Sculpteurs exceptionnels de la Grèce antique. Le problème du mouvement et des modèles de composition « Maenad Works by Skopas »

Interview de Skopas Shalom Leibovich - Grigory Koifman Je suis né en juillet 1925 dans la ville de Panevezys en Lituanie. Il y avait quatre frères dans notre famille. Mon père est parti travailler en Amérique en 1928 et n'est pas retourné en Lituanie. Notre famille a loué une chambre et demie ; pendant toute mon enfance nous avons été pauvres et

Skopas Shalom Leibovich (Entretien avec G. Koifman)

Skopas Shalom Leibovich (Entretien avec G. Koyfman), commandant adjoint de peloton de la 18e compagnie de reconnaissance distincte de la 16e division de fusiliers lituaniens Le 12 janvier 1945, quelques jours avant le transfert de la division de Courlande à Klaipeda, j'ai reçu l'ordre de immédiatement prends un nouveau

(vers 395 avant JC - 350 avant JC)

Skopas peut à juste titre être considéré comme l'un des plus grands sculpteurs de la Grèce antique. La direction qu'il a créée dans les arts plastiques anciens a longtemps survécu à l'artiste et a eu une énorme influence non seulement sur ses contemporains, mais aussi sur les maîtres des générations suivantes.

On sait que Skopas était originaire de l'île de Paros dans la mer Égée, une île célèbre pour son marbre remarquable, et qu'elle était active entre 370 et 330 avant JC. Son père, Aristandros, était un sculpteur dans l’atelier duquel, apparemment, le talent de Skopas s’est formé.

L'artiste a exécuté des commandes de différentes villes. Il y avait deux œuvres de Skopas en Attique. L'une, représentant les déesses vengeresses Érinyès, se trouvait à Athènes, l'autre, Apollon-Phoebus, dans la ville de Ramnunt. Deux œuvres de Skopas décoraient la ville de Thèbes en Béotie.

L'une des œuvres les plus intenses en émotions de Skopas est un groupe de trois personnages représentant Eros, Potos et Himeros, c'est-à-dire l'amour, la passion et le désir. Le groupe se trouvait dans le temple de la déesse de l'amour Aphrodite à Mégaris, un État situé au sud de la Béotie.

Les images d'Éros, d'Himéros et de Pothos, selon Pausanias, sont aussi différentes les unes des autres que les sentiments qu'elles personnifient diffèrent réellement.

"La construction compositionnelle de la statue de Pothos est beaucoup plus complexe que celle des œuvres antérieures de Skopas", écrit A. G. Chubova. - Le rythme d'un mouvement fluide et doux passe par les bras étendus d'un côté, une tête relevée et un corps fortement incliné. Pour transmettre l’émotion de la passion, Skopas ne recourt pas ici à des expressions faciales fortes. Le visage de Pothos est pensif et concentré, son regard mélancolique et langoureux est dirigé vers le haut. Tout autour de lui semble ne pas exister pour le jeune homme. Comme toute sculpture grecque, la statue de Pothos était peinte et la couleur jouait rôle important dans le concept artistique global. Le manteau suspendu au bras gauche du jeune homme était bleu vif ou rouge, ce qui mettait bien en valeur la blancheur du corps nu, laissé dans la couleur du marbre. se détachait clairement du fond du manteau oiseau blanc avec des ailes légèrement teintées gris. Les cheveux, les sourcils, les yeux, les joues et les lèvres de Pothos étaient également peints.

Il est probable que la statue de Pothos, comme la statue d'Himéros, se trouvait sur un piédestal bas, et la statue d'Éros sur un piédestal plus haut. Ceci explique la rotation de la silhouette de Pothos et la direction de son regard. La tâche posée par Skopas dans cette œuvre était nouvelle et originale pour les arts plastiques de l'époque. Ayant incarné dans les statues d'Eros, Pothos et Himeros les nuances de grands sentiments humains, il a révélé à l’art plastique les possibilités de transmettre d’autres émotions diverses.

Travaillant dans le temple de la ville de Tegea, dans le Péloponnèse, Skopas est devenu célèbre non seulement en tant que sculpteur, mais également en tant qu'architecte et constructeur.

Temple antiqueà Tégée incendiée en 395 av. Pausanias dit que « le temple actuel, dans sa majesté et sa beauté, surpasse tous les temples du Péloponnèse... Son architecte était Parian Scopas, le même qui a construit de nombreuses statues en Hellas antique, Ionie et Carie."

Sur le fronton oriental du temple d'Athéna Alea à Tégée, le maître présenta la chasse au sanglier calydonien.

« Sur le fronton occidental, une scène d'un mythe a été montrée », écrit G.I. Sokolov, « également loin de la participation des divinités olympiques suprêmes populaires au Ve siècle, mais avec une collision complexe et une issue dramatique. Les Grecs n'ont pas reconnu le fils d'Hercule Telephus, qui est entré en guerre contre Troie, et une bataille a commencé, qui s'est soldée par la mort de plusieurs de ses participants. Non seulement les sujets choisis pour ces frontons sont tragiques, mais aussi les images elles-mêmes.

Le maître montre la tête d'un des blessés légèrement rejetée en arrière, comme souffrant d'une douleur atroce. Les lignes fortement incurvées des sourcils, de la bouche et du nez traduisent l'excitation et la tension colossale des sentiments. Les coins intérieurs des orbites, profondément creusés dans l’épaisseur du marbre, rehaussent les contrastes d’ombre et de lumière et créent de puissants effets dramatiques. Le relief du visage avec les muscles gonflés des arcades sourcilières, les coins de la bouche gonflés, inégal, bosselé, déformé par une souffrance cachée.

La plus significative des créations de Skopas en plastique rond peut être considérée comme la statue d’une Bacchante (Ménade) avec un chevreau.

Seule une excellente copie de la statue a survécu, conservée au musée de Dresde. Mais l'écrivain Callistrate du IVe siècle a laissé une description détaillée de la statue :

« Scopas a créé une statue des Bacchantes en marbre de Paros, elle pourrait paraître vivante... On a pu voir comment cette pierre, dure par nature, imitant la tendresse féminine, devenait elle-même comme légère et nous transmet image féminine... Privé par nature de la capacité de bouger, il apprit sous les mains de l'artiste ce que signifie se précipiter dans une danse bacchanale... L'extase insensée s'exprimait si clairement sur le visage de la Bacchante, bien que la manifestation de l'extase n'est pas caractéristique de la pierre ; et tout ce qui recouvre l'âme, piqué par l'aiguillon de la folie, tous ces signes de souffrance mentale sévère ont été clairement présentés ici par le don créatif de l'artiste dans une combinaison mystérieuse. Les cheveux semblaient livrés à la volonté de Zéphyr, pour qu'il puisse jouer avec eux, et la pierre semblait se transformer en de petites mèches de cheveux luxuriants...

