Artista obsceno. Pablo Gauguin. Un genio que no recibió fama Se vuelve a utilizar la técnica de “revitalizar” un monumento y convertir a una persona viva en un monumento. Estrictas estatuas frontales de madera de mujeres portadoras de mirra de luto por el Salvador, una imagen trágica

En el verano de 1895 en Papeete, el principal puerto colonia francesa Tahití, estaba atracado el vapor "Australian", que zarpó de Marsella hace unos meses. Los pasajeros de segunda clase se agolpaban en el piso superior. El espectáculo que encontraron ante sus ojos no causó mucha alegría: un muelle construido con troncos toscamente tallados, una hilera de casas encaladas bajo techos de palma, una catedral de madera, un palacio del gobernador de dos pisos, una choza con la inscripción "Gendarmería". ..

Paul Gauguin tiene 47 años, una vida arruinada y esperanzas destrozadas, no hay nada por delante: un artista ridiculizado por sus contemporáneos, un padre olvidado por sus propios hijos, un escritor que se convirtió en el hazmerreír de los periodistas parisinos. El vapor se dio la vuelta, golpeó su costado contra los troncos del muelle, los marineros arrojaron la pasarela y una multitud de empresarios y funcionarios bajó en tropel. Luego vino un hombre alto, encorvado, de edad prematura, que vestía una blusa holgada y pantalones anchos. Gauguin caminaba lentamente; realmente no tenía adónde apresurarse.

El diablo que cuidaba de su familia pasó factura, y hubo un tiempo en que él, ahora un artista marginado que compartía el destino de sus parientes locos, era considerado el más próspero de los burgueses.

Durante la Revolución Francesa, su bisabuela Teresa Lene partió hacia España. Allí se llevó de la familia a un noble noble, comandante de un regimiento de dragones y poseedor de la Orden de Santiago, Don Mariano de Tristán Moscoso. Cuando murió, Teresa, no queriendo jugar y humillarse ante los familiares de su marido soltero, reclamó derechos sobre toda su fortuna, pero no recibió ni un céntimo y murió en la pobreza y la locura.

Su abuela era muy conocida en los barrios obreros de París: Flora se escapó de un grabador tranquilo, perdidamente enamorada de su encantadora furia. El pobre hombre intentó durante mucho tiempo devolver a su esposa infiel, la molestó con cartas y le suplicó que le permitieran reunirse. Sin embargo, esto no ayudó, y un buen día Antoine Chazal, el abuelo de la futura artista, se presentó ante ella con una pistola cargada. La herida de Flora resultó ser inofensiva, pero su belleza y la total falta de remordimiento de su marido causaron la impresión adecuada en el jurado: la corte real envió al grabador a trabajos forzados de por vida. Y Flora se fue a América Latina. El hermano de Don Mariano, que se instaló allí, no le dio ni un centavo a su sobrina perdida, y después de eso Flora odió para siempre a los ricos: recaudó dinero para los presos políticos, golpeando a los participantes en reuniones clandestinas con discursos violentos y estricta belleza española.

Su hija era una mujer tranquila y sensata: Alina Gauguin logró llevarse bien con sus parientes españoles. Ella y su hijo se establecieron en Perú, en el palacio del anciano Don Pío de Tristán Moscoso. El millonario de ochenta años la trataba como a una reina; el pequeño Paul heredaría una cuarta parte de su fortuna. Pero el demonio que se apoderó de esta familia esperaba entre bastidores: cuando Don Pío murió y sus herederos directos, en lugar de una gran fortuna, ofrecieron a Alina sólo una pequeña anualidad, ella se negó e inició un pleito desesperado. Como resultado, Alina pasó el resto de su vida en una pobreza terrible. El abuelo de Paul Gauguin vestía una túnica a rayas y llevaba una cadena a la que estaba encadenada una bala de cañón, el nombre de su abuela adornaba los informes policiales y él, para sorpresa de todos sus familiares, creció hasta convertirse en una persona sensata y servicial: su jefe, corredor de bolsa. Paul Bertin, no podía presumir de él.

