"La pintura como forma de arte" (desarrollo metodológico). Término y concepto en bellas artes.

Cuadro - tipo de bellas artes, cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas sobre cualquier superficie dura. En las obras de arte creadas mediante pintura se utiliza el color y el diseño, el claroscuro, la expresividad de los trazos, la textura y la composición, lo que permite reproducir en un plano la riqueza cromática del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad cualitativa y material. profundidad espacial y ambiente ligero y aireado. Cuadro puede transmitir un estado de estática y un sentimiento de desarrollo temporal, paz y saturación emocional y espiritual, la inmediatez transitoria de una situación, el efecto del movimiento, etc.; En la pintura, son posibles narraciones complejas y tramas complejas.

Según la naturaleza de las sustancias que unen el pigmento (materia colorante), según los métodos tecnológicos de fijación del pigmento en la superficie, pintura al óleo, pintura con pinturas al agua sobre yeso, húmeda (fresco) y seca (a secco), tempera, pintura con cola, pintura con cera, esmaltes, pintura con materiales cerámicos y silicatos, etc.

El color es el medio de expresión más específico de la pintura. Su expresión, la capacidad de evocar diversos sentimientos y asociaciones potencia la emotividad de la imagen, determina las posibilidades visuales, expresivas y decorativas de la pintura. En las obras de arte, el color forma un sistema integral (color). Habitualmente se utilizan una serie de colores interrelacionados y sus tonalidades (escala cromática), aunque también existe pintura en tonalidades del mismo color (monocromática). Otro medio expresivo de la pintura es el dibujo (línea y claroscuro), junto con el color, organiza rítmica y compositivamente la imagen; la línea delimita los volúmenes entre sí, es a menudo la base constructiva de una forma pictórica y permite reproducir en general o en detalle los contornos de los objetos y sus elementos más pequeños. El claroscuro le permite no solo crear la ilusión de imágenes tridimensionales, transmitir el grado de iluminación u oscuridad de los objetos, sino que también crea la impresión de movimiento de aire, luces y sombras. En la pintura también juega un papel importante la mancha o trazo del pintor, que es su principal técnica técnica y le permite transmitir muchos aspectos. La pincelada contribuye a la escultura plástica y tridimensional de la forma, transmitiendo su carácter material y textura, y en combinación con el color recrea la riqueza cromática. mundo real. La naturaleza de la pincelada (suave, continua o empastada, separada, etc.) también contribuye a la creación de la atmósfera emocional de la obra, a la transmisión de los sentimientos y estados de ánimo inmediatos del artista, su actitud hacia lo representado.

trabajo de pintura Consta de una base (lona, ​​madera, papel, cartón, piedra, etc.), normalmente recubierta con imprimación, y una capa de pintura, en ocasiones protegida por una película protectora de barniz. Las posibilidades visuales y expresivas de la pintura, las características de la técnica de la escritura, dependen en gran medida de las propiedades de las pinturas, que están determinadas por el grado de molienda de los pigmentos y la naturaleza de los aglutinantes, de la herramienta que utiliza el artista, de los diluyentes. él usa; la superficie lisa o rugosa de la base y la imprimación afecta las técnicas de aplicación de pinturas y la textura del trabajo de pintura, y el color translúcido de la base o la imprimación afecta la coloración. El proceso de creación de una pintura o pintura mural se puede dividir en varias etapas, especialmente claras y consistentes en la tempera medieval y la clásica. pintura al óleo(dibujo en el suelo, pintura de base, vidriado). También hay pintura de naturaleza más impulsiva, que permite al artista encarnar directa y dinámicamente las impresiones de su vida a través del trabajo simultáneo de dibujo, composición, escultura de formas y coloración (a lla prima).

La amplitud y exhaustividad de la cobertura de la realidad se refleja en la abundancia de conocimientos inherentes. pintura de genero, que están determinadas por tema de la imagen:
. género histórico,
. género cotidiano,
. género de batalla,
. retrato,
. escenario,
. bodegón.

Distinguir cuadro: monumental y decorativa(pinturas murales, pantallas de lámparas, paneles), destinados a decorar la arquitectura y desempeñar un papel importante en la interpretación ideológica y figurativa de un edificio arquitectónico; caballete(pinturas), generalmente no asociadas con ningún cierto lugar V conjunto artístico; decorativo(bocetos de decorados y vestuario de teatro y cine); iconografía; miniatura. Los tipos de pintura también incluyen diorama Y panorama.

¿Qué es pintar?

La pintura es un tipo de bellas artes, cuyas obras se crean utilizando pinturas aplicadas sobre cualquier superficie.
“La pintura no es sólo una especie de fantasía, es trabajo, un trabajo que debe realizarse concienzudamente, como lo hace todo trabajador concienzudo”, afirmó Renoir.

La pintura es un milagro asombroso al transformar materiales artísticos accesibles en una variedad de imágenes visibles de la realidad. Dominar el arte de la pintura significa poder representar objetos reales de cualquier forma, color y material diferentes en cualquier espacio.
La pintura, como todas las demás formas de arte, tiene un carácter especial. lenguaje artístico, a través del cual el artista refleja el mundo. Pero, al expresar su comprensión del mundo, el artista encarna simultáneamente en sus obras sus pensamientos y sentimientos, aspiraciones, ideales estéticos, evalúa los fenómenos de la vida, explicando su esencia y significado a su manera.
En las obras de arte de diferentes géneros de bellas artes creadas por pintores se utiliza el dibujo, el color, la luz y la sombra, la expresividad de los trazos, la textura y la composición. Esto permite reproducir en un plano la riqueza colorida del mundo, el volumen de los objetos, su originalidad material cualitativa, la profundidad espacial y el entorno luminoso.
El mundo de la pintura es rico y complejo, sus tesoros han sido acumulados por la humanidad durante muchos milenios. Las obras de pintura más antiguas fueron descubiertas por los científicos en las paredes de las cuevas en las que vivían. gente primitiva. Los primeros artistas representaron escenas de caza y hábitos animales con asombrosa precisión y nitidez. Así surgió el arte de pintar en la pared, que tenía rasgos característicos de la pintura monumental.
Hay dos tipos principales de pintura monumental: el fresco y el mosaico.
El fresco es una técnica de pintura con pinturas diluidas con agua limpia o con cal sobre yeso fresco y húmedo.
Un mosaico es una imagen hecha de partículas de piedra, esmalte, baldosas cerámicas de materiales homogéneos o diferentes, que se fijan en una capa de suelo: cal o cemento.
Los frescos y mosaicos son los principales tipos de arte monumental que, debido a su durabilidad y solidez del color, se utilizan para decorar volúmenes y planos arquitectónicos (pinturas murales, pantallas de lámparas, paneles).
La pintura de caballete (imagen) tiene un carácter y un significado independientes. Amplitud e integridad de la cobertura vida real se refleja en la diversidad de inherentes pintura de caballete tipos y géneros: retrato, paisaje, naturaleza muerta, cotidiano, histórico, géneros de batalla.
A diferencia de la pintura monumental, la pintura de caballete no está conectada al plano de la pared y puede exhibirse libremente.
El significado ideológico y artístico de las obras de arte de caballete no cambia según el lugar donde se ubican, aunque su sonido artístico depende de las condiciones de exposición.
Además de los tipos de pintura anteriores, existen pinturas decorativas: bocetos. escenografía teatral, escenografía y vestuario para cine, así como miniaturas e iconografía.
Para crear una obra de arte en miniatura o monumental (por ejemplo, una pintura en la pared), el artista debe conocer no solo la esencia constructiva de los objetos, su volumen, materialidad, sino también las reglas y leyes de la representación pictórica de la naturaleza, la armonía del color y el color.

