Las pinturas más famosas del mundo. Historias de pinturas Interesante historia de la creación de pinturas desconocidas.

Las obras de arte que todo el mundo conoce a menudo contienen historias fascinantes y desconocidas.

Kazimir Malevich fue el sexto artista que pintó un cuadrado negro, Shishkin escribió su “Mañana en bosque de pinos"En coautoría, Dalí sufrió un grave trauma psicosexual y Pablo Picasso sobrevivió después de una audaz respuesta a la Gestapo. Admiramos la belleza de las mejores pinturas, pero las historias que sucedieron antes, durante o después de la pintura de las obras maestras a menudo quedan fuera de nuestra atención. Y completamente en vano. A veces, estas historias te permiten comprender mejor al artista o simplemente sorprenderte de las peculiaridades de la vida y la creatividad.

El "Cuadrado Negro" de Malevich, una de las obras de arte más famosas y discutidas, no es una innovación de este tipo.

Los artistas llevan experimentando con el color “completamente negro” desde el siglo XVII. primero apretado trabajo negro El arte titulado "La gran oscuridad" fue pintado por Robert Fludd en 1617, seguido por Bertal en 1843 con su obra "Vista de La Hougue (Al amparo de la noche)". Más de doscientos años después. Y luego, casi sin interrupción: "La historia crepuscular de Rusia" de Gustave Doré en 1854, "La pelea nocturna de los negros en el sótano" de Paul Bealhold en 1882, una "Batalla de negros en una cueva en la oscuridad de la noche" completamente plagiada. Por Alphonse Allais. Y no fue hasta 1915 que Kazimir Malevich presentó al público su “Plaza Suprematista Negra”, que es exactamente como se llama la pintura en su totalidad. Y es su pintura la que todos conocen, mientras que otras sólo son familiares para los historiadores del arte. El propio Malevich pintó al menos cuatro versiones de su “Cuadrado Suprematista Negro”, que diferían en diseño, textura y color, con la esperanza de encontrar la absoluta “ingravidez” y el vuelo de las formas.

"El Grito", Edvard Munch

Al igual que Black Square, existen cuatro versiones de Scream en el mundo. Dos versiones están pintadas al óleo y dos al pastel. Existe la opinión de que Munch, que padecía psicosis maníaco-depresiva, lo escribió varias veces en un intento de sacar todo el sufrimiento que se apoderaba de su alma. Y es posible que hubiera más personitas extrañas gritando de un tormento insoportable si el artista no hubiera ido a la clínica. Después del tratamiento, nunca más intentó reproducir su “Grito”, que se convirtió en un clásico de culto.

"Guernica", Pablo Picasso

El enorme fresco "Guernica", pintado por Picasso en 1937, cuenta la historia de una incursión de una unidad de voluntarios de la Luftwaffe en la ciudad de Guernica, como resultado de la cual la ciudad de seis mil habitantes quedó completamente destruida. El cuadro fue pintado literalmente en un mes: los primeros días de trabajo en el cuadro, Picasso trabajó entre 10 y 12 horas y ya en los primeros bocetos se podía ver Idea principal. Este es uno de mejores ilustraciones la pesadilla del fascismo, así como la crueldad y el dolor humanos. Guernica presenta escenas de muerte, violencia, brutalidad, sufrimiento e impotencia, sin especificar sus causas inmediatas, pero son obvias. y lo mas punto interesante En relación con esta pintura ocurrió en 1940, cuando Picasso fue convocado por la Gestapo en París. "¿Hiciste esto?", Le preguntaron los nazis. “No, lo hiciste”.

"El gran masturbador", Salvador Dalí

En una película con un título extraño y arrogante incluso para nuestro tiempo, en realidad no hay ningún desafío a la sociedad. El artista en realidad representó su subconsciente y se lo confesó al espectador. El lienzo representa a su esposa Gala, a quien amaba apasionadamente; las langostas, que le aterrorizaban; fragmento de un hombre con rodillas cortadas, hormigas y otros símbolos de pasión, miedo y asco. El origen de esta imagen (pero sobre todo el origen de su extraña repugnancia y al mismo tiempo de su deseo sexual) se encuentra en el hecho de que cuando era niño, Salvador Dalí hojeó un libro sobre enfermedades venéreas que su padre había dejado accidentalmente.

