Costume de scène - pourquoi un acteur en a besoin et pourquoi c'est important pour la production. Costume et accessoires de théâtre comme l'un des moyens de former l'image extérieure du théâtre Définition du costume au théâtre

LE THÉÂTRE est une forme d’art synthétique qui nous permet non seulement d’entendre, non seulement d’imaginer, mais aussi de regarder et de voir. Le théâtre nous donne l’occasion d’assister à des drames psychologiques et de participer à des réalisations et à des événements historiques. Théâtre, la performance théâtrale est créée grâce aux efforts de nombreux artistes, du metteur en scène et de l'acteur au décorateur, car la performance est une « conjugaison différents arts, dont chacun dans ce plan se transforme et acquiert une nouvelle qualité..."

Le costume de théâtre est une composante de l’image scénique d’un acteur ; ce sont des signes extérieurs et des caractéristiques du personnage représenté qui contribuent à la transformation de l’acteur ; un moyen d'influence artistique sur le spectateur. Pour un acteur, un costume est une matière, une forme, inspirée par le sens du rôle.

De même qu'un acteur, par la parole et le geste, le mouvement et le timbre de la voix, crée un nouvel être d'une image scénique, à partir de ce qui est donné dans la pièce, ainsi l'artiste, guidé par les mêmes données de la pièce, incarne l'image à travers son art.

Au cours des siècles d'histoire arts théâtraux la scénographie a constamment subi une transformation évolutive, causée non seulement par l'amélioration de la technologie scénique, mais aussi par toutes les vicissitudes des styles et de la mode des époques correspondantes. Cela dépendait de la nature de la structure littéraire de la pièce, du genre dramatique, de la composition sociale du spectateur, du niveau de technologie scénique.

Périodes de stabilité structures architecturales l'Antiquité a cédé la place à la scène primitive du Moyen Âge, qui à son tour a cédé la place aux théâtres de la cour royale avec le luxe autosuffisant des représentations. Il y avait des spectacles en tissu, dans des décorations constructives complexes, uniquement dans la conception de l'éclairage, sans décoration du tout - sur une scène nue, sur une estrade, juste sur le trottoir.

Le rôle du costume comme décor « mouvant » a toujours été dominant. Le point de vue sur son « rapport » avec l'acteur, le temps et l'histoire, et enfin avec son « partenaire » direct - la conception artistique de la scène - a changé.

Dans le processus de développement progressif de l'art théâtre moderne, innovations dans la mise en scène, transformation de la méthode de conception artistique, le rôle de l'art du costume ne décline pas, bien au contraire. Avec la croissance de ses frères plus jeunes et plus flexibles - le cinéma et la télévision - le théâtre acquiert sans aucun doute dans sa recherche et son tourment de nouvelles formes de techniques spectaculaires, précisément celles qui défendraient et définiraient la position du théâtre comme valeur durable d'un art indépendant. formulaire. La combinaison, comme élément le plus mobile décor de théâtre, occupe la première place dans ces recherches.

Haut culture moderne l'art théâtral, le travail de mise en scène subtil et profond sur une pièce et un spectacle, un jeu d'acteur talentueux exigent de l'artiste qui conçoit le spectacle une pénétration particulièrement approfondie dans la dramaturgie du spectacle, un contact étroit avec le metteur en scène. Le design moderne n’est pas canonisé par les règles. Elle est individuelle et spécifique à chaque cas particulier. « Le travail d’un réalisateur est indissociable du travail d’un artiste. Premièrement, le réalisateur doit trouver ses propres réponses aux problèmes fondamentaux du décor. L'artiste, à son tour, doit ressentir les tâches de la production et rechercher avec persévérance des moyens d'expression..."

Un costume de théâtre est d'abord créé à l'aide de moyens visuels, c'est-à-dire un croquis.

L'art du costume de théâtre

"La partie du décor qui est entre les mains des acteurs est son costume."
Encyclopédie française.

"Le costume est la seconde coquille de l'acteur, c'est quelque chose d'inséparable de son être, c'est la face visible de son image de scène, qui doit se confondre si complètement avec lui pour devenir indissociable..."
A. Oui.

Le théâtre est une forme d’art synthétique qui nous permet non seulement d’entendre, non seulement d’imaginer, mais aussi de regarder et de voir. Le théâtre nous donne l’occasion d’assister à des drames psychologiques et de participer à des réalisations et à des événements historiques. Un théâtre, une représentation théâtrale, est créé grâce aux efforts de nombreux artistes, du metteur en scène et de l'acteur au décorateur, car la représentation est « une combinaison d'arts différents, dont chacun se transforme dans ce plan et acquiert une nouvelle qualité …”

Le costume de théâtre est une composante de l’image scénique d’un acteur ; ce sont des signes extérieurs et des caractéristiques du personnage représenté qui contribuent à la transformation de l’acteur ; un moyen d'influence artistique sur le spectateur. Pour un acteur, un costume est une matière, une forme, inspirée par le sens du rôle.
De même qu'un acteur, par la parole et le geste, le mouvement et le timbre de la voix, crée un nouvel être d'une image scénique, à partir de ce qui est donné dans la pièce, ainsi l'artiste, guidé par les mêmes données de la pièce, incarne l'image à travers son art.

Tout au long de l'histoire séculaire de l'art théâtral, la scénographie a constamment subi une transformation évolutive, causée non seulement par l'amélioration de la technologie scénique, mais aussi par toutes les vicissitudes des styles et de la mode des époques correspondantes. Cela dépendait de la nature de la structure littéraire de la pièce, du genre dramatique, de la composition sociale du spectateur, du niveau de technologie scénique.