En una imagen pictórica de la naturaleza, es necesario tener en cuenta no solo la variedad de colores, sino también su unidad, determinada por la intensidad y el color de la fuente de luz. No se debe introducir ninguna mancha de color en la imagen sin que coincida con el estado general del color. El color de cada objeto, tanto en la luz como en la sombra, debe estar relacionado con el color del todo. Si los colores de la imagen no transmiten la influencia del color de la iluminación, no estarán sujetos a una única combinación de colores. En tal imagen, cada color se destacará como algo extraño y extraño. este estado iluminación; aparecerá aleatorio y arruinará la integridad del color de la imagen.
Así, la combinación natural de colores de las pinturas con el color general de la iluminación es la base para crear una estructura cromática armoniosa del cuadro.
El color es uno de los medios más expresivos utilizados en la pintura. El artista transmite en el plano la riqueza colorida de lo que vio, utilizando la forma del color para conocer y reflejar el mundo que lo rodea. En el proceso de representar la naturaleza, se desarrolla el sentido del color y sus múltiples matices, lo que permite el uso de pinturas como principal medio expresivo de la pintura.
La percepción del color, y el ojo del artista es capaz de distinguir más de 200 de sus matices, es quizás una de las cualidades más felices que la naturaleza ha dotado al hombre.
Conociendo las leyes del contraste, el artista navega por esos cambios en el color de la naturaleza representada, que en algunos casos son difíciles de captar a simple vista. La percepción del color depende del entorno en el que se encuentra el objeto. Por lo tanto, el artista, al transmitir el color de la naturaleza, compara los colores entre sí, asegurándose de que se perciban en interconexión o relaciones mutuas.
“Tomar relaciones de luces y sombras” significa preservar la diferencia entre colores en luminosidad, saturación y matiz, según como ocurre en la naturaleza.
El contraste (tanto de luz como de color) es especialmente notable en los bordes de las manchas de color adyacentes. Difuminar los límites entre colores contrastantes mejora el efecto. contraste de color, y la claridad de los límites de los puntos lo reduce. El conocimiento de estas leyes se expande. capacidades técnicas en pintura, permite al artista, con la ayuda del contraste, aumentar la intensidad del color de las pinturas, mejorar su saturación, aumentar o disminuir su luminosidad, lo que enriquece la paleta del pintor. Por lo tanto, sin utilizar mezclas, sino solo combinaciones contrastantes de colores cálidos y fríos, se puede lograr una sonoridad colorista especial de la pintura.

La pintura se distingue por una variedad de géneros y tipos. Cada género se limita a su propia gama de temas: la imagen de una persona (retrato), el mundo circundante (paisaje), etc.
Las variedades (tipos) de pintura difieren en su finalidad.

En este sentido, existen varios tipos de pintura, de los que hablaremos hoy.

pintura de caballete

El tipo de pintura más popular y famoso es la pintura de caballete. Se llama así porque se realiza en una máquina: un caballete. La base es madera, cartón, papel, pero la mayoría de las veces lienzo tensado sobre una camilla. pintura de caballete es una obra independiente realizada en un género específico. Tiene una riqueza de color.

pinturas al óleo

La mayoría de las veces, se realiza pintura de caballete. pinturas al óleo. Puedes utilizar pinturas al óleo sobre lienzo, madera, cartón, papel y metal.

pinturas al óleo
Las pinturas al óleo son suspensiones de pigmentos inorgánicos y cargas al secarse. aceites vegetales o aceites secantes o a base de resinas alquídicas, a veces con la adición de sustancias auxiliares. Se utiliza para pintar o para pintar madera, metal y otras superficies.

V. Perov “Retrato de Dostoievski” (1872). Óleo sobre lienzo
Pero también se puede crear una imagen pintoresca utilizando témpera, gouache, pasteles y acuarelas.

Acuarela

Pinturas de acuarela

Acuarela (Aquarelle francesa – acuosa; acquarello italiana) – tecnica de pintura utilizando pinturas especiales de acuarela. Cuando se disuelven en agua, forman una suspensión transparente de pigmento fino, que crea el efecto de ligereza, ligereza y sutiles transiciones de color.

J. Turner “Lago Firvaldstät” (1802). Acuarela. Tate Britain (Londres)

Gouache

Gouache (gouache francés, pintura al agua guazzo italiana, salpicadura) es un tipo de pintura adhesiva soluble en agua, más densa y mate que la acuarela.

pinturas gouaches
Las pinturas gouache están hechas de pigmentos y pegamento con la adición de blanco. La mezcla de blanco le da al gouache una calidad mate aterciopelada, pero cuando se seca, los colores se vuelven algo blanqueados (aclarados), lo que el artista debe tener en cuenta durante el proceso de dibujo. Con pinturas gouache puedes cubrir los tonos oscuros con los claros.

Vincent Van Gogh "Corredor de Asulum" (tiza negra y gouache sobre papel rosa)

pastel [e]

Pastel (del latín pasta – masa) – materiales de arte, utilizado en gráfica y pintura. La mayoría de las veces se producen en forma de crayones o lápices sin borde, con forma de barras con una ronda o sección cuadrada. Hay tres tipos de pasteles: secos, al óleo y a la cera.