Le même matériau a servi à l'artiste pour représenter la vie et la mort ; Il nous a présenté la Bacchante vivante, alors qu'elle lutte pour Kiferon, et cette chèvre est déjà morte...

Ainsi, Skopas, créant des images même de ces créatures sans vie, était un artiste plein de véracité ; dans ses corps, il était capable d'exprimer le miracle des sentiments spirituels..."

De nombreux poètes ont écrit des poèmes sur cette œuvre. Voici l'un d'entre eux:

Pierre bacchanale parienne,

Mais le sculpteur a donné une âme à la pierre.

Et, ivre comme elle l'était, elle se leva d'un bond et se mit à danser.

Ayant créé ce fiad dans une frénésie avec une chèvre tuée

Avec un ciseau idolâtre, tu as accompli un miracle, Skopas.

Les célèbres créations de Skopas se trouvaient également en Asie Mineure, où il travailla dans les années cinquante du IVe siècle avant JC, il décora notamment le temple d'Artémis à Éphèse.

Et surtout, avec d'autres sculpteurs, Skopas a participé à la conception du mausolée d'Halicarnasse, achevé en 352 et décoré avec une splendeur véritablement orientale. Il y avait des statues de dieux, Mausole, son épouse, des ancêtres, des statues de cavaliers, des lions et trois frises en relief. L'une des frises représentait une course de chars, une autre représentait un combat entre les Grecs et des centaures (fantastiques mi-humains, mi-chevaux) et la troisième représentait une Amazonomachie, c'est-à-dire une bataille entre les Grecs et les Amazones. Des deux premiers reliefs, seuls de petits fragments ont survécu, du troisième, dix-sept dalles.

La frise avec l'Amazonomachie, d'une hauteur totale de 0,9 mètre, avec des chiffres égaux à environ un tiers de la taille humaine, entourait toute la structure, et si l'on ne peut pas dire avec précision dans quelle partie elle était placée, il est encore possible de déterminer sa longueur, approximativement égale à 150-160 mètres. Il contenait probablement plus de 400 figures.

La légende des Amazones - une tribu mythique de guerrières - était l'un des sujets favoris art grec. Selon la légende, ils vivaient en Asie Mineure sur le fleuve Thermodon et, entreprenant de longues campagnes militaires, atteignirent même Athènes. Ils se sont battus avec beaucoup héros grecs et se distinguaient par leur courage et leur dextérité. L'une de ces batailles est représentée sur la frise Halicarnassienne. La bataille bat son plein et il est difficile de dire qui sera le vainqueur. L'action se déroule à un rythme rapide. Les Amazones et les Grecs à pied et à cheval attaquent farouchement et se défendent vaillamment. Les visages des combattants sont capturés par le pathétique du combat.

Une caractéristique de la structure compositionnelle de la frise était le placement libre des personnages sur un fond autrefois peint en bleu vif. Une comparaison des dalles survivantes montre la conception artistique générale et la structure de composition générale de la frise. Il est très possible que la composition appartienne à un seul artiste, mais il est peu probable que l'auteur lui-même ait composé toutes les figures et tous les groupes. Il pouvait esquisser la disposition générale des figures, donner leurs dimensions, concevoir la nature générale de l'action et laisser à d'autres maîtres le soin de terminer le relief en détail.

Sur les dalles de cette frise la mieux conservée, on distingue clairement « l'écriture » des quatre maîtres. Trois dalles avec dix figures de Grecs et d'Amazones, trouvées sur le côté oriental des ruines, se distinguent par leur valeur artistique exceptionnelle ; ils sont attribués à Skopas. Sur les dalles, considérées comme l'œuvre de Léochares et Timofey, la rapidité du mouvement est soulignée non seulement par les poses des combattants, mais également par les manteaux et les chitons fluides. Skopas, au contraire, représente les Amazones uniquement dans des vêtements courts et ajustés, et les Grecs complètement nus, et parvient à exprimer la force et la rapidité du mouvement principalement à travers des tournures de figures et des expressions de gestes audacieuses et complexes.

L’une des techniques de composition préférées de Skopas était la technique de collision de mouvements dirigés de manière opposée. Ainsi, un jeune guerrier, tombé à genoux, maintient son équilibre en touchant le sol de la main droite et esquive le coup de l'Amazone, se défend en tendant le bras vers l'avant. main gauche avec un bouclier. L'Amazone s'éloigna du guerrier et en même temps lui lança sa hache. Le chiton d'Amazonie s'adapte parfaitement au corps, en soulignant bien la forme ; les lignes de pliage soulignent le mouvement de la figure.

L'emplacement de la figure d'Amazon sur la dalle suivante est encore plus compliqué. Le jeune guerrier, se retirant du Grec barbu qui attaque rapidement, parvient toujours à le frapper d'un coup énergique. Le sculpteur était bien capable de transmettre les mouvements adroits de l'Amazonie, esquivant rapidement une attaque et passant immédiatement à l'attaque. La pose et les proportions de la figure, les vêtements qui s'ouvraient de manière à laisser apparaître la moitié du corps de l'Amazone - tout ressemble beaucoup à la célèbre statue des Bacchantes. Skopas a utilisé avec audace la technique des mouvements contrastés dans la figure de l'Amazonie équestre. Une cavalière habile laissait galoper son cheval bien entraîné, lui tournait le dos et tirait sur ses ennemis avec un arc. Son chiton court s'ouvrit, révélant des muscles puissants.

Dans les compositions de Skopas, l'impression de l'intensité de la lutte, du rythme rapide de la bataille, de la vitesse fulgurante des coups et des attaques est obtenue non seulement par les différents rythmes de mouvement, le placement libre des personnages dans l'avion, mais aussi par modelage plastique et exécution magistrale des vêtements. Chaque figure de la composition de Skopas est clairement « lisible ». Malgré le faible relief, la profondeur de l'espace se fait sentir partout. Skopas a probablement également travaillé sur la scène des courses de chars. Un fragment d'une frise avec la figure d'un conducteur de char a survécu. Un visage expressif, une courbe douce du corps, des vêtements longs bien ajustés au dos et aux hanches, tout rappelle les Amazones Skopasov. L'interprétation des yeux et des lèvres est proche des têtes tégéennes.

