Les artistes vietnamiens sont ce qu’il y a de plus intéressant dans les blogs. Peintures vietnamiennes réalisées à partir de matériaux insolites : art du passé et du présent Peintures réalisées à partir de divers matériaux naturels

Publié : 4 mars 2011

Palette de bonheur- Peinture du Vietnam années 1950

(Musée des Beaux-Arts de Hanoï).

En jetant un bref coup d’œil aux œuvres des maîtres vietnamiens des années 1950, on est constamment étonné de voir à quel point les images créées en ces temps difficiles semblent modernes. Les couleurs des peintures elles-mêmes sont fraîches, comme si elles reflétaient la variété des nuances de la nature du Vietnam, avec la verdure dense des plantes tropicales et les teintes azur des vagues de la baie d'Ha Long, avec la lueur dorée du sable sur le côte océanique et rizières baignées de soleil, avec l'agitation colorée des marchés aux fleurs...

Depuis l’Antiquité, la culture artistique du Vietnam a absorbé toutes les meilleures réalisations et influences extérieures. La formation de la tradition artistique vietnamienne a été fortement influencée par la philosophie confucéenne et la culture bouddhiste de Chine, formes complexes et les images de l'art hindou, et plus tard les styles et mouvements artistiques en France. Bien entendu, dans les années 1950, aussi difficile que cela puisse paraître, l’art du réalisme socialiste a eu une grande influence. Mais avec tout cela, l’histoire de la peinture vietnamienne semble être une pelote d’un fil brillant et fort qui n’a jamais été interrompu, créant un tissu aux motifs qui expriment l’âme même du Vietnam. Et donc, on ne verra probablement dans l'art du Vietnam des années 1950 ni les intonations instructives de la tradition confucianiste, ni le détachement bouddhiste, ni une sophistication un peu fière. école française, pas la moindre allusion à une « politique » ouverte. l’agitation », ni l’accent mis par le réaliste socialiste sur l’idéologie. La peinture vietnamienne, si l’on essaie de la caractériser littéralement en « un mot », exprime une admiration cachée pour le quotidien le plus simple ; c’est à la fois un sentiment de bonheur figé dans les couleurs et un rêve de bonheur. En général, après avoir jeté un rapide coup d'œil aux peintures des années 1950 de la collection du musée de Hanoï, le visiteur se retrouve avec un étrange sentiment de confiance que la réponse à la « foutue » question « Qu'est-ce que le bonheur et comment le trouver » ?" enfin trouvé au plus profond de mon cœur, fondu de la glace du quotidien par la palette chaleureuse des maîtres vietnamiens.

Peinture Tran Don Luon, « Bonheur », 1956, peinture sur soie

Le tableau de Tran Don Luon, réalisé en 1956, s'intitule « Bonheur ». Les images de ce tableau, peintes sur de la soie fine, semblent surgir de la brume du brouillard matinal des montagnes du nord du Vietnam, d'où l'artiste est originaire. La toile de soie adoucit les nuances, souligne la douceur des demi-teintes et des jeux d'ombres et de lumières, et sature toutes les couleurs de l'œuvre d'un éclat doré. Ainsi simplement et clairement, avec élégance et sincérité, l'artiste exprime l'idée séculaire d'une famille heureuse, de relations harmonieuses se développant en harmonie avec le monde environnant, avec la nature. Le lien harmonieux entre le monde humain et le monde naturel s'exprime non seulement par l'intrigue, mais aussi par la palette de couleurs : le costume gris bleuâtre délavé de la paysanne fait écho aux demi-teintes bleuâtres argentées, en partie cendrées du des montagnes au loin, qui servent essentiellement de fond de perspective à la scène de genre. La vie d’un paysan pauvre n’a pas l’air misérable et n’est pas associée au « lourd fardeau » du peuple, comme on pourrait le lire dans les vieux manuels. La modestie accentuée des vêtements, la retenue et la sérénité des gestes, la naïveté de l’entrée de la cabane attirent notre attention sur l’harmonie intérieure qui règne dans le cœur des personnages représentés. Peut-être que quelqu'un est enclin à penser que tout cela n'est qu'un indicateur du « caractère primitif » et d'une « économie arriérée », ou de la « propagande » communiste du mode de vie ouvrier-paysan... Il ne faut pas tirer de conclusions hâtives. Passons à la légende séculaire sur le bonheur d'un héros nommé Chu Dong Tuai. Ce pauvre pêcheur rencontra un jour la belle fille royale Tien, habituée aux vêtements brodés d'or. Les jeunes sont tombés amoureux les uns des autres et Tien s'est enfuie du palais pour vivre dans une simple cabane avec son amant, considérant la nature comme sa principale richesse. pays natal, vivre des sentiments sincères, des sourires d'enfants. Depuis lors, on pense que l'amour de Chu Dong et Tien aide les jeunes couples à survivre à toutes les épreuves de la vie et à préserver leurs sentiments et leurs relations. Et dans cette image il y a comme l'écho d'une légende ancienne, nous rappelant, absorbés dans le tourbillon des grandes villes, comment ouvrir les portes du bonheur. Mais ce n’est même pas le philosophe vietnamien et pas du tout « communiste » Soren Kierkegaard qui a dit que « les portes du bonheur ne s’ouvrent pas vers l’intérieur, mais de l’intérieur ». Ainsi, la peinture vietnamienne est à la fois un aveu et une philosophie des couleurs.

tableau de To Ngoc Van « Buffle donné après la réforme agraire », 1955, aquarelle.

Mais à propos du tableau de To Ngoc Van au titre expressif « Un buffle donné après la réforme agraire », on pourrait dire avec précision « propagande », « ordre politique »... et mettre un terme à cette histoire. Eh bien, moi non!!! Et ici tout n'est pas si simple ! Ce qui frappe dans la pensée vietnamienne, c'est avant tout son indépendance et sa capacité à adapter toutes les idées à sa propre constitution spirituelle. Une image graphique dans sa conception artistique rappelle davantage une étude, un croquis, et un personnage aussi sommaire sert d'expression de la poésie et de la dynamique interne de l'image. La sensation de mouvement impétueux est obtenue en développant une dynamique le long de la diagonale de la composition. Le buffle semble regarder son nouveau propriétaire avec surprise. Sur le visage d’une femme, un sourire retenu exprime le calme, la confiance et la joie. Dans la mythologie vietnamienne ancienne, le buffle symbolise le gardien du soleil. Comme le disent les légendes et les contes de fées, à l'époque de la création du monde héros mythiques, le buffle céleste portait le disque solaire sur ses cornes et commença à jouer avec lui en le lançant - quand le soleil saute en hauteur, alors le jour vient, quand il descend sur les cornes du buffle céleste, alors la nuit vient au monde . Et ce buffle offert à une jeune paysanne est une métaphore de l'espoir de la lumière du soleil d'une vie nouvelle, libre et heureuse, une image capturée par le pinceau rapide de l'artiste, qui s'est arrêté non seulement à un instant de l'histoire du Vietnam en du XXe siècle, mais aussi les motifs de légendes et de mythes anciens.

tableau «Deux filles avec un frère» To Ngoc Van, 1954, peinture à l'huile

Dans son tableau « Deux filles avec un frère », To Ngoc Van exprime la joie de la proximité spirituelle entre les gens, le sentiment de bonheur de la vie elle-même et de la communication. Les vêtements blancs de la jeune fille assise par terre font écho aux fleurs blanches comme neige du fond ; sa silhouette symbolise la pureté de l'épanouissement de la jeunesse. La silhouette de la sœur aînée est exquise, son visage est illuminé par la paix intérieure et la clarté des pensées. Le léger scintillement des reflets lumineux sur les visages et les vêtements des filles renforce l'expressivité de la palette de couleurs de l'image. La solution compositionnelle souligne le caractère calme et contemplatif de la scène. Les figures de deux filles et d'un enfant sont inscrites dans un ovale, ce qui donne la dynamique de la composition comme si elle était fermée à l'intérieur de l'espace pictural, créant un monde spécial à l'intérieur du tableau, respirant la paix et la gentillesse. Un schéma de composition classique magistralement exécuté ne semble cependant ni canonique ni figé. La sincérité des visages et la saturation de l'image en lumière, la figure d'un enfant vêtu d'une veste rouge vif, enfantinement naïvement brillante par rapport à la couleur de l'image dans son ensemble - tout cela donne de la vitalité et un goût particulier à la scène représentée de la vie quotidienne.