I. Levitan “River Valley” (pastel)

Pintura al temple

Tempera (tempera italiana, del latín temperare - mezclar pinturas): pinturas a base de agua preparadas a base de pigmentos en polvo seco. El aglutinante para las pinturas al temple es la yema de un huevo de gallina diluida con agua o un huevo entero.
Las pinturas al temple son una de las más antiguas. Antes de la invención y difusión de las pinturas al óleo hasta los siglos XV-XVII. Las pinturas al temple eran el material principal para la pintura de caballete. Se utilizan desde hace más de 3 mil años. Las famosas pinturas de los sarcófagos de los antiguos faraones egipcios fueron realizadas con pinturas al temple. La pintura al temple fue realizada principalmente por maestros bizantinos. En Rusia, la técnica de la pintura al temple dominó hasta finales del siglo XVII.

R. Streltsov “Manzanillas y violetas” (tempera)

Encáustico

La encáustica (del griego antiguo ἐγκαυστική, el arte de quemar) es una técnica de pintura en la que la cera es el aglutinante de las pinturas. La pintura se realiza con pinturas derretidas. Muchos iconos cristianos primitivos se pintaron utilizando esta técnica. Se originó en la Antigua Grecia.

"Ángel". técnica encáustica

Llamamos su atención sobre el hecho de que puede encontrar otra clasificación, según la cual se clasifican como gráficos la acuarela, el gouache y otras técnicas que utilizan papel y pinturas al agua. Combinan los rasgos de la pintura (riqueza tonal, construcción de la forma y del espacio con el color) y de la gráfica (el papel activo del papel en la construcción de la imagen, la ausencia del relieve específico de la pincelada característico de la superficie pictórica).

Pintura monumental

Pintura monumental – pintura sobre estructuras arquitectónicas u otras razones. Se trata del tipo de pintura más antiguo, conocido desde el Paleolítico. Gracias a su estacionariedad y durabilidad, quedan numerosos ejemplos de casi todas las culturas que crearon la arquitectura desarrollada. Las principales técnicas de la pintura monumental son el fresco, el seco, el mosaico y las vidrieras.

Fresco

Fresco (del italiano fresco - fresco): pintura sobre yeso húmedo con pinturas al agua, una de las técnicas de pintura mural. Cuando se seca, la cal contenida en el yeso forma una fina película de calcio transparente, lo que hace que el fresco sea duradero.
El fresco tiene una agradable superficie mate y es duradero en interiores.

Monasterio de Gelati (Georgia). Iglesia de la Santísima Virgen María. Fresco en el lado superior y sur del Arco de Triunfo

un segundo

A secco (del italiano a secco – seco) – pintura mural, realizado, a diferencia de los frescos, sobre yeso duro y seco, rehumedecido. Se utilizan pinturas molidas sobre cola vegetal, huevo o mezcladas con cal. Secco permite pintar una superficie mayor en una jornada laboral que con la pintura al fresco, pero no es una técnica tan duradera.
La técnica del a secco se desarrolló en la pintura medieval junto con el fresco y estuvo especialmente extendida en Europa en los siglos XVII y XVIII.

Leonardo da Vinci" última cena(1498). Técnica en segundo

Mosaico

El mosaico (mosaïque francés, mosaico italiano del latín (opus) musivum – (obra) dedicada a las musas) es un arte decorativo, aplicado y monumental de diversos géneros. Las imágenes de un mosaico se forman disponiendo, colocando y fijando piedras multicolores, esmalte, baldosas cerámicas y otros materiales en la superficie.

Panel mosaico "Gato"

vidrieras

Las vidrieras (francés vitre - vidrio de ventana, del latín vitrum - vidrio) son una obra de vidrio coloreado. Las vidrieras se han utilizado en las iglesias desde hace mucho tiempo. Durante el Renacimiento, las vidrieras existían como pintura sobre vidrio.

Vidriera del Palacio de Cultura Mezhsoyuzny (Murmansk)
Los tipos de pintura también incluyen diorama y panorama.

Diorama

La construcción del diorama “Tormenta de la montaña Sapun el 7 de mayo de 1944” en Sebastopol
Diorama es una imagen pictórica curvada semicircularmente en forma de cinta con un sujeto en primer plano. Se crea la ilusión de la presencia del espectador en el espacio natural, que se logra mediante una síntesis de medios artísticos y técnicos.
Los dioramas están diseñados para iluminación artificial y están ubicados principalmente en pabellones especiales. La mayoría de los dioramas están dedicados a batallas históricas.
Los dioramas más famosos: "Tormenta de la montaña Sapun" (Sebastopol), "Defensa de Sebastopol" (Sebastopol), "Batallas por Rzhev" (Rzhev), "Rompiendo el asedio de Leningrado" (San Petersburgo), "Tormenta de Berlín". "(Moscú), etc.

Panorama

En pintura, un panorama es un cuadro con una vista circular, en el que se combina un fondo pictórico plano con un primer plano tridimensional. Panorama crea la ilusión de un espacio real que rodea al espectador en un círculo completo del horizonte. Las panorámicas se utilizan principalmente para representar eventos que cubren un área grande y gran número participantes.

Museo Panorama "Batalla de Borodino" (edificio del museo)
En Rusia, los panoramas más famosos son el Museo Panorama “Batalla de Borodino”, “Batalla de Volochaev”, “La derrota de las tropas nazis en Stalingrado” en el Museo Panorama “ Batalla de Stalingrado", "Defensa de Sebastopol", panorama del Ferrocarril Transiberiano.

Franz Roubo. Cuadro panorámico “Batalla de Borodino”

Pintura teatral y decorativa.

La escenografía, el vestuario, el maquillaje y la utilería ayudan a revelar aún más el contenido de la actuación (película). La escenografía da una idea del lugar y momento de la acción, y activa la percepción del espectador de lo que sucede en el escenario. artista de teatro se esfuerza en bocetos de vestuario y maquillaje por expresar claramente el carácter individual de los personajes, su estatus social, estilo de la época y mucho más.
En Rusia, el florecimiento del arte teatral y decorativo se produjo a finales del siglo XIX y XX. En este momento se inició el trabajo en el teatro. artistas destacados MAMÁ. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel “Ciudad de Lollipop”. Escenografía para la ópera de N.A. "El cuento del zar Saltan" de Rimsky-Korsakov para la Ópera Privada Rusa de Moscú. (1900)

Miniatura

Una miniatura es una obra pictórica de pequeñas formas. Particularmente popular fue el retrato en miniatura, un retrato de pequeño formato (de 1,5 a 20 cm), que se distingue por una sutileza especial de la escritura, una técnica de ejecución única y el uso de medios inherentes únicamente a esta forma pictórica.
Los tipos y formatos de las miniaturas son muy diversos: fueron pintadas sobre pergamino, papel, cartón, marfil, metal y porcelana, utilizando acuarela, gouache, esmaltes artísticos especiales o pinturas al óleo. El autor puede inscribir la imagen, según su decisión o a petición del cliente, en un círculo, óvalo, rombo, octógono, etc. Se considera retrato en miniatura clásico una miniatura realizada sobre una fina placa de marfil.