La personnalité brillante de Skopas, ses techniques innovantes pour révéler le monde intérieur d'une personne et transmettre de fortes expériences dramatiques ne pouvaient qu'influencer tous ceux qui travaillaient à ses côtés. Scopas a eu une influence particulièrement forte sur les jeunes maîtres Leochares et Briaxis. Selon Pline, ce sont les sculpteurs Scopas, Timothée, Briaxis et Leochares qui ont rendu cette structure si remarquable avec leurs œuvres qu'elle a été incluse dans les Sept Merveilles du Monde.

"Courant diverses techniques sculpture, Skopas travaillait à la fois le marbre et le bronze, écrit A.G. Chubova. - Sa connaissance anatomie plastique c'était parfait. Représenter les positions les plus complexes de la figure humaine ne lui présentait aucune difficulté. L'imagination de Skopas était extrêmement riche ; il a créé toute une galerie d'images aux caractéristiques vives.

Ses œuvres réalistes sont empreintes d'un grand humanisme. Capturant divers aspects d'expériences profondes, décrivant la tristesse, la souffrance, la passion, l'extase bacchanale, l'ardeur guerrière, Skopas n'a jamais interprété ces sentiments de manière naturaliste. Il les a poétisés, obligeant le spectateur à admirer la beauté spirituelle et la force de ses héros.

Skopas est un célèbre sculpteur grec ancien de la période classique tardive.
Né sur l'île de Paros et a créé ses œuvres en différentes régions Grèce : Béotie, Attique, Asie Mineure, Arcadie entre 370 et 330.
Ses monuments sont caractérisés par le pathétique et l'émotion émotionnelle.
Les auteurs anciens mentionnent plus de vingt œuvres de Skopas, bien que beaucoup moins aient survécu jusqu'à nos jours.
Skopas, entre autres maîtres, a décoré les frises en relief du mausolée d'Halicarnasse. Le changement de sentiments exprimé dans la Ménade par la plasticité de la sculpture ronde, ressenti lors du déplacement autour de la sculpture, se déploie ici sur le ruban plat de la frise.
La variété des angles des reliefs est complétée par une juxtaposition magistrale de corps légers de filles et de corps lourds d’hommes, représentés dans une lutte impitoyable et brutale.
Skopas joue des combinaisons de deux ou trois personnages, les montrant sous différents côtés et à différents moments de mouvement. Le pouvoir de l’intensité émotionnelle est présent ici dans une mesure disproportionnellement plus grande que dans les œuvres du Ve siècle avant JC.
La beauté du nouveau monde, montrée par Skopas dans l'art, réside dans le développement du drame, dans les explosions de passions humaines, dans l'entrelacement de sentiments complexes. Et en même temps, la perte de la clarté monumentale des grands classiques est perceptible. Après tout, c'est dans les œuvres de cette période que l'esprit humain a triomphé, en tant que principe le plus élevé, dans la collision avec les éléments rampants.
Dans les reliefs de la période classique tardive, ce n'est pas l'intégrité harmonieuse qui domine, comme dans la zophore du Parthénon, mais une perception excitée et aiguë du monde, car ils ont été créés pendant la période de destruction des idées familières à l'époque classique. époque du classicisme. Selon ces idées, l’homme est appelé à dominer intelligemment le monde qui l’entoure. Ainsi, même à partir de l'exemple d'un monument, nous pouvons voir la faiblesse et la force des possibilités inhérentes à l'art classique tardif.
Cet art a découvert beaucoup de choses nouvelles dans la nature des sentiments et des émotions humains, mais cette réalisation a été réalisée au prix de la perte de la paix et de l'harmonie des grands classiques.
Praxitèle est un célèbre sculpteur grec ancien, un jeune contemporain de Scopas. Né vers 390 avant JC. Il a exprimé dans ses œuvres des sentiments complètement différents de ceux de Skopas.
Praxitèle est issu d'une famille de sculpteurs. Son grand-père, Praxitèle l'Ancien, était sculpteur. Le père, Céphisodote l'Ancien, était un maître célèbre en Grèce, auteur de la statue d'Eirène avec Pluton.

Billet 19.

1. Art byzantin du VIe siècle (époque de Justinien)

La culture profondément unique de Byzance a commencé son voyage comme si elle partait immédiatement du point culminant : sa première floraison a eu lieu au VIe siècle, « l’ère de Justinien » (527-565). À ce moment-là empire Byzantin atteint une puissance extrême comparable à la grandeur de la Rome impériale. Elle occupait un vaste territoire et jouissait d’un énorme prestige international. Les étrangers étaient émerveillés par l'apparence impressionnante de la capitale byzantine, Constantinople, la splendeur et le luxe de la cour impériale et la solennité des services religieux.

Les principales forces sur lesquelles s'appuyait l'empereur Justinien étaient l'armée et l'Église, qui trouvèrent en lui un patron zélé. Sous Justinien, se constitue une union du pouvoir spirituel et temporel, propre à Byzance, fondée sur la primauté des basileus - empereurs,

À l’époque de Justinien, l’architecture byzantine atteint son plus haut développement. De nombreuses fortifications sont érigées aux frontières du pays, des temples et des palais sont construits dans des villes marquées par la grandeur de leur ampleur et leur splendeur impériale. A cette époque, les deux principaux sanctuaires de Constantinople furent fondés : la cathédrale patriarcale Saint-Pierre. Sophie et l'église St. Apôtres.

Sainte-Sophie était la plus haute réalisation de l'architecture byzantine : au cours de tous les siècles suivants de l'histoire byzantine, aucun temple égal à celui-ci n'a été créé. La structure gigantesque, œuvre des architectes d'Asie Mineure Anthimius de Thrall et Isidore de Milet, est devenue l'incarnation de la force de l'État byzantin et du triomphe de la religion chrétienne.

D'après son plan, l'église St. Sophie est une basilique à trois nefs, c'est-à-dire un bâtiment rectangulaire, mais l'espace rectangulaire est ici couronné par un immense dôme rond (la soi-disant basilique en forme de dôme). Des deux côtés, ce dôme est soutenu par deux demi-dômes inférieurs, chacun d'eux étant à son tour adjacent à trois demi-dômes plus petits. Ainsi, tout l’espace allongé de la nef centrale forme un système de demi-dômes s’élevant vers le centre.