El lienzo histórico, que cuenta al espectador sobre un momento dramático en la historia de nuestro país, en realidad se inspiró no tanto en el asesinato de su hijo y heredero por parte del zar Ivan Vasilyevich, sino en el asesinato de Alejandro II por parte de un terrorista. revolucionarios y, lo más inesperado, las corridas de toros en España. El artista escribió sobre lo que vio: “Desgracia, muerte en vida“El asesinato y la sangre constituyen una fuerza de atracción... Y yo, probablemente infectado por esta sangre, al llegar a casa, inmediatamente me puse a trabajar en la sangrienta escena”.

“Mañana en un bosque de pinos”, Ivan Shishkin

La obra maestra, familiar para todos los niños soviéticos por sus increíblemente deliciosos y escasos dulces, no pertenece sólo a Shishkin. Muchos artistas que eran amigos a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que pintó paisajes toda su vida, temía que tocar a los osos no saliera como él quería. Por lo tanto, Shishkin recurrió a su amigo, el artista animal Konstantin Savitsky. Savitsky dibujó quizás los mejores osos de la historia. pintura rusa, y Tretyakov ordenó que borraran su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “desde el concepto hasta la ejecución, todo habla de la forma de pintar, de método creativo, característico de Shishkin."

La idea de representar un reloj en movimiento se le ocurrió a Salvador Dalí durante la cena, cuando notó que el Camembert se derretía al sol.

Más tarde le preguntaron a Dalí si la teoría de la relatividad de Einstein estaba encriptada en el lienzo, y él respondió con una mirada inteligente: “Más bien, la teoría de Heráclito de que el tiempo se mide por el flujo del pensamiento. Por eso llamé al cuadro “La persistencia de la memoria”. Y primero fue el queso, el queso procesado”.

"La última cena"

Cuando Leonardo da Vinci escribió " última cena", prestó especial atención a dos figuras: Cristo y Judas. Leonardo encontró relativamente rápido un modelo para el rostro de Jesús: un joven que cantaba en coro de la iglesia. Pero Leonardo buscó un rostro capaz de expresar el vicio de Judas por tres años. Un día, mientras caminaba por la calle, el maestro vio a un borracho en una alcantarilla. Da Vinci llevó al borracho a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas.

Cuando el borracho recuperó la sobriedad, recordó que hace varios años ya había posado para un artista. Este era el mismo cantante. En gran fresco Leonardo en Jesús y Judas es el rostro de una sola persona.

"Iván el Terrible y su hijo Iván"

En 1913, un artista con una enfermedad mental cortó con un cuchillo el cuadro de Repin "Iván el Terrible y su hijo Iván". Sólo gracias al magistral trabajo de los restauradores se pudo restaurar la pintura. El propio Ilya Repin vino a Moscú y volvió a dibujar la cabeza de Grozny de una manera extraña. color lila- Durante dos décadas, las ideas del artista sobre la pintura han cambiado mucho. Los restauradores eliminaron estas ediciones y devolvieron la pintura a una coincidencia exacta con las fotografías del museo. Repin, al ver más tarde el lienzo restaurado, no notó las correcciones.

"Sueño"

En 2006, el coleccionista estadounidense Steve Wynn acordó vender "El sueño" de Pablo Picasso por 139 millones de dólares, lo que sería uno de los precios más altos de la historia. Pero cuando hablaba del cuadro, agitaba los brazos de forma demasiado expresiva y rasgaba el arte con el codo. Wynn consideró esto como una señal de arriba y decidió no vender la pintura después de la restauración, que, por cierto, costó un buen centavo.

"Bote"

Un incidente menos destructivo, pero no menos curioso, ocurrió con un cuadro de Henri Matisse. En 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó al público el cuadro del maestro “El barco”. La exposición fue un éxito. Pero sólo siete semanas después, un conocedor casual del arte notó que la obra maestra colgaba boca abajo. Durante este tiempo, 115 mil personas lograron ver la obra de arte y el libro de reseñas se completó con cientos de comentarios de admiración. La vergüenza se extendió por todos los periódicos.