Peinture de Nguyen Duc Nonne<Прядильная нить>, 1956, peinture sur laque

Nguyen Duc Nun dans le film «Spinning Thread» ne représente pas simplement une scène du travail de routine des fileuses lors de la formation de l'État indépendant du Vietnam, lorsque les femmes devaient travailler chaque jour pendant 10 ou 12 heures pour réaliser le plan. Dans la vision traditionnelle du monde des Vietnamiens, le travail n'est pas seulement un moyen de survivre, de gagner sa vie, ce n'est pas un devoir fastidieux, mais quelque chose comme un culte, un service religieux, ainsi qu'un moyen de maintenir les traditions sacrées, les liens et continuité des générations. Et sur la photo, il y a une incarnation visible de cette idée philosophique, religieuse et profondément traditionnelle pour le Vietnam. Il est intéressant de noter que, contrairement aux révolutionnaires russes, les révolutionnaires vietnamiens n’ont pas du tout cherché à imposer une idéologie athée, ils ont seulement lutté pour la liberté nationale, pour l’indépendance politique. Cela a permis aux Vietnamiens de préserver les valeurs spirituelles populaires originales et les anciennes monuments historiques l'art et, bien sûr, la chose la plus importante - une façon de penser traditionnelle, non émasculée par des schémas idéologiques secs. La composition du tableau repose sur une comparaison de trois plans, se contractant en perspective et s'enfonçant profondément dans l'espace pictural. Au premier plan, une jeune fille s'affaire à son travail. Brillant jaune ses pulls sont symboliques - dans le bouddhisme, c'est la couleur du chemin spirituel, car les vêtements du Bouddha Shakyamuni, lorsqu'il s'est lancé sur le chemin de l'errance à la recherche de la vérité, en quittant la maison de son riche père, étaient précisément jaunes. C'est aussi la couleur de la jeunesse, les rayons du soleil, qui donnent vie à tous les êtres vivants. L'assiduité au travail est aussi de l'ascèse, un chemin spirituel personnel qu'entame cette jeune fille. À l’arrière-plan, une femme âgée portant des vêtements couleur terre. Son élément est la terre, son image est associée à la fertilité des sols, son travail est au nom de la prospérité. pays natal. Et le troisième plan est l'image réelle de la nature, éternelle, préservant la vie, donnant force et foi. En lisant le tableau comme un livre ouvert, d'un plan à l'autre, d'une ligne à l'autre, on se rend compte que l'artiste nous raconte en couleurs le lien spirituel entre les générations, la continuité du fil de vie de la culture humaine, éternel. et continue, comme la vie de la nature elle-même.

Chan Din To, "Pont de bois", 1956, aquarelle

Chi Ngoc, "Pont de bois", 1956, aquarelle sur colle

Souvent, l’image d’un pont apparaît comme un symbole de connexion et de continuité des générations comme base du bonheur. Symboliquement, et pas seulement visible, reliant les banques, le pont est métaphorique, il fait allusion au besoin de liens entre les gens - amitié, famille, coopération, lien spirituel, compréhension mutuelle. différentes générations. Shi Ngoc, représentant un pont en bois fragile, montre à quel point il est résistant au vent - fort, comme des arbres reliés par leurs racines à leur terre natale et capable d'être flexible, mais sans se briser sous les rafales de vent. Dans le tableau d'un autre artiste, Tran Din To, peint en 1956 comme le tableau de Chi Ngoc, le thème du pont est également devenu central.

Sur le plan de la composition, l'image est divisée en trois parties verticalement. En bas se trouve la rivière, symbole de l'impermanence et du changement, de la mobilité de l'existence, au-dessus se trouve le ciel, éternel, connecté dans la conscience à tout ce qui est sublime et spirituel. Quelle que soit la religion que professe le paysan vietnamien moderne (et au Vietnam il y a toujours eu un haut degré de liberté de religion, certains ne sont pas seulement bouddhistes ou adeptes des enseignements de Confucius et de Lao Tseu, mais chrétiens ou musulmans), il croit invariablement en la sagesse ancienne selon laquelle la fertilité de la terre est un don sacré du ciel, que les gens doivent préserver, protéger, protéger et honorer, travailler sur terre, admirant invariablement ce don. Et ce n'est pas un hasard si le pont agit ici aussi comme une métaphore du lien entre le ciel et la terre, les principes spirituels et mondains dans vie humaine. L'idée d'unité spirituelle et Vie mondaine comme souligné par la couleur de l'image - la couleur du ciel fait écho à la couleur Eaux troubles des rivières transportant du limon fertile vers les champs.

peinture de Fan Ke An<Уборка урожая во Вьетбаке>, 1953, peinture sur laque

Le désir de glorifier la fertilité des champs, la beauté de la terre natale et l’étendue mystique et séduisante des cieux se reflète dans le tableau de Phan Ke An « Récolte au Viet Bac ». L'artiste a travaillé selon la technique traditionnelle de la peinture au vernis d'Asie du Sud-Est, mais le système artistique et visuel de cette œuvre est basé sur les principes de la peinture réaliste européenne. Phan Ke An préférait, comme beaucoup d'autres artisans au Vietnam, fabriquer ses propres peintures pour ses œuvres. C'est le secret de la beauté insaisissable et de l'originalité des nuances, du caractère unique des demi-teintes et de la mélodie des combinaisons de couleurs. En mélangeant des pousses et des branches de sophora broyées dans diverses proportions pour créer de la peinture jaune, l'artiste obtient une variété de nuances de jaune qui transmettent de manière réaliste la richesse de la récolte fraîche et remplissent l'espace pictural d'un sentiment de joie de vivre. La couleur verdâtre est obtenue à l'aide d'oxyde de cuivre et de résine de pin, l'effet d'éclat interne est obtenu en ajoutant de la nacre finement broyée à la couche de vernis. Une composition à plusieurs figures en réduction de perspective a été initialement résolue. Les figures de paysans ouvriers en mouvement impétueux s'éloignent progressivement du spectateur dans les profondeurs de l'espace, devenant des points à peine perceptibles plus proches du pied des hautes montagnes, là où se trouve la limite du champ fertile, et comme si elles se fondaient en un seul ruisseau. au rythme de la vie de la nature, formant une unité avec elle et incarnant ainsi la véritable harmonie de l'existence. Les visages des paysans ne sont pas visibles pour le spectateur ; l'individualisme est généralement étranger aux Vietnamiens, mais le spectateur est véhiculé par la puissante énergie de ces personnes, dont les figures expressives sont imprégnées d'un sentiment de bonheur dû au travail créatif et d'un sentiment d'unité. et la proximité avec leur nature natale.

Wan Bin, tableau<Единство народов севера и юга>, 1956, peinture à l'eau sur colle