Quatre piliers massifs soutenant le dôme principal sont masqués au spectateur, et quarante fenêtres entourant sa base dans une couronne lumineuse presque continue créent un effet époustouflant. Il semble que l’immense bol du dôme flotte dans les airs, telle une couronne lumineuse. Il n'est pas surprenant que pour les contemporains l'église de St. Sophia semblait créée « non par la puissance humaine, mais par la volonté de Dieu ».

Vue extérieure de l'église St. Sofia, avec ses murs lisses, se caractérise par une simplicité austère. Mais à l’intérieur de la pièce, l’impression change radicalement. Justinien prévoyait de construire non seulement le plus grand bâtiment, mais aussi le plus riche en décoration intérieure. L'église est décorée de plus d'une centaine de colonnes de malachite et de porphyre, spécialement apportées de divers temples antiques, de dalles de marbre multicolore des types les plus précieux, de magnifiques mosaïques avec leur éclat de fond doré et la splendeur de leurs couleurs, des milliers de candélabres fabriqués d'argent massif. Au-dessus de la chaire - la plate-forme surélevée sur laquelle le sermon est prononcé - se trouvait un dais en métaux précieux, couronné d'une croix en or. Les bols, les récipients et les reliures des livres sacrés étaient en or. Le luxe sans précédent de cette cathédrale a tellement étonné les ambassadeurs du prince de Kiev Vladimir, qui au Xe siècle ont visité Constantinople (la soi-disant ville principale de Byzance en Russie), qu'ils, comme le raconte la chronique, ne pouvaient pas comprendre s'ils étaient sur terre ou au ciel.

Sainte-Sophie n'est pas devenue un modèle pour le développement ultérieur de l'architecture byzantine, mais elle lui a donné une impulsion puissante : pendant de nombreux siècles, le type d'église à coupole s'est imposé ici.

Dans la plupart des églises byzantines, une coupole, symbolisant la voûte céleste, s'élève au centre de l'édifice. Quelle que soit leur disposition - ronde, carrée, multiforme - tous ces bâtiments sont dits centraux. Depuis le VIIe siècle, les plus courantes d'entre elles sont les églises à coupole croisée, dont le plan ressemble à une croix (grecque) à extrémités égales inscrite dans un carré ?

La composition centrée a séduit les architectes byzantins par son équilibre et son sentiment de paix, et la disposition (en croix) répondait surtout aux exigences du symbolisme chrétien.

Si l'expressivité du temple antique résidait principalement dans apparence(puisque tous les rituels et célébrations avaient lieu à l'extérieur, sur la place), le contenu principal et la beauté de l'église chrétienne sont concentrés à l'intérieur, car une église chrétienne est un lieu où les croyants se rassemblent pour participer au sacrement. Le désir de créer un environnement particulier à l'intérieur du temple, comme séparé du monde extérieur, a suscité une attention particulière dans la décoration intérieure, associée aux besoins du culte chrétien.

La richesse de la décoration intérieure était créée avant tout par les mosaïques qui décoraient les voûtes et la partie supérieure des murs. La mosaïque est l'un des principaux types art monumental, qui est une image ou un motif de morceaux de verre multicolores individuels, de pierres colorées, de métaux, d'émail, etc., très étroitement ajustés les uns aux autres.

À Byzance, la mosaïque était appréciée pour sa préciosité, pour sa capacité à produire des résultats inattendus. effets optiques. De petits cubes de maçonnerie en mosaïque, légèrement inclinés les uns par rapport aux autres, réfléchissent la lumière avec des rayons croisés, ce qui crée un miroitement magique irisé. Des cubes de smalt plus grands, placés en rangées égales, créent au contraire une surface « miroir » et la mosaïque acquiert l'effet d'une forte lueur.

Des échantillons uniques Mosaïque byzantine préserver les églises et les mausolées de Ravenne, une ville du nord de l'Italie, près de la mer Adriatique. Le plus ancien d'entre eux est le décor du mausolée de la reine byzantine Galla Placidia (milieu du Ve siècle). À l’intérieur du mausolée, au-dessus de l’entrée, se trouve une magnifique composition représentant le Christ, le bon berger au milieu d’un paysage vallonné. Il est jeune et imberbe : c'est ainsi qu'était représenté le Christ dans les premiers siècles du christianisme, du temps où les hommes étaient encore en vie. représentations anciennes sur la jeunesse éternelle en tant qu'attribut de la divinité. D'un geste solennel, Jésus élève la croix, symbole principal Le christianisme.

Un cycle ultérieur de mosaïques se trouve dans l'autel de l'église de San Vitale (St. Vitali) à Ravenne (VIe siècle). Outre les scènes bibliques, deux scènes « historiques » sont présentées ici, l'entrée cérémonielle de l'empereur Justinien et de son épouse l'impératrice Théodora avec leur suite dans le temple. Ils ont capturé la richesse et le luxe de la cour byzantine, la grandeur surnaturelle du monarque. Les figures frontales figées sont disposées en rangée continue sur un fond doré. Une stricte solennité règne, sur tous les visages, semblables les uns aux autres, on peut lire un détachement sévère et une force d'esprit.

Parmi les plus des œuvres merveilleuses La peinture monumentale byzantine comprenait les mosaïques aujourd'hui perdues de l'église de l'Assomption de Nicée (VIIe siècle) représentant des « anges ». pouvoirs célestes" Les visages de ces anges sont étonnants, avec leur attrait sensuel distinct. Mais cette sensualité est éthérée, elle est associée à une inspiration intérieure extatique. Le désir de transfert d'une énorme concentration spirituelle, d'une spiritualisation extrême forme artistique est resté l'idéal de l'art byzantin pendant des siècles.

Une place particulière dans l'ensemble d'une église chrétienne appartient à l'icône. Les premiers chrétiens appelaient ainsi chaque image d’un saint, en la comparant à une « idole », une image païenne. Plus tard, le mot « icône » a commencé à être utilisé uniquement pour les œuvres de chevalet, essayant de les distinguer des œuvres d'art monumentales (mosaïques, fresques).

Contrairement à une peinture de chevalet ordinaire, une icône est un objet de prière. Il est considéré par l’Église comme un symbole spécial, mystérieusement lié au monde « divin » suprasensible. En contemplant une image emblématique, une personne peut rejoindre spirituellement ce monde.

L'origine des icônes est généralement associée aux anciennes morgues égyptiennes. portraits pittoresques, destiné à la « transition » d’une personne vers l’autre monde. Basé sur l'emplacement de la première découverte majeure de ces monuments dans l'oasis du Fayoum (1887), ils ont été appelés portraits du Fayoum (Fayum). Les images, peintes sur des planches de bois avec de la cire du vivant du client, servaient de masque funéraire après sa mort.

