Exemples graphiques d'œuvres réalisées à partir de différents matériaux. Techniques d'art graphique

Arts graphiques- voir arts visuels. Le mot graphique vient du mot grec grapho qui signifie écrire, dessiner, gratter.

Les œuvres graphiques, contrairement aux peintures, transmettent les choses les plus importantes sans détails inutiles. Ils semblent refléter l'idée de l'œuvre. Œuvres graphiques peut être en noir et blanc, parfois en couleur. En conséquence, le monde graphique qui nous entoure est très expressif, mais quelque peu conventionnel et figuratif.

Indépendant, œuvres individuelles appelé chevalet graphique. Plusieurs feuilles de chevalet, réunies par une idée commune, forment une série graphique.

Types de graphiques. Graphics combine deux groupes d’œuvres artistiques : le dessin et le graphisme imprimé.

Le dessin est considéré comme unique car il existe en un seul exemplaire. Autrefois, les artistes peignaient sur papyrus, puis sur parchemin, dès le XIVe siècle. - sur papier. La tradition de la peinture sur tissu a survécu jusqu'à nos jours.

Le papyrus est un matériau d'écriture fabriqué à partir de la plante papyrus.
Le parchemin est un matériau d'écriture fabriqué à partir de peau d'animal.

Techniques graphiques. L'image peut être créée avec un crayon, du fusain, de l'encre, de la sanguine (un crayon rouge-brun fabriqué à partir d'un type spécial d'argile) et d'autres moyens. A propos de l'œuvre réalisée avec des craies de couleur, nous dirons : réalisée selon la technique du pastel.

A. Bazilevich. Illustrations pour le poème «Énéide» de I. Kotlyarevsky (gouache)

G. Malakov. Illustrations pour le poème de Lesya Ukrainka « Robert the Bruce, roi d’Écosse » (linogravure)

Albrecht Dürer. Illustration pour « Apocalypse » (gravure sur bois)

Contrairement aux dessins, les graphiques imprimés existent en de nombreux exemplaires. Pour les obtenir, ils utilisent une gravure - une image sur un matériau solide, enduit de peintures puis imprimée sur papier.

Exister différentes techniques gravures : gravure sur bois, linogravure, eau-forte, lithographie. L'émergence du livre imprimé et le développement du graphisme du livre sont associés à l'avènement de la gravure.

Dans la vie de tous les jours, on rencontre le plus souvent du graphisme industriel. Ce - timbres, affiches, programmes de théâtre, étiquettes, noms de marques, dessins sur boîtes de gâteaux et friandises, etc.

Linogravure- un dessin gravé sur linoléum. Le motif est découpé sur une plaque de linoléum à l'aide de couteaux en acier de différentes configurations. Selon la forme du cutter, la ligne qu'il laisse peut être très fine, pointue ou large, arrondie. C'est ainsi que le moule est fabriqué. Ensuite, de l'encre d'imprimerie y est appliquée à l'aide d'un équipement spécial - des rouleaux.

La linogravure est imprimée sur une presse à imprimer. Dans ce cas, une couche de peinture appliquée sur le formulaire est imprimée sur le papier. Une impression sur papier est appelée linogravure ou, plus généralement, comme toutes les autres techniques d'impression, gravure.

Gravure sur bois(gravure sur bois) - une image réalisée avec des ciseaux sur une surface en bois. Toutes les espèces d’arbres ne s’y prêtent pas. Les artistes utilisent du poirier, du chêne, du hêtre et du buis.

La surface en bois est soigneusement poncée et même lissée avec de la cire. Le dessin est découpé de la même manière que sur une linogravure, mais la plus grande dureté du bois permet d'enrichir l'image de petits détails. Ce genre de travail est plus difficile à réaliser.

L'impression est imprimée de la même manière qu'une linogravure, à l'aide d'une presse à imprimer sur du papier tampon spécial. Cette technique est ancienne et nous est parvenue depuis des temps immémoriaux. C’est exactement ainsi qu’ont été réalisés les premiers livres imprimés.

Gravure, ou gravure sur métal, sont plusieurs techniques permettant de réaliser une forme imprimée en métal (cuivre, zinc). Le motif est appliqué sur une plaque lisse, polie et prétraitée. Cela peut être une gravure ou une grattage. Ce type de travail nécessite une extrême précision et un effort physique.

Il existe des moyens d’appliquer un dessin plus facilement. La plaque peut être recouverte couche protectrice vernis spécial et « peinture », en enlevant uniquement le vernis. Ensuite, une telle plaque est immergée dans un récipient contenant de l'acide et, au lieu d'un graveur, l'acide fait des empreintes dans le métal. La peinture est appliquée à la main sur la plaque de gravure.

L'impression est réalisée sur une presse à imprimer. Le papier mou, appuyé contre la plaque, semble sélectionner la peinture dans les recoins.

Lithographie- C'est une gravure sur pierre. Une pierre lithographique spéciale est utilisée pour cela. Le système permettant d’appliquer un motif sur la pierre est très complexe. Cela peut être du grattage, du dessin avec un pinceau et de l'encre, ou du dessin avec un crayon. Dans tous ces cas, des matériaux destinés uniquement à la lithographie sont utilisés.

L'impression est imprimée sur une presse à imprimer. La lithographie vous permet d'obtenir de subtiles gradations (transitions) de tons, semblables aux dessins au crayon ou à l'aquarelle. Grâce à cela, les impressions lithographiques ressemblent parfois à des dessins à l'aquarelle.

T. Chevtchenko. Aveugle dans un cimetière (eau-forte)

E. Kibrik. Illustration pour le conte « Cola Brugnon » de Romain Rolland (lithographie)

1. Comparez les œuvres réalisées selon les techniques de linographie (gravure sur bois) et les dessins réalisés au crayon à la main. Quelle est la différence?
2. Pensez aux nuances d'humeur qui peuvent être transmises en utilisant différents types graphisme et techniques graphiques.