Les périodes de structures architecturales stables de l'Antiquité ont cédé la place à la scène primitive du Moyen Âge, qui à son tour a cédé la place aux théâtres de la cour royale avec le luxe autosuffisant des représentations. Il y avait des spectacles en tissu, dans des décorations constructives complexes, uniquement dans la conception de l'éclairage, sans décoration du tout - sur une scène nue, sur une estrade, juste sur le trottoir.

Le rôle du costume comme décor « mouvant » a toujours été dominant. Le point de vue sur son « rapport » avec l'acteur, le temps et l'histoire, et enfin avec son « partenaire » direct - la conception artistique de la scène - a changé.

Dans le processus de développement progressif de l'art du théâtre moderne, d'innovation dans la mise en scène, de transformation de la méthode de conception artistique, le rôle de l'art du costume ne diminue pas, bien au contraire. Avec la croissance de ses frères plus jeunes et plus flexibles - le cinéma et la télévision - le théâtre acquiert sans aucun doute dans sa recherche et son tourment de nouvelles formes de techniques spectaculaires, précisément celles qui défendraient et définiraient la position du théâtre comme valeur durable d'un art indépendant. formulaire. Le costume, en tant qu'élément le plus mobile du décor théâtral, occupe la première place dans cette recherche.

La haute culture moderne de l'art théâtral, le travail subtil et profond du metteur en scène sur les pièces et les représentations, et les performances talentueuses des acteurs exigent que le costumier qui conçoit le spectacle pénètre soigneusement dans la dramaturgie de la représentation et entre en contact étroit avec le metteur en scène. Le design moderne n’est pas canonisé par les règles. Elle est individuelle et spécifique à chaque cas particulier. « Le travail d’un réalisateur est indissociable du travail d’un artiste. Premièrement, le réalisateur doit trouver ses propres réponses aux problèmes fondamentaux du décor. L’artiste, à son tour, doit ressentir les tâches de la production et rechercher constamment des moyens d’expression… »
Un costume de théâtre est d'abord créé à l'aide de moyens visuels, c'est-à-dire un croquis.
Croquis de costumes de théâtre

Chaque représentation ou performance réalisée sur scène est conçue pour apporter au spectateur, entre autres, le plaisir esthétique de ce qu'il voit. C'est pourquoi il est si important d'habiller les personnages avec des costumes de théâtre appropriés. Il sera alors facile de ressentir l'esprit de l'époque de l'œuvre, de saisir le caractère des personnages et de simplement profiter de la beauté du spectacle.

Costumes de théâtre de l'Antiquité aux temps modernes

La tenue vestimentaire des acteurs a subi des modifications depuis l'apparition du théâtre en tant que tel, jusqu'à aujourd'hui :

• Ils ont essayé de créer des images de scène les temps anciens, en expérimentant avec les matériaux disponibles. Aussi dans La Chine ancienne et au Japon, on pouvait observer des acteurs portant des vêtements spécifiques, notamment lors de représentations festives ou rituelles. En Inde, dans les temps anciens, les danseurs de rue portaient également des saris aux couleurs vives inhabituelles pour attirer l'attention. Et avec l'avènement de l'art de peindre avec des colorants naturels, les saris ne sont pas devenus monochromes, mais à motifs.
• C'est précisément « théâtral » que l'on peut qualifier un costume apparu dans La Grèce ancienne. Des masques et du maquillage grotesques étaient utilisés, et la couleur particulière des vêtements des personnages indiquait le statut ou la profession du héros du spectacle.
• Alors Théâtre européen a commencé à se développer à l'ère de la féodalité, lorsque les idées, les soi-disant. les « mystères » étaient donnés par des artistes itinérants - les histrions. L'apparence des personnages se distinguait par l'élégance et les riches éléments de décoration.
• La Renaissance, avec ses comédies dell'arte, se caractérise par le grotesque. À l'aide de vêtements, de coiffures et de perruques, de coiffes, de chaussures, de masques et de maquillage, des images pleines d'esprit ont été créées, mettant l'accent sur caractéristiques inhérentes pour des personnages spécifiques ridiculisés ou ravis par le spectateur (plumes fantaisie sur les chapeaux, pantalons colorés).
• Au cours des siècles suivants, chaque État européen et oriental possédait l'un ou l'autre théâtres, salons de musique, opéras, ballets, etc. Les costumes se diversifient de plus en plus, véhiculant souvent l'esprit d'une époque historique, des vêtements modernes, s'affranchissant d'une stylisation excessive. Ainsi, sur scène, on pouvait voir à la fois des images familières au spectateur et celles recréées costumes historiques, looks naturalistes et maquillage fantaisie.

Le costume de théâtre russe mérite une attention particulière. Les bouffons sont considérés comme ses premiers créateurs. Chemises lumineuses, caftans avec ceintures, chaussures en liber, casquettes à cloches, patchs sur les pantalons - tous ces éléments du costume rappelaient les vêtements paysans, mais sous une forme exagérément satirique. A existé théâtre d'église, où les interprètes étaient vêtus de vêtements blancs, comme des anges. DANS théâtres scolaires les personnages avaient leurs propres emblèmes. Et sous le tsar Alexei Mikhailovich, il a agi théâtre professionnel. Par conséquent, les éléments du costume du souverain portaient des signes de dignité royale, des broderies personnalisées étaient utilisées et des pierres coûteuses et des décorations exquises étaient cousues à la main.