"Batalla de negros en una cueva en la oscuridad de la noche"

El famoso “Cuadrado Negro” no fue el primer cuadro de este tipo. 22 años antes que Malevich, en 1893 artista francés y el escritor Alle Alphonse expuso su obra maestra “La batalla de los negros en una cueva en la oscuridad de la noche”, un lienzo rectangular completamente negro, en la Galería Vivien.

"Fiesta de los dioses en el Olimpo"

En la década de 1960 En Praga se encontró una de las pinturas más famosas de Peter Paul Rubens, "La fiesta de los dioses en el Olimpo". Durante mucho tiempo, la fecha de su redacción siguió siendo un misterio. Además, los astrónomos encontraron la respuesta en la propia imagen. Supusieron que las posiciones de los planetas estaban sutilmente cifradas en el lienzo. Por ejemplo, el duque de Mantua Gonzaga en la imagen del dios Júpiter, Poseidón con el Sol y la diosa Venus con Cupido reflejan la posición de Júpiter, Venus y el Sol en el Zodíaco.

Además, está claro que Venus se dirige hacia la constelación de Piscis. Meticulosos observadores de estrellas han calculado que una posición tan rara de los planetas en el cielo se observó en los días solsticio de invierno en 1602. Así, se llevó a cabo una datación bastante precisa de la pintura.

"Desayuno sobre la hierba"

Edouard Manet, "Almuerzo sobre la hierba"

Claude Monet, "Almuerzo sobre la hierba"

Edouard Manet y Claude Monet están confundidos no sólo por los candidatos actuales escuelas de arte– incluso sus contemporáneos los confundieron. Ambos vivieron en París a finales del siglo XIX, se comunicaban y eran casi homónimos. Así, en la película “Ocean’s Eleven” se produce el siguiente diálogo entre los personajes de George Clooney y Julia Roberts:
- Siempre confundo a Monet y Manet. Sólo recuerdo que uno de ellos se casó con su amante.
-Monet.
- Entonces Mane tenía sífilis.
- Y ambos escribían de vez en cuando.
Pero los artistas no se confundían mucho con los nombres; además, tomaban prestadas ideas unos de otros. Después de que Manet presentara al público el cuadro “Almuerzo sobre la hierba”, Monet, sin pensarlo dos veces, pintó el suyo con el mismo nombre. Como siempre, hubo cierta confusión.

"Madonna Sixtina"

Al mirar el cuadro de Rafael " Virgen Sixtina“Se ve claramente que el Papa Sixto II tiene seis dedos en la mano. Entre otras cosas, el nombre Sixto se traduce como "sexto", lo que finalmente dio lugar a muchas teorías. De hecho, el "dedo meñique inferior" no es un dedo en absoluto, sino parte de la palma. Se nota si miras de cerca. No hay misticismo ni presagios secretos del Apocalipsis para ti, es una lástima.

"Mañana en un bosque de pinos"

Los oseznos del cuadro de Shishkin "Mañana en un bosque de pinos", impreso por pasteleros, no son en absoluto obra de Shishkin. Iván era un excelente paisajista, sabía transmitir brillantemente el juego de luces y sombras en el bosque, pero no se le daban bien las personas ni los animales. Entonces, a petición del artista, los lindos ositos fueron pintados por Konstantin Savitsky, y el cuadro en sí fue firmado con dos nombres. Pero Pavel Tretyakov, después de comprar el paisaje para su colección, borró la firma de Savitsky y todos los laureles fueron para Shishkin.

Publicaciones en la sección Museos

Una antigua tragedia romana que se convirtió en el triunfo de Karl Bryullov.

El 23 de diciembre de 1799 nació Karl Bryullov. hijo del escultor origen francés Paul Brulleau, Karl era uno de los siete hijos de la familia. Sus hermanos Pavel, Ivan y Fedor también se convirtieron en pintores, y su hermano Alejandro, arquitecto. Sin embargo, el más famoso fue Karl, que pintó “El último día de Pompeya” en 1833, la obra principal de su vida. “Kultura.RF” recordó cómo se creó este cuadro.

