Festival Sinfónica de Debussy. Claude Debussy. Tríptico “Nocturnos”: “Nubes”, “Fiestas” y “Sirenas”. "Tarde de un fauno"

En 1894, incluso antes de la finalización del Preludio "", Claude Debussy concibió la idea de un ciclo de tres partes titulado "Nocturnos". Si trabajo anterior indirectamente – a través de la poesía – con la pintura del pintor francés, luego, en relación con los “Nocturnos”, el propio compositor describe su idea musical en términos de bellas artes. En una de sus cartas, compara la obra con “un estudio en tonos de gris”. Con estos tonos se refiere a las diversas combinaciones de instrumentos que deben acompañar al violín solista. En un caso serían cuerdas, en otro vientos y arpa, y en la tercera pieza habría que combinar todos estos instrumentos. En cuanto al solo de violín, Claude Debussy lo creó para Eugene Ysaïe, declarando que no se lo daría a nadie más, ni siquiera al propio Apolo.

En los años siguientes, los planes del compositor cambiaron y después de tres años creó tres piezas puramente orquestales, sin violín solista. La composición orquestal también se diferenciaba del plan original; sin embargo, cambia de un número a otro. Al llamar nocturnos a su ciclo sinfónico, no se refería tanto a las características del género correspondiente, sino más bien a las "impresiones y sensaciones de luz" asociadas con esta palabra. Esta impresión juega papel principal incluso en el programa formulado por el autor para cada una de las tres partes.

El primer nocturno – “Nubes” – es particularmente sutil. Esto se ve facilitado por la composición de la orquesta elegida para él: ningún instrumento de metal, excepto la trompa. Los instrumentos de viento crean un fondo ondulante que recuerda a las pinturas impresionistas con su sensación de que el aire "fluye". Breve motivo Parece sombrío debido a la coloración modal inusual en combinación con el timbre del corno inglés (“nubes grises flotantes melancólicas”). La introducción del arpa en la sección central le da a esta pintura un color más claro. El solo de cor inglés regresa en la repetición.

En la pieza “Celebraciones”, la paleta orquestal es más rica: se incluyen trompetas, tubas y trombones, y a partir de la percusión se añaden platillos y una caja. Existe una versión de que este nocturno reflejaba recuerdos de la visita de Nicolás II a Francia y del encuentro ceremonial celebrado con el emperador ruso en París. A diferencia de las contemplativas “Nubes”, aquí todo es extremadamente brillante y conmovedor: la “danza” de las cuerdas y los instrumentos de viento, las jubilosas “exclamaciones” de los metales, las brillantes “ondas” del arpa deslizante. La imagen de la fiesta se complementa con la procesión que se aproxima: nuevo tema, comenzando con trompetas apagadas acompañadas de un tambor, se va apoderando poco a poco de toda la orquesta, tras lo cual el material de la primera sección vuelve a “quitarse” y desvanecerse poco a poco.

La parte final del ciclo, "Sirenas", tiene un ritmo similar a la primera parte, pero contrasta con esa imagen sombría con su color claro. Es especialmente inusual en sus "colores" tímbricos; junto con los medios orquestales, el compositor utiliza coro de mujeres que canta sin palabras, con la boca cerrada. Este canto aparece no tanto en una función melódica, sino tímbrica y armónica, como, de hecho, todos los instrumentos orquestales. Aquí no hay ninguna melodía extendida como tal, solo un juego de motivos cortos, acordes y timbres que forman una imagen del mar, de cuyas profundidades surge el canto surrealista de las sirenas.

Los Nocturnos se estrenó en diciembre de 1900, dirigida por Camille Chevilard. Pero ese día solo se representaron dos partes: "Nubes" y "Fiestas"; el ciclo completo de tres partes se realizó en 1901. En los años siguientes, esta práctica continuó: "Sirenas" se representan con menos frecuencia que otras partes.

Temporadas musicales

Claude Achille Debussy nació el 22 de agosto de 1862 en el suburbio parisino de Saint-Germain. Sus padres, pequeñoburgueses, amaban la música, pero estaban lejos del verdadero arte profesional. Impresiones musicales aleatorias. primera infancia Contribuyó poco al desarrollo artístico del futuro compositor. Las más llamativas fueron las raras visitas a la ópera. Sólo a la edad de nueve años Debussy comenzó a aprender a tocar el piano. Ante la insistencia de un pianista cercano a su familia, que reconoció las extraordinarias habilidades de Claude, sus padres lo enviaron al Conservatorio de París en 1873.

Los diligentes estudios de Debussy en los primeros años le valieron premios anuales de solfeo. En las clases de solfeo y acompañamiento se manifestó su interés por nuevos giros armónicos y ritmos variados y complejos.

El talento de Debussy se desarrolló muy rápidamente. Ya en sus años de estudiante, su interpretación se distinguía por su contenido interno, emotividad, rara diversidad y riqueza de paleta sonora. Pero la originalidad de su estilo interpretativo, desprovisto del virtuosismo y la brillantez externos de moda, no encontró el debido reconocimiento ni entre los profesores del conservatorio ni entre sus compañeros. Por primera vez su talento fue premiado sólo en 1877 por su interpretación de una sonata de Schumann.

Los primeros choques serios con los métodos existentes de enseñanza en el conservatorio se produjeron con Debussy en su clase de armonía. Sólo el compositor E. Guiraud, con quien Debussy estudió composición, se impregnó verdaderamente de las aspiraciones de su alumno y descubrió sus similitudes en puntos de vista artísticos, estéticos y en gustos musicales.

nocturnos

"Nubes"

Composición de la orquesta: 2 flautas, 2 oboes, cor inglés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, timbales, arpa, cuerdas.

"Celebraciones"

Composición de la orquesta: 3 flautas, flautín, 2 oboes, cor inglés, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 3 trombones, tuba, 2 arpas, timbales, caja (a lo lejos), platillos, cuerdas.

"Sirenas"

Composición de la orquesta: 3 flautas, 2 oboes, cor inglés, 2 clarinetes, 3 fagotes, 4 trompas, 3 trompetas, 2 arpas, cuerdas; Coro femenino (8 sopranos y 8 mezzosopranos).

Historia de la creación

Sin haber completado todavía su primera obra sinfónica madura, “La tarde de un fauno”, Debussy concibió los “Nocturnos” en 1894. El 22 de septiembre escribió en una carta: “Estoy trabajando en tres nocturnos para violín solo y orquesta; la orquesta del primero está representada por cuerdas, la segunda por flautas, cuatro cuernos, tres trompetas y dos arpas; la orquesta del tercero combina ambos. En general, se trata de una búsqueda de diversas combinaciones que un mismo color puede producir, como, por ejemplo, al pintar un estudio en tonos grises”. Esta carta está dirigida a Eugene Ysaye, el célebre violinista belga, fundador de un cuarteto de cuerda, que el año anterior fue el primero en tocar el Cuarteto Debussy. En 1896, el compositor afirmó que los Nocturnos fueron creados específicamente para Ysaïe, “el hombre a quien amo y admiro... Sólo él puede interpretarlos. ¡Si el propio Apolo me los hubiera pedido, se los habría negado! Sin embargo, al año siguiente el plan cambió y durante tres años Debussy trabajó en tres “Nocturnos” para una orquesta sinfónica.

Informa de su fin en una carta fechada el 5 de enero de 1900 y escribe allí: “Mademoiselle Lily Texier cambió su nombre disonante por el mucho más eufónico Lily Debussy... Es increíblemente rubia, hermosa, como en las leyendas, y se suma a estas regalos el , que de ninguna manera es del “estilo moderno”. Le encanta la música... sólo que, según su imaginación, su canción favorita es un baile circular, en el que se trata de un pequeño granadero con una cara rubicunda y un sombrero en un lado”. La esposa del compositor era una modelo, hija de un pequeño empleado de provincias, por quien en 1898 se enardeció una pasión que casi lo llevó al suicidio al año siguiente, cuando Rosalía decidió romper con él.

El estreno de "Nocturnos", que tuvo lugar en París en los Conciertos de Lamoureux el 9 de diciembre de 1900, no fue completo: entonces, bajo la batuta de Camille Chevilard, sólo se interpretaron "Nubes" y "Festividades", y "Sirenas". se unió a ellos un año después, el 27 de diciembre de 1901. Esta práctica de interpretación separada continuó un siglo después: el último “Nocturno” (con coro) se escucha con mucha menos frecuencia.

El programa Nocturnos lo conoce el propio Debussy:

“El título “Nocturnos” tiene un significado más general y especialmente decorativo. La cuestión aquí no está en la forma habitual de nocturno, sino en todo lo que esta palabra contiene de la impresión y sensación de luz.

“Nubes” es una imagen inmóvil del cielo con nubes grises que flotan y se derriten lenta y melancólicamente; A medida que se alejan, se apagan, suavemente sombreados por una luz blanca.