Réfléchissez ensemble à quoi Travail littéraire pourrait être illustré à l’aide de techniques de gravure sur bois, de gravure, de lithographie et de pastel. Pourquoi?

Monotype- Il s'agit d'une empreinte de peinture de n'importe quelle surface sur du papier. Ce tirage existe en un seul exemplaire, comme l'indique la particule « mono » dans le nom. C'est quelque chose entre les deux graphiques imprimés et le dessin.

Créez une composition graphique en utilisant la technique du monotype.

Outils et matériel : plusieurs feuilles de papier, de la gouache, du liquide vaisselle ou savon liquide, pinceaux. Plan de travail:

• Diluez les peintures dans de petites bouteilles et ajoutez-y un peu de solution savonneuse dans un rapport de 1:5. Les peintures ne doivent pas être complètement liquides, mais pas non plus très épaisses.
• À l'aide d'un pinceau, appliquez des peintures sur une feuille de papier en choisissant les couleurs que vous aimez et laissez-les se dissoudre un peu les unes dans les autres.
• D'un mouvement rapide, appuyez une autre feuille de papier contre cette feuille pendant une demi-minute ou une minute.
• Séparez les feuilles de papier et laissez sécher les impressions.
• Considérez le résultat obtenu, essayez de voir une parcelle ou une image unique dans les taches colorées.
• Utilisez des pinceaux et de la peinture ou d'autres matériaux pour terminer votre travail, en ajoutant les détails et les éléments manquants.

Travaux d'étudiants réalisés selon la technique du monotype

Étapes de travail sur un monotype

Narbut Gueorgui Ivanovitch(1886-1920) - Graphiste ukrainien. Influence significative sur la formation manière créative les maîtres avaient un lien avec Saint-Pétersbourg association artistique"World of Art", dont les membres ont accordé une grande attention au renouveau de l'art du livre. Premières œuvres Narbuta - illustrations pour contes de fées. Dans les illustrations des fables de I. Krylov, l'artiste utilise un style graphique ancien - une silhouette, vers laquelle il s'est ensuite tourné plus d'une fois.

En 1917-1920, Narbut a travaillé à Kyiv ; Sa passion pour l’art ukrainien ancien l’a poussé à créer une série d’œuvres remarquables. Depuis janvier 1919, Narbut était recteur de l’Académie des Arts de Kiev.

G. Narbut. Illustration pour la poésie de T. Shevchenko « Dream » (encre)

Pablo Picasso (1881-1973) - personnalité de génie dans l'art du XXe siècle. Picasso est espagnol d'origine, mais la plupart Il a vécu sa vie en France. Déjà dans les années 1900, Picasso se déclarait comme un maître mûr. Son premières peintures appartiennent aux périodes dites « rose » et « bleue » (« Girl on the Ball »). En 1907, Picasso crée le tableau « Les Demoiselles d’Avignon », qui marque le début de l’histoire d’un nouveau mouvement dans l’art du XXe siècle. L'artiste a toujours beaucoup expérimenté. La grande toile « Guernica » date de 1937 et constitue l’un des sommets de l’œuvre de Picasso. Il est dédié à la mort d'une ville espagnole et de ses habitants suite à un bombardement aérien. Le talent de l’artiste s’est également clairement démontré dans le graphisme (l’une de ses œuvres graphiques les plus célèbres est « Don Quichotte »), la sculpture et la céramique.

Pablo Picasso. don Quichotte

Cet article se concentrera sur le dessin avec un crayon. Si vous souhaitez apprendre à dessiner, mais que vous ne parvenez pas à vous lancer, c'est le moment de commencer à apprendre. Prenez une feuille de papier, un crayon et essayez-le :) Commençons par les techniques de dessin.

Technique de dessin au crayon

Il existe deux techniques de dessin principales : l'ombrage et l'ombrage au crayon.

Éclosion

En utilisant des traits (lignes courtes), vous pouvez très bien transmettre le ton d'un objet. En fonction du nombre de traits dessinés, vous pouvez obtenir différents niveaux saturation du ton (moins il y a de traits, plus le ton est clair, plus il y a de traits, plus il est foncé). Par la direction des traits, vous pouvez transmettre la texture de la surface de la figure. Par exemple, les traits horizontaux transmettront bien la surface de l’eau et les traits verticaux transmettront l’herbe.

Fondamentalement, l’ombrage se fait avec des traits courts et droits espacés à peu près de la même distance. Les traits sont appliqués sur le papier avec un crayon arraché. Tout d'abord, une ligne fine est tracée, puis le crayon revient à la ligne de départ et ainsi tous les autres traits sont appliqués.

Les hachures croisées peuvent être utilisées pour améliorer la profondeur des tons. Par exemple, un ombrage horizontal est appliqué à l'ombrage oblique, assombrissant le ton, puis sur ce qui est sorti, vous pouvez appliquer un ombrage oblique dans la direction opposée au premier - cela l'assombrira encore plus. Le plus sombre dans ce cas sera le ton où les ombres sont combinées dans toutes les directions.

Plumage

L'ombrage est l'une des principales techniques pouvant être utilisées lors du dessin pour les artistes débutants. En utilisant une gradation de ton, vous pouvez ajouter du volume à votre silhouette. En général, l'ombrage est cas particulier ombres. Après avoir appliqué les traits, en utilisant les propriétés du crayon graphite et un outil d'ombrage spécial, ils sont ombrés (étalés) jusqu'à l'obtention d'un ton uniforme.

Cependant, la mise en œuvre de l'ombrage elle-même présente un certain nombre de fonctionnalités.

1. L'ombrage des traits doit être effectué le long des traits, mais pas transversalement. En ombrant le long des traits, vous obtiendrez une tonalité plus naturelle.
2. Pour l'ombrage, non seulement un ombrage simple est utilisé, mais également des traits en zigzag.