Karl Bryullov. Autorretrato. 1836

Historia de la creación

El cuadro fue pintado en Italia, donde en 1822 el artista realizó un viaje de retiro de cuatro años de la Academia Imperial de las Artes. Pero vivió allí durante 13 años.

La trama habla de la antigua tragedia romana: la muerte de la antigua ciudad de Pompeya, ubicada al pie del Vesubio: el 24 de agosto del 79 d.C. mi. La erupción volcánica se cobró la vida de dos mil habitantes.

En 1748, el ingeniero militar Rocque de Alcubierre inició excavaciones arqueológicas en el lugar de la tragedia. El descubrimiento de Pompeya causó sensación y se reflejó en la creatividad. diferentes personas. Entonces, en 1825 apareció la ópera de Giovanni Pacini, y en 1834 - novela histórica El inglés Edward Bulwer-Lytton, dedicado a la destrucción de Pompeya.

Bryullov visitó por primera vez el sitio de excavación en 1827. Al ir a las ruinas, el artista de 28 años no tenía idea de que este viaje resultaría fatídico para él: "No puedes pasar por estas ruinas sin sentir un sentimiento completamente nuevo dentro de ti, que te haga olvidar todo excepto el terrible incidente con esta ciudad"., escribió el artista.

Los sentimientos que Karl Bryullov experimentó durante las excavaciones no lo abandonaron. Así nació la idea del lienzo. tema historico. Mientras trabajaba en la trama, el pintor estudió arqueología y fuentes literarias. “Tomé este paisaje de la vida, sin retroceder ni agregar nada, colocándome de espaldas a las puertas de la ciudad para ver parte del Vesubio como razón principal» . Los modelos de los personajes fueron los italianos, descendientes de los antiguos habitantes de Pompeya.

En la intersección del clasicismo y el romanticismo.

En esta obra, Bryullov se revela no como un clasicista tradicional, sino como un artista del movimiento romántico. Así, su trama histórica está dedicada no a un héroe, sino a la tragedia de todo un pueblo. Y como trama, no eligió una imagen o idea idealizada, sino un hecho histórico real.

Es cierto que Bryullov construye la composición de la pintura en las tradiciones del clasicismo, como un ciclo de episodios individuales encerrados en un triángulo.

En el lado izquierdo de la imagen, al fondo, hay varias personas en las escaleras. gran edificio tumbas de Escauro. Una mujer mira directamente al espectador, con horror en sus ojos. Y detrás de ella hay un artista con una caja de pinturas en la cabeza: este es un autorretrato de Bryullov, que vive una tragedia junto con sus personajes.

Más cerca del espectador - pareja casada con niños, que intenta escapar de la lava, y en primer plano una mujer abraza a sus hijas... A su lado está un sacerdote cristiano que ya ha confiado su destino a Dios y, por tanto, está tranquilo. En el fondo de la imagen vemos a un sacerdote romano pagano que intenta escapar llevándose objetos de valor rituales. Aquí Bryullov insinúa la caída del antiguo mundo pagano de los romanos y el inicio de la era cristiana.

En el lado derecho de la imagen, al fondo, hay un jinete montado en un caballo encabritado. Y más cerca del espectador está el novio, presa del horror, que intenta tener en brazos a su novia (lleva una corona de rosas), que ha perdido el conocimiento. En primer plano, dos hijos llevan a su anciano padre en brazos. Y junto a ellos hay un joven que le ruega a su madre que se levante y huya lejos de este elemento que todo lo consume. Por cierto, este joven no es otro que Plinio el Joven, quien efectivamente escapó y dejó sus recuerdos de la tragedia. He aquí un extracto de su carta a Tácito: “Miro hacia atrás. Una espesa niebla negra, que se extendía como un arroyo por el suelo, nos alcanzó. La noche había caído por todas partes, a diferencia de una noche sin luna o nublada: solo oscurece hasta cierto punto en una habitación cerrada con las luces apagadas. Se escuchaban gritos de mujeres, chillidos de niños y gritos de hombres; algunos llamaban a sus padres, otros a sus hijos o esposas y trataban de reconocerlos por sus voces. Algunos lloraron su propia muerte, otros la muerte de sus seres queridos, algunos, por miedo a la muerte, rezaron por la muerte; muchos levantaron la mano a los dioses; la mayoría explicó que no había dioses en ninguna parte y para el mundo esta era la última noche eterna”..