"Fiestas" es un movimiento, un ritmo danzante del ambiente con explosiones de luz repentinas, es también un episodio de una procesión (una visión deslumbrante y quimérica) que atraviesa la fiesta y se funde con ella; pero el fondo permanece todo el tiempo: esto es una fiesta, es una mezcla de música con polvo luminoso, que es parte del ritmo general.

“Sirenas” es el mar y su ritmo infinitamente diverso; Entre las olas plateadas por la luna, aparece el misterioso canto de las sirenas, se esparce en risas y desaparece”.

Al mismo tiempo, se conservaron las explicaciones de otros autores. Respecto a “Nubes”, Debussy dijo a sus amigos que era “una mirada desde un puente a las nubes impulsadas por un viento atronador; el movimiento de un barco de vapor a lo largo del Sena, cuyo silbido es recreado por un breve tema cromático del corno inglés”. Las “fiestas” reviven “el recuerdo de las antiguas diversiones del pueblo en el Bois de Boulogne, iluminado y abarrotado; un trío de trompetas es la música de la Guardia Republicana tocando el amanecer”. Según otra versión, esto refleja las impresiones del encuentro con los parisinos. Emperador ruso Nicolás II en 1896.

Surgen muchos paralelismos con las pinturas de los artistas impresionistas franceses, a quienes les encantaba pintar el aire que fluye, el brillo de las olas del mar y la diversidad de una multitud festiva. El propio título "Nocturnos" surgió del nombre de los paisajes del artista prerrafaelita inglés James Whistler, por los que el compositor se interesó en su juventud, cuando, tras graduarse en el conservatorio con el Premio de Roma, vivió en Italia. en la Villa Medici (1885-1886). Esta afición continuó hasta el final de su vida. Las paredes de su habitación estaban decoradas con reproducciones en color de las pinturas de Whistler. Por otro lado, los críticos franceses escribieron que los tres nocturnos de Debussy son una grabación sonora de tres elementos: aire, fuego y agua, o una expresión de tres estados: contemplación, acción e intoxicación.

Música

« Nubes"Están pintados con sutiles colores impresionistas de una pequeña orquesta (de los metales sólo se utilizan trompas). Un fondo inestable y sombrío se crea mediante el balanceo mesurado de los instrumentos de viento de madera, formando extrañas armonías deslizantes. El peculiar timbre del corno inglés realza la singularidad modal del breve motivo principal. El colorido se aclara en la sección central, donde entra por primera vez el arpa. Junto con la flauta, lleva el tema pentatónico a la octava, como si estuviera saturado de aire; lo repiten solos de violín, viola y violonchelo. Luego regresa la melodía lúgubre del corno inglés, surgen ecos de otros motivos y todo parece flotar en la distancia, como nubes derritiéndose.

« Celebraciones"forman un fuerte contraste: la música es trepidante, llena de luz y movimiento. Sonido de vuelo de cuerdas y instrumentos de madera interrumpido por resonantes exclamaciones de metales, trémolo de timbales y espectaculares glissando de arpas. Nueva imagen: sobre el mismo fondo danzante de cuerdas, el oboe lidera un tema lúdico, retomado por otros instrumentos de viento en la octava. De repente todo termina. Una procesión se acerca desde lejos (tres trompetas con sordinas). Entran la caja previamente silenciosa (a lo lejos) y los metales bajos, la preparación conduce a un clímax ensordecedor tutti. Luego regresan pasajes luminosos del primer tema y otros motivos destellan hasta que los sonidos de la celebración se desvanecen en la distancia.

EN " sirenas“Una vez más, como en “Clouds”, domina un tempo lento, pero el ambiente aquí no es el crepúsculo, sino iluminado por la luz. El oleaje chapotea silenciosamente, las olas entran y en este chapoteo se pueden escuchar los seductores sonidos de las sirenas; Los acordes repetidos y sin palabras de un pequeño grupo de coros de mujeres añaden otra capa de color caprichoso al sonido de la orquesta. Los motivos más pequeños de dos notas varían, crecen y se entrelazan polifónicamente. En ellos se escuchan ecos de los temas de los “Nocturnos” anteriores. En la sección central, las voces de las sirenas se vuelven más insistentes y su melodía más prolongada. La versión para trompeta se acerca inesperadamente al tema en cor inglés de “Clouds”, y la similitud es aún más fuerte en la lista de estos instrumentos. Al final, el canto de las sirenas se desvanece, justo cuando las nubes se derriten y los sonidos de la celebración desaparecen en la distancia.

A. Königsberg

Prélude à l "après-midi d"un faune

Composición de la orquesta: 3 flautas, 2 oboes, cor inglés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, platillos antiguos, 2 arpas, cuerdas.

Historia de la creación

"La tarde de un fauno" es la primera obra sinfónica de Debussy, en la que se expresa perfectamente su estilo impresionista individual; está inspirada en la égloga del mismo nombre de Stéphane Mallarmé (1842-1898). El poeta francés, líder de la escuela simbolista, que reunió a jóvenes poetas y artistas impresionistas, escribió este gran poema sobre un tema mitológico antiguo en 1865-1866 (se publicó 10 años después), quizás inspirado en la pintura. artista francés Boucher del siglo XVIII de la Galería Nacional de Londres. El estilo poético de Mallarmé, deliberadamente complejo, incomprensible, alegórico, se distingue al mismo tiempo por el brillo sensual de las imágenes, la elegancia del gusto y una percepción refinada y alegre de la vida. El propio Mallarmé comparó su poesía con la música: se esforzó en que sus frases, ordenadas de cierta manera, tuvieran un efecto poético en el lector, como los sonidos de la música en el oyente.

La égloga “La tarde del fauno” estaba destinada al famoso actor francés Coquelin padre, para ser recitada, ilustrada con bailes. Debussy, que conoció la égloga en 1886, decidió complementar la lectura con una composición de tres partes: preludio, interludio y final (paráfrasis). Sin embargo, el significado del poema resultó completamente agotado ya en el preludio, sin necesidad de continuación. Al escucharlo por primera vez en su interpretación original al piano, Mallarmé quedó encantado: “¡No esperaba algo así! Esta música continúa el tono de mi poema y lo complementa más brillantemente que los colores”.

El programa que se conserva es probablemente de Debussy: “La música de este Preludio es una ilustración muy libre del hermoso poema de Mallarmé. No pretende en absoluto ser una síntesis del poema. Más bien se trata de paisajes que se suceden uno tras otro, entre los que flotan en el calor de la tarde los deseos y sueños del Fauno. Luego, cansado de perseguir a las ninfas que huyen tímidamente, se entrega a un sueño delicioso, lleno de sueños finalmente realizados de posesión completa de la naturaleza que todo lo abarca”.

Y en una carta escrita un año después de la finalización de “La tarde de un fauno” (1894), Debussy explicó el principio de su programa en tono humorístico: “Ésta es la impresión general del poema, ya que si intentas seguir Para ser más exactos, la música se ahogaría como un caballo de carruaje, compitiendo con un pura sangre en la competición por el Gran Premio."

El estreno tuvo lugar el 22 de diciembre de 1894 en París, en un concierto de la Sociedad Nacional dirigido por Gustave Doré. Como recordó más tarde el director, ya durante la actuación sintió de repente que los oyentes estaban completamente cautivados por esta música, e inmediatamente después del final la volvió a tocar. Este fue el primer éxito real de Debussy.

En 1912, se representó un ballet en un acto en el Teatro Chatelet de París con la música de “La tarde de un fauno”. El coreógrafo e intérprete del papel del Fauno fue el famoso bailarín ruso Vaslav Nijinsky, a quien no le agradó en absoluto el compositor, quien llamó a Nijinsky un joven salvaje y un genio vicioso.

Música

El solo de flauta introduce inmediatamente tanto al lejano mundo de la brillante antigüedad pastoral como al mundo de la música de Debussy, tan típico del compositor. La sensual melodía cromada se desarrolla de forma libremente improvisada en los timbres de flauta de los instrumentos de viento de madera. Un sabor especial de la música lo dan el glissando del arpa y el pase de lista de los cuernos, los únicos metales utilizados en el preludio. En la sección central, un tema más amplio, melodioso e iluminado por el sol emerge en un rico sonido tutti. Cuando se queda paralizada ante el solo de violín, la música de la flauta regresa de nuevo con el telón de fondo del brillo del arpa. Su presentación es interrumpida por breves motivos de burla. La música adquiere, por definición del autor, el carácter de “aún más languidez”, el colorido se ve realzado por la inclusión de platos antiguos. Su pianissimo sobre el fondo de los armónicos del arpa y el pizzicato de cuerdas bajas completan la obra, como si una hermosa visión se disolviera en la ligera neblina del mediodía.

Ya en las primeras composiciones vocales de Debussy, que datan de finales de la década de 1870 y principios de la de 1880 (“Una noche maravillosa” con palabras de Paul Bourget y especialmente “Mandolina” con palabras de Paul Verlaine), se reveló la originalidad de su talento.

