Desarrollo del realismo en la literatura rusa del siglo XIX. Realismo ruso en estilo literario. En Rusia (Sistemas artísticos en la literatura)

Realismo- una dirección en la literatura y el arte que tiene como objetivo reproducir fielmente la realidad en sus características típicas. El predominio del realismo siguió a la era del romanticismo y precedió al simbolismo.

información general

en cada trabajo bellas letras distinguimos dos elementos necesarios: objetivo - la reproducción de fenómenos dados además del artista, y subjetivo - algo puesto en la obra por el propio artista. Centrándose en una evaluación comparativa de estos dos elementos, la teoría en diferentes eras concede mayor importancia a uno u otro de ellos (en relación con el curso del desarrollo del arte y otras circunstancias).

Por tanto, en teoría hay dos direcciones opuestas; uno - realismo- asigna al arte la tarea de reproducir fielmente la realidad; otro - idealismo- ve el propósito del arte en “reponer la realidad”, en la creación de nuevas formas. Además, el punto de partida no son tanto los hechos disponibles sino las ideas ideales.

Esta terminología, tomada de la filosofía, introduce a veces aspectos extraestéticos en la valoración de una obra de arte: se acusa completamente erróneamente al realismo de carecer de idealismo moral. En el uso común, el término "realismo" significa la copia exacta de detalles, principalmente externos. La inconsistencia de este punto de vista, cuya conclusión natural es que el registro de las realidades (la novela y la fotografía son preferibles a la pintura del artista) es bastante obvia; una refutación suficiente es nuestro sentido estético, que no duda ni un minuto entre figura de cera, reproduciendo los mejores tonos colores vivos y una estatua de mármol blanco mortal. Sería inútil y sin objetivo crear otro mundo, completamente idéntico al existente.

Copiar rasgos mundo exterior en sí misma nunca ha parecido ser la finalidad del arte. Siempre que es posible, una reproducción fiel de la realidad se complementa con la originalidad creativa del artista. En teoría, el realismo se opone al idealismo, pero en la práctica se opone a la rutina, la tradición, el canon académico, la imitación obligatoria de los clásicos; en otras palabras, la muerte de la creatividad independiente. El arte comienza con la reproducción real de la naturaleza; pero cuando se conocen ejemplos populares de pensamiento artístico, se produce una creatividad imitativa, trabajando según un modelo.

Éstas son las características habituales de una escuela establecida, cualquiera que sea. Casi todas las escuelas reclaman una nueva palabra precisamente en el campo de la reproducción veraz de la vida, y cada una por derecho propio, y cada una es negada y reemplazada por la siguiente en nombre del mismo principio de verdad. Esto es especialmente evidente en la historia del desarrollo de la literatura francesa, que refleja una serie de logros del verdadero realismo. El deseo de verdad artística subyace a los mismos movimientos que, petrificados en la tradición y el canon, más tarde se convirtieron en símbolos del arte irreal. Baste recordar que las famosas tres unidades no fueron adoptadas por imitación servil de Aristóteles, sino sólo porque hicieron posible la ilusión escénica. Como escribió Lanson: “El establecimiento de unidades fue el triunfo del realismo. Estas reglas, que se convirtieron en la causa de tantas inconsistencias durante el declive teatro clasico, apareció al principio una condición necesaria verosimilitud escénica. En las reglas aristotélicas, el racionalismo medieval encontró un medio para eliminar de escena los últimos vestigios de la ingenua fantasía medieval”.

El profundo realismo interior de la tragedia clásica de los franceses degeneró en los razonamientos de los teóricos y en las obras de los imitadores hasta convertirse en esquemas muertos, cuya opresión fue abandonada por la literatura sólo a principios del siglo XIX. Existe el punto de vista de que todo movimiento verdaderamente progresista en el campo del arte es un movimiento hacia el realismo. En este sentido, aquellos nuevos movimientos que parecen una reacción al realismo no son una excepción. De hecho, representan sólo una oposición al dogma artístico rutinario, una reacción contra el realismo de nombre, que ha dejado de ser una búsqueda y recreación artística de la verdad de la vida. Cuando el simbolismo lírico intenta transmitir al lector el estado de ánimo del poeta por nuevos medios, cuando los neoidealistas, resucitando viejas técnicas convencionales de representación artística, dibujan imágenes estilizadas, es decir, como si se desviaran deliberadamente de la realidad, luchan por lograr lo mismo. Lo que es el objetivo de cualquier arte, incluso el archinaturalista: la reproducción creativa de la vida. No existe una obra verdaderamente artística: desde una sinfonía hasta un arabesco, desde la Ilíada hasta los Susurros, respiración tímida”, - que, si se mira más profundamente, no resultaría ser una imagen fiel del alma del creador, “un rincón de la vida a través del prisma del temperamento”.

Por tanto, es casi imposible hablar de historia del realismo: coincide con la historia del arte. Sólo se puede caracterizar momentos individuales vida histórica del arte, cuando insistieron especialmente en representación verdadera vida, viéndola principalmente en la emancipación de las convenciones escolares, en la capacidad de darse cuenta y el coraje de representar detalles que pasaban desapercibidos para los artistas de antaño o los asustaban por la inconsistencia con los dogmas. Esto fue romanticismo, esta es la forma final de realismo: el naturalismo.

En Rusia, Dmitry Pisarev fue el primero en introducir ampliamente el término "realismo" en el periodismo y la crítica; antes de ese momento, Herzen utilizó el término "realismo" en un sentido filosófico, como sinónimo del concepto "materialismo" (1846); ).

Escritores realistas europeos y americanos.

• O. de Balzac (“Comedia humana”)
• Stendhal (“Rojo y negro”)
• Charles Dickens (“Las aventuras de Oliver Twist”)
• Mark Twain (Las aventuras de Huckleberry Finn)
• J. London ("La hija de las nieves", "El cuento de Kish", "Sea Wolf", "Corazones de tres", "Valle de la luna")

Escritores realistas rusos

• El difunto A. S. Pushkin, el fundador del realismo en la literatura rusa ( drama historico"Boris Godunov", cuentos "La hija del capitán", "Dubrovsky", "Cuentos de Belkin", novela en verso "Eugene Onegin")
• M. Yu. Lermontov ("Héroe de nuestro tiempo")
• N. V. Gogol (“Almas muertas”, “El inspector general”)
• I. A. Goncharov (“Oblomov”)
• A. S. Griboyedov ("Ay de Wit")
• A. I. Herzen (“¿Quién tiene la culpa?”)
• N. G. Chernyshevsky (“¿Qué hacer?”)
• F. M. Dostoievski (“Pobres ”, “Noches blancas”, “Humillados e insultados”, “

Representación de la vida en imágenes que corresponden a la esencia de los fenómenos de la vida, tipificando los hechos de la realidad.. El arte del realismo se caracteriza por el espíritu de objetividad artística. La representación del mundo en una obra realista, por regla general, no es de naturaleza abstracta ni convencional. Un escritor realista reproduce la realidad en formas realistas, crea la ilusión de realidad, hace creer en sus personajes, se esfuerza por darles vida, por darles persuasión artística. El arte realista representa profundidades. alma humana, concede especial importancia a la motivación de las acciones del héroe, al estudio de las circunstancias de su vida, de los motivos que impulsan al personaje a actuar de una manera y no de otra.
Un fiel reflejo del mundo, una amplia cobertura de la realidad. Todo arte genuino refleja hasta cierto punto la realidad, es decir, corresponde a la verdad de la vida. Sin embargo, el realismo como método encarnaba de manera más consistente los principios de un reflejo veraz de la realidad. I. S. Turgenev, hablando de la conexión entre el arte y la realidad, argumentó: "Siempre necesito un encuentro con una persona viva, un conocimiento directo de algún hecho de la vida, antes de comenzar a crear un tipo o componer una trama". señaló a base real la trama de la novela "Crimen y castigo" y F. M. Dostoievski.

Historicismo. El realismo lo subordinó todo. medios artísticos la tarea de un estudio cada vez más polifacético y profundo del hombre en sus relaciones con la sociedad, con el proceso histórico. En la literatura, se suele entender por historicismo la idea de la realidad, plasmada en imágenes, desarrollándose de forma natural y progresiva, de la conexión entre los tiempos en sus diferencias cualitativas.

