Exemples de peinture, genres, styles, techniques et orientations diverses. Types de peinture Quels types de peintures existe-t-il

La peinture est l'une des formes d'art les plus courantes, à l'aide de laquelle les artistes transmettent leur vision du monde aux spectateurs.

Ainsi, la peinture est un type d'art distinct et très populaire, dans lequel les images visuelles sont transmises par le maître à travers l'application de peintures sur la surface de l'image.

I. I. Chichkine. Paysage "Ship Grove" (1898).

Toutes les peintures qui existent aujourd'hui peuvent être divisées en plusieurs genres distincts, qui ont leurs propres caractéristiques en termes de sujet et de technique d'image. Considérons les principaux afin d'avoir une idée correcte de la structure des tableaux.

Ainsi, parmi les genres modernes de la peinture, on peut citer les suivants :

• Portrait
• Paysage
• Marina
• Peinture d'histoire
• Peinture de bataille
• Nature morte
• Peinture de genre
• Peinture architecturale
• Peinture religieuse
• Peinture animalière
• Peinture décorative

Division schématique des genres art pictural ressemblera à ceci :

Portrait

Beaucoup d’entre nous connaissent le genre de peinture appelé portrait. Il s’agit de l’un des types de peinture fine les plus anciens et on le retrouve également dans la sculpture et le graphisme. Avant, il n'y avait pas de photographies, donc tout le monde est riche ou célébrité a jugé nécessaire de perpétuer son visage et sa silhouette pour la postérité - et en cela, les portraitistes lui sont venus en aide.

De plus, le portrait peut représenter aussi bien des personnes réelles que des héros littéraires ou mythiques. De plus, il est possible de créer à la fois le portrait d'une personne qui a vécu dans le passé et celui de notre contemporain qui existe aujourd'hui.

Des limites claires genre de portrait non, donc dans une œuvre, un portrait peut être combiné avec des éléments d'autres genres de peinture - paysage, nature morte, etc.

Types de portraits

Parmi les types les plus courants peinture de portrait on peut distinguer :

• Portrait historique
• Portrait rétrospectif
• Portrait - peinture
• Portrait typique
• Autoportrait
• Portrait du donateur
• Portrait de cérémonie
• Portrait en demi-robe
• Portrait de chambre
• Portrait intime
• Portrait petit format
• Portrait-miniature

Chaque type de portrait a ses propres caractéristiques et différences dans la technique d'exécution. Examinons-les plus en détail.

• Portrait historique- contient une image de tout personnage historique, personnage politique ou créateur. Un tel portrait peut être créé à partir des souvenirs de contemporains ou naître de l'imagination du peintre.

A. M. Matveev. Portrait de Pierre le Grand (1724 - 1725). Toile, huile.

• Portrait rétrospectif- une image posthume d'une personne ayant vécu dans le passé, créée d'après des descriptions de témoins oculaires ou à partir d'une image intravitale. Cependant, il peut également y avoir des cas où le portrait a été entièrement composé par le maître.

Vladislav Rojnev » Portrait féminin" (1973). Toile, huile.

• Peinture - portrait- une personne est représentée dans une relation intrigue avec le monde environnant, la nature, sur fond de bâtiments architecturaux ou des activités d'autrui. Dans les peintures de portraits, le flou des frontières et la combinaison de divers genres - peinture de paysage, peinture historique et de bataille, etc. - sont les plus clairement visibles.

Boris Koustodiev. Le tableau est un portrait de F. I. Chaliapine (1922). Toile, huile.

• Portrait typique- artiste - peintre représente une image collective composée des traits caractéristiques de l'apparence de nombreuses personnes, unies par des idées, des types d'activités, un statut social ou un mode de vie communs.

F. V. Sychkov "Portrait d'une paysanne".

• Portrait en costume- la personne représentée est présentée au spectateur sous la forme d'un personnage littéraire ou théâtral, d'un personnage historique ou d'un héros mythologique. De tels portraits présentent un intérêt particulier pour l’étude des costumes d’autres époques.

• Autoportrait- un type particulier de portrait dans lequel l'artiste se représente. C'est-à-dire qu'il veut transmettre et transmettre au public son essence intérieure.

• Portrait du donateur- une des formes dépassées du portrait. Une telle peinture à thème religieux représentait une personne qui faisait d'importantes donations à l'église. Il apparaît devant le public entouré de saints, à côté de la Madone ou sur l'une des portes de l'autel, à genoux. Personnes richesà cette époque, ils voyaient une signification particulière à la création d'un portrait de donateur, car de telles peintures étaient toujours perçues positivement et vénérées à égalité avec.

Pinturicchio. "Résurrection du Christ" avec le pape Alexandre VI agenouillé.

Par nature et méthode de représentation figures humaines, tous les portraits sont divisés dans les types suivants :

• Portrait de cérémonie- montre un homme en position debout de toute sa hauteur. Dans le même temps, tous les détails de l'apparence et de la silhouette sont écrits très clairement.

• Portrait en demi-robe- une personne est représentée à partir de la taille, jusqu'aux genoux, ou en position assise lorsque la partie inférieure des jambes n'est pas visible. DANS travail similaire Le portrait joue un rôle important dans la représentation de l’environnement ou des accessoires.

Rokotov F. S. « Portrait du couronnement de Catherine II » (1763).

• Portrait de chambre- la figure humaine est réalisée sur un fond neutre, et une version abrégée de l'image de la figure humaine est utilisée - jusqu'à la taille, jusqu'à la poitrine ou même jusqu'au niveau des épaules. Dans ce cas, le maître dessine les traits du visage de la personne de manière particulièrement claire et soignée.

• Portrait intime- est extrêmement rarement utilisé et représente l'une des variétés de portraits intimes de par son exécution sur fond neutre. La réalisation d’un portrait intime repose sur les sentiments profonds de l’artiste pour la personne représentée ou sur une relation de confiance entre elles.

Edouard Manet "Fille en costume espagnol" (1862 - 1863).

• Portrait petit format- un petit tableau. généralement réalisé à l'encre, au crayon, au pastel ou à l'aquarelle.

• Portrait-miniature- l'un des types de portraits les plus reconnaissables et les plus complexes en termes de technique. La miniature se caractérise par un petit format d'image (de 1,5 à 20 cm), ainsi qu'une extraordinaire subtilité d'écriture et un dessin soigné, presque semblable à celui d'un bijoutier, de toutes les lignes. Des portraits miniatures étaient insérés dans des médaillons et utilisés pour décorer des montres, des bracelets, des broches, des bagues et des tabatières.

Jacques Augustin "La Bacchante" - portrait miniature (1799). Os, aquarelle, gouache. Taille 8 cm (cercle).

Paysage

Le paysage est un genre distinct de peinture dont l'objet principal est la nature dans sa forme originale ou légèrement modifiée au cours de l'activité humaine.

Konstantin Kryzhitsky "Route" (1899).

Le genre de la peinture de paysage est connu depuis l'Antiquité. Cependant, au Moyen Âge, il perdit quelque peu de sa pertinence. Mais déjà à la Renaissance, le paysage renaît et acquiert l'importance d'un des genres les plus importants de l'art pictural.

Jean-François Millet "Printemps".

Marina

Marina (du mot latin "marinus" - "mer") - genre spécial peinture, dans laquelle tous les événements, types activité humaine et les peintures nature sont dédiées à la mer. Les toiles représentent souvent des paysages marins temps différent années et dans différentes conditions d’éclairage.

I.K. Aivazovsky « La Neuvième Vague » (1850).

Peinture d'artistes espaces marins dans leurs diverses manifestations, sont appelés « marinistes ». L'un des peintres marins les plus célèbres est Ivan Aivazovsky, qui a créé plus de 6 000 peintures sur un thème marin.

Ivan Aivazovsky "Arc-en-ciel" (1873).

Peinture d'histoire

Genre peinture historique est née à la Renaissance, lorsque les artistes cherchaient à refléter dans leurs toiles des scènes de la vie de la société à différentes périodes de l'histoire.

Cependant, les peintures historiques pourraient représenter non seulement des images de la vie de personnes réelles, mais aussi histoires mythologiques, ainsi que des réimaginations illustrées d'histoires bibliques et évangéliques.

Domenico Beccafumi "La Tempérance de Scilio Africanus" (vers 1525).

La peinture historique sert à montrer les événements du passé les plus importants pour un peuple particulier ou pour l’ensemble de l’humanité.

Francisco Pradilla "Baptême du prince Juan, fils de Ferdinand et Isabelle" (1910).

Peinture de bataille

L'une des variétés du genre historique est la peinture de bataille, dont le sujet des images est principalement consacré aux événements militaires, aux batailles célèbres sur terre et sur mer, ainsi qu'aux campagnes militaires. Le genre bataille couvre l’histoire des affrontements militaires tout au long de l’histoire de la civilisation humaine.

Dans le même temps, les peintures de bataille se distinguent par un grand nombre et une variété de personnages représentés, ainsi que par des images assez précises du terrain et des caractéristiques d'une région particulière.

François Edouard Picot "Le Siège de Calais" (1838).

Le peintre de bataille est confronté à plusieurs tâches difficiles :

1. Montrez l'héroïsme de la guerre et montrez le comportement des guerriers les plus courageux.
2. Capturez un moment particulièrement important ou un tournant dans une bataille.
3. Révélez dans votre travail toute la signification historique des événements militaires.
4. Exprimez avec précision et clarté le comportement et les expériences de chacun des participants à la bataille - commandants célèbres et soldats ordinaires.

Jean-Baptiste Debray » Napoléon s'adresse aux troupes bavaroises à Abensberg le 20 avril 1809.