Les icônes les plus anciennes conservées, proches des portraits du Fayoum, remontent au VIe siècle. Ils représentent généralement un saint, le plus souvent à la taille ou à la poitrine, strictement de face ou de trois quarts de tour. Le regard du saint, plein de profondeur spirituelle, est dirigé directement vers le spectateur, car un lien mystique devrait naître entre lui et la personne qui prie.

Les monuments remarquables de la peinture d'icônes byzantine des VIe et VIIe siècles comprennent trois icônes du monastère de Saint-Pierre. Catherine au Sinaï : « Le Christ », « l'Apôtre Pierre » et « Notre-Dame entre Saint-Pierre ». Feodor et St. Georgiy."

La période de brillante prospérité (VI-VII siècles) fait place à une époque tragique pour l'art byzantin. Aux VIIIe et IXe siècles, un mouvement iconoclaste fait rage dans le pays, associé à l'interdiction des images à thème chrétien. Les iconoclastes, soutenus par l'empereur et sa cour, le patriarche et le plus haut cercle du clergé, se sont rebellés contre la représentation de Dieu et des saints sous forme humaine, sur la base d'arguments théologiques sur l'impossibilité de reproduire l'essence divine du Christ sous forme matérielle.

Durant la période iconoclaste, les icônes furent officiellement interdites et nombre d’entre elles furent détruites. Les églises étaient décorées principalement d’images de symboles chrétiens et de peintures ornementales. L'art profane était cultivé : paysages pittoresques, images d'animaux et d'oiseaux, scènes de mythes antiques et même concours à l'hippodrome. Ces peintures ont été presque entièrement détruites par les partisans de la vénération des icônes (principalement de larges couches du peuple, le bas clergé, habitué à adorer les icônes) après leur restauration.

Après la victoire sur l'iconoclasme, qualifiée d'hérésie en 843, les phénomènes les plus importants pour son développement ultérieur ont eu lieu dans l'art byzantin. Ils sont associés au début de la formation du canon iconographique - des schémas iconographiques permanents, dont on n'était pas censé s'écarter lors de la représentation de sujets sacrés. Les peintures des temples sont ramenées dans un système cohérent, chaque composition trouve une place strictement définie.

Dans le dôme du temple, le Christ Pantocrator (Tout-Puissant) était représenté entouré d'anges. Entre les fenêtres du tambour - la partie supérieure du bâtiment, qui sert de base au dôme - étaient placés des prophètes ou des apôtres. Sur les voiles, au sommet des piliers soutenant le dôme, se trouvaient les évangélistes, les quatre « piliers » de l'enseignement évangélique. Dans l'abside, sur le rebord de l'autel, se trouve une image de la Mère de Dieu, le plus souvent du type Oranta, c'est-à-dire priant les mains levées. Les archanges Michel et Gabriel planent près d'elle. Au sommet des murs du temple sont présentés des épisodes de la vie du Christ, qui comprenaient nécessairement des images de 12 fêtes (Annonciation, Noël, Présentation, Epiphanie, etc.). Dans la partie inférieure du temple se trouvent des figures de pères de l'Église, de grands prêtres et de saints martyrs. Une fois découvert, ce système de peinture est resté inchangé dans ses principales caractéristiques pendant de nombreux siècles dans tous les pays du monde orthodoxe.

Dans la période post-iconoclaste, notamment au XIe - XIIe siècles, l'art byzantin trouve ses types les plus parfaits et les plus formes parfaitesà la fois en mosaïques, en icônes et en miniatures de livres. Spiritualité profonde des visages, figures légères « flottantes », fluidité douce des lignes, contours arrondis, éclat de l'or, saturant l'image d'une lumière surnaturelle, absence de toute tension - tout cela crée un monde figuratif très particulier, plein de paix sublime. , harmonie et inspiration divine.

Les XIIIe et XIVe siècles sont l’époque de la culture byzantine tardive. Malgré le grave affaiblissement économique et politique de Byzance, qui avait perdu la plupart sur leurs territoires, l'art de cette époque est marqué par les plus hautes réalisations, principalement en peinture. Des monuments merveilleux début du XIVe siècles, où l'art recherchait plus d'expression et de liberté, pour transmettre le mouvement, sont l'icône des « 12 Apôtres », les mosaïques de l'église Kahriye Jami de Constantinople, représentant la vie du Christ et de la Mère de Dieu.

Cependant, les nouveaux idéaux artistiques n'étaient pas destinés à réellement se renforcer sur le sol de Byzance en déclin. Apparemment, ce n'est pas un hasard si le maître de Constantinople le plus talentueux de la seconde moitié du XIVe siècle, Théophane le Grec, a quitté l'empire, préférant la Russie.

En 1453, Byzance, conquise par les Turcs, cesse d'exister, mais sa culture laisse une profonde marque dans l'histoire de l'humanité. Ayant préservé l'ancienne tradition vivante, les Byzantins furent les premiers dans le monde médiéval à développer système artistique, correspondant à de nouveaux idéaux spirituels et sociaux, et ont agi en tant qu'enseignants et mentors originaux vis-à-vis des autres peuples de l'Europe médiévale.

Sculpture de Léohara

Léochares - sculpteur grec ancien du milieu du IVe siècle avant JC. e. Représentant du mouvement académique dans l'art des classiques tardifs. Étant Athénien, il a travaillé non seulement à Athènes, mais aussi à Olympie, Delphes, Halicarnasse (avec Scopas). Il sculpta en or et en ivoire plusieurs portraits de membres de la famille du roi macédonien Philippe (en utilisant la technique de la sculpture chrysoéléphantine) et, comme Lysippe, fut le maître de cour de son fils Alexandre le Grand ("Alexandre à la chasse au lion ", bronze). Il crée des images de dieux (« Artémis de Versailles », copie romaine en marbre, Louvre) et des scènes mythologiques.