Incluso antes de graduarse en el conservatorio, Debussy realizó su primer viaje al extranjero. Europa occidental por invitación del filántropo ruso N.F. von Meck, que fue durante muchos años amigo íntimo de P.I. En 1881, Debussy llegó a Rusia como pianista para participar en los conciertos caseros de von Meck. Este primer viaje a Rusia (luego lo visitó dos veces más, en 1882 y 1913) despertó un enorme interés del compositor por la música rusa, que no decayó hasta el final de su vida.

Después de tres veranos, su alumna Sonya (quince años) volvió la cabeza. Pidió permiso para casarse con ella a su madre, Nadezhda Filaretovna Frolovskaya von Meck... E inmediatamente, muy amigable, le pidió que abandonara Viena, donde se encontraban en ese momento.

Cuando regresó a París, resultó que su corazón y su talento estaban maduros para sentir algo por Madame Vanier, quien definía el tipo de “mujer de su vida”: era mayor que él, era músico y reinaba en una casa inusualmente atractiva. .

La conoció y comenzó a acompañarla en los cursos de canto de Madame Moreau-Senty, donde Gounod era presidente.

A partir de 1883, Debussy comenzó a participar como compositor en concursos para el Gran Premio de Roma. Al año siguiente lo obtuvo por la cantata “El hijo pródigo”. Esta obra, escrita bajo la influencia de la ópera lírica francesa, destaca por el verdadero dramatismo de las escenas individuales. La estancia de Debussy en Italia (1885-1887) resultó fructífera para él: conoció la antigua música coral italiana del siglo XVI y al mismo tiempo la obra de Wagner.

Al mismo tiempo, la estancia de Debussy en Italia estuvo marcada por un agudo choque entre él y los círculos artísticos oficiales de Francia. Los informes de los galardonados a la Academia se presentaron en forma de trabajos que fueron examinados en París por un jurado especial. Las reseñas de las obras del compositor - la oda sinfónica "Zuleima", la suite sinfónica "Primavera" y la cantata "La Virgen Elegida" - revelaron esta vez una brecha insuperable entre las aspiraciones innovadoras de Debussy y la inercia que reinaba en la institución artística más grande de Francia. . Debussy expresó claramente su deseo de innovación en una carta a uno de sus amigos en París: “No puedo limitar mi música a un marco demasiado correcto... Quiero trabajar para crear una obra original, y no caer siempre en los mismos caminos. ... "Después de regresar de Italia a París, Debussy finalmente rompió con la academia. En ese momento, los sentimientos por Madame Vanier se habían enfriado significativamente.

El deseo de acercarse a las nuevas tendencias en el arte, el deseo de ampliar las conexiones y conocidos en mundo del arte llevó a Debussy a finales de la década de 1880 al salón de una gran poeta francés finales del siglo XIX y el líder ideológico de los simbolistas: Stéphane Mallarmé. Aquí Debussy conoció a escritores y poetas, cuyas obras formaron la base de muchas de sus composiciones vocales creadas en los años 1880-1890. Entre ellos destacan: “Mandolina”, “Ariettes”, “Paisajes belgas”, “Acuarelas”, “Claro de luna” con letra de Paul Verlaine, “Canciones de Bilitis” con letra de Pierre Louis, “Cinco poemas” con la palabras del mayor poeta francés de las décadas de 1850 y 1860 de Charles Baudelaire (especialmente "Balcón", "Evening Harmonies", "At the Fountain") y otros.

Clara preferencia dada a música vocal en el primer período de la creatividad, se explica en gran medida por la pasión del compositor por la poesía simbolista. Sin embargo, en la mayoría de las obras de estos años, Debussy intenta evitar tanto la incertidumbre simbolista como la subestimación en la expresión de sus pensamientos.

La década de 1890 es el primer período del florecimiento creativo de Debussy no sólo en el campo de la música vocal, sino también del piano (“Bergamas Suite”, “Little Suite” para piano a cuatro manos), instrumental de cámara (cuarteto de cuerdas) y especialmente sinfónica. En este momento, dos de los más significativos obras sinfónicas- preludio “Tarde de un fauno” y “Nocturnos”.

El Preludio "La tarde de un fauno" fue escrito basándose en un poema de Stéphane Mallarmé en 1892. La obra de Mallarmé atrajo al compositor principalmente por el vívido pintoresquismo de una criatura mitológica que sueña con hermosas ninfas en un día caluroso.

En el preludio, como en el poema de Mallarmé, no hay una trama desarrollada ni un desarrollo dinámico de la acción. La composición se basa esencialmente en una imagen melódica de “languidez”, construida sobre entonaciones cromáticas “rastreras”. Para su encarnación orquestal, Debussy casi siempre utiliza el mismo timbre instrumental específico: una flauta en un registro bajo.

Todo el desarrollo sinfónico del preludio se reduce a variar la textura de la presentación del tema y su orquestación. El carácter estático del desarrollo se justifica por la naturaleza de la imagen misma.

Los rasgos del estilo maduro de Debussy eran evidentes en esta obra, principalmente en la orquestación. La extrema diferenciación de los grupos orquestales y las partes de instrumentos individuales dentro de los grupos permite combinar colores orquestales y crear los matices más finos. Muchos de los logros de la escritura orquestal en esta obra se convirtieron más tarde en típicos de la mayoría de las obras sinfónicas de Debussy.

Sólo después de la interpretación de “Fauno” en 1894 se empezó a hablar del compositor Debussy en amplios círculos musicales de París. Pero el aislamiento y ciertas limitaciones del entorno artístico al que pertenecía Debussy, así como el estilo original de sus composiciones, impidieron la aparición de la música del compositor en los escenarios de conciertos.

Incluso una obra sinfónica tan destacada de Debussy como el ciclo Nocturnos, creada en 1897-1899, fue recibida con moderación. El deseo de Debussy por imágenes artísticas reales se manifestó en "Nocturnos". Por primera vez en la obra sinfónica de Debussy, una pintura de género viva (la segunda parte de los nocturnos - "Celebraciones") y imágenes de la naturaleza ricamente coloreadas (la primera parte - "Nubes") recibieron una vívida encarnación musical.

Durante la década de 1890, Debussy trabajó en su única ópera terminada, Pelléas et Mélisande. El compositor buscó durante mucho tiempo una trama que le fuera cercana y finalmente se decidió por el drama del escritor simbolista belga Maurice Maeterlinck “Pelleas y Mélisande”. La trama de esta obra atrajo a Debussy, según sus palabras, porque en ella “los personajes no razonan, sino que soportan la vida y el destino”. La abundancia de subtextos hizo posible que el compositor hiciera realidad su lema: "La música comienza donde la palabra es impotente".

Debussy conservó en la ópera una de las características principales de muchos de los dramas de Maeterlinck: la fatalidad de los héroes ante el inevitable desenlace fatal, la incredulidad de una persona en su propia felicidad. Debussy, hasta cierto punto, logró suavizar el tono irremediablemente pesimista del drama con un lirismo sutil y sobrio, sinceridad y veracidad en la encarnación musical de la verdadera tragedia del amor y los celos.

La novedad del estilo de la ópera se debe en gran medida al hecho de que fue escrita sobre un texto en prosa. Las partes vocales de la ópera de Debussy contienen matices sutiles francés coloquial. El desarrollo melódico de la ópera es un canto expresivo y una línea declamatoria. No hay un aumento emocional significativo en la línea melódica ni siquiera en los episodios dramáticamente culminantes de la ópera. Hay varias escenas de la ópera en las que Debussy logró transmitir una compleja y rica gama de experiencias humanas: la escena del anillo en la fuente en el segundo acto, la escena del cabello de Mélisande en el tercero, la escena en el fuente en el cuarto y el escenario de la muerte de Mélisande en el quinto acto.

La ópera se estrenó el 30 de abril de 1902 en el Opera Comic Theatre. A pesar de la excelente representación, la ópera no fue un verdadero éxito entre el gran público. Los críticos fueron en general poco amables y se permitieron ataques duros y groseros después de las primeras representaciones. Sólo unos pocos músicos importantes apreciaron los méritos de este trabajo.

En el momento de la producción de Pelléas, estaban ocurriendo acontecimientos importantes en la vida de Debussy. El 19 de octubre de 1899 se casó con Lily Texier. Su unión durará sólo cinco años. Y en 1901 comenzó su labor como crítico musical profesional. Esto contribuyó a la formación vistas esteticas Debussy, su criterio artístico. Sus principios y puntos de vista estéticos se expresan con mucha claridad en los artículos y el libro de Debussy. Él ve el origen de la música en la naturaleza: “La música es lo más cercano a la naturaleza...” “Sólo los músicos tienen el privilegio de abrazar la poesía del día y la noche, la tierra y el cielo, recreando la atmósfera y el ritmo del majestuoso asombro de la naturaleza. "

El estilo de Debussy estuvo fuertemente influenciado por el trabajo de los principales compositores rusos: Borodin, Balakirev y especialmente Mussorgsky y Rimsky-Korsakov. lo mas gran impresion Debussy quedó impresionado por la brillantez y el pintoresquismo de la escritura orquestal de Rimsky-Korsakov.