Il convient de noter que le genre de la peinture de bataille est considéré comme l'un des plus difficiles, c'est pourquoi ces peintures sont créées par des maîtres. longue durée- parfois pendant dix ans. L'artiste doit non seulement avoir une excellente connaissance de l'histoire détaillée de la bataille représentée, mais également être capable de créer des toiles à plusieurs figures avec un grand nombre de détails auxiliaires. Il s'agit notamment d'images de la nature, d'éléments d'architecture et d'images d'armes ou de mécanismes militaires. Par conséquent, le genre de bataille occupe une place particulière et se distingue de la peinture historique.

Nature morte

La nature morte est la création sur toile de compositions à partir d'objets inanimés dans diverses combinaisons. Les plus populaires sont les images de plats, de pots de fleurs avec des bouquets de fleurs et de fruits sur un plateau.

Cézanne "Le coin de table" (1895 - 1900).

Initialement, le thème des images dans le genre de la nature morte est apparu au tournant des XVe et XVIe siècles, mais la formation finale du genre dans une direction distincte de la peinture a eu lieu au XVIIe siècle. Les premiers créateurs de natures mortes furent des artistes hollandais et flamands. Plus tard, la nature morte prit une place importante dans le travail des artistes russes.

Le sujet des images de natures mortes peut être très riche et varié et ne se limite pas exclusivement aux objets du quotidien. Il peut s'agir de livres, de magazines et de journaux, de bouteilles, de figurines, d'un globe et bien d'autres objets.

David Teniers le Jeune. Nature morte (1645 - 1650).

L'idée principale des compositions du genre Vanitas est l'idée de la finitude de l'existence terrestre et de l'humilité avant l'inévitabilité de la transition vers un autre monde. Les natures mortes avec un crâne au centre de la composition ont acquis la plus grande popularité aux XVIe et XVIIe siècles en Flandre et aux Pays-Bas. Un peu plus tard, des artistes français et espagnols commencent à le contacter.

Peter Claes "Nature morte avec un crâne".

Peinture de genre

DANS beaux-Arts la peinture de genre est considérée comme faisant partie de genre de tous les jours. Depuis l'Antiquité, les artistes ont représenté des scènes de la vie quotidienne des gens ordinaires - paysans, artisans, commerçants, ainsi que serviteurs des nobles courtisans. activité de travail ou dans la vie quotidienne de leur famille.

Gabriel Metsu "Le vendeur d'oiseaux" (1662).

Premiers échantillons peintures de genre au sens moderne du terme, est apparu au Moyen Âge et est ensuite devenu répandu et populaire. Les thèmes des peintures de genre se caractérisent par une diversité enviable, qui suscite l'intérêt des spectateurs.

Bernardo Strozzi "Le Cuisinier" (1625).

Peinture architecturale

La peinture architecturale est un genre pictural particulier dont le sujet est consacré à la représentation de bâtiments, de structures et de divers monuments architecturaux, ainsi qu'aux solutions les plus intéressantes sur le plan historique. Il s'agit de l'image de l'aménagement intérieur des palais, des théâtres et des salles de concert et ainsi de suite.

Grâce à de telles peintures, le spectateur a la possibilité de voir personnellement les monuments architecturaux dans leur forme originale à travers les yeux de l'artiste lui-même. Les œuvres de peinture architecturale aident également à étudier le paysage architectural des villes d'autrefois.

Louis Daguerre "Brouillard et neige visibles à travers une colonnade gothique en ruine" (1826).

Peinture animalière

Le genre animalier est un genre de peinture distinct qui se spécialise principalement dans la représentation du monde animal de notre planète. Dans les peintures de ce genre, nous pouvons voir des animaux, des oiseaux, des poissons, ainsi que des représentants de nombreuses autres espèces dans leur habitat naturel.

George Stubbs "Le Léopard endormi" (1777).

Cependant, cela ne signifie pas que le thème du genre animalier concerne uniquement les animaux sauvages. Au contraire, les artistes peignent très souvent des tableaux dédiés aux animaux de compagnie - chats, chiens, chevaux, etc.

Peinture décorative

Genre peinture décorative peut être divisé en plusieurs types qui ont leurs propres différences :

• Peinture monumentale
• Peinture de décors de théâtre
• Peinture décorative

La diversité du genre décoratif s'explique par le fait que les artistes ont toujours essayé de décorer tous les objets du monde environnant.

• Peinture monumentale- un genre d'art monumental dont les œuvres sont de nature à assez grande échelle et sont utilisées comme décoration décorative pour des bâtiments et des structures à caractère profane et religieux à des fins diverses (y compris les églises, les immeubles de bureaux et les édifices culturels, les monuments architecturaux et bâtiments résidentiels).

• Décor de théâtre- il s'agit d'un type de genre décoratif très populaire, qui comprend la création de décors et de costumes pour les personnages productions théâtrales et des personnages de films, ainsi que des croquis de mises en scène individuelles. Les décorateurs de théâtre et de tournage créent parfois de véritables chefs-d'œuvre, qui figurent ensuite parmi les meilleurs décors de théâtre et de cinéma.

• Peinture décorative- représente compositions d'histoires ou décor ornemental créé sur diverses parties de bâtiments et de structures, ainsi que sur des exemples d'arts décoratifs et appliqués, qui trouvent leur origine dans les arts et l'artisanat populaires. Les principaux types d'objets peints étaient la vaisselle, les articles ménagers, les meubles, etc.

Le grand personnage, scientifique et artiste de la Renaissance Léonard de Vinci a dit : « La peinture est une poésie qui se voit, et la poésie est une peinture qui s'entend ». Et on ne peut qu'être d'accord avec lui. Vous percevez véritablement le véritable art sous tous les angles. Nous voyons, contemplons, entendons et stockons dans notre âme les œuvres d'art que nous aimons. Et les chefs-d'œuvre du monde restent dans notre mémoire pendant de nombreuses années.

Genres et types de peinture

Lorsqu'il dessine un tableau, le maître l'exécute dans un certain état, un caractère spécial. L'œuvre ne s'avérera pas complète, digne d'amour et d'attention, si seules la forme et la couleur y sont représentées. L'artiste est obligé de doter les objets d'une âme, les gens de charisme, d'étincelles, peut-être de mystère, la nature de sentiments uniques et les événements d'expériences réelles. Et les genres et les types de peinture aident le créateur en cela. Ils vous permettent de transmettre correctement l'ambiance d'une époque, d'un événement, d'un fait et de mieux saisir l'idée principale, l'image, le paysage.

Parmi les principaux, on peut citer les suivants :

• Historique- représentation de faits, de moments de l'histoire différents pays et les époques.
• Bataille- transmet des scènes de batailles.
• Domestique- des scènes de la vie quotidienne.
• Paysage- ce sont des images de nature vivante. Il y a des paysages de mer, de montagne, fantastiques, lyriques, ruraux, urbains et cosmiques.
• Nature morte- illustre des objets inanimés : ustensiles de cuisine, armes, légumes, fruits, plantes, etc.
• Portrait- C'est l'image d'une personne, d'un groupe de personnes. Souvent, les artistes aiment peindre des autoportraits ou des toiles représentant leurs amants.
• Animaliste- des photos d'animaux.

Séparément, nous pouvons distinguer le genre thématique de l'intrigue et inclure ici des œuvres dont le sujet sont des mythes, des légendes, des épopées, ainsi que des images de la vie quotidienne.

Les types de peinture en impliquent également des distincts. Ils aident l'artiste à atteindre la perfection dans la création d'une toile, lui indiquent dans quelle direction se déplacer et travailler. Les options suivantes existent :

- Panorama- image de la zone en grand format, vue générale.

- Diorama- une image semi-circulaire de batailles et d'événements spectaculaires.

- Miniature- manuscrits, portraits.

- Peinture monumentale et décorative- peinture sur murs, panneaux, abat-jour, etc.

- Iconographie- des peintures sur des thèmes religieux.

- Peinture décorative- création de décors artistiques au cinéma et au théâtre.

- Peinture sur chevalet- en d'autres termes, des peintures.

- Peinture décorative d'objets de la vie quotidienne.

En règle générale, chaque maître des beaux-arts choisit pour lui-même un genre et un type de peinture qui lui sont les plus proches dans l'esprit et n'y travaille principalement que. Par exemple, Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) a travaillé à la manière d'un paysage marin. Ces artistes sont également appelés peintres de marine (de « marina », qui signifie « mer » en latin).

Techniciens

La peinture est une certaine manière d'exécuter une intrigue, sa perception à travers le monde des couleurs et des traits. Et bien entendu, une telle reproduction ne peut être réalisée sans l’utilisation de certaines techniques, modèles et règles. Le concept même de « technique » dans les beaux-arts peut être défini comme un ensemble de techniques, de normes et de connaissances pratiques à l'aide desquelles l'auteur transmet l'idée et l'intrigue de l'image de la manière la plus précise et la plus proche de la réalité.

Le choix de la technique de peinture dépend également du type de matériaux et du type de toile qui seront utilisés pour créer l’œuvre. Parfois, un artiste peut adopter une approche individuelle de son travail, en utilisant un mélange de styles et de tendances différents. L'approche de cet auteur nous permet de créer des œuvres d'art véritablement uniques - des chefs-d'œuvre mondiaux.

Techniquement, il existe plusieurs options pour peindre. Examinons-les plus en détail.

Peinture des temps anciens

L’histoire de la peinture commence avec les peintures rupestres de l’homme primitif. A cette époque, les peintures ne se distinguaient pas par la vivacité de leurs intrigues ou l'émeute des couleurs, mais elles avaient une émotion particulière. Et les histoires de ces années nous informent clairement sur l’existence de la vie dans un passé lointain. Les lignes sont extrêmement simples, les thèmes sont prévisibles, les orientations sont sans ambiguïté.

Dans les temps anciens, le contenu des dessins devenait plus diversifié, ils représentaient plus souvent des animaux, des choses diverses et des biographies entières étaient réalisées sur tout le mur, surtout si les images étaient créées pour les pharaons, ce qui était très cru à cette époque. Après environ deux mille ans, les couleurs commencent à apparaître.