L’image de l’unité et de l’amitié entre les peuples du Vietnam est incarnée dans le tableau de Van Binh « L’amitié des peuples du Nord et du Sud ». La peinture a été réalisée à l’aide d’une technique complexe qui combine les traditions de la peinture sur laque vietnamienne et des aquarelles d’Europe occidentale. Les peintures à l'eau sont appliquées par l'artiste sur un support vernis-adhésif spécialement préparé pour elles. Une fois les aquarelles sèches, l'artiste a appliqué dessus de nouvelles couches de colle transparente, ce qui donne à la couleur du tableau un éclat subtil et une grâce particulière des nuances. Les images de deux filles, symbolisant l'unité du Nord et du Sud, sont également associées non seulement aux vicissitudes historiques des années 1950, mais aussi aux légendes des temps anciens. Pour ceux qui connaissent l'histoire ancienne et les légendes du Vietnam, les images de ces filles sont comme un écho des récits des légendaires sœurs Trung, qui, au premier siècle après JC, rassemblèrent une armée puissante et vainquirent les dirigeants chinois, obtenant ainsi : bien que pour une courte période, l'indépendance de leur peuple. Van Binh transmet dans cette image une métaphore très claire : un appel au nord et au sud, comme deux sœurs légendaires, à s'unir et à parvenir à la libération absolue du territoire du Vietnam. Pour mieux comprendre de quoi nous parlons ici, rappelons brièvement l’histoire de la division du Vietnam. L'idée de fraternité et d'unité des peuples du Vietnam est devenue particulièrement pertinente dans les années 1950, car en 1954, le territoire du Vietnam a été divisé le long du dix-septième parallèle en deux parties - le nord du Vietnam, qui a obtenu son indépendance, et le sud du Vietnam, où le Le gouvernement « fantoche » pro-américain a été renforcé. A Washington, il a été décidé de s'appuyer sur Ngo Dinh Diem, lié à la CIA, qui, bien sûr, non sans le soutien des services de renseignement américains, a été nommé au poste de Premier ministre du gouvernement fantoche du sud du Vietnam. , parce que les États-Unis voulaient faire du Sud-Vietnam un nouveau type de colonie. En octobre 1955, Diem destitua l'empereur Bao Dai du pouvoir à la suite d'élections frauduleuses, après quoi il proclama la création de la République souveraine du Vietnam, ce qui constituait une violation objective des Accords de Genève. Ainsi, la perspective d’une réunification vietnamienne a été délibérément reportée sine die. La grave erreur stratégique de Diem a été l'abolition de l'autonomie des villages dans le sud, qui a violé les traditions vietnamiennes vieilles de plusieurs siècles, en particulier les traditions du mode de vie rural sud-vietnamien. En conséquence, la paysannerie, qui constituait la majeure partie de la population du Sud-Vietnam, s'est avérée opposée au gouvernement Diem, qui a lancé, entre autres, des répressions contre la clandestinité communiste restée dans le pays après 1954, bien que il était faible et ne représentait pas une réelle menace pour lui. Peu importe les efforts déployés par les cercles pro-américains pour diviser le peuple vietnamien, ils n’y sont pas parvenus et, en décembre 1960, les forces patriotiques du Sud-Vietnam ont créé le Front de libération nationale pour lutter pour l’indépendance et l’unification du pays (rappelez-vous que le nord et le sud du Vietnam se sont finalement unis en 1976). Ainsi, la peinture de Van Binh était, comme on dit aujourd’hui, « sur le thème du jour », tout en restant en lien étroit avec les images traditionnelles qui font écho aux légendes et à l’histoire séculaire du Vietnam.

Les peintures de Luong Xuan Ni sont lyriques, saturées de l'éclat de la lumière et d'une variété de couleurs. La paix contemplative remplit le paysage, représentant un simple village au bord d’une rivière. À première vue, l'image semble déserte, les personnages ne sont indiqués que de manière conventionnelle en arrière-plan. Cependant, la nature elle-même semble dotée d’humanité, de spiritualité et d’un sentiment de bonheur. Luong Xuan Ni peint à l'huile, adhérant aux traditions de l'école française, c'est pourquoi ses couleurs ressemblent parfois à la palette de Cézanne ou de Renoir.

La subtilité du sens de la couleur est aussi importante pour un artiste que la précision de l'ouïe pour un musicien. Et, comme s'il s'agissait d'une belle mélodie raffinée, de note en note, d'accord en accord, véhiculant les mouvements de l'âme, la palette de couleurs des sons du paysage. Soit des reflets jaunes flashent sur l'eau et le feuillage, soit une verdure d'un vert tendre unit toutes les couleurs avec un éclat émeraude et détend notre regard, soit une verdure épaisse et des troncs d'arbres brunâtres soulignent la couleur de la flore tropicale.

Un autre tableau de Luong Xuan Ni est une nature morte. Les fleurs dans un vase sont comme l’incarnation d’un rêve d’épanouissement de son pays natal, ou simplement d’un rêve de bonheur.

Les motifs des nappes rappellent les motifs naïfs et dynamiques des tableaux d'Henri Matisse, mais on ne parle pas d'imitation, mais plutôt de continuité des traditions. Les artistes vietnamiens n’ont jamais copié les maîtres français, mais ont seulement emprunté et adopté les caractéristiques qu’ils aimaient, les interprétant sur la base de leur propre vision du monde. Les fleurs dans un vase sont si simples et délicieuses, tout aussi poétiques et élégantes. Cela me rappelle les vers du poète vietnamien Man Giac du XIe siècle : « Les sources passent, des centaines de fleurs tombent, des centaines de fleurs s'épanouissent avec un nouveau printemps ». Les fleurs sont des symboles de la variabilité et du caractère éphémère de la vie et, en même temps, de l’espoir d’une renaissance dans le tourbillon de l’existence.

Mai Long, qui commençait tout juste sa carrière d'artiste dans les années 1950, a représenté une scène de la vie dans la région autonome nationale de Tai Meo, au nord-ouest du Vietnam. Cette région est pratiquement coupée des principaux échanges commerciaux et centres culturels Viêt Nam hautes montagnes et les forêts, grâce auxquelles le peuple Tai-meo a préservé sa propre culture unique. Un jeune homme amoureux dédie la mélodie du khen à la flûte de bambou à sa petite amie. Les vêtements clairs de la jeune fille, dans leur éclat intérieur, font écho à la couleur de la pleine lune, qui rappelle des images de la poésie populaire vietnamienne, où la beauté d'une femme est souvent comparée au visage de la lune illuminant l'obscurité de la nuit. Tout comme la lune éclaire un paysage nocturne, la beauté d’une jeune fille illumine la vie d’un jeune homme de sa lumière gracieuse. La sensation de fraîcheur de la nuit se traduit par des reflets bleutés vacillants, et il semble que le monde entier, les sommets des montagnes lointaines et les troncs d'arbres minces écoutent attentivement la mélodie qui perce le silence de la nuit, réchauffant l'air. de la nuit et le cœur de la jeune fille.

« Chaque fois qu’il n’y aurait pas d’hiver méchant, le monde oublierait le printemps… » C'est par ces mots que nous pouvons compléter notre nouvelle sur la peinture vietnamienne des années 1950, qui, sur fond d'adversité de la guerre, semblait être une incarnation colorée de l'idée même de bonheur. Ce sont des lignes du célèbre « Journal de prison » d’Hô Chi Minh, écrit pendant les années de dure lutte pour l’indépendance du peuple vietnamien. C’est alors, dans les années 1940, que Nguyen Ai Quoc (traduit par Nguyen Patriot, de son vrai nom Nguyen Tat Thanh), emprisonné pour sa lutte, futur leader du Vietnam libre, adopte un pseudonyme, sous lequel il acquiert une renommée mondiale. Traduit, le nom Ho Chi Minh signifie doté de sagesse. La sagesse comme combinaison expérience de la vie et l'observation, la manifestation du talent naturel et de l'humanité authentique, l'incarnation de la spiritualité, de la gentillesse et de la compassion - c'est précisément la sagesse qui mène au bonheur et à la liberté, dans une compréhension philosophique et pas seulement politique. Ayant pris un pseudonyme si sonore, modeste et intelligent, mais en même temps volontaire et intransigeant dans la lutte, le leader du mouvement de libération nationale au Vietnam semble affirmer l'idée que c'est la sagesse qui doit être guidée non seulement en matière de gouvernement, mais aussi pour surmonter des défis difficiles. La sagesse du peuple vietnamien dans sa quête du bonheur à tout moment se reflète dans beaux-Arts. L’art pictural des années 1950, avec ses couleurs, semblait annoncer l’arrivée du « printemps », la renaissance du Vietnam indépendant après le rude « hiver » des guerres et des privations.

Pour résumer un bref aperçu des œuvres de la peinture vietnamienne des années 1950 de la collection du Musée de Hanoï, on pourrait dire quel rôle elles ont joué dans l'histoire de l'art vietnamien en particulier et dans le monde. culture artistique en général, ou sur le lien étroit entre les images créées par les artistes et événements historiques ces années-là et avec le contexte historique et culturel tradition nationale. Mais, probablement, il suffira de regarder dans votre propre âme - et c'est le résultat de la connaissance de l'art du Vietnam au cours de ces années déjà relativement éloignées de nous. C’est comme si nous étions devenus plus riches et plus sages, après avoir plongé nos yeux et nos sentiments dans la palette du bonheur.

Lukashevskaya Yana Naumovna, historienne de l'art, critique d'art indépendante, commissaire d'exposition.

© site, 2011

De : Biryukova Irina,   Publié : 15 juin 2006

Sur les tendances du développement de la peinture de paysage au Vietnam moderne. Particularités vie artistique pays dans des conditions économiques et politiques modernes.

Brouillard d'automne sur le mont We-lin
enveloppe les arbres.
Différentes couleurs d'herbes, myriades de fleurs
décorer le monde des mortels.