No hay un personaje principal en la imagen, pero sí los centrales: un niño de cabello dorado cerca del cuerpo postrado de su madre muerta con una túnica amarilla, símbolo de la caída del viejo mundo y el nacimiento de uno nuevo. esta es la oposición de la vida y la muerte - en mejores tradiciones romanticismo.

En esta imagen, Bryullov también se mostró como un innovador, utilizando dos fuentes de luz: una luz roja caliente en el fondo, que transmite la sensación de lava acercándose, y un azul verdoso frío en primer plano, lo que agrega dramatismo adicional a la trama.

El colorido brillante y rico de esta pintura también viola las tradiciones clásicas y nos permite hablar del artista como un romántico.

Cuadro procesión triunfal

Karl Bryullov trabajó en el lienzo durante seis años, de 1827 a 1833.

El cuadro se presentó por primera vez al público en 1833 en una exposición en Milán e inmediatamente causó sensación. El artista fue honrado como un triunfo romano y la prensa escribió críticas elogiosas sobre la pintura. Bryullov fue recibido con aplausos en la calle, y durante sus viajes a las fronteras de los principados italianos no le exigieron pasaporte: se creía que todos los italianos ya lo conocían de vista.

En 1834 se presentó en el Salón de París El último día de Pompeya. La crítica francesa resultó ser más comedida que la italiana. Pero los profesionales apreciaron el trabajo y le dieron a Bryullov. medalla de oro Academia Francesa de las Artes.

El lienzo causó sensación en Europa y fue esperado con impaciencia en Rusia. Ese mismo año fue enviado a San Petersburgo. Al ver la pintura, Nicolás I expresó su deseo de conocer personalmente al autor, pero el artista viajó con el conde Vladimir Davydov a Grecia y no regresó a su tierra natal hasta diciembre de 1835.

11 de junio de 1836 en el Salón Redondo Academia Rusa donde se exhibió el cuadro “El último día de Pompeya”, se reunieron invitados de honor, miembros de la Academia, artistas y simplemente amantes del arte. El autor del cuadro, "el gran Carlos", fue llevado al salón en brazos ante los gritos entusiastas de los invitados. “Se podría decir que multitudes de visitantes irrumpieron en los pasillos de la Academia para contemplar Pompeya”., escribe un contemporáneo y testigo de ese éxito, como ningún artista ruso ha conocido jamás.

El cliente y propietario del cuadro, Anatoly Demidov, lo regaló al emperador y Nicolás I lo colocó en el Hermitage, donde permaneció durante 60 años. Y en 1897 fue trasladado al Museo Ruso.

La imagen literalmente emocionó a todo. sociedad rusa Y las mejores mentes de esa época.

Trofeos de arte de la paz
Lo trajiste al dosel de tu padre.
Y hubo el "Último Día de Pompeya"
¡Primer día para el cepillo ruso! -

El poeta Evgeny Boratynsky escribió sobre la pintura.

Alexander Pushkin también le dedicó poemas:

El Vesubio abrió la boca: el humo brotó en una nube, llamas
Ampliamente desarrollado como bandera de batalla.
La tierra está agitada - por las columnas temblorosas
¡Los ídolos caen! Un pueblo impulsado por el miedo
Bajo la lluvia de piedras, bajo las cenizas inflamadas,
Multitudes, jóvenes y viejos, huyen de la ciudad.

Mikhail Lermontov también menciona "El último día de Pompeya" en la novela "La princesa Ligovskaya": “Si amas el arte, te puedo dar una muy buena noticia: el cuadro de Bryullov “El último día de Pompeya” irá a San Petersburgo. Toda Italia sabía de ella, los franceses la reprendieron”., - Lermontov conocía claramente las críticas de la prensa parisina.

El historiador y viajero ruso Alexander Turgenev dijo que esta imagen era la gloria de Rusia e Italia.