La peinture ancienne, en particulier le vieux russe, est bien véhiculée et conservée dans les icônes anciennes. Ils constituent un sanctuaire et le meilleur exemple qui transmet la beauté de l’art de Dieu. Leur couleur est unique et leur fonction est parfaite. Une telle peinture transmet l'irréalité de l'existence, des images et inculque à une personne l'idée du principe divin, de l'existence d'un art idéal, qu'il faut imiter.

Le développement de la peinture ne s'est pas passé sans laisser de trace. Au fil du temps, l'humanité a réussi à accumuler de véritables reliques et un héritage spirituel de plusieurs siècles.

Aquarelle

La peinture à l'aquarelle se distingue par l'éclat de ses couleurs, la pureté de la couleur et la transparence de l'application sur papier. Oui, c'est sur une surface en papier qu'il est préférable de travailler dans cette technique des beaux-arts. Le motif sèche rapidement et acquiert ainsi une texture plus légère et plus mate.

L'aquarelle ne permet pas d'obtenir des reflets intéressants en utilisant des nuances sombres et monochromes, mais elle modélise parfaitement la couleur si les couches sont appliquées les unes sur les autres. Dans ce cas, il s'avère que des options complètement nouvelles et inhabituelles sont difficiles à obtenir avec d'autres techniques artistiques.

Difficultés à travailler avec des aquarelles

La complexité de travailler dans une technologie telle que la peinture à l'aquarelle, c'est qu'il ne pardonne pas les erreurs et ne permet pas l'improvisation avec des changements radicaux. Si vous n’aimez pas le ton appliqué ou si vous avez obtenu une couleur complètement différente de celle souhaitée, il est peu probable qu’elle soit corrigée. Toute tentative (lavage à l'eau, grattage, mélange avec d'autres couleurs) peut conduire soit à une teinte plus intéressante, soit à une contamination complète du tableau.

Changer l’emplacement d’une figure, d’un objet ou toute amélioration de la composition avec cette technique est essentiellement impossible à réaliser. Mais grâce au séchage rapide des peintures, la peinture est idéale pour dessiner. Et en termes de représentation de plantes, de portraits, de paysages urbains, elle peut rivaliser avec les œuvres réalisées à l'huile.

Huile

Chacune des variétés techniques de la peinture a ses spécificités. Cela s'applique à la fois au mode d'exécution et au rendu artistique de l'image. La peinture à l’huile est l’une des techniques préférées de nombreux artistes. Il est difficile d'y travailler, car cela nécessite un certain niveau de connaissances et d'expérience : de la préparation des éléments et du matériel nécessaires à l'étape finale - couvrir l'image résultante couche protectrice vernis

L’ensemble du processus de peinture à l’huile demande beaucoup de travail. Quel que soit le support que vous choisissez : toile, carton ou panneau dur (panneau de fibres), il doit d'abord être recouvert d'un apprêt. Cela permettra à la peinture d’adhérer et de bien adhérer, sans qu’aucune huile ne s’en échappe. Cela donnera également au fond la texture et la couleur souhaitées. Il existe de nombreux types et recettes pour différents sols. Et chaque artiste préfère le sien, un certain auquel il est habitué et qu'il considère comme la meilleure option.

Comme mentionné ci-dessus, le travail se déroule en plusieurs étapes et la dernière étape consiste à recouvrir le tableau de vernis. Ceci est fait afin de protéger la toile de l'humidité, des fissures (maille) et autres dommages mécaniques. La peinture à l'huile ne tolère pas le travail sur papier, mais grâce à toute une technologie d'application de peintures, elle permet de conserver œuvres d'art sain et sauf depuis des siècles.

Beaux-arts chinois

Je voudrais accorder une attention particulière à l'époque de la peinture chinoise, car elle a une page particulière dans l'histoire Direction Est la peinture s'est développée sur plus de six mille ans. Sa formation était étroitement liée à d'autres métiers, aux changements sociaux et aux conditions de vie des gens. Par exemple, après l’introduction du bouddhisme en Chine, les peintures murales religieuses ont acquis une grande importance. Au cours de la période (960-1127), les peintures à caractère historique sont devenues populaires, racontant également la vie quotidienne. Peinture de paysage s'est imposée comme une direction indépendante dès le 4ème siècle après JC. e. Des images de la nature ont été créées dans des couleurs bleu-vert et à l’encre de Chine. Et au IXe siècle, les artistes ont commencé de plus en plus à peindre des tableaux dans lesquels ils représentaient des fleurs, des oiseaux, des fruits, des insectes, des poissons, incarnant en eux leurs idéaux et le caractère de l'époque.

Caractéristiques de la peinture chinoise

La peinture traditionnelle chinoise se distingue par son style particulier, ainsi que par les matériaux utilisés pour peindre, qui, à leur tour, influencent les méthodes et les formes de l'art oriental. Premièrement, les peintres chinois utilisent un pinceau spécial pour créer des peintures. Il ressemble à de l'aquarelle et possède une pointe particulièrement pointue. Un tel outil permet de créer des œuvres sophistiquées et, comme vous le savez, le style de calligraphie est encore largement utilisé en Chine. Deuxièmement, l'encre est utilisée partout comme peinture - l'encre de Chine (parfois avec d'autres couleurs, mais elle est également utilisée comme peinture indépendante). Cela se produit depuis deux mille ans. Il convient également de noter qu’avant l’avènement du papier, la peinture était réalisée sur soie en Chine. Aujourd'hui maîtres modernes les artistes réalisent leur travail à la fois sur papier et sur une surface en soie.

Ce n'est pas tout capacités techniques peinture. En plus de celles mentionnées ci-dessus, il en existe bien d'autres (gouache, pastel, détrempe, fresque, acrylique, cire, peinture sur verre, porcelaine, etc.), y compris des versions originales d'œuvres d'art.

Époques de peinture

Comme toute forme d’art, la peinture a sa propre histoire de formation. Et surtout, il se caractérise à différentes étapes développement, styles multiformes, directions intéressantes. Les époques de la peinture jouent ici un rôle important. Chacun d'eux n'affecte pas seulement un morceau de la vie d'un peuple et pas seulement le temps de certains événements historiques, mais toute une vie ! Parmi les périodes les plus célèbres de l'art de la peinture figurent : la Renaissance et les Lumières, l'œuvre des artistes impressionnistes, l'Art nouveau, le surréalisme et bien d'autres. En d’autres termes, la peinture est une illustration visuelle d’une certaine époque, une image de la vie, une vision du monde à travers les yeux de l’artiste.

Le concept de « peinture » signifie littéralement « peindre la vie », représenter la réalité de manière vivante, magistrale et convaincante. Transmettre sur votre toile non seulement chaque détail, chaque petite chose, chaque instant, mais aussi l'ambiance, les émotions, la saveur d'une époque particulière, le style et le genre de l'ensemble de l'œuvre d'art.

Styles de peinture

2.1 Surréalisme
2.2 Cubisme
2.3 Art abstrait
2.4 Fauvisme
2.5 Futurisme
2.6 Maniérisme
2.7 Renaissance
2.8 Avant-garde
2.9Baroques

2.1 Surréalisme
Le surréalisme, un mouvement moderniste (modernisme) en littérature, en beaux-arts et en cinéma, est né en France dans les années 1920. et rendu grande influence sur Culture occidentale. Le surréalisme se caractérise par une prédilection pour tout ce qui est bizarre, irrationnel et ne répondant pas aux normes généralement acceptées. Le mouvement lui-même était hétérogène, mais son objectif principal était l'émancipation des forces créatrices du subconscient et leur suprématie sur l'esprit. Dans une certaine mesure, les prédécesseurs des surréalistes étaient les dadaïstes (dadaïsme). Le théoricien et fondateur S. André Breton a soutenu que cette direction devrait résoudre la contradiction entre le rêve et la réalité et créer une sorte de réalité absolue, de superréalité. Malgré toutes les tentatives de Breton pour unir les surréalistes, ils manquaient d'unanimité : ils se disputaient constamment, s'accusaient mutuellement et excluaient de leurs rangs ceux qui n'étaient pas d'accord. Le surréalisme est basé sur la théorie du subconscient de Freud et sa méthode de « libre association » pour le passage de la conscience au subconscient. Cependant, les formes d’expression de ces idées étaient très différentes chez les surréalistes. Par exemple, Dali, avec une précision scrupuleuse et « plausible », écrivait chaque détail de ses peintures illogiques et cauchemardesques, aggravant l'impression d'hallucination ou de délire, tandis que Max Ernst travaillait sur ses toiles comme automatiquement, « éteignant » le l'esprit, préférant les images arbitraires, se transformant souvent en abstraction. Jean Miró se distingue cependant des autres artistes surréalistes par la variété et la gaieté de ses peintures. Durant la période entre les deux guerres mondiales, le surréalisme est devenu le mouvement le plus répandu, bien que le plus controversé. Ses disciples apparurent non seulement en Europe, mais aussi aux États-Unis, où de nombreux écrivains et artistes émigrèrent pendant la guerre. Se distinguant par l'ampleur de son approche et la richesse de ses formes, le surréalisme a facilité la perception du cubisme et de l'art abstrait, et ses méthodes et techniques ont influencé le travail d'écrivains et d'artistes de nombreux pays du monde.