Avec l'aide de telles techniques, vous pouvez tout représenter sur papier.

10 erreurs courantes commises par les débutants

La plupart des gens qui aiment dessiner font leurs premiers pas par eux-mêmes. Et même si ce n'est qu'un passe-temps, ils réalisent toujours divers croquis. Nous voulons écrire environ 10 erreurs possibles, que rencontrent probablement tous les artistes en herbe.

1. Mauvais crayon

Si vos ombres ne ressortent pas bien, vérifiez les marques sur votre crayon. C'est probablement trop dur. Il est recommandé de dessiner les ombres avec des crayons marqués B, 2B et 4B, mais pas HB.

2. Dessiner à partir de photographies

Chaque artiste commence à dessiner à partir de photographies. Mais très souvent, les photographies ne traduisent pas suffisamment les traits du visage pour un bon dessin. Lorsque le visage d'une personne est positionné de face, il sera difficile de modeler correctement son visage sur papier, car la perspective derrière la tête disparaît. Essayez de prendre une photo où la tête de la personne est légèrement inclinée sur le côté. De cette façon, le portrait sera plus réaliste et avec meilleure transmission ombres

3. Mauvaises proportions de base

Très souvent, les gens commencent immédiatement à prêter attention aux détails, en les dessinant complètement sans esquisser l'intégralité du dessin. C'est mal parce que tu ne planifies pas proportions correctesà l'avance. Tout d'abord, il est conseillé d'esquisser l'ensemble du dessin, puis de dessiner ensuite les détails en détail.

4. Caractéristiques tordues

Nous avons l’habitude de regarder directement une personne et de l’aligner lorsque nous dessinons. En conséquence, le portrait est assez déformé. Lorsque vous dessinez des objets complexes, essayez d'abord de définir des lignes directrices selon lesquelles il sera plus facile de construire le dessin plus tard.

5. Dessin d'animaux

Habituellement, nous regardons notre animal de haut. Cela nous fait paraître la tête plus grande que le corps entier et la proportionnalité normale est perdue. Essayez de distraire l'animal pour qu'il tourne son museau sur le côté, le dessin deviendra alors plus véridique.

6. Coups

Si vous dessinez chaque cheveu ou brin d'herbe séparément, le dessin sera dégoûtant. Essayez de réaliser des croquis nets, allant du sombre au clair.

7. Arbres

N'essayez pas de dessiner formes correctes arbres, fleurs, feuilles. Utilisez les contours et la pénombre pour plus de réalisme.

8. Mauvais papier

Avant d'acheter du papier, testez-le sur un échantillon de quelque chose de léger. Le papier peut être trop lisse et le motif sera décoloré. De plus, le papier peut être trop rigide et le motif sera assez plat.

9. Volumes

Lorsque vous transmettez du volume, essayez de ne pas utiliser de lignes claires pour les bords. Ils peuvent être délimités par des lignes claires de tons différents.

10. Ombres

Très souvent, il n'est pas possible d'appliquer les ombres de manière uniforme. Essayez d'utiliser toute la gamme de couleurs du crayon, allant du plus clair au plus foncé. Si vous avez peur d'en faire trop avec l'obscurité, placez un morceau de papier sous le bord et tout le noir sera dessus.

Au début, il peut sembler que les dessins au crayon sont trop ordinaires et ennuyeux. Mais avec un crayon tu peux transmettre grande quantitéémotions.

Une petite sélection de chaînes vidéo basées sur le dessin au crayon :

De l'auteur : Si vous êtes intéressé par la peinture, le dessin, la composition et l'art en général, alors cet endroit est fait pour vous ! De profession je suis Peintre-Monumentaliste. Diplômé de MGAHI du nom. Sourikov. Sur la chaîne Art Shima, vous trouverez des vidéos dans lesquelles je dessine et peins à l'huile, ainsi que des vidéos avec des astuces. Comme je connais de nombreuses techniques, n'hésitez pas à poser des questions, et je me ferai un plaisir d'y répondre. En vous abonnant à ma chaîne, vous pourrez voir toutes mes nouvelles vidéos.

Leçons vidéo intéressantes sur n'importe quel sujet.

Le travail est plus compliqué, mais avec bonne description. Si vous le voulez vraiment, cela arrivera.

Le graphisme comme forme d'art

Notion de graphisme

Arts graphiques(du grec grapho - écrire, du français - couper sur quelque chose) - l'un des espèce la plus ancienne l'art, y compris le dessin, qui, d'une part, peut être partie intégrante les graphiques, en revanche, agissent comme une œuvre indépendante. Le dessin constitue la première étape du travail sur les œuvres d'art plastique. Le graphisme, plus que les autres types d'art, est plus proche de l'écriture, du dessin et des symboles, puisque son moyen graphique important est le plan même d'une feuille de papier blanche sur laquelle sont appliqués des lignes, des points, des traits et des taches.

Le graphisme est proche de la peinture, mais si dans la peinture la couleur - principal moyen d'expression artistique - apparaît dans connexion incassable une ligne qui n'est pas toujours distincte, peut être atténuée, obscurcie par le clair-obscur et parfois à peine visible, alors dans le graphisme, la ligne sert de principal moyen d'expression.

Le graphisme est l’un des types d’art les plus courants. D'une part, les œuvres graphiques semblent simples et concises lorsqu'elles sont perçues, d'autre part, créer une image graphique est extrêmement difficile, car sur une feuille de papier l'artiste doit transmettre la forme d'un objet, créer l'illusion de volume, refléter le flux lumineux, ou, à l'inverse, généraliser la forme pour qu'il devienne possible de créer une impression. Et tout cela doit être fait par des moyens simples, accessible à tous.