Emperador Nicolás I. Fragmento de una miniatura de G. Morselli
Hay varias técnicas en miniatura.

Miniatura lacada (Fedoskino)

Miniatura con retrato de la princesa Zinaida Nikolaevna (joyería Jusupov)

Imagen en el plano de objetos de material y. mundo espiritual. Uno de los principales tipos de bellas artes. La pintura se divide en numerosos tipos y géneros. La pintura al óleo es una obra pintada con pinturas al óleo. La pintura mural es un trabajo de pintura ejecutado directamente sobre una superficie de mampostería especialmente preparada de una pared, techo o bóveda de un edificio. Otro nombre es pintura monumental. La pintura al temple es la principal técnica de pintura de iconos en Rusia. La base de la pintura al temple es la yema de un huevo de gallina, diluida con kvas. Durante el proceso de trabajo, las pinturas se aplican de forma paulatina, en varias capas y en un orden determinado. Desde el siglo XVII Hasta el día de hoy, la capa final se realiza a veces con pinturas al óleo. El icono está escrito en una pizarra tratada especialmente.

Excelente definicion

Definición incompleta ↓

Cuadro

Pictores y Pictura.

El arte de la vida entre los griegos estaba en estrecha relación con la escultura, compartiendo con ella una cosmovisión ideal y una visión muy por mucho tiempo estaba en este estado infantil. Antes de las guerras persas, los pintores parecían utilizar pintura de un solo color con la que dibujaban contornos, mientras que las sombras se indicaban mediante sombreados. El lugar más antiguo de este arte en Grecia fue, con toda probabilidad, el Peloponeso dórico, principalmente Corinto y Sikyon; el corintio Cleantes, dicen, fue el primero en dibujar siluetas, Ardik y Telephanes mejoraron los dibujos lineales, Cleofant inventó la pintura monocolor (monocromía), Kiomnus de Cleon fue el primero en dar movimiento e inclinación a sus figuras y fue el primero en Preste atención a las cortinas de las figuras. Hasta el siglo 94, cuando el ateniense Apolodoro introdujo el pincel, todo el arte de Juana consistía en dibujar imágenes utilizando un lápiz sobre una tabla previamente recubierta de pintura; Las pinturas en sí se aplicaron a granel y sin costuras con una esponja. En general, en las pinturas de los pintores más antiguos solo hay 4 colores ( Plin. 35, 7, 32): blanco y negro, amarillo y rojo. Incluso el propio Zeuxis usó estas flores, pero si alguien las usara numero mayor colores, corría el peligro de, al realzar su atractivo, restarle valor al arte. Las obras de este tipo de arte incluían en parte pinturas murales (principalmente al aire libre) y en parte pinturas pintadas sobre tablas; los primeros estaban escritos sobre yeso fresco y los segundos sobre madera e incrustados en las paredes, por ejemplo, de los templos. Los cuadros se pintaron sobre tablas con pinturas adhesivas; Posteriormente, las pinturas encáusticas se pintaron con pinturas de cera, que se molieron con minas secas y luego se fundieron con un brasero. Edad de Pericles, por tanto mediados y segunda mitad del siglo V. A.C., es considerada la época de mayor prosperidad de este arte, junto con la prosperidad de todas las bellas artes en general, que sirvieron de soporte a la pintura. También pertenecen a esta época las pinturas de gran formato; no sólo aparecieron pasillos pintados, sino también galerías de arte(pinacoteca). Cabe mencionar a Pineno, el hermano de Fidias, y al Tasio Poligiotas (que recibió el derecho de ciudadanía en Atenas en 463), conocido por el cuadro que pintaron juntos. "Batalla maratoniana" V??????? en Atenas. Este último era famoso por su arte de pintar mujeres con ropas transparentes; eliminó la inmovilidad en la expresión facial tomada de los egipcios abriendo un poco la boca; sus cuadros eran verdaderos retratos (en uno, por ejemplo, se puede reconocer fácilmente a Elpinika, la hermana de Kimon), pintados del natural, pero llevados a un mundo ideal. Pausanias (10, 25) tiene una excelente descripción de uno de los más pinturas grandes, ubicado en Leskh ( centímetro.?????, Lesha) en Delfos, que representaba a la Troya conquistada y humeante y a los griegos en el Helesponto, cargados de botín y rodeados de prisioneros, en el momento en que se preparaban para zarpar: “El artista pudo representar aquí perfectamente el contraste entre los grupos de griegos en primer plano y la destrucción de Troya, cuyas calles devastadas son visibles a través de los muros rotos en algunos lugares. El barco de Menelao estaba cerca de la orilla, listo para zarpar; cerca de él se puede ver a Helena, la culpable de la guerra, rodeada de troyanos heridos; en otro grupo de líderes griegos, Casandra es visible; casi todos guardan profundo silencio, a excepción de Neoptólemo, que todavía persigue y mata a los troyanos. Al otro lado del Lesha estaba representada la entrada al inframundo, al reino de las tinieblas con Odiseo en la orilla del Aqueronte, el Tártaro con sus terribles tormentos y Elisio con las sombras de los bienaventurados. En el primero de estos cuadros se dibujaron más de 100 figuras, en el otro más de 80: cada figura, según la antigua costumbre, tenía un nombre". Además, el padre de Polignoto, Aglaofonte, y su nieto eran conocidos como pintores. el ultimo mismo nombre. A este último se le atribuyen principalmente dos pinturas, una de las cuales representaba a Alcibíades como ganador de los juegos. Casarse Cic. Bruto. 18. Cic. de o. 3,7. Quinta. 