Pero Debussy adoptó sólo ciertos aspectos del estilo y método de los artistas rusos más importantes. Las tendencias democráticas y socialmente acusatorias en la obra de Mussorgsky resultaron serle ajenas. Debussy estaba lejos de las tramas profundamente humanas y filosóficamente significativas de las óperas de Rimsky-Korsakov, de la constante y conexión irrompible la creatividad de estos compositores de origen folklórico.

En 1905, Debussy se casó por segunda vez. Tenía la misma edad que Claude Achille, casada con Segismundo Bardac, un banquero parisino. “Madame Bardac poseía la seducción característica de algunas mujeres de la alta sociedad de principios de siglo”, escribió sobre ella una de sus amigas.

Debussy estudió composición con su hijo y pronto acompañó a Madame Bardac, quien interpretó sus romances. “Esto es un éxtasis lánguido”... y al mismo tiempo es un rayo con todas sus consecuencias. Pronto dan a luz a una hermosa niña, Claude, Emma.

El comienzo del siglo es la etapa más alta en la actividad creativa del compositor. Las obras creadas por Debussy durante este período hablan de nuevas tendencias en la creatividad y, en primer lugar, del alejamiento de Debussy de la estética del simbolismo. El compositor se siente cada vez más atraído por escenas cotidianas y de género, retratos musicales y fotografías de la naturaleza. Junto con nuevos temas y tramas, aparecen en su obra rasgos de un nuevo estilo. Prueba de ello son obras para piano como "Tarde en Granada" (1902), "Jardines bajo la lluvia" (1902), "Isla de la alegría" (1904). En estas obras, Debussy revela una fuerte conexión con los orígenes nacionales de la música.

Entre las obras sinfónicas creadas por Debussy durante estos años destacan “El Mar” (1903-1905) e “Imágenes” (1909), entre las que se incluye la famosa “Iberia”.

La paleta tímbrica orquestal, la originalidad modal y otras características de “Iberia” deleitaron a muchos compositores. “Debussy, que realmente no conocía España, espontáneamente, diría yo, inconscientemente creó música española que podía despertar la envidia de tantos otros que conocían bastante bien el país...”, escribió el famoso compositor español Falla. Creía que si Claude Debussy "usó España como base para revelar una de las facetas más bellas de su creatividad, entonces pagó por ello tan generosamente que España ahora está en deuda con él".

“Si entre todas las obras de Debussy”, dijo el compositor Honegger, “tuviera que elegir una partitura para que a partir de sus ejemplos alguien completamente desconocido pudiera hacerse una idea de su música, elegiría el tríptico “El mar”. ”para este propósito. Ésta, en mi opinión, es la obra más típica, en ella la individualidad del autor queda impresa con la mayor plenitud. Si la música en sí es buena o mala, ese es el objetivo de la cuestión. Y en Debussy es brillante. Todo en su “Mar” está inspirado: todo, hasta el más mínimo toque de orquestación - cualquier nota, cualquier timbre - todo está pensado, sentido y contribuye a la animación emocional que llena este tejido sonoro. “El Mar” es un verdadero milagro del arte impresionista...”

La última década de la vida de Debussy se caracterizó por una continua actividad creativa y escénica hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial. Los viajes de conciertos como director a Austria-Hungría le dieron fama al compositor en el extranjero. Fue recibido especialmente calurosamente en Rusia en 1913. Se celebraron conciertos en San Petersburgo y Moscú con exitazo. Los contactos personales de Debussy con muchos músicos rusos fortalecieron aún más su vínculo con la cultura musical rusa.

Los logros artísticos de Debussy fueron especialmente grandes. última década su vida en la obra pianística: “El rincón de los niños” (1906-1908), “Caja de juguetes” (1910), veinticuatro preludios (1910 y 1913), “Seis epígrafes antiguos” a cuatro manos (1914), doce estudios ( 1915).

La suite para piano “Children's Corner” está dedicada a la hija de Debussy. El deseo de revelar el mundo de la música a través de los ojos de un niño en imágenes que le son familiares (un maestro estricto, una muñeca, un pastorcito, un elefante de juguete) obliga a Debussy a utilizar ampliamente géneros y géneros tanto de danza como de canciones cotidianos. de la música profesional en una forma grotesca y caricaturizada.

Los doce estudios de Debussy están asociados con sus largos experimentos en el campo del estilo pianístico, la búsqueda de nuevos tipos de técnica y medios de expresión. Pero incluso en estas obras se esfuerza por resolver no sólo problemas puramente virtuosos, sino también de sonido.

Dos cuadernos de notas de sus preludios para piano deben considerarse una digna conclusión de toda la carrera de Debussy. Aquí, por así decirlo, se concentran los aspectos más característicos y típicos de la cosmovisión artística, método creativo y el estilo del compositor. El ciclo esencialmente completó el desarrollo de este género en la música de Europa occidental, cuyos fenómenos más significativos hasta ahora han sido los preludios de Bach y Chopin.

Para Debussy, este género resume su camino creativo y es una especie de enciclopedia de todo lo más característico y típico en el campo del contenido musical, la gama de imágenes poéticas y el estilo del compositor.

El estallido de la guerra hizo que Debussy aumentara sus sentimientos patrióticos. En declaraciones impresas, se autodenomina enfáticamente: “Claude Debussy es un músico francés”. toda una serie Las obras de estos años están inspiradas en el patriotismo. Consideraba que su principal tarea era celebrar la belleza en contraste con los terribles actos de guerra, que mutilaban el cuerpo y el alma de las personas y destruyeban los valores culturales. Debussy estaba profundamente deprimido por la guerra. Desde 1915, el compositor estuvo gravemente enfermo, lo que también afectó su creatividad. A últimos días vida - murió el 26 de marzo de 1918 durante el bombardeo de París por los alemanes - a pesar de enfermedad grave, Debussy no detuvo su búsqueda creativa.

El impresionismo musical tiene como predecesor, ante todo, el impresionismo en la pintura francesa. No sólo tienen raíces comunes, sino también relaciones de causa y efecto. Y el principal impresionista de la música, Claude Debussy, y especialmente Erik Satie, su amigo y antecesor en este camino, y Maurice Ravel, que tomó el testigo de Debussy, buscaron y encontraron no sólo analogías, sino también medios expresivos en el obras de Claude Monet, Paul Cézanne, Puvis de Chavannes y Henri de Toulouse-Lautrec.

El propio término "impresionismo" en relación con la música es de naturaleza enfáticamente condicional y especulativo (en particular, el propio Claude Debussy se opuso repetidamente a él, sin embargo, sin ofrecer nada definitivo a cambio). Está claro que los medios de pintura asociados con la visión y los medios del arte musical basados principalmente al escuchar, pueden conectarse entre sí sólo con la ayuda de paralelos asociativos sutiles y especiales que existen sólo en la conciencia. En pocas palabras, la imagen borrosa de París "bajo la lluvia de otoño" y los mismos sonidos, "amortiguados por el ruido de las gotas que caen", ya tienen propiedad. imagen artística, pero no el mecanismo real. Las analogías directas entre los medios de la pintura y la música sólo son posibles a través de personalidad del compositor que ha sido influenciado personalmente por artistas o sus pinturas. Si un artista o compositor niega o no reconoce tales conexiones, entonces hablar de ellas se vuelve, como mínimo, difícil. Sin embargo, ante nosotros, como artefacto importante, hay confesiones y, (lo que más importa) las propias obras de los principales personajes del impresionismo musical. Fue Erik Satie quien expresó esta idea más claramente que otros, enfatizando constantemente cuánto debe a los artistas en su trabajo. Atrajo a Debussy por la originalidad de su pensamiento, su carácter independiente, rudo y su ingenio cáustico, que no escatimó en absoluto en ninguna autoridad. Además, Satie interesó a Debussy con sus innovadoras composiciones vocales y para piano, escritas con mano audaz, aunque no del todo profesional. A continuación se presentan las palabras con las que Satie se dirigió a su recién encontrado amigo, Debussy, en 1891, animándolo a avanzar hacia la formación de un nuevo estilo:

Puvis de Chavannes (1879) "Niñas a la orilla del mar" (pintura favorita de Satie en su juventud)

Cuando conocí a Debussy, él estaba lleno de Mussorgsky y buscaba persistentemente caminos que no eran tan fáciles de encontrar. En este sentido, hace mucho que lo superé. No me agobiaba ni el Premio de Roma ni ningún otro, porque era como Adán (del Paraíso), que nunca recibió ningún premio. definitivamente vago!...

En ese momento estaba escribiendo “El hijo de las estrellas” con libreto de Péladan y le expliqué a Debussy la necesidad de un francés de liberarse de la influencia de los principios wagnerianos que no corresponden a nuestras aspiraciones naturales. También dije que, aunque no soy en absoluto antiwagnerista, sigo creyendo que deberíamos tener nuestra propia música y, a ser posible, sin “chucrut alemán”. Pero ¿por qué no utilizar los mismos para estos fines? medios visuales que vemos en Claude Monet, Cezanne, Toulouse-Lautrec y otros? ¿Por qué no transferir estos fondos a la música? Nada podría ser más sencillo. ¿No es esto lo que es la verdadera expresividad?