Types

Il est d'usage de distinguer trois grands types de costumes :

1. Personnage. Ce type est une composition visuo-plastique, qui fait directement partie de l'image intégrale de l'interprète du rôle. Dans un costume, la silhouette est souvent complètement cachée. L'acteur lui-même le met en mouvement et l'exprime. Ainsi, l'Opéra de Pékin était caractérisé par des images d'un temple sacré ou d'un dragon.
2. Jeu. C’est un moyen de transformer l’apparence de l’artiste et un élément important de son jeu. La transformation des personnages dans les actions rituelles et folkloriques reposait souvent sur l'utilisation du grotesque et de la parodie, par exemple lorsque les jeunes hommes se déguisaient en filles.
3. Comme des vêtements acteur. Est-ce le principal dans spectacles modernes, ressemblant souvent exactement aux vêtements traditionnels d'une époque d'action particulière dans la production. Sur la base d'un tel costume, les deux types énumérés ci-dessus sont créés.

Caractéristiques de couture

Coudre des tenues de scène est assez complexe et look créatif activités. Il faut sélectionner les bons matériaux, accessoires, créer des broderies et des appliqués si nécessaire. Le costume de théâtre doit répondre aux exigences suivantes :

• Incarner l'époque avec précision, en tenant compte des aspects historiques, ethnographiques, caractéristiques nationalesœuvres et héros.
• Respectez l'intention du réalisateur d'exprimer l'essence du personnage du personnage.
• Rendre l'image de l'acteur plus impressionnante aux yeux du spectateur.
• Il s'adapte bien à la silhouette de son propriétaire.
• Facilité de port du costume (particulièrement important pour les danseurs participant aux productions).

Puisque le costumier sélectionne un costume de théâtre pour un rôle spécifique et un acteur spécifique, il est nécessaire de l'adapter aux mesures. Pour ce faire, mieux vaut se tourner vers des professionnels. "Tailoring Factory" est une production de couture à Moscou et dans la région de Moscou, vous pouvez ici commander des costumes pour des pièces de théâtre, des opéras et des ballets. Sera sélectionné meilleurs matériaux et appliqué technologies modernes couture

travail d'études supérieures

2.1 Costume de théâtre. Types de costumes de théâtre

Le costume de théâtre joue un rôle important dans la formation image positive le théâtre à son public cible.

Le costume de théâtre est un concept large et comprend tout ce qui modifie artificiellement l'apparence d'une personne en collant à son corps - c'est tout un complexe de choses : la coiffure, le maquillage, les chaussures, la coiffure et la robe elle-même. La signification sémantique du costume en tant que masque corporel est confirmée par signification lexicale mots « costume » : « le mot est emprunté à l'italien « costume », qui signifie « habituel », « coutume », « habitude », et en pluriel- « morale » Kokuashvili N.B. Le vêtement comme phénomène culturel // Signes de la vie quotidienne. - Rostov-sur-D., 2001. - P. 38-44. .

Le costume de théâtre reflète toujours l’époque à laquelle se déroule la pièce. Pour créer un costume de théâtre, les artistes décorateurs utilisent diverses sources d'informations : fresques, sculptures, peintures, sources écrites.

Le costume de théâtre est le seul système capable de modifier artificiellement l’apparence d’une personne, de souligner ou de détruire l’unité harmonieuse du corps ou de certaines parties de celui-ci, et de créer image artistique. Supposons cette situation réelle : en voyant une fille dans une robe qui donne à sa silhouette une forme proche de l'idéal, on peut s'exclamer : « Quelle belle fille!", ce qui signifiera que cette poursuite a rempli son " fonction esthétique", il a rendu une personne belle. De nombreux détails non fonctionnels, par exemple le motif, le dessin du tissu, sa couleur, sa texture, la dentelle, les fronces, les boutons décoratifs, les broderies, les appliqués, les fausses fleurs, etc., à première vue, ne sont que éléments décoratifs des détails du costume, cependant, après une analyse minutieuse, il s'avère qu'ils contribuent à façonner l'image, et la perfection figurative est l'une des sources puissantes de la beauté. aspect esthétique le costume de théâtre se transforme imperceptiblement en un autre, que l'on peut appeler fonction artistique costume, conçu pour créer une image et un style individuels.

Sans dresser une typologie du costume de théâtre, il est impossible d'étudier son rôle dans la formation de l'image du théâtre. La variété des costumes de théâtre peut être comparée à la variété situations de vie ou des personnages humains qui s'incarnent à travers ce costume sur scène. Le principal moyen de comprendre son essence est la typologie, la division en classes, groupes, types, etc. dans différents plans.

Il n’existe aucune étude achevée sur cette question. Il convient toutefois de noter que tout auteur qui commence à étudier le costume de théâtre et le costume en général le classe selon certains critères. La plupart de la littérature sur le costume est une recherche historique et ethnographique, c'est pourquoi le costume y est divisé sur des bases géographiques ou temporelles. Dans la littérature consacrée à l'émergence des éléments vestimentaires, à leur développement et aux méthodes de formation de l'image, le costume est généralement divisé en fonction du corps, du design et des fonctions.

Chaque type de classification ouvre de nouveaux domaines de recherche, révélant des problèmes inattendus et de nouveaux aspects du costume.

Nous avons déjà dit qu'un costume de théâtre doit être compris comme tout ce qui modifie artificiellement l'apparence d'une personne en collant à son corps, cela inclut les vêtements, la coiffure, les chaussures, la coiffure, les bijoux, les accessoires, le maquillage. La définition contient déjà la première et principale classification - les sous-systèmes de la combinaison sont répertoriés.

Les principaux plans de la typologie :

1. Anthropologique

a) par rapport au corps

La base de la classification est le degré de proximité avec le corps et, par conséquent, le degré d'influence sur le corps.