12, 10. En general, la vivienda complementaba la arquitectura; sus obras sirvieron para decorar tanto edificios privados como galerías y templos. Mientras que las artes plásticas avanzaron rápidamente en su desarrollo, la pintura se desarrolló lentamente y alcanzó la cima de la perfección poco después de la Guerra del Peloponeso, es decir, sólo cuando las artes plásticas, después de su mayor prosperidad, comenzaron a declinar un poco. Los contemporáneos y seguidores de Polygnotus fueron: Mykon de Egina, sus pinturas notables fueron: "Antinoe", "Argonautas", "Asterópodo", "Pelio", "Teseo", "Acast" etc.; pinto en parte y ??????? en Atenas, donde representó la Batalla de las Amazonas y la Batalla de Maratón, y tuvo especial éxito en la representación de caballos; su hijo; además Onato de Egina y Dionisio de Colofón; Luego actuó de forma independiente como pintor decorativo Agafarch ( centímetro. Agatharchus, Agatharchus), que también satisfacía las exigencias del lujo, que ya había comenzado a penetrar privacidad Griegos; pero aún más destacado a este respecto es el mencionado Apolodoro, llamado skiagraph, porque además de la invención del pincel, también se le atribuyó el arte de la distribución de luces y sombras. Su primus specie exprimere instituit, dice de él Plinio (35, 9, 36), primusque gloriam penicillo iure contulit; neque ante eum tabula ullius ostenditur, quae teneat oculos. Su discípulo Zeuxis de Heraclea en Magna Grecia, que vivió c. 397, aunque, sin embargo, pertenecía a una escuela diferente, a saber, la jónica, propensa a la ternura y la pompa, en contraposición a la escuela ática; Era especialmente bueno representando el cuerpo femenino. Prueba de ello es lo que escribió a petición de los crotones. "Elena"(fue colocado en el famoso templo de Hera Lakinia), que representa la belleza perfecta en la forma de una mujer terrenal; de la misma manera encarnó la idea más elevada del casto pudor en la imagen de Penélope. Zeuxis no tiene una variedad de composiciones épicas, como las de Polignoto, así como las expresiones de diversos estados mentales no son visibles en sus pinturas; su principal atención se centró en lo pintoresco, en el lado exterior del objeto, en la ilusión; En comparación con épocas posteriores, carecía de una yuxtaposición de colores artística y variada. Sobre su competencia con Parrasio ( centímetro. Parrasio). Este último y Timantos de Sición fueron sus contemporáneos; sobre las pinturas de este último, entre las cuales "Sacrificio de Ifigenia", donde representó a Agamenón con el rostro cubierto para expresar una gran tristeza, ya en la antigüedad se expresó la opinión de que hacen adivinar al espectador más de lo que realmente se expresa en ellos; La imaginación del espectador complementa lo no dicho, no sólo porque estas pinturas representan algo ideal, sino también porque contienen una gran cantidad de motivos. El principal mérito de la escuela de Sición, por el contrario, fue la ejecución estrictamente científica del dibujo y su máxima claridad. El fundador de esta escuela fue Eupompo de Sición, y su principal representante fue Pánfilo, quien fue el primero en estudiar metódicamente el arte y aplicar sus conocimientos teóricos y geométricos al dibujo; Su alumno Melanphius se destacó por su hábil disposición y composición de pinturas y contribuyó en gran medida a la mejora del color. Por cierto, está clasificado entre esos 4 pintores (Apeles, Equión, Nicómaco) que utilizaron sólo 4 colores. Durante la época de Alejandro Magno, Juana alcanzó el más alto grado de atractivo y encanto, gracias principalmente a Apeles, natural de la isla de Kos, alumno de Pánfilo (356-308). Combinó los méritos de ambas escuelas, al mismo tiempo que intentaba penetrar aún más profundamente en el verdadero significado de la vida e infundir riqueza y variedad de vida en sus obras; combinó la lealtad a la naturaleza con el poder creativo, lo que le valió un favor especial de Alejandro; este último elogió especialmente sus pinturas por su gracia, ?????; en primer plano tenía la perfección de la forma y no la idealidad del contenido. En la técnica, tanto en el dibujo como en la elección de los colores de las escenas espectaculares, era un maestro en su oficio. En el templo de Artemisa de Éfeso pintó una imagen de Alejandro arrojando las plumas de Zeus, y la mano levantada y el relámpago que apareció en la superficie despertaron la mayor sorpresa. También pintó a los generales de Alejandro en diversas posiciones, a veces por separado, a veces en grupos. Sus obras ejemplares con contenido ideal incluyen "Artemisa", rodeada por un coro de mujeres jóvenes que hacen sacrificios, y Afrodita Anadiomene emergiendo del mar; este última foto, según el veredicto de todos los antiguos, era considerado un modelo de gracia; sin embargo, parte inferior Este cuadro quedó inacabado, la muerte secuestró a Apeles en el trabajo y ninguno de los artistas posteriores se atrevió a asumir la tarea de terminarlo. Inicialmente, estaba en el templo de Afrodita en la isla de Cos, desde donde Augusto lo trasladó a Roma y ordenó colocar en el templo a César, que estaba contado entre los dioses. A la escuela de Sición pertenecían más: Eufranor, cuya gloria residía en la sutileza de su representación de dioses y héroes; Echion, de cuyas obras destaca la pintura de los recién casados ​​(una imitación libre de la cual es, quizás, la boda aldobrandiana en el Museo del Vaticano en Roma) y Pausius de Sición, quien fue el primero, dicen, en decorar los techos en las habitaciones, en la mayor parte figuras de niños, flores y arabescos, y fue principalmente famoso por sus pinturas de flores ( Plin. 35, 40 menciona a la bella Glyceria, experta en tejer coronas, cuya imagen presentó al concurso); fue famoso por llevar el método encáustico a un alto grado de desarrollo. En este momento, es decir, aprox. 