Les difficultés de compréhension de certains détails qui surviennent au cours de la conversation sont facilement éliminées à l'aide de dessins élémentaires. Avec un crayon, vous pouvez non seulement représenter un objet familier, mais également exprimer l’éventail des sentiments d’une personne.

Contrairement à la peinture, en graphisme, le sujet est plus schématisé, rationalisé et construit. Un trait caractéristique est la convention (une image graphique peut être réalisée sur presque n'importe quel plan, sur n'importe quel fond).

S'il est préférable de regarder les peintures de loin, pour que les traits deviennent indiscernables, se fondant dans une harmonie naturelle, semblable à l'harmonie de la nature, alors nous regardons les œuvres graphiques de près et voyons des traits conventionnels, des zigzags, des lignes, c'est-à-dire, la « technique » du dessin, qui n'affecte pas la perception de l'image, affecte.

Types de graphiques

La variété des types de graphisme n'est pas aussi grande que dans le design ou les arts décoratifs et appliqués, mais nombre de ses types sont étroitement liés à la peinture.

Par nature d'exécution les graphiques sont divisés dans les types suivants :

- manuel- toutes les œuvres graphiques réalisées à la main et en un seul exemplaire ;

- imprimé est réalisée grâce à un cliché qui laisse une empreinte sur la surface. Elle est réalisée en plusieurs exemplaires, c'est-à-dire qu'elle peut être répliquée. Il a ses propres variétés : gravure, gravure sur bois, eau-forte, lithographie, linogravure.

Par technique les graphismes sont répartis selon les matériaux :

- crayon- le graphisme est réalisé avec des crayons simples et de couleur sur une feuille de papier ou de carton. Il existe deux styles de travail avec le crayon graphite : le trait et la peinture tonale. Le travail aux crayons de couleur s'effectue, comme avec un crayon graphite, à l'aide d'un trait de contour et d'un trait, qui doivent être combinés avec la couleur ;

- charbon Il a une large gamme de tons, est facile à effacer, facile à utiliser et convient bien aux croquis et aux croquis rapides. On utilise du papier à grain grossier, sur lequel le fusain laisse une belle marque texturée ;

- sanguine se compose d'une substance argileuse colorée par de l'oxyde de fer anhydre, ce qui lui confère une intense marque rouge-brun. Vous pouvez travailler avec de deux manières : au crayon et à la peinture, ainsi qu'en les combinant. Dans le premier cas, la craie sanguine est utilisée comme un crayon, modelant des formes avec un trait, un trait, une surface latérale de la craie ou un ombrage. Cette méthode est acceptable dans les arts visuels pour enfants, car elle donne aux enfants la possibilité de dessiner en utilisant diverses techniques techniques. Dans la méthode de peinture, la sanguine en poudre est diluée avec de l'eau, puis tous les plans nécessaires sont remplis au pinceau ;

- sauce En tant que matériau, le design a des tons profonds, une surface veloutée agréable et une large gamme de tons. Le plus souvent utilisé humide, cela permet de révéler plus pleinement ses qualités et ses riches capacités. Avant de commencer à dessiner avec de la sauce humide, vous devez sélectionner le papier approprié. Il ne doit pas être à grains grossiers, mais suffisamment dense pour résister à des lavages répétés à l'eau et à l'utilisation de gomme. Premièrement, la future image se dessine facilement sur une feuille de papier avec un crayon. Ensuite, après avoir dilué la sauce dans l'eau, de grands avions sont posés avec des pinceaux appropriés, en essayant de prendre le plus précisément possible les relations tonales. La sauce, en séchant, semble se fixer, mais en même temps reste profonde et agréable. Les dessins avec de la sauce peuvent être facilement corrigés ou atténués dans les zones surchargées de ton à l'aide d'une gomme douce. La finition finale des détails nécessite l'utilisation de petits pinceaux aquarelle crayon de fusain etc.;

- pastel- la plus belle des matières douces. Les nuances de couleurs sont sélectionnées directement sur papier ou mélangées par frottement. De plus, chaque couleur de l'ensemble présente plusieurs différences de luminosité et de saturation - d'un ton dense et saturé à un ton clair légèrement saturé. Pour les pastels, il est préférable d’utiliser du papier ou du carton rugueux ou granuleux. Très bien à appliquer papier coloré, dont la couleur est utilisée comme ton principal ;

- grisaille- une technique de dessin au pinceau sur papier, où de grandes masses et des plans sont disposés en ton. Permet de créer des designs particulièrement délicats. Un dessin au pinceau en a deux fonctions artistiques: dessin préparatoire pour travailler avec des peintures et dessiner de manière indépendante. De nombreux artistes préfèrent réaliser un dessin préparatoire à leurs peintures directement sur toile ou papier avec la même peinture qui sera utilisée pour l'œuvre. Cette méthode présente de nombreux avantages. Premièrement, les matériaux différents, souvent incompatibles (par exemple, les peintures et les crayons graphite) ne sont pas mélangés ; d'autre part, dessiner au pinceau discipline l'œil et la main, renforçant l'habileté de travailler ligne de contour, et oblige en même temps à réfléchir à l'avance à la future composition. Et enfin, le contour de la peinture se fond de manière organique avec la tache de couleur globale et peut également être utilisé comme élément décoratif de la composition. Il n'est pas repeint : cela donne vie au dessin.

Le dessin au pinceau en tant que type de graphique indépendant a longue histoire. L'essence de la grisaille est que les effets de lumière et d'ombre sont obtenus par superpositions répétées (glaçage) avec une solution de peinture neutre (noir, marron, etc.). Dessiner avec un pinceau est terminé pinceaux aquarelle des tailles différentes: les grands servent au remplissage, les petits servent à dessiner les détails. Pour travailler cette technique, diverses matières liquides sont utilisées : encre, aquarelle, sépia, etc. En fonction des techniques techniques, le papier est sélectionné. Un papier épais à grain fin pouvant supporter des chevauchements répétés convient à la grisaille. Pour les croquis, les brouillons et les études, on utilise des types de papier de moindre qualité, souvent légèrement teintés, jaunâtres, ocres et bleuâtres.