Nguyen Zy « Conversation à Kim Hoa sur la poésie » XVIe siècle.

La peinture contemporaine au Vietnam étonne par la diversité de ses styles artistiques. Dans le même temps, il n'y a pas de division claire entre styles et genres - le style de chaque artiste est unique dans son individualité, mais en même temps, tous les maîtres s'efforcent de trouver et d'exprimer précisément l'idéal national vietnamien. Depuis l’Antiquité, les Vietnamiens se sentent partie intégrante de la nature, obéissant à ses rythmes et admirant sa force et sa beauté. Pour les Vietnamiens, parvenir à l’harmonie avec la nature n’est pas seulement un concept contemplatif et philosophique, mais aussi une nécessité urgente. Les géographes appellent parfois le Vietnam « le balcon sur l’océan Pacifique ». Le climat humide et les inondations constantes ont obligé les habitants de ces terres à chercher une opportunité de s'adapter à des conditions aussi difficiles. Le travail acharné et la responsabilité des Vietnamiens les ont aidés à développer ces terres, initialement impropres à l'agriculture. Les Vietnamiens en sont à juste titre fiers. Ils ont un dicton : « Au Cambodge, ils mangent du riz, au Laos, ils le commercialisent et au Vietnam, ils le cultivent. » Aujourd'hui, le riz cultivé au Vietnam possède les qualités nutritionnelles les plus précieuses et est donc la même pour l'économie de ce pays. le facteur le plus important, qui pour de nombreux autres pays est le pétrole et le gaz.

Nguyen Thi Tam, « Scène de village », Musée de Hanoï, soie, aquarelle, 60x45, années 1990.

Tout Vietnamien est véritablement un patriote de son pays, connaissant les noms de presque toutes les montagnes, rivières, Belle fleur. Lorsque les artistes vietnamiens peignent la nature, ils essaient de ne copier aucun paysage de la nature, mais de transmettre leurs expériences personnelles en contemplant la beauté de leur pays d'origine, d'exprimer leur amour sincère pour la grandeur et la diversité infinies de la nature. La peinture de paysage sur soie possède les qualités artistiques les plus exquises. Le matériau lui-même permet de montrer les plus fines nuances de couleur et de transmettre les changements qui se produisent dans le paysage en raison des phénomènes météorologiques. Nguyen Thi Tam dans sa « Scène de village » dépeint un paysage matinal après la pluie. Les arbres se reflètent dans l’eau boueuse et argileuse de la baie et la ligne d’horizon est cachée par une brume brumeuse. Au premier plan du tableau se trouvent des passerelles en bois branlantes menant à de modestes maisons de village. Devant nous se trouve une image poétique de la nature capricieuse avec laquelle les Vietnamiens ont l'habitude de vivre en harmonie. Les maisons sont pratiquement inondées d'eau et les enfants s'amusent sans soucis en se balançant sur les ponts.

Chu Thi Thanh, "Festival folklorique du nord-ouest du Vietnam", Musée de Hanoï, soie, aquarelle, 70x65 cm.

Une œuvre caractéristique La peinture de paysage sur soie des années 1990 est la peinture « Festival folklorique du nord-ouest du Vietnam ». L'artiste Chu Thi Thanh réalise ici une véritable synthèse organique du paysage et de la peinture de genre. fête nationale Le maître le relie aux éléments de la nature. Il semble que la nature elle-même participe à la fête : les branches des arbres, courbées par le vent, font écho aux mouvements fluides des danseurs du village, et les montagnes servent de décor naturel à cette scène joyeuse. Il n’y a pas de couleurs locales dans la coloration du tableau. Des nuances claires de vert, de bleu grisâtre et de jaune citron créent une unité de couleur majeure unique.

Le Kim My, « Nord Vietnam », Musée de Hanoï, soie, aquarelle, 60x45 cm.

L'artiste Le Kim My peint la vision nord-vietnamienne avec la même inspiration, mais il n'est pas attiré par les plaisirs festifs, mais par le travail quotidien. Dans le paysage « Nord-Vietnam », il représente des jeunes filles marchant au bord d'une rizière et portant des paniers en osier derrière leur dos. Les troncs d'arbres sont peints graphiquement par le maître, ce qui évoque des associations avec la peinture traditionnelle de Chine et de Corée. La palette de couleurs est dominée par des nuances de vert, exprimant la fraîcheur d'un feuillage saturé d'humidité. La peinture à l’huile de paysage est devenue populaire au début du 21e siècle, mais elle tend davantage vers le caractère décoratif que vers le véritable pittoresque. La soie est une matière familière aux peintres vietnamiens dont la légèreté, la douceur et la transparence les aident à démontrer pleinement la richesse de leur palette. Les artistes vietnamiens n’ont commencé à peindre à l’huile sur toile qu’au milieu du 20e siècle. Travailler avec cette technique pendant longtemps n'est pas allé au-delà des tentatives des étudiants pour maîtriser une nouvelle méthode de peinture. Ce n’est que maintenant que les artistes se tournant vers la peinture à l’huile commencent à rechercher activement des moyens visuels pour incarner les idéaux artistiques vietnamiens. Il est important pour tout artiste vietnamien de souligner la couleur particulière qui distingue la nature de son pays natal. Si, en peignant sur soie, les maîtres créent une variété de couleurs grâce à des combinaisons subtiles et exquises de couleurs quelque peu atténuées, alors dans peinture à l'huile les artistes identifient des propriétés visuelles et décoratives, généralement locales couleurs vives.

Le Thanh, "Arbres en automne", galerie privée à Hanoï, huile sur toile, 60x75 cm.

On peut admirer la beauté impeccable des couleurs jaunes et bleues dans le tableau « Arbres en automne », peint à l'huile par un artiste nommé Le Thanh. Certains artistes vietnamiens contemporains sont tellement passionnés par la beauté des fleurs locales qu’ils créent des cycles saisonniers entiers de paysages. Il s'agit par exemple de Lam Dak Manh, qui a réalisé un cycle de plus de vingt tableaux représentant la rue centrale de Hanoï en temps différent jours et années. La couleur vous permet de caractériser les couleurs d'une certaine saison, de transmettre au spectateur la sensation d'un été chaud ou d'un hiver frais. De telles œuvres sont très demandées par les collectionneurs et les entrepreneurs européens et américains. C'est pourquoi presque toutes les galeries de Hanoi emploient un maître capable de fabriquer sur mesure tout type d'œuvre qui intéresse le client dans une certaine palette de couleurs. Malheureusement, une peinture réalisée de cette manière n'a pas toujours les caractéristiques du véritable grand art. Il convient toutefois de reconnaître que le client et l'artiste sont généralement dotés de bon goût, de sorte que l'industrie de l'art vietnamienne s'abaisse rarement au niveau de l'artisanat. Les acheteurs d’art vietnamien sont principalement des intellectuels européens et de grands entrepreneurs français, descendants des familles aristocratiques de ces personnalités influentes qui ont fait des affaires dans la colonie asiatique. Il peut sembler très étrange que les anciens agresseurs et occupants investissent des fonds importants dans l’économie vietnamienne et manifestent une attention plus amicale envers le Vietnam que d’anciens personnes et partenaires partageant les mêmes idées. En France par exemple, des expositions et des foires d'artistes vietnamiens ont lieu presque chaque année.

Lam Dak Manh, "Rue de Hanoï", Hanoï, galerie d'artiste, 60x65 cm.

La peinture vietnamienne contemporaine, qui a conservé le charme unique des traditions orientales et absorbé un sens particulier de la modernité, constitue une partie importante de la culture mondiale. L'étonnante harmonie intérieure caractéristique de ce peuple fort et noble, qui a résisté dignement aux horreurs des guerres destructrices, a donné naissance à un art lumineux et original, rempli d'images hautement poétiques.

De : Oleg Volkov,  

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Un commentaire:

Les Vietnamiens sont Des gens créatifs avec sa propre approche de l'art. Il y a beaucoup de choses inhabituelles et colorées dans les peintures vietnamiennes, réalisées à partir des matériaux les plus différents matériaux. Nous souhaitons vous en parler, car peut-être ne soupçonniez-vous même pas que des œuvres d’art pouvaient être créées à partir de tels matériaux de récupération. Dans le même temps, nous aborderons à la fois les modes d'expression anciens des artistes et les plus modernes.