Listons-les du plus proche au plus éloigné : body painting (tatouage, maquillage), vêtements, chaussures, chapeaux, bijoux, accessoires (ont aussi influence différente: par exemple, les lunettes sont plus proches qu'un sac à main).

De nombreux systèmes, comme les vêtements, présentent également des différences en eux-mêmes (sous-vêtements et vêtements d'extérieur).

Cette base doit être prise en compte lors de la création et de la consommation de costumes de théâtre, car le corps humain ne peut accepter que certains matériaux, textures et substances. Toute l'histoire de la production de costumes évolue dans le sens de la création des matériaux et substances (maquillage, maquillage) les plus confortables et les plus sûrs pour la santé.

b) par rapport à des parties du corps (types de vêtements, chapeaux, chaussures, etc.)

Nous avons déjà rencontré cette classification dans la définition et elle peut donc être qualifiée de décisive dans une approche systématique de l'étude du costume. Construisons une hiérarchie complète de systèmes et sous-systèmes d'un costume de théâtre.

Tissu. Selon le mode de fixation au corps, les vêtements sont divisés en taille (jupes, pantalons, shorts, culottes, etc.) et épaules (chemises, robes, robes d'été, imperméables, manteaux, manteaux de fourrure, vestes, T-shirts, pulls , etc.) La configuration et la plasticité du corps dictent les différences dans les éléments du costume. Les vêtements sont placés sur trois parties du corps : le torse, les bras et les jambes.

Tous les vêtements sont également divisés en trois couches : sous-vêtements, sous-vêtements et vêtements d'extérieur.

Lin. Les fabricants divisent le linge en trois types : quotidien (pratique, composé de matières denses naturelles ou mixtes, lisse), festif (élégant, avec toutes sortes de décorations, vêtements assortis pour occasions spéciales) de la lingerie intime (ouverte, transparente, avec toutes sortes de décorations, de faux détails (volants, nœuds, dentelles, perles), souvent avec un soupçon de plaisanterie.

Au XIIe siècle, d'élégants vêtements intimes pour la maison apparaissent (généralement pour s'habiller le matin) : déshabillé, polonaise, peignoir, schmiz, qui existent encore aujourd'hui. DANS Europe XIXème Grâce aux voyages sous les tropiques, le pyjama est devenu célèbre.

Sous-vêtement. Il s'agit de la section de vêtements la plus nombreuse ; il est difficile et peu pratique d'énumérer tous ses types ; toute cette gamme se situe entre les sous-vêtements et les vêtements d'extérieur. Cependant, tu dois faire attention à la caractéristique suivante, qui dépend du climat. Dans les pays chauds, sous-vêtements et sous-vêtements sont souvent associés pour former des vêtements plutôt révélateurs, portés au quotidien afin de minimiser les matières présentes sur le corps. Alors que les vêtements des habitants du Nord sont multicouches, ce qui augmente le nombre de types de vêtements.

Section blazer : blazer, pull, veste, gilet, veste, pull, smoking, frac, costume (deux pièces, trois pièces, avec jupe ou pantalon), chemise (chemisier).

Vêtements pour les jambes : pantalons, shorts, chaussettes, bas, collants.

Nous soulignons la robe (robe d'été) et la jupe séparément.

Vêtements d'extérieur. La variété des types de vêtements d'extérieur n'est pas si grande ; la division repose avant tout sur les saisons et, bien sûr, sur le design et les matériaux. Listons les principaux types de vêtements d'extérieur : manteau en peau de mouton, manteau de fourrure, manteau, veste, manteau, imperméable.

Les historiens du costume identifient environ dix-sept types de manteaux.

Vous devez également accorder une attention particulière aux éléments individuels des vêtements qui, en règle générale, ont un pouvoir symbolique particulier - cols, poignets, cravates (foulards, châles), chaussettes (bas), ceintures (ceintures), gants (mitaines). Ces détails mineurs peuvent complètement modifier la charge d'informations de la combinaison dans son ensemble.

Les chaussures sont divisées en : cousues, coupées et attachées au pied avec diverses élingues, en osier.

De par leur conception, les chaussures sont divisées en sandales et sabots, chaussures, bottes et chaussures.

Chapeaux. La coiffe a toujours été associée à la tête, elle avait donc une forte signification symbolique. Dans les œuvres d’art, la coiffe pouvait servir de substitut à la tête.

Toute la variété des bijoux se répartit en : vêtements (broches, boutons de manchette, boucles, fermoirs, épingles), bijoux de corps (boucles d'oreilles, colliers, chaînes, pendentifs, bagues, bracelets) et bijoux de cheveux (épingles à cheveux, diadèmes, etc.).

Selon le mode de fixation, le monde de la bijouterie se compose des sous-systèmes suivants : tour de cou (chaînes, pendentifs, colliers, ras de cou, rubans, pendentifs, perles, médaillons) ; oreille (boucles d'oreilles, clips, clous) ; bracelets (pour bras et jambes); doigt (bagues, chevalières) ; décorations pour cheveux (épingles à cheveux, postiches, couronnes, diadèmes, anneaux de tempes, rubans, etc.).

Coiffure - la décoration de la tête symbolise à bien des égards la structure de son contenu interne, la vision du monde de chaque personne et l'époque dans son ensemble.