Selon sa signification les graphiques ont les types suivants:

- graphiques de chevalet, ses œuvres rappellent beaucoup les peintures, car elles véhiculent le volume, la perspective et le modelage de la lumière et des ombres. La valeur des graphismes de chevalet réside dans le fait que ces œuvres sont uniques et uniques ;

- livre- utilisé dans la conception de livres et de produits de livres, le développement de mises en page de livres, d'illustrations, etc. ;

- appliqué- liés à la production de produits imprimés (cartes postales, timbres, étiquettes, emballages, etc.) ;

- affiche- implique la création d'affiches, d'affiches, de panneaux d'affichage.

Selon la structure artistique et figurative On distingue les types de graphiques suivants :

- réaliste, ses œuvres reflètent de manière plausible la réalité environnante ;

- décoratif, ou stylisé, implique une généralisation de la forme des objets, des phénomènes, qui exclut le naturalisme, mais permet une similitude avec des objets réels ;

- abstrait est opposée dans sa structure figurative à celle réaliste, son objectif est de révéler le contenu intérieur de l'image, son côté artistique et émotionnel.

Tous les types de graphismes se révèlent dans leurs genres. Comme la peinture, elle est multi-genre, c'est-à-dire Tous les genres utilisés en peinture sont également implémentés en graphisme.

Bien que le mot lui-même ait des racines grecques et signifie « j'écris », « je dessine ». De nos jours, c'est une espèce indépendante et aux multiples facettes, qui possède ses propres genres et canons.

Types d'art graphique

Selon leur destination, les œuvres graphiques sont réparties dans les types suivants :

• Graphiques de chevalet. En tant que forme d'art, elle est proche de la peinture, car elle transmet la vision et le monde émotionnel de l'artiste. De plus, le maître y parvient non pas grâce à la diversité de la palette de couleurs et diverses techniques leur application sur la toile, mais à l'aide de lignes, de traits, de taches et du ton du papier.
• Le graphisme appliqué comme forme d’art. Des exemples nous en entourent partout ; ils ont un but précis. Par exemple, les illustrations de livres aident le lecteur à percevoir plus facilement son contenu ; les affiches et affiches véhiculent des connaissances ou des informations publicitaires. Cela inclut également les étiquettes de produits, les marques, les dessins animés et bien d’autres.

Tout type de beaux-arts (les graphismes et les images ne font pas exception) commence par une esquisse du dessin. Tous les artistes l’utilisent comme première étape avant de peindre la toile principale. C'est là qu'est créée une projection de la position de l'objet peint dans l'espace, qui est ensuite transférée sur la toile.

Dessin graphique

Le graphisme en tant que forme d'art, les types de graphismes de toutes directions commencent par un dessin, tout comme les toiles en peinture. Pour dessin graphique Ils utilisent du papier, le plus souvent blanc, même si des variantes sont possibles.

Sa principale caractéristique distinctive est le contraste de deux ou plusieurs couleurs - noir, blanc, gris. D'autres types de contrastes sont possibles, mais même si l'artiste utilise un crayon noir sur du papier blanc, les nuances des traits sont riches en variété, du noir doux au noir profond.

Les dessins en noir et blanc avec l'ajout d'une couleur sont forts en émotion. Cela attire le regard et le regard du spectateur est concentré sur un point lumineux. De tels graphismes en tant que forme d'art (la photo le montre très clairement) deviennent une œuvre associative lorsqu'un accent brillant évoque des souvenirs personnels chez le spectateur.

Outils de conception graphique

Les moyens les plus simples et les plus abordables sont les crayons graphite et un stylo à bille ordinaire. Les maîtres aiment aussi utiliser l'encre, le fusain, le pastel, l'aquarelle et la sanguine.

Le crayon graphite est l'outil le plus populaire. Il s'agit d'un corps en bois ou en métal dans lequel est insérée soit une tige de graphite gris-noir, soit une tige colorée dans laquelle sont ajoutés des colorants.

Ils n'ont pas de corps, mais leurs couleurs peuvent être mélangées pour créer de nouvelles nuances.

L'encre a une riche couleur noire, s'applique facilement sur le papier et est utilisée pour la calligraphie, le dessin et la peinture. Il peut être appliqué avec un stylo ou un pinceau. Pour obtenir différentes nuances de noir, le mascara est dilué avec de l'eau.

Le graphisme en tant que forme d’art n’a pas épargné un outil tel que le charbon. charbon Il était utilisé pour le dessin dans l'Antiquité et, au XIXe siècle, le fusain artistique était créé à partir de poudre de charbon comprimée et de matériaux adhésifs.

Les graphistes modernes utilisent également des feutres avec différentes épaisseurs de tige.

Graphiques imprimés

Ce ne sont pas tous les types utilisés en impression.

Graphiques de livres

Ce type de beaux-arts comprend les éléments suivants :

• Livre miniature. Une ancienne façon de préparer les manuscrits, utilisée dès l'époque L'Egypte ancienne. Au Moyen Âge, le thème principal des peintures miniatures était les motifs religieux, et ce n'est qu'à partir du XVe siècle que des sujets profanes ont commencé à apparaître. Les principaux matériaux utilisés par les maîtres miniatures étaient la gouache et l'aquarelle.
• Le design de la couverture transmet le message émotionnel du livre, son thème principal. Ici, la police, la taille des lettres et le dessin correspondant à son nom doivent être harmonieux. La couverture présente au lecteur non seulement l'auteur de l'œuvre, son œuvre, mais aussi la maison d'édition et le designer lui-même.
• Les illustrations sont utilisées en complément du livre, aidant à créer des images visuelles permettant au lecteur de percevoir plus précisément le texte. Ce graphisme en tant que forme d'art est né à l'époque de l'imprimerie, lorsque les miniatures faites à la main ont été remplacées par des gravures. Une personne rencontre des illustrations en petite enfance, alors qu'il ne sait toujours pas lire, mais apprend les contes de fées et leurs héros à travers des images.