La actitud hacia la literatura como medio de conocimiento de una persona sobre sí misma y el mundo que la rodea. Los escritores realistas recurren a las capacidades cognitivas del arte, tratando de explorar la vida de manera profunda, completa y exhaustiva, representando la realidad con sus contradicciones inherentes. El realismo reconoce el derecho del artista a iluminar todos los aspectos de la vida sin limitación. La base de cualquier trabajo realista acostado hechos de la vida, que tienen una refracción creativa. En las obras realistas, cada manifestación significativa de la individualidad se representa condicionada por determinadas circunstancias, el artista se esfuerza por identificar lo que es característico, repetido en el individuo y natural en lo que parece aleatorio.

Los escritores realistas, siguiendo a los sentimentales y románticos, mostraron interés por la vida del alma humana, profundizaron la comprensión de la psicología humana y reflexionaron obras de arte el trabajo de la conciencia y el subconsciente humanos a través de la identificación de las intenciones del héroe, los motivos de sus acciones, experiencias y cambios en los estados mentales.

Reflejo de la conexión entre el hombre y el medio ambiente.. El realismo gravita hacia un estudio y una descripción multifacéticos y potencialmente exhaustivos del mundo en toda la riqueza de sus conexiones, recreados orgánicamente por el artista. Los escritores realistas crean diferentes situaciones revelación del personaje: I. A. Goncharov en la novela "Oblomov" muestra la destructividad para el héroe de una situación ordinaria, un entorno familiar; Los héroes de Dostoievski, por el contrario, se encuentran en situaciones histéricas generadas por la imperfección del sistema social; L. N. Tolstoi incluye a sus héroes en el ciclo de importantes acontecimientos historicos, que revelan la esencia de un personaje particular. El arte del realismo muestra la interacción del hombre con el medio ambiente, el impacto de la época, las condiciones sociales en el destino humano, la influencia de las circunstancias sociales en la moral y mundo espiritual gente. Al mismo tiempo, una obra realista fundamenta lo que está sucediendo no solo con las circunstancias sociohistóricas, sino también con la psicología del héroe, su elección moral, es decir, la estructura mental del individuo (en contraste con las obras de la escuela naturalista, en las que se describía a la persona como un derivado de la herencia y el medio ambiente). Así, una obra realista explora la capacidad de un individuo para superar las circunstancias, resistirlas, mostrando libre albedrío.

Tipificación de personajes y circunstancias. En crítica literaria se ha establecido la fórmula de F. Engels, según la cual “el realismo presupone, además de la veracidad de los detalles, la reproducción fiel de personajes típicos en circunstancias típicas”. Para una obra realista, es importante establecer conexiones entre estos dos objetos en la imagen. héroe literario realista la obra se crea como una imagen (tipo) generalizada de la individualidad humana, más característica de un determinado entorno social, encarna rasgos característicos personas de una determinada categoría. El proceso creativo de creación de imágenes típicas suele denominarse tipificación. Formas literarias: Épica: novela, cuento, poema, relato. Letra: canción, elegía. Drama: tragedia, crónicas históricas. Por supuesto, en primer lugar, se trata de F. M. Dostoievski y L. N. Tolstoi. Ejemplos destacados de literatura en esta dirección fueron también las obras del difunto Pushkin (con razón considerado el fundador del realismo en la literatura rusa): el drama histórico "Boris Godunov", las historias "La hija del capitán", "Dubrovsky", "Los cuentos de Belkin". ", la novela de Mikhail Yuryevich Lermontov "Nuestro héroe" del tiempo", así como el poema de Nikolai Vasilyevich Gogol " almas muertas" En Rusia, Dmitry Pisarev fue el primero en introducir ampliamente el término "realismo" en el periodismo y la crítica; antes de ese momento, Herzen utilizó el término "realismo" en un sentido filosófico, como sinónimo del concepto de "materialismo".

Antes de la llegada del realismo dirección literaria El enfoque de la mayoría de los escritores para representar a una persona fue unilateral. Los clasicistas retrataron a una persona principalmente en términos de sus deberes para con el Estado y mostraron muy poco interés en él en su vida, en su familia, privacidad. Los sentimentales, por el contrario, pasaron a la imagen. vida personal una persona, sus sentimientos más sinceros. Los románticos también estaban principalmente interesados ​​en vida espiritual hombre, el mundo de sus sentimientos y pasiones.

Pero dotaron a sus héroes de sentimientos y pasiones de una fuerza excepcional y los colocaron en condiciones inusuales.

Los escritores realistas retratan a una persona de muchas maneras. Dibuja personajes típicos y al mismo tiempo muestran en qué condiciones sociales se formó tal o cual héroe de la obra.

Esta capacidad de dar personajes típicos en circunstancias típicas es la característica principal del realismo.

Llamamos imágenes típicas a aquellas en las que las más vívidas, plenas y veraces encarnan los rasgos más importantes característicos de un determinado periodo historico para uno u otro grupo o fenómeno social (por ejemplo, los Prostakovs-Skotinin en la comedia de Fonvizin son representantes típicos de la nobleza rusa de las tierras medias del segundo mitad del siglo XVIII siglo).

En imágenes típicas, un escritor realista refleja no solo aquellos rasgos que son más comunes en un momento determinado, sino también aquellos que apenas comienzan a aparecer y desarrollarse plenamente en el futuro.

Los conflictos subyacentes en las obras de clasicistas, sentimentales y románticos también fueron unilaterales.

Los escritores clásicos (especialmente en las tragedias) describieron el choque en el alma del héroe de la conciencia de la necesidad de cumplir su deber para con el Estado con sentimientos e impulsos personales. Para los sentimentales, el conflicto principal surgió de la desigualdad social de los héroes pertenecientes a diferentes clases. En el romanticismo, la base del conflicto es la brecha entre el sueño y la realidad. Entre los escritores realistas, los conflictos son tan diversos como en la vida misma.

Krylov y Griboyedov desempeñaron un papel importante en la formación del realismo ruso a principios del siglo XIX.

Krylov se convirtió en el creador de la fábula realista rusa. Las fábulas de Krylov describen con profunda veracidad la vida de la Rusia feudal en sus características esenciales. Contenido ideológico sus fábulas, democráticas en su orientación, la perfección de su construcción, verso maravilloso y vivaz la lengua hablada, desarrollado en base popular, - todo esto fue una contribución importante a la literatura realista rusa e influyó en el desarrollo de la obra de escritores como Griboyedov, Pushkin, Gogol y otros.

Griboedov con su obra "Ay de Wit" dio un ejemplo de comedia realista rusa.

Pero el verdadero fundador de la literatura realista rusa, que dio ejemplos perfectos de creatividad realista en una amplia variedad de géneros literarios, fue el gran poeta nacional Pushkin.

Realismo- Siglos XIX y XX (del latín real- válido)

El realismo puede definir fenómenos heterogéneos unidos por el concepto de verdad de la vida: el realismo espontáneo de la literatura antigua, el realismo del Renacimiento, realismo educativo, « escuela natural"como etapa inicial del desarrollo del realismo crítico en el siglo XIX, realismo XIX-XX siglos, “realismo socialista”

Principales características del realismo:
• Representación de la vida en imágenes que corresponden a la esencia de los fenómenos de la vida, tipificando los hechos de la realidad;
• Un fiel reflejo del mundo, una amplia cobertura de la realidad;
• historicismo;
• La actitud hacia la literatura como medio de conocimiento de una persona sobre sí misma y el mundo que la rodea;
• Reflejo de la conexión entre el hombre y el medio ambiente;
• Tipificación de personajes y circunstancias.

Escritores realistas en Rusia. Representantes del realismo en Rusia: A. S. Pushkin, N. V. Gogol, A. N. Ostrovsky, I. A. Goncharov, N. A. Nekrasov, M. E. Saltykov-Shchedrin, I. S. Turgenev, F. M. Dostoievski, L N. Tolstoi, A. P. Chejov, I. A. Bunin y otros.

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El realismo como método surgió en la literatura rusa en el primer tercio del siglo XIX. El principio fundamental del realismo es el principio de la verdad de la vida, la reproducción de personajes y circunstancias explicadas sociohistóricamente (personajes típicos en circunstancias típicas).