2.2 Cubisme
Le Cubisme, mouvement moderniste de la peinture du 1er quart du XXe siècle. Son apparition remonte à 1907 et est associée aux œuvres de Picasso et de Braque, notamment au tableau de Picasso « Les Demoiselles d’Avignon », qui représente des personnages déformés, rugueux, sans perspective ni clair-obscur. Le cubisme signifiait une rupture complète avec la représentation réaliste de la nature qui prévalait dans Peinture européenne depuis la Renaissance. Le but de Picasso et Braque est de construire une forme tridimensionnelle sur un plan, en la divisant en éléments géométriques. Les deux artistes étaient attirés par des formes simples et tangibles, des intrigues simples, ce qui est particulièrement caractéristique de période au début Le cubisme, dit « cézannéen » (1907-1909), s'est développé sous l'influence de la sculpture africaine et des œuvres de Cézanne. Des volumes puissants semblent se déployer sur la toile, la couleur rehausse le volume (Picasso « Trois femmes », 1909). La période suivante (1910-1912) est dite « analytique » : l'objet est écrasé en petits bords nettement séparés les uns des autres, la forme de l'objet semble s'estomper sur la toile, il n'y a pratiquement pas de couleur en tant que telle (Braque « En l'honneur de J.S. Bach", 1912). Dans ce dernier, dit cubisme « synthétique », les peintures se transforment en panneaux plats et colorés (Picasso « Taverne », 1913-1914), les formes deviennent plus décoratives, des pochoirs de lettres et divers autocollants sont introduits dans le dessin, formant des collages. Juan Gris écrit ainsi, avec Braque et Picasso. La Première Guerre mondiale met fin à la collaboration entre Braque et Picasso, mais leur œuvre aura une grande influence sur d'autres mouvements, notamment le futurisme, l'orphisme, le purisme et le vorticisme. L'influence du cubisme dans les arts visuels s'est poursuivie jusque dans les années 1960.

2.3 Art abstrait
L'abstractionnisme est l'école la plus extrême du modernisme. L’art abstrait, également appelé art non figuratif, est apparu comme un mouvement dans les années 10 du XXe siècle. Puisque les artistes de ce mouvement nient toute représentation dans l’art et refusent de représenter le monde objectif, l’abstractionnisme est aussi appelé non-objectivité. Les théoriciens de l'abstractionnisme le font dériver de Cézanne à travers le cubisme. C'est précisément cette voie - de la représentation à la non-représentation complète en passant par la « réalité idéale » du cubisme dit synthétique – qu'a emprunté l'un des fondateurs du « néoplasticisme », le peintre hollandais Piet (Peter Cornelis) Mondrian (1872-1944). ), a pris, qui croyait que « la pure plasticité crée la pure réalité ». Dans les années 10, Mondrian était cependant associé au cubisme, en ramenant ses principes au simple dessin sur plan. Chez lui, en Hollande, Mondrian avait un groupe d'adeptes réunis autour du magazine "Style". Le programme du magazine proclamait la création d'une image universelle du monde à travers des rectangles couleur différente, séparés les uns des autres par une épaisse ligne noire. C'est ainsi que d'innombrables compositions sont apparues sans nom, sous des chiffres et des lettres. Mondrian était littéralement obsédé par le culte de l’équilibre entre verticaux et horizontaux et rompit avec le magazine Style lorsqu’il introduisit l’angle de 45 degrés comme élément du langage expressif en 1924. Les idées de Mondrian ont été reprises par les « concrétistes » italiens dans les années 1940. S’appuyant sur la déclaration de Mondrian selon laquelle « il n’y a rien de plus concret que la ligne, la couleur, le plan », ils ont commencé à créer une « nouvelle réalité » à partir de lignes et de plans de couleurs ouvertes jaunes, rouges et bleues. Un autre fondateur de l'art abstrait, Vassily Kandinsky (1866-1944), a créé ses premières œuvres « non objectives » avant même les cubistes. Moscovite de naissance, Kandinsky se prépare d'abord à une carrière juridique, en 1896 il vient à Munich où il étudie à l'école de A. Azhbe (1897-1898) et à l'Académie des Arts (1900) avec F. von Stuck, s'intéresse dans Gauguin et les Fauves, impression populaire populaire. En 1911, il crée avec F. Mark l'association Blue Rider. Dans son ouvrage « Du spirituel dans l'art », il proclame un départ de la nature, de la nature vers les essences « transcendantales » des phénomènes et des objets ; il s'occupe activement des problèmes liés au rapprochement de la couleur et de la musique. Kandinsky a également été fortement influencé par le symbolisme. Sans aucun doute, du symbolisme, sa compréhension du noir, par exemple, comme symbole de la mort, du blanc - comme naissance, du rouge - comme symbole de courage. La ligne horizontale incarne le principe passif, la ligne verticale - le principe actif. Les chercheurs estiment à juste titre que Kandinsky est le dernier représentant du symbolisme littéraire et psychologique, comme Moreau en France et Ciurlionis en Lituanie, et en même temps le premier artiste abstrait. « L’objectivité nuit à mes peintures », écrit-il dans son ouvrage « The Artist’s Text ». Kandinsky de cette période sont des toiles colorées dans lesquelles des taches informes de couleur intense belles combinaisons entrecoupé de lignes courbes ou sinueuses, ressemblant parfois à des hiéroglyphes. C’était déjà en soi un grand crime ; du point de vue de Mondrian, ils sont assez proches de la spontanéité enfantine des tableaux de Klee. Les œuvres de Kandinsky rappellent quelque peu les effets photographiques de la lumière capturés dans la peinture. En 1914, Kandinsky retourne en Russie, il est l'un des organisateurs du Musée de la culture picturale de Petrograd et d'Inkhuk à Moscou. À partir de la fin de 1921, il vécut en Allemagne. Au début des années 20, Kandinsky était friand de ce qu’on appelle l’abstractionnisme géométrique (par opposition à l’abstraction picturale de la période précédente). En 1933, avec l’avènement du fascisme en Allemagne, Kandinsky émigre en France, où il réside jusqu’à la fin de ses jours. Les dernières œuvres de Kandinsky semblent combiner les principes de l'abstraction picturale et géométrique. Le troisième fondateur de la peinture abstraite est Kazimir Malevitch (1878-1935). Il a combiné l'impressionnisme de Kandinsky et l'abstraction géométrique de Mondrian de Cézanne dans le suprématisme qu'il a inventé (du suprême français au plus haut). Étudiant de Kyiv école d'art, puis l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, Malévitch se passionne pour l'impressionnisme, puis le cubisme, et dans les années 10 il est influencé par les futuristes Carr et Boccioni. À partir de 1913, il crée son propre système de peinture abstraite, exposant au public le tableau « Carré Noir », un simple carré noir peint sur fond blanc, et qualifiant ce système de « suprématisme dynamique ». Dans ses travaux théoriques, il affirme que dans le suprématisme « on ne peut pas parler de peinture, la peinture est depuis longtemps obsolète et l’artiste lui-même est un préjugé du passé ». Au début des années 30, il revient à la peinture figurative dans la tradition réaliste, avec un thème soviétique (« La Fille au manche rouge »). Le « Carré Noir » de Malévitch est entré dans l'histoire comme expression la plus élevée extrêmes de l’art moderniste. Une direction particulière de l'art abstrait - le rayonnisme - a été dirigée par Mikhail Larionov et Natalya Goncharova. Selon Larionov, tous les objets sont vus comme une somme de rayons. La tâche de l’artiste est de trouver l’intersection des rayons convergeant en certains points, c’est-à-dire des lignes colorées qui les représentent en peinture. Avec l’arrivée au pouvoir des fascistes, les centres de l’art abstrait se sont déplacés vers l’Amérique. En 1937, un musée de peinture non figurative est créé à New York, fondé par la famille du millionnaire Guggenheim, en 1939 - le Musée art contemporain, créé avec les fonds Rockefeller. Pendant et après la Seconde Guerre mondiale, toutes les forces d’extrême gauche du monde artistique se sont rassemblées en Amérique. Dans la période d’après-guerre, une nouvelle vague d’art abstrait a été soutenue par l’énorme succès publicitaire et organisé. Le capital est investi dans des œuvres de peinture abstraite. Jackson Pollock (1912-1956) est considéré comme la « star » de l’art abstrait américain de l’après-guerre. Pollock a inventé le terme « dripping » : éclabousser de la peinture sur la toile sans utiliser de pinceau. C'est ce qu'on appelle aussi l'expressionnisme abstrait en Amérique, en France - tachisme (du mot tache - tache), en Angleterre - action painting, en Italie - peinture nucléaire (pittura nucléaire). En France, dans la première moitié des années 40, il y a une certaine accalmie dans le domaine de l'art abstrait. Cela est dû au renforcement de la position de l’art réaliste après la guerre, après le Front populaire et les mouvements de Résistance. Depuis la fin des années 40, les abstractionnistes se réunissent à nouveau au sein du "Salon des réalités nouvelles" et publient une revue spéciale "Aujourd" hui art et architecture. Ses théoriciens sont Léon Degan et Michel Seyfort. Dans les années 50, la passion pour l'abstractionnisme était répandue. en France Son rival Le Goberge américain est représenté par Georges Mathieu, qui accompagne ses « séances de créativité » en présence du public de déguisements et de musique et qualifie ses immenses créations d'assez intrigues (par exemple « La Bataille de Bouvines »). ), ce qui ne les rend cependant pas moins abstraits. Comme l'écrivait le théoricien de l'abstraction L. Ventuli, « ... l'art est appelé abstrait lorsqu'il est abstrait non pas de la personnalité de l'artiste, mais des objets du monde extérieur. ….”.

2.4 Fauvisme
Fauvisme - (fauvisme français, de fauve - sauvage), un mouvement de la peinture française du début du XXe siècle. Le surnom ironique « les fauves » a été donné par la critique à un groupe de peintres qui se sont produits en 1905 au « Salon des Indépendants » de Paris (Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlaminck, Albert Marquet, etc.). Le fauvisme incarnait une protestation esthétique contre les traditions artistiques du XIXe siècle. Pendant une courte période (1905-1907), des maîtres aux personnalités différentes furent unis par leur attirance pour les formules figuratives, les contrastes coloristiques et les rythmes de composition nets, ainsi que par la recherche de nouvelles impulsions dans la créativité primitive, l'art médiéval et oriental. Modélisation des volumes, recréation de l'espace, aéré perspective linéaire parmi les fauves est mis de côté par l’expressivité émotionnelle directe d’une tache colorée intense, des structures décoratives qui servent avant tout d’expression des émotions vives de l’artiste.

