaja kombinacija zornih kotov in množenje kontur, kot da bi jih povzročilo hitro gibanje, deformacija figur, ostri barvni kontrasti, kaotično vdor v sestavo fragmentov besedil itd. Predstavniki: vodja in teoretik F.T. Marinetti, U. Boccioni, C. Carra in drugi V Rusiji je bil futurizem izraziteje izražen v literaturi (D. D. Burljuk, V. V. Majakovski in drugi) in so ga zaznamovali nihilistični slogani, pridiganje individualističnega upora, estetizacija tehnologije in urbanost kulture, zahteve po demokratizaciji umetnosti.

2.6 Manierizem
Manierizem (italijansko maniera - slog, način), izraz, ki se uporablja v teoriji likovne umetnosti. Postal je priljubljen po zaslugi umetnika in biografa iz 16. stoletja Vasarija, ki ga je označil z visoko mero gracioznosti, uravnoteženosti in prefinjenosti v umetnosti. Vendar pa je od 17. stoletja večina kritikov, ki menijo, da je bila italijanska umetnost 2. polovice 16. stoletja v zatonu v primerjavi z višinami, ki so jih med visoko renesanso (renesanso) dosegli Leonardo da Vinci, Michelangelo in Rafael, izraz "manierizem". " so pripisovali umetnosti, za katero je značilno metaforično bogastvo, nagnjenost k hiperboli in groteski. Posledično so manierizem začeli imenovati slog, ki so ga sprejele šole Italijanska umetnost, predvsem rimsko, v obdobju med obdobji visoke renesanse in baroka (okoli 1520-okoli 1600). O manierizmu je običajno govoriti že od Rafaela dalje, ko je opustil skrajno jasna in uravnotežena izrazna sredstva, značilna za visoko renesanso, in začel delati na bolj prefinjen način. Za manierizem so značilne podolgovate figure, napete poze (kontrapost), nenavadni ali bizarni učinki, povezani z velikostjo, osvetlitvijo ali perspektivo, in svetle barve. V kiparstvu je bil predhodnik manierizma Giambologna, čigar umetnost, ki je imela velik vpliv na njegove sodobnike, združuje nenavadnost poze z izjemno fluidnostjo in eleganco oblik. Med vodilne manieristične skulpture spada Benvenuto Cellini. Manierizem v arhitekturi je tako težko opredeliti kot v slikarstvu in kiparstvu, vendar pogosto implicira zavesten prezir do ustaljenih pravil in klasičnih tradicij. Zunaj Italije se predstavniki šole Fontainebleau v Franciji, nizozemski umetniki 16. stoletja (mnogi med njimi so po obisku v Italiji prevzeli ideje manierizma) in El Greco v Španiji včasih imenujejo manieristi. V literaturi in glasbi se izraz "manierism" uporablja še širše kot v likovni umetnosti in arhitekturi. Torej, "manierist" se imenuje literarna dela, za katere so značilni okrašeni zlogi, zapletena sintaksa ter uporaba bizarnih in fantastičnih podob. Najbolj znan primer je dvodelni roman Eufues (1578-1580) Johna Lilyja, iz katerega je nastal izraz "eufuism", kar pomeni zelo umeten in pretenciozen slog. V glasbi na primer za »manieristično« velja delo italijanskega skladatelja, avtorja madrigalov, Carla Gesualda di Venosa, čigar dela odlikujejo nenavadna harmonija, nenadne spremembe v tempu in živ izraz.