Peintures brodées sur soie

Le grand nombre de nuances utilisées pour créer des peintures et le travail délicat et minutieux d’artisanes qualifiées ont rendu les peintures vietnamiennes brodées sur soie célèbres dans le monde entier. Des paysages naturels et des portraits de personnes prennent vie dans les peintures. Les peintures recto-verso sont particulièrement surprenantes. Toutes les œuvres se distinguent également par l'effet de tridimensionnalité de l'image. Des peintures d'artisans peuvent être vues à la fabrique de soie de Dalat. Ce n'est pas seulement une usine, mais une belle salle d'exposition, où vous pourrez admirer les superbes œuvres des brodeuses et, si vous le souhaitez, acheter votre tableau préféré. De plus, les visiteurs peuvent voir comment les filles travaillent à la création de ces peintures étonnantes directement dans les couloirs.

Tableaux en laque

Le vernis est un matériau imperméable et durable et les Vietnamiens créent avec lui belles images, décorez des boîtes, des plateaux, des paravents et d'autres objets avec des images de laque. Travailler le vernis demande certaines compétences, car ce matériau durcit rapidement. Les artisans doivent agir rapidement et avec prudence. Vous pouvez voir des peintures sur laque dans un atelier à Hô Chi Minh-Ville, en faisant une visite touristique. L'atelier propose une variété d'objets allant des grandes commodes aux petites boîtes pouvant être achetées comme souvenirs.

Peintures de plumes de poulet

De telles œuvres uniques peuvent être vues dans l’ancien quartier de Hoi An, elles ont été créées par un artiste nommé Dinh Thong. Depuis son enfance, il s'intéresse aux beaux-arts, dessine avec des peintures et des crayons traditionnels, réalise des collages à partir de papier, puis décide d'introduire quelque chose de complètement nouveau et inhabituel dans son travail et réalise son premier tableau à partir de plumes de poulet. Habituellement, l'artiste utilise des plumes d'oiseaux vietnamiens, et elles sont disponibles en quatre couleurs : noir, blanc, marron et gris. Dinh Thong colle des plumes sur du carton, créant ainsi des paysages, des portraits ou compositions abstraites. Ces peintures inhabituelles se caractérisent par leur durabilité, la solidité des couleurs et, surtout, leur originalité.

Gravure sur verre en bas-relief CHOUETTE

Ce type d'art n'est pas ancien. Il est apparu après que les mosaïques de verre ont été importées d’Europe au Vietnam. Les peintures sur verre SOVA ont été inventées grâce à Fan Hong Vin. C'est lui qui a développé nouvelle technologie gravure en bas-relief sur verre. Grâce à cette technique, l’artiste transforme des carreaux de verre ordinaires en œuvres d’art. Vinh a inventé une machine de sablage spéciale utilisée pour traiter le verre dépoli, et a également mis au point une méthode pour troubler les produits en cristal. La gravure est utilisée non seulement pour créer des peintures ordinaires, mais aussi pour réaliser divers éléments de décoration d'une pièce : portes, murs, cloisons. Bel effet Cela se produit lorsque la lumière tombe sur le verre : l'espace devient scintillant ! Les peintures représentent des fleurs et des plantes, des animaux, des personnes ou des paysages naturels.

Peintures de riz

Comme vous le savez, le riz pour les Vietnamiens est la céréale et le produit le plus important sur la table. Les Vietnamiens apprécient et respectent le riz. Il n’est pas surprenant que le riz soit également entré dans le domaine des beaux-arts. En utilisant des grains de riz, les artistes travaillant dans l'atelier de Huu Cuong Nguyen créent des peintures uniques qui représentent la nature du Vietnam et les personnes qui vivent et travaillent dans ce pays. Pour le travail, les artisans choisissent des grains forts de taille égale. Afin de donner aux grains des nuances différentes, ils sont torréfiés à différentes températures. Les professionnels expérimentés peuvent produire plus de dix nuances de riz. Pour coller le riz sur la base, on utilise de la colle de lait visqueuse. Les peintures finies sont séchées au soleil. Les artisans mettent de six à douze jours pour réaliser un tableau.

Peintures d'ailes de papillon

Les peintures d'ailes de papillon sont créées par le professeur vietnamien Bui Cong Hien. Il a repris ce travail après avoir quitté l'enseignement à la Faculté de biologie de l'Institut de Hanoï. Avec l'ingénieur Dang Ngoc Anh, ils ont commencé à élever des papillons pour créer des peintures. Pendant le travail, un type de colle spécial spécialement développé est utilisé, qui préserve la tendresse naturelle des ailes de papillon. Aujourd'hui, le professeur et l'ingénieur ont l'idée d'enseigner aux paysans comment élever des papillons et créer des peintures étonnantes et inhabituelles afin qu'ils puissent augmenter leurs revenus.

Peintures de différents matériaux naturels

Dans certains magasins vietnamiens de luxe intérieurs, vous pouvez voir peintures originales, créé par un groupe d'étudiants d'Ourway. Ils sont fabriqués à partir de matériaux naturels et il n'est pas immédiatement possible de deviner que les maîtres utilisaient des coquilles d'œufs, des racines de plantes, du foin, de la sciure et de la paille pour leurs travaux. Il est intéressant de noter que les élèves essaient de ne pas peindre les matériaux de leurs peintures. Ils trouvent de la sciure de bois colorée et utilisent non seulement les coquilles d’œufs de poule, mais aussi d’œufs de canard et de caille. Au stade initial, le croquis est appliqué sur la base avec un crayon, puis le futur tableau est recouvert de colle sur laquelle sont appliqués divers matériaux. Toutes les peintures sont originales et ne se ressemblent pas, ce qui constitue leur valeur particulière.

Les peintures au Vietnam sont principalement des œuvres sur soie et laque artistes contemporains. Cependant, vous pouvez également trouver des peintures plus exclusives - des ailes de papillon, des plumes de poulet, des coquilles d'œufs, de la nacre, du sable, du riz, etc. Je vais vous expliquer dans cet article à quoi ressemble la peinture au Vietnam, où acheter des tableaux et combien ils coûtent.

Les beaux-arts au Vietnam n’ont commencé à se développer activement qu’à la fin du XIXe et au début du XXe siècle. Avant cela, la peinture locale copiait largement les sujets et les techniques chinois. Très peu d’exemples de telles œuvres ont survécu à ce jour. Il s'agit de divers paysages et portraits réalisés à l'encre ou à l'eau sur des rouleaux de soie. On peut désormais les voir dans les musées historiques, les temples et les pagodes.

Tout a changé au siècle dernier, lorsque la France a colonisé le Vietnam. Les tendances européennes ont pénétré toutes les sphères de la culture du pays, y compris la peinture. Depuis, ils ont commencé à ouvrir écoles d'art, de nombreuses directions sont apparues.

Aujourd'hui, les arts visuels du Vietnam sont représentés à la fois par des motifs orientaux traditionnels de ce pays et par des œuvres européennes tout à fait modernes. On les retrouve dans les galeries d'art, lors d'expositions privées et dans les magasins.

Quels tableaux peut-on acheter au Vietnam ?

Les peintures vietnamiennes de haute qualité ne sont pas vendues à tous les coins de rue. Si vous avez l’intention de trouver une œuvre vraiment unique, vous devez comprendre ce que vous devriez généralement envisager d’acheter.

Je vous conseille de faire attention aux photos suivantes :

• Soie
• Vernis

Ils le feront sûrement un bon cadeau ou mettez en valeur vos goûts en décorant l'intérieur.

À cela s’ajoutent d’autres œuvres originales réalisées à partir de :

• Nacre
• Sable
• coquilles

Je vous en dirai plus sur tout cela dans la suite de l'article.

Peintures sur soie

Réalisés dans un style unique, avec de nombreux détails, ces chefs-d'œuvre seront appréciés même par ceux qui sont loin de l'art. La soie en broderie vous permet de présenter n'importe quel sujet, même standard, d'un tableau d'une manière nouvelle et mémorable. Le travail de création de telles peintures prend parfois plus d'un an ; le processus lui-même demande beaucoup de main-d'œuvre. Par conséquent, les peintures de maîtres expérimentés sont vraiment très appréciées.

Quant aux prix, la fourchette est ici très large. Ainsi, une petite peinture sur soie peut être achetée pour 900 000 à 2 700 000 dongs. Mais vous devez comprendre qu’il ne s’agit pas exactement d’art – les sujets de ces peintures sont typiques. Ce n'est qu'un souvenir peu coûteux qui peut être offert à des amis ou à des collègues. De plus, il est possible que la peinture s'estompe après un certain temps. Cela indique qu'il s'agit d'un faux. La vraie soie ne change pas de couleur.