Los escritores realistas describieron profunda y verazmente varios aspectos de la realidad contemporánea, recrearon la vida en las formas de vida misma.

la base método realista principios del XIX Los siglos se componen de ideales positivos: humanismo, simpatía por los humillados y ofendidos, la búsqueda de un héroe positivo en la vida, optimismo y patriotismo.

A finales del siglo XIX siglo, el realismo alcanzó su apogeo en las obras de escritores como F. ​​M. Dostoievski, L. N. Tolstoi, A. P. Chéjov.

El siglo XX planteó nuevas tareas a los escritores realistas y los obligó a buscar nuevas formas de dominar el material de la vida. En las condiciones de crecientes sentimientos revolucionarios, la literatura estaba cada vez más imbuida de presentimientos y expectativas de cambios inminentes, "rebeliones inauditas".

La sensación de cambio social inminente provocó tal intensidad. vida artística, cuál no sabía todavía arte ruso. Esto es lo que escribió L.N. Tolstoi sobre el cambio de siglo: “ Nuevo siglo trae el fin de una cosmovisión, una fe, una forma de comunicarse entre las personas y el comienzo de otra cosmovisión, otra forma de comunicación. M. Gorky llamó al siglo XX el siglo de la renovación espiritual.

A principios del siglo XX, los clásicos del realismo ruso L.N. continuaron su búsqueda de los secretos de la existencia, los secretos de la existencia y la conciencia humana. Tolstoi, A.P. Chéjov, L.N. Andréyev, I.A. Bunin y otros.

Sin embargo, el principio del realismo "antiguo" fue cada vez más criticado por varias comunidades literarias, que exigieron una intervención más activa del escritor en la vida y su influencia en ella.

Esta revisión fue iniciada por el propio L. N. Tolstoi, en últimos años en su vida llamó a fortalecer el principio didáctico, instructivo y de predicación en la literatura.

Si A.P. Chéjov creía que el "tribunal" (es decir, el artista) sólo está obligado a plantear preguntas, a centrar la atención del lector pensante en problemas importantes, y el "jurado" (estructuras sociales) está obligado a responder, entonces, por Para los escritores realistas de principios del siglo XX, esto ya no parecía suficiente.

Así, M. Gorky afirmó directamente que "por alguna razón el lujoso espejo de la literatura rusa no reflejaba los arrebatos de ira popular ...", y acusó a la literatura de que "no buscaba héroes, le encantaba hablar". sobre personas que sólo eran fuertes en la paciencia, mansas, suaves, que soñaban con el paraíso en el cielo y sufrían silenciosamente en la tierra”.

Fue M. Gorky, un escritor realista. generación más joven, fue el fundador de un nuevo movimiento literario, que más tarde recibió el nombre de "realismo socialista".

Las actividades literarias y sociales de M. Gorky desempeñaron un papel importante en la unión de escritores realistas de la nueva generación. En la década de 1890, por iniciativa de M. Gorky, apareció el círculo literario "Sreda" y luego la editorial "Znanie". Los escritores jóvenes y talentosos A.I. Kuprii, I.A. Bunin, L.N. Andreev, A. Serafimovich, D. Bedny y otros.

La disputa con el realismo tradicional se libró en diferentes polos literatura. Hubo escritores que siguieron la dirección tradicional, buscando actualizarla. Pero también hubo quienes simplemente rechazaron el realismo como una tendencia obsoleta.

En estas difíciles condiciones, en la confrontación de métodos y tendencias polares, continuó desarrollándose la creatividad de los escritores tradicionalmente llamados realistas.

La originalidad de la literatura realista rusa de principios del siglo XX radica no sólo en la importancia del contenido y los temas sociales agudos, sino también en las búsquedas artísticas, la perfección de la tecnología y la diversidad estilística.

Los años 30-40 del siglo XIX fueron una época de crisis de los conceptos educativos y subjetivo-románticos. Los ilustrados y los románticos están unidos por una visión subjetiva del mundo. No entendían la realidad como un proceso objetivo que se desarrolla según sus propias leyes, independientemente del papel de las personas. En la lucha contra el mal social, los pensadores de la Ilustración se basaron en el poder de las palabras y el ejemplo moral, y los teóricos del romanticismo revolucionario se basaron en la personalidad heroica. Ambos subestimaron el papel del factor objetivo en el desarrollo de la historia.

Al revelar contradicciones sociales, los románticos, por regla general, no vieron en ellas una expresión de los intereses reales de ciertos segmentos de la población y, por lo tanto, no vincularon su superación con una lucha de clases social específica.

El movimiento revolucionario de liberación jugó un papel importante en la comprensión realista de la realidad social. Hasta los primeros levantamientos poderosos de la clase obrera, la esencia de la sociedad burguesa y su estructura de clases siguieron siendo en gran medida un misterio. La lucha revolucionaria del proletariado permitió quitar el sello de misterio del sistema capitalista y exponer sus contradicciones. Por tanto, es bastante natural que fue en los años 30-40 del siglo XIX cuando Europa occidental El realismo se está estableciendo en la literatura y el arte. Al exponer los vicios de la servidumbre y la sociedad burguesa, el escritor realista encuentra la belleza en la realidad objetiva misma. Su bueno no elevado por encima de la vida (Bazarov en Turgenev, Kirsanov, Lopukhov en Chernyshevsky, etc.). Por regla general, refleja las aspiraciones e intereses del pueblo, las opiniones de los círculos avanzados de la intelectualidad noble y burguesa. El arte realista elimina la desconexión entre el ideal y la realidad, característica del romanticismo. Por supuesto, en las obras de algunos realistas hay vagas ilusiones románticas en las que hablamos de la encarnación del futuro (“Sueño hombre divertido"Dostoievski, "¿Qué hacer?" Chernyshevsky...), y en este caso podemos hablar con razón de la presencia de tendencias románticas en su obra. El realismo crítico en Rusia fue consecuencia del acercamiento de la literatura y el arte a la vida.

Los realistas del siglo XX ampliaron ampliamente los límites del arte. Comenzaron a representar los fenómenos más comunes y prosaicos. La realidad entró en sus obras con todos sus contrastes sociales y trágicas disonancias. Rompieron decisivamente con las tendencias idealizadoras de los karamzinistas y los románticos abstractos, en cuyas obras incluso la pobreza, como dijo Belinsky, aparecía “limpia y lavada”.

El realismo crítico dio un paso adelante en el camino de la democratización de la literatura también en comparación con la obra de los ilustradores del siglo XVIII. Adoptó una visión mucho más amplia de su realidad contemporánea. La modernidad feudal entró en las obras de los realistas críticos no sólo como la arbitrariedad de los propietarios de siervos, sino también como la situación trágica de las masas: el campesinado siervo, la población urbana desposeída. En las obras de Fielding, Schiller, Diderot y otros escritores de la Ilustración, el hombre de clase media era retratado principalmente como la encarnación de la nobleza, la honestidad y, por tanto, se oponía a los aristócratas corruptos y deshonestos. Se reveló sólo en la esfera de su elevada conciencia moral. Su la vida cotidiana con todas sus penas, sufrimientos y preocupaciones quedaron, esencialmente, fuera del alcance de la historia. Sólo entre los sentimentales de mentalidad revolucionaria (Rousseau y especialmente Radishchev) y los románticos individuales (Hu, Hugo, etc.) se elabora este tema.

En el realismo crítico ha habido una tendencia hacia la superación total de la retórica y el didactismo, que estaban presentes en las obras de muchos educadores. En las obras de Diderot, Schiller, Fonvizin, junto a las imágenes típicas que encarnan la psicología de clases reales de la sociedad, había héroes que encarnaban los rasgos ideales de la conciencia ilustrada. La apariencia de lo feo no siempre se equilibra en el realismo crítico con la imagen de lo adecuado, obligatoria para la literatura educativa del siglo XVIII. El ideal en la obra de los realistas críticos a menudo se afirma mediante la negación de los feos fenómenos de la realidad.

El arte realista cumple su función analítica no sólo revelando las contradicciones entre opresores y oprimidos, sino también mostrando el condicionamiento social del hombre. El principio de socialidad: la estética del realismo crítico. Realistas críticos en su creatividad llevan a la idea de que el mal no tiene sus raíces en el hombre, sino en la sociedad. Los realistas no se limitan a criticar la moral y la legislación contemporánea. Plantean la cuestión de la naturaleza inhumana de los fundamentos mismos de la sociedad burguesa y de siervos.

En el estudio de la vida, los realistas críticos fueron más allá, no solo Sue, Hugo, sino también los ilustradores del siglo XVIII Diderot, Schiller, Fildini, Smolett criticaron duramente la modernidad feudal desde una posición realista, pero su crítica fue en una dirección ideológica. Denunciaron las manifestaciones de servidumbre no en el ámbito económico, sino principalmente en el ámbito legal, moral, religioso y político.

En las obras de los ilustradores, un lugar importante lo ocupa la imagen de un aristócrata depravado que no reconoce ninguna restricción a sus deseos sensuales. La depravación de los gobernantes se describe en la literatura educativa como un producto de las relaciones feudales, en las que la nobleza aristocrática no conoce ninguna prohibición sobre sus sentimientos. La obra de los ilustradores reflejó la falta de derechos del pueblo, la arbitrariedad de los príncipes que vendían a sus súbditos a otros países. Los escritores del siglo XVIII criticaron duramente el fanatismo religioso (“La Monja” de Diderot, “Natán el Sabio” de Lessinia), se opusieron a las formas prehistóricas de gobierno y apoyaron la lucha de los pueblos por su independencia nacional (“Don Carlos” de Schiller, “Egmant” de Goethe).

Así, en la literatura educativa del siglo XVIII, la crítica a la sociedad feudal se produce principalmente en términos ideológicos. Los realistas críticos ampliaron el espectro temático del arte de la palabra. Una persona, sin importar a qué estrato social pertenezca, se caracteriza no sólo en la esfera de la conciencia moral, sino que también se le representa en la actividad práctica cotidiana.

El realismo crítico caracteriza universalmente al hombre como un individuo específico históricamente establecido. Los héroes de Balzac, Saltykov-Shchedrin, Chéjov y otros están representados no sólo en los momentos sublimes de sus vidas, sino también en las situaciones más trágicas. Retratan al hombre como un ser social, formado bajo la influencia de determinadas razones sociohistóricas. Al caracterizar el método de Balzac, G.V. Plejánov señala que el creador de La comedia humana “tomó” las pasiones en la forma que les daba la sociedad burguesa de su época; Con la atención de un científico natural, observó cómo crecían y se desarrollaban en un entorno social determinado. Gracias a esto se convirtió en un realista en el sentido mismo de la palabra, y sus escritos representan una fuente indispensable para el estudio de la psicología. sociedad francesa de la época de la restauración y "Louis Philippe". Sin embargo, el arte realista es más que la reproducción de una persona en sus relaciones sociales.

Los realistas rusos del siglo XIX también describieron a la sociedad en contradicciones y conflictos, que reflejaban el movimiento real de la historia y revelaban la lucha de ideas. Como resultado, la realidad apareció en su trabajo como un “flujo ordinario”, como una realidad autopropulsada. El realismo revela su verdadera esencia sólo si los escritores consideran el arte como un reflejo de la realidad. En este caso, los criterios naturales del realismo son la profundidad, la verdad, la objetividad al revelar las conexiones internas de la vida, los personajes típicos que actúan en circunstancias típicas y los determinantes necesarios de la creatividad realista son el historium, la nacionalidad del pensamiento del artista. El realismo se caracteriza por la imagen de una persona en unidad con su entorno, la concreción social e histórica de la imagen, el conflicto, la trama y el uso generalizado de estructuras de género como la novela, el drama, el cuento, la historia.

El realismo crítico estuvo marcado por una difusión sin precedentes de la épica y el drama, que sustituyó notablemente a la poesía. Entre los géneros épicos, la novela ganó la mayor popularidad. La razón de su éxito es principalmente que permite al escritor realista implementar más plenamente la función analítica del arte, exponer las causas del mal social.

El realismo crítico dio vida a un nuevo tipo de comedia, basada en un conflicto no tradicionalmente amoroso, sino social. Su imagen es "El inspector general" de Gogol, una aguda sátira de la realidad rusa de los años 30 del siglo XIX. Gogol señala la obsolescencia de la comedia con temas amorosos. En su opinión, en la “era mercantil”, “el rango, el capital monetario, el matrimonio rentable” tienen más “electricidad” que el amor. Gogol encontró una situación tan cómica que le permitió penetrar en las relaciones sociales de la época y ridiculizar a los ladrones y sobornadores cosacos. “La comedia”, escribe Gogol, “debe tejerse, con toda su masa, en un gran nudo. La trama debe abarcar todos los rostros, y no sólo uno o dos: tocar lo que preocupa más o menos a los personajes. Aquí todo el mundo es un héroe”.

Los realistas críticos rusos representan la realidad desde la perspectiva de los pueblos oprimidos y sufrientes, que en sus obras actúan como medida de valoraciones morales y estéticas. La idea de nacionalidad es el principal determinante del método artístico del arte realista ruso del siglo XIX.

El realismo crítico no se limita a exponer lo feo. También describe los aspectos positivos de la vida: el trabajo duro, la belleza moral, la poesía del campesinado ruso, el deseo de los nobles avanzados y la intelectualidad común por actividades socialmente útiles y mucho más. En los orígenes del realismo ruso del siglo XIX se encuentra A.S. Pushkin. Un papel importante en la evolución ideológica y estética del poeta lo jugó su acercamiento a los decembristas durante su exilio en el sur. Ahora encuentra en la realidad el apoyo a su creatividad. El héroe de la poesía realista de Pushkin no está aislado de la sociedad, no huye de ella, está entrelazado con los procesos naturales y sociohistóricos de la vida. Su obra adquiere especificidad histórica, intensifica la crítica a diversas manifestaciones de opresión social e intensifica la atención a destino duro personas (“Cuando deambulo pensativamente por la ciudad...”, “Mi crítica rosada...” y otros).

En las letras de Pushkin se puede ver la vida social de su época con sus contrastes sociales, búsquedas ideológicas y la lucha de los pueblos progresistas contra la tiranía política y feudal. El humanismo y la nacionalidad del poeta, junto con su historicismo, son los determinantes más importantes de su pensamiento realista.

La transición de Pushkin del romanticismo al realismo se manifestó en “Boris Godunov” principalmente en una interpretación específica del conflicto, en reconocimiento del papel decisivo del pueblo en la historia. La tragedia está imbuida de un profundo historicismo.

Pushkin fue también el fundador de la novela realista rusa. En 1836 completó La hija del capitán. Su creación fue precedida por el trabajo sobre la "Historia de Pugachev", que revela la inevitabilidad del levantamiento de los cosacos de Yaik: "Todo presagiaba una nueva rebelión: faltaba un líder". “Su elección recayó en Pugachev. No les resultó difícil persuadirlo”.

El mayor desarrollo del realismo en la literatura rusa se asocia principalmente con el nombre de N.V. Gogol. El pináculo de su obra realista es “Dead Souls”. El propio Gogol consideró su poema como una etapa cualitativamente nueva en su biografía creativa. En sus obras de los años 30 ("El inspector general" y otras), Gogol describe fenómenos exclusivamente negativos de la sociedad. La realidad rusa aparece en ellos en su muerte e inmovilidad. La vida de los habitantes del interior se describe como carente de racionalidad. No hay ningún movimiento en él. Los conflictos son de carácter cómico; no inciden en las graves contradicciones de la época.

Gogol observó con alarma cómo, bajo la "corteza de lo terrenal", todo lo verdaderamente humano desaparecía en la sociedad moderna, cómo el hombre se hacía más pequeño y vulgarizado. Al ver el arte como una fuerza activa para el desarrollo social, Gogol no puede imaginar una creatividad que no esté iluminada por la luz de un elevado ideal estético.

Gogol en los años 40 fue crítico con la literatura rusa. periodo romantico. Su defecto lo ve en el hecho de que no ofrece una imagen correcta de la realidad rusa. Los románticos, en su opinión, a menudo se precipitaban "por encima de la sociedad", y si se abalanzaban sobre él, era sólo para azotarlo con el flagelo de la sátira y no para transmitir su vida como modelo para la posteridad. Gogol se incluye a sí mismo entre los escritores que critica. No está satisfecho con el carácter predominantemente acusatorio de su pasada actividad literaria. Gogol se propone ahora la tarea de una reproducción integral e históricamente específica de la vida en su movimiento objetivo hacia el ideal. No está en absoluto en contra de la denuncia, sino sólo cuando aparece en combinación con una imagen de belleza.

La continuación de las tradiciones de Pushkin y Gogol fue obra de I.S. Turguénev. Turgenev ganó popularidad después de la publicación de "Notas de un cazador". Los logros de Turgenev en el género de la novela son enormes (“Rudin”, “ nido noble", "La Eva", "Padres e hijos"). En este ámbito, su realismo adquirió nuevos rasgos. Turgenev, novelista, se centra en el proceso histórico.

El realismo de Turgenev se expresó más claramente en la novela Padres e hijos. La obra se distingue por un conflicto agudo. En él se entrelazan los destinos de personas con puntos de vista y posiciones muy diferentes en la vida. Los círculos nobles están representados por los hermanos Kirsanov y Odintsova, y los diversos intelectuales por los Bazarov. En la imagen de Bazarov, encarnaba los rasgos de un revolucionario, opuesto a todo tipo de conversadores liberales como Arkady Kirsanov, que se aferraba al movimiento democrático. Basárov odia la ociosidad, el sibaritismo y las manifestaciones de señorío. Considera insuficiente limitarnos a exponer los vicios sociales.

El realismo de Turgenev se manifiesta no sólo en la descripción de las contradicciones sociales de la época, los enfrentamientos entre "padres" e "hijos". También reside en la revelación de las leyes morales que gobiernan el mundo, en la afirmación del enorme valor social del amor, del arte...

El lirismo de Turgenev, el rasgo más característico de su estilo, está asociado con la glorificación de la grandeza moral del hombre y su belleza espiritual. Turgenev es uno de los escritores más líricos del siglo XIX. Trata a sus héroes con apasionado interés. Sus penas, alegrías y sufrimientos son como si fueran suyos. Turgenev relaciona al hombre no sólo con la sociedad, sino también con la naturaleza, con el universo en su conjunto. Como resultado, la psicología de los héroes de Turgenev es la interacción de muchos componentes tanto de la serie social como de la natural.

El realismo de Turgenev es complejo. Muestra la concreción histórica del conflicto, reflejos del movimiento real de la vida, la veracidad de los detalles, las “cuestiones eternas” de la existencia del amor, la vejez, la muerte: la objetividad de la imagen y la tendenciosidad, el lirio que penetra en el alma.

Los escritores demócratas (I.A. Nekrasov, N.G. Chernyshevsky, M.E. Saltykov-Shchedrin, etc.) aportaron muchas cosas nuevas al arte realista. Su realismo se llamó sociológico. Lo que tiene en común es la negación del sistema de servidumbre existente, la demostración de su ruina histórica. De ahí la agudeza de la crítica social y la profundidad de la exploración artística de la realidad.

Un lugar especial en el realismo sociológico lo ocupa “¿Qué hacer?” N.G. Chernyshevsky. La originalidad de la obra radica en la propaganda del ideal socialista, nuevas visiones sobre el amor, el matrimonio y en la promoción del camino hacia la reconstrucción de la sociedad. Chernyshevsky no sólo revela la contradicción de la realidad contemporánea, sino que también ofrece un amplio programa para la transformación de la vida y la conciencia humana. Valor más alto el escritor se dedica al trabajo como medio para formar una nueva persona y crear nuevas relaciones sociales. Realismo “¿Qué hacer?” Tiene rasgos que lo acercan al romanticismo. Al tratar de imaginar la esencia del futuro socialista, Chernyshevsky comienza a pensar de manera típicamente romántica. Pero al mismo tiempo, Chernyshevsky se esfuerza por superar la ensoñación romántica. Él libra la lucha por la realización del ideal socialista basado en la realidad.

El realismo crítico ruso revela nuevas facetas en la obra de F.M. Dostoievski. EN período temprano("Gente pobre", "Noches blancas", etc.) el escritor continúa la tradición de Gogol, describiendo el trágico destino del "hombrecito".

Los motivos trágicos no sólo no desaparecen, sino que, por el contrario, se intensifican aún más en la obra del escritor de los años 60 y 70. Dostoievski ve todos los problemas que el capitalismo ha traído consigo: depredación, estafas financieras, aumento de la pobreza, embriaguez, prostitución, criminalidad, etc. Percibió la vida principalmente en su esencia trágica, en un estado de caos y decadencia. Esto determina el agudo conflicto y el intenso drama de las novelas de Dostoievski. Le parecía que ninguna situación fantástica podía eclipsar la naturaleza fantástica de la realidad. Pero Dostoievski busca una salida a las contradicciones de nuestro tiempo. En la lucha por el futuro, confía en una decidida reeducación moral de la sociedad.

Dostoievski considera que el individualismo y la preocupación por el propio bienestar son el rasgo más característico de la conciencia burguesa, por lo que desacreditar la psicología individualista es la dirección principal de la obra del escritor. El pináculo de la representación realista de la realidad fue obra de L.M. Tolstoi. La enorme contribución del escritor a la cultura artística mundial no es sólo el resultado de su genio, sino también una consecuencia de su profunda nacionalidad. Tolstoi en sus obras describe la vida desde la perspectiva de “cien millones de agricultores”, como a él mismo le gustaba decir. El realismo de Tolstoi se manifestó principalmente al revelar los procesos objetivos de desarrollo de su sociedad contemporánea, al comprender la psicología de varias clases, el mundo interior de personas de diversos círculos sociales. El arte realista de Tolstoi quedó claramente demostrado en su novela épica Guerra y paz. Basando su obra en el “pensamiento popular”, el escritor criticó a quienes son indiferentes al destino del pueblo, a la patria y viven una vida egoísta. El historicismo de Tolstoi, que alimenta su realismo, se caracteriza no sólo por la comprensión de las principales tendencias del desarrollo histórico, sino también por el interés por la vida cotidiana de la gente más corriente, que, sin embargo, deja una huella notable en el proceso histórico.

Así pues, el realismo crítico, tanto en Occidente como en Rusia, es un arte que critica y afirma al mismo tiempo. Además, encuentra altos valores sociales y humanistas en la realidad misma, principalmente en los círculos sociales de mentalidad democrática y revolucionaria. Los héroes positivos en las obras de los realistas son buscadores de la verdad, personas asociadas con la liberación nacional o el movimiento revolucionario (Carbonari en Stendhal, Neuron en Balzac) o que resisten activamente la atención corruptora de la moral individualista (en Dickens). El realismo crítico ruso creó una galería de imágenes de luchadores por los intereses del pueblo (Turgenev, Nekrasov). Ésta es la gran originalidad del arte realista ruso, que determinó su importancia global.

Una nueva etapa en la historia del realismo fue obra de A.P. Chéjov. La innovación del escritor no radica sólo en el hecho de que es un maestro destacado de la pequeña forma ética. La atracción de Chéjov por el cuento, por el cuento, tenía sus razones. Como artista, le interesaban las “pequeñas cosas de la vida”, toda esa vida cotidiana que rodea a una persona e influye en su conciencia. Retrató la realidad social en su flujo ordinario y cotidiano. De ahí la amplitud de sus generalizaciones a pesar de la aparente estrechez de su campo creativo.

Los conflictos en las obras de Chéjov no son el resultado de la confrontación entre héroes que chocan entre sí por una razón u otra, surgen bajo la presión de la vida misma, reflejando sus contradicciones objetivas. Los rasgos del realismo de Chéjov, destinados a representar los patrones de la realidad que determinan el destino de las personas, quedaron vívidamente plasmados en El jardín de los cerezos. La obra es muy ambigua en su contenido. Contiene motivos elegíacos asociados a la muerte del jardín, cuya belleza se sacrifica por intereses materiales. Así, el escritor condena la psicología del mercantelium, que trajo consigo el sistema burgués.

En el sentido estricto de la palabra, el concepto de "realismo" significa un movimiento histórico específico en el arte del siglo XIX, que declaró la conformidad con la verdad de la vida como base de su programa creativo. El término fue propuesto por primera vez por el crítico literario francés Chanfleury en los años 50 del siglo XIX. Este término ha entrado en el léxico popular. diferentes paises con relación a varias artes. Si en un sentido amplio el realismo es una característica común en el trabajo de artistas que pertenecen a diferentes movimientos y direcciones artísticas, entonces, en un sentido estricto, el realismo es una dirección separada, diferente de las demás. Así, el realismo se opone al romanticismo anterior, al superarlo, de hecho, se desarrolló. La base del realismo del siglo XIX fue una actitud marcadamente crítica hacia la realidad, por lo que recibió el nombre de realismo crítico. La peculiaridad de esta dirección es la formulación y reflejo de problemas sociales agudos en la creatividad artística, un deseo consciente de pronunciarse sobre los fenómenos negativos de la vida social. El realismo crítico se centró en describir la vida de los sectores desfavorecidos de la sociedad. El trabajo de los artistas de este movimiento es similar al estudio de las contradicciones sociales. Las ideas del realismo crítico se plasmaron más claramente en el arte de Francia de la primera mitad del siglo XIX, en las obras de G. Courbet y J.F. Millais ("Los recolectores de orejas", 1857).

Naturalismo. En las bellas artes, el naturalismo no se presentó como un movimiento claramente definido, sino que estuvo presente en forma de tendencias naturalistas: en el rechazo de la evaluación pública, la tipificación social de la vida y la sustitución de la divulgación de su esencia por la autenticidad visual externa. Estas tendencias llevaron a rasgos tales como la superficialidad en la descripción de los acontecimientos y la copia pasiva de detalles menores. Estos rasgos aparecieron ya en la primera mitad del siglo XIX en las obras de P. Delaroche y O. Vernet en Francia. La copia naturalista de los aspectos dolorosos de la realidad, la elección de todo tipo de deformidades como temas determinaron la originalidad de algunas obras de artistas que gravitan hacia el naturalismo.

A finales de los años 50 surgió un giro consciente de la nueva pintura rusa hacia el realismo democrático, la nacionalidad y la modernidad, junto con la situación revolucionaria del país, con la maduración social de la intelectualidad de las distintas clases, con la ilustración revolucionaria de Chernyshevsky, Dobrolyubov. , Saltykov-Shchedrin, con la poesía popular de Nekrasov. En “Ensayos sobre el período de Gogol” (en 1856), Chernyshevsky escribió: “Si la pintura se encuentra actualmente en una situación bastante lamentable, la razón principal Además, hay que considerar la alienación de este arte de las aspiraciones modernas." La misma idea fue citada en muchos artículos de la revista Sovremennik.

Pero la pintura ya empezaba a sumarse a las aspiraciones modernas, sobre todo en Moscú. La Escuela de Moscú no disfrutaba ni de una décima parte de los privilegios de la Academia de las Artes de San Petersburgo, pero dependía menos de sus dogmas arraigados y la atmósfera en ella era más animada. Aunque los profesores de la Escuela son en su mayoría académicos, los académicos son secundarios y vacilantes: no reprimieron con su autoridad tanto como en la Academia a F. Bruni, el pilar de la vieja escuela, que en un momento compitió con la pintura de Bryullov ". La Serpiente de Cobre”.

Perov, recordando los años de su aprendizaje, dijo que llegaron allí “de toda la gran y diversa Rusia, ¡y dónde no teníamos estudiantes!... Eran de la lejana y fría Siberia, de la cálida Crimea y de Astracán, de la cálida Crimea y de Astracán. Polonia, el Don, incluso de las islas Solovetsky y Athos, y finalmente de Constantinopla. ¡Dios, qué multitud tan diversa se reunía dentro de los muros de la Escuela!...”

Los talentos originales que cristalizaron de esta solución, de esta abigarrada mezcla de “tribus, dialectos y estados”, finalmente buscaron contar aquello de lo que vivían, lo que les era vitalmente cercano. En Moscú este proceso comenzó; en San Petersburgo pronto estuvo marcado por dos acontecimientos decisivos que pusieron fin al monopolio académico en el arte. Primero: en 1863, 14 graduados de la Academia, encabezados por I. Kramskoy, se negaron a escribir un cuadro de graduación basado en la trama propuesta de "La fiesta en Valhalla" y pidieron que ellos mismos pudieran elegir los temas. Fueron rechazados y abandonaron desafiantemente la Academia, formando un Artel independiente de artistas similar a las comunas descritas por Chernyshevsky en la novela "¿Qué hacer?". El segundo evento fue la creación en 1870.

Asociaciones exposiciones itinerantes, cuya alma era la misma Kramskoy.

La Asociación de Itinerantes, a diferencia de muchas asociaciones posteriores, prescindió de declaraciones o manifiestos. Sus estatutos sólo establecían que los miembros de la Asociación debían gestionar sus propios asuntos financieros, sin depender de nadie a este respecto, y también organizar ellos mismos exposiciones y llevarlas a diferentes ciudades ("moverse" por Rusia) para familiarizar al país con Arte ruso. Ambos puntos fueron de gran importancia, afirmando la independencia del arte de las autoridades y la voluntad de los artistas de comunicarse ampliamente con la gente no solo en la capital. El papel principal en la creación de la Asociación y el desarrollo de sus estatutos correspondió, además de Kramskoy, a Myasoedov, Ge, de San Petersburgo, y de los moscovitas, a Perov, Pryanishnikov y Savrasov.

El 9 de noviembre de 1863, un nutrido grupo de graduados de la Academia de las Artes se negó a escribir trabajos de competencia sobre el tema propuesto de la mitología escandinava y abandonó la Academia. Los rebeldes estaban liderados por Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887). Se unieron en un artel y comenzaron a vivir como una comuna. Siete años después se disolvió, pero entonces nació la “Asociación de Inserciones Artísticas Itinerantes”, una asociación profesional y comercial de artistas que mantenían posiciones ideológicas similares.

Los Peredvizhniki estaban unidos en su rechazo del “academicismo” con su mitología, sus paisajes decorativos y su pomposa teatralidad. querían retratar viviendo la vida. Las escenas de género (cotidianas) ocuparon un lugar destacado en su obra. El campesinado gozaba de especial simpatía por los "itinerantes". Mostraron su situación de necesidad, sufrimiento y opresión. En ese momento, en los años 60-70. Siglo XIX - lado ideológico

El arte se valoraba más que la estética. Sólo con el tiempo los artistas recordaron el valor intrínseco de la pintura.

Quizás el mayor homenaje a la ideología lo rindió Vasily Grigorievich Perov (1834-1882). Baste recordar cuadros suyos como "La llegada del jefe de investigación", "La fiesta del té en Mytishchi". Algunas de las obras de Perov están imbuidas de una auténtica tragedia ("Troika", "Viejos padres en la tumba de su hijo"). Perov pintó varios retratos de sus contemporáneos famosos (Ostrovsky, Turgenev, Dostoievski).

Algunas de las pinturas de los "Itinerantes", pintadas del natural o inspiradas en escenas reales, han enriquecido nuestras ideas sobre la vida campesina. La película "Sobre el mundo" de S. A. Korovin muestra un enfrentamiento en una reunión rural entre un hombre rico y un hombre pobre. V. M. Maksimov capturó la rabia, las lágrimas y el dolor de la división familiar. La solemne festividad del trabajo campesino se refleja en el cuadro "Segadoras" de G. G. Myasoedov.

El retrato ocupó el lugar principal en la obra de Kramskoy. Escribió Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. Es dueño de uno de los mejores retratos León Tolstoi. La mirada del escritor no abandona al espectador, sin importar desde qué punto mire el lienzo. Una de las obras más poderosas de Kramskoy es el cuadro "Cristo en el desierto".

La primera exposición de los “Itinerantes”, inaugurada en 1871, demostró de manera convincente la existencia de una nueva dirección que tomó forma a lo largo de los años 60. Sólo hubo 46 exposiciones (a diferencia de las engorrosas exposiciones de la Academia), pero seleccionadas cuidadosamente, y aunque la exposición no fue deliberadamente programática, el programa general no escrito surgió con bastante claridad. Estuvieron representados todos los géneros (histórico, cotidiano, retratos de paisajes) y el público pudo juzgar qué novedades les aportaron los "Wanderers". Sólo una escultura tuvo mala suerte, y fue la pequeña escultura notable de F. Kamensky), pero este tipo de arte tuvo “mala suerte” durante mucho tiempo, de hecho, toda la segunda mitad del siglo.

A principios de los años 90, entre los jóvenes artistas de la escuela de Moscú había, sin embargo, aquellos que continuaban digna y seriamente la tradición cívica itinerante: S. Ivanov con su ciclo de pinturas sobre inmigrantes, S. Korovin, autor de la pintura "Sobre el mundo", donde es interesante y se revelan cuidadosamente los conflictos dramáticos (¡realmente dramáticos!) de la aldea anterior a la reforma. Pero no marcaron la pauta: se acercaba la entrada a la vanguardia del “Mundo del Arte”, igualmente distante de los Wanderers y de la Academia. ¿Cómo era la Academia en ese momento? Sus anteriores actitudes artísticas rigoristas se desvanecieron; ya no insistió en las estrictas exigencias del neoclasicismo, en la notoria jerarquía de géneros, en género cotidiano Ella era bastante tolerante, solo que prefería que él fuera "guapo" y no "campesino" (un ejemplo de obras "hermosas" no académicas son las escenas de la vida antigua del entonces popular S. Bakalovich). En su mayor parte, la producción no académica, como en otros países, era un salón burgués, su “belleza” era una belleza vulgar. Pero no se puede decir que no presentó talentos: G. Semiradsky, mencionado anteriormente, tenía mucho talento, V. Smirnov, que murió temprano (que logró crear un impresionante cuadro de gran tamaño "La muerte de Nerón"); No se pueden negar ciertos méritos artísticos de las pinturas de A. Svedomsky y V. Kotarbinsky. Repin habló con aprobación de estos artistas, considerándolos portadores del “espíritu helénico”, y en sus últimos años impresionaron a Vrubel, al igual que Aivazovsky, también un artista “académico”. Por otro lado, nada menos que Semiradsky, durante la reorganización de la Academia, se pronunció decisivamente a favor del género cotidiano, señalando a Perov, Repin y V. Mayakovsky como ejemplos positivos. Así que había suficientes puntos de convergencia entre los "Itinerantes" y la Academia, y el entonces vicepresidente de la Academia, I.I., lo entendió. Tolstoi, por cuya iniciativa se llamó a enseñar a los principales "Itinerantes".

Pero lo principal que no nos permite descartar por completo el papel de la Academia de las Artes, principalmente como institución educativa, en la segunda mitad del siglo es el simple hecho de que muchos artistas destacados surgieron de sus muros. Estos son Repin, Surikov, Polenov, Vasnetsov y, más tarde, Serov y Vrubel. Además, no repitieron la “revuelta de los catorce” y, aparentemente, se beneficiaron de su aprendizaje. Más precisamente, todos se beneficiaron de las lecciones de P.P. Chistyakov, a quien por eso se le llamó el “maestro universal”. Chistyakova merece una atención especial.

Incluso hay algo misterioso en la popularidad universal de Chistyakov entre artistas muy diferentes en su individualidad creativa. El tranquilo Surikov escribió largas cartas a Chistyakov desde el extranjero. V. Vasnetsov se dirigió a Chistyakov con estas palabras: "Me gustaría que me llamaran tu hijo en espíritu". Vrubel se hacía llamar con orgullo chistyakovita. Y esto, a pesar de que, como artista, Chistyakov tenía una importancia secundaria, escribió poco. Pero como profesor era único. Ya en 1908, Serov le escribió: "Te recuerdo como un maestro y te considero el único (en Rusia) verdadero maestro de las eternas e inquebrantables leyes de la forma, que es lo único que se puede enseñar". La sabiduría de Chistyakov fue que entendió lo que se puede y se debe enseñar, como base de la habilidad necesaria, y lo que no se puede enseñar, lo que proviene del talento y la personalidad del artista, que debe ser respetado y tratado con comprensión y cuidado. Por tanto, su sistema de enseñanza del dibujo, la anatomía y la perspectiva no encadenó a nadie, cada uno extrajo de él lo que necesitaba, hubo lugar para los talentos y búsquedas personales, y se sentaron unas bases sólidas. Chistyakov no dejó una exposición detallada de su “sistema”; éste se reconstruye principalmente a partir de los recuerdos de sus alumnos; Este era un sistema racionalista, su esencia era un enfoque analítico consciente de la construcción de la forma. Chistyakov enseñó a "dibujar con la forma". No con contornos, no con “dibujo” y no con sombreado, sino construir una forma tridimensional en el espacio, yendo de lo general a lo específico. Según Chistyakov, el dibujo es un proceso intelectual que "deriva leyes de la naturaleza"; esto es lo que consideraba una base necesaria para el arte, sin importar cuál fuera la "manera" y el "tono natural" del artista. Chistyakov insistió en la prioridad del dibujo y, con su inclinación por los aforismos humorísticos, lo expresó así: “El dibujo es la parte masculina, el hombre; la pintura es una mujer”.

El respeto por el dibujo, por la forma constructiva construida, tiene sus raíces en el arte ruso. ¿Fue Chistyakov con su "sistema" la razón aquí, o fue la orientación general de la cultura rusa hacia el realismo la razón de la popularidad del método de Chistyakov? De una forma u otra, los pintores rusos hasta Serov, Nesterov y Vrubel inclusive honraron las “leyes eternas e inmutables de la forma” y desconfiaban de la “desmaterialización” o la sumisión al colorido elemento amorfo, por mucho que uno ame el color.

Entre los Peredvizhniki invitados a la Academia se encontraban dos paisajistas: Shishkin y Kuindzhi. Fue precisamente en ese momento cuando comenzó la hegemonía del paisaje en el arte como género independiente, donde reinaba Levitan, y como elemento igual de la pintura cotidiana, histórica y en parte retratista. Contrariamente a las previsiones de Stasov, que cree que el papel del paisaje disminuirá, en los años 90 aumentó más que nunca. Prevaleció el “paisaje anímico” lírico, cuyo origen se remonta a Savrasov y Polenov.

El grupo Peredvizhniki hizo verdaderos descubrimientos en la pintura de paisajes. Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897) logró mostrar la belleza y el lirismo sutil de un sencillo paisaje ruso. Su cuadro "Las torres han llegado" (1871) hizo que muchos contemporáneos miraran con nuevos ojos su naturaleza nativa.

Fyodor Aleksandrovich Vasiliev (1850-1873) vivió una vida corta. Su obra, interrumpida desde el principio, enriqueció la pintura rusa con una serie de paisajes dinámicos y apasionantes. El artista era particularmente bueno en los estados de transición de la naturaleza: del sol a la lluvia, de la calma a la tormenta.

El cantante del bosque ruso, la amplitud épica de la naturaleza rusa, fue Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898). Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) se sintió atraído por el pintoresco juego de luces y aire. La misteriosa luz de la luna en las nubes raras, los reflejos rojos del amanecer en las paredes blancas de las chozas ucranianas, los rayos oblicuos de la mañana que atraviesan la niebla y juegan en los charcos en un camino embarrado: estos y muchos otros descubrimientos pintorescos están plasmados en sus lienzos.

Ruso en su apogeo pintura de paisaje El siglo XIX se logró gracias a la obra del alumno de Savrasov, Isaac Ilyich Levitan (1860-1900). Levitan es un maestro de los paisajes tranquilos y tranquilos. Era un hombre muy tímido, tímido y vulnerable, sólo sabía relajarse a solas con la naturaleza. , imbuido del ambiente de su paisaje favorito.

Un día llegó al Volga para pintar el sol, el aire y las extensiones fluviales. Pero no había sol, interminables nubes se arrastraban por el cielo y las lluvias apagadas cesaron. El artista estaba nervioso hasta que se vio envuelto en este clima y descubrió el encanto especial de los colores lilas del mal tiempo ruso. Desde entonces, el Alto Volga y la ciudad provincial de Ples se han arraigado firmemente en su obra. En esos lugares creó sus obras "lluviosas": "After the Rain", "Gloomy Day", "Above Eternal Peace". Allí también se pintaron tranquilos paisajes nocturnos: “Tarde en el Volga”, “Tarde. Golden Reach", "Tarde sonando", "Morada tranquila".