Poils sur la tête lorsqu'ils recouvrent la partie supérieure corps humain, symbolisent les forces spirituelles, puissance supérieure, incarner état spirituel personne. La pilosité corporelle est associée à l’influence de forces irrationnelles et inférieures et d’instincts biologiques. Les cheveux sont également synonymes de fertilité. Dans le symbolisme hindou, ils désignent les « lignes de force » de l’Univers. Les cheveux épais sont l’incarnation de l’impulsion de la vie, associés au désir de réussir. La couleur des cheveux est importante. Les cheveux foncés ont un symbolisme sombre et terrestre, tandis que les cheveux clairs (dorés) sont associés aux rayons du soleil, à la pureté et à la bonté, ainsi qu'à tout ce qui est mythologique et positif. héros de contes de fées avait les cheveux blonds (Blanche-Neige, Snow Maiden, Boucle d'or). Les cheveux rouge cuivré indiquent personnage démoniaque et contactez Vénus. Depuis des siècles, on croit qu'une sorcière doit être rousse et que ces personnes ont toujours de la chance. De nombreux rituels de sorcellerie sont associés aux cheveux en tant qu’énergie spirituelle humaine. Quand on perd nos cheveux, on perd notre force Samson biblique. Inconvénient la perte de cheveux est sacrifice volontaire. Tous ceux qui rejettent la vie terrestre Pour emprunter la voie de l'ascétisme absolu, il est obligé de se couper les cheveux (tonsure monastique). Les gens font attention à leur coiffure depuis longtemps grande importance. Selon Diderot, une coiffure rend une femme plus attractive et chez un homme elle met en valeur ses traits de caractère.

Se maquiller. Grâce au maquillage, un acteur peut changer son visage, lui donner une forme si expressive qui l'aidera à révéler de la manière la plus complète et la plus complète possible l'essence de l'image et à la transmettre au spectateur sous la forme la plus visuelle. Mais le maquillage est important non seulement en tant que dessin extérieur du personnage interprété par l'acteur. Même dans le processus créatif de travail sur un rôle, le maquillage est une certaine impulsion et une incitation pour l'acteur à révéler davantage l'image.

Les premières formes de maquillage théâtral sont nées de la peinture corporelle magique et des masques rituels, directement liés aux idées magiques et animistes-religieuses de l'homme primitif.

2. Démographique

Il existe une division évidente entre les éléments, les couleurs, les textures et les matériaux des costumes masculins et féminins.

Hommes - nuances sobres, généralement sombres, avec une prédominance de noir, on retrouve souvent des contrastes stricts, des textures dures, des tissus denses, lourds et opaques, des motifs et textures géométriques et techniques.

Femme - tons pastel, toute la palette rose, textures légères et douces, facilement drapées, transparentes, avec des paillettes, des broderies, des guipures, des fleurs, motifs végétaux, pois et lignes douces dans la texture et les motifs, perles et nacre - matériau pour accessoires et bijoux.

Un costume de théâtre peut différer selon le sexe soit par des détails mineurs (par exemple : le côté de l'attache), soit en général par la forme entière. Ainsi, au XVIIe siècle, les hommes utilisaient largement la dentelle chic, mais c'est désormais l'apanage des femmes, l'un des symboles de la féminité. Les signes de féminité et de masculinité ont évidemment changé différentes nations et en différentes époques, mais étaient toujours présents. L'exception, peut-être, est la fin du 20e siècle, avec son idée d'unisexe.

Depuis longtemps, il existe des différences entre les costumes des enfants et ceux des adultes. Au sein de ces groupes, il existe des gradations : petits enfants, adolescents, jeunes, personnes âge mûr, personnes âgées, personnes âgées. Le costume contient des détails spéciaux pour l'ancienne génération et des détails spéciaux pour la jeune génération. Voici quelques exemples : un nœud ou un bavoir est toujours pour nous un symbole d’enfantillage, un foulard noué sur la tête d’une femme est généralement associé à la vieillesse, un costume présentant des signes évidents d’érotisme ne peut être porté que par les jeunes. De tels symboles stéréotypés sont fermement ancrés dans la culture.

Comme dans le cas du genre, une division entre les modèles, les couleurs, les textures et les matériaux pour enfants et pour adultes est acceptée.

Le concept d'un costume d'enfant en tant que groupe indépendant n'est apparu que dans la seconde moitié du XVIIIe siècle en Angleterre. Jusqu’à cette époque, les vêtements pour enfants n’étaient qu’une copie réduite des vêtements pour adultes. Cette division est en grande partie due à la complexité dramatique du costume, qui le rendait trop gênant pour les enfants.

Les principaux plans environnementaux d'un costume de théâtre.

1. Historique (temporel) - époques, siècles, périodes, années...

Cette classification, appliquée au costume, est la plus courante en science historique. Avec cette approche, l'histoire des choses et des phénomènes est étudiée du point de vue de leur appartenance à une époque particulière. Les grandes gradations les plus généralement reconnues : primitivité, antiquité, Moyen Âge, Renaissance, XVII, XVIII, XIX, XX siècles. Le développement du costume dans ce cas est considéré comme un processus linéaire, l'accent étant mis sur les caractéristiques qui distinguent une époque d'une autre. L'attention du chercheur se porte sur caractéristiques stylistiques costume commun à tous les arts architecturaux de chaque époque.

Au sein de chaque époque, il est d'usage de distinguer des périodes plus petites, leurs noms sont généralement connus.

2. Naturel.

Spatial-géographique. Ici, la division la plus frappante se produit en deux pôles : est-ouest. Bien entendu, les différences vont bien au-delà de la géographie. De nombreux ouvrages sont consacrés au problème « Est-Ouest », et tous les problèmes qui y sont abordés se reflètent d'une manière ou d'une autre dans le costume. Une division plus poussée s'effectue selon un schéma simple : continents, pays, régions, villes, villages, pâtés de maisons.