Un carruaje tirado por una pareja de negros, una acogedora mansión llena de muebles antiguos y porcelana antigua: la esposa de Gauguin, una danesa rubia y curvilínea, Metta, estaba feliz con la vida y con su marido. Tranquilo, económico, no bebedor, trabajador: simplemente no se le puede sacar una palabra más ni siquiera con las pinzas. Ojos fríos de color azul grisáceo, ligeramente cubiertos por párpados pesados, hombros de un martillo: Paul Gauguin, herraduras dobladas. Casi estranguló a un colega que, en broma, se arrancó su chistera en el suelo de la Bolsa de París. Pero si no estaba enojado, se quedaba dormido mientras caminaba. A veces salía en camisón con los invitados de su esposa. Sin embargo, la pobre Metta no sospechaba que la mansión, la partida y la cuenta bancaria (y ella misma) eran un malentendido, un accidente, ajeno al verdadero Paul Gauguin.

En su juventud sirvió en la marina mercante, navegando a través del Atlántico en barcos de vela, trepó a los obenques, colgado sobre el océano tormentoso en un enorme mástil oscilante. Gauguin se hizo a la mar como un simple marinero y ascendió al rango de teniente. Luego vino la corbeta de combate Jerome Napoleón, los viajes de investigación a los mares del Norte y la guerra con Prusia. Siete años después, Paul Gauguin fue descartado. Consiguió trabajo en la Bolsa y la vida transcurrió como un reloj... Hasta que intervino la pintura.

Lo mejor del dia

La orilla donde descendió Gauguin brillaba con todos los colores del arco iris: hojas de palmera de color verde brillante, agua que brillaba como acero fundido y frutas tropicales multicolores se fusionaron en un espectáculo fantástico y deslumbrante. Sacudió la cabeza y cerró los ojos; le pareció que había pisado su propio lienzo, que había entrado fácil y sin esfuerzo en el mundo que había perseguido su imaginación durante muchos años. Pero los colores del dios local eran quizás más brillantes que los de Paul Gauguin; valdría la pena mirar a Papeete tomando el sol de la tarde para aquellos que lo consideraban loco.

Su esposa fue la primera en llamarlo así cuando le dijo que dejaba la bolsa para pintar. Tomó a los niños y se fue a su casa en Copenhague. Los críticos de los periódicos e incluso sus amigos se hicieron eco de ella, que a menudo lo ayudaban con un trozo de pan: hubo un tiempo en que caminaba por París con zuecos de madera, sin un centavo en el bolsillo, sin saber cómo alimentar a su hijo, que no quería. separarse de él. El niño a menudo se resfriaba y enfermaba, y el padre no tenía nada con qué pagarle al médico ni con qué comprar pinturas: los ahorros del ex corredor de bolsa se desperdiciaron en seis meses y nadie quería comprar sus pinturas.

Por las noches, se encendían lámparas de gas de color amarillo pálido en las calles de París; los techos de cuero de los taxis brillaban bajo la lluvia, gente elegantemente vestida salía de teatros y restaurantes; A la entrada del Salón, donde expusieron artistas reconocidos por el público y conocedores, colgaban carteles luminosos. Y él, hambriento y mojado, chapoteaba entre los charcos con sus enormes zuecos deslizándose sobre los adoquines húmedos. Era pobre, pero no se arrepentía de nada: Gauguin sabía con certeza que la gloria le esperaba por delante.

Todo el territorio de Tahití pertenecía a la misión católica, y la primera visita de Gauguin fue a su jefe, el obispo Martín. La diócesis no desperdició sus bienes: antes de que Gauguin convenciera al santo padre de que le vendiera un terreno para la construcción de una cabaña, el artista tuvo que soportar muchas misas y confesarse más de una vez. Pasaron los años y el padre Martín, que envejeció y vivió su vida en uno de los monasterios provenzales, compartió voluntariamente sus recuerdos con los admiradores de Gauguin que lo visitaban; en su opinión, el principal enemigo del artista era la falta de ambición y orgullo: “ Para juzgar lo que Paul Gauguin hizo por el arte, tal vez solo sea Dios, pