Pinturas de Renoir. Renoir, Pierre Auguste. Cuando finalmente se formó su familia, Renoir había alcanzado el éxito y la fama, era reconocido como uno de los artistas más destacados de Francia y logró recibir del estado el título de Caballero de la Legión de Honor.

De paseo. 1870 Óleo, lienzo. 81×65 cm. Museo Getty (Los Ángeles, EE.UU.)

Aprendió a transmitir la severidad de las líneas no con medios expresivos secos, sino a llenarlas con su amor y solo luego transferirlas al lienzo con un pincel.
uno de mejores trabajos de esa época - “Liza” Se elabora de manera tradicional, según reglas academicas(construyendo una composición, líneas claras), pero al mismo tiempo los efectos aplicados hábilmente dan vivacidad al rostro de la modelo, su vestido, su pose y la naturaleza circundante.

Renoir creía que sólo se debía pintar al aire libre y bajo ningún concepto llevar una obra inacabada al estudio para su acabado. Sólo en este caso la obra “en vivo” será visible: los contornos de las figuras están ligeramente borrosos, como si desaparecieran en la niebla; el resplandor de la luz da dinámica a la composición, la naturaleza está representada. Renoir busca su propio estilo, probándose en casi todos los géneros. Crea pinturas decorativas, pinta naturalezas muertas, paisajes, retratos y mujeres desnudas.

Renoir creó muchos retratos. Una de las mejores imágenes femeninas es el retrato de la famosa actriz de la “Comédie Française” Jeanne Samary, pintado con colores brillantes y vibrantes. El artista tiñó la piel de la joven belleza con un tono verdoso. Cuando el público vio la obra, se horrorizó: ¡la piel verde es impensable! No pudieron ver nada más.
No menos importantes, aunque bastante raros en la obra de Renoir, son los retratos psicológicos (Victor Choquet, Alfred Sisley, Claude Monet).
El comienzo de la década de 1880 estuvo marcado para el artista por una crisis y el posterior abandono del impresionismo.
Los frescos de Rafael y las pinturas de Pompeya lo obligaron a mirar críticamente su pintura. A mediados de la década de 1880, comenzó el "período académico" en la obra del maestro (también llamado el "período de Ingres").
A principios de la década de 1890 comenzó el “período perla” en la obra del pintor. Una de las obras características de esta época es “Las muchachas al piano” (1892).
En la década de 1900, los tonos rosa rojizo comenzaron a predominar en las obras del maestro, por lo que esta etapa de su obra se denominó “período rojo”. En ese momento, Renoir ya se había convertido en un pintor reconocido y había creado la mayor cantidad de pinturas de varios géneros. Tenía prisa por crear: cada día la artritis obstaculizaba cada vez más sus movimientos. Cuando, debido a una enfermedad, ya no podía sostener el pincel, se dedicó a la escultura con la ayuda de un aprendiz.
Sin embargo, su pasión hasta su último aliento fue la pintura, en la que cantaba incansablemente la alegría de la vida, la felicidad y el amor.

Retrato de William Sisley. 1864 Óleo, lienzo. 81,5×65,5 cm. Museo de Orsay (París, Francia)

Tras mudarse a París, los padres de Auguste lo llevaron a menudo al Louvre. Allí descubrió nuevos artistas, movimientos y escuelas.
Un día, uno de los trabajadores de Levi, Emile Laporte, aficionado a la pintura al óleo, observando al joven Renoir pintar porcelana, le sugirió que probara a trabajar con pinturas y lienzos.
París tuvo una gran influencia en su percepción artística. El futuro pintor se sintió parte integral de ella, admiró la belleza de las calles estrechas, casi medievales, de los barrios antiguos de la ciudad y su heterogénea arquitectura gótica.

Renoir dedicó cuatro años a pintar porcelana. En 1858, tras la invención de una máquina que aplicaba diseños a productos de porcelana y loza, muchos pintores decorativos perdieron sus trabajos y se vieron obligados a buscar ocupaciones similares.
Un día, en el mercado, Renoir presenció sin saberlo una disputa entre el propietario de una cafetería y un contratista sobre el coste de pintar el establecimiento. Sin pensarlo dos veces, ofreció sus servicios al propietario con la condición de que el trabajo pudiera pagarse una vez finalizado el pedido. Sin embargo, Renoir hizo un trabajo brillante con esta obra. La gente vino especialmente para admirar su Venus y al mismo tiempo bebió varios vasos de cerveza. Posteriormente, diseñó unos 20 cafés parisinos, pero, lamentablemente, no ha sobrevivido ni un solo cuadro. Después de reunir algo de dinero, Auguste fue a estudiar a verdadera escuela cuadro.

“Irreconciliables” es como Renoir, Basil, Sisley, Monet y Pissarro llamaron a su pequeña comunidad. Todos ellos ya no querían estudiar a los maestros del pasado e imitarlos. Proclamaron que la propia naturaleza era su mentora. A pesar de que los maestros de la vieja escuela (Coro, Manet, Courbet y otros representantes de la escuela de Fontainebleau) ya habían centrado su atención en el plein air, continuaron pintando a la manera clásica (líneas claras, tramas claras, pureza de colores). Los “irreconciliables” quisieron reproducir en el lienzo su percepción de lo que vieron, sin una “explicación literaria de la trama”.
Así expresó por primera vez su visión del arte: poco solemne, menos respetuoso, pero más sensual, profundamente personal y vivo. Aquí, en el taller, Renoir conoció a Henri Fantin-Latour2, quien visitaba constantemente el Louvre, considerándolo la mejor escuela cuadro.
En 1862, Renoir conoció a futuros amigos y personas de ideas afines en la pintura en Gleyre's: Frédéric Bazille, Alfred Sisley y luego Claude Monet. Así empezó a surgir nuevo grupo. Más tarde se le unieron otros estudiantes, así como Camille Pissarro, a quien Basil trajo (se conocieron en el estudio de Manet, donde Basil tuvo la suerte de visitarlo).

Claro en el bosque. 1865 Óleo, lienzo. 89,5×116 cm. Instituto de Artes de Detroit (EE.UU.)

Después de cada lección con Gleyre, los amigos iban al café Closerie de Lisle, donde discutían acaloradamente sobre arte, discutían sus ideas y rechazaban los cánones clásicos, condenaban sus estereotipos e incluso amenazaban con quemar el Louvre.
A diferencia de Monet y Pissarro, que renunciaron por completo a los cánones clásicos, Renoir no fue tan categórico en sus decisiones. Era como si estuviera entre dos fuegos: por un lado, se sentía incontrolablemente atraído por la nueva pintura “natural”, por otro, no podía rechazar el arte de Francois Boucher, Jean Fragonard y Jean Ingres.
Y, sin embargo, la libertad de creatividad, el deseo de disfrutar de todos los sentimientos posibles que la naturaleza ha dotado al hombre, así como la perspectiva de renovación. pintura francesa persuadió a Renoir para que permaneciera con los “irreconciliables”.
Los "irreconciliables" estaban llenos de ideas, amaban la vida, buscaban conocerla lo mejor posible, intentaban dominar todas las sensaciones que están a disposición del hombre a través de los sentidos. Estaban destinados a convertirse en los fundadores de una nueva arte francés. Pero lo más interesante es que todas las reuniones de los “irreconciliables”, en las que llovieron nuevas ideas, se revelaron nuevas visiones de la pintura y se proclamó el culto a la naturaleza, no impidieron en absoluto que Renoir, Sisley, Monet y Basil Asistiendo a las lecciones del viejo Gleyre y continuando estudiando dibujo clásico.
Sin embargo, Renoir pronto tuvo que retomar la pintura decorativa: el dinero que había ganado anteriormente para sus estudios prácticamente se había agotado. La familia no estaba contenta de que Auguste estuviera pintando, pero Edmond no abandonó a su hermano mayor. A los 18 años ya colaboraba con periódicos y escribía los primeros artículos sobre el nuevo arte y el grupo de los “irreconciliables”.
En 1863, París estaba en crisis: el Salón rechazó la mayoría de las obras presentadas. Los artistas indignados sugirieron que Louis Martinet (uno de los organizadores de todas las exposiciones anteriores) recolectara y exhibiera las pinturas rechazadas. Por supuesto, Martinet nunca habría decidido dar ese paso, pero la intervención de Napoleón III lo impulsó a realizar una exposición. Se llamó “El Salón de los Rechazados” y estuvo acompañado de un escándalo asociado al nombre de Edouard Manet. El Salón oficial no aceptó su obra, y para el “Salón de los Rechazados” el artista presentó su cuadro “Almuerzo sobre la hierba” (1863). El público criticó y ridiculizó este trabajo, que más tarde, sin embargo, le dio a Manet una fama escandalosa, pero aún así.
A partir de ese momento, se hizo evidente que al mundo artístico llegaban personas destinadas a cambiarlo. Un grupo de artistas del taller de Gleyre (Renoir, Basil, Sisley, Monet, Pissarro) llamaron la atención sobre la obra de Manet. Con el tiempo, también se unió a ella Paul Cezanne, que estudió en la Academia Suiza.
A raíz de la reforma del Salón, llevada a cabo por iniciativa de Napoleón III, se decidió que las tres cuartas partes del jurado pudieran ser elegidas por los propios artistas. Sin embargo, esto cambió poco: entre sus miembros continuaron incluidos partidarios del movimiento académico en pintura. Sin embargo, el cuadro de Renoir “Esmeralda bailando entre vagabundos” todavía fue aceptado en 1864. La trama era romántica, pero colores oscuros plenamente coherente con el espíritu del academicismo. Después de la exposición, el maestro destruyó el lienzo. Esto simbolizaba su rechazo a los cánones clásicos y al arte "oscuro".
En 1864, Gleyre cerró su taller.
En la vida de Renoir comenzó. nueva etapa, que se puede llamar plein air. Auguste trabajó mucho al aire libre, escuchando a Monet, quien insistió en que era necesario pintar paisajes solo en la naturaleza y en ningún caso transferir trabajos inacabados al taller, como lo hacían sus contemporáneos, en particular los Barbizon. Monet argumentó que en el interior es imposible recrear el efecto y la vitalidad de los colores como al aire libre.

En ese momento, los ahorros de Renoir, que ganaba pintando cafés, prácticamente se habían agotado. Sin embargo, las penurias y dificultades no afectaron de ninguna manera el carácter del artista. No se consideró víctima del arte y se dio cuenta de que había elegido su propio camino. Renoir nunca se quejó con nadie de su difícil situación. Los retratos me permitieron ganar algo de dinero, ¡aunque a veces incluso tuve que pintarlos para conseguir un par de zapatos!

En 1865, los jóvenes artistas sólo tenían una cosa en mente: participar en el Salón. Renoir preparó un retrato de William Sisley (el padre de Alfred) y "Una noche de verano". Sin embargo, todavía había tiempo hasta el 1 de mayo, cuando se suponía que tendría lugar la inauguración, por lo que Auguste y sus amigos se dirigieron a Fontainebleau, donde se dispersaron por diferentes pueblos. Fue allí donde Renoir se enteró de que el Salón había aceptado sus pinturas, así como “La desembocadura del Sena en Honfleur” y “El asador en La Hève durante la marea baja” de Monet.
Al regresar a París, Auguste, aún atravesando dificultades económicas, se mudó con Sisley. En este momento, se acercó al artista Jules Le Coeur y, gracias a esta amistad, logró penetrar en la sociedad de los ricos que amaban el arte, así como encontrar mecenas permanentes. Además, en la casa de Le Coeur, Renoir conoció a su primera amante, Lisa Treo, de 16 años, quien se convirtió en una de sus modelos favoritas.
El año 1866 estuvo marcado por un escándalo relacionado con el próximo Salón. El jurado rechazó un cuadro tras otro, incluidas obras de Manet y Renoir. Pero Monet y Gustave Courbet, por el contrario, brillaron.
Courbet, a quien Auguste había conocido antes y que lo impresionó por su talento y su volumen, parecía convertirse en el líder de un nuevo movimiento en la pintura.
Mientras en los periódicos se desplegaban denuncias a gran escala sobre la falta de profesionalidad del jurado, Renoir se sintió más impresionado por Courbet por su manera amplia y ligeramente simple de transmitir la naturaleza. Y decidió probar la técnica de Gustave (frotar pintura sobre el lienzo con un cuchillo) mientras trabajaba en naturalezas muertas. La influencia de Courbet es especialmente visible en el cuadro "Diana la cazadora" (1867), donde Renoir representó a Lisa desnuda, trabajando su cuerpo con una espátula.
Mientras tanto, la situación financiera del pintor no mejoró en absoluto: al igual que Monet, se vio obligado a buscar constantemente trabajo a tiempo parcial. Además, Sisley se casó, por lo que Renoir tuvo que mudarse con Basil.

En 1867, los amigos se preparan nuevamente para el Salón, lo que, lamentablemente, nuevamente solo trae decepción. Renoir presentó a Diana la Cazadora y fue rechazada. Al reflexionar sobre las razones de su fracaso, se dio cuenta de que trabajar con una espátula no era su vocación.
Esto alejó a Renoir de Courbet y su pintura “pesada”. En este momento se interesó por el estilo de Manet, quien no prestó la debida atención al modelado, sino que trabajó cuidadosamente el color.
Con el tiempo, Auguste se convirtió en miembro de un grupo de “rebeldes” o Batignolles, que a menudo se reunían en el café Guerbois del barrio de Batignolles, donde discutían durante mucho tiempo sobre pintura. El jefe del grupo era Edouard Manet. Y si el jurado del Salón, que año tras año rechazaba sus obras, hubiera sido un poco más comedido, es poco probable que alrededor de Manet se hubieran reunido artistas tan diferentes en su cosmovisión y en su visión de la pintura.
En el verano de 1867, Renoir pintó "Lise", donde se siente levemente la influencia tanto de Courbet como de Manet, pero el estilo individual del maestro aún es visible. El cuadro fue aceptado en el Salón de 1868 gracias a Daubigny, que fue miembro del jurado y consiguió plazas para muchos artistas cuya presencia en la exposición hasta entonces era simplemente impensable.
Una de las obras más llamativas de este período (después de "Lisa") se considera un retrato de Alfred Sisley y su esposa, pintado al aire libre.
Y, sin embargo, Renoir seguía necesitado. No fue fácil encontrar clientes, por lo que fue con Lisa a casa de sus padres en Ville d'Avray.
El año 1869 fue bastante difícil para Renoir: necesidad constante, rechazo del Salón. Pasa la mayor parte de su tiempo en Bougival, en Ville d'Avray. No muy lejos, en Saint-Michel, vivía en aquella época Claude Monet, que a menudo ni siquiera tenía dinero para el pan, por no hablar de pinturas y lienzos. Renoir ayudó a su amigo lo mejor que pudo, llevándole pan de casa.

Las dificultades comunes acercaron mucho a los amigos, y esto no podía dejar de afectar su trabajo. Cuando apareció el dinero, compraron pinturas, pusieron sus caballetes uno al lado del otro y pintaron los mismos motivos, hablaron temas generales, formando opiniones generales sobre la pintura.
Nunca regresaron a los bosques de Fontainebleau, habiéndose interesado por el agua, sus mágicos tintes, reflejos y colores. diferentes tiempos días. Ahora sólo los ocupaba el Sena, desde Bougival hasta Argenteuil, con sus baños y numerosos veraneantes los fines de semana.
Por otra parte, vale la pena mencionar un lugar increíble: la "piscina infantil". Era un pequeño y acogedor café situado sobre un pontón y conectado a la orilla del Sena por un pequeño puente. Esta isla de felicidad y despreocupación recibió su nombre de las bellas damas de fácil virtud, a quienes llamaban ranas. Vinieron aquí con sus novios o solos en busca de nuevos caballeros, cuya atención atrajeron con trajes llamativos y brillantes.
Se instalaron en la "piscina infantil". varios tipos competición, aquí podrá relajarse en la fragante hierba de la orilla y disfrutar de las vistas de la tranquila bahía. Por la noche, el pontón se convirtió en un centro de diversión: se encendieron luces rojas que iluminaron las aguas del Sena y los músicos comenzaron a tocar animadas cuadrillas y galopes.
Fue aquí donde Monet y Renoir desarrollaron los principios de un nuevo arte: el impresionismo. Si miras de cerca las obras de esta época, no queda claro de inmediato quién es el autor de tal o cual cuadro: Monet o Renoir. Sus lienzos encarnaban los principios básicos de la nueva dirección: el estudio de los reflejos sobre el agua, el claroscuro, la luz parpadeante, la separación clara de los trazos, el uso de tonos claros de pintura (sólo tres colores primarios y tres adicionales) y la transferencia de la impresión primaria de lo visto.
Para el Salón de 1870, Renoir pintó “El bañista con grifo” y “Odalisca”. El jurado aceptó ambas películas. Durante este período, el artista comenzó a experimentar la influencia del mayor colorista: Eugene Delacroix.
A partir de sus estudios con Gleyre, Renoir probó suerte en diversas direcciones durante muchos años. De cada uno sacó algo necesario para el desarrollo y mejora de sus habilidades. Plein air le ayudó a dominar el trabajo con la luz y el color, aunque no del todo. Delacroix fue "llamado" para ayudar a perfeccionar estas habilidades de iluminación.
Ese mismo año, Francia entró en guerra con Prusia. En otoño, Renoir fue reclutado y enviado a Libourne, donde se suponía que pasaría todo el invierno. La guerra separó al artista de sus amigos: Pissarro y Monet fueron a Inglaterra, Basil murió en la batalla.
En 1817, Renoir enfermó de disentería. Su tío lo salvó de la muerte y lo transportó de Libourne a Burdeos. En ese momento, Auguste sólo soñaba con una cosa: regresar lo antes posible a su amado París. Logramos implementar nuestros planes ya en marzo, después de la desmovilización.

búsqueda creativa

Por desgracia, en este momento comenzaron los disturbios en la capital, que resultaron en un levantamiento popular, que pasó a la historia con el nombre Comuna de París. Renoir intentó adaptarse a su nueva vida, buscó encargos, pero trabajó poco. Al parecer, por eso, tras los largos y terribles meses de la guerra, su creatividad se manifestó con renovado vigor.
A diferencia de Delacroix, Renoir prefirió representar a las mujeres con el telón de fondo de un interior lujoso, en lugar de rendir homenaje a Oriente. A pesar de que el público consideraba "Mujeres de París" una copia de las obras del gran colorista, esta imagen reveló por primera vez la sensualidad de Renoir, que anteriormente había expresado de manera algo inepta.
En 1872, muchos Batignolles conocieron a Paul Durand-Ruel, un rico comerciante de pinturas. Sin embargo, Renoir no se molestó mucho; incluso pintó un retrato de su ex amante y se lo regaló como regalo de despedida.
En el verano de 1872, el artista visitó a Monet en Argenteuil. Aquí los amigos se pusieron manos a la obra con renovado vigor, siguiendo audazmente los principios básicos del impresionismo: reprodujeron la forma de los objetos no como todos los perciben, sino que transmitieron su visión, cubriendo el lienzo con pequeños trazos de colores.
Es casi imposible distinguir sus obras por la técnica; la diferencia radica únicamente en los temas. A Monet le interesaban principalmente los paisajes, a Renoir le encantaba representar personas, especialmente mujeres. En 1873 pintó el cuadro “Rosa”, en el que amor increible y con asombro transmitió los contornos del cuerpo, las manos y el rostro ovalado de la modelo, el brillo de sus ojos. ¡Estaba simplemente enamorado de su pintura!
En 1873, para el siguiente Salón, Renoir pintó “Jinetes en el Bois de Boulogne”. Al ver la imagen, el capitán Darr, cuya esposa posó para el jinete, se horrorizó al notar trazos azules en la piel de los animales:
“¿Caballos azules? ¡No hay caballos azules en el mundo!
Desgraciadamente tuvo razón: el jurado del Salón no aceptó el cuadro. Pero Renoir no se molestó, sino que se vio invadido por la alegría general de los Batignolle: ¡Durand-Ruel vendía con éxito sus obras! La fortuna tampoco se apartó de Renoir: varios de sus cuadros se compraron a un precio fabuloso: ¡unos 1.500 francos! Y un poco más tarde Durand-Ruel empezó a mostrar interés por él.
"¡Finalmente! - pensó el artista. "¡El período de oscuridad ha pasado y se acerca un período de éxito!"

Impresionistas (1874-1882)

Así, la vida de Renoir empezó a mejorar poco a poco: finalmente pudo alquilar un buen estudio.
En el verano de 1874, el artista pintó su famosa “Bailarina” en tonos grises, transmitiendo con increíble habilidad todos los matices y matices de este color. Renoir descubrió el gran misterio de la pintura: cuanto más quieres decir, menos debes decir. Y lo usó con sorprendente cuidado.
Una de las mejores obras, "The Lodge", no está escrita con menos habilidad. Todo en esta imagen es simple: composición, trama, pincelada. El maestro utilizó sólo unos pocos tonos del mismo color, pero con tanta habilidad que esto le permitió figurar entre coloristas tan brillantes como Tiziano y Rubens.
La idea perteneció a Claude Monet, quien recordó el viejo sueño de Basil de organizar una comunidad que protegiera a los artistas independientes y organizara sus exposiciones. Estaban cansados ​​de los constantes rechazos del Salón, del abandono de los académicos de la pintura, ¡decidieron crear su propio mundo!
La idea no fue del agrado de Edouard Manet, quien, por cierto, comenzó a exponer en el Salón (según sus amigos, se rindió, deslizándose hacia el estilo tradicional de pintura). Hubo otros descontentos que advirtieron a los artistas contra un paso tan precipitado. Sin embargo, debido a la inestable situación financiera de Durand-Ruel, los Batignolle necesitaban vender sus obras de alguna manera.
Una vez, mientras describía las obras de Monet, se dirigió al artista para pedirle que diversificara sus títulos: eran demasiado similares. Monet miró el primer cuadro que encontró y, sin dudarlo, dijo: “Impresión. Amanecer".
El día de la inauguración, las salas del taller de Nadar se llenaron de un público ruidoso e indignado. Sin prestar atención a las obras de los pintores académicos, la gente se agolpaba desconcertada ante las pinturas de Renoir, Monet, Cezanne, Pissarro, Sisley y Degas. No es una broma: en lugar de imágenes comprensibles y una reproducción fiel de la realidad, ¡les ofrecieron una especie de "embaucamiento"! ¿Se puede llamar arte a esto? Probablemente, los autores de las pinturas simplemente "dispararon" pinturas de tubos sobre el lienzo y luego les pusieron sus firmas.
Sin embargo, a pesar del rugido de desaprobación y a veces de desprecio, estaba claro que estos valientes artistas declararon públicamente la existencia de un nuevo arte.
Después de que el crítico Louis Leroy visitara la exposición, apareció en el periódico Charivari un artículo muy poco halagador titulado “Exposición de los impresionistas” (la idea del título fue tomada del cuadro de Monet “Impresión. Amanecer”). Siguiéndola, llovió una lluvia de burlas y bromas sobre los impresionistas: así comenzaron a llamarse burlonamente a los antiguos Batignolles. Ahora su situación se ha vuelto catastrófica, ¡pero estaban advertidos!..
Es cierto que para Renoir era un poco más fácil: además de paisajes, también pintaba retratos, lo que le ayudaba a llegar a fin de mes. Durante todo el verano, Auguste estuvo en Argenteuil, que ahora se convirtió en el centro del impresionismo. Aquí los artistas, partidarios de una nueva tendencia en la pintura, conocieron a su mecenas, el generoso Gustave Caillebotte. Ayudó con todas sus fuerzas a los antiguos Batignolles: compró sus cuadros y los invitó a quedarse con él.
Para Renoir, 1874 terminó sombríamente: la Sociedad Cooperativa Anónima fue liquidada y su padre pronto murió. Nuevamente surge la necesidad, nuevamente es necesario pensar en cómo ganar dinero...
En busca de una salida a esta situación, Renoir invitó a los Batignolle a organizar una venta de cuadros en el hotel Drouot. En marzo de 1875 se celebró una subasta donde se vendieron obras de Renoir, Monet y Sisley en literalmente por centavos.
Durante la subasta, sin embargo, Renoir adquirió dos admiradores de su talento en particular y del impresionismo en general: Victor Choquet, funcionario de aduanas, y Georges Charpentier, un rico editor.
Pronto Choquet invitó al artista a pintar un retrato de su esposa. Y gracias a Charpentier, que anteriormente le había comprado "El pescador con caña", Renoir se encontró en una brillante sociedad secular. Posteriormente, la familia Charpentier le encargó pintar retratos de sus hijos. Tales cambios prometieron al artista el destino de un retratista de moda y unos ingresos sólidos.
En abril de 1876, Durand-Ruel invitó a los impresionistas (en ese momento sus filas se habían reducido significativamente: de 30 personas, solo 19 permanecieron fieles a la nueva dirección) a realizar otra exposición. Al igual que la primera, fue recibida con un rugido de desaprobación y una lluvia de burlas. El cuadro de Renoir "Desnudo, efecto sol" fue especialmente criticado: los críticos llamaron a la niña representada en él "muerta, con el efecto de la carne en descomposición". Nadie pudo apreciar la habilidad de la artista que tan hábilmente transmitió la emoción del resplandor del sol en su cuerpo.
A pesar de ello, el impresionismo poco a poco conquistó al público: esta vez todos los periódicos publicaron un reportaje sobre el espectáculo, y algunos publicaron críticas positivas. Algunos críticos incluso notaron la influencia de la nueva dirección en el Salón oficial.

En lo alto de la colina de Montmartre había un establecimiento llamado Moulin de la Galette. Era un gran granero cuadrado, alrededor del cual se construyó una terraza, donde había mesas. Los domingos y festivos el baile comenzaba aquí a las tres de la tarde. A los invitados se les sirvió vino y, con él, un plato estrella: galletas.
Renoir amaba mucho este establecimiento. Le gustaban los clientes habituales del lugar: gente sencilla, alegre y, curiosamente, a menudo familiar. Aquí también vinieron sus amigos artistas.
Una vez, Renoir hizo un boceto de esta eterna celebración de la vida de memoria en su taller. Uno de mis amigos, al ver el boceto, dijo que definitivamente necesitaba pintar un cuadro basándose en él.
La chica del vestido a rayas en primer plano es Estella, hermana de una de las modelos de Renoir, Jeanne.
En la mesa del primer plano están tres amigos de Renoir: Fran-Lami, Norbert Guenette y el periodista Georges Riviera, quien en una de sus ediciones de “El Impresionista” calificó “El baile del Moulin de la Galette” como “una página de historia, un maravilloso monumento a la vida parisina, recreado con asombrosa precisión." En 1877, la pintura se convirtió en una de las decoraciones de la tercera exposición de los impresionistas.
Renoir, acostumbrado a trabajar sólo al aire libre, en aquella época se veía impedido de ir a un café de Montmartre por necesidad. El azar ayudó: le pagaron generosamente por un retrato.
Sin dudarlo, el artista fue a buscar un taller adecuado. Tuvo la suerte de encontrar habitaciones muy acogedoras y amuebladas con un excelente jardín (más tarde pintó aquí el cuadro "Swing", sorprendente por su color y juego de luces). Luego empezó a buscar modelos. Esto, sin embargo, no fue un problema: habiendo oído hablar del artista "rico", muchas chicas acudieron a él.
Otra modelo de Renoir, Marguerite Legrand (también conocida en Montmartre como la pequeña Margot), es la chica que baila a la izquierda. Su pareja es el artista cubano Pedro Cárdenas.
Entonces, Renoir comenzó a trabajar en "El baile del Moulin de la Galette". Su idea era representar una multitud heterogénea de gente divirtiéndose a la luz del día, bajo frondosas acacias; mostrar sus rostros alegres, el juego de luces y sombras en sus ropas, y tanto la luz como la sombra tenían que ser cálidas, chispeantes, como el baile mismo.
Mientras trabajaba, el artista se acercó a muchos modelos. Le sorprendió que las jóvenes coquetas, que bailaban con trajes brillantes durante el día, regresaran por la noche a las miserables chozas de Montmartre, donde reinaban el hambre y las condiciones insalubres.
Para ayudar de alguna manera a los niños que vivían allí, Renoir organizó un baile benéfico en el Moulin de la Galette. Sin embargo, el dinero recaudado no fue suficiente para abrir una especie de refugio para los pequeños habitantes de Montmartre. Luego pidió ayuda a Madame Charpentier. Aunque le gustó la idea, no le prestó suficiente atención. Sin embargo, tiempo después organizó la llamada Guardería.
Simultáneamente con El baile, Renoir pintó varios paisajes y retratos de franceses adinerados.

Si observas de cerca el color usado en los hombros y el pecho de Jeanne, notarás muchos trazos de diferentes tonos de verde. Es difícil imaginar que antes de Renoir alguien se atreviera a pintar el cuerpo humano en tonos verdes.

En 1877, bajo el patrocinio de Gustave Caillebotte, los impresionistas decidieron organizar otra exposición.
Y la niña miró al maestro con amor: incluso después de tantos años, el espectador siente su amor por el artista, que él mismo transmitió.
Una vez más, el público no recibió de la mejor manera la exposición impresionista, aunque con cierto favor. Las pinturas de Renoir y sus amigos volvieron a recibir una avalancha de críticas. El retrato de Jeanne Samary, por ejemplo, fue calificado de antinatural y alejado de la naturaleza: ¿dónde se ha visto esto, manchas verdes en la piel? ¡Y el baile del Moulin de la Galette y el “Swing” resultaron completamente manchados con algún tipo de manchas! ¿Quedaron atrapados por la lluvia o les salpicó el barro? Ah, aquí está la cuestión: ¡el artista quería transmitir de esta manera la sombra que cae a través del follaje sobre las personas! ¡Increíble!

Después de la exposición, Renoir, Caillebotte, Sisley y Pissarro volvieron a realizar una venta de sus obras en el hotel Drouot. Ofrecieron 45 cuadros a los amantes del arte. Como antes, no generó mucho dinero, pero causó sensación entre los artistas: nuevamente se burlaron de ellos, les dibujaron caricaturas e incluso se representaron obras de teatro. Todo esto asustó a los compradores: ¿dónde se ha visto esto: pintar sin trama por pintar?
Los artistas entendieron que su rechazo al academicismo indicaba que no apoyaban el sistema social existente. Sin embargo, el surgimiento del impresionismo solo significó una cosa: la sociedad actual ha dejado de ser útil y ha llegado el momento de un nuevo arte.
En 1878, Renoir, por extraño que parezca, decidió acudir de nuevo al Salón. Probablemente, el artista de 37 años estaba cansado de la constante necesidad y falta de demanda. Lo entendió: para poder comprar cuadros, es necesario que lleven el “sello” del Salón.

Renoir presentó "Café" al jurado (más tarde los críticos cambiaron el nombre del cuadro a "Taza de chocolate"). Confió en el retrato porque creía que después de la aparición de este género en particular en la exposición, recibiría encargos.
Los impresionistas conocían bien a su amigo, por lo que no percibieron su acción como un insulto personal y lo trataron con condescendencia. El Salón de 1878 no le reportó muchos beneficios a Renoir. Prada, Madame Charpentier decidió encargarle un retrato de ella misma con sus hijos, Paul y Georgette. El pintor no escatimó esfuerzos: comprendió que conseguir el apoyo de la esposa de un editor adinerado era su oportunidad.
Cuando se completó el retrato, Madame, con la ayuda de sus conocidos influyentes, hizo todo lo posible para que Renoir fuera aceptado por los académicos del Salón. Muchos vieron el cuadro mucho antes de la exposición y quedaron encantados con él. El artista también preparó para el Salón un retrato de Jeanne Samary en altura completa.
En general, Madame Charpentier comenzó a prestar enorme atención a las cuestiones de arte. Convenció a su marido para que abriera una publicación semanal, La Vie Moderne, dedicado a la literatura, columnas de pintura y chismes, y dentro de los muros de la editorial se ofrecieron a organizar exposiciones personales de artistas. Renoir no recibió ni un centavo por su cooperación con la revista: solo quería complacer a Madame, quien prometió realizar pronto su exposición personal (en ese momento esto era una rareza).
Mientras tanto, Renoir se estaba preparando para el Salón, sus amigos organizaron una cuarta exposición: la "Exposición de Artistas Independientes" (la palabra "impresionismo" fue específicamente excluida del título). El día de la inauguración se publicó el primer número de La Vie Moderne.
"Le invitamos a estar presente en el traslado, funeral y entierro de los señores impresionistas", escribió uno de los críticos en la revista.
Con el tiempo, Cezanne y Sisley se separaron del grupo impresionista: como Renoir, enviaron sus cuadros al Salón, pero se les negó la participación.
Tras la inauguración del Salón, el retrato de Madame Charpentier, que a petición suya fue colgado en el lugar más destacado y ventajoso, fue elogiado tanto por el público como por la crítica. ¡Por supuesto! El artista, a quien la esposa de un famoso editor y la actriz de la Comédie Française le encargaron sus retratos, no puede carecer de talento.
Literalmente todo el mundo empezó a hablar de Renoir y su pintura. Al mismo tiempo, el artista no abandonó su estilo de pintura, pero logró cambiar la opinión del público al respecto, que estaba dispuesto a creer que el impresionismo estaba experimentando cambios (aunque en realidad no fue así).
Gracias a su fama, Renoir conoció a la familia del diplomático Bérard, quien lo invitó a pasar el verano en su propia finca en la costa del Canal de la Mancha.
Aquí, en Varzhemont, al pintor le gustaba todo: el bullicio de los tres hijos de Bérard, las playas, hermoso paisaje y... libertad de creatividad. ¿Con qué más podría soñar un artista? ¡Finalmente logró lo que se esforzaba! Aquí Renoir pintó un cuadro para el Salón, “Mussell Pickers in Berne-Vallée”.
1880 Monet se separó del grupo de los impresionistas, siguiendo el ejemplo de Renoir. Según Emile Zola, el impresionismo estaba a punto de partirse como una fruta madura. Esto no es sorprendente: todo artista talentoso, tarde o temprano, debe convertirse en un individuo y buscar su propio estilo original de escritura.
Algunos siguieron adelante, pero muchos, especialmente los principiantes, como dijo Monet, simplemente cayeron en una “embaucación” común y corriente. Aprendieron los principios básicos del impresionismo, que no se esforzaron por desarrollar más, por lo que su pintura se volvió poco interesante y artificial.
Renoir continuó creando para su propio placer, trabajó duro y recibió un buen dinero por sus pinturas. Le gustaba este tipo de vida: la existencia tranquila y mesurada de un soltero. Y, naturalmente, cuando sus pensamientos empezaron a estar ocupados no por la pintura, sino por una mujer, se asustó un poco.
Desde hace varios meses posa para él Alina Sharigo, que trabajaba en un taller de costura. Vivía no lejos del artista y solía ir a la lechería donde a él le gustaba almorzar. Allí se encontraron. Renoir invitó a una chica encantadora a su casa como modelo.
A pesar de la importante diferencia de edad (casi 20 años), encontraron intereses y temas de conversación comunes. Renoir quedó fascinado.
“Quieres darle una palmadita en la espalda, como a un gatito”, dijo.
A Alina le encantaba posar. No tenía ningún conocimiento de pintura, pero con algún instinto interior supuso que el nombre de este artista pasaría a la historia para siempre. Estaba fascinada por la forma en que manejaba los pinceles, sombreaba y aplicaba pinturas.
Renoir no podía decidirse a dejar entrar a una mujer en su vida. Después de todo, esto significaría que tendría que cambiar de pintura, dividir mi tiempo entre ella y el amor. Gracias al sentimiento que le surgió, empezó a repensar sus obras, con las que estaba cada vez más insatisfecho. ¿Qué estuvo buscando durante 20 años? ¿Qué es el impresionismo de todos modos? Preguntas como estas hicieron que Renoir comenzara a dudar de si sabía escribir.
1881 Renoir no tiene ganas de trabajar en absoluto. Para cambiar la situación, decide seguir el ejemplo del eterno vagabundo Cézanne y emprender un viaje. Tras pedirle a su amigo Charles Ephrussi que enviara retratos de las chicas Cahen al Salón, el artista se fue a Argelia (durante mucho tiempo había soñado con visitar el país glorificado por su amado Delacroix).
A su regreso de Argelia, el barón Barbier, alcalde de Saigón y ex oficial de caballería, invitó a Renoir a realizar uno de sus pequeños planes. En su implementación participaron 14 personas.
Así apareció el cuadro “El desayuno de los remeros”. Su composición consta de muchas figuras, pero, incluso a pesar del ambiente festivo, esta obra no puede considerarse pomposa. Parece que el artista quiso plasmar aquello que tanto amaba: el Sena, un restaurante, una compañía alegre y ruidosa de jóvenes.
Una vez finalizada esta obra, Renoir prácticamente se despidió del impresionismo, volviendo a él en el futuro sólo en los casos más excepcionales.
Una vez finalizado “El desayuno de los remeros”, Alina invitó a Renoir a abandonar la capital e ir al campo, pero él (aunque con dificultad) se negó. Pasaron el verano separados: el pintor se fue a Varzhemon.

Detrás de Alina, apoyado en la valla, se encuentra Alphonse Fournes, el hijo del dueño del restaurante. Un poco más lejos está su hermana Alfonsina. Escucha la historia de su interlocutor, bajo el resplandor del sol de la mañana su sombrero de paja parece dorado, contrastando con el cabello oscuro y rizado y una cinta azul en la coronilla.
Detrás de Maggiolo, al fondo, tres personas conversan. Entre ellos se encuentra una dama: Jeanne Samari, una famosa actriz, modelo para varios cuadros de Renoir.
En primer plano, una niña con un vestido oscuro y un sombrero de paja con flores juega con un perro. En este cuadro, el artista la captó por primera vez, convirtiéndola inmediatamente en la protagonista principal del lienzo.
Sentado frente a Alina Sharigo artista famoso Gustave Caillebotte. Al fondo hay una chica con un vestido azul con cuello blanco y un sombrero blanco. Se trata de Angele Legault, una conocida de Renoir, ex vendedora de flores, más tarde conocida como actriz y cantante.
“El almuerzo de los remeros” es uno de los cuadros centrales de la obra de Auguste Renoir. Aquí, bajo un dosel, en el restaurante familiar Fournaise, el artista representó a casi todos sus amigos. El fondo de la imagen, matutino, transparente, fresco, permite ver el Sena y los barcos a través de la vegetación. El dosel, sin embargo, no impide que el resplandor del sol incida en las figuras de las personas.
Las figuras del plano más lejano están pintadas con gran detalle. La mujer que bebe de un vaso es una modelo que posó no sólo para Renoir, sino también para Edouard Manet y Edgar Degas, Ellen André. Detrás de ella hay dos hombres: de pie, frente al espectador, está Jules Laforgue, un poeta simbolista de origen latinoamericano; hombre con sombrero de copa: Charles Ephrussi, crítico, crítico de arte, coleccionista, filántropo, persona influyente de la época.
En esta imagen, que describe muchos detalles con asombrosa precisión, Renoir se acerca al realismo. De particular interés es la naturaleza muerta del centro. Merecía convertirse en una obra separada e independiente. El artista logró la textura de la tela sobre la mesa, la transparencia sonora del vaso de vasos y botellas y la jugosidad de las uvas en el plato. El maestro logró esto jugando con el contraste y trabajando cuidadosamente con las luces.
Tormento en el amor, sufrimiento en el arte... En otoño, Renoir recibió una invitación de Madame Charpentier para pintar un retrato de su hija menor. Sin embargo, recordar primeros años entrenando con Gleyre e Ingres, a quienes una vez vio en el trabajo.
“De repente quise ver a Rafael”, escribió el pintor en una carta de disculpa dirigida a Madame Charpentier.
Renoir visitó muchas ciudades de Italia, pero sólo Venecia le inspiró para crear varias obras.
Renoir dedicó casi seis años al cuadro “Paraguas”. Representa una escena ajetreada en las calles de París durante la lluvia. La composición en sí se parece a una fotografía aleatoria. El artista logró transmitir el bullicio en el momento en que la gente tiene prisa por abrir sus paraguas y esconderse de los elementos. Ésta, según Renoir, era la principal tarea del impresionismo: transmitir los sentimientos que el artista experimenta en un momento determinado, para darle al espectador la oportunidad de experimentarlos.
Antes de Venecia, visitó Florencia, donde se encontraba una de las Madonnas más famosas de Rafael: la "Madonna en la silla" (pintada en el Palacio Pitti). Renoir no esperaba que ella lo sorprendiera tanto: ¡con qué acierto y sencillez estaba dibujada su figura! Sin pensarlo dos veces, tras Venecia el pintor se dirigió directamente a Roma para estudiar adecuadamente la obra del gran italiano.
“Esto es hermoso y debería haberlo visto antes”, señaló Renoir, no sin tristeza. - Está lleno de conocimiento y sabiduría. Rafael no se esforzó, como yo, por lo imposible.
El punto medio de la pintura muestra a una niña mirando hacia arriba. Al parecer está comprobando si ha dejado de llover. Renoir logró transmitir perfectamente la expresión de su rostro, incluso si principalmente oculto por el sombrero de la mujer en primer plano.

Pero es genial. En pintura al óleo prefiero a Ingres. Pero los frescos son magníficos por su sencillez y grandeza”.
A continuación le esperaba un delicioso cuadro de Pompeya en Nápoles. El artista quedó encantado: ¡es simplemente sorprendente cómo los maestros del pasado, utilizando sólo colores primarios, lograban líneas tan precisas y perfectas en sus obras! ¿Dónde están los “genios” modernos que han olvidado tanto las tradiciones pictóricas del pasado que ni siquiera pueden dibujar una mano? Renoir empezó a buscarse a sí mismo de nuevo: escribía y limpiaba las pinturas, volvía a escribir y volvía a borrar.
Al cabo de un tiempo se instaló en Capri, donde escribió una de sus mejores obras, “La bañista rubia”. Se siente como un punto de inflexión doloroso para el artista, pero al mismo tiempo hay un triunfo de las líneas y el volumen, que aprendió de Rafael e Ingres.
Renoir extrañaba mucho París, pero no estaba destinado a llegar a la capital en un futuro próximo. Primero fue a Sicilia, donde pintó un retrato del gran compositor Wagner; Posteriormente visitó a Cézanne en Estac, donde enfermó gravemente de neumonía. Habiéndose recuperado un poco, volvió a viajar a Argelia (para recibir tratamiento médico y pintar varios retratos, ya que la última vez solo trajo de allí paisajes).
El artista regresó a París siete meses después de su partida. ¿Qué entendió durante el viaje? En primer lugar, que todavía tiene mucho que aprender, que no domina del todo el arte de la pintura. En segundo lugar, que no puede vivir sin Alina.

"Período académico" (1882-1892)
“Cuando miras las obras de grandes artistas del pasado, comprendes que no es necesario filosofar. ¡Qué excelentes maestros en su oficio eran estas personas en primer lugar! ¡Cómo conocían su oficio! Esto es todo. Pintar no es una especie de ensoñación... En realidad, los artistas se consideran criaturas excepcionales, imaginan que poniendo pintura azul en lugar de negra, pondrán el mundo patas arriba”, esta era la opinión de Renoir sobre el arte.
Regresó a París, a Alina. Su amor floreció y le dio al artista fuerzas creativas. Alina le sentaba perfectamente: cuando era necesario, lo protegía de preocupaciones innecesarias, era sobria y majestuosa, como una reina.
En Vargemont, Renoir comenzó a pintar una serie de cuadros que representaban parejas bailando. Estas tres obras previstas fueron terminadas a finales de 1883. Todos ellos se distinguen por una textura más seca y un modelado claro, rayano en imágenes estilizadas.

Verano (Niña Gitana). 1868. Óleo, lienzo. 85×59 cm. Galería Nacional de Berlín (Alemania)

Renoir comenzó a prestar más atención a la imagen del cuerpo desnudo, esforzándose por transmitir la estructura exacta de cada músculo, llegando en ocasiones a ahorrar medios expresivos y modestia de la imagen (es decir, al academicismo). Cambió los colores brillantes por colores simples, contentándose sólo con el amarillo o el rojo, el verde o el negro. Ahora el pintor creía que el impresionismo era demasiado "florido", demasiado complejo, por lo que carecía de medios de expresión.
Lo persiguieron los frescos que vio en Italia. Quería saber cómo conseguir el aspecto mate y radiante que tanto le deleitaba.
El año 1883 resultó normal para el artista: el jurado del Salón rechazó todas sus pinturas y la exposición personal organizada por Durand-Ruel no produjo los resultados esperados. Sin embargo, gracias a los encargos de retratos, Renoir no se preocupó en absoluto por esta situación.
Un día, en una librería de segunda mano, se encontró inesperadamente con el “Tratado sobre pintura” de Cennino Cennini, traducido por un alumno de Ingres en 1858, que describía las técnicas y técnicas más importantes de los maestros del siglo XV. Después de leer el libro, Renoir volvió a estar convencido de que todos los logros del pasado, lamentablemente, fueron olvidados y simplemente no quedaban personas que los poseyeran. Literalmente odiaba el impresionismo y comenzó a pintar respetando las proporciones que calculaba para transmitir la forma con mayor precisión. A veces aplicaba bocetos sobre lienzo y solo luego pintaba al óleo.
Renoir tuvo la idea de este cuadro durante mucho tiempo. Caminó durante mucho tiempo por el jardín de Versalles, vagó entre las esculturas, examinando sus formas ideales y un día llamó la atención sobre el "Baño de las ninfas", un bajorrelieve plomo de Girardon. Sí, ¡esto era exactamente lo que se necesitaba para la composición de la imagen deseada!
Después de copiar cuidadosamente el bajorrelieve, Renoir comenzó a practicar poses de chicas desnudas sobre lienzo. Fue una verdadera lucha que agotó al artista y le quitó todas sus fuerzas. Comenzó a pintar bañistas en 1884 y no terminó hasta 1886. Durante este tiempo, se hicieron innumerables bocetos y bocetos, las posiciones de las ondinas y su número se cambiaron varias veces (al final quedaron cinco; por la brevedad de la composición, debería haberse encerrado dentro de límites estrictos).
¡Cuán rigurosamente es todo en esta obra: la composición, la elección de los colores y la estructura! En “Grandes bañistas”, Renoir mostró la pintura mental, la obra de un artista que piensa y calcula cada pincelada. Posteriormente presentó la pintura en la Exposición Internacional de la Galería Georges Petit en 1887. Allí despertó sentimientos encontrados tanto entre el público como entre los colegas de Renoir, pero aun así disfrutó del éxito.
No menos difícil para el artista fue el trabajo en el cuadro “La noche de los niños en Varzhemon”, pintado en estilo clásico y seco. Aquí Renoir no demostró plenamente su talento como colorista (anteriormente no habría escatimado en colores brillantes), eligiendo cuidadosamente colores que lucen muy armoniosos. El estilo del artista también es irreconocible por su composición lineal, algo que no es típico de sus obras anteriores. "Tarde" es una clara evidencia de la discordia mental y creativa del maestro, que sin embargo lo empujó a nuevas búsquedas creativas.
Para este cuadro, Renoir posó para su futura esposa Alina Charigo (izquierda), así como para Suzanne Valadon (derecha), quien más tarde se convirtió en una artista famosa.

En 1885, Renoir se enteró de que Alina estaba esperando un hijo. Sus sentimientos están alborotados: lamentablemente, en este momento el artista vuelve a atravesar dificultades económicas y aquí se produce un evento tan importante. Renoir incluso pagó el trabajo del médico que le entregó al niño su cuadro, afortunadamente el médico resultó ser persona amable y no se negó a tomar el lienzo.
Poco después del nacimiento de su hijo, la familia se mudó a la tierra natal de Alina, Essois, donde se encuentran los pintorescos valles de viñedos de Champaña y Borgoña. Aquí el artista vuelve a encontrar la paz, la naturaleza le ayuda a comprender que no hay nada más que buscar. Las obras de esta época no dejan lugar a dudas al respecto. Primero aparece "Peinado", donde Renoir finalmente alcanza el nivel de pintura de figuras que buscaba: el cuerpo desnudo de una niña después del baño está representado con excelente precisión.
Pero la mayor parte de su atención durante este período se centró en Alina, quien después del nacimiento de su hijo Pierre lo atrajo aún más. Constantemente hacía bocetos de su esposa lactante y, algún tiempo después, basándose en ellos escribió "Maternidad", donde representaba a Alina con su bebé en el jardín cerca de la casa.

Esta obra muestra una conexión con el tema clásico: la Virgen y el Niño. Artista posterior Creó varias pinturas similares.

Después de la Exposición Mundial de 1887, sus amigos y colegas empezaron a mirar de reojo a Renoir. Los periodistas escribieron que “parece que Renoir dio un paso atrás en su pintura”, sus obras fueron calificadas de simplificadas y reprochadas de academicismo. El artista empezó a preguntarse: ¿hizo lo correcto al apartarse del camino del impresionismo? Anteriormente, ya había destruido varias pinturas escritas como "Grandes bañistas"; le parecieron francamente infructuosas. ¿Qué hacer ahora? ¿Cómo volver?
En 1887, Berthe Morisot, esposa del hermano de Edouard Manet, encargó a Renoir que pintara un retrato de su hija.
Julio. En esta obra, el artista suavizó la textura, liberando finalmente su talento artístico, que hizo que la pintura literalmente brillara. La crisis estaba retrocediendo y, aunque las líneas seguían siendo claras y rígidas, ya no era pintura seca.
Renoir continuó pintando retratos, ganándose así la vida. Viajó mucho en busca de inspiración. Todos los que siguieron su crecimiento creativo quedaron asombrados por su constante búsqueda de sí mismo, sus audaces experimentos.
A finales de 1888, mientras visitaba al matrimonio Manet en Simiez, Renoir se sintió mal.

Para Renoir, 1889 empezó muy mal: enfermedad repentina Lo rompió no tanto física como mentalmente. Sin embargo, intentó no desesperarse y siguió trabajando. En la obra de esta época comenzaron a ser claramente visibles los rasgos que caracterizan la pintura futura: el “período de rigor” terminó y trajo un excelente conocimiento de la forma, que el artista nunca habría alcanzado si se hubiera mantenido fiel al impresionismo.
Renoir logró combinar los logros más importantes en su pintura: vistió la forma con impresiones sensoriales, utilizando la luz y el color para lograr estructuras excelentes (esto se nota especialmente en la representación de figuras femeninas). Todas las obras escritas después de “Los grandes bañistas” adquieren formas exuberantes y magníficas.
La creatividad del maestro maduró lentamente. Su talento se fue revelando poco a poco gracias a su empuje, ganas de superar las dificultades, ganas de aprender y mejorar. Durante muchos años el artista experimentó, buscó... Y luego llegó la etapa más importante de su vida: a la edad de cincuenta años finalmente encontró su verdadero propósito en la pintura.
Liberadas de dudas, se dedicó por completo a la creatividad. Pintó muchos cuadros, creó innumerables bocetos y participó con gusto en exposiciones (en 1890, en el "Grupo de los Veinte" y en la exposición Durand-Ruel). En el Salón, donde no exponía desde hacía unos siete años, el artista presentó un retrato de las hijas de Catulle Mendes. Esta pintura estaba colocada bajo un dosel y era difícil de ver. Después de esto, el pintor se negó para siempre a cooperar con el Salón.
En abril de 1890, Renoir y Alina se casaron oficialmente. Durante este año, el artista visitó activamente sus lugares favoritos, visitó a Berthe Morisot, se comunicó con el poeta Stéphane Mallarmé y colaboró ​​con Durand-Ruel.
En el verano de 1891, se fue con Alina al sur, donde quería dedicarse a la pintura de cerca y enviar más cuadros a Durand-Ruel (al parecer, estaba planeando una exposición personal que le aseguraría la fama). artista talentoso). Las obras de este período son particularmente coloridas y con combinaciones de colores sonoras. Sin duda, Renoir se convirtió en un gran colorista. Sus contemporáneos también empezaron a darse cuenta de la importancia de su obra para la pintura: algunos querían organizar una exposición de pinturas, otros querían conocer mejor al gran pintor.

Piscina infantil (otra opción). 1869. Óleo, lienzo. 65×92 cm. Museo Oskar Rinehart (Winterthur, Suiza)

En 1892, la Galería Durand-Ruel acogió una exposición personal de Renoir, para la que preparó unos 110 lienzos de distintas épocas. Las críticas del programa fueron brillantes, completamente diferentes a las anteriores. ¡Pero hubo un tiempo en que el público abucheaba muchas de las obras del maestro!... Ahora el director del departamento de bellas artes, Henri Rouzhon, quería comprar uno de los cuadros. Tal orden estatal transfirió instantáneamente a Renoir a la categoría de artistas oficiales.
"Período de la Madre Perla" (1892-1902)
En 1892, Renoir viajó a España. No pasó mucho tiempo allí, sólo un mes. Sin embargo, esto fue suficiente para disfrutar de las obras de Velázquez y Goya.
Durante estos años, se produjeron cambios en la obra de Renoir: las pinceladas se volvieron amplias y plásticas, y la estricta precisión del color fue reemplazada por brillo y brillo nacarados. Al parecer, fue un viaje a España el que marcó el inicio del “período perla”.
Como si intuyera que su enfermedad pronto le dejaría inmóvil para siempre, Renoir viajó mucho. Estuvo en Londres, donde admiró las pinturas de William Turner, Richard Bonington y Claude Lorrain. En La Haya, los maestros quedaron asombrados por las obras de Jan Vermeer. Al enterarse de que sus Lavanderas (1656) se guardaban en Dresde, se dirigió inmediatamente allí.
En 1897, mientras andaba en bicicleta, el pintor se rompió el brazo. Al principio no le dio mucha importancia. Pero poco después de que le quitaron el yeso, empezó a dolerle, por lo que tuvo que llamar a un médico.
Renoir sentía que se acercaba el día que más temía, cuando ya no podría escribir. Sin embargo, el artista no se rindió y se lanzó a su trabajo. Convenció a Alina de que sólo quería conseguir mas dinero, pero en realidad no pudo separarse de la pintura. Negarse a ello significó la muerte para Renoir. Desde entonces, todas las mañanas el artista trabajaba en las articulaciones utilizando pequeñas bolitas.
En general, Renoir empezó a pasar más tiempo con su familia y a inspirarse en mirar a sus hijos. Admiraba sus expresiones faciales, sus ojos claros... La mayoría de las veces, Jean, para quien el pintor le prohibió cortarse su espeso cabello rojo, posaba para él. Además, ocupó el puesto de artista y figura femenina. Le encantaba representar los cuerpos desnudos de sus modelos, los admiraba y representaba con especial amor las caderas redondeadas.
A principios de 1899, Renoir sufrió otro ataque de reumatismo.
A principios de julio, en una de las subastas, su cuadro se vendió por una suma enorme: 20.000 francos. Es cierto que el artista no estaba contento con esto: comenzó a percibir tales ventas con irritación; Sostuvo que la gente empezó a valorar el dinero más que el arte.
Podía quejarse de esto durante mucho tiempo, pero al final de la conversación siempre se justificaba: dicen, por otro lado, que el dinero por las pinturas es un pago por el placer que recibe el artista mientras trabaja.
Renoir intentó pasar el mayor tiempo posible en el sur, que consideraba la cuna de su arte: fue aquí donde encontró colores chispeantes, tonos cálidos, vida real y alegría, transparencia y claridad del cielo. Decidido a partir de entonces pasar todos los inviernos en el mar Mediterráneo, en 1900, no lejos de Grasse, alquiló una villa, donde disfrutaba pintando sus motivos favoritos: niños y mujeres.
El 18 de agosto de 1900, Renoir recibió el título de Caballero de la Legión de Honor. Su enfermedad progresó: caminar y escribir se hicieron cada vez más difíciles. El artista se sintió abrumado por el temor de tener que olvidarse pronto de la creatividad para siempre. En noviembre supo que sería padre por tercera vez. Esta noticia no le hizo muy feliz: ¡a su edad, cuando apenas puede mover las piernas!..
Renoir siguió pintando modelos; la cocinera Gabrielle posó para él con mucho gusto. Mirando su cuerpo desnudo, pensó en cómo trasladar al lienzo estos delicados rasgos de un cuerpo elástico, cómo dar vida a estas formas femeninas.
En 1901, Renoir tuvo un hijo, Claude, por quien desarrolló un afecto verdaderamente paternal. Admiraba incansablemente su cuerpecito y sus manos regordetas, y con gusto pintaba tiernos cuadros llenos de amor por el bebé Coco, como todos lo llamaban. Además, ahora había alguien para atraer a Jean, cuyos hermosos rizos fueron cortados contra la voluntad de Renoir y que fue enviado a estudiar.
En 1902, el estado del pintor empeoró: sus piernas comenzaron a fallar, el nervio de su ojo izquierdo quedó paralizado, lo que hizo que su mirada se desviara. Cuanto más débil se volvía el cuerpo del artista, más magníficas y hermosas resultaban sus Madonnas en los lienzos y más vivaces y dulces parecían sus formas.

Naturaleza muerta con una gran florero. 1866. Óleo, lienzo. 104x80cm. Museo de Arte Fogg (Cambridge, Estados Unidos)

"Período Rojo" (1903-1919)

En los últimos años, Renoir, aunque siguió pintando de la misma manera, prefirió los tonos rojos y rosados, por lo que a esta época se le suele llamar “rojo”. Después de un viaje a los Países Bajos y de conocer la obra de Vermeer, sus pinturas comenzaron a reflejar la pasión de su creador por los artistas del Renacimiento, volviéndose más saturadas y pesadas en la percepción del color. Continúa pintando sus temas favoritos: niños, mujeres desnudas, paisajes soleados.
En 1903 se creó un nuevo salón de arte en París. En 1904, los organizadores del Salón de Otoño querían ver las obras de Renoir y formularon la correspondiente solicitud a Durand-Ruel. Él, a su vez, pidió permiso al artista. Sin embargo, en el momento de recibir la carta del coleccionista, debido a problemas de salud, el maestro estaba de mal humor, por lo que respondió muy ambiguamente... Y después de un tiempo comenzó a trabajar con aún mayor ardor - finalmente decidió para participar en la exposición, donde le regalaron una sala entera!
A pesar de que la artritis deformaba cada vez más las manos del maestro, él no se rindió y continuó creando. Por supuesto, el estilo de escritura ha cambiado debido a esto, pero no para peor. Los trazos se hicieron más grandes y la impresión de las pinturas, en las que las composiciones eran más completas y unificadas, se hizo más profunda. Las formas completamente diferentes se fusionaron cuidadosamente, pero no se mezclaron.
“Que se besen”, dijo Renoir al respecto.
En esos años, la familia del artista deambulaba constantemente en busca de un clima adecuado para el paciente. Pronto encontraron ese lugar: resultó ser el pueblo de Cagnes, donde en 1907 los Renoir compraron la Villa Colette.
Aquí el artista comenzó a idear la idea de crear pinturas monumentales al estilo de la pintura mural decorativa italiana.

Aquí Renoir crea "Bañistas", que estaban destinados a convertirse en su testimonio pictórico para las generaciones futuras de artistas.
En 1910, Renoir realizó toda una serie de retratos, incluido su último autorretrato. En su opinión, los autorretratos son la suerte de los artistas que esconden en el fondo de su alma algún tipo de tragedia vital. Quieren verse mejor a sí mismos y ordenar sus sentimientos. Renoir nunca se sintió moralmente vacío: por difícil que fuera, el amor, la felicidad y la esperanza siempre vivieron en su interior. Llevaba dentro de sí sólo bondad, admiración incansable por la naturaleza y su belleza.
En el verano de 1910, la situación del pintor mejoró y se fue a Munich, donde uno de los industriales ricos le encargó un retrato de su esposa.
Sin embargo, esto fue sólo la calma antes de la tormenta. Pronto le empezaron a doler más que nunca las piernas y los brazos y Renoir sintió que perdía el control de su cuerpo.
Después de regresar a Cagnes, le recetaron una silla de ruedas y ahora solo trabajaba sentado: le colocaron una paleta en el regazo. Se envolvieron los dedos con vendas de lino y se insertó un cepillo entre ellos. Todavía le encantaba pintar a sus hijos Claude y Gabrielle, a quienes representaba con ropa transparente y desnudos, transmitiendo el ambiente y la figura de su modelo en el hermoso brillo de las telas, en el delicado brillo de las flores y adornos, representando sus pechos con increíble amor. .
1912 La fama de Renoir creció, su villa fue constantemente asediada por cientos de periodistas y jóvenes artistas, los organizadores organizaron cada vez más exposiciones, en una de las cuales las primeras obras del maestro se vendieron a un precio fabuloso en ese momento: ¡95.000 francos!
La ansiedad se instaló en su alma. Por primera vez pintó para olvidarse de sí mismo: movía mecánicamente su pincel sobre el lienzo, de modo que los niños, las flores y las figuras desnudas aparecían tan alegres como antes.
Alina murió en 1915. Por mucho tiempo le ocultó a su marido, con quien vivió durante 33 felices años, que tenía diabetes. Sentado junto a la cama de la moribunda, el artista no pudo contener las lágrimas. Besó a su esposa en la frente y le pidió que lo llevara al taller.

Augusto Renoir. Foto de 1910

En 1913, Renoir estaba completamente inmovilizado. ¡Sin embargo, él quería crear! Un día, Ambroise Vollard, un famoso marchante de arte, fue a verlo. Dijo que Renoir podía crear, pero no con pinturas ni con sus propias manos. Baste recordar a Auguste Rodin, quien brindó a sus alumnos la oportunidad de esculpir estatuas ampliadas a partir de las figuras que creó. Entonces, ¡la pintura debería ser reemplazada por la escultura!
Renoir había estado alimentando durante mucho tiempo una idea similar, y las palabras de Vollard no hicieron más que confirmarle en la exactitud de esta idea. Además, el comerciante trajo al estudio al pintor Richard Guino, un joven alumno del escultor Aristide Maillol.
El trabajo ha comenzado. Guino y Renoir trabajaron bien juntos: el alumno entendió perfectamente a su maestro.
En 1914, Renoir comenzó a trabajar en "Venus": primero se hizo una figura y luego se comenzó a trabajar en una estatua completa de unos ochenta metros de altura. A petición del industrial Maurice Gagne, el maestro realizó un bajorrelieve en yeso "El juicio de París", planeando posteriormente plasmar en bronce todas las figuras de esta composición en altura completa y decorar con ellas el parque Colette.
En el mismo año la Primera guerra mundial, al que fueron convocados los dos hijos mayores de Renoir.
Allí, sobre un caballete, había un cuadro de rosas inacabado. Los hombros del maestro temblaron por los sollozos. Trazo a trazo dio vida a estas flores.
Renoir se dedicó a la escultura hasta 1918, hasta que él y Guino tuvieron un desacuerdo, tras lo cual el aprendiz se fue.

Todo el espacio del artista se llenó de flores; de debajo de su pincel sólo salían flores. Creando el todo como en partes, Renoir era feliz, era un cantante de felicidad. Probablemente, pocas personas lograron vivir sus vidas de acuerdo con sus leyes, con las leyes de la naturaleza.
En el otoño de 1915, Renoir regresó a Villa Collette, donde le esperaba otro milagro: le trajeron un nuevo modelo: la belleza pelirroja Andre, o Dede, como todos la llamaban. Renoir se animó y se puso a trabajar con renovado vigor. Sintió un calor interior que hacía mucho tiempo que no se apoderaba de él.
Pero, lamentablemente, las enfermedades no abandonaron su cuerpo: primero bronquitis, luego neumonía y terribles y persistentes dolores reumáticos. El artista languideció por su mala salud, pero no perdió la serenidad y luchó contra la adversidad lo mejor que pudo.
Una vez le preguntaron por qué seguía escribiendo, experimentando un tormento tan increíble, a lo que respondió:
“El sufrimiento pasa, pero la belleza permanece.”
2 de diciembre de 1919 a la edad de 78 años. gran artista y el escultor murió de neumonía, después de haber terminado su última obra: una naturaleza muerta con anémonas.
Trabajó hasta su último aliento: durante la última década, de su pincel salieron más de 100 lienzos. Ni siquiera tuvieron tiempo de enmarcarlos, así que se quedaron en su taller, clavados en palos de madera comunes.
Las pinturas de Renoir se presentan en muchos museos de todo el mundo, pero la más gran reunión, que incluye obras de todas las épocas, se conserva en el Louvre.
En 1960 se abrió un museo del artista en la Villa Colette.

Auguste Renoir pintor, escultor y artista gráfico francés

Villa "Kolet t".Foto moderna Naturaleza muerta con un gran florero. 1866. Óleo, lienzo. 104×80 cm. Fogg Art Museum (Cambridge, EE.UU.) Claro en el bosque. 1865 Óleo, lienzo. 89,5×116 cm. Instituto de Artes de Detroit (EE.UU.) Retrato de Madame Renoir. 1860. Óleo, lienzo. 45×38 cm Colección particular Retrato de William Sisley. 1864 Óleo, lienzo. 81,5×65,5 cm. Museo de Orsay (París, Francia)

Pendiente pintor francés, escultor y artista gráfico Pierre Auguste Renoir vivió una vida larga y fructífera. Durante su vida, creó más de mil pinturas, cuyo precio en las subastas actuales oscila entre varias decenas y varios cientos de millones de dólares.

Familia e infancia

Pierre Auguste Renoir nació en 1841 en el seno de una familia numerosa y pobre de sastres. Fue el sexto hijo. Cuando era muy joven, la familia se mudó a París, donde creció Renoir. Desde pequeño se vio obligado a empezar a ganarse la vida, pero sus padres encontraron algo que le gustaba. Según cuenta el hermano de Auguste, sus padres vieron al niño dibujando con carboncillo en las paredes y decidieron enviarlo como aprendiz a un taller de pintura en porcelana. El director del coro de la iglesia en el que cantaba el niño insistió seriamente en que lo enviaran a estudiar música, ya que tenía excelentes inclinaciones. Pero Auguste tuvo suerte: en el taller aprendió los conceptos básicos del arte decorativo de la pintura y sintió atracción por las bellas artes. Por las noches podía asistir a una escuela de arte gratuita.

encontrar una vocación

En 1861, Renoir ingresó en la Escuela de Bellas Artes, trabajando duro en un taller de pintura y posteriormente aficionados, pudo ahorrar dinero para sus estudios. Auguste también visita el taller de C. Gleyer, donde estudió junto a A. Sisley, C. Monet y F. Basile. Iba a menudo al Louvre, donde se inspiraba más en las obras de A. Watteau, O. Fragonard y V. Boucher.

A principios de los años 60, Renoir se acercó a los artistas que más tarde se convertirían en la base de la comunidad impresionista. En 1864, tras finalizar sus estudios, Renoir comenzó a trabajar de forma independiente. En este momento se prueba a sí mismo en diferentes generos y opta por un decorado que le será fiel toda su vida: escenas cotidianas, desnudos y paisajes. Auguste Renoir, cuyas obras durante este período todavía estaban influenciadas por los Barbizon, Courbet, Corot y Prud'hon, desarrolló gradualmente su propio estilo de escritura.

Encontrar un camino en el arte

Después de graduarse, el artista Pierre-Auguste Renoir emprende un difícil viaje para ganar fama y asegurarse ingresos. Se acercan tiempos de pobreza, búsquedas y tormentosa vida parisina. Renoir se comunica mucho con sus amigos en el estudio: Sisley, Basil, Monet, discutieron acaloradamente sobre los caminos del nuevo arte y sobre las autoridades. Para los artistas jóvenes, una gran figura fue E. Manet, que a mediados de los años 60 se acercó al grupo de los futuros impresionistas. Auguste Renoir, cuyas obras aún no tienen demanda, pinta mucho del natural, un grupo de camaradas sale a menudo al aire libre. El artista tenía muy poco dinero y compartía apartamento con C. Monet o con A. Sisley.

Impresionismo y Renoir

El comienzo de los años 60 es la época de la formación del impresionismo. Los jóvenes artistas, inspirados por sus obras, se esfuerzan por encontrar nuevas formas expresivas, intentando superar el academicismo de la pintura de épocas anteriores. Los años 70 fueron la época de maduración del impresionismo. En 1874 tuvo lugar la primera exposición de artistas de la nueva escuela, que lleva el nombre de la obra de C. Monet “Impresión. sol naciente" En él, Renoir muestra seis lienzos, entre ellos "La Logia" y "La bailarina", pero, como toda la exposición, no tuvo éxito. El impresionismo proclamó una nueva filosofía y técnica; los esquemas de color especiales se volvieron importantes; los artistas se esforzaron por transmitir en el lienzo una impresión momentánea de un fenómeno. En este momento, Auguste Renoir, cuyas obras también fueron creadas en el estilo impresionista, trabajó mucho, creó toda una galaxia de obras maestras: "Baile en el Moulin de la Galette", "Swing", "Desnudo en luz del sol" Poco a poco, los caminos de los impresionistas y Renoir se separaron; dejó de participar en exposiciones comunitarias y prefirió seguir su propio camino. A finales de los 70 y principios de los 80, Renoir ganó cierta fama y, con ella, los pedidos. Pinta cuadros que expone en el Salón, en particular, la obra “Taza de chocolate caliente” y “Retrato de Madame Charpentier con niños”. Una exposición así brindó la oportunidad de recibir los pedidos que el pobre Renoir necesitaba. También en esta época escribe obras famosas: “Bulevar de Clichy”, “El desayuno de los remeros”, “En la terraza”.

Años de gloria

La venta de cuadros permitió a Renoir viajar; visitó Argelia e Italia y pintó numerosos paisajes. También tiene la oportunidad de vivir fuera de la ciudad, donde siempre tuvo naturaleza. La galería de pinturas de Renoir Pierre Auguste se repone con obras como "Paraguas", la serie "Danzas", "Grandes bañistas". Los años de 1883 a 1890 se denominan período “Ingres”, ya que el artista estuvo algo influenciado por este pintor. En este momento, Pierre Auguste Renoir se convirtió en el más popular. La vida y la obra del artista ganan estabilidad. Pudo conseguir unos ingresos decentes; entre sus clientes hay muchos representantes de la nueva burguesía, sus pinturas se exponen en Bruselas, Londres y París. En esta época viaja mucho, disfruta de la vida y trabaja mucho. Renoir siempre se distinguió por su alta eficiencia, experimentó un verdadero placer con la pintura y se dedicó al trabajo al máximo.

Período del "nácar"

La última década del siglo XIX se llama el período “nácar” del artista. Auguste Renoir, cuyas obras conservaron su individualidad, comienza a experimentar con las transiciones de color, lo que le da a sus pinturas un encanto especial. Durante este período, el artista crea obras maestras como "Son Jean", "Primavera", "Figuras en el jardín", "Naturaleza muerta con anémonas". Estas obras están llenas de una luz especial y la habilidad de un gran artista.

Los últimos años de su vida el artista sufrió una enfermedad, esto le impidió escribir, aunque crea toda una serie trabajo significativo. Pero en esta época dio preferencia a la escultura.

Privacidad

Biografía de Auguste que se encuentra en mejores museos mundo, sin incidentes. Aunque hubo muchas mujeres en su vida, escribió mucho con naturaleza femenina, pero estaba felizmente casado. Se casó en 1890 con Alina Sharigo, una muchacha de origen campesino que se mostraba tranquila ante las aficiones de su marido. Ella dio a luz a tres hijos de Renoir, uno de los cuales, Jean, se convirtió en un famoso director de cine del siglo XX.

La vida feliz de Renoir se vio empañada por la enfermedad; nunca gozó de buena salud, pero después de lesionarse la mano en 1897, desarrolló artritis, que lo llevó a una inmovilidad casi total al final de su vida. Pero, superando el dolor, Renoir continuó trabajando hasta el último día de su vida. El artista murió el 2 de diciembre de 1919.

Datos biográficos desconocidos e interesantes.

Auguste Renoir es Caballero y Oficial de la Legión de Honor, premiada por sus logros en pintura en 1900 y 1911.

La obra de Renoir fue "El baile en el Moulin de la Galette", que se vendió en una subasta por 78 millones de dólares.

La colección más grande de obras de Renoir la recopiló Albert Barnes, quien estaba literalmente obsesionado con el artista. Incluso compró obras de estudiantes débiles; además, su colección incluía muchas obras de los períodos "perla" y "rojo" y pinturas raras de los últimos años de su vida.

Pintor, artista gráfico y escultor francés, uno de los principales representantes del impresionismo.

Breve biografía

Pierre Auguste Renoir(Francés Pierre-Auguste Renoir; 25 de febrero de 1841, Limoges - 3 de diciembre de 1919, Cagnes-sur-Mer) - Pintor, artista gráfico y escultor francés, uno de los principales representantes del impresionismo. Conocido, ante todo, como un maestro del retrato profano, no exento de sentimentalismo. Renoir fue el primero de los impresionistas que tuvo éxito entre los parisinos ricos. A mediados de la década de 1880. De hecho, rompió con el impresionismo y volvió a la linealidad del clasicismo, al “engrismo”. Padre del famoso director Jean Renoir.

Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges, una ciudad del centro-sur de Francia. Renoir fue el sexto de los siete hijos del pobre sastre Leonard Renoir (1799-1874) y su esposa Marguerite (1807-1896).

En 1844, los Renoir se trasladaron a París. Aquí Auguste entra al coro de la iglesia de la gran catedral de Saint-Eustache. Tenía tal voz que el director del coro, Charles Gounod, intentó convencer a los padres del niño para que lo enviaran a estudiar música. Pero además de esto, Auguste mostró el don de un artista. Cuando tenía 13 años comenzó a ayudar a la familia consiguiendo trabajo con un maestro, de quien aprendió a pintar platos de porcelana y otros utensilios. Por las noches, Auguste asistía a la escuela de pintura.

En 1865, en casa de su amigo, el artista Jules Le Coeur, conoció a Lisa Treo, de 16 años. Pronto se convirtió en la amante de Renoir y en su modelo favorita. En 1870 nació su hija Jeanne Marguerite, aunque Renoir se negó a reconocer oficialmente su paternidad. Su relación continuó hasta 1872, cuando Lisa dejó a Renoir y se casó con otra persona.

La carrera creativa de Renoir se vio interrumpida en 1870-1871, cuando fue reclutado en el ejército durante la guerra franco-prusiana, que terminó con una aplastante derrota para Francia.

En 1890, Renoir se casó con Alina Charigot, a quien había conocido diez años antes, cuando ella era una costurera de 21 años. Ya tenían un hijo, Pierre, nacido en 1885. Después de la boda, tuvieron dos hijos más: Jean, nacido en 1894, y Claude (conocido como "Coco"), nacido en 1901 y que se convirtió en uno de los modelos favoritos de su padre. Cuando finalmente se formó su familia, Renoir había alcanzado el éxito y la fama, era reconocido como uno de los artistas más destacados de Francia y logró recibir del estado el título de Caballero de la Legión de Honor.

La felicidad personal y el éxito profesional de Renoir se vieron ensombrecidos por la enfermedad. En 1897 rompió derecha, cayéndose de una bicicleta. Como resultado, desarrolló reumatismo, que el artista sufrió por el resto de su vida. Esto hizo que a Renoir le resultara difícil vivir en París, y en 1903 la familia Renoir se mudó a una finca llamada "Colette" en la pequeña ciudad de Cagnes-sur-Mer.

Después de un ataque de parálisis ocurrido en 1912, a pesar de dos operaciones quirúrgicas, Renoir quedó confinado a una silla de ruedas, pero continuó pintando con un pincel que una enfermera le colocaba entre los dedos.

En los últimos años de su vida, Renoir ganó fama y reconocimiento universal. En 1917, cuando sus Paraguas se exhibieron en la Galería Nacional de Londres, cientos de artistas y amantes del arte británicos lo felicitaron diciendo: “Desde el momento en que su cuadro fue colgado en la misma fila que las obras de los viejos maestros, experimentamos la alegría de que nuestro contemporáneo haya ocupado el lugar que le corresponde en la pintura europea”. El cuadro de Renoir también se exhibió en el Louvre. En agosto de 1919, el artista visitó París por última vez para contemplarla.

El 2 de diciembre de 1919, a la edad de 79 años, Pierre Auguste Renoir murió en Cagnes-sur-Mer a causa de una neumonía. Fue enterrado en Essois.

Creación

1862-1873. Selección de género

A principios de 1862, Renoir aprobó los exámenes de la Escuela de Bellas Artes de la Academia de Bellas Artes y se matriculó en el taller de Gleyre. Allí conoció a Fantin-Latour, Sisley, Basil y Claude Monet. Pronto se hicieron amigos de Cézanne y Pissarro, y así se formó la columna vertebral del futuro grupo de impresionistas.

EN primeros años Renoir estuvo influenciado por las obras de los Barbizon, Corot, Prudhon, Delacroix y Courbet.

En 1864, Gleyre cerró su taller y finalizaron sus estudios. Renoir comenzó a pintar sus primeros lienzos y luego presentó por primera vez en el Salón el cuadro “Esmeralda bailando entre vagabundos”. Fue aceptado, pero cuando le devolvieron el lienzo, el autor lo destruyó.

Habiendo elegido géneros para sus obras en esos años, no los cambió hasta el final de su vida. Este es un paisaje: "Jules le Coeur en el bosque de Fontainebleau" (1866), escenas cotidianas: "Splashing Pool" (1869), "Pont Neuf" (1872), una naturaleza muerta: "Spring Bouquet" (1866), “Naturaleza muerta con ramo y abanico” (1871), retrato - “Lisa con paraguas” (1867), “Odalisca” (1870), desnudo - “Diana la Cazadora” (1867).

En 1872, Renoir y sus amigos crearon la Sociedad Cooperativa Anónima.

1874-1882. La lucha por el reconocimiento

La primera exposición de la asociación se inauguró el 15 de abril de 1874. Renoir presentó pasteles y seis pinturas, entre los que se encontraban “Dancer” y “Lodge” (ambos de 1874). La exposición terminó en un fracaso y los miembros de la asociación recibieron un apodo insultante: "Impresionistas".

A pesar de la pobreza, fue durante estos años que el artista creó sus principales obras maestras: "Grand Boulevards" (1875), "Walk" (1875), "Ball at the Moulin de la Galette" (1876), "Nude" (1876). , “Desnudo” al sol" (1876), "Columpio" (1876), "Primera salida" (1876/1877), "Camino entre la hierba alta" (1877).

Renoir dejó gradualmente de participar en exposiciones impresionistas. En 1879 presentó en el Salón el "Retrato de la actriz Jeanne Samary" (1878) y el "Retrato de Madame Charpentier con niños" (1878) de figura completa y logró el reconocimiento universal y, posteriormente, la independencia financiera. Continuó pintando nuevos lienzos, en particular, el famoso "Bulevar de Clichy" (1880), "El desayuno de los remeros" (1881) y "En la terraza" (1881).

1883-1890. "Período de entrada"

Renoir visitó Argelia y luego Italia, donde conoció de cerca las obras de los clásicos del Renacimiento, tras lo cual su gusto artístico cambió. La fuente de inspiración durante este período fue Ingres, razón por la cual los historiadores del arte llaman a este período en la obra del artista “Ingres”. El propio Renoir calificó este período de “amargo”. Pintó una serie de cuadros "Danza en el campo" (1882/1883), "Danza en la ciudad" (1883), "Danza en Bougival" (1883), así como cuadros como "En el jardín" (1885). ) y “Umbrellas” (1881/1886), donde el pasado impresionista aún es visible, pero aparece nuevo enfoque Renoir a la pintura; ambiente escrito de manera impresionista, las figuras están delineadas con líneas claras. La obra más famosa de este período es “Las grandes bañistas” (1884/1887). Por primera vez, el autor utilizó bocetos y esquemas para construir la composición. Las líneas del dibujo quedaron claras y definidas. Los colores perdieron su brillo y saturación anteriores, la pintura en su conjunto comenzó a parecer más sobria y fría. Para de este trabajo posan: Alina Sharigo, esposa del artista y Suzanne Valadon, modelo y artista de Renoir, madre de Maurice Utrillo.

1891-1902. "Período de la Madre Perla"

En 1892, Durand-Ruel inauguró una gran exposición de pinturas de Renoir, que fue un gran éxito. El reconocimiento también provino de funcionarios del gobierno: el cuadro "Las niñas al piano" (1892) fue adquirido para el Museo de Luxemburgo.

Renoir viajó a España, donde conoció las obras de Velázquez y Goya.

A principios de los años 90 se produjeron nuevos cambios en el arte de Renoir. Una iridiscencia de color apareció en la forma pictórica, razón por la cual este período a veces se llama "nácar".

En este momento, Renoir pintó cuadros como "Manzanas y flores" (1895/1896), "Primavera" (1897), "Son Jean" (1900), "Retrato de Madame Gaston Bernheim" (1901). Viajó a Holanda, donde se interesó por las pinturas de Vermeer y Rembrandt.

1903-1919. "Período rojo"

El período “perlado” dio paso al período “rojo”, llamado así por la preferencia por los tonos de flores rojizas y rosadas.

Renoir continuó pintando paisajes soleados, naturalezas muertas con flores brillantes, retratos de sus hijos, mujeres desnudas, creó "Un paseo" (1906), "Retrato de Ambroise Vollard" (1908), "Gabriel con una blusa roja" (1910). ), “Ramo de rosas” "(1909/1913), "Mujer con mandolina" (1919).

Memoria

• Un cráter de Mercurio lleva el nombre de Renoir.
• En 2016, se emitió un sobre postal en su honor en Rusia.

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Renoir fue el primero de los impresionistas que tuvo éxito entre los parisinos ricos. A mediados de la década de 1880. De hecho, rompió con el impresionismo, volviendo a la linealidad del clasicismo, al “engrismo”. Padre del famoso director Jean Renoir.

Pierre Auguste Renoir
Pierre-Auguste Renoir
Fecha de nacimiento	25 de febrero(1841-02-25 ) […]
Lugar de nacimiento	Limoges
fecha de muerte	3 de diciembre(1919-12-03 ) […] (78 años)
lugar de muerte	Cagnes-sur-Mer
País
Género	retrato escenario bodegón
Estudios	Escuela Nacional Superior de Bellas Artes ( )
Estilo	impresionismo
Premios
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Biografía

Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges, una ciudad del centro-sur de Francia. Renoir fue el sexto de los siete hijos del pobre sastre Leonard Renoir (1799-1874) y su esposa Marguerite (1807-1896).

La felicidad personal y el éxito profesional de Renoir se vieron ensombrecidos por la enfermedad. En 1897 se rompió el brazo derecho al caer de su bicicleta. Como resultado, desarrolló reumatismo, que el artista sufrió por el resto de su vida. Esto hizo que a Renoir le resultara difícil vivir en París, y en 1903 la familia Renoir se mudó a una finca llamada "Colette" en la pequeña ciudad de Cagnes-sur-Mer.

Imágenes externas
	Ambroise Vollard. Renoir. 1913

Creación

1862-1873. Seleccionando géneros

1883-1890. "Período de entrada"

Renoir visitó Argelia y luego Italia, donde conoció de cerca las obras de los clásicos del Renacimiento, tras lo cual su gusto artístico cambió. La fuente de inspiración durante este período fue Ingres, razón por la cual los historiadores del arte llaman a este período en la obra del artista “Ingres”. El propio Renoir calificó este período de “amargo”. Pintó una serie de cuadros "Danza en el campo" (1882/1883), "Danza en la ciudad" (1883), "Danza en Bougival" (1883), así como lienzos como "En el jardín" (1885). ) y “Paraguas” (1881/1886), donde el pasado impresionista aún es visible, pero se revela el nuevo enfoque de Renoir hacia la pintura; el entorno está pintado de forma impresionista, con figuras delineadas con líneas claras. La obra más famosa de este período es “Grandes bañistas” (1884/1887). Por primera vez, el autor utilizó bocetos y esquemas para construir la composición. Las líneas del dibujo quedaron claras y definidas. Los colores perdieron su brillo y saturación anteriores, la pintura en su conjunto comenzó a parecer más sobria y fría. Quienes posaron para esta obra fueron: Alina Sharigo - esposa del artista y Suzanne Valadon - modelo y artista de Renoir, madre de Maurice Utrillo.

1891-1902. "Período de la Madre Perla"

En 1892, Durand-Ruel inauguró una gran exposición de pinturas de Renoir, que fue un gran éxito. El reconocimiento también provino de funcionarios del gobierno: el cuadro "Las niñas al piano" (1892) fue adquirido para el Museo de Luxemburgo.

pintor francés Pierre-Auguste Renoir, 1841-1919– una de las figuras clave en los orígenes del impresionismo. Ya durante su vida logró considerable éxito y reconocimiento entre sus compatriotas. Ahora su nombre está a la par del de otros fundadores.

Futuro gran pintor Provenía de una sencilla familia de sastres. Era el sexto hijo de siete. Probablemente esta sea la razón por la que Renoir trabajó con sus padres desde la infancia. Sus primeros ingresos los trajo a casa a los 13 años, cuando consiguió un trabajo en un taller de pintura de vajillas.

El artista creó retratos, naturalezas muertas, paisajes urbanos y marinos, bocetos de género e incluso desnudos. Hasta el día de hoy han sobrevivido más de 1.400 cuadros de Renoir, 1.377 de ellos fueron pintados de forma impresionista. Además pinturas, estudió durante algún tiempo y .

También hay que señalar que Renoir tenía talento para el canto: después de unirse al coro de la iglesia después de que su familia se mudó de Limoges a París, el futuro gran artista causó una gran impresión en su regente. ¿Quién sabe cuál habría sido su destino si no se hubiera descubierto en esa misma época su talento para la pintura?

A diferencia de otros representantes de su movimiento, Renoir tenía poco interés por las pinturas al aire libre. Prácticamente no le preocupaba el juego de luces como tal; encarnó todas las técnicas de los impresionistas en otras obras: se trataba principalmente de retratos de personas bastante ricas de la época y de sus familiares. Pierre Auguste Renoir repetía a menudo que no sabía nada de pintura, que sólo le interesaban las mujeres, los niños y las rosas. Además, cualquier conversación sobre arte le entristecía y, a veces, incluso le enfurecía.

Sin embargo, no es casualidad que se le considere un maestro del retrato secular. El artista dotó a las imágenes de un poco de sentimentalismo, lo que provocó el categórico favor del público. En sus cuadros, Renoir mostraba a personas en situaciones inesperadas. situaciones de la vida, al comunicarse con sus seres queridos y familiares, en unidad con la belleza de la naturaleza. El maestro buscó mostrar el lado festivo de la vida de la gente del pueblo. En sus obras vemos serenas escenas de relajación, personajes coloridos, paseos dinámicos, bailes y bailes.

A pesar de que en diferentes períodos de su obra Renoir revisó radicalmente muchas de sus técnicas, la peculiaridad de su escritura fue siempre la emotividad y la ligera fugacidad. A partir de la primera impresión, realizó un rápido boceto pictórico. Esto es exactamente lo que siempre buscaron los impresionistas en sus búsquedas.

El primer período de la obra de Renoir está asociado con una búsqueda diligente de género y estilo. Su profesor en la Escuela de Bellas Artes, adonde acudió el joven tras el cierre del taller de pintura de vajillas, fue Marc Gabriel Charles Gleyre. El joven artista experimentó mucho y finalmente quedó cautivado por una nueva dirección de la pintura: el impresionismo.

Ya durante este período, no se limitó a un género y creó el retrato "La madre del artista" (1860), el cuadro "El regreso del barco" (1862) y el bodegón floral "Corona de rosas" (Corona de Rosas, 1858). Se distinguen por la ligereza y la emotividad del programa, pero aún así por la incertidumbre de su implementación. En las pinturas se puede sentir el toque de una escuela académica impuesta y un deseo irresistible de ir más allá de los límites de lo aceptado.

La primera obra exitosa de Renoir, muy apreciada en el Salón, fue el retrato de su amada “Lise with an Umbrella” (Lise with an Umbrella, 1867). La imagen severa de una joven con un vestido blanco se convirtió brevemente en la tarjeta de presentación del artista. En esta época, Renoir también recibió la influencia de los artistas de la escuela de Barbizon.

En el período comprendido entre 1874 y 1882, Renoir, junto con sus compañeros de la Sociedad Cooperativa Anónima, luchó por el derecho a ser escuchado y, al final, en gran parte gracias a ello, logró el reconocimiento universal. Es cierto que la primera exposición de jóvenes impresionistas fue un fracaso y el mismo nombre "impresionistas" parecía ofensivo. A pesar de esto, todos los participantes en la asociación lograron el éxito de una forma u otra.

Fue durante estos años cuando quizás de las manos del artista salieron sus obras más fuertes: “Camille Monet and Her Son Jean in the Garden At Argenteuil” (1874), “Pink and Blue” (Rosa y azul, 1881) y “Ball at el Moulin de la Galette” (Danza en el Moulin de la Galette, 1876). Por cierto, una copia más pequeña de este último se convirtió en el cuadro más caro de Renoir. Se vendió en 1990 en Sotheby's de Nueva York por 78 millones de dólares.

Siguiéndolo, hasta principios de la década de 1890, dura el llamado “período Ingres” de la obra de Renoir. El propio artista lo calificó de “amargo”. Bajo la influencia de las obras de los clásicos del Renacimiento, el gusto del pintor cambia. Renoir abandonó decisivamente el impresionismo y volvió al realismo.

Durante este período, creó otra pintura de alto perfil: "Los grandes bañistas" (Los grandes bañistas, 1884-1887), que representa a tres niñas desnudas. Las líneas del dibujo se volvieron mucho más claras, los colores perdieron su brillo y otras pinturas parecieron volverse "más frías".

La siguiente década de la obra de Renoir se denomina comúnmente “período del nácar”. Recibió este nombre debido a que en el estilo pictórico del artista se desarrolló una predilección por los colores iridiscentes. Las obras más características de esta época son “Manzanas y flores” (1895-1896) y “Mujer tocando la guitarra” (1896). En esta etapa, el artista se interesó especialmente por los lienzos y.

El período final de la obra de Renoir suele denominarse “rojo”. Y en este caso, no es necesario buscar significados ocultos: el artista simplemente comenzó a dar preferencia a los tonos cálidos de rojo y rosa. Fue en esta época cuando padeció una u otra enfermedad, por lo que quedó postrado en cama y sólo podía dibujar con gran dificultad, apretando el pincel con los dedos debilitados.

A lo largo de su vida, Pierre Auguste Renoir bromeó diciendo que no sabía nada de pintura. Unas horas antes de su muerte pidió un pincel, pinturas y una paleta nueva para pintar un bodegón del ramo que le habían recogido. Su últimas palabras era:

“Creo que estoy empezando a entender algo sobre esto”