2.7 Renesansa
Renesansa (renesansa), obdobje intelektualnega in umetniškega razcveta, ki se je v Italiji začelo v 14. stoletju, doseglo višek v 16. stoletju in pomembno vplivalo na evropska kultura. Izraz renesansa, ki je pomenil vrnitev k vrednotam antičnega sveta (čeprav se je zanimanje za rimsko klasiko pojavilo že v 12. stoletju), se je pojavil v 15. stoletju in dobil teoretično utemeljitev v 16. stoletju v dela Vasarija, posvečena delu slavnih umetnikov, kiparjev in arhitektov. V tem času se je oblikovala predstava o harmoniji, ki vlada v naravi, in o človeku kot kroni njenega ustvarjanja. Med vidnimi predstavniki te dobe so slikar Alberti; arhitekt, umetnik, znanstvenik, pesnik in matematik Leonardo da Vinci. Arhitekt Brunelleschi je z inovativno uporabo helenistične tradicije ustvaril več zgradb, ki po lepoti niso bile slabše od najboljših starodavnih primerov. Zelo zanimiva so dela Bramanteja, ki so ga sodobniki imeli za najbolj nadarjenega arhitekta visoke renesanse, in Palladia, ki je ustvaril velike arhitekturne ansamble, ki se odlikujejo po celovitosti umetniške zasnove in raznolikosti. kompozicijske rešitve. Gledališke zgradbe in kulise so bile zgrajene na podlagi Vitruvijevega arhitekturnega dela (približno 15 pr. n. št.) v skladu z načeli rimskega gledališča. Dramatiki so sledili strogim klasičnim kanonom. Avditorij je po obliki praviloma spominjal na podkev, pred njim je bila vzpetina s proscenijem, ločena od glavnega prostora z lokom. To je bilo vzeto kot model gledališke stavbe za vse zahodni svet za naslednjih pet stoletij. Renesančni slikarji ustvarili celoto, ki je posedovala notranja enotnost koncept sveta, napolnil tradicionalne verske teme z zemeljsko vsebino (Nicola Pisano, konec 14. st.; Donatello, začetek 15. st.). Realistični prikaz osebe je postal glavni cilj umetniki zgodnje renesanse, o čemer pričajo dela Giotta in Masaccia. Iznajdba načina prenosa perspektive je prispevala k bolj resničnemu prikazu realnosti. Ena glavnih tem renesančnih slik (Gilbert, Michelangelo) je bila tragična nepomirljivost konfliktov, boj in smrt junaka. Okoli leta 1425 so Firence postale središče renesanse (florentinska umetnost), a do začetka 16. stoletja - Visoka renesansa- vodilno mesto so prevzele Benetke (beneška umetnost) in Rim. kulturnih centrov so bili dvori vojvod Mantove, Urbina in Ferrade. Glavni meceni so bili Medičejci in papeži, predvsem Julij II. in Lev X. Največji predstavniki »severne renesanse« so bili Dürer, Cranach starejši, Holbein. severni umetniki večinoma so posnemali najboljše italijanske zglede, le redkim, kot je Jan van Scorel, pa je uspelo ustvariti lasten slog, ki sta ga odlikovali posebna eleganca in gracioznost – maniera. Renesančni umetniki: Alberti, Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo, Rafael.

2.8 Avantgarda
Avantgardizem (fr. avant-gardisme - naprej in stražar) - splošno ime umetniške smeri 20. stoletje, za katerega je značilno iskanje novih, neznanih, pogosto kosovnih oblik in sredstev likovnega prikazovanja, podcenjevanje ali popolno zanikanje tradicije in absolutizacija inovativnosti. Rojen v duhovnem ozračju 20. stoletja z njegovimi grandioznimi kataklizmami, ponazarja ne le nasprotja med različnimi sistemi in tehnikami kompozicije, ampak tudi boj svetovnonazorskih pozicij. Nekateri teoretiki in praktiki avantgarde razglašajo ustvarjanje elitistične umetnosti, ki je tuja družbenim nalogam, medtem ko drugi, nasprotno, iščejo bistveno nove izrazna sredstva prenesti razpoloženje socialnega protesta, revolucionarne vsebine. Izstopal je predvsem ne v dodelanih oblikah, temveč v težnjah po izpodrivanju tradicionalnih tem, zapletov in kompozicijskih principov, hipertrofiji konvencionalnosti, močni (zvočni, barvni, plastični in drugi) izraznosti. Zanj je značilno tudi rušenje objektivno določenih meja med vrstami in žanri (prodor poezije in glasbe v prozo ter »prozaizacija« poezije, prenos principov glasbenega skladanja v literaturo in likovno umetnost). Protislovnost avantgardizma se je pokazala v nagnjenosti nekaterih njegovih smeri k formalizmu (zmaga besednih podob in simbolizma nad vsebino v poeziji in prozi, poudarjanje barve, kompozicijska struktura in brezzapletnost v slikarstvu, atonalnost in kakofoničnost v glasbi), drugi pa, nasprotno, zanikanje estetskega bistva umetnosti in utilitarizem (zlitost umetnosti s produkcijo, vsakdanjikom in politično publicistiko). V svojih skrajnih oblikah se staplja z dekadenco, modernizmom, abstraktno umetnostjo. Zgodnji nadarjeni predstavniki avantgarde. 20. stoletja (futurizem, imagizem, konstruktivizem ipd.), ki so se dosledno držali naprednega svetovnega nazora, zmogli preseči ozke meje teh smeri in kulturo obogatiti z novimi umetniškimi vrednotami.