370-330 también floreció el tebano Arístides, notable principalmente por su arte de representar batallas y conquistas de ciudades y su magistral habilidad para dar vida y expresividad a sus pinturas, aunque su distribución de colores no fue particularmente exitosa. Su cuadro que representa la batalla de los macedonios contra los persas contenía hasta 100 figuras; La triste escena durante la destrucción de la ciudad fue considerada su obra maestra y atrajo especial atención. grupo principal, que representa a una madre moribunda y un bebé agarrando su pecho; pero ella lo rechaza por miedo a que succione sangre en lugar de leche. Por esta época alcanzó aún mayor fama Protógenes de la ciudad de Kavna en Caria, quien hasta los 50 años apoyó su existencia con las obras más sencillas; pero el famoso Apeles lo reconoció y, apreciando su arte, le compró algunos cuadros por una importante suma de dinero, mostrando a sus conciudadanos su incapacidad para apreciar las obras de Protógenes y al mismo tiempo tratando de despertar en ellos la sospecha de que él Quería hacerlos pasar como propios. Esto ayudó al pobre a hacerse un nombre entre sus conciudadanos. Encima de su mejor cuadro, donde representó a Ialisa ( centímetro. Ialis) un cazador con un perro jadeando a un lado, trabajó durante 7 o incluso 11 años. Cuando Demetrio Poliorcetes asediaba Rodas, no pudo decidirse a atacar por el lado donde sabía que se encontraba este cuadro, y por eso no ganó. Envió guardias para vigilar al artista, cuyo taller se encontraba en el lugar más peligroso fuera de las murallas de la ciudad, e incluso lo visitó personalmente. Durante la época de Plinio, esta pintura estaba en Roma, en el templo del mundo, pero ya durante la época de Plutarco fue destruida por un incendio. su foto "El sátiro en reposo", que colocó en una columna, fue escrito por él durante el asedio, cuando las armas tronaban por todos lados, y también fue considerado una obra ejemplar. El principal mérito de Protogen, como el de Apeles, no fue tanto la riqueza del pensamiento o el contenido poético, sino la encantadora ejecución artística, y la ilusión se llevó al más alto grado; pero en Apeles esto fue consecuencia de su talento natural, y en Protógenes esto se logró gracias a su mayor paciencia y notable diligencia. Si bien todos quedaron sorprendidos por su diligencia y perseverancia en sus obras, en las obras de su contemporáneo Nicómaco, natural de la ciudad de Tebas, que vivió a finales del siglo IV. BC, hijo y alumno de Aristodemo, quedó muy asombrado por la velocidad de ejecución combinada con un arte notable. Fueron escritos - "El rapto de Proserpina", en el Capitolio, en el Templo de Minerva; "Diosa de la Victoria", andar en un vehículo de cuatro ruedas, y "Habilidad" en el templo de la diosa de la paz. Otros notables son: Teón de la isla de Samos, que despertó sorpresa por la vivacidad de su imaginación y vivió en la época de los reyes macedonios Filipo y Alejandro; el posee: "Orestes el loco" y kifared "Tamiris", Nicias, originario de Atenas (pintó animales y batallas encáusticas; muchas de sus pinturas fueron en Roma; una de las mejores fue "El Reino de las Sombras según Homero"; elogiaron el color, la posición y la redondez de las figuras en sus pinturas, especialmente las femeninas), Antiphilus ( "El niño que aviva el fuego", "Taller de trabajo de lana") y Ctesilochus (caricaturizó el nacimiento de Dioniso del muslo de Zeus). Con toda probabilidad, Aetion (??????) con su pintura famosa - "El matrimonio de Alejandro y Roxana" (Cic. Bruto. 18, donde algunos, sin embargo, leen Echion; Luciano de Merc. cond. 42.imagg. 7). A partir de entonces, el arte comienza a decaer y ya no se distingue por la gracia y el ingenio, sino sólo por el cuidado en la decoración. Así, Peyraijk transmitió con un pincel escenas de la vida cotidiana, representó con notable habilidad los talleres de zapateros, barberos, cocinas, mercados, etc., lo que fue especialmente apreciado por los romanos, que respetaban no tanto la complejidad de la composición como la corrección y claridad del dibujo; Así, se convirtió en el mejor maestro de la pintura de género real, la llamada riparografía. En cuanto a los romanos, cabe destacar principalmente su incomprensión obras de arte; Ni siquiera la toma de Corinto pudo producir una revolución beneficiosa en el arte durante mucho tiempo. Muy a menudo hubo ejemplos en los que los soldados y generales no sólo no respetaron, sino que incluso destruyeron las preciosas obras de J. Mummius no entendía, por ejemplo, cómo Atalo de Pérgamo podía valorar tanto el cuadro de Arístides que representa a Baco; Creyendo que en ella se escondía algún poder secreto, la llevó consigo y la colocó en el templo de Ceres. Pero poco después los romanos, y en este caso, demostraron con bastante claridad su codicioso sistema de acumulación colosal de tesoros ajenos; comenzaron a decorar sus casas, comedores, dachas, etc. con preciosas pinturas. Por eso, en general, sólo se pueden señalar nombres individuales de artistas, como, por ejemplo, Timomachus de Bizancio, famoso por su capacidad para representar conmovedoramente pasiones reprimidas, como lo demostró en su pintura. "Ajax furioso", que César ordenó instalar en Roma; Timomachus vivió en el último siglo a.C. Durante la época de Augusto, Ludius era famoso. Mientras tanto, durante el reinado de los emperadores, muchos pintores griegos se trasladaron a Roma, cuyo talento y gusto se pueden entender en las elegantes decoraciones de las famosas termas de Tito. Los mosaicos también se desarrollaron de manera similar con fines de lujo; Señalo principalmente a Coca de Pérgamo, quien en el piso de una habitación compuso una imagen de un estanque con palomas, pero el mejor trabajo Los mosaicos eran considerados una imagen de un todo. "Ilíada" en los suelos del magnífico barco del rey Hierón II de Siracusa. Nuestra información sobre las fuentes y objetos de la historia antigua es extremadamente escasa. Restos redescubiertos de pinturas cerca de Atenas en griego lápidas No son particularmente valiosos, pero numerosos dibujos en vasijas de arcilla griegas ya indican cierta artesanía, y las pinturas murales encontradas en Herculano y Pompeya no pertenecen a la época en que floreció este arte y pueden considerarse decoraciones interiores más o menos ligeras. En general, incluso en la pintura, los antiguos se distinguían por la elección de bellas figuras, la sencillez de escenas y composiciones y la corrección del dibujo, pero en la aplicación de las leyes de la perspectiva en pinturas de gran tamaño, en las sombras resultantes. en cierta combinación y fusión de colores, y principalmente en profundidad poética, eran muy inferiores al arte más reciente. Casarse historia del arte Schnaase, Kugler´a, L?bke y otros; especialmente Brunn, Geschichte der. Griech. K?nstler, II, pag. 3-316 y Würmann, die Malerei des Alterhums (en Woltmann´a Gesch. der Malerei, vol.?, 1879, pag. 32-140).