2.5 Futurisme
Futurisme - (du latin futurum - futur), nom général des mouvements artistiques d'avant-garde des années 1910 - début des années 20 dans certains pays européens(principalement l'Italie et la Russie), les proches dans les déclarations lointaines (proclamation des idées de création de « l'art du futur », déni des traditions artistiques, etc.) et les sujets choisis. En Italie, les futuristes envisageaient l'avenir avec un optimisme exalté, absolutisent les signes extérieurs de la civilisation technique comme de nouvelles valeurs esthétiques, marquant le modèle du futur ordre mondial, nouveau genre conscience de masse. Dans le futurisme, il y a une combinaison de points de vue et une multiplication des contours, comme provoqués par un mouvement rapide, une déformation des figures, des contrastes marqués dans la structure des couleurs, une intrusion chaotique dans la composition de fragments de texte, etc. Représentants : leader et théoricien F.T. Marinetti, U. Boccioni, C. Carra, etc. En Russie, le futurisme s'exprimait plus clairement dans la littérature (D.D. Burliuk, V.V. Mayakovsky, etc.) et se caractérisait par des slogans nihilistes, prêchant la rébellion individualiste, l'esthétisation de la technologie et de la culture urbaine, revendications pour la démocratisation de l’art.

2.6 Maniérisme
Maniérisme (Maniérisme, maniera italienne - style, manière), terme utilisé dans la théorie des beaux-arts. Devenu populaire grâce à l'artiste et biographe du XVIe siècle Vasari, qui l'a caractérisé comme ayant un haut degré de grâce, d'équilibre et de sophistication dans l'art. Cependant, depuis le XVIIe siècle, la plupart des critiques, estimant que l'art italien de la 2e moitié du XVIe siècle était en déclin par rapport aux sommets atteints lors de la Haute Renaissance (Renaissance) par Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël, le terme « Maniérisme » " a été appliqué à l'art qui se caractérise par une richesse métaphorique, une prédilection pour l'hyperbole et le grotesque. En conséquence, le maniérisme a commencé à être appelé le style adopté par les écoles. art italien, principalement romaine, entre la Haute Renaissance et le baroque (vers 1520-vers 1600). Il est d'usage de parler du maniérisme à partir de Raphaël, lorsqu'il abandonna les moyens d'expression extrêmement clairs et équilibrés caractéristiques de la Haute Renaissance et commença à travailler de manière plus sophistiquée. Le maniérisme se caractérise par des figures allongées, des poses tendues (contrapposto), des effets inhabituels ou bizarres liés à la taille, à l'éclairage ou à la perspective et des couleurs vives. En sculpture, le héraut du maniérisme était Giambologna, dont l'art, qui a eu une énorme influence sur ses contemporains, combine des poses fantaisistes avec une douceur et une élégance exquises des formes. Les principales sculptures maniéristes incluent Benvenuto Cellini. Le maniérisme en architecture est aussi difficile à définir qu'en peinture et en sculpture, mais implique souvent un mépris conscient des règles établies et des traditions classiques. En dehors de l'Italie, les représentants de l'école de Fontainebleau en France, les artistes hollandais du XVIe siècle (beaucoup d'entre eux ont adopté les idées du maniérisme après avoir visité l'Italie) et le Greco en Espagne sont parfois appelés maniéristes. En littérature et en musique, le terme « maniérisme » est utilisé encore plus largement que dans les beaux-arts et l'architecture. Alors on dit que c’est « maniériste » travaux littéraires, caractérisés par des syllabes fleuries, une syntaxe compliquée et l'utilisation d'images bizarres et fantastiques. L'exemple le plus célèbre est le roman en deux volumes Euphues (1578-1580) de John Lyly, qui a donné naissance au terme « Euphuisme », désignant un style très artificiel et prétentieux. En musique, par exemple, l'œuvre du compositeur italien et auteur de madrigaux Carlo Gesualdo di Venosa, dont les œuvres se distinguent par une harmonie inhabituelle, des changements brusques de tempo et une expression vive, est considérée comme « maniériste ».

2.7 Renaissance
Renaissance (Renaissance) (Renaissance), une époque d'épanouissement intellectuel et artistique qui a commencé en Italie au 14ème siècle, culminant au 16ème siècle et ayant une influence significative sur culture européenne. Le terme « Renaissance », qui signifiait un retour aux valeurs du monde antique (bien que l'intérêt pour les classiques romains soit apparu au XIIe siècle), est apparu au XVe siècle et a reçu une justification théorique au XVIe siècle dans les œuvres de Vasari. , dédié au travail d'artistes, sculpteurs et architectes célèbres. A cette époque, l'idée s'est formée de l'harmonie régnant dans la nature et de l'homme comme couronnement de sa création. Parmi les représentants marquants de cette époque figurent l'artiste Alberti ; architecte, artiste, scientifique, poète et mathématicien Léonard de Vinci. L'architecte Brunelleschi, utilisant de manière innovante les traditions hellénistiques, a créé plusieurs bâtiments dont la beauté n'était pas inférieure aux meilleurs exemples antiques. Les œuvres de Bramante, que ses contemporains considéraient comme l'architecte le plus talentueux de la Haute Renaissance, et de Palladio, qui créèrent de grands ensembles architecturaux qui se distinguaient par l'intégrité de leur conception artistique et leur diversité, sont très intéressantes. solutions de composition. Les bâtiments et les décors du théâtre ont été construits sur la base de l'œuvre architecturale de Vitruve (vers 15 av. J.-C.) conformément aux principes du théâtre romain. Les dramaturges suivaient des canons classiques stricts. L'auditorium, en règle générale, avait la forme d'un fer à cheval, devant lui se trouvait une plate-forme surélevée avec un avant-scène, séparé de l'espace principal par un arc. Cela a été pris comme modèle pour un bâtiment de théâtre pour tout L'occident pour les cinq prochains siècles. Les peintres de la Renaissance ont créé un ensemble complet et doté unité interne le concept du monde, remplissait les récits religieux traditionnels d'un contenu terrestre (Nicola Pisano, fin du 14e siècle ; Donatello, début du 15e siècle). Une représentation réaliste d'une personne est devenue objectif principal artistes de la première Renaissance, comme en témoignent les œuvres de Giotto et Masaccio. L'invention d'un moyen de transmettre la perspective a contribué à une réflexion plus fidèle de la réalité. L'un des thèmes principaux des peintures de la Renaissance (Gilbert, Michel-Ange) était l'inconciliabilité tragique des conflits, la lutte et la mort du héros. Vers 1425, Florence devint le centre de la Renaissance (art florentin), mais au début du XVIe siècle - Haute Renaissance- Venise (art vénitien) et Rome occupent la première place. Centres culturelsétaient les cours des ducs de Mantoue, Urbino et Ferrada. Les principaux mécènes des arts étaient les Médicis et les papes, en particulier Jules II et Léon X. Les plus grands représentants de la « Renaissance du Nord » étaient Dürer, Cranach l'Ancien et Holbein. Artistes du Nord la plupart imitaient les meilleurs modèles italiens, et seuls quelques-uns, par exemple Jan van Scorel, parvenaient à créer leur propre style, qui se distinguait par son élégance et sa grâce particulières - son maniérisme. Artistes de la Renaissance : Alberti, Léonard de Vinci, Botticelli, Titien, Michel-Ange, Raphaël.

2.8 Avant-garde
Avant-gardisme (avant-gardisme français - devant et garde) - nom commun directions artistiques Le XXe siècle, caractérisé par la recherche de formes et de moyens de présentation artistique nouveaux, inconnus, souvent uniques, la sous-estimation ou le déni complet des traditions et l'absolutisation de l'innovation. Née de l'atmosphère spirituelle du XXe siècle avec ses cataclysmes grandioses, elle illustre non seulement les contradictions entre les différents systèmes et techniques de composition, mais aussi la lutte des positions idéologiques. Certains théoriciens et praticiens de l'avant-garde déclarent la création d'un art d'élite étranger aux tâches sociales, tandis que d'autres, au contraire, recherchent des idées fondamentalement nouvelles. des moyens d'expression transmettre des sentiments de protestation sociale et de contenu révolutionnaire. Il se distingue principalement non par des formes finies, mais par des tendances au déplacement des thèmes traditionnels, des intrigues et des principes de composition, une hypertrophie des conventions, une expressivité forte (son, couleur, plastique et autre). Elle se caractérise aussi par la destruction des frontières objectivement déterminées entre types et genres (pénétration de la poésie et de la musique dans la prose et « proséisation » de la poésie, transfert des principes de composition musicale vers la littérature et les arts visuels). La nature contradictoire de l'avant-gardeisme est évidente dans la tendance de certaines de ses orientations vers le formalisme (la victoire de l'imagerie verbale et du symbolisme sur le contenu de la poésie et de la prose, l'accent mis sur la couleur, structure de composition et l'absence d'intrigue dans la peinture, l'atonalité et la cacophonie dans la musique), et d'autres, au contraire, au déni de l'essence esthétique de l'art et de l'utilitarisme (la fusion de l'art avec la production, la vie quotidienne et le journalisme politique). Dans ses formes extrêmes, il se confond avec la décadence, le modernisme et l'art abstrait. Représentants talentueux de l'avant-gardeisme dès le début. Le XXe siècle (futurisme, imagisme, constructivisme, etc.), qui a toujours adhéré à une vision du monde progressiste, a su dépasser les frontières étroites de ces tendances et enrichir la culture de nouvelles valeurs artistiques.