- (Erik Satié, "Claude Debussy", París, 1923).

Pero si Satie derivó su impresionismo transparente y tacaño de la pintura simbólica de Puvis de Chavannes, entonces Debussy (a través del mismo Satie) experimentó la influencia creativa de impresionistas más radicales, Claude Monet y Camille Pissarro.

Basta enumerar los nombres de las obras más llamativas de Debussy o Ravel para tener una idea completa del impacto en su obra tanto de las imágenes visuales como de los paisajes de los artistas impresionistas. Así, en los primeros diez años, Debussy escribió “Nubes”, “Estampas” (la más figurativa de las cuales, un boceto sonoro en acuarela, es “Jardines bajo la lluvia”), “Imágenes” (la primera de las cuales, una de las obras maestras del impresionismo para piano, "Reflejos sobre el agua" ", evoca asociaciones directas con la famosa pintura de Claude Monet "Impresión: amanecer")… Según la famosa expresión de Mallarmé, los compositores impresionistas estudiaron "escuchar la luz", transmiten en sonidos el movimiento del agua, la vibración de las hojas, el soplo del viento y la refracción de la luz del sol en el aire del atardecer. La suite sinfónica “El mar del amanecer al mediodía” resume adecuadamente los bocetos de paisajes de Debussy.

A pesar de su oposición personal, a menudo publicitada, al término "impresionismo", Claude Debussy se expresó repetidamente como un verdadero artista impresionista. Así, hablando de la primera de sus famosas obras orquestales, "Nocturnos", Debussy admitió que la idea de la primera de ellas ("Nubes") le vino a la mente en uno de los días nublados, mientras contemplaba el Sena desde el Puente de la Concordia... Bueno, respecto a la procesión de la segunda parte (“Celebraciones”), esta idea nació de Debussy: “... mientras contemplaba el destacamento ecuestre de soldados de la Guardia Republicana que pasaba a lo lejos, cuyos Los cascos brillaban bajo los rayos del sol poniente... en nubes de polvo dorado”. Asimismo, las obras de Maurice Ravel pueden servir como una especie de evidencia material de las conexiones directas entre la pintura y la música que existieron dentro del movimiento impresionista. El famoso sonido-visual "Juego de agua", el ciclo de obras "Reflejos", la colección de piano "Susurros de la noche": esta lista está lejos de ser completa y puede continuar. Sati, como siempre, se mantiene algo aparte; una de las obras que se pueden nombrar en este sentido es, quizás, “El heroico preludio a las puertas del cielo”.

El mundo que nos rodea en la música del impresionismo, se revela a través de la lupa de sutiles reflejos psicológicos, sutiles sensaciones nacidas de la contemplación de pequeños cambios que ocurren a nuestro alrededor. Estas características hacen que el impresionismo sea similar a otro movimiento artístico que existió en paralelo: el simbolismo literario. Erik Satie fue el primero en recurrir a las obras de Josephin Peladan. Un poco creatividad posterior Verlaine, Mallarmé, Louis y especialmente Maeterlinck encontraron una implementación directa en la música de Debussy, Ravel y algunos de sus seguidores.

Ramón Casas (1891) "El molino del dinero" (cuadro impresionista con la figura de Satie)

A pesar de toda la novedad obvia lenguaje musical en el impresionismo, algunos técnicas expresivas, característico del arte de épocas anteriores, en particular, la música de los clavecinistas franceses del siglo XVIII, época rococó. Sólo valdría la pena recordar obras visuales tan famosas de Couperin y Rameau como “La pequeña molinos de viento" o "Pollo".

En la década de 1880, antes de conocer a Erik Satie y su obra, Debussy quedó fascinado por la obra de Richard Wagner y se dejó llevar por su estética musical. Después de reunirse con Satie y desde el momento de crear sus primeras obras impresionistas, Debussy pasó con sorprendente agudeza a la posición del antiwagnerismo militante. Esta transición fue tan repentina y abrupta que uno de los amigos cercanos (y biógrafo) de Debussy, el famoso musicólogo Emile Vuillermeau, expresó directamente su desconcierto:

“El antiwagnerismo de Debussy carece de grandeza y nobleza. Es imposible comprender cómo un joven músico, cuya juventud estuvo embriagada por la embriaguez de “Tristán” y que, en el desarrollo de su lenguaje, en el descubrimiento de una melodía interminable, sin duda le debe tanto a esta partitura innovadora, desdeñosamente ¡Se burla del genio que tanto le ha dado!

- (Emile Vuillermoz, “Claude Debussy”, Ginebra, 1957.)

Al mismo tiempo, Vuillermeau, internamente ligado por una relación de hostilidad y enemistad personal con Erik Satie, no lo mencionó específicamente y lo dejó como un eslabón perdido en la creación de una imagen completa. De hecho, el arte francés de finales del siglo XIX, aplastado por los dramas musicales wagnerianos, se afirmó a través del impresionismo. Durante mucho tiempo, fue precisamente esta circunstancia (y el creciente nacionalismo entre las tres guerras con Alemania) la que impidió hablar de la influencia directa del estilo y la estética de Richard.

Las partituras sinfónicas de Debussy - "La tarde de un fauno" (1892), "Nocturnos" (1897-1899), tres bocetos sinfónicos "El mar" (1903-1905), "Iberia" de la serie "Imágenes" - pertenecen a su la mayoría de las obras del repertorio.

"Nocturnos" son un tríptico sinfónico: “Nubes”, “Celebraciones” y “Sirenas”. El ciclo está unido por la unidad tonal: la primera parte está escrita en si menor, el final en el mismo si mayor. También hay conexiones figurativas y de entonación: ambas partes extremas son paisajes en la naturaleza (imágenes de nubes y el mar), enmarcan la parte media del género de la estructura de danza y juego.

"Nubes"

En la orquestación, el protagonismo lo desempeñan los timbres bajos de los instrumentos de viento y las cuerdas sordas. Particularmente dignos de mención son el solo "misterioso" repetido repetidamente del corno inglés y los colores fríos de la flauta. En el grupo de instrumentos de metal sólo hay un cuarteto de trompas.

La forma de "Nubes" es típica de Debussy: tres partes con un medio de bajo contraste y una repetición abreviada "que se desvanece" de un almacén sintético.

La música de la exposición está formada por dos elementos temáticos: frases descendentes de clarinetes y fagotes, a las que responde la breve señal-motivo ya mencionada del coro inglés, seguida de un eco lejano de trompas.

La parte media de “Clouds” suena transparente y ligeramente separada. La melancólica y melodiosa melodía de la flauta (y el arpa) se mueve constantemente a lo largo de los pasos de la escala pentatónica (en teclas negras); se repite como un eco por tres cuerdas solistas: violín, viola y violonchelo.

La repetición "sintética" notablemente acortada reproduce elementos temáticos familiares de todas las secciones anteriores, pero en una secuencia diferente.

"Celebraciones"

Un marcado contraste con "Nubes" lo forma la segunda obra del ciclo, "Celebraciones", una imagen de una procesión solemne, la calle regocijada por una multitud alegre. Utiliza un elenco orquestal más potente con trompetas y trombones, platillos, timbales y caja.

En contraste con las sonoridades vagas y estáticas de “Nubes”, esta obra se distingue por la riqueza de imágenes de canciones y danzas, cercanas al folclore italiano. El ritmo ardiente de la tarantela domina las secciones extremas de la forma extendida de tres partes.

El tema de la “tarantel”, ya en la introducción y en la exposición ampliamente desarrollada, sufre transformaciones tímbricas y modales: suena en el modo dórico o mixolidio, o en el modo de tono completo; El movimiento suave en 12/8 se reemplaza por fórmulas más caprichosas: de tres tiempos e incluso de cinco tiempos. En el marco de la exposición surge un contraste de género: una nueva melodía marcadamente punteada con el espíritu de una serenata, que desempeña el papel de una “parte secundaria”.

El efecto puramente teatral de la creciente marcha-procesión se presenta en la sección central de las “Celebraciones”. Sobre el fondo de una estación de órgano rítmicamente golpeada (arpa, timbales y cuerdas de pizzicato), entra una melodía de fanfarria elástica de tres trompetas sordas.

El movimiento festivo se vuelve cada vez más poderoso: entran metales pesados ​​y el tema del “carnero” de la primera sección se une al tema de la marcha como acompañamiento.

"Sirenas"

La música de "Sirenas", la tercera de los "Nocturnos", vuelve a estar inspirada en la contemplación de la naturaleza, esta vez en los elementos del mar. La imagen de las fantásticas bellezas del mar está representada aquí por un coro femenino que canta sin letra (ocho sopranos y ocho mezzosopranos). La Orquesta de Sirenas es rica en efectos decorativos y visuales.