2.9 Barok
Barok (baročna umetnost), slog evropske umetnosti in arhitekture 17. in 18. stoletja. V različnih časih so v pojem "barok" vlagali različno vsebino. Sprva je imela žaljiv prizvok, namigovala je na absurdnost, absurdnost (morda sega nazaj v portugalsko besedo za grd biser). Trenutno se uporablja v umetnostnozgodovinskih delih za določanje sloga, ki je prevladoval v evropska umetnost med manierizmom in rokokojem, torej od približno leta 1600 do začetka 18. stoletja. Od manierizma baroka je umetnost podedovala dinamičnost in globoko čustvenost, od renesanse pa trdnost in sijaj: značilnosti obeh stilov so se harmonično združile v eno celoto. večina značajske lastnosti Barok - privlačna razkošnost in dinamičnost - je ustrezal samozavesti in samozavesti na novo pridobljene moči rimskega Katoliška cerkev. Zunaj Italije je imel baročni slog najgloblje korenine v katoliških deželah, na primer v Veliki Britaniji pa je bil njegov vpliv zanemarljiv. Pri začetkih tradicije baročne umetnosti v slikarstvu sta velika italijanska umetnika - Caravaggio in Annibale Carracci, ki sta ustvarila največ pomembno delo V zadnje desetletje 16. stoletje - prvo desetletje 17. stoletja. Za Italijansko slikarstvo konec 16. stoletja je značilna nenaravnost in stilna nedoločenost. Caravaggio in Carracci sta ji s svojo umetnostjo povrnila celovitost in izraznost. V italijanski arhitekturi je bil najvidnejši predstavnik baročne umetnosti Carlo Maderna (1556-1629), ki je prekinil z manierizmom in ustvaril svoj slog. Njegova glavna stvaritev je fasada rimske cerkve Svete Suzane (1603). Glavna osebnost v razvoju baročnega kiparstva je bil Lorenzo Bernini, čigar prve mojstrovine, izdelane v novem slogu, segajo okoli leta 1620. Bistvo baroka, impresivno zlitje slikarstva, kiparstva in arhitekture, je kapela Coranaro v cerkvi Santa Maria della Victoria (1645-1652). Berninijeva najvidnejša italijanska sodobnika v tem zrelem baroku sta bila arhitekt Borromini ter slikar in arhitekt Pietro da Cortona. Nekoliko pozneje je deloval Andrea del Pozzo (1642-1709); plafon, ki ga je naslikal v cerkvi Sant'Ignazio v Rimu (Apoteoza sv. Ignacija Lojolskega), je vrhunec baročne težnje k pompozni veličastnosti. V 17. stoletju je bil Rim svetovna umetnostna prestolnica, ki je privabljala umetnike iz vse Evrope, baročna umetnost pa se je kmalu razširila tudi izven »večnega mesta«. V vsaki baročni državi so umetnost napajale lokalne tradicije. V nekaterih državah je postal bolj ekstravaganten, kot na primer v Španiji in Latinski Ameriki, kjer se je razvil slog arhitekturne dekoracije, imenovan churrigueresco; v drugih je bil ublažen, da bi ustrezal bolj konzervativnim okusom. V katoliški Flandriji se je baročna umetnost razcvetela v delu Rubensa, na protestantski Nizozemski pa je imela manj opazen vpliv. Res je, zrela Rembrandtova dela, izjemno živahna in dinamična, so jasno zaznamovana z vplivom baročne umetnosti. V Franciji se je najbolj jasno izrazila v službi monarhije in ne cerkve. Ludvik XIV. je razumel pomen umetnosti kot sredstva za poveličevanje kraljevine. Njegov svetovalec na tem področju je bil Charles Lebrun, ki je vodil slikarje in dekoraterje, ki so delali v Ludvikovi palači v Versaillesu. Versailles je bil s svojo veličastno kombinacijo razkošne arhitekture, kiparstva, slikarstva, dekorativne in krajinske umetnosti eden najbolj impresivnih primerov zlitja umetnosti. Baročna umetnost je prispevala k ustvarjanju gledaliških učinkov, doseženih z osvetlitvijo, lažno perspektivo in spektakularnimi odrskimi dekoracijami. Vendar pa je le malo pripomoglo k zadržanemu britanskemu okusu. V angleški arhitekturi je bil vpliv baroka opazen šele v začetku 18. stoletja v svojevrstnem delu Vanbrugha in Hawksmora. Temu slogu se približujejo nekatera Wrenova kasnejša dela. Privlačnost baročne umetnosti za obseg se čuti v veličastnih projektih katedrale sv. Pavla (1675-1710) in bolnišnice Greenwich (zgodnje 1696). Barok je zamenjal bolj umirjen paladijev. V vseh oblikah umetnosti se je barok združil z bolj lahkotnim rokokojem. Ta združitev je bila zelo plodna v srednji Evropi, zlasti v Dresdnu, na Dunaju in v Pragi.

Slikarstvo odlikuje raznolikost žanrov in vrst. Vsak žanr je omejen s svojo paleto tem: podoba osebe (portret), svet okoli (krajina) itd.
Sorte (vrste) barvanja se razlikujejo po namenu.

V zvezi s tem obstaja več vrst slikanja, o katerih bomo danes govorili.

štafelajno slikarstvo

najbolj priljubljen in znane vrste slikarstvo - štafelajno slikarstvo. Tako se imenuje iz razloga, ker se izvaja na stroju - stojalo. Osnova je les, karton, papir, najpogosteje pa platno, napeto na nosilih. Štafelajna slika je samostojno delo, izdelano v določenem žanru. Ima bogastvo barv.