Y Nikolai Gogol dedicó el cuadro. gran artículo, escribiendo: “Su pincel contiene esa poesía que sólo se siente y siempre se puede reconocer: nuestros sentimientos siempre saben y ven incluso características distintivas, pero sus palabras nunca lo dirán. Su color es tan brillante que casi nunca antes lo había sido, sus colores arden y llaman la atención. Serían insoportables si el artista apareciera en un nivel inferior al de Bryullov, pero con él están revestidos de esa armonía y respiran esa música interior que llena los objetos vivos de la naturaleza”..

Los científicos italianos dicen que han encontrado restos que pueden pertenecer a Lisa del Giocondo. Quizás se revele el secreto de la Mona Lisa. En honor a esto, recordemos las pinturas más misteriosas de la historia.

1. Gioconda
Lo primero que me viene a la mente cuando se trata de pinturas misteriosas, o sobre pinturas misteriosas: esta es la "Mona Lisa", pintada por Leonardo da Vinci en 1503-1505. Gruye escribió que esta imagen puede volver loco a cualquiera que, después de mirarla lo suficiente, comience a hablar de ella.
Hay muchos “misterios” en esta obra de da Vinci. Los críticos de arte escriben disertaciones sobre la inclinación de la mano de Mona Lisa, los especialistas médicos hacen diagnósticos (desde el hecho de que Mona Lisa no tiene dientes frontales hasta el hecho de que Mona Lisa es un hombre). Incluso hay una versión de que Gioconda es un autorretrato del artista.
Por cierto, la pintura ganó especial popularidad recién en 1911, cuando fue robada por el italiano Vincenzo Peruggio. Lo encontraron usando su huella digital. Así, "Mona Lisa" se convirtió también en el primer éxito de la toma de huellas dactilares y en un gran éxito en la comercialización del mercado del arte.

2. Cuadrado negro


Todo el mundo sabe que el “Cuadrado Negro” en realidad no es negro ni tampoco un cuadrado. Realmente no es un cuadrado. En el catálogo de la exposición, Malevich lo describió como un “cuadrilátero”. Y realmente no negro. El artista no utilizó pintura negra.
Es menos conocido que Malevich consideraba al “Cuadrado Negro” su mejor trabajo. Cuando el artista fue enterrado, en la cabecera del ataúd estaba "Cuadrado negro" (1923), el cuerpo de Malevich estaba cubierto con un lienzo blanco con un cuadrado cosido, también estaba pintado un cuadrado negro en la tapa del ataúd. Incluso el tren y la parte trasera del camión tenían cuadrados negros.

3. Gritar

Lo misterioso del cuadro "El grito" no es que supuestamente tenga una gran influencia en las personas, obligándolas a casi suicidarse, sino que este cuadro es esencialmente realismo para Edvard Munch, quien en el momento de escribir esta obra maestra sufría de depresión maníaca. psicosis depresiva. Incluso recordó exactamente cómo vio lo que escribió.
“Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la cerca - miré la sangre y las llamas sobre el fiordo negro azulado y el ciudad: mis amigos siguieron adelante y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo un grito interminable que atravesaba la naturaleza”.

4. Guernica


Picasso pintó Guernica en 1937. El cuadro está dedicado al bombardeo de la ciudad de Guernica. Dicen que cuando Picasso fue llamado a la Gestapo en 1940 y le preguntaron sobre Guernica: “¿Hiciste esto?”, el artista respondió: “No, hiciste esto”.
Picasso pintó un enorme fresco en no más de un mes, trabajando entre 10 y 12 horas al día. “Guernica” se considera un reflejo del horror del fascismo y la crueldad inhumana. Quienes han visto la imagen con sus propios ojos afirman que genera ansiedad y, a veces, pánico.