Le graphisme des livres en tant que forme d'art dans les établissements d'enseignement préscolaire s'apprend à travers des livres illustrés contenant des informations en images pour les plus jeunes enfants et à travers des textes avec des images explicatives pour les enfants plus âgés.

L’affiche comme forme d’art

Un autre représentant de la peinture graphique est l’affiche. Sa fonction principale est de transmettre des informations en utilisant phrase courte avec une image qui le met en valeur. Par domaine d'application, les affiches sont :

L’affiche est l’un des types de graphiques les plus courants.

Graphiques appliqués

Un autre type d’art graphique est la conception d’étiquettes, d’enveloppes, de timbres et de couvertures pour vidéos et disques musicaux.

• Une étiquette est un type de graphique industriel dont le but principal est de donner le maximum d'informations sur le produit lorsqu'il est utilisé. taille minimale Images. Lors de la création d'une étiquette, la palette de couleurs est prise en compte, ce qui doit évoquer chez le spectateur la sympathie et la confiance dans le produit.
• Les pochettes de disque contiennent un maximum d'informations sur le film ou groupe de musique, en le transmettant à travers le dessin.
• La conception graphique des timbres et des enveloppes a une longue histoire. Les intrigues pour eux deviennent le plus souvent des événements se déroulant dans différents pays, le monde qui nous entoure et les grandes vacances. Les timbres peuvent être émis à la fois en exemplaires individuels et en séries entières, unies par un seul thème.

Les timbres sont peut-être la forme d’art graphique la plus courante devenue objet de collection.

Graphiques modernes

Avec l'avènement de la technologie informatique a commencé à se développer le nouveau genre art graphique - infographie. Il est utilisé pour créer et corriger images graphiques sur l'ordinateur. Parallèlement à son émergence, de nouveaux métiers sont apparus, par exemple celui d'infographiste.

Valeur matérielle. Matériaux pour le dessin sont très diverses et cette diversité peut être associée à des tâches générales d'image. La nature, un objet, un fait, un événement ou un phénomène suggéreront eux-mêmes le format, la matière et la technique du dessin, puisque la technique du dessin est directement liée à la composition, aux moyens d'expression, à la matière du dessin.

Lorsque vous créez des objets, des phénomènes, des événements en trois dimensions dans un dessin, vous devez imaginer le plan de l'image, une feuille de papier comme un espace tridimensionnel, oublier le plan, la surface et voir ce qui est représenté dans l'espace, où vous pouviez bouger mentalement en toute liberté. Vous devez d'abord imaginer mentalement l'ensemble de l'image et, en partant du général, la construire progressivement avec des lignes, des points, des taches. Et, après avoir compris les qualités spatiales, constructives et dynamiques de la nature, remplissez-les de masses et amenez-les au niveau du volume et de la position spatiale, en vous assurant que chaque trait met l'accent sur l'un ou l'autre trait caractéristique, la texture.

Les œuvres réalisées au crayon graphite ont un ton grisâtre avec une légère brillance. Les dessins aux crayons « Retouche », aux tons plus saturés, sont facilement ombrés, mais sont difficiles à effacer avec une gomme. Le crayon italien donne une couleur noire mate veloutée profonde et est facile à ombrer sur papier. Le fusain à dessin a une couleur noire chaude. Se pose facilement sur du papier, du carton ; nuances du noir au gris clair, mais n'adhère pas bien au papier et doit être réparé. La sauce s'utilise sèche et humide. Noir, gris et marron, il possède un pouvoir colorant intense, mais est faiblement fixé à la surface du papier. Habituellement, un pinceau est utilisé pour modéliser grossièrement la forme et le ton du dessin, et une fois sec, le dessin est finalisé avec un ombrage et une gomme, ou plusieurs couches sont appliquées avec un pinceau jusqu'à l'obtention du ton souhaité, puis, après Après séchage, les zones claires sont sélectionnées à la gomme et ombrées. Sangina réalise des dessins selon la technique de la grisaille diverses nuances une couleur, en frottant avec un coton-tige pour obtenir des couches plus fines et plus transparentes. Les pastels (crayons de couleurs douces aux couleurs et nuances délicates) ont une couleur veloutée et mate, mais adhèrent mal au papier. De tels dessins doivent être corrigés. Ils doivent être réalisés sur du papier brouillon. Le pastel aime le papier tonique.

Dessin au trait ou un dessin linéaire a le sien caractéristiques distinctives et de qualité. La ligne est le principal moyen d’expression du dessin. Une ligne est un mouvement prolongé d'un crayon, d'un stylo ou d'un pinceau sur du papier. Ils peuvent varier en intensité, en nature et en objectif. Tissant diverses formes, une ligne peut avoir une signification indépendante. Il peut être fin, élégant et dentelle, délicat et velouté. La ligne du dessin doit être vivante, intéressante et dynamique. Déjà dans un dessin linéaire, il est possible de transmettre non seulement la forme, le volume, le caractère de l'objet, sa position spatiale, mais aussi l'état émotionnel de la personne qui dessine. La ligne peut être décisive et audacieuse, impétueuse et impétueuse, peu sûre et timide. À travers la ligne, l'artiste montre son tempérament et son humeur. La ligne peut être légère, aérée et se contracter en perspective dans l’espace, indiquant la profondeur du dessin ; massif, large - soulignant la masse, mettant en valeur le premier plan. La ligne peut être la partie la plus poétique d'un dessin ; elle guide le regard du spectateur. Mais les lignes ne doivent pas être arrachées aux formes des surfaces, mais en découler organiquement, aider à la perception de la proportionnalité de l'ensemble, de l'harmonie du général par rapport à la douceur de la structure de la figure, et exprimer la plasticité. sentiments. En raison de sa clarté descriptive et de sa clarté spatio-linéaire, le contour est indispensable dans une composition visuelle, tandis que la gradation des surfaces qui forment la forme, leur division et leur combinaison en un tout, leur analyse et leur synthèse forment un jeu pittoresque et expressif de formes.