En comparación con "Nubes" y "Fiestas", la forma de "Sirenas" es menos contrastante, más monotemática. Se basa en un segundo "motivo de olas del mar" descendente. De ahí surge la frase cromática del corno inglés, repetida muchas veces en la introducción, y la melodía tentadora y seductora del coro femenino, que abre la exposición de la obra:

La originalidad modal del tema de las sirenas está representada por la escala lidomixolidia (H-dur con un grado IV elevado y un VII inferior), cercana a la escala tonal completa, tan querida por los impresionistas.

Ambos motivos, dominantes en la exposición, mantienen su protagonismo en la sección central de “Sirenas” (Ges-dur).

La repetición y la coda de “Sirens”, como es habitual en Debussy, se distinguen por una marcada concisión. Lo nuevo aquí es el regreso de algunos motivos característicos de “Clouds” (en particular, un motivo de corno inglés ligeramente modificado).

En una conversación con uno de sus amigos, Debussy dijo que el impulso para la creación de "Fiestas" fue la impresión de las festividades populares en el Bois de Boulogne y la fanfarria solemne de la orquesta de la Guardia Republicana, y la música de "Nubes". reflejó la imagen de las nubes de tormenta que golpearon al autor mientras caminaba por París de noche; La sirena de un barco que pasaba por el río, que escuchó en el Puente de la Concordia, se convirtió en una frase alarmante del corno inglés.

MKOU "Escuela secundaria nº 4 de Novousmanskaya"

lección de música

en séptimo grado

Cuadro sinfónico “Celebraciones” de C. Debussy.

Concierto instrumental.

MKOU "Escuela secundaria nº 4 de Novousmanskaya"

Makukhina Marina Nikolaevna

Con. Nuevo Usman

2014

Tema de la lección: Pintura sinfónica “Fiestas” de C. Debussy.

DIAPOSITIVA 1

El propósito de esta lección:

Enriquecimiento cultural y mundo espiritual niños, a través del patrimonio musical, literario y artístico de los pueblos del mundo.

Tareas:

Con la ayuda de las tecnologías de la información, revelar la diversidad y riqueza de la cultura de los pueblos.

Desarrollo de diversos intereses en diversos campos de las artes, fomentando el amor y el respeto por el patrimonio musical, literario y artístico de otros pueblos, sentando las bases. percepción estética vida circundante.

Enriqueciendo el mundo espiritual de los niños. Educación de su gusto musical, artístico y estético.

DIAPOSITIVA 2

Plan de lección:

No.

Etapas de la lección

Tiempo, mín.

Momento organizacional

Preparación para la asimilación activa y consciente de material nuevo.

Generación de conocimiento. Presentación de nuevo material, tanto musical como literario.

Trabajo practico

Consolidación de nuevos conocimientos.

Canción "Verano naranja"

resumiendo

DIAPOSITIVA 3

Profesor: Chicos, ¿qué ven en la pantalla?

Estudiantes: Marco

Maestro: ¿Para qué se necesita este marco?

Alumnos: Este marco es para una imagen.

Maestro: ¿Cómo se pueden llamar las pinturas de otra manera?

Estudiantes: Pintura

Profesor: ¿Cómo se puede llamar pintura y música?

Estudiantes: Arte.

Profesor: Por favor, dé una definición: ¿qué es el arte?

Estudiantes: El arte es el proceso y resultado de una expresión significativa de sentimientos en una imagen.

El arte es una de las formas. conciencia pública, componente...

Se puede ver música y se puede escuchar pintura. La pintura expresará lo que no se puede decir con palabras, revelará lo más tonos sutiles alma humana. Maestro: Entonces, ¿nuestra lección se puede llamar de otra manera además de música?

DIAPOSITIVA 4

Estudiantes: “Música pintoresca”

DIAPOSITIVA 5

Metas y objetivos; crear una atmósfera de pasión e interés en la lección. Desarrollar habilidades holísticas análisis musical. Invite a los niños a expresar su estado de ánimo a partir de la música que escucharon. Resalta las entonaciones para revelar la imagen de la obra. Despierta la exploración creativa.

Formar en los estudiantes una percepción emocionalmente consciente de la imagen musical.

Profesor: La música tiene diferentes direcciones. ¿Cuáles conoces? Direcciones MUSICALES¿ESTILOS DE MÚSICA?

Estudiantes:

1 música folklórica

2 música sacra

3 indio música clásica

4 música clásica árabe

5 música clásica europea

6 musica latinoamericana

7 azules

8 ritmo y blues

9Jazz

10 país

12 música electrónica

13 roca

14 pop

15 rap (hip-hop)

16. Folclore

17. Clásica, etc.

DIAPOSITIVA 6

Escuchando la música de “Celebrations” - Claude Debussy

DIAPOSITIVA 7

Profesor: ¿Quién conoce esta obra y el autor?

Estudiantes: "Fiestas" de Claude Debussy

Profesor: Achille-Claude Debussy - compositor y crítico musical francés.

En 1872, a la edad de diez años, Claude ingresó en el Conservatorio de París. En la clase de piano estudió con el famoso pianista y profesor Albert Marmontel, en la clase de solfeo elemental con el eminente tradicionalista Albert Lavignac y el propio César Frank le enseñó órgano. En el conservatorio, Debussy estudió con bastante éxito, aunque como estudiante no brilló en nada especial. Sólo en 1877 los profesores apreciaron el talento pianístico de Debussy y le concedieron el segundo premio por su interpretación de una sonata de Schumann.

Debussy no comenzó a estudiar composición sistemáticamente hasta diciembre de 1880 con un profesor, miembro de la Academia. Bellas artes, Ernesto Giró. Seis meses antes de ingresar a la clase de Guiraud, Debussy viajó por Suiza e Italia como pianista y profesora de música en la familia de una rica filántropa rusa, Nadezhda von Meck. Debussy pasó los veranos de 1881 y 1882 cerca de Moscú, en su finca Pleshcheyevo. La comunicación con la familia von Meck y su estancia en Rusia tuvieron un efecto beneficioso en el desarrollo del joven músico. En su casa, Debussy conoció la nueva música rusa de Tchaikovsky, Borodin, Balakirev y compositores cercanos a ellos.

DIAPOSITIVA 8

La composición de Debussy "Moonlight" brilla de amor. A Claude Debussy le encantaba en general la luz del satélite plateado de la Tierra. Compuso mejor en las noches de luna.

El compositor N. Ya Moskovsky escribió sobre la obra de Debussy: “... En los momentos en que él (Debussy) se propone captar su percepción de la naturaleza, sucede algo incomprensible: una persona desaparece, como si se disolviera o se convirtiera en una esquiva mota de polvo. , y reina sobre todo como si fuera eterna, inmutablemente inmutable, pura y tranquila, la naturaleza misma que todo lo consume, todas estas "nubes" silenciosas y deslizantes, juegos suaves y levantamiento de "olas que juegan", susurros y susurros de "danzas primaverales". , suaves susurros y lánguidos suspiros del viento hablando con el mar. ¿No es este el verdadero aliento de la naturaleza? ¿Y no es el artista que recreó la naturaleza en sonidos? gran artista¿No es un poeta excepcional?

Su música se basa en imágenes visuales, llenas de juegos de claroscuros, colores transparentes, aparentemente ingrávidos, que crean la sensación de puntos sonoros.

La influencia de la pintura en los compositores fue tan grande que dio a muchas de sus composiciones títulos relacionados con las artes visuales: “Grabados”, “Bocetos”, etc. La comprensión de cómo una orquesta puede pintar cuadros pintorescos llegó a C. Debussy en gran parte a partir de el compositor ruso N. Rimsky-Korsakov.

Debussy no sólo fue uno de los compositores franceses más importantes, sino también una de las figuras más importantes de la música de principios de los siglos XIX y XX; su música representa una forma de transición de la música romántica tardía al modernismo en la música del siglo XX.

Profesor: Chicos, ¿qué otros compositores conocen?

Estudiantes: Tchaikovsky, Liszt, Glinka, Bach, Beethoven, Chopin, Mozart, Shostakovich, Schnittke y otros.

¿Maestro? ¿Cuáles conoces? obras musicales?

Estudiantes: " lago de los cisnes", "Cascanueces", Sinfónica de Leningrado– “la invasión de los nazis durante la Gran Guerra Patria”, “Claro de luna”, “Estaciones”. "Vals" y otros.

Profesor: ¿Se puede definir la música?

Estudiantes: La música es ritmo, sonido, tempo... La música es necesaria para el alma.

DIAPOSITIVA 9

Escuchando la música “Moonlight” de Claude Debussy

DIAPOSITIVA 10 – 16

Maestra: Cuando escuchaste música, ¿te imaginaste algo? ¿Quizás viste colores, pinturas o algo más?

Las respuestas son muy variadas. Desde los tonos cálidos hasta los más fríos, desde blanco a negro.

Maestro: Chicos, ¿se puede representar todo lo que acabamos de escuchar?

Estudiantes: Sí.