5. Iván el Terrible y su hijo Iván


Todos conocemos el cuadro "Iván el Terrible y su hijo Iván", y normalmente lo llamamos "Iván el Terrible mata a su hijo".
Mientras tanto, el asesinato de su heredero por Ivan Vasilyevich es un hecho muy controvertido. Entonces, en 1963, se abrieron las tumbas de Iván el Terrible y su hijo en la Catedral del Arcángel del Kremlin de Moscú. Las investigaciones han permitido afirmar que el zarevich Juan fue envenenado.
El contenido de veneno en sus restos es muchas veces mayor que el norma permitida. Curiosamente, se encontró el mismo veneno en los huesos de Ivan Vasilyevich. Los científicos han llegado a la conclusión de que la familia real fue víctima de envenenadores durante varias décadas.
Iván el Terrible no mató a su hijo. Esta es precisamente la versión a la que se adhirió, por ejemplo, el fiscal jefe del Santo Sínodo, Konstantin Pobedonostsev. Habiendo visto en la exposición. pintura famosa Repin, se indignó y le escribió al emperador. Alejandro III: “No se puede llamar histórica a la imagen, ya que este momento... es puramente fantástico”. La versión del asesinato se basó en las historias del legado papal Antonio Possevino, a quien difícilmente se le puede llamar una persona desinteresada.
Una vez hubo un verdadero intento de asesinato contra el cuadro.
El 16 de enero de 1913, Abram Balashov, pintor de iconos del Viejo Creyente, de veintinueve años, la apuñaló tres veces, después de lo cual Ilya Repin tuvo que pintar de nuevo virtualmente los rostros de los Ivanov representados en la pintura. Después del incidente, el entonces custodio Galería Tretiakov Khruslov, al enterarse del vandalismo, se arrojó debajo del tren.

6. Las manos se le resisten


El cuadro de Bill Stoneham, pintado en 1972, francamente no tiene la mejor reputación. Según información de E-bay, el cuadro fue encontrado en un vertedero poco tiempo después de su compra. La primera noche que el cuadro terminó en la casa de la familia que lo encontró, la hija corrió hacia sus padres llorando, quejándose de que “los niños del cuadro se están peleando”.
Desde entonces, el cuadro ha tenido muy mala fama. Kim Smith, que lo compró en 2000, recibe constantemente cartas enojadas exigiendo que queme el cuadro. Los periódicos también escribieron que a veces aparecen fantasmas en las colinas de California, como dos guisantes en una vaina, como los niños del cuadro de Stoneham.

7. Retrato de Lopukhina


Finalmente, el "malo cuadro", el retrato de Lopukhina, pintado por Vladimir Borovikovsky en 1797, después de un tiempo comenzó a tener mala reputación. El retrato representaba a María Lopukhina, quien murió poco después de que se pintara el retrato. La gente empezó a decir que la imagen “te quita la juventud” e incluso “te lleva a la tumba”.
No se sabe con certeza quién inició tal rumor, pero después de que Pavel Tretyakov adquiriera "sin miedo" el retrato para su galería, las conversaciones sobre el "misterio de la pintura" disminuyeron.

3 de diciembre de 1961 en el Museo de Nueva York Arte Contemporáneo Ocurrió un hecho significativo: el cuadro de Matisse "El barco", que había estado colgado boca abajo durante 46 días, fue correctamente colgado. Vale la pena decir que este no es un incidente divertido aislado asociado con pinturas de grandes artistas.

Pablo Picasso pintó uno de sus famosos retratos en menos de 5 minutos

Una vez, uno de los conocidos de Pablo Picasso, mirando sus nuevas obras, le dijo sinceramente al artista: “Lo siento, pero no puedo entender esto. Esas cosas simplemente no existen”. A lo que Picasso replicó: “Tú y Chino no lo entiendes. Pero todavía existe". Sin embargo, muchos no entendieron a Picasso. Una vez sugirió al escritor ruso Ehrenburg, su buen amigo, pinta su retrato. Él aceptó felizmente, pero antes de que pudiera sentarse en una silla para posar, el artista anunció que todo estaba listo.

Ehrenburg se mostró sorprendido por la velocidad de ejecución de la obra, pues no habían pasado ni 5 minutos, a lo que Picasso respondió: “Te conozco desde hace 40 años. Y durante todos estos 40 años he aprendido a pintar retratos en 5 minutos”.

Ilya Repin ayudó a vender un cuadro que no pintó

Una señora compró en el mercado por sólo 10 rublos un cuadro completamente mediocre, en el que lucía con orgullo la firma “I Repin”. Cuando el conocedor de arte le mostró esta obra a Ilya Efimovich, él se rió, añadió “Esto no es Repin” y firmó su autógrafo. Después de un tiempo, una señora emprendedora vendió el cuadro. artista desconocido con el autógrafo del gran maestro por 100 rublos.