Climatique. En raison du fait que l'une des premières fonctions de la combinaison était de protéger le corps des influences naturelles, la combinaison a tout d'abord commencé à se différencier par son adaptabilité à diverses conditions climatiques et naturelles.

Bien entendu, les avions se croisent en réalité, formant un large éventail de conditions naturelles qui nécessitent une combinaison spéciale. Une nuit d'hiver dans la forêt du sud et une journée d'été dans les montagnes du nord, soleil du nord et du sud, pluie et vent dans la steppe et dans la forêt, etc. déterminent en grande partie la variété des costumes des peuples habitant notre planète.

Avec le développement de l'activité humaine et de l'industrie, de nouvelles combinaisons apparaissent constamment, spécialement adaptées à l'exposition à des conditions naturelles extrêmes, qui permettent aux humains de se frayer un chemin vers les coins les plus inaccessibles de la Terre et des environnements inexplorés. L'humanité a développé des équipements pour conquérir les sommets des montagnes, les profondeurs de la mer, les forêts tropicales infranchissables, les déserts et les pôles.

3. Ethnographique - groupes ethniques, peuples, tribus (rites, coutumes). C'est l'une des classifications courantes du costume de théâtre. La majeure partie de toute la littérature sur le costume est constituée d'ouvrages ethnographiques contenant descriptions détaillées costumes d'une sorte ou d'une autre communautés ethniques et les coutumes et rituels associés. Sur la base de telles études, il est bon d’étudier un phénomène tel que le costume national.

4. Rituels séparés de certaines communautés ethniques.

De nombreuses œuvres consacrées au costume de théâtre d'une époque particulière sont basées sur une division par classe. Les vêtements des différentes classes sont initialement déterminés par leur mode de vie inhérent ; leur forme fixe fonctionne comme un signe indiquant une couche particulière de la société. Le chef se distinguait parmi ses compatriotes, il était vénéré comme personne spéciale. La coupe et les détails du costume indiquent le statut dans la société, traditions familiales etc. Et en monde moderne cette fonction de costume existe (par exemple, dans costume d'affaires- plus la bande est fine, plus le statut de son propriétaire est élevé). Les erreurs ici étaient toujours extrêmement indésirables et pouvaient offenser. Les gens étaient très sensibles à leur position dans la société et essayaient toujours de la souligner d'une manière ou d'une autre dans un costume. Souvent, différentes classes ont des valeurs éthiques, esthétiques, etc. différentes. normes, ce qui se reflète également dans le costume. DANS société de classe les signes extérieurs qui établissent la nature des relations et de la communication sont simplement nécessaires.

En déménageant de l'agriculture de subsistance Selon la structure du marché, avec sa division du travail et ses échanges de biens, chaque entreprise avait ses propres professionnels et, par conséquent, le même type de costume. Sa forme dépendait en grande partie des spécificités de l'activité et contenait des éléments qui unissaient des personnes d'une même profession au sein d'une certaine société, soulignant ainsi la communauté des professions qui laissaient une empreinte sur leur caractère, leur vision du monde et leur attitude envers les autres. On caractérise même des groupes de personnes en nommant des signes ou des éléments de leurs vêtements, par exemple : « les gens en blouse blanche », « les gens en uniforme », « les cols blancs », et tout le monde comprend immédiatement de qui on parle.

Les professions suivantes ont les costumes les plus clairement définis et les plus facilement distinguables : militaires, travailleurs médicaux, travailleurs des transports, travailleurs de la restauration, etc.

Confession. Cette typologie consiste à étudier le costume des représentants de diverses religions, ainsi que leurs branches et mouvements hérétiques. Chaque religion établit et détermine certaines formes de costumes, coupes spéciales, silhouettes, couleurs, accessoires et détails.

Selon le degré d'influence de la religion sur la vie de la société à une période donnée, ces caractéristiques affectent d'une manière ou d'une autre toutes les formes et tous les types de costumes.

5. Esthétique – hiérarchie des styles, changement de mode, etc.

Une littérature assez abondante consacrée au costume de théâtre repose sur cette même classification. En règle générale, l'histoire du costume de théâtre repose sur la considération différents styles costume et mode qui se sont remplacés tout au long de l’existence de l’humanité. Les chercheurs de la modernité utilisent également activement cette hiérarchie dans leurs œuvres, en considérant la palette de styles à la fois présents à notre époque et qui sous-tendent la science de l'image. À cet égard, il convient de noter que l'étude du style vestimentaire se construit dans deux directions : les styles historiques et les styles modernes. Le concept de « moderne » inclut non seulement les styles apparus dans dernières décennies du siècle actuel, mais toute la variété des styles de costumes dont disposent nos contemporains, ainsi que l'attitude même envers le style comme outil. Cela est dû au fait que sur scène moderne développement de l'humanité, le style de l'époque actuelle peut être défini comme la polyvariance, c'est-à-dire il ne peut pas être défini sans ambiguïté, cela dépend de nombreuses raisons et change facilement en fonction de la situation, de l'humeur, etc. Par conséquent, nous énumérerons les principaux styles historiques qui se sont formés à une époque particulière, puis les principaux styles dans lesquels on peut s'exprimer. l'homme moderne. Bien sûr, beaucoup styles modernes sont basés sur certains styles historiques.