Maestro: AHORA HAREMOS UN POCO trabajo practico. Imagínese lo que acaba de ESCUCHAR. Dividámonos en tres grupos. Algunas personas trabajan con gouache. Otros trabajan con tinta e hilo. Otros trabajan con papel de colores, cartón y pegamento. Pongámonos manos a la obra.

Protección de obras.

DIAPOSITIVA 17

Recitación melódica de poemas con música de C. Debussy

"EN luz de la luna»

En momentos de tristeza por la noche

Cansado de las desgracias,

No en la vanidad de las alegrías mundanas,

En paz buscas la felicidad.

Olvídate de ti mismo, fundiéndote con el silencio,

Tirando todo lo terrenal,

Solo con melancolía

Habla con Luna.

Luna por eso te amo

¿Qué hay sólo a la luz de la luna?

me olvido del invierno

Y pienso en Lethe.

Verdugo de mi mente

Duro pero hermoso - ¡Luna!

Yo mirándola

Estoy perdiendo la mente clara.

La luna perturba y atrae,

Y derritiéndose a la luz de la luna,

Estoy tomando un descanso de las preocupaciones

Olvidándose del pasado.

La luz nocturna deleita la mirada.

Me deleito en los sueños

Y la luz de la luna en el tejido de los sueños

Fluye hacia adentro, entrelazándose.

Tejiendo en un velo fino

De encaje ingrávido...

Ruido. Las puertas crujen.

Me quedé estancado nuevamente sin encontrarme a mí mismo.

"Luz de la luna"

Vladímir Vodnev

Dame una piedra lunar

¡Dame luz de luna!

Trazos ligeramente perceptibles

pinto la luz de la luna

Lo que ha estado cayendo en el suelo durante siglos.

El que está más cerca de todos los planetas.

Que se cante más de una vez,

Pero todavía atrae

Y cautiva a todos los poetas.

El color pálido resalta sus mejillas.

Sólo si estamos solos

(¡Ya lo comprobé más de una vez!) –

Le levantará el ánimo

La luz de sus ojos fríos.

Y impulsado por el insomnio

Tanto artista como poeta.

Dibuja para tu amada

Luz de luna plateada.

No hay regalo más deseable

En la corta noche de primavera

Cielo estrellado bajo el arco.

La encantadora mirada de la luna...

"LUNA DE NOCHE"

Y de nuevo la tarde da paso a la noche,

El mundo está rodeado de oscuridad,

Y comienza el camino celestial

Vagabundo nocturno-Luna.

De año en año, siguiendo el mismo camino,

Ella ilumina brumosamente la oscuridad,

Y su luz sólo la entienden unos pocos,

¿Quién podría comprender la belleza de la naturaleza?

La luz de la luna es tenue, pero no es buena para nosotros.

Es pecado reprochar a su inocente ese pecado,

La noche terrenal es oscura, pero aún así,

No puedes ver nada en él sin la Luna.

Nos acostumbramos tanto que paramos

Para notar su marcha celestial,

Sólo los elegidos, llamándote a lo lejos,

Ella nunca se cansaba de sorprender.

Y hay algo a la luz de la luna,

Lo que no pude entender

No es de extrañar que los amantes amen tanto

Haz citas a la luz de la luna.

DIAPOSITIVA 18 – 19

Maestro:

Y a los diez años, a los siete y a los cinco

A todos los niños les encanta dibujar.

Y todos dibujarán con valentía

Todo lo que le interesa.

Todo es interesante:

Espacio lejano, cerca del bosque,

Flores, coches, cuentos de hadas, bailes...

¡Dibujemos todo!

Si tan solo hubiera colores

Sí, hay una hoja de papel sobre la mesa.

Sí, paz en la familia y en la Tierra.

DIAPOSITIVA 20 – 21

Maestro: Hagamos una prueba. Averigüemos la respuesta correcta.

Maestra: Chicos, ahora me gustaría mucho saber: ¿qué novedades aprendieron hoy en clase?

Las respuestas de los estudiantes.

Maestro: ¿Puedo ver la canción?

Estudiantes: Sí.

Maestro: ¿Qué es una pena?

DIAPOSITIVA 22

Estudiantes: La canción es un puente entre la poesía y la música.

DIAPOSITIVA 23 - 31

Maestra: haremos un pequeño calentamiento contigo. Y terminaremos nuestra lección con una canción maravillosa. "Planeta naranja"

Resumiendo.

DIAPOSITIVA 32

Maestro: Gracias por la lección.

Impresionismo en la música

A finales del siglo XIX apareció en Francia un nuevo movimiento, llamado “impresionismo”. Esta palabra traducida del francés significa "impresión". El impresionismo surgió entre los artistas.

En los años 70, aparecieron en varias exposiciones parisinas pinturas originales de C. Monet, C. Pissarro, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley. Su arte difería marcadamente de las obras suavizadas y anónimas de los pintores académicos.

Los impresionistas salieron de sus talleres al aire libre, aprendieron a reproducir el juego de los colores vivos de la naturaleza, el brillo de los rayos del sol, los reflejos multicolores en la superficie del agua y la diversidad de la multitud festiva. Utilizaron una técnica especial de trazos puntuales, que de cerca parecían caóticas, pero de lejos daban lugar a una sensación real de un juego vivo de colores. La frescura de una impresión instantánea en sus lienzos se combinó con la sutileza de los estados de ánimo psicológicos.

Más tarde, en los años 80 y 90, las ideas del impresionismo encontraron expresión en la música francesa. Dos compositores, C. Debussy y M. Ravel, representan más claramente el impresionismo en la música. Sus piezas para piano y bocetos orquestales expresan con especial novedad las sensaciones que provoca la contemplación de la naturaleza. El sonido de las olas del mar, el chapoteo de un arroyo, el susurro del bosque, el canto matutino de los pájaros se fusionan en sus obras con las vivencias personales de un músico-poeta enamorado de la belleza del mundo que lo rodea.

Achille-Claude Debussy es considerado el fundador del impresionismo musical, que enriqueció todos los aspectos de la habilidad compositiva: armonía, melodía, orquestación y forma. Al mismo tiempo, adoptó las ideas de la nueva pintura y poesía francesa.

Claude Debussy

Claude Debussy es uno de los compositores franceses más importantes que influyó en el desarrollo de la música del siglo XX, tanto clásica como jazz.

Debussy vivió y trabajó en París cuando la ciudad era la meca del mundo intelectual y artístico. La música cautivadora y colorida del compositor contribuyó en gran medida al desarrollo del arte francés.

Biografía

Achille-Claude Debussy nació en 1862 en la ciudad de Saint-Germain-en-Laye, un poco al oeste de París. Su padre Manuel era un comerciante tranquilo, pero después de mudarse a gran ciudad, sumido en los dramáticos acontecimientos de 1870-1871, cuando, como resultado de la guerra franco-prusiana, se produjo un levantamiento contra el gobierno. Manuel se unió a los rebeldes y fue encarcelado. Mientras tanto, el joven Claude comenzó a recibir lecciones de Madame Mothe de Fleurville y consiguió una plaza en el Conservatorio de París.

Nueva tendencia en la música

Habiendo sobrevivido a una experiencia tan amarga, Debussy demostró ser uno de los estudiantes más talentosos del Conservatorio de París. Debussy también fue un supuesto "revolucionario", que a menudo sorprendía a los profesores con sus nuevas ideas sobre la armonía y la forma. Por las mismas razones, era un gran admirador de la obra del gran compositor ruso Modest Petrovich Mussorgsky, que odiaba la rutina, para quien no había autoridades en la música, prestaba poca atención a las reglas de la gramática musical y buscaba por su nuevo estilo musical.

Durante sus años de estudio en el Conservatorio de París, Debussy conoció a Nadezhda von Meck, una famosa millonaria y filántropa rusa, amiga íntima de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, por cuya invitación en 1879 hizo su primer viaje al extranjero, a Europa Occidental. Junto con von Meck visitaron Florencia, Venecia, Roma y Viena. Después de viajar por Europa, Debussy hizo su primer viaje a Rusia, donde actuó en los “conciertos en casa” de von Meck. Aquí conoció por primera vez la obra de grandes compositores como Tchaikovsky, Borodin, Rimsky-Korsakov y Mussorgsky. Al regresar a París, Debussy continuó sus estudios en el conservatorio.

Pronto recibió el tan esperado Premio de Roma por la cantata "El hijo pródigo" y estudió durante dos años en la capital de Italia. Allí conoció a Liszt y escuchó por primera vez la ópera de Wagner. En la Exposición Universal de París de 1889, los sonidos del gamelan javanés despertaron su interés por la música exótica. Esta música estaba increíblemente alejada de la tradición occidental. La escala pentatónica oriental, o escala de cinco grados, diferente de la escala adoptada en la música occidental, atrajo a Debussy. De esta inusual fuente extrajo mucho, creando su sorprendente y maravilloso nuevo lenguaje musical.

Estas y otras impresiones moldearon el estilo propio de Debussy. Dos obras clave: La tarde de un fauno, escrita en 1894, y la ópera Pelléas et Mélisande (1902), fueron prueba de su plena madurez como compositor y abrieron un nuevo movimiento en la música.