Los osos del famoso cuadro de Shishkin fueron pintados por otro artista

Entre los artistas existe una ley tácita: la asistencia mutua profesional. Después de todo, cada uno de ellos no solo tiene historias favoritas y fortalezas, pero también puntos débiles, así que ¿por qué no ayudarnos unos a otros? Por lo tanto, se sabe con certeza que para el cuadro "Pushkin en la orilla del mar" de Aivazovsky, la figura del gran poeta fue dibujada por Repin, y para el cuadro "Día de otoño" de Levitan. Sokolniki", la dama de negro, fue pintada por Nikolai Chéjov. El paisajista Shishkin, que sabía dibujar cada brizna de hierba y cada aguja en sus cuadros, al crear el cuadro “Mañana en bosque de pinos“Los osos no aparecieron en absoluto. Por eso Savitsky pintó los osos para el famoso cuadro de Shishkin.

Un trozo de tablero de fibra, sobre el que simplemente se vertió pintura, se convirtió en una de las pinturas más caras.

El cuadro más caro del mundo en 2006 fue el Número 5 de Jackson Pollock, de 1948. En una subasta, la pintura se vendió por 140 millones de dólares. Puede parecer gracioso, pero el artista no se “molestó” mucho en la creación de este cuadro: simplemente vertió pintura sobre un trozo de tablero de fibra colocado en el suelo.

Rubens cifró la fecha de creación de su cuadro utilizando las estrellas.

Críticos de arte y científicos por mucho tiempo no se pudo establecer la fecha de creación de uno de los más pinturas famosas Rubens - cuadro “La fiesta de los dioses en el Olimpo”. El misterio se resolvió sólo después de que los astrónomos observaron más de cerca la imagen. Resultó que los personajes de la imagen estaban ubicados exactamente en el mismo orden en que se ubicaban los planetas en el cielo en 1602.

El logo de Chupa Chups fue dibujado por el mundialmente famoso surrealista.

En 1961, Enrique Bernata, propietario de la empresa Chupa Chups, le pidió al artista Salvador Dalí que ideara una imagen para un envoltorio de caramelo. Dalí cumplió el pedido. Hoy en día, esta imagen, aunque ligeramente modificada, es reconocible en las paletas de la empresa.

Vale la pena señalar que en 1967 en Italia, con la bendición del Papa, se publicó una versión única de la Biblia con ilustraciones de Salvador Dalí.

El cuadro más caro La harina trae desgracia.

"El grito" de Munch se vendió en una subasta por 120 millones de dólares y es la pintura más cara del artista en la actualidad. Dicen que Munch camino de la vida que es una serie de tragedias, le pone tanto dolor que la imagen absorbe energía negativa y se venga de los agresores.

A uno de los empleados del Museo Munch se le cayó accidentalmente un cuadro, tras lo cual comenzó a sufrir terribles dolores de cabeza, lo que llevó a este hombre al suicidio. Otro empleado del museo, que no pudo sujetar el cuadro, se encontró en una situación terrible pocos minutos después. accidente automovilistico. Y un visitante del museo, que se permitió tocar el cuadro, al cabo de un tiempo fue quemado vivo en un incendio. Sin embargo, es posible que se trate de simples coincidencias.

El "Cuadrado Negro" de Malevich tiene un "hermano mayor"

"Cuadrado negro", quizás el cuadro más famoso de Kazimir Malevich, es un lienzo de 79,5 * 79,5 centímetros en el que está representado un cuadrado negro sobre un fondo blanco. Malevich pintó su cuadro en 1915. Y allá por 1893, 20 años antes que Malevich, Alphonse Allais, un escritor humorista francés, pintó su “cuadrado negro”. Es cierto que el cuadro de Allais se llamaba "La batalla de los negros en una cueva profunda en una noche oscura".

Última Cena. Leonardo da Vinci.

Una vez en la calle, el artista vio a un borracho que intentaba, sin éxito, salir de un pozo negro. Da Vinci lo llevó a uno de los establecimientos de bebidas, lo sentó y comenzó a dibujar. Imagínense la sorpresa del artista cuando, tras abrir sus pensamientos, el borracho admitió que ya había posado para él hace varios años. Resultó que se trataba del mismo cantante.