Oljne barve

Najpogosteje se slikarstvo izvaja z oljnimi barvami. Oljne barve lahko uporabljamo na platnu, lesu, kartonu, papirju, kovini.

Oljne barve
Oljne barve so suspenzije anorganskih pigmentov in polnil v sušilnih rastlinskih oljih ali sušilnih oljih ali na osnovi alkidnih smol, včasih z dodatkom pomožnih snovi. Uporabljajo se pri pleskanju ali za barvanje lesenih, kovinskih in drugih površin.

V. Perov "Portret Dostojevskega" (1872). Platno, olje
Toda slikovito sliko lahko ustvarite tudi s pomočjo tempere, gvaša, pastelov, akvarelov.

Akvarel

Akvarelne barve

Akvarel (francosko Aquarelle - voden; italijansko acquarello) je slikarska tehnika s posebnimi akvarelnimi barvami. Ko se raztopijo v vodi, tvorijo prozorno suspenzijo finega pigmenta, zaradi česar se ustvari učinek lahkotnosti, zračnosti in subtilnih barvnih prehodov.

J. Turner "Jezero Fierwaldstadt" (1802). Akvarel. Tate Britain (London)

Gvaš

Gvaš (francosko Gouache, italijansko vodna barva guazzo, brizganje) je vrsta lepilnih vodotopnih barv, bolj gostih in matiranih kot akvarel.

gvaš barve
Gvaš barve so narejene iz pigmentov in lepila z dodatkom bele barve. Dodatek beline daje gvašu mat žametnost, ko pa se posuši, se barve nekoliko pobelijo (osvetlijo), kar mora umetnik upoštevati pri risanju. S pomočjo gvaš barv lahko prekrijete temne tone s svetlimi.

Vincent van Gogh "Hodnik v Asulumu" (črna kreda in gvaš na roza papirju)

pastel [e]

Pastel (iz lat. pasta - testo) - umetniški materiali uporabljajo v grafiki in slikarstvu. Najpogosteje se proizvajajo v obliki barvic ali svinčnikov brez okvirja, ki imajo obliko palic z okroglim ali kvadratnim delom. Obstajajo tri vrste pastelov: suhi, oljni in voščeni.

I. Levitan "Rečna dolina" (pastel)

Tempera

Tempera (italijansko tempera, iz latinščine temperare - mešati barve) - barve na vodni osnovi, pripravljene na osnovi suhih praškastih pigmentov. Vezivo tempera barv je z vodo razredčen rumenjak kokošjega jajca ali celo jajce.
Tempera barve so ene najstarejših. Pred izumom in distribucijo oljnih barv do XV-XVII. tempera barve so bile glavni material štafelajno slikarstvo. Uporabljajo se že več kot 3000 let. Znamenite poslikave sarkofagov staroegipčanskih faraonov so narejene s tempera barvami. Tempera je bila predvsem štafelajno slikarstvo bizantinskih mojstrov. V Rusiji je tehnika pisanja s tempero prevladovala do konca 17. stoletja.

R. Streltsov "Marjetice in vijolice" (tempera)

Enkavstična

Enkavstika (iz grščine ἐγκαυστική - umetnost izgorevanja) je slikarska tehnika, pri kateri je vosek vezivo barv. Slikanje se izvaja s stopljenimi barvami. V tej tehniki je bilo naslikanih veliko zgodnjekrščanskih ikon. Izvira iz stare Grčije.

"Angel". Enkavstična tehnika

Opozarjamo vas na dejstvo, da lahko najdete tudi drugo klasifikacijo, po kateri akvarel, gvaš in druge tehnike z uporabo papirja in barv na vodni osnovi uvrščamo med grafike. Združujejo značilnosti slikarstva (bogastvo tona, gradnja oblike in prostora z barvo) in grafike (aktivna vloga papirja pri gradnji podobe, odsotnost specifične reliefne poteze, značilne za slikovno površino).

monumentalno slikarstvo

Monumentalno slikarstvo - slikanje na arhitekturne strukture ali drugih razlogov. To je najstarejša vrsta poslikave, znana že od paleolitika. Zaradi stacionarnosti in trajnosti so številni primerki ostali iz skoraj vseh kultur, ki so ustvarjale razvito arhitekturo. Glavne tehnike monumentalnega slikarstva so freska in secco, mozaik, vitraž.

Freska

Freska (iz italijanskega fresco - sveže) - slikanje na mokri omet z barvami na vodni osnovi, ena od tehnik stenskega slikanja. Ko se apno v ometu posuši, tvori tanek prozoren kalcijev film, zaradi katerega je freska obstojna.
Freska ima prijetno mat površino in je obstojna v notranjih pogojih.