Excelente definicion

Definición incompleta ↓

La mayoría de las pinturas que ves son artículos de caballete. Este término significa que las pinturas fueron pintadas en una máquina especial: un caballete. Se pueden enmarcar, colgar en la pared o regalar. En otras palabras, un caballete es un cuadro pintado sobre un fondo plano: papel, cartón. En este tipo de pintura predominan las pinturas al óleo, pero también las pinturas que utilizan otros materiales: gouache y acuarela, pastel, tinta, carboncillo, pinturas acrílicas, lápices de colores, etc.

uno de tipos aplicados La pintura de caballete es pintura teatral y decorativa: bocetos de disfraces de héroes y puesta en escena.

Pintura monumental - pintura de edificios.

La pintura monumental no puede existir separada del lugar donde se realiza. Este tipo de pintura fue muy popular en los siglos XVI-XIX, cuando se construyeron majestuosos templos y los mejores artistas pintaron sus bóvedas. El tipo más común es el fresco, que consiste en pintar con pinturas al agua sobre yeso húmedo.

La pintura sobre yeso seco (seco) también era común, pero este tipo de obras no han sobrevivido tan bien hasta el día de hoy. La pintura monumental más famosa es la pintura a gran escala. Capilla Sixtina, en el que participó Miguel Ángel. Según los críticos, los frescos de la capilla pueden equipararse a la octava maravilla del mundo.

Las obras más antiguas de pintura monumental son las pinturas rupestres de los primeros pueblos.

Pintura decorativa - arte aplicado

pintura decorativa Estrechamente relacionado con las artes decorativas y aplicadas. ella juega mas bien papel de apoyo en la decoración de diversos objetos. La pintura decorativa es una variedad de patrones y adornos que decoran artículos para el hogar, muebles y arquitectura. Es posible que se desconozcan los autores de este tipo de pintura; a este tipo también pertenecen pinturas sencillas de casas y muebles campesinos.

Pintura en miniatura - cositas lindas

Inicialmente, la pintura en miniatura representaba diseños de libros. Los libros antiguos se hacían con mucho cuidado y eran muy caros. Para decorarlos se contrataron artesanos especiales, quienes diseñaron bellamente las tarjetas de título, las portadas y las diademas entre capítulos. Estas publicaciones eran verdaderas obras de arte. Había varias escuelas que se adherían a cánones estrictos. pintura en miniatura.

Más tarde, las miniaturas comenzaron a llamarse pinturas de pequeña escala. Fueron utilizados como souvenirs y regalos memorables. A pesar de su pequeño tamaño, este tipo de pintura requería gran precisión y habilidad. Los materiales más populares para las miniaturas de souvenirs eran el hueso, la piedra y las placas de metal.

Consejo 2: ¿Qué tipos de caballetes existen: básicos y populares?

El dibujo es uno de los más direcciones interesantes en la creatividad. Pero para pintar un cuadro, es necesario elegir los pinceles y las pinturas adecuados, pero también un caballete.

Para algunas personas, la creatividad, es decir, el dibujo, es una parte integral de la vida en forma de hobby o actividad profesional. Artistas y aficionados regalan significado especial precisamente los materiales y dispositivos con los que trabajan. Dado que los caballetes son una parte integral del proceso creativo, es necesario considerar estos elementos auxiliares con más detalle.

Así, por el momento existen tres tipos principales: caballetes de trípode, caballetes de panel vertical (fijos) y cuadernos de dibujo. Cada tipo de caballete tiene sus propias características. Por ejemplo, los trípodes son muy fáciles de montar y utilizar. Un caballete de este tipo siempre se puede desmontar y, cuando está plegado, este dispositivo ocupa muy poco espacio.

Al mismo tiempo, los caballetes de paneles verticales son muy convenientes, ya que tienen la función de ajustar la altura y el ángulo de inclinación, pero ocupan mucho espacio debido a su naturaleza estacionaria. El principio de fijación del papel o lienzo estirado en este tipo de caballetes prácticamente no cambia. Hay un pequeño panel en la parte inferior para su ubicación. consumibles: lápices, pinturas, pinceles y otras cosas.

Los cuadernos de bocetos se pueden utilizar al aire libre para dibujar de la naturaleza. Al mismo tiempo, una vez ensamblado, este dispositivo se convierte en una pequeña maleta, con la que se pueden realizar largos viajes hasta el lugar donde se pinta el lienzo.

Los caballetes más populares.

Los caballetes trípode son los más populares. Esto se debe a su comodidad y compacidad. Además, usted mismo puede hacer un caballete de este tipo si no quiere gastar dinero en comprarlo.

Para trabajar en el estudio o en casa, se suelen utilizar caballetes de mesa, es decir, caballetes con panel vertical. Este tipo es conveniente cuando se trabaja en un solo lugar, ya que su transporte se ve dificultado por la imposibilidad de desmontar el objeto en partes más pequeñas y luego volver a montarlo. Además, cada tipo de caballete está destinado a un uso específico, sin embargo, el trípode puede considerarse legítimamente el más universal, ya que se puede utilizar tanto para trabajo permanente en el estudio, y para trabajar desde la naturaleza en la naturaleza, por supuesto, si no es demasiado grande.

Fuentes:

• Clasificación de caballetes

El arte de decorar superficies con pinturas y pincel se llama pintura artística. El concepto mismo de pintura es seriamente diferente al de pintura, ya que es parte del espacio concebido por el artista.

La pintura artística se aplicó inicialmente a cualquier material asequible y fácil de conseguir: cuero, madera, tejidos naturales, arcilla, etc. Los maestros transmitieron las habilidades de generación en generación y aparecieron técnicas artísticas específicas que ayudaron a los productos. Con el tiempo, se eligió la aplicación más significativa y expresiva del adorno. En arquitectura, las pinturas se utilizaban para decorar techos, bóvedas, paredes, vigas y, en la vida cotidiana, la decoración se aplicaba a artículos del hogar.

Sistematización varios tipos La pintura fue iniciada por primera vez en 1876 por el profesor A.A. Isaev en su libro de dos volúmenes titulado "Procesos de la provincia de Moscú". Empresas pintura artística y actualmente están desarrollando su negocio para satisfacer la demanda en los mercados de Rusia y el extranjero.

Pintura de Khokhloma

en los ricos adorno floral Se utilizó la técnica de la pincelada fina procedente de los monasterios. De ahí se derivó el secreto de cómo pintar platos de oro sin utilizar oro. La pintura no ha cambiado hasta nuestros días y el proceso ha sido el mismo desde la antigüedad hasta nuestros días. La pieza en bruto de la vajilla se tornea de madera en un torno y luego se imprima con una solución de arcilla especialmente preparada o se utilizan imprimaciones artificiales. Los platos están recubiertos con pintura a base de estaño o plata, con menos frecuencia, aluminio. Se pintan según el motivo deseado y se secan en el horno, luego se barnizan y se secan nuevamente en caliente.

Dado que el producto se somete varias veces a un intenso tratamiento térmico, se eligieron pinturas cuyo brillo no se viera afectado por las altas temperaturas. Es negro, dorado y cinabrio.

porcelana gzhel

Gzhel es único, ya que cada artista, utilizando motivos clásicos y familiares, crea la técnica de forma individual. El papel principal pertenece a la experiencia del maestro y al movimiento de su pincel. Al mismo tiempo, en la blancura, de un solo trazo, aparecen transiciones armoniosas del azul oscuro al azul pálido. Sólo se utiliza una pintura, cobalto, y el dibujo se hace muy rápido, a la primera.