Constelación de talentos

París en los primeros años del siglo XX era un paraíso para los artistas cubistas y poetas simbolistas, y los Ballets Rusos de Diaghilev atrajeron a una constelación de brillantes compositores, diseñadores de vestuario, escenógrafos, bailarines y coreógrafos. Se trata del bailarín y coreógrafo Vaslav Nijinsky, el famoso bajo ruso Fyodor Chaliapin y el compositor Igor Stravinsky.

Debussy también encontró un lugar en este mundo. Sus asombrosos bocetos sinfónicos "El Mar", sus maravillosos cuadernos de preludios y cuadernos de "Imágenes" para piano, sus canciones y romances, todo esto habla de la extraordinaria originalidad que distingue su obra de la de otros compositores.

Después de una juventud tumultuosa y un primer matrimonio, en 1904 se casó con la cantante Emma Bardac y se convirtió en padre de una hija, Claude-Emma (Chushu), a quien adoraba.

giro del destino

El estilo musical infinitamente suave y sofisticado de Debussy tardó mucho en desarrollarse. Ya tenía más de treinta años cuando completó su primera obra significativa, el preludio “La tarde de un fauno”, inspirado en el poema de su amigo, el escritor simbolista Stéphane Mallarmé. La obra se representó por primera vez en París en 1894. Durante los ensayos, Debussy constantemente hacía cambios en la partitura, y después de la primera interpretación probablemente le quedaba mucho por perfeccionar.

Ganando fama

A pesar de todas las dificultades y de que el preludio se interpretó al final de un programa largo y tedioso, el público sintió que estaba escuchando algo sorprendentemente nuevo en términos de forma, armonía y color instrumental, e inmediatamente pidió un bis de la canción. trabajar. A partir de ese momento, el nombre del compositor Debussy se hizo conocido por todos.

sátiro obsceno

En 1912, el gran empresario ruso Sergei Diaghilev decidió representar un ballet con la música de “La tarde de un fauno”, coreografiado e interpretado por el famoso Vaslav Nijinsky. La representación erótica de la imagen de un fauno o sátiro provocó cierto escándalo en la sociedad. Debussy, una persona modesta y reservada por naturaleza, estaba enojado y avergonzado por lo sucedido. Pero todo esto sólo contribuyó a la fama de la obra, que lo colocó a la vanguardia de los compositores de música moderna, y el ballet ganó un lugar importante en el repertorio clásico mundial.

Desde el comienzo de la guerra

La vida intelectual de París se vio sacudida por el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. En ese momento, Debussy ya estaba gravemente enfermo de cáncer. Pero aun así creó música nueva y destacada, como estudios de piano. El comienzo de la guerra hizo que Debussy desarrollara sentimientos patrióticos; en sus publicaciones impresas se llamó enfáticamente a sí mismo un "músico francés". Murió en París en 1918 durante el bombardeo alemán de la ciudad, pocos meses antes de la victoria final aliada.

El sonido de la música

Nocturno, traducido del francés como noche.

En el siglo XVIII – un ciclo de pequeñas piezas (una especie de suite) para un conjunto de instrumentos de viento o en combinación con cuerdas. Se representaban por la tarde, por la noche, al aire libre (como una serenata). Estos son los nocturnos de W. Mozart y Michael Haydn.

Desde el siglo XIX - una pieza musical de carácter melodioso, principalmente lírico, onírico, como inspirada en el silencio de la noche, las imágenes nocturnas. El nocturno está escrito a un ritmo lento o moderado. La sección central a veces contrasta con su ritmo más vivo y su carácter agitado. El género nocturno como pieza para piano fue creado por Field (sus primeros nocturnos se publicaron en 1814). Este género fue ampliamente desarrollado por F. Chopin. Nocturne también está escrito para otros instrumentos, así como para conjunto y orquesta. Nocturne también se encuentra en la música vocal.

"Nocturnos"

Debussy completó tres obras sinfónicas, denominadas colectivamente Nocturnos, a principios del siglo XX. Tomó prestado el nombre del artista James McNeil Whistler, de quien era fan. Algunos de los grabados y pinturas del artista fueron llamados “nocturnos”.

En esta música, el compositor actuó como un verdadero impresionista que buscaba medios sonoros especiales, técnicas de desarrollo y orquestación para transmitir las sensaciones inmediatas provocadas por la contemplación de la naturaleza y los estados emocionales de las personas.

El propio compositor, en su explicación de la suite “Nocturnos”, escribió que este nombre tiene un significado puramente “decorativo”: “No estamos hablando de la forma habitual de un nocturno, sino de todo lo que contiene esta palabra, desde impresiones hasta sensaciones de luz especiales”. Debussy admitió una vez que el impulso natural para la creación de Nocturnos fueron sus propias impresiones del París moderno.

La suite tiene tres partes: "Nubes", "Celebraciones", "Sirenas". Cada parte de la suite tiene su propio programa escrito por el compositor.

"Nubes"

El tríptico “Nocturnos” se abre con la pieza orquestal “Nubes”. La idea de llamar así a su obra se inspiró no sólo en las nubes reales que observó mientras estaba de pie en uno de los puentes parisinos, sino también en el álbum de Turner, que consta de setenta y nueve estudios de nubes. En ellos, el artista transmitió las más diversas tonalidades del cielo nublado. Los bocetos sonaban como música, brillando con las combinaciones de colores más sutiles e inesperadas. Todo esto cobró vida en la música de Claude Debussy.

"Nubes", explicó el compositor, "es una imagen de un cielo inmóvil con nubes que pasan lenta y melancólicamente, flotando en una agonía gris, suavemente sombreadas por una luz blanca".

Al escuchar “Clouds” de Debussy, es como si nos encontráramos elevados sobre el río y contemplando el monótono cielo nublado y opaco. Pero en esta monotonía hay una masa de colores, matices, desbordes, cambios instantáneos.

Debussy quería reflejar en la música "la lenta y solemne marcha de las nubes por el cielo". El tema serpenteante de los instrumentos de viento pinta una imagen hermosa pero melancólica del cielo. Viola, flauta, arpa y cor inglés, un primo más profundo y oscuro del oboe, todos los instrumentos añaden su propio colorido tonal al panorama general. La música es sólo un poco más dinámica que la de un piano y al final se disuelve por completo, como si las nubes desaparecieran del cielo.

"Celebraciones"

Los sonidos tranquilos del primer movimiento dan paso a una fiesta de colores en la siguiente pieza, “Celebraciones”.

La obra está construida por el compositor como una escena en la que dos genero musical- bailar y marchar. En el prefacio, el compositor escribe: “Celebraciones” es un movimiento, un ritmo danzante de la atmósfera con explosiones de luz repentinas, es también un episodio de una procesión... pasando por la festividad y fusionándose con ella, pero el fondo permanece todo el tiempo: esto es una fiesta... esto es una mezcla de música con polvo brillante, que forma parte del ritmo general". La conexión entre pintura y música era obvia.

El brillante pintoresquismo del programa literario se refleja en la pintoresca música de las "Celebraciones". Los oyentes se sumergen en un mundo lleno de contrastes sonoros, armonías intrincadas y el juego de timbres instrumentales de la orquesta. La habilidad del compositor se manifiesta en su asombroso don de desarrollo sinfónico.

Las "celebraciones" están llenas de deslumbrantes colores orquestales. La brillante introducción rítmica de las cuerdas nos pinta una imagen animada de la festividad. En la parte media se puede escuchar el acercamiento de un desfile, acompañado de metales y instrumentos de viento, luego el sonido de toda la orquesta aumenta gradualmente y culmina en un clímax. Pero este momento desaparece, la emoción pasa y solo escuchamos un ligero susurro de los últimos sonidos de la melodía.

En “Celebraciones” pintó cuadros de espectáculos folclóricos en el Bois de Boulogne.

"Sirenas"

La tercera pieza del tríptico “Nocturnos” es “Sirenas”, para orquesta con coro femenino.

“Esto es el mar y sus innumerables ritmos”, reveló el propio compositor en el programa, “luego, en medio de las olas plateadas por la luna, aparece el misterioso canto de las Sirenas, estalla en risas y se desvanece”.

Muchas líneas poéticas están dedicadas a estas criaturas míticas: pájaros con cabezas de hermosas niñas. Homero también los describió en su inmortal “Odisea”.

Con sus encantadoras voces, las sirenas atrajeron a los viajeros a la isla, y sus barcos perecieron en los arrecifes costeros, y ahora podemos escuchar su canto. Un coro femenino canta, canta con la boca cerrada. No hay palabras, solo sonidos, como nacidos del juego de las olas, flotando en el aire, desapareciendo tan pronto como aparecieron y renaciendo de nuevo. Ni siquiera melodías, sólo una pizca de ellas, como pinceladas sobre los lienzos de los artistas impresionistas. Y como resultado, estos destellos sonoros se fusionan en una armonía colorida, donde no hay nada superfluo ni aleatorio.