Samostan Gelati (Gruzija). Cerkev Svete Matere Božje. Freska na zgornji in južni strani Slavoloka zmage

A secco

In secco (iz italijanščine a secco - suho) - Stenska umetnost, izvedeno, za razliko od freske, na trdem, posušenem ometu, ponovno navlaženem. Uporabljajo se barve, zmlete na rastlinskem lepilu, jajcu ali zmešane z apnom. Secco omogoča poslikavo večje površine v delovnem dnevu kot slikanje s freskami, vendar ni tako obstojna tehnika.
Tehnika asecco se je razvila v srednjeveškem slikarstvu skupaj s fresko in je bila še posebej razširjena v Evropi v 17.–18.

Leonardo da Vinci Zadnja večerja (1498). Tehnika secco

Mozaik

Mozaik (fr. mosaïque, ital. mosaico iz lat. (opus) musivum - (delo, posvečeno muzam) - dekorativna, uporabna in monumentalna umetnost različnih žanrov. Podobe v mozaiku nastanejo z razporejanjem, nameščanjem in pritrjevanjem raznobarvnih kamenčkov, smalte, keramičnih ploščic in drugih materialov na površino.

Mozaična plošča "Mačka"

vitraž

Vitraž (fr. vitre - okensko steklo, iz lat. vitrum - steklo) - delo barvnega stekla. V cerkvah se že dolgo uporablja vitraž. V renesansi je vitraž obstajal kot slikanje na steklu.

Vitraž palače kulture "Mezhsoyuzny" (Murmansk)
Diorama in panorama spadata tudi med sorte slikarstva.

Diorama

Stavba diorame "Napad na Sapunske gore 7. maja 1944" v Sevastopolu
Diorama je trakasta, polkrožno ukrivljena slika s predmetnim načrtom v ospredju. Ustvarjena je iluzija prisotnosti gledalca v naravnem prostoru, ki je dosežena s sintezo likovnih in tehničnih sredstev.
Diorame so zasnovane za umetno razsvetljavo in se nahajajo predvsem v posebnih paviljonih. Večina dioram je posvečena zgodovinskim bitkam.
Najbolj znane diorame so: "Napad na gore Sapun" (Sevastopol), "Obramba Sevastopola" (Sevastopol), "Boji za Ržev" (Ržev), "Preboj obleganja Leningrada" (Peterburg), "Nevihta Berlin" (Moskva) itd.

Panorama

V slikarstvu je panorama slika s krožnim pogledom, v kateri je plosko slikovno ozadje združeno s tridimenzionalnim predmetnim ospredjem. Panorama ustvarja iluzijo resničnega prostora, ki obdaja gledalca v celotnem krogu obzorja. Panorame se uporabljajo predvsem za prikaz dogodkov, ki zajemajo veliko območje in veliko število udeležencev.

Muzej-panorama "Bitka pri Borodinu" (muzejska stavba)
V Rusiji so najbolj znane panorame Muzej panorame bitke pri Borodinu, bitka pri Voločajevu, poraz nacističnih čet pri Stalingradu v muzeju panorame bitke pri Stalingradu, obramba Sevastopola in panorama transsibirske železnice.

Franc Rubo. Panorama na platnu "Bitka pri Borodinu"

Gledališko in dekorativno slikarstvo

Scenografija, kostumi, šminka, rekviziti pomagajo globlje razkriti vsebino predstave (filma). Scenografija daje predstavo o kraju in času dogajanja, aktivira gledalčevo dojemanje dogajanja na odru. gledališki umetnik si prizadeva v skicah kostumov in ličil ostro izraziti individualni značaj likov, njihov socialni status, stil obdobja in še veliko več.
V Rusiji razcvet gledališke in dekorativne umetnosti pade na prelom 19. in 20. stoletja. V tem času so v gledališču začeli delati izjemni umetniki M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel "City Lollipop". Skica kulise za opero N.A. Rimsky-Korsakov "Zgodba o carju Saltanu" za rusko zasebno opero v Moskvi. (1900)

Miniaturno

Miniatura je slikovno delo malih oblik. Posebej priljubljena je bila portretna miniatura - portret majhnega formata (od 1,5 do 20 cm), za katerega je značilna posebna subtilnost pisanja, svojevrstna tehnika izvedbe in uporaba sredstev, ki so lastna samo tej slikovni obliki.
Vrste in formati miniatur so zelo raznoliki: slikali so jih na pergament, papir, karton, slonovino, kovino in porcelan, z akvarelom, gvašem, posebnimi umetniškimi emajli oz. oljne barve. Avtor lahko podobo po lastni odločitvi ali na željo naročnika vpiše v krog, oval, romb, osmerokotnik itd. Klasična portretna miniatura je miniatura, izdelana na tanki slonokoščeni plošči.

Cesar Nikolaj I. Fragment miniature G. Morsellija
Obstaja več miniaturnih tehnik.