En los últimos años de su vida, Levitan prestó atención a la obra de los artistas impresionistas franceses (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Se dio cuenta de que tenía mucho en común con ellos, que sus búsquedas creativas iban en la misma dirección. Como ellos, prefería trabajar no en el estudio, sino al aire libre (al aire libre, como dicen los artistas). Como ellos, aligeró la paleta, desterrando los colores oscuros y terrosos. Como ellos, buscó capturar la naturaleza fugaz de la existencia, transmitir los movimientos de la luz y el aire. En esto fueron más lejos que él, pero casi disolvieron formas volumétricas (casas, árboles) en corrientes de aire ligero. Lo evitó.

“Las pinturas de Levitan requieren una visión lenta”, escribió K. G. Paustovsky, un gran conocedor de su obra. “No aturden la vista. Son modestas y precisas, como las historias de Chéjov, pero cuanto más las miras, más dulce se vuelve el silencio de las ciudades de provincia, los ríos familiares y los caminos rurales”.

En la segunda mitad del siglo XIX. marca el florecimiento creativo de I. E. Repin, V. I. Surikov y V. A. Serov.

Ilya Efimovich Repin (1844-1930) nació en la ciudad de Chuguev, en la familia de un colono militar. Logró ingresar a la Academia de las Artes, donde su maestro fue P. P. Chistyakov, quien formó a toda una galaxia de artistas famosos (V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin también aprendió mucho de Kramskoy. En 1870, el joven artista viajó a lo largo del Volga. Para el cuadro “Transportadores de barcazas en el Volga” (1872) utilizó numerosos bocetos traídos de sus viajes. ella produjo fuerte impresión al público. El autor inmediatamente ascendió a las filas de los maestros más famosos.

Repin fue un artista muy versátil. A su pincel pertenecen varias pinturas de género monumentales. Quizás no menos impresionante que “Transportadores de barcazas” sea la “Procesión religiosa en la provincia de Kursk”. El cielo azul brillante, las nubes de polvo de la carretera atravesadas por el sol, el resplandor dorado de cruces y vestimentas, la policía, la gente corriente y los lisiados: todo cabe en este lienzo: la grandeza, la fuerza, la debilidad y el dolor de Rusia.

Muchas de las películas de Repin trataron temas revolucionarios ("La negativa a confesar", "No esperaban", "Arresto del propagandista"). Los revolucionarios en sus cuadros se comportan con sencillez y naturalidad, evitando poses y gestos teatrales. En el cuadro “La negativa a confesar”, el condenado a muerte parecía haber escondido deliberadamente las manos en las mangas. El artista claramente simpatizaba con los personajes de sus cuadros.

Varias de las pinturas de Repin fueron escritas sobre temas históricos ("Iván el Terrible y su hijo Iván", "Los cosacos redactan una carta al sultán turco", etc.) - Repin creó toda una galería de retratos. Pintó retratos de científicos (Pirogov y Sechenov), escritores Tolstoi, Turgenev y Garshin, compositores Glinka y Mussorgsky, artistas Kramskoy y Surikov. A principios del siglo XX. recibió un encargo para el cuadro “La reunión ceremonial del Consejo de Estado”. El artista logró no solo colocar compositivamente a un número tan grande de los presentes en el lienzo, sino también darles características psicológicas a muchos de ellos. Entre ellos estaban los siguientes figuras famosas, como S.Yu. Witte, K.P. Pobedonostsev, P.P. Semenov Tian-Shansky. Nicolás II apenas se nota en la imagen, pero está representado de forma muy sutil.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) nació en Krasnoyarsk, en una familia cosaca. El apogeo de su obra se produjo en los años 80, cuando creó sus tres pinturas históricas más famosas: "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Menshikov en Berezovo" y "Boyaryna Morozova".

Surikov conocía bien la vida y las costumbres de épocas pasadas y supo dar características psicológicas vívidas. Además, era un excelente colorista (maestro del color). Baste recordar la nieve deslumbrantemente fresca y brillante de la película "Boyaryna Morozova". Si te acercas al lienzo, la nieve parece “desmoronarse” en pinceladas azules, celestes y rosas. Este técnica pintoresca cuando dos o tres trazos diferentes a distancia se fusionan y dan color deseado, muy utilizado por los impresionistas franceses.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), hijo del compositor, pintó paisajes, lienzos sobre temas históricos y trabajó como artista de teatro. Pero fueron principalmente sus retratos los que le dieron fama.

En 1887, Serov, de 22 años, estaba de vacaciones en Abramtsevo, la dacha del filántropo S.I. Mamontov, cerca de Moscú. Entre sus muchos hijos, el joven artista era su propio hombre, un participante en sus ruidosos juegos. Un día, después del almuerzo, dos personas se quedaron accidentalmente en el comedor: Serov y Verusha Mamontova, de 12 años. Se sentaron a la mesa en la que había melocotones, y durante la conversación Verusha no se dio cuenta de cómo el artista comenzaba a dibujar su retrato. El trabajo duró un mes y Verusha estaba enojada porque Anton (como llamaban a Serov en casa) la obligaba a sentarse en el comedor durante horas.

A principios de septiembre se completó "La chica de los melocotones". A pesar de su pequeño tamaño, el cuadro, pintado en tonos rosa dorado, parecía muy “espacioso”. Había mucha luz y aire en él. La niña, que se sentó a la mesa por lo que pareció un minuto y fijó su mirada en el espectador, encantó con su claridad y espiritualidad. Y todo el lienzo estaba cubierto de una percepción puramente infantil de la vida cotidiana, cuando la felicidad no es consciente de sí misma y hay toda una vida por delante.

Los habitantes de la casa Abramtsevo, por supuesto, entendieron que había ocurrido un milagro ante sus ojos. Pero sólo el tiempo da valoraciones finales. Colocó a “La muchacha de los melocotones” entre los mejores retratos de la pintura rusa y mundial.

Al año siguiente, Serov logró casi repetir su magia. Pintó un retrato de su hermana Maria Simonović (“Niña iluminada por el sol”). El nombre es un poco inexacto: la niña está sentada a la sombra y los rayos del sol de la mañana iluminan el claro del fondo. Pero en la imagen todo está tan unido, tan unido: la mañana, el sol, el verano, la juventud y la belleza, que mejor nombre es difícil de encontrar.

Serov se convirtió en un retratista de moda. Escritores famosos, actores, artistas, empresarios, aristócratas e incluso reyes posaron frente a él. Aparentemente, no todos los que escribió tenían el corazón puesto en ello. Algunos retratos de la alta sociedad, a pesar de su técnica de filigrana, resultaron fríos.

Durante varios años, Serov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Era un profesor exigente. Serov, oponente de las formas congeladas de pintura, creía al mismo tiempo que las búsquedas creativas debían basarse en un sólido dominio de las técnicas del dibujo y la escritura pictórica. Muchos maestros destacados se consideraban alumnos de Serov. Esta es la Sra. Saryan, K.F. Yuon, P.V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Muchas pinturas de Repin, Surikov, Levitan, Serov y los "Vagabundos" terminaron en la colección de Tretyakov. Pavel Mikhailovich Tretyakov (1832-1898), representante de una antigua familia de comerciantes de Moscú, fue una persona inusual. Delgado y alto, con una espesa barba y una voz tranquila, parecía más un santo que un comerciante. Comenzó a coleccionar pinturas de artistas rusos en 1856. Su afición se convirtió en el principal negocio de su vida. A principios de los 90. la colección alcanzó el nivel de un museo, absorbiendo casi toda la fortuna del coleccionista. Posteriormente pasó a ser propiedad de Moscú. Galería Tretiakov se ha convertido en un museo mundialmente famoso de pintura, gráfica y escultura rusas.

En 1898, se inauguró el Museo Ruso en San Petersburgo, en el Palacio Mikhailovsky (creación de K. Rossi). Recibió obras de artistas rusos del Hermitage, la Academia de las Artes y algunos palacios imperiales. La apertura de estos dos museos pareció coronar los logros de la pintura rusa del siglo XIX.