L'apogée de l'art léocharien remonte à 350-320 avant JC. e. A cette époque, il fonde un groupe très populaire dans l'Antiquité, représentant le beau jeune Ganymède, porté à l'Olympe par un aigle envoyé par Zeus, ainsi qu'une statue d'Apollon, qui reçut renommée mondiale nommé d'après "Apollon Belvédère" (le nom du Palais du Belvédère du Vatican, où la statue est exposée) - les deux œuvres sont conservées dans du marbre romain
copies (Musée Pio Clementino, Vatican). Dans la statue d'Apollon du Belvédère, la meilleure œuvre de Léochares, qui nous est parvenue sous forme de copie romaine, on est captivé non seulement par la perfection de l'image, mais aussi par la maîtrise de la technique d'exécution. Statue dévoilée à la Renaissance pendant longtempsétait considéré meilleur travail antiquité et chanté dans de nombreux poèmes et descriptions. Les œuvres de Léohar étaient exécutées avec une compétence technique extraordinaire ; son travail était très apprécié par Platon.
"Diane chasseresse" ou "Diane de Versailles", sculpture réalisée par Léochard vers 340 avant JC. Non conservé. Des sculptures de ce type sont connues des archéologues grâce aux fouilles de Leptis Magna et d'Antalya. L'un des exemplaires est conservé au Louvre.
Artémis est vêtue d'un chiton et d'un himation doriens. De la main droite elle s'apprête à retirer une flèche du carquois, sa main gauche repose sur la tête du faon qui l'accompagne. La tête est tournée vers la droite, vers la proie probable.
"Apollon Belvédère", statue en bronze exécutée par Léocharès vers 330 avant JC. n. e. La statue n'a pas survécu, mais a été conservée dans des copies romaines en marbre. L'une des statues de marbre se trouve dans le Belvédère, l'un des bâtiments du Musée du Vatican. Il a été trouvé dans les ruines de la villa de Néron à Antia au début du XVIe siècle.
La statue représente Apollon, l'ancien dieu grec du soleil et de la lumière, comme un beau jeune homme tirant une flèche. Statue en bronze de Léocharès, exécutée c. ., pendant le Late Classic, n’a pas survécu.
Montorsoli, élève de Michel-Ange, a restauré ses mains, mais l'a fait de manière incorrecte : en main droite Apollon était censé tenir une couronne de laurier et dans sa main gauche se trouvait un arc, comme l'indique le carquois derrière le dos d'Apollon. Ces attributs entre les mains de la divinité signifiaient qu'Apollon punissait les pécheurs et purifiait ceux qui se repentaient.

7 - Œuvres de Skopas

Au cours de la période sous revue, a travaillé l'un des plus grands sculpteurs de Grèce, Skopas, qui a travaillé sous l'influence de l'école de Polyclète.

À l'ère de la plus haute floraison secondaire de la sculpture grecque, nous rencontrons Scopas et Praxitèle - deux grands maîtres qui, avec Phidias et Polyclète, sont reconnus comme les plus grands sculpteurs grecs. L'aîné d'entre eux, Scopas, était Athénien. Il est né sur l'île de Paros, célèbre pour son marbre, a étudié, semble-t-il, dans le Péléponnèse sous l'influence de l'école de Polyclète, puis à Athènes, où de nombreux travaux l'attendaient. Il s'est avéré être un véritable artiste attique. Plus tard, il s'installe en Asie Mineure et participe aux importants travaux qui y sont entrepris. L'activité de Skopas remonte principalement à la première moitié du IVe siècle. Parmi les œuvres laissées par cet artiste dans le Péloponnèse, il faut tout d'abord mentionner les groupes de frontons du temple d'Athéna Alea à Tégée, qui, selon Pausanias, aurait été construit par lui. Sur le fronton de la face avant du temple était représentée la chasse au sanglier calydonien de Méléagre et d'Atlas, et sur le fronton du côté opposé - la bataille d'Achille avec Téléphus. Il est tout à fait caractéristique que dans Elis Scopas oppose l'Aphrodite céleste de Phidias, faite d'or et d'ivoire, avec une Aphrodite de bronze, dédiée à tout le peuple (Pandemos), montée sur une chèvre. Parmi les œuvres de la période attique de l'activité de Scopas, il y avait deux Érinyes, selon Pausanias, d'apparence pas terrible, debout dans l'Aréopage, puis une bacchante, décrite et chantée à plusieurs reprises, représentée dans l'extase de la passion bacchanale, avec sa tête rejeté en arrière, vêtu de vêtements fluides et avec une chèvre sacrificielle déchirée à la main. A Athènes, Skopas exécuta les statues d'Éros, Chimère et Pathos, qui ornaient le Théâtre d'Aphrodite. Même dans les temps anciens, les gens étaient étonnés de la subtilité avec laquelle le célèbre maître parvenait à exprimer dans ces œuvres la différence entre des sentiments aussi liés que l'amour, le désir passionné et l'engouement. Enfin, à la dernière Epoque Les activités de Scopas à Athènes incluent un Apollon en marbre vêtu d'une longue robe jouant de la cithare - une statue transportée par Auguste à Rome sur le mont Palatin, où elle fut honorée sous le nom d'Apollon Palatin. Comme œuvres de la période d'activité de Skopas en Asie Mineure, il convient de souligner ses œuvres sur le mur oriental du mausolée d'Halicarnasse, puis sur les statues de Dionysos et d'Athéna à Cnide, Apollon Sminthée piétinant une souris avec son pied dans Chrysès.

Parmi les œuvres de Scopas, qui furent ensuite transportées à Rome et y glorifièrent son nom, figuraient particulièrement célèbres l'Aphrodite en marbre, la statue colossale du dieu de la guerre au repos et un immense groupe représentant Poséidon, Thétis et Achille, accompagnés de toute une suite. des Néréides, des Tritons et d'autres divinités marines inférieures. Pline l'Ancien disait de ce groupe qu'il serait devenu une œuvre remarquable, même s'il avait été exécuté en utilisant toute la vie. Il a été noté à juste titre que dans cette œuvre Skopas était le véritable créateur des images plastiques du royaume marin. Quant au groupe de Niobé et de ses enfants, qui se trouvaient à Rome, dans le temple d'Apollon Sosianus, combattus par les flèches d'Apollon et d'Artémis, les anciens experts romains doutaient de savoir à qui il appartenait : Scopas ou Praxitèle.