Une autre chose concerne les œuvres exclusives à grande échelle réalisées en un seul exemplaire. Après avoir accroché un tel tableau chez vous, vous n'entendrez jamais de vos invités une phrase comme : « Oh, nous avons le même ! Quant aux prix, ils varient de 1 000 000 de dong à 3 000 000 000 de dong.

Les peintures en laque sont des images réalisées avec des peintures spéciales qui changent de couleur sous l'influence du vernis. Et ici la situation est exactement la même que dans le cas de la sérigraphie : on peut trouver aussi bien des œuvres très simples que de véritables chefs-d'œuvre.

La première option convient à ceux qui recherchent un cadeau pas cher. Les estampes populaires peuvent être identifiées comme un type distinct de ces peintures. Il s’agit d’une sorte de dessins animés et de caricatures qui jouent sur les bandes dessinées vietnamiennes et les histoires quotidiennes. Assaisonnés de saveurs locales, ils suscitent un grand intérêt parmi les touristes. La technologie de leur fabrication est très intéressante. Tout d’abord, une parcelle est découpée sur une surface en bois, puis l’artiste dessine l’image sur le bois avec des peintures colorées. Il est important de noter que ces peintures sont exclusivement d'origine naturelle.

Vous pouvez même acheter de telles peintures dans les boutiques de souvenirs et les magasins. Quant au prix, vous pouvez trouver des images intéressantes jusqu'à 200 000 VND.

Mais si vous recherchez quelque chose de plus original, visitez les galeries d'art et les usines de laque. Vous pouvez y acheter des peintures en laque à des prix allant de 9 000 000 VND à 23 000 000 VND.

Peintures originales réalisées à partir de matériaux naturels

Pour créer des peintures, les Vietnamiens n'utilisent pas seulement des peintures et des vernis : ils utilisent presque tous les matériaux disponibles.

Voici quelques-uns d'entre eux:

Nacre

Les coquillages brillants qui scintillent à la lumière ont commencé à être utilisés pour l'incrustation au XIe siècle. C'est aujourd'hui l'un des genres traditionnels de la peinture vietnamienne. À cette fin, la nacre est même achetée en Chine, à Singapour et dans certains autres pays d'Asie du Sud-Est.

Le processus d'incrustation lui-même est très complexe et comprend plusieurs étapes :

1. L'artiste réalise d'abord un croquis sur papier puis le copie sur un support en bois.
2. Ensuite, des évidements sont creusés dans le bois dans lesquels la nacre sera placée. Au même stade, il est nécessaire de sélectionner et de disposer correctement les coquilles. Différents types de nacre ont leurs propres nuances et doivent être combinés les uns avec les autres. Les coquilles sont découpées sur des machines spéciales puis collées sur une surface en bois.
3. Mais ce n'est pas tout : la future peinture est polie, puis le maître sculpte manuellement des motifs fantaisistes sur les coquilles.

La nacre naturelle est très fragile et un mouvement imprudent peut ruiner le travail. Par conséquent, avant de couper les coquilles, elles sont préparées d'une manière particulière : elles sont d'abord trempées dans une solution alcoolique puis chauffées.

Habituellement, une planche vernie est utilisée comme base. La nacre étant plus belle sur un fond sombre, le vernis est souvent choisi presque noir. Cela donne aux peintures un caractère mystique. Les sujets les plus populaires sont des croquis de la vie des paysans, des animaux et des plantes.

Le coût de ces peintures est assez élevé et peut atteindre 10 000 000 à 15 000 000 de dongs. Le prix spécifique dépend en grande partie du type de coques utilisé et du niveau de détail. Le plus peintures chères peut être incrusté de centaines de milliers de petits morceaux de nacre. Cependant, les boutiques de souvenirs vendent souvent des choses beaucoup plus simples, sans grande élaboration. Leur coût varie entre 300 000 et 800 000 dong.

Si vous voulez trouver de véritables chefs-d'œuvre, vous devez vous rendre dans la communauté Chuyên Mỹ, située à 40 kilomètres au sud de Hanoï. Ici, les résidents locaux fabriquent des marqueteries depuis l'Antiquité. Leurs œuvres sont vendues non seulement au Vietnam, mais aussi dans les pays européens, en Russie et aux États-Unis.

Sable

Il s'agit d'une forme d'art complètement nouvelle pour le Vietnam, inventée par l'artiste autodidacte locale Tran Thi Hoàng Lan, mieux connue sous le pseudonyme de Y Lan. Depuis le début des années 2000, les peintures sur sable ont acquis une immense popularité bien au-delà des frontières du pays, et Yi Lan a ouvert sa propre entreprise : Ý Lan Sand Painting CO., LTD.

L'essence de la technique est qu'entre deux verres situés verticalement, du sable de différentes nuances est versé dans un certain ordre (il y en a plus de 80 au total). Il semblerait qu'il n'y ait rien de spécial à cela, mais en réalité, un tel travail est incroyablement complexe et minutieux. En effet, même des portraits de personnes sont représentés dans les peintures sur sable. Si vous remplissez mal les grains de sable, vous devrez tout recommencer.

Il est à noter que les premières peintures de Yi Lan étaient des images tricolores assez simples. Aujourd’hui, la collection d’œuvres de l’artiste comprend des images d’animaux, des portraits d’hommes politiques célèbres, voire des logos de grandes marques. Tout est fait avec un tel naturalisme que la peinture sur sable est difficile à distinguer d'une photographie.

L'atelier Yi Lan est situé à Ho Chi Minh Ville, tous les travaux sont réalisés sur commande et les prix sont convenus séparément avec chaque client. Bien entendu, de nombreux imitateurs tentent de copier cette technique. Leurs œuvres sont vendues dans les boutiques de souvenirs à des prix allant de 150 000 à 250 000 VND. Mais le niveau de détail y est complètement différent.

Souvent, les chefs-d'œuvre du célèbre artiste sont confondus avec des « peintures sur sable » plus primitives. Il s'agit de sur des images ordinaires (sur toile ou sur bois), simplement incrustées de petits grains de sable. De telles choses peuvent être trouvées sur n'importe quel marché, elles sont assez bon marché (100 000 à 500 000 dong).

Riz

Les peintures sur riz sont également une technique relativement nouvelle. Les grains de cette plante ont des nuances différentes selon la variété. Ainsi, le riz peut être gris, blanc, crème, jaune, brun, rouge et même noir. De plus, des tonalités supplémentaires peuvent être obtenues en torréfiant les grains. Et enfin, il existe le riz à grains ronds, moyens et longs. Tout cela vous permet d'en disposer une variété de dessins.

En commençant le travail, l'artiste dessine un croquis du futur tableau sur un morceau de contreplaqué. Ensuite, à l’aide d’une colle spéciale incolore et d’une pince à épiler, des grains de riz sont collés sur ce croquis. Cette activité demande beaucoup de persévérance et d’attention. Les grains de riz doivent être lisses et entiers. En règle générale, la disposition des grains prend de plusieurs jours à plusieurs semaines. Enfin, le tableau est exposé au soleil, où il sèche.

Les sujets de ces œuvres peuvent être très différents. Mais le plus souvent, les artistes représentent des paysages traditionnels vietnamiens, des animaux ou des oiseaux. Il y a aussi des portraits, très élaborés en plus.

Quant aux prix, ils dépendent directement de la taille du tableau et de l'image. Ainsi, des paysages miniatures (20x20 cm), dans lesquels il n'y a pas beaucoup d'objets, peuvent être achetés pour 600 000 à 700 000 dong. Si la peinture est grande, détaillée et même réalisée sur mesure, elle peut coûter plusieurs millions de dongs. Les peintures sur riz sont vendues sur les marchés et dans les boutiques de souvenirs. Mais là, vous ne pouvez choisir que quelque chose parmi des œuvres toutes faites. Et si vous avez besoin d’un tableau à commander, vous devez contacter directement l’artiste.

Coquille

Les coquilles d'œufs communes sont de couleur blanche et ocre. Est-il possible d'en créer image réelle? Il s'avère que oui. Il faut juste de la patience, de la précision et beaucoup de temps.