Comme mentionné ci-dessus, un costume de théâtre est un élément de la conception du spectacle. La particularité de tout costume est le but pour lequel il est créé. Et à partir de l’objectif, généralement celui du réalisateur, une image artistique se construit…

Une étude des caractéristiques artistiques et graphiques des croquis de costumes de théâtre et de la possibilité de les utiliser dans la représentation d'un costume moderne

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Costume du Moyen Âge et des temps modernes

Processus culturels en Ukraine au XXe siècle. Culture des peuples de Transcaucasie. Caractéristiques de l'art théâtral

Le théâtre est un type d'art scénique qui dépeint la vie dans une représentation scénique, alors que les acteurs jouent devant les spectateurs, ainsi que le décor dans lequel la scène est mise en scène par un groupe d'artistes chanteurs et les locaux, cabines, etc. blotti vistavi...

Styles de base de la danse jazz

L'un des types populaires danse moderne est devenu le jazz de Broadway. Ce style est apparu dans les années 20 du XXe siècle, à une époque où le jazz commençait à être joué professionnellement...

Origines de l'allemand théâtre national remonter à l'époque de la formation des rituels populaires, des idées religieuses, diverses sortes jeux et plaisirs de vacances. L'auteur de la plupart des représentations de la foire était Hans Sachs (1494-1576)...

Caractéristiques du développement de l'art théâtral en Allemagne et en Russie au début du XXe siècle

L’histoire du théâtre russe est divisée en plusieurs étapes principales. L'étape initiale, associée aux jeux folkloriques, aux rituels, aux fêtes, trouve son origine dans la société tribale...

Pratique d'utilisation accessoires de théâtre. Formation de l'image extérieure du théâtre

Développement de la culture pendant la période d'indépendance dans divers domaines

Le théâtre, évidemment, est un art collectif, il est donc important de voir dans son produit final la raison la plus importante de son succès, afin de le couronner de la primauté la plus importante de l'État...

Théâtres d'avant-garde

Avant-garde théâtrale (de l'avant-garde française - avant-garde), le terme fut transféré de la sphère politique au domaine de l'art en 1885 ; signifie nouveau non conventionnel formes d'art, apparu à la fin du 19ème siècle...

L'esthétique du théâtre de Rainer Werner Fassbinder

Sans entrer à l'école de cinéma de Munich, R.V. Fassbinder a commencé à étudier le théâtre en privé école de théâtre, où Fassbinder R.-V. « restait seul » Les films libèrent votre tête : Essais et notes de travail // Scénarios de films. 2000. N 3. P. 139....

L'esthétique du théâtre de Rainer Werner Fassbinder

Fassbinder directeur esthétique de la scène Bien que la création de l'Anti-théâtre ait été, en principe, un changement de nom formel du Théâtre d'Action, le groupe avait désormais un chef, même si Fassbinder lui-même le rejetait...

L'esthétique du théâtre de Rainer Werner Fassbinder

En 1969, à Brême - la Mecque du théâtre allemand des années 60 et 70 - le théâtre organisa un événement de treize heures - "showdown", au cours duquel deux films furent projetés - "Katzelmacher", "L'amour est plus froid que la mort", deux représentations - « Café », « Anarchie en Bavière » "...

COSTUME DE THÉÂTRE,élément de la conception de la performance. Dans l'histoire du théâtre, trois principaux types de costumes de théâtre sont connus : les vêtements de personnage, de jeu et de personnage. Ces trois principaux types de poursuites existent à toutes les étapes arts performants– du préthéâtre rituel et folklorique à la pratique artistique moderne.

Un costume de personnage est une sorte de composition visuo-plastique sur la silhouette de l'interprète, mise en mouvement par lui et exprimée (en prononçant un texte ou en chantant), cachant parfois complètement sa silhouette, à la manière d'un masque recouvrant son visage. Exemples de costumes de personnages dans les rituels et cérémonies différents pays paix. La silhouette en forme de cloche du costume indien était une paraphrase du temple-tour-tente de Nagara Shakhara et de la montagne sacrée Menu (le centre et l'axe du monde dans la mythologie hindoue). Chinois - avec sa forme, son design, son ornementation et sa couleur, exprime l'ancien symbolisme cosmologique de l'alternance naturelle de la Lumière et des Ténèbres, la fusion du Ciel et de la Terre dans l'acte de création du monde. Le costume chamanique des peuples du Nord incarne les images d'un oiseau fantastique associé au « monde supérieur » et d'une bête (un habitant du « monde inférieur »). La Russie du Sud est une sorte de modèle de l'Univers. Dans les représentations traditionnelles de l'Opéra de Pékin, le costume représentait l'image d'un redoutable dragon, dans le théâtre japonais No - des motifs de la nature et à l'époque baroque du XVIIe siècle. – Juste ou Paix. Si pour les actions rituelles et folkloriques, les costumes de personnages (comme tous les autres éléments de la scénographie) étaient le fruit de la créativité d'artistes populaires anonymes, alors au XXe siècle, dès le début, les artistes ont commencé à les composer : I. Bilibin - dans opéra Le coq doré N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - dans Buré W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - dans Tsar Maximilien, P. Filonov - dans la tragédie Vladimir Maïakovski enfin, K. Malevitch est dans le projet Victoire sur le soleil(les trois productions 1913). Et puis, à la fin des années 1910 – dans la première moitié des années 1920. toute une série de costumes de personnages a été créée par les futuristes italiens E. Prampolini, F. Depero et d'autres, O. Schlemmer du Bauhaus allemand, et dans le ballet - P. Picasso, qui a montré des managers grotesques dans Parade E. Satie et F. Léger - Divinités nègres en Création du monde D.Millo. Enfin, «l'architecture» du costume cubiste d'A. Vesnine a acquis une signification de caractère dans les performances d'A. Tairov - dans Annonciation, ses propres compositions suprématistes sur les figures de héros Phèdre. Sur autres scènes - "costumes de coquillages" de Yu Annenkov dans la pièce Gaz G. Kaiser et A. Petritsky - dans Viy, ainsi que des collages fantastiques comme costumes de personnages pour la pièce Inspecteur, qui ont été créés par les élèves de P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg et A. Sashin) sur le thème des timbres, blasons, sceaux, enveloppes, etc. - le personnage du maître de poste, les recettes, les signatures, seringues, lavements, thermomètres - le personnage du Docteur, bouteilles, saucisses, jambons, pastèques, etc. - le personnage de l'Homme de Taverne. Dans la seconde moitié du 20e siècle. les costumes en tant que personnages visuels indépendants, présentés séparément des acteurs, en tant qu'élément de scénographie, ont été créés par M. Kitaev et S. Stavtseva, et en tant que divers types de compositions sur les figures d'acteurs - K. Shimanovskaya, D. Mataiten, Y .Kharikov.