Déjà dans les légendes littéraires, Skopas apparaît comme un sculpteur d'orientation idéaliste, un technicien hautement qualifié, le créateur d'un certain nombre de motifs nouveaux et inconnus, un artiste à la sensualité inspirée, mais en même temps un artiste aux impulsions extatiques et le meilleur mouvements émotionnels. En ce qui concerne les monuments de la sculpture antique qui nous sont parvenus et qui donneraient une idée de l'art de Skopas, nous rencontrons tout d'abord de nombreuses hypothèses, dans la confirmation ou la réfutation desquelles, outre celles de L. Ulrich, l'auteur de l'ouvrage ancien, ont participé des chercheurs tels que G. Trey, Botho-Graef, Weil, L. von Siebel et Furtwängler. Les pièces d'Elis de l'époque des empereurs romains nous donnent une idée d'Aphrodite Pandémos chevauchant une chèvre. Sur les monnaies des empereurs Auguste et Néron, on voit, bien que en partie dans des modifications différentes, Apollon Palatin en longue robe, et sur les monnaies alexandrines-troasiennes de l'époque de Commode et Caracalla - Apollon Smintheus, debout avec un pied sur une estrade. et tenant une couronne de laurier dans sa main droite.

Nous rencontrons ensuite quelques œuvres de sculpture grecque, dans lesquelles il est plus ou moins probable que l'on voie les œuvres originales de Scopas. En les évaluant, nous rejoignons l’opinion de Trey. Tout d'abord, attardons-nous sur les fragments des groupes de fronton du temple d'Athéna Alea à Tégée, retrouvés lors de fouilles allemandes en 1879, à savoir sur les fragments de la chasse de Méléagre, qui ornaient le fronton oriental, sur la tête de un sanglier et sur deux têtes d'hommes, dont l'une porte un casque et l'autre aux cheveux simples. L'expression de leurs visages est immédiatement reconnaissable comme étant l'œuvre de Skopas ; les techniques par lesquelles il a obtenu cette expression n'ont été utilisées que par lui seul : la partie inférieure du front dépasse fortement vers l'avant, de sorte que les yeux semblent enfoncés, avec des paupières étroites, bien qu'ils soient eux-mêmes grands et grands ouverts. La bouche entrouverte de l’une de ces têtes exprime le « souffle de vie » qui distinguait les œuvres de Skopas. L’impression générale que nous obtenons est celle d’une vitalité spirituelle que l’art n’a jamais atteinte auparavant ; mais on voit immédiatement l'expression de sensations douloureuses : c'est du pathos, rejoignant l'éphos ou même le remplaçant.

Nous passons ensuite aux vestiges du mur oriental du mausolée d'Halicarnasse. Tout ce qui a survécu des luxueuses décorations sculpturales de ce bâtiment se trouve au British Museum de Londres. Les statues colossales du roi et de la reine (fig. 279), sculptées par le constructeur du temple Pythias lui-même et ornant le toit pyramidal, sont des figures pleines de noblesse, d'importance et de vérité de la vie ; le passage des formes géométriques du bâtiment à ces figures planant au-dessus de lui a fait une impression favorable au sens architectural. Parmi les restes de décorations en plastique recouvrant le bas et le haut du bâtiment, on peut distinguer une frise représentant une course de chars, une autre - une bataille de centaures et une troisième - une bataille d'Amazones. Selon Pline l'Ancien, toutes ces statues sont l'œuvre de Scopas et de trois autres sculpteurs célèbres; Skopas a travaillé sur le mur est, Briaxis au nord, Timothy au sud et Leochares à l'ouest. Parmi les frises survivantes, un morceau du mur oriental représentant la bataille des Amazones est décrit dans le rapport de fouille. Il n'y a aucune raison de ne pas l'attribuer à Scopas lui-même, comme le font Newton, Trey, Michaelis et d'autres, si seulement l'on tient compte du fait que dans un tel travail, le maître en chef a généralement des assistants. En termes de passion et de naturel des mouvements, de compréhension de la nudité et de disposition des draperies, ces scènes de lutte des Grecs avec les Amazones ne laissent rien à désirer (Fig. 280). Un cheval au galop avec une Amazone assise dessus à l'envers - meilleure partie frise totale. Les Grecs sont représentés complètement nus, mais avec des boucliers à la main et certains portent des casques. Les vêtements des Amazones, pour leur donner un charme sensuel, sont parfois dotés de fentes latérales. Trey en a vu ici aussi caractéristiques distinctives Têtes tégéennes : « Joues larges et plates, tubercules frontaux dépassant vers l'avant, gros yeux avec une coupe étroite et des coins intérieurs des yeux profondément saillants.

Basées sur le type de têtes tégéennes, certaines autres œuvres originales des collections grecques sont attribuées à Skopas en toute confiance ; telles sont, par exemple, la belle tête de femme trouvée sur le versant de l'Acropole, et la tête d'un athlète à Olympie. De même, l'œuvre de Skopas est désormais universellement reconnue pour le magnifique relief de pierre tombale originaire d'Ilissos, dans lequel le personnage principal est un jeune nu assis avec une expression mélancolique et pensive aux yeux grands ouverts.

La question deviendra plus difficile dès que nous entreprendrons, avec Furtwängler, de rechercher les figures de Skopas parmi les œuvres de copistes ultérieurs. Furtwängler a réussi à trouver de nombreux arguments en faveur du fait que des copies des œuvres de jeunesse de Scopas, rappelant encore la sculpture corporelle de Polykleitov, ont été conservées dans Hercules de la collection Lansdowne à Londres, dans de belles statues en bronze du jeune Asclépios à Karlsruhe et Hermès. Palatin au Musée des Bains de Rome. Contrairement aux corps, les têtes de ces statues sont réalisées dans l'esprit attique. Il est suggéré que, d'après les œuvres ultérieures de Scopas, son Apollon Palatin a servi d'original pour l'Apollon Cyfared du Vatican, avec sa longue et magnifique robe, et pour la statue colossale d'Arès assis - pour Arès Ludovisi au repos, serrant son genou gauche avec son mains, une statue située au Musée Buoncompagna à Rome, - les scientifiques soutiennent aussi souvent qu'ils défient. Bien que nous, pour notre part, ne reconnaissions pas ces œuvres comme des copies exactes et considérions Cupidon aux pieds d'Arès comme une addition d'un copiste, nous sommes néanmoins d'accord avec Furtwängler et Michaelis, qui estiment que de ces célèbres œuvres de musée on peut obtenir une idée de la période ultérieure du travail de Skopas . Il faut dire la même chose de l'Athéna du Musée des Offices, dotée d'un look rêveur, et du célèbre Méléagre du Vatican, plein d'inspiration. "Ici", a déclaré Furtwängler, "une énorme révolution est visible. Au lieu de plans clairement définis, tout se fond dans une modélisation arrondie et magnifique." À cette dignité s'ajoute dans lesdites statues l'expression de réflexions ou d'expériences émotionnelles dans les yeux, le reflet de l'humeur en elles, qui est un trait caractéristique de Skopas.