2.9Baroques
Baroque (art baroque), style de l'art et de l'architecture européens des XVIIe et XVIIIe siècles. À différentes époques, le terme « baroque » avait des significations différentes. Au début, cela avait une connotation offensante, impliquant une absurdité, une absurdité (cela remonte peut-être au mot portugais signifiant une vilaine perle). Actuellement, il est utilisé dans les œuvres d'histoire de l'art pour déterminer le style qui a dominé dans art européen entre le maniérisme et le rococo, c'est-à-dire entre 1600 environ et le début du XVIIIe siècle. Du maniérisme baroque, l'art a hérité du dynamisme et de l'émotivité profonde, et de la Renaissance - la solidité et la splendeur : les caractéristiques des deux styles se sont harmonieusement fondues en un seul tout. Le plus traits de caractère Le baroque - une floraison et un dynamisme accrocheurs - correspondait à la confiance en soi et à l'aplomb de la force nouvellement retrouvée de l'époque romaine. église catholique. En dehors de l’Italie, le style baroque a pris ses racines les plus profondes dans les pays catholiques et, par exemple, en Grande-Bretagne, son influence était insignifiante. Aux origines de la tradition de l'art baroque en peinture se trouvent deux grands artistes italiens - le Caravage et Annibale Carracci, qui ont créé le plus travail important V la dernière décennie XVIe siècle - première décennie du XVIIe siècle. Pour Peinture italienne La fin du XVIe siècle est caractérisée par un manque de naturel et une incertitude stylistique. Le Caravage et Carracci, avec leur art, ont restauré son intégrité et son expressivité. Dans l'architecture italienne, le représentant le plus éminent de l'art baroque fut Carlo Maderna (1556-1629), qui rompit avec le maniérisme et créa son propre style. Sa principale création est la façade de l'église romane de Santa Susanna (1603). Le personnage principal du développement de la sculpture baroque fut Lorenzo Bernini, dont les premiers chefs-d'œuvre exécutés dans le nouveau style remontent à environ 1620. La chapelle Coranaro de l'église Santa Maria della Victoria (1645-1652) est considérée comme la quintessence du baroque. , une fusion impressionnante de peinture, de sculpture et d’architecture. . Les contemporains italiens les plus éminents du Bernin au cours de cette période baroque mature étaient l'architecte Borromini et l'artiste, ainsi que l'architecte Pietro da Cortona. Un peu plus tard, Andrea del Pozzo (1642-1709) travailla ; son plafond peint de l'église de Saint-Ignace à Rome (Apothéose de Saint-Ignace de Loyola) est le point culminant de la tendance baroque à la splendeur pompeuse. Au XVIIe siècle, Rome était la capitale mondiale de l’art, attirant des artistes de toute l’Europe, et l’art baroque s’est rapidement répandu au-delà de la « ville éternelle ». Dans chaque pays baroque, l’art se nourrissait des traditions locales. Dans certains pays, il est devenu plus extravagant, comme en Espagne et en Amérique latine, où s'est développé un style de décoration architecturale appelé churrigueresco ; dans d’autres, il a été atténué au profit de goûts plus conservateurs. Dans la Flandre catholique, l'art baroque s'épanouit dans l'œuvre de Rubens ; dans la Hollande protestante, son influence est moins notable. Certes, les œuvres de la maturité de Rembrandt, extrêmement vivantes et dynamiques, sont clairement marquées par l'influence de l'art baroque. En France, elle s’est exprimée le plus clairement au service de la monarchie et non de l’Église. Louis XIV a compris l'importance de l'art comme moyen de glorifier le pouvoir royal. Son conseiller en la matière est Charles Lebrun, qui supervise les artistes et décorateurs travaillant au château de Louis à Versailles. Versailles, avec sa combinaison grandiose d'architecture somptueuse, de sculpture, de peinture, d'art décoratif et paysager, était l'un des exemples les plus impressionnants de fusion des arts. L'art baroque a contribué à la création d'effets théâtraux obtenus par l'éclairage, les fausses perspectives et les décors scéniques spectaculaires. Cependant, cela ne correspondait guère au goût réservé des Britanniques. Dans l'architecture anglaise, l'influence du baroque n'est perceptible qu'au début du XVIIIe siècle, dans l'œuvre unique de Vanbrugh et Hawksmore. Certaines des œuvres ultérieures de Wren se rapprochent de ce style. Le désir d'ampleur de l'art baroque se ressent dans les conceptions majestueuses de la cathédrale Saint-Paul (1675-1710) et de l'hôpital de Greenwich (début 1696). Le baroque a cédé la place à un palladianisme plus calme. Dans tous les types d’arts, le baroque fusionne avec le style rococo plus léger. Cette fusion fut très fructueuse en Europe centrale, notamment à Dresde, Vienne et Prague.

La peinture se distingue par une variété de genres et de types. Chaque genre se limite à sa propre gamme de sujets : l'image d'une personne (portrait), le monde environnant (paysage), etc.
Les variétés (types) de peinture diffèrent par leur objectif.

À cet égard, il existe plusieurs types de peinture dont nous parlerons aujourd'hui.

Peinture sur chevalet

Le plus populaire et espèce connue peinture – peinture sur chevalet. On l'appelle ainsi parce qu'il est réalisé sur une machine - un chevalet. La base est en bois, carton, papier, mais le plus souvent en toile tendue sur châssis. Un tableau de chevalet est une œuvre indépendante réalisée dans un genre spécifique. Il a une richesse de couleur.

Peinture à l'huile

Le plus souvent, la peinture sur chevalet est réalisée avec des peintures à l'huile. Vous pouvez utiliser des peintures à l'huile sur toile, bois, carton, papier et métal.

Peinture à l'huile
Les peintures à l'huile sont des suspensions de pigments et de charges inorganiques dans des huiles végétales siccatives ou des huiles siccatives ou à base de résines alkydes, parfois avec ajout de substances auxiliaires. Utilisé en peinture ou pour peindre des surfaces en bois, en métal et autres.

V. Perov « Portrait de Dostoïevski » (1872). Toile, huile
Mais une image pittoresque peut également être créée à l’aide de détrempe, de gouache, de pastels et d’aquarelles.

Aquarelle

Peintures à l'aquarelle

L'aquarelle (Aquarelle française - aqueuse ; acquarello italien) est une technique de peinture qui utilise des peintures aquarelles spéciales. Lorsqu'ils sont dissous dans l'eau, ils forment une suspension transparente de pigment fin, qui crée un effet de légèreté, de légèreté et de subtiles transitions de couleurs.

J. Turner « Lac Firvaldstät » (1802). Aquarelle. Tate Britain (Londres)

Gouache

La gouache (gouache française, peinture à l'eau guazzo italienne, splash) est un type de peinture adhésive hydrosoluble, plus dense et plus mate que l'aquarelle.

Peintures à la gouache
Les peintures à la gouache sont fabriquées à partir de pigments et de colle additionnées de blanc. Le mélange de blanc donne à la gouache une qualité mate et veloutée, mais lors du séchage, les couleurs deviennent quelque peu blanchies (éclaircies), ce dont l'artiste doit tenir compte lors du processus de dessin. En utilisant des peintures à la gouache, vous pouvez recouvrir les tons sombres avec des tons clairs.

Vincent Van Gogh "Couloir à Asulum" (craie noire et gouache sur papier rose)

Pastel [e]

Pastel (du latin pâtes – pâte) – matériel d'art, utilisé en graphisme et en peinture. Le plus souvent, il se présente sous la forme de crayons de couleur ou de crayons sans monture, en forme de barres de section ronde ou carrée. Il existe trois types de pastels : secs, à l'huile et à la cire.

I. Levitan « Vallée de la rivière » (pastel)

Détrempe

Tempera (tempera italienne, du latin temperare - mélanger les peintures) - peintures à l'eau préparées à base de pigments en poudre sèche. Le liant pour les peintures à la détrempe est le jaune d'un œuf de poule dilué avec de l'eau ou un œuf entier.
Les peintures à la détrempe sont parmi les plus anciennes. Avant l'invention et la diffusion des peintures à l'huile jusqu'aux XVe-XVIIe siècles. les peintures à la détrempe étaient le matériau principal peinture sur chevalet. Ils sont utilisés depuis plus de 3 000 ans. Les célèbres peintures des sarcophages des pharaons égyptiens antiques étaient réalisées avec de la détrempe. La peinture à la détrempe était principalement réalisée par des maîtres byzantins. En Russie, la technique de la peinture à la détrempe était dominante jusqu'à la fin du XVIIe siècle.

R. Streltsov « Camomilles et violettes » (tempera)

Encaustique

L'encaustique (du grec ancien ἐγκαυστική - l'art de brûler) est une technique de peinture dans laquelle la cire est le liant des peintures. La peinture est réalisée avec des peintures fondues. De nombreuses icônes paléochrétiennes ont été peintes selon cette technique. Originaire de la Grèce antique.

"Ange". Technique d'encaustique

Nous attirons votre attention sur le fait que vous pouvez trouver une autre classification, selon laquelle l'aquarelle, la gouache et d'autres techniques utilisant du papier et des peintures à l'eau sont classées comme graphiques. Ils combinent les caractéristiques de la peinture (richesse des tons, construction de la forme et de l'espace avec la couleur) et du graphisme (le rôle actif du papier dans la construction de l'image, l'absence du relief spécifique du coup de pinceau caractéristique d'une surface picturale).

Peinture monumentale

Peinture monumentale – peinture sur structures architecturales ou d'autres raisons. Il s’agit du type de peinture le plus ancien, connu depuis le Paléolithique. Grâce à sa stationnarité et sa durabilité, il en reste de nombreux exemples provenant de presque toutes les cultures qui ont créé une architecture développée. Les principales techniques de peinture monumentale sont la fresque, le secco, la mosaïque, le vitrail.