Miniaturni lak (Fedoskino)

Miniatura s portretom princese Zinaide Nikolajevne (Jusupovi dragulji)

Slikarstvo je morda najstarejša oblika umetnosti. Že v primitivni dobi so naši predniki na stene jam izdelovali podobe ljudi in živali. To so prvi primeri slikarstva. Od takrat te vrste umetnost je vedno ostala sopotnica človekovega življenja. Današnji primeri slikarstva so številni in raznoliki. Poskušali bomo čim bolj zajeti to vrsto umetnosti, govoriti o glavnih žanrih, stilih, smereh in tehnikah v njej.

slikarske tehnike

Najprej razmislite o osnovnih tehnikah slikanja. Eden najpogostejših je olje. To je tehnika, pri kateri se uporabljajo barve na oljni osnovi. Te barve se nanašajo v potezah. Lahko ustvarijo raznolikost različni odtenki, pa tudi prenesite potrebne slike z največjim realizmom.

Tempera je še ena priljubljena tehnika. O njej pod vprašajem pri uporabi emulzijskih barv. Vezivo v teh barvah je jajce ali voda.

Gvaš- tehnika, ki se pogosto uporablja v grafiki. Gvaš barva je narejena na lepilni osnovi. Uporablja se lahko za delo na kartonu, papirju, kosti ali svili. Slika je obstojna, linije pa jasne. Pastel- To je tehnika risanja s suhimi svinčniki, površina pa mora biti hrapava. In seveda je vredno omeniti akvarele. Ta barva se običajno razredči z vodo. S to tehniko dobimo mehko in tanko plast barve. Posebej priljubljene Seveda smo našteli le glavne tehnike, ki se najpogosteje uporabljajo pri slikanju. So še drugi.

Na kaj so običajno naslikane slike? Najbolj priljubljena slika na platnu. Raztegnjen je na okvir ali prilepljen na karton. Upoštevajte, da so se v preteklosti lesene plošče uporabljale precej pogosto. Danes ni priljubljeno samo slikanje na platnu, ampak se lahko uporabijo tudi kateri koli drugi ravni materiali za ustvarjanje podobe.

Vrste slikanja

Obstajata dve glavni vrsti: stojalo in monumentalno slikarstvo. Slednje je povezano z arhitekturo. Ta vrsta vključuje poslikave na stropih in stenah stavb, ki jih okrasijo s podobami iz mozaika ali drugih materialov, vitražnimi okni itd. Štafelajno slikarstvo ni povezano z določeno zgradbo. Lahko se premika iz kraja v kraj. V štafelajnem slikarstvu obstaja veliko sort (sicer se imenujejo žanri). O njih se podrobneje pogovorimo.

Zvrsti slikarstva

Beseda "žanr" je francoskega izvora. Prevaja se kot "rod", "vrsta". To pomeni, da pod imenom žanra obstaja nekakšna vsebina in z izgovorjavo njenega imena razumemo, o čem govori slika, kaj bomo v njej našli: osebo, naravo, žival, predmete itd.

Portret

Najstarejši žanr slikarstva je portret. To je podoba osebe, ki je podobna samo sebi in nikomur drugemu. Z drugimi besedami, portret je slika v slikarstvu posameznega videza, saj ima vsak od nas svoj obraz. Ta žanr slikarstva ima svoje sorte. Portret je lahko celopostaven, do prsnega koša ali pa je naslikana samo ena oseba. Upoštevajte, da ni vsaka podoba osebe portret, saj lahko umetnik ustvari na primer "osebo na splošno", ne da bi jo od koga odpisal. Ko pa upodablja določenega predstavnika človeške rase, dela portret. Ni treba posebej poudarjati, da obstaja veliko primerov slikarstva v tem žanru. Toda spodnji portret pozna skoraj vsak prebivalec naše države. Govorimo o podobi A. S. Puškina, ki jo je leta 1827 ustvaril Kiprenski.

Temu žanru lahko dodamo tudi avtoportret. V tem primeru umetnik upodablja samega sebe. obstaja spremljevalni portret ko so na sliki ljudje v paru; in skupinski portret, ko je upodobljena skupina ljudi. Opaziti je mogoče tudi slavnostni portret, katerega različica je konjeniška, ena najbolj slovesnih. V preteklosti je bil zelo priljubljen, zdaj pa so takšna dela redka. Vendar pa je naslednji žanr, o katerem bomo govorili, kadar koli pomemben. Za kaj se gre? To lahko uganemo z razvrščanjem žanrov, ki jih še nismo poimenovali in označujejo slikarstvo. Tihožitje je eno izmed njih. O njem bomo zdaj govorili in še naprej razmišljali o slikarstvu.