La base des travaux futurs est le bois ou le contreplaqué. Il est recouvert de peinture noire - c'est sur ce fond que la coquille d'œuf est la plus impressionnante. Ensuite, ils commencent à disposer le dessin. Et ici, contrairement aux peintures sur riz, le maître a beaucoup plus d'opportunités. Il peut écraser la coquille en particules des tailles différentes pour transmettre le plus précisément possible les détails des objets. Les zones plus claires sont tapissées de coquillages blancs ; pour les autres, des coquillages ocres sont utilisés. Les éléments les plus sombres de l'image ne sont pas du tout disposés - il y a un fond noir pour cela. Au stade final, le tableau est recouvert de plusieurs couches de vernis (il peut y en avoir plus de 10) et poncé.

En d’autres termes, les peintures de coquillages constituent une mosaïque bien connue. Ils sont vendus partout et coûtent à peu près le même prix que ceux à base de riz.

À cela s'ajoutent des œuvres plus originales réalisées à partir de plumes de poulet, d'ailes de papillon, diverses herbes et des plantes... La plupart d'entre eux ne se trouvent que dans certaines villes ou villages, et en plus, il s'agit d'un art amateur.

En vous promenant dans les rues des villes vietnamiennes, vous croiserez partout des galeries d’art, des expositions et tout simplement des boutiques de souvenirs vendant des créations d’artistes. Mais il faut comprendre qu’ici, comme dans tout autre pays, il existe de véritables œuvres d’art, des copies, voire des contrefaçons.

Afin de ne pas emporter avec vous du Vietnam une image imprimée sur une imprimante, vous devez faire attention aux points suivants :

• N'achetez pas de tableaux sur les marchés et les magasins qui ne sont pas spécialisés dans la peinture. Très probablement, vous n'achèterez pas un objet d'art, mais un bibelot ordinaire, et paierez même des prix exorbitants.
• Soyez prêt à payer une somme décente, même pour un petit travail. Les peintures appartiennent à la catégorie produits exclusifs, donc leurs prix sont assez élevés.
• Lors de l'achat de tableaux sur soie et vernis, je vous conseille de demander une attestation au vendeur. Il doit indiquer que l’article que vous avez acheté n’est pas une antiquité ou une œuvre d’art. Le fait est que leur exportation hors du pays est interdite.

Comme vous pouvez le constater, les peintures au Vietnam sont assez variées. La fourchette de prix est également très large. J'espère que cet article vous aidera à comprendre la peinture locale et à trouver quelque chose à votre goût.

Peinture traditionnelle au Vietnam

La peinture traditionnelle vietnamienne peut être divisée en plusieurs types : portraits, paysages, peintures de genre et religieuses. Les peintures étaient peintes sur de la soie ou du papier de riz avec des peintures et de l'encre à base d'eau.

Portraits

Les portraits peints, comme les portraits sculpturaux, ont été créés à partir de mémoire ou à partir de descriptions et de souvenirs. Un petit nombre de portraits d'empereurs, de dignitaires et de représentants de la noblesse ont été conservés dans les pagodes, les temples mortuaires des familles royales et les tombeaux familiaux des grands seigneurs féodaux. Les plus anciennes œuvres de ce genre sont le portrait de Nguyen Chai, datant du XVe siècle, le portrait du scientifique Phung Khac Khoan (XVIIe siècle), les portraits de deux princes Nguyen Quy Duc et Nguyen Quy Canh ( milieu du XVIIIe siècle V.). L'artiste a soigneusement dessiné les traits du visage et les détails des vêtements, en s'appuyant sur des descriptions de proches ou sur ses propres souvenirs, de sorte que la ressemblance extérieure était très approximative. Les nouvelles tendances dans le genre du portrait, qui ne se manifesteront que plus tard (dans le travail des artistes vietnamiens des années 30 du XXe siècle), se reflètent pour la première fois dans les œuvres de l'artiste Le Van Mien.

Paysages

L’un des types de peinture préférés des artistes vietnamiens est traditionnellement le paysage, glorifiant la beauté de leur nature natale. Les rouleaux de soie qui nous sont parvenus (XVIII - XIX siècles) représentent un certain nombre de paysages exécutés dans le style traditionnel style chinois, dans le respect des principes de construction des coulisses et de subtiles nuances de couleurs. Le plus commun caractéristique La peinture de paysage vietnamienne est que l’image de la nature est perçue comme idéalisée, abstraite et exprime davantage l’humeur de l’artiste que la réalité environnante. Par la suite, surtout à partir du début du XXe siècle, à mesure que l’on se familiarise avec la peinture européenne, la peinture de paysage connaît des changements importants.

Tableaux de genre

Les sujets des œuvres de ce genre étaient très limités et les peintures étaient principalement à des fins décoratives. Les personnages principaux, outre les éléments naturels, des œuvres d'art de cette époque sont des personnages : « un savant, un paysan, un artisan, un vieillard vénérable, un pêcheur, un bûcheron, un laboureur, un berger ». Exemple classique Une peinture de genre similaire est la peinture « Pêcheur occupé à attraper du poisson ». Peinture vietnamienne Cette période est caractérisée par des images statiques en deux dimensions.

Des images de contenus cultes

Les peintures religieuses étaient également peintes à l'aquarelle sur soie, papier de riz ou bois. Ils se distinguent par une technique d'écriture subtile et minutieuse, un soin exceptionnel apporté aux moindres détails des vêtements et de l'ameublement. Ceci, en particulier, peut s'expliquer par le fait que ce sont certains vêtements et divers attributs qui ont permis de naviguer dans la hiérarchie complexe des personnages cultes. De plus, chaque maître a cherché à souligner la minutie très appréciée de l'exécution, la subtilité du dessin et la grâce du coup de pinceau.

Lubok – peinture folklorique

Les Luboks occupent une place particulière dans les beaux-arts du Vietnam. La peinture folklorique vietnamienne est une variante de l’estampe populaire russe. Le tableau est estampé sur une planche de bois (cliché), puis peint, et enfin imprimé sur du papier fibre spécial « kei zo ». Les peintures étaient fabriquées à partir de cendres de feuilles de bambou brûlées, de paille (noire), d'écorce d'arbre dyp (blanche), de pierre jaune (rouge), de fleurs de Sophora (jaune), d'indigowort (bleu), de rouille de cuivre ( couleur verte). Une caractéristique distinctive des attelles Dongho était le fond coloré, obtenu en ajoutant au colorant une décoction de riz gluant mélangée à de la poudre de coquillages broyés. Ce revêtement unique rendait le papier plus durable et la poudre de nacre donnait à la peinture un léger reflet. Les estampes populaires de Hanoï sont de longs rouleaux pittoresques. Traditionnellement, des hiéroglyphes et des dessins étaient appliqués sur les rouleaux. Habituellement, les Vietnamiens créaient des cycles de peintures : « Les Quatre Saisons », « Fleurs et oiseaux », « Voyage vers l'Ouest ». Parfois, plusieurs dessins interconnectés étaient représentés dans une seule image (« Vingt-quatre exemples de fils de piété »).

Les Lubki étaient généralement fabriqués pour diverses fêtes, mais principalement pour le Nouvel An (selon calendrier lunaire) La fête du Têt, qui est à la fois la fête du printemps et la fête principale de l'année. Il existe des différences significatives entre les estampes populaires créées avant la conquête française et après, lorsque des papiers de qualité et de format différents et de nouvelles peintures se sont répandus. Le nom du maître n’a jamais été inscrit sur les premières estampes populaires, et ce seulement à partir du XXe siècle. on connaît les noms des maîtres les plus célèbres : Nguyen The Thyc, Vuong Ngoc Long, Tiong Manh Tung, etc. En règle générale, des familles entières s'adonnaient à ce métier et transmettaient leur savoir-faire de génération en génération. Parmi les sujets des estampes populaires figurent divers vœux à l'occasion du Têt, exprimés traditionnellement à l'aide d'images. Couleurs variées, fruits, animaux, objets symbolisant le bien-être, de nombreuses vertus : pêche - longévité, grenade - progéniture nombreuse, paon - paix et prospérité, cochon - abondance, etc. De plus, des estampes populaires au contenu édifiant, historique, religieux (représentant Bouddha et satvas corporels, esprits divers), estampes populaires représentant des paysages et les quatre saisons.