Matrioska

Estas figuras de diferentes tamaños, encajadas unas dentro de otras, son originarias de Japón. Estas muñecas adquirieron gran popularidad en 1900, después de una exposición en París. La producción principal tuvo lugar en el pueblo de Polkhovsky Maidan, famoso tanto por la pintura como por los torneros; después de todo, todavía había que tallar la forma de la muñeca nido.

Polkhovskaya tiene características distintivas, por el cual se la puede reconocer entre otros. Tiene la cara pintada con pequeños trazos y en la frente hay una flor de rosa de abeto. El color de la bufanda contrasta con el color del vestido de verano, y desde atrás la muñeca matrioska es 2/3 de escarlata o verde. El delantal es ovalado y va desde el cuello hasta el suelo.

La muñeca matrioska con incrustaciones de paja de Vyatka, la más difícil de procesar.

Casi todas las chicas, si su tiempo libre no lo sobrecargan estudiando o saliendo, tienen uno o más pasatiempos. Algunos de ellos la cautivan por su originalidad por un corto tiempo, otros son compañeros de por vida.

Instrucciones

El tipo más común de pasatiempo femenino se puede llamar todo tipo de costura: crochet, macramé, costura, bordado. Esta afición no surge de la nada; tradicionalmente proviene de madres y abuelas que la practican en presencia de sus hijas y nietas. La niña se interesa y pide a los adultos que le muestren bucles, nudos, puntos o puntos de cadeneta. Al principio no funciona, e incluso puede que abandone su nuevo hobby por un tiempo, pero después de unos años la naturaleza seguirá su curso y ahora la adolescente coserá sus primeros vaqueros o tejerá una boina.

No requiere tanto tiempo, dejando las tardes libres para otras actividades, la floricultura. A todas las mujeres les encantan las flores, y las que ellas mismas cultivan son las de mayor interés. Controlar la aparición de los brotes, su aumento de tamaño y la posterior floración es similar a la maternidad, por lo que es un placer para muchos representantes del sexo justo. Si no tienes paciencia para cuidar rosas y violetas, puedes empezar con clorofito o simples cactus.

Los primeros pasatiempos que desarrolla un niño pequeño incluyen dibujar y moverse con música. Si tiene talento para ello, sus empresas no se perderán, sino que se desarrollarán en la capacidad de mostrarse externamente y mundos interiores a través de la pintura y el baile. Si no hay talento, pero el alma exige persistentemente la expresión de todos sus impulsos, entonces la niña se convierte en una buena fotógrafa. Sus fotografías suelen representar a familiares y amigos, lugares importantes y rincones de la naturaleza que capturan la imaginación.

Otro método para desarrollar tu potencial es hacer manualidades con varios materiales. Esto incluye modelado en arcilla y fabricación, tallado y diseño de jabón. Esto último puede convertirse en una profesión y convertirse en una buena forma de ganar dinero. Y el tallado se puede llamar una variedad de un pasatiempo común, pero lejos de abarcarlo todo: cocinar. Casi todas las niñas saben cocinar las gachas y sopas más simples, hornear pizza con todo lo que hay en el refrigerador, pero solo unas pocas tienen el arte de cocinar. platos originales.

Y, por último, la afición universal de las mujeres de todas las edades y categorías sociales es la adivinación. La mayoría de las veces en las cartas, pero también se utilizan posos de café, quiromancia y otros métodos de adivinación para lograr resultados. Aprender sobre el pasado y el futuro nunca resulta aburrido, y especializarse en un tipo particular puede convertir a una chica en una verdadera maestra.

Redondo y plano, con mango de madera y otro de plástico, marta y poni. Una variedad de formas y tipos de pinceles ayudan al artista a crear obras maestras sobre lienzo o papel. Por ejemplo, un cepillo de ardilla se utiliza principalmente para trabajar con pintura de acuarela, y se utiliza un pincel lineal para aplicar inscripciones.

Formas de pincel

Una de las formas de pincel más comunes y versátiles es la redonda. El paquete de dicho cepillo se fija en un clip redondo, generalmente de metal. Los pinceles pueden ser de diferentes tamaños. El grupo pequeño se utiliza para crear miniaturas y el grande para paisajes grandes. Un pincel redondo produce una línea uniforme de igual grosor, aunque un artista experto puede variar esto.

Los pinceles planos son buenos para trabajar en áreas grandes de una composición; retienen mucha pintura. Los trazos con un pincel de este tipo son suaves y anchos.

Un pincel llamado “ojo de gato” tiene forma ovalada o de cúpula. Este cepillo es de uso muy individual y se puede utilizar del mismo modo que uno redondo o plano.

Un subtipo de pinceles planos son los pinceles para contorno; tienen una forma similar, pero el haz es más corto y, en consecuencia, más elástico. Estos pinceles se utilizan para técnicas de pintura al óleo; son fáciles de realizar trazos planos y contornos claros.

Los pinceles tipográficos tienen un pincel largo y redondo con una punta delgada y afilada, que le permite hacer inscripciones y aplicar contornos. Estos pinceles se utilizan con pinturas líquidas.

Los pinceles de retoque también son un tipo de pincel plano; su peculiaridad es la punta cortada en ángulo. Estos pinceles se utilizan para crear trazos muy finos y una transición suave y precisa de un color a otro. Esto se crea gracias a la punta fina y afilada.

Los pinceles lineales, al igual que los pinceles para fuentes, tienen una forma larga y redonda y se utilizan para escribir inscripciones y crear líneas largas y uniformes. Los pinceles lineales son más cortos que los pinceles tipográficos, pero más largos y delgados que los redondos.

Además de pintar, los pinceles de flauta se utilizan para aplicar maquillaje, concretamente polvos o colorete. Estos pinceles suaves están diseñados para pintar a mano alzada con acuarelas. Retienen mucha agua, por lo que pueden dibujar líneas largas, continuas y uniformes sin interrupción.

Los cepillos abanico tienen un mechón delgado en forma de abanico. Se utilizan para crear sutiles extensiones de color, transiciones de color y contrastes.

tipos de cepillos

Además de las formas y tamaños, existe una diferencia significativa entre los tipos de cepillos, es decir, de qué tipo de cabello está hecho el mechón. El tipo de cepillo más común es la ardilla. Estos cepillos están hechos de pelos procesados ​​​​de cola de ardilla, ya que la cola contiene el pelo más largo. Los cepillos de ardilla son muy suaves y delicados, por lo que requieren un cuidado especial. Se utilizan para trabajar con pintura de acuarela u otra pintura a base de agua.

Los cepillos Kolinsky están hechos de pelo de cola Kolinsky procesado. Estos cepillos son bastante suaves y al mismo tiempo elásticos. Por eso se usan