Fresque

Fresque (de la fresque italienne - fraîche) - peinture sur plâtre humide avec des peintures à l'eau, une des techniques de peinture murale. Une fois séchée, la chaux contenue dans l'enduit forme une fine pellicule de calcium transparente, rendant la fresque durable.
La fresque a une surface mate agréable et est durable dans des conditions intérieures.

Monastère de Gelati (Géorgie). Église de la Bienheureuse Vierge Marie. Fresque sur la face supérieure et sud de l'Arc de Triomphe

Un secco

A secco (de l'italien a secco – sec) – art mural, réalisée, contrairement aux fresques, sur du plâtre dur, séché et réhumidifié. Les peintures sont utilisées, broyées sur colle végétale, à l'œuf ou mélangées à de la chaux. Secco vous permet de peindre une plus grande surface en une journée de travail qu'avec la peinture à fresque, mais ce n'est pas une technique aussi durable.
La technique a secco s'est développée dans la peinture médiévale avec la fresque et était particulièrement répandue en Europe aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Léonard de Vinci "La Cène (1498). Technique à sec

Mosaïque

La mosaïque (mosaique française, mosaïque italienne du latin (opus) musivum – (œuvre) dédiée aux muses) est un art décoratif, appliqué et monumental de genres variés. Les images d'une mosaïque sont formées en disposant, en plaçant et en fixant des pierres multicolores, du smalt, des carreaux de céramique et d'autres matériaux sur la surface.

Panneau mosaïque "Chat"

Vitrail

Le vitrail (français vitre - verre à fenêtre, du latin vitrum - verre) est une œuvre de verre coloré. Le vitrail est utilisé depuis longtemps dans les églises. À la Renaissance, le vitrail existait sous forme de peinture sur verre.

Vitrail du Palais de la Culture Mezhsoyuzny (Mourmansk)
Les types de peinture comprennent également le diorama et le panorama.

Diorama

La construction du diorama « Tempête du mont Sapun le 7 mai 1944 » à Sébastopol
Le diorama est une image picturale en forme de ruban, incurvée en demi-cercle, avec un sujet au premier plan. L’illusion de la présence du spectateur dans l’espace naturel est créée, obtenue grâce à une synthèse de moyens artistiques et techniques.
Les dioramas sont conçus pour un éclairage artificiel et sont situés principalement dans des pavillons spéciaux. La plupart des dioramas sont consacrés à des batailles historiques.
Les dioramas les plus célèbres : « Tempête du mont Sapun » (Sébastopol), « Défense de Sébastopol » (Sébastopol), « Batailles pour Rzhev » (Rzhev), « Briser le siège de Leningrad » (Saint-Pétersbourg), « Tempête de Berlin » (Moscou), etc.

Panorama

En peinture, un panorama est une image avec une vue circulaire, dans laquelle un fond pictural plat est combiné avec un premier plan en trois dimensions. Panorama crée l'illusion d'un espace réel entourant le spectateur dans un cercle complet de l'horizon. Les panoramas sont principalement utilisés pour représenter des événements couvrant une vaste zone et un grand nombre de participants.

Musée panoramique "Bataille de Borodino" (bâtiment du musée)
En Russie, les panoramas les plus célèbres sont le musée panoramique « Bataille de Borodino », « Bataille de Volochaev », « La défaite des troupes nazies à Stalingrad » dans le musée panoramique « Bataille de Stalingrad », « Défense de Sébastopol », panorama de le chemin de fer transsibérien.

Franz Roubo. Toile panoramique « Bataille de Borodino »

Peinture théâtrale et décorative

Décors, costumes, maquillage, accessoires contribuent à révéler davantage le contenu du spectacle (film). Le décor donne une idée du lieu et du moment de l’action, et active la perception du spectateur de ce qui se passe sur scène. Artiste de théâtre s'efforce dans les croquis de costumes et de maquillage d'exprimer avec acuité le caractère individuel des personnages, leur statut social, style de l'époque et bien plus encore.
En Russie, l'épanouissement de l'art théâtral et décoratif s'est produit au tournant des XIXe et XXe siècles. A cette époque, les artistes exceptionnels M.A. ont commencé à travailler au théâtre. Vroubel, V.M. Vasnetsov, A. Ya. Golovine, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vroubel « Ville de la sucette ». Scénographie de l'opéra de N.A. "Le Conte du tsar Saltan" de Rimski-Korsakov pour l'Opéra privé russe de Moscou. (1900)

Miniature

Une miniature est une œuvre picturale de petites formes. Le portrait miniature était particulièrement populaire - un portrait de petit format (de 1,5 à 20 cm), caractérisé par la subtilité particulière de l'écriture, une technique d'exécution unique et l'utilisation de moyens inhérents uniquement à cette forme picturale.
Les types et formats de miniatures sont très divers : elles ont été peintes sur parchemin, papier, carton, ivoire, métal et porcelaine, à l'aquarelle, à la gouache, aux émaux artistiques spéciaux ou Peinture à l'huile. L'auteur peut inscrire l'image, selon sa décision ou à la demande du client, dans un cercle, un ovale, un losange, un octogone, etc. Une miniature de portrait classique est considérée comme une miniature réalisée sur une fine plaque d'ivoire.

Empereur Nicolas Ier. Fragment d'une miniature de G. Morselli
Il existe plusieurs techniques miniatures.

Miniature en laque (Fedoskino)

Miniature avec un portrait de la princesse Zinaida Nikolaevna (bijoux Jusupov)

La peinture est peut-être la forme d’art la plus ancienne. Même à l’époque primitive, nos ancêtres créaient des images de personnes et d’animaux sur les parois des grottes. Ce sont les premiers exemples de peinture. Depuis lors ce type l'art est toujours resté un compagnon de la vie humaine. Les exemples de peinture d’aujourd’hui sont nombreux et variés. Nous essaierons de couvrir ce type d'art autant que possible, en parlerons des principaux genres, styles, tendances et techniques.

Techniques de peinture

Examinons d'abord les techniques de base de la peinture. L'un des plus courants est huile. Il s'agit d'une technique qui utilise des peintures à l'huile. Ces peintures sont appliquées par traits. Avec leur aide, vous pouvez créer de la diversité diverses nuances, ainsi que transmettre les images nécessaires avec un maximum de réalisme.

Détrempe- une autre technique populaire. À son sujet nous parlons de lors de l'utilisation de peintures en émulsion. Le liant de ces peintures est de l’œuf ou de l’eau.

Gouache- une technique largement utilisée en graphisme. La peinture gouache est réalisée avec une base adhésive. Il peut être utilisé pour travailler le carton, le papier, l'os ou la soie. L'image est durable et les lignes sont nettes. Pastel- Il s'agit d'une technique de dessin avec des crayons secs, et la surface doit être rugueuse. Et bien sûr, il convient de mentionner les aquarelles. Cette peinture est généralement diluée avec de l'eau. Une couche de peinture douce et fine est obtenue grâce à cette technique. Particulièrement populaire Bien entendu, nous n'avons répertorié que les principales techniques les plus souvent utilisées en peinture. Il y en a d'autres aussi.

Sur quoi les peintures sont-elles habituellement peintes ? La peinture la plus populaire est celle sur toile. Il est tendu sur un châssis ou collé sur du carton. A noter qu’autrefois, les planches de bois étaient assez souvent utilisées. Aujourd'hui, non seulement la peinture sur toile est populaire : tout autre matériau plat peut être utilisé pour créer des images.

Types de peinture

Il en existe 2 grands types : la peinture de chevalet et la peinture monumentale. Ce dernier est lié à l'architecture. Ce type comprend la peinture des plafonds et des murs des bâtiments, leur décoration avec des images réalisées à partir de mosaïques ou d'autres matériaux, des vitraux, etc. La peinture sur chevalet n’est pas associée à un bâtiment spécifique. Il peut être déplacé d'un endroit à l'autre. Il existe de nombreuses variétés de peinture sur chevalet (autrement appelées genres). Examinons-les plus en détail.

Genres de peinture

Le mot « genre » est d’origine française. Il se traduit par « genre », « espèce ». C'est-à-dire que sous le nom du genre il y a un contenu quelconque, et en prononçant son nom, nous comprenons de quoi parle l'image, ce que nous y trouverons : les humains, la nature, les animaux, les objets, etc.

Portrait

Le genre de peinture le plus ancien est le portrait. C’est l’image d’une personne qui ne ressemble qu’à elle-même et à personne d’autre. En d’autres termes, un portrait est une image en peinture d’une apparence individuelle, puisque chacun de nous a un visage individuel. Ce genre de peinture a ses propres variétés. Le portrait peut être en pied, en buste ou un seul visage peut être peint. Notons que toute image d'une personne n'est pas un portrait, puisque l'artiste peut créer, par exemple, « une personne en général » sans la copier sur quelqu'un d'autre. Cependant, lorsqu’il représente un représentant précis du genre humain, il travaille spécifiquement sur un portrait. Il va sans dire qu’il existe de nombreux exemples de peinture de ce genre. Mais le portrait présenté ci-dessous est connu de presque tous les habitants de notre pays. Nous parlons de l'image de A. S. Pouchkine, créée en 1827 par Kiprensky.

Vous pouvez également ajouter un autoportrait à ce genre. Dans ce cas, l'artiste se représente lui-même. Existe portrait de compagnon lorsque l'image montre des personnes par paires ; et un portrait de groupe, lorsqu'un groupe de personnes est représenté. On peut également noter le portrait d'apparat, dont un type est équestre, l'un des plus solennels. C'était très populaire dans le passé, mais de telles œuvres sont rares aujourd'hui. Cependant, le prochain genre dont nous parlerons est pertinent à tout moment. De quoi parle-t-on? Cela se devine en parcourant les genres que nous n'avons pas encore nommés en caractérisant la peinture. La nature morte en fait partie. C'est de cela dont nous allons parler maintenant, en continuant à nous pencher sur la peinture.