Le style laconique et expressif des estampes populaires populaires, leur structure figurative particulière, leur optimisme inhérent et leur humour particulier sont sans aucun doute devenus l'expression de certaines caractéristiques. caractère national. Et déjà dans les premières décennies du XXe siècle, lorsque l'intérêt pour l'étude de leurs propres traditions artistiques est apparu, imprimés populaires populairesà juste titre a commencé à se voir attribuer une place digne dans le patrimoine national.

Peinture à la laque

L'Europe a découvert l'extraordinaire peinture sur laque vietnamienne en 1931, lorsque les visiteurs de l'Exposition universelle de Paris ont vu les travaux des étudiants et des diplômés de l'École supérieure des beaux-arts d'Indochine. Pendant de nombreux siècles, la sève de l'arbre à laque, qui pousse partout au Vietnam, a été utilisée comme matériau pour créer des œuvres de ce type de peinture. Les paravents laqués, les vases, les plateaux, les boîtes et autres objets étaient recouverts d'une couche de vernis brillant. La gamme de couleurs du vernis était limitée au noir, au rouge et fleurs brunes Par conséquent, des poudres d'or et d'argent, des incrustations de nacre et de coquille d'œuf et des gravures ont été utilisées comme ajouts décoratifs. Les artistes-peintres qui ont étudié à l'École Supérieure des Beaux-Arts dans les années vingt ont tenté de transférer le charme de la peinture sur laque à la peinture sur chevalet. Et limiter les options de couleurs du vernis était l’un des obstacles les plus difficiles. Cependant, petit à petit, ce problème a été résolu. Des nuances de bleu, de jaune et de vert sont apparues dans la palette et des combinaisons de colorants ont enrichi la peinture sur laque de couleurs violettes, lilas, roses et écarlates. Cependant, à ce jour, la technologie de la peinture au vernis reste très laborieuse.

Les historiens de l'art vietnamiens estiment que le désir des artistes de s'exprimer dans la création de peintures sur laque sur chevalet n'a eu l'occasion de se réaliser qu'après la Révolution d'Août de 1945. Les artistes populaires patriotes reflétaient dans leur travail la nouvelle réalité socialiste. Parmi les premiers expérimentateurs à travailler avec des peintures vernis se trouvait Chan Wang Kang, aujourd'hui artiste célèbre peinture à l'huile et au vernis. Son premières peintures, réalisés avec des peintures vernis, furent un succès à l'Exposition de Hanoï en 1935. Grand maître de la technique européenne de la peinture à l'huile, Chan Van Kang, dans ses œuvres de vernis, s'est révélé être un artiste profondément national. Lors de l’exposition de Hanoï en 1958, la peinture sur laque s’est présentée pour la première fois comme une nouvelle forme d’art.

Réaliste cohérent et parolier subtil, Phan Ke An construit son tableau « Souvenirs d'une soirée dans le nord-ouest du Vietnam » (1955) sur une combinaison contrastée de tons bleu-vert translucides avec une dorure opaque jaune clair. Ce tableau est significatif dans son concept et romantique dans son exécution. Sur fond de montagnes baignées par le soleil du soir, se détache clairement une chaîne de soldats en uniforme bleu, descendant du col dans la plaine des gorges de montagne. Ils marchent face au soleil, captant ses derniers rayons avant de repartir dans l'obscurité de la nuit. Les trois couleurs primaires jaune, bleu, vert (sans compter une petite quantité de vernis noir) traduisent la richesse de l’intention émotionnelle de l’artiste grâce à un jeu particulier de textures et différentes profondeurs de couleur réfléchie.

L'éclat doré d'une surface de laque sombre s'est manifesté de manière plus organique dans la composition de l'un des plus grands maîtres de la peinture sur laque, Le Quoc Loc, « À travers un village familier » (le tableau a été exposé à Moscou à exposition internationale beaux-arts des pays socialistes en 1958). Le tableau « Promenade nocturne » de l'artiste Nguyen Hiem démontre les capacités de la peinture sur laque à créer un sentiment de mystère et de romance. L'utilisation d'incrustations pour améliorer l'effet décoratif peut être appréciée dans le tableau "Ceramic Craft" de Nguyen Kim Dong (1958), représentant deux potiers au travail. L'alternance de larges plans d'incrustations de coquilles d'œufs (le mur blanc du four et les vêtements blancs des potiers) avec les silhouettes colorées les plus simples rend la composition si généralisée que l'image ressemble presque à une mosaïque ou à un relief.

Une description de la peinture sur laque vietnamienne serait incomplète sans mentionner la technique du vernis sculpté (gravé), particulièrement appréciée des maîtres des années 20-30 du siècle dernier. Il était généralement utilisé pour créer panneaux décoratifs, écrans et autres détails intérieurs. Cette technique est encore utilisée aujourd'hui. Sur un fond noir ou rouge de la couche de vernis, un motif est découpé (jusqu'au sol), qui est rempli de divers colorants. Un exemple est le tableau de Guyn Van Thuan « Vinh-mok Village ». La gravure nette, mise en valeur par des tons clairs subtils, crée un contraste saisissant avec le fond noir brillant et lisse. La composition du tableau avec un horizon très relevé permet de déployer tout un panorama de la vie dans le village de pêcheurs.

Le caractère décoratif accru de la texture des peintures vernis, qui permet l'incrustation avec d'autres matériaux, confère à cette peinture une expressivité particulière. La peinture sur laque vietnamienne a évolué des peintures décoratives aux compositions thématiques sur chevalet. Tous les genres et tous les sujets de la peinture à l'huile s'offrent à elle. Paysage marin, une représentation d'une campagne militaire dans la jungle, un tableau d'une mine de charbon, une scène de village, une représentation d'une aciérie ou d'un élevage de porcs, voire une nature morte et un portrait. La peinture, née pendant les dures années de guerre, reflétant le rêve national de bonheur et de paix, vit et se développe dans le Vietnam socialiste d'aujourd'hui en tant qu'expression esthétique de l'esprit humain élevé.

Les beaux-arts vietnamiens ont toujours inclus la matière comme élément intégral de la beauté de l’œuvre. Ce n'est pas un hasard si dans les beaux-arts traditionnels vietnamiens, le métier d'artisan a connu un développement particulier et chaque maître était un spécialiste dans son domaine : il y avait des maîtres dans la fabrication d'objets en laque, d'objets en nacre, des artisans dans le traitement des objets précieux. métaux, perles, cuivre, bois et soie.

Peinture à l'eau sur soie

Les artistes vietnamiens ont créé de nombreuses œuvres d'art à base de soie. Parmi les maîtres à succès travaillant la soie et reflétant de manière vivante la vie réelle, il convient de noter : Chan Wang Kang « Un enfant lit à sa mère » (1954) ; Nguyen Phan Chan « La fille se lave », « Après la contraction », « Prendre soin de l'enfant » (1962, 1970), « Boire du thé » (1967) ; Nguyen Trong Kiem « La Visite » (1958) ; Nguyen Van De « Après-midi d'été » ; Fan Hong « Marcher sous la pluie » (1958) ; Nguyen Van Trung « Clair de lune sur le sable » (1976) ; Tran Dong Luon « Filles du groupe de travail » (1958) ; Ta Thuc Binh « Récolte du riz » (1960) ; Nguyen Thi Hang « Filles vietnamiennes » (1963) ; Vu Giang Huon "Poisson" (1960); Nguyen Thu « Visite d'un village » (1970), « Pluie » (1972), « Tissage » (1977) ; Kim Bak « Fruits de la Patrie », etc.

L'innovation réside dans le fait que, grâce à des méthodes généralisées incarnées sur la soie, ils transmettent la vie réelle. Les artistes ont exploré en profondeur et avec succès le thème du travail productif. Les œuvres les plus marquantes de cette période appartiennent à Nguyen Phan Chan : il crée une nouvelle vie spirituelle dans ses œuvres, représente des femmes heureuses, des enfants, des familles en temps de paix, etc. Dans l'œuvre « Portrait de Chy Dong Tu » (1962) Nguyen Phan Chan montre la beauté du corps féminin sur de la soie douce, démontrant ainsi sa profonde recherche artistique.Un autre maître de cette direction en peinture est Nguyen Hu (né en 1930). Dans son travail, il transmet la transparence de l'air de la montagne, l'espace et l'espace de son pays natal. La nature et l'homme sont les principaux personnages Ses peintures. Nguyen Hu a apporté une contribution significative au développement technologie moderne graphiques en soie.