Un costume d’acteur est un moyen de transformer l’apparence d’un acteur et l’un des éléments de sa performance. Dans les actes rituels et folkloriques, la transformation avait le plus souvent un caractère parodique grotesque, lorsque les hommes se déguisaient en femmes, les femmes en hommes, les jeunes hommes en vieillards, les beautés en sorcières ou lorsqu'elles représentaient divers animaux. En même temps, tout ce qui était à portée de main était utilisé : une veste, un manteau en peau de mouton, une enveloppe, une peau de mouton - toujours retournés, plus drôles et plus amusants, ainsi que tout autre vêtement un peu ridicule, « inversé », par exemple, des pantalons extrêmement raccourcis, une chemise trop large, des bas troués, toutes sortes de chiffons, chiffons, chiffons, sacs, cordes ; Tout ce que la nature offrait était utilisé : l'herbe, les fleurs, la paille, les feuilles. Enfin, diverses décorations artificielles étaient également utilisées pour se déguiser : papier coloré, écorce de bouleau, papier d'aluminium, verre, rubans, miroirs, cloches, plumes, etc. Les techniques des costumes grotesques ont été transférées aux représentations de comédies grecques antiques et au théâtre traditionnel d'Orient, où elles ont été combinées avec la performance variée de l'acteur avec des éléments de son costume : manches longues et plumes de faisan - en Opéra de Pékin, trains, serviettes et ventilateurs - - en japonais « Non ». Les représentations de la commedia dell'arte italienne, les pièces de Shakespeare et de Lope de Vega étaient basées sur des déguisements et des déguisements sans fin. Fin du XVIIIe siècle. basé sur le jeu avec un châle danse célèbre Emma Hart (Lady Hamilton), après quoi des techniques similaires (manipulations avec des foulards, couvre-lits, voiles et autres éléments de costume similaires) ont été largement utilisées dans théâtre de ballet 19ème siècle, atteignant ses plus hauts sommets artistiques dans le travail de L. Bakst, dont les croquis d'images chorégraphiques comprenaient la dynamique d'une variété de tissus volants, ceintures, foulards, jupes, foulards, manteaux, capes, pendentifs, jarretières. Sur la scène dramatique, la tradition du jeu des costumes avec les mouvements de l'acteur a été poursuivie - au moyen d'une expressivité cubo-futuriste - par A. Exter dans les représentations du Théâtre de Chambre. Salomé O. Wilde et Roméo et Juliette W. Shakespeare, et après elle son élève P. Chelishchev et d'autres maîtres du début des années 1920 : V. Khodasevich et I. Nivinsky, I. Rabinovich et G. Yakulov, S. Eisenstein et G. Kozintsev, enfin de nouveau sur la scène du ballet , dans les productions de K. Goleizovsky - B. Erdman. Si à cette époque les costumes de théâtre formaient toute une tendance en scénographie, c'est dans la seconde moitié du XXe siècle. ils étaient également assez largement utilisés par les artistes et les réalisateurs, mais par nécessité, comme élément de la « palette » des moyens d’expression dont ils disposaient. Parmi les auteurs de costumes de jeu modernes figurent : Artistes géorgiens Sameuli, G. Alexi-Meskhishvili et N. Ignatov, des exemples similaires peuvent être trouvés dans des théâtres d'autres pays : en Pologne, en République tchèque, en Allemagne, en Italie.

Un costume, comme le vêtement d'un personnage, sert souvent de base à la composition des types de costumes évoqués ci-dessus (personnage et jeu), à toutes les époques. développement historique théâtre en plus ou moins dans une moindre mesure il y a une incarnation sur scène de ce que les gens portaient à une époque donnée. Il en était ainsi dans la tragédie antique, et cela reste ainsi dans les représentations de nos jours. Dans le même temps, l'évolution générale de ce type de costume a été caractérisée par un passage des formes conventionnelles de vêtements réels (à l'ère du baroque et du classicisme) à son authenticité, sa précision et son authenticité historiques, géographiques et nationales croissantes. Dans le théâtre du naturalisme et du réalisme psychologique, le costume devient tout à fait adéquat au caractère du personnage, exprimant non seulement son statut social, mais aussi son état d'esprit. Dans le même temps, aujourd'hui comme au cours des siècles passés, le costume reste l'objet d'une créativité particulière de la part des artistes (parmi lesquels se trouvent les maîtres les plus remarquables arts visuels et scénographie) et ils le composent (même des costumes apparemment quotidiens, d'usage quotidien, sans parler des costumes fantastiques), non seulement comme travail séparé, mais comme une composante essentielle de la performance.