SkopasSkopas

(Skupas), sculpteur et architecte grec ancien du IVe siècle. avant JC e. Représentant des classiques tardifs. Né sur l'île de Paros, il a travaillé à Tegea (aujourd'hui Piali, en Grèce), à ​​Halicarnassus (aujourd'hui Bodrum, en Turquie) et dans d'autres villes de Grèce et d'Asie Mineure. Il participa à la construction du temple d'Athéna Aley à Tégée (350-340 avant JC) et du mausolée d'Halicarnasse (milieu du IVe siècle avant JC). Parmi les œuvres sculpturales originales de Skopas qui nous sont parvenues, la plus importante est la frise du mausolée d'Halicarnasse représentant l'Amazonomachie, c'est-à-dire la bataille des Amazones (milieu du IVe siècle avant JC ; avec Briaxis, Leochares et Timothée ; les fragments sont au British Museum). De nombreuses œuvres de Scopas sont connues à partir de copies romaines - les statues "Pothos" (Usrfitsi), "Jeune Hercule" (anciennement dans la collection Lansdowne, Londres), "Méléager" (Musées du Vatican ; Villa Médicis, Rome), " Ménade " ( Collection de sculptures, Dresde ). Ayant abandonné les caractéristiques de l'art grec ancien du Ve siècle. avant JC e. tranquillité harmonieuse des images, Skopas s'est tourné vers la transmission d'expériences émotionnelles fortes, une lutte dramatique des passions. Pour les mettre en œuvre, Skopas a utilisé le dynamisme de la composition et de nouvelles techniques d'interprétation des détails : des yeux enfoncés, des plis sur le front, une bouche ouverte, ainsi que le rythme tendu des plis des vêtements. L'œuvre de Skopas, saturée de pathos tragique, a eu une grande influence sur les sculpteurs de l'époque hellénistique ( cm. Art hellénistique), en particulier sur les maîtres qui ont travaillé aux IIIe-IIe siècles. avant JC e. dans la ville de Pergame.

"Amazonomachie". Fragment de la frise du mausolée d'Halicarnasse. Marbre. Vers 350 avant JC Musée anglais. Londres.
Littérature: A.P. Chubova, Skopas, L.-M., 1959 ; Arias P.E., Skopas, Rome, 1952.

(Source : « Encyclopédie de l'art populaire ». Edité par V.M. Polevoy ; M. : Maison d'édition « Encyclopédie soviétique », 1986.)

(Skópas), sculpteur et architecte grec du IVe siècle. avant JC e. Peut-être le fils et élève d'Aristander. Il a travaillé à Tegea (aujourd'hui Piali), Halicarnassus (aujourd'hui Bodrum) et dans d'autres villes de Grèce et d'Asie Mineure. Il supervisa la construction du temple d'Athéna à Tégée (Péloponnèse), qui ne survécut qu'en ruines. A l'est fronton Le temple représentait la chasse mythique au sanglier calydonien, et celui de l'ouest représentait le duel entre le héros Télèphe et Achille. La tête d’Hercule, des guerriers, des chasseurs et un sanglier ont été conservés, ainsi que des fragments de statues masculines et un torse féminin, probablement participant à la chasse d’Atalante. Dans l'un des fragments - la tête d'un guerrier blessé - pour la première fois dans la sculpture grecque, la douleur et la souffrance, la confusion des sentiments étaient incarnées.

Skopas, avec d'autres sculpteurs remarquables de son époque (Léocharès, Briaxis, Timothée), a travaillé à la décoration du célèbre mausolée d'Halicarnasse (achevé vers 351 avant JC), considéré comme l'un des les sept merveilles du monde. Assiettes avec reliefs entouré le bâtiment d'un ruban continu frise. Scopas est peut-être l'auteur des meilleurs fragments survivants illustrant la bataille entre les Grecs et les Amazones. Les scènes de bataille sont imprégnées de la fureur du combat et des mouvements violents ; on y entend le tintement des épées, le sifflement des flèches et des cris guerriers. Dr. les œuvres de Scopas ne sont connues que par des copies romaines (« Jeune Hercule », « Méléagre »). La plus célèbre parmi les sculptures survivantes de Skopas était « Ménade » - une figurine d'une jeune fille, compagne du dieu Dionysos, se précipitant dans une danse effrénée. Le corps de la danseuse semble tordu en spirale, sa tête est rejetée en arrière, ses vêtements flottent, révélant son beau corps. Dans l'art de Skopas, pour la première fois, l'excitation des sentiments, le pathétique dramatique, le mouvement violent ont trouvé leur expression - tout ce que la sculpture grecque n'avait pas connu auparavant. Les œuvres de Skopas ont eu un impact significatif sur les sculpteurs de l'époque Hellénisme.

(Source : « Art. Encyclopédie illustrée moderne. » Edité par le professeur Gorkin A.P. ; M. : Rosman ; 2007.)

Voyez ce qu'est « Skopas » dans d'autres dictionnaires :

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Sculpteur et architecte grec antique du IVe siècle. avant JC e. Une frise du mausolée d'Halicarnasse (aujourd'hui Bodrum en Turquie) représentant la bataille des Grecs contre les Amazones a été conservée (marbre, vers 350 avant JC, avec Briaxis, Léochares et Timothée). L'art de Skopas... Grand dictionnaire encyclopédique

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L'ancien sculpteur grec de l'école dite néo-attique, originaire de Paros, a travaillé dans la première moitié du IVe siècle. avant JC L'un de ses premiers travaux fut la restauration de ce qui fut détruit en 395. incendie du temple tégéen d'Athéna Alea, pour... ... Encyclopédie de Brockhaus et Efron

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Skopas- (grec Skopas) (IVe siècle avant JC) sculpteur et architecte grec de l'île de Paros. Il participa à la construction du temple d'Athéna à Tégée (Péloponnèse) et du mausolée d'Halicarnasse ; auteur de nombreuses images sculpturales, par exemple Méléagre, le jeune Hercule... Ancien monde. Ouvrage de référence-dictionnaire.

SCOPAS- (4ème siècle avant JC) architecte et sculpteur grec de l'île de Paros. Il supervisa la construction du temple d'Athéna à Tégée (Péloponnèse), travailla à la frise du mausolée d'Halicarnasse. Parmi les œuvres qui lui sont attribuées figure une figurine de bacchante dansante, à échelle réduite... Dictionnaire-ouvrage de référence sur la Grèce antique et Rome, sur la mythologie

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