Riz. 33. Dessin de conception de contour linéaire (travail d'étudiant)

Dessin au trait transmet le ton de l'objet, la forme, diverses directions masses volumétriques, porte des gradations de lumière et d'ombre, des réflexes, des tensions tonales et colorées. Un trait a une signification légèrement différente de celle d’une ligne. Il diffère d'une ligne en ce qu'il n'a une signification indépendante qu'en conjonction avec d'autres traits. De plus, le dessin contient des zigzags et des traits.

Le peintre doit soigner l'expressivité des lignes, des zigzags, des traits, des traits, des contours, des silhouettes. A l'aide de ces moyens, le peintre transmet sa perception du monde. La ligne et le trait résolvent souvent des problèmes courants, mais changent souvent de fonction ou se complètent. La ligne définit principalement les limites du formulaire. Le trait, étant un dérivé de la ligne, transmet une tache, un ton et une signification indépendante, et sa qualité est déterminée par sa quantité. Le dessin au trait est un ensemble de mouvements courts et rapides de la main (crayon, stylo...) Tout dépend de la façon dont l'artiste utilise ces moyens d'expression artistique, de dessin et de création, de la façon dont il trace un trait et place un point, dans quelle proportion il prend de la lumière et de l'obscurité, comment il transmet l'espace, etc.

Riz. 34. Dessin au trait (travail d'étude)

Riz. 35. Travail étudiant

Riz. 36. Travail d'étude

Riz. 37. Travail d'étude

Riz. 38. Travail d'étude

Riz. 39. Travail d'étude

Mais le trait est conventionnel, dur et n'atteint pas l'objectif lorsqu'il faut réaliser un dessin avec des transitions tonales légères et des fonds profonds ; n'a aucun effet lors de la transmission de plans aériens.

Dessin de ton exprime l'infinie variété du monde objectif. Crayon doux, sauce, sanguine, fusain, à l'aide de techniques d'ombrage, traduisent les Valeras aériens, les qualités colorimétriques et matérielles des objets depuis les plis les plus légers du tissu jusqu'à la rigidité du métal. C’est cette technique qui permet d’obtenir des couleurs claires et des ombres riches et épaisses, la texture des choses, les qualités extérieures de la matière, de l’eau et de la terre, de la pierre et du plâtre, du corps et des cheveux d’une personne et de ses vêtements. Il est important ici d’utiliser correctement les compétences et la maîtrise. Grâce aux relations de tons, nous percevons visuellement la matière des objets, leur position spatiale. En plus de la construction en perspective des surfaces des objets, du transfert des gradations de lumière et d'ombre sur une forme tridimensionnelle, il est nécessaire de préserver les différences correctes de lumière et d'ombre dans le dessin. Le rapport tonal dans la nature est la différence de luminosité entre plusieurs objets. La différence de luminosité entre plusieurs objets proportionnelle à la nature est appelée relations tonales dans le dessin. Vous pouvez augmenter ou diminuer l'intensité de l'éclairage des objets ou de leurs surfaces - la nature de la réalité ne changera pas si les relations tonales de toutes les surfaces sont proportionnellement préservées. Lorsque vous dessinez d'après nature, vous devez répartir les transitions de tons du clair au foncé de manière à ce que ce qui était le plus sombre dans la nature et dans le dessin se révèle être le plus sombre, le plus clair se révèle être le plus clair et le les tons intermédiaires dans l'image sont autant de fois plus forts ou plus faibles que ces deux limites, à quel moment ils sont plus forts ou plus faibles dans la nature visible. L'éclairage d'un objet dans un dessin ne dépend pas des contrastes d'ombre et de lumière, mais de la capacité à dessiner avec des relations, de la cohérence de l'échelle tonale. Les lois du dessin tonal constituent le principal moyen de représentation.

Riz. 40. Capitale. Crayon

Riz. 41. Masque de satyre. Dessin au crayon de l'étudiante K. Ashaeva

Riz. 43. Travail de l'étudiant A. Safonova. Papier, crayon

Ligne, trait, contour, point, ton - le langage du graphisme et ses principaux des moyens d'expression. Mais le graphisme n’exclut pas l’usage de la couleur. Des matériaux graphiques tels que la sanguine et le fusain, la sépia et la sauce, l'encre et l'encre peuvent produire des effets picturaux intéressants. Les œuvres graphiques peuvent également être en couleur. Peu importe quoi matériel d'art(aquarelle, gouache, crayons de couleur, pastel) le travail sera terminé. La nature de l’utilisation de la couleur ici est complètement différente. La couleur en peinture joue un rôle dominant, la couleur en graphisme est soumise aux particularités du dessin, où la convention des couleurs est grande. Les graphiques utilisent un nombre limité de couleurs qui forment un Schéma de couleur et préserver le caractère conventionnel de l'image. Les avantages artistiques et expressifs du graphisme résident dans le laconisme, la capacité de concentration des images et la sélection stricte des moyens graphiques.

Maîtriser le dessin doit être conscient et créatif. Pour maîtriser le dessin, des exercices systématiques et méthodiques sont nécessaires. La maîtrise réussie du dessin est possible à deux conditions :

1. Approche consciente et créative de chaque tâche. La conscience de l'objectif guide tout le travail, régule la relation entre les parties, exprime le mouvement et l'action. La technologie est subordonnée à ce travail créatif.