Mirno zivljenje

Ta beseda ima tudi Francosko poreklo, pomeni "mrtva narava", čeprav bi bil pomen natančnejši "neživa narava". Tihožitje - podoba neživih predmetov. So zelo raznoliki. Upoštevajte, da lahko tihožitja prikazujejo tudi "živo naravo": metulji, ki so se umirili na cvetnih listih, čudovite rože, ptice, včasih pa je med darovi narave mogoče videti človeka. Še vedno pa bo tihožitje, saj podoba živega v tem primeru za umetnika ni najpomembnejša.

Pokrajina

Pokrajina je še ena francoska beseda, ki v prevodu pomeni "pogled na deželo". Je analogen nemškemu konceptu "krajine". Krajina je prikaz narave v njeni raznolikosti. Temu žanru se pridružujejo naslednje sorte: arhitekturna krajina in zelo priljubljena morska pejsaža, ki jo pogosto imenujemo z eno besedo "marina", umetnike, ki delajo v njej, pa imenujemo marinisti. Številne primere slikarstva v žanru morske krajine najdemo v delu I. K. Aivazovskega. Eden od njih je "Mavrica" ​​iz leta 1873.

Ta slika je naslikana v olju in jo je težko izvesti. Toda ustvariti akvarelne pokrajine ni težko, zato je v šoli, na pouku risanja, to nalogo dobil vsak od nas.

Živalski žanr

Naslednji žanr je živalski. Tukaj je vse preprosto - to je podoba ptic in živali v naravi, v naravnem okolju.

gospodinjski žanr

Gospodinjski žanr je prikazovanje prizorov iz življenja, vsakdanjega življenja, smešnih "zgod", domačega življenja in zgodb. navadni ljudje V običajno okolje. In lahko storite brez zgodb - samo zajemite vsakdanje dejavnosti in zadeve. Takšne slike se včasih imenujejo žanrsko slikarstvo. Kot primer upoštevajte zgornje delo Van Gogha (1885).

zgodovinski žanr

Tematika slikarstva je raznolika, ločeno pa izstopa zgodovinski žanr. To je podoba zgodovinskih junakov in dogodkov. Pridružuje se bojni žanr, predstavlja epizode vojne, bitke.

Verski in mitološki žanr

V mitološkem žanru so slike napisane na teme starodavnih in starodavnih legend o bogovih in junakih. Opozoriti je treba, da je podoba posvetne narave in se v tem razlikuje od podob božanstev, predstavljenih na ikoni. Mimogrede, versko slikarstvo niso le ikone. Ona združuje razna dela napisano na verske teme.

Spopad žanrov

Vsebinsko bogatejši kot je žanr, več se pojavlja njegovih »sopotnikov«. Žanri se lahko združijo, zato obstaja slika, ki je sploh ni mogoče postaviti v okvir nobenega od njih. V umetnosti obstaja tako splošno (tehnike, žanri, slogi) kot posamezno (določeno delo ločeno). Ločena slika ima nekaj skupnega. Zato ima lahko veliko umetnikov en žanr, vendar slike, ki so v njem naslikane, niso nikoli enake. Takšne lastnosti ima kultura slikanja.

Slog

Slog v je vidik vizualnega dojemanja slik. Lahko združuje delo enega umetnika ali delo umetnikov določenega obdobja, smeri, šole, področja.

Akademsko slikarstvo in realizem

Akademsko slikarstvo je posebna smer, katere nastanek je povezan z delovanjem umetnostnih akademij v Evropi. Pojavil se je v 16. stoletju na bolonjski akademiji, katere domačini so skušali posnemati mojstre renesanse. Od 16. stoletja naprej so metode poučevanja slikanja začele temeljiti na strogem upoštevanju pravil in norm po formalnih vzorcih. umetnost v Parizu veljala za eno najvplivnejših v Evropi. Spodbujala je estetiko klasicizma, ki je prevladoval v Franciji v 17. stoletju. Pariška akademija? prispeval k sistematizaciji izobraževanja, postopoma spremenil pravila klasične smeri v dogmo. Tako je akademsko slikarstvo postalo posebna smer. V 19. stoletju je bila ena najvidnejših manifestacij akademizma delo J. L. Geroma, Alexandra Cabannela, J. Ingresa. Klasične kanone so šele na prehodu iz 19. v 20. stoletje zamenjali realistični. Realizem je v začetku 20. stoletja postal osnovna metoda poučevanja na akademijah in se spremenil v dogmatični sistem.

Barok

Barok je slog in doba umetnosti, za katero so značilni aristokratičnost, kontrast, dinamičnost podob, preprosti detajli pri prikazovanju obilja, napetost, drama, razkošje, zlitje realnosti in iluzije. Ta slog se je pojavil v Italiji leta 1600 in se razširil po vsej Evropi. Caravaggio in Rubens sta njena najvidnejša predstavnika. Barok pogosto primerjajo z ekspresionizmom, vendar za razliko od slednjega nima preveč odbijajočih učinkov. Za slike tega sloga je danes značilna zapletenost linij in obilo okraskov.

kubizem

Kubizem je avantgardno umetniško gibanje, ki izvira iz 20. stoletja. Njegov ustvarjalec je Pablo Picasso. Kubizem je naredil pravo revolucijo v kiparstvu in slikarstvu Evrope, ki je navdihnila ustvarjanje podobnih smeri v arhitekturi, literaturi in glasbi. Za umetniško slikanje v tem slogu so značilni rekombinirani, zlomljeni predmeti, ki imajo abstraktno obliko. Pri njihovem upodabljanju se uporablja veliko zornih kotov.