Nature morte

Ce mot a aussi origine française, cela signifie « nature morte », bien que le sens serait plus précis « nature inanimée ». La nature morte est une image d'objets inanimés. Ils sont très divers. Notons que les natures mortes peuvent aussi représenter la « nature vivante » : des papillons tranquilles sur les pétales, de belles fleurs, des oiseaux, et parfois on peut apercevoir une personne parmi les dons de la nature. Cependant, il s'agira toujours d'une nature morte, puisque l'image d'un être vivant n'est pas dans ce cas la chose la plus importante pour l'artiste.

Paysage

Paysage est un autre mot français qui signifie « vue sur le pays ». Il s'apparente au concept allemand de « paysage ». Le paysage est une image de la nature dans sa diversité. Les variétés suivantes rejoignent ce genre : le paysage architectural et le paysage marin très populaire, souvent appelé d'un seul mot « marina », et les artistes qui y travaillent sont appelés peintres de marine. De nombreux exemples de peinture du genre marin peuvent être trouvés dans les œuvres de I.K. Aivazovsky. L'un d'eux est "Rainbow" de 1873.

Cette peinture est réalisée à l'huile et est difficile à exécuter. Mais créer des paysages à l'aquarelle n'est pas du tout difficile, c'est pourquoi, dans les cours de dessin à l'école, cette tâche a été confiée à chacun de nous.

Genre animalier

Le genre suivant est animal. Tout est simple ici : il s'agit d'une image d'oiseaux et d'animaux dans la nature, dans leur environnement naturel.

Genre quotidien

Le genre quotidien est une représentation de scènes de la vie, de la vie quotidienne, d'« incidents » amusants, de la vie familiale et d'histoires. des gens ordinaires V environnement ordinaire. Ou vous pouvez vous passer d'histoires - capturez simplement les activités et les affaires quotidiennes. De telles peintures sont parfois appelées peinture de genre. A titre d'exemple, prenons l'œuvre ci-dessus de Van Gogh (1885).

Genre historique

Les thèmes de la peinture sont variés, mais le genre historique se démarque à part. Il s'agit d'une représentation de héros et d'événements historiques. Le genre bataille lui est adjacent, il présente des épisodes de guerre et de bataille.

Genre religieux et mythologique

Dans le genre mythologique, les œuvres de peinture sont écrites sur les thèmes des contes anciens et anciens sur les dieux et les héros. Il convient de noter que l'image est de nature laïque et qu'elle diffère en cela des images de divinités présentées sur l'icône. D’ailleurs, la peinture religieuse ne concerne pas seulement les icônes. Elle unit travaux diversécrit sur des sujets religieux.

Choc des genres

Plus le contenu d’un genre est riche, plus ses « compagnons » apparaissent. Les genres peuvent se confondre, il y a donc une peinture qui ne peut être placée dans le cadre d'aucun d'entre eux. L'art est à la fois général (techniques, genres, styles) et individuel (une œuvre spécifique prise séparément). Une image séparée contient également quelque chose en commun. Par conséquent, de nombreux artistes peuvent avoir le même genre, mais les peintures qui y sont peintes ne sont jamais similaires. La culture de la peinture présente de telles caractéristiques.

Style

Le style est un aspect de la perception visuelle des peintures. Il peut combiner les œuvres d’un artiste ou les œuvres d’artistes d’une certaine période, mouvement, école ou localité.

Peinture académique et réalisme

La peinture académique est une direction particulière dont la formation est associée aux activités des académies d'art européennes. Il apparaît au XVIe siècle à l'Académie de Bologne, dont on cherche à imiter les maîtres de la Renaissance. Depuis le XVIe siècle, les méthodes d’enseignement de la peinture ont commencé à être basées sur le strict respect de règles et de règlements, suivant des modèles formels. L'art à Paris était considéré comme l'un des plus influents d'Europe. Elle promeut l’esthétique du classicisme qui dominait la France au XVIIe siècle. Académie de Paris ? Ayant contribué à la systématisation de l'éducation, elle transforme progressivement les règles de la direction classique en dogme. Ainsi, la peinture académique est devenue une direction particulière. Au XIXe siècle, certaines des manifestations les plus marquantes de l'académisme étaient les œuvres de J. L. Jérôme, Alexandre Cabannel et J. Ingres. Les canons classiques n'ont été remplacés par des canons réalistes qu'au tournant des XIXe et XXe siècles. C'est le réalisme qui est devenu la méthode d'enseignement de base dans les académies au début du XXe siècle et s'est transformé en système dogmatique.

Baroque

Le baroque est un style et une époque artistique caractérisés par l'aristocratie, le contraste, les images dynamiques, les détails simples décrivant l'abondance, la tension, le drame, le luxe, une fusion de réalité et d'illusion. Ce style est apparu en Italie vers 1600 et s'est répandu dans toute l'Europe. Le Caravage et Rubens en sont les représentants les plus éminents. Le baroque est souvent comparé à l'expressionnisme, mais contrairement à ce dernier, il n'a pas d'effets trop répugnants. Les peintures de ce style se caractérisent aujourd'hui par la complexité des lignes et l'abondance des ornements.

Cubisme

Le cubisme est un mouvement artistique d'avant-garde apparu au XXe siècle. Son créateur est Pablo Picasso. Le cubisme a révolutionné la sculpture et la peinture en Europe, inspirant la création de mouvements similaires dans les domaines de l'architecture, de la littérature et de la musique. La peinture artistique de ce style se caractérise par des objets recombinés et brisés qui ont une forme abstraite. Lors de leur représentation, de nombreux points de vue sont utilisés.

Expressionnisme

L'expressionnisme est un autre mouvement important de l'art moderne apparu en Allemagne dans la première moitié du XXe siècle. Au début, il ne couvrait que la poésie et la peinture, puis s'est étendu à d'autres domaines de l'art.

Les expressionnistes décrivent le monde de manière subjective, déformant la réalité pour créer un plus grand effet émotionnel. Leur objectif est de faire réfléchir le spectateur. L'expression dans l'expressionnisme prévaut sur l'image. On peut noter que de nombreuses œuvres sont caractérisées par des motifs de tourment, de douleur, de souffrance, de cris (l'œuvre d'Edvard Munch, présentée ci-dessus, s'appelle « Le Cri »). Les artistes expressionnistes ne s'intéressent pas du tout à la réalité matérielle ; leurs peintures sont remplies de sens profonds et d'expériences émotionnelles.

Impressionnisme

L'impressionnisme est un style de peinture visant principalement à travailler en plein air plutôt qu'en atelier. Il doit son nom au tableau « Impression, lever de soleil » de Claude Monet, présenté sur la photo ci-dessous.

Le mot « impression » en anglais est impression. Les peintures impressionnistes transmettent principalement le sens de la lumière de l’artiste. Les principales caractéristiques de la peinture de ce style sont les suivantes : des traits fins et à peine visibles ; les changements d'éclairage, restitués avec précision (l'attention est souvent portée sur l'effet du passage du temps) ; composition ouverte; objectif commun simple; le mouvement comme élément clé de l’expérience et de la perception humaine. Les représentants les plus éminents d'un mouvement tel que l'impressionnisme sont Edgar Degas, Claude Monet et Pierre Renoir.

Modernisme

La direction suivante est le modernisme, né d’un ensemble de tendances dans divers domaines de l’art à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Le « Salon des Rejetés » parisien a été ouvert en 1863. Les artistes dont les peintures n'étaient pas autorisées à entrer dans le salon officiel étaient exposés ici. Cette date peut être considérée comme la date de l’émergence du modernisme en tant que mouvement artistique distinct. Sinon, le modernisme est parfois appelé « un autre art ». Son objectif est de créer des tableaux uniques, pas comme les autres. Caractéristique principaleœuvres - une vision particulière du monde par l'auteur.

Les artistes dans leur travail se sont rebellés contre les valeurs du réalisme. La conscience de soi est une caractéristique frappante de cette direction. Cela conduit souvent à l’expérimentation de la forme, ainsi qu’à un penchant pour l’abstraction. Les représentants du modernisme accordent une attention particulière aux matériaux utilisés et au processus de travail. Certains de ses représentants les plus éminents sont Henry Matisse (son œuvre « La Chambre Rouge » de 1908 est présentée ci-dessus) et Pablo Picasso.

Néoclassicisme

Le néoclassicisme était la principale direction de la peinture en Europe du Nord du milieu du XVIIIe siècle à la fin du XIXe. Elle se caractérise par un retour aux traits de la Renaissance antique et même de l'époque du classicisme. En termes architecturaux, artistiques et culturels, le néoclassicisme est apparu comme une réponse au rococo, perçu comme un style d'art superficiel et prétentieux. Les artistes néoclassiques, grâce à leur bonne connaissance des lois de l'Église, ont tenté d'introduire des canons dans leurs œuvres. Cependant, ils évitaient de se contenter de reproduire des motifs et des thèmes classiques. Les artistes néoclassiques ont tenté d'inscrire leurs peintures dans le cadre de la tradition et de démontrer ainsi leur maîtrise du genre. À cet égard, le néoclassicisme s'oppose directement au modernisme, où l'improvisation et l'expression de soi sont considérées comme des vertus. Ses représentants les plus célèbres sont Nicolas Poussin et Raphaël.

Pop Art

La dernière direction que nous considérerons est le pop art. Il est apparu en Grande-Bretagne au milieu des années 50 du siècle dernier et à la fin des années 50 en Amérique. On pense que le pop art est né d’une réaction aux idées dominantes de l’expressionnisme abstrait à l’époque. En parlant de cette direction, il est impossible de ne pas mentionner qu'en 2009, «Eight Elvises», une de ses peintures, a été vendue pour 100 millions de dollars.