2. Maîtriser des techniques techniques familières qui vous permettent de saisir rapidement les principales caractéristiques de l'objet, du phénomène ou de l'événement représenté.

L'assimilation des techniques et méthodes techniques dépend d'un travail conscient sur la forme, de la maîtrise et de l'habileté qui résultent d'exercices systématiques de dessin. À la suite de tels exercices, les techniques et méthodes devraient devenir familières et semi-mécaniques pour laisser plus de place à la créativité. Ce n'est pas l'artiste qui doit être entre les mains des accidents de l'œuvre, mais l'œuvre entre les mains de l'artiste.

L'image d'un objet ne doit pas être de la nature d'une vue choisie au hasard d'un point de vue choisi au hasard. Le dessin doit être réalisé sur la base de la connaissance des caractéristiques structurelles de l'objet. Pour la meilleure solution à la clarté de l’image, celle-ci repose sur la forme de l’objet, ainsi que sur la simplicité de construction. L'attention principale doit être portée à la démonstration la plus complète possible des caractéristiques de l'objet et de sa structure.

Lors de la réalisation de dessins d'objets aux formes complexes, il est nécessaire de présenter l'objet comme transparent et de déterminer la partie invisible de l'objet. Utilisez des lignes claires pour le délimiter dans le dessin. Lorsque vous dessinez des bâtiments et des structures, vous avez besoin de connaissances et de capacités pour dessiner un cube, un cylindre, un cône, etc., c'est-à-dire dessiner des corps géométriques.

Des dessins peuvent être réalisés divers matériaux, techniques et techniques. Le crayon, le stylo à encre, la sanguine, le pastel et l'aquarelle sont souvent utilisés dans les graphiques. L'encre noire est utilisée pour la technique du lavis et du stylo. Même une seule couleur peut créer des designs expressifs. Les artisans japonais distinguent plus de cent quarante-quatre nuances de noir. L'échelle de tons peut avoir une large gamme.

Riz. 44. Travailler avec un stylo à encre et un pinceau.

Croquis et croquis issus de la nature, ils développent l'observation et la mémoire visuelle, développent la perception, la capacité de voir et d'être conscients du monde qui les entoure. Ils contribuent à la maîtrise des compétences pratiques de représentation d'objets, de phénomènes, d'événements du monde objectif, voire se limitent aux seules bases de l'alphabétisation visuelle. Les connaissances, les compétences et la confiance dans le dessin libre et fluide proviennent d'exercices systématiques et ciblés, d'un travail quotidien et infatigable. Et il faut prendre ce genre d'activité au sérieux ; on ne peut pas se contenter de maîtriser quelques techniques techniques. Les croquis et dessins d'après nature sont d'autant plus difficiles que l'objet représenté est dynamique et qu'il faut un œil aiguisé, une main ferme, des mouvements affinés dans les exercices, le consentement de l'œil, de la main et de l'âme pour capter et capter correctement le mouvement. , pose, personnage en quelques traits, lignes, taches de ton, seulement le plus important, le plus important qui puisse former une idée suffisante de l'objet représenté. Les croquis et les croquis se distinguent par le laconisme, mais l'intégrité d'une interprétation figurative conventionnelle généralisée et l'expressivité des moyens graphiques mettant l'accent sur l'essentiel, traits caractéristiques inhérent à la nature. Pour ce faire, vous devez apprendre à voir de manière sélective et développer la capacité de percevoir, de dessiner et de penser rapidement. Vous devez développer la capacité de dessiner à partir de la mémoire, de l'imagination, et pour cela, vous avez besoin d'une mémoire visuelle bien entraînée et d'une imagination créatrice développée, et tout cela peut être fait si vous suivez la déclaration de Cennino Cennini : « Vous devriez toujours dessiner, sans même manquer les vacances : le dessin est la base de tout art."

Une autre difficulté des croquis est qu’ils sont réalisés « en direct », sans aucune préparation. Cela est particulièrement vrai pour les croquis et les croquis utilisant les techniques suivantes : stylo à encre, pinceau, bâton pointu ; pinceau aquarelle, stylo; sauce au pinceau, stylo, craie, blanc ; gouache, etc. Vous avez besoin d'une connaissance des matériaux et de la capacité de travailler avec du fusain et de la sauce, de l'encre et de l'aquarelle, un stylo, un bâton, un feutre et bien plus encore. Les connaissances, les compétences et les aptitudes nécessaires à la réalisation de croquis et de dessins doivent être étendues et solides. « Plus un artiste en sait, plus il est libre et indépendant ; plus il en sait, plus il peut faire » - K. F. Yuonn.

Le métier peut être réalisé en maîtrisant des techniques éprouvées d’exécution indifférenciée de dessins et de diagrammes. La maîtrise s'obtient en maîtrisant la méthode de vision créative, de compréhension et de reproduction dans travail créatif. Grâce à un travail long et ciblé sur des croquis de la vie, de la mémoire, de l'imagination, un lien se développe entre la pensée et le dessin, semblable à celui développé par une personne alphabétisée lorsqu'elle lit ou écrit sans effort certaines pensées en lettres et en mots. Tout comme un compositeur compose et enregistre composition musicale en utilisant des notes.

Il est extrêmement important pour un architecte de maîtriser une ligne, un trait, une tache. La combinaison de ces éléments, la rapidité et le laconisme de l'image, l'expressivité accrue, la vivacité et la spontanéité, la facilité d'exécution, la grande dynamique des croquis et des croquis permettent de créer des œuvres d'art. Comme le disait P.P. Chistiakov, le grand artiste-enseignant : « Nous devons rendre le difficile familier, le familier facile et le facile beau. » C’est la clé du succès créatif.

Riz. 45. Croquis. Travail étudiant. Crayon.

Riz. 46. ​​​​​​Croquis. D. Prosvirnine. Mascara, pinceau.