Ekspresionizem

Ekspresionizem je še en pomemben trend v sodobni umetnosti, ki se je v Nemčiji pojavil v prvi polovici 20. stoletja. Sprva je zajemal le poezijo in slikarstvo, nato pa se je razširil še na druga področja umetnosti.

Ekspresionisti svet prikazujejo subjektivno, izkrivljajo realnost, da bi ustvarili večji čustveni učinek. Njihov cilj je spodbuditi gledalca k razmišljanju. Ekspresija v ekspresionizmu prevladuje nad sliko. Opaziti je mogoče, da so za mnoga dela značilni motivi muke, bolečine, trpljenja, kričanja (zgoraj predstavljeno delo Edvarda Muncha se imenuje "Krik"). Ekspresionističnih umetnikov sploh ne zanima materialna realnost, njihove slike so napolnjene z globokim pomenom in čustvenimi izkušnjami.

Impresionizem

Impresionizem - smer slikarstva, namenjena predvsem delu na prostem (na prostem) in ne v studiu. Svoje ime dolguje sliki "Vtis, sončni vzhod" Clauda Moneta, ki je prikazana na spodnji fotografiji.

Beseda "vtis" v angleščini je vtis. Impresionistične slike izražajo predvsem svetlobni občutek umetnika. Glavne značilnosti slikanja v tem slogu so naslednje: komaj vidne, tanke poteze; sprememba osvetlitve, natančno posredovana (pozornost je pogosto usmerjena na učinek poteka časa); odprta sestava; preprost skupni cilj; gibanje kot ključni element človekovega doživljanja in zaznavanja. Najvidnejši predstavniki takšne smeri, kot je impresionizem, so Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernizem

Naslednja smer je modernizem, ki je nastal kot skupek trendov na različnih področjih umetnosti v poznem 19. in začetku 20. stoletja. Pariški salon zavrnjenih je bil odprt leta 1863. Tu so bili razstavljeni umetniki, katerih slike niso smele vstopiti v uradni salon. Ta datum se lahko šteje za datum nastanka modernizma kot ločene smeri v umetnosti. Sicer pa modernizem včasih imenujejo tudi »druga umetnost«. Njegov cilj je ustvariti edinstvene slike, ki niso podobne drugim. Glavna značilnost dela - posebna avtorjeva vizija sveta.

Umetniki so se v svojem delu uprli vrednotam realizma. Samozavedanje je presenetljiva značilnost te smeri. To pogosto vodi do eksperimentiranja z obliko in nagnjenja k abstrakciji. Predstavniki moderne posvečajo posebno pozornost uporabljenim materialom in procesu dela. Eden njegovih najvidnejših predstavnikov sta Henry Matisse (zgoraj je predstavljeno njegovo delo "Rdeča soba" iz leta 1908) in Pablo Picasso.

Neoklasicizem

Neoklasicizem je glavna smer slikarstva v severni Evropi od sredine 18. stoletja do konca 19. stoletja. Zanj je značilna vrnitev v značilnosti starodavne renesanse in celo časov klasicizma. V arhitekturnem, umetnostnem in kulturnem smislu se je neoklasicizem pojavil kot odgovor na rokoko, ki je veljal za plitek in umetniški stil umetnosti. Neoklasični umetniki so zaradi dobrega poznavanja cerkvenih zakonov poskušali v svoje delo uvesti kanone. Izognili pa so se zgolj reprodukciji klasičnih motivov in tem. Neoklasicistični umetniki so poskušali svoje slikarstvo umestiti v okvir tradicije in tako dokazati obvladovanje žanra. Neoklasicizem je v tem pogledu neposredno v nasprotju z modernizmom, kjer sta improvizacija in samoizražanje vrlini. Njeni najbolj znani predstavniki so Nicolas Poussin, Raphael.

POP umetnost

Zadnja smer, ki jo bomo upoštevali, je pop art. V Veliki Britaniji se je pojavil sredi 50. let prejšnjega stoletja, v poznih 50. letih pa v Ameriki. Pop art naj bi nastal kot reakcija na ideje abstraktnega ekspresionizma, ki je prevladoval v tistem času. Ko govorimo o tej smeri, je nemogoče ne omeniti. Leta 2009 je bila ena od njegovih slik "Osem Elvisa" prodana za 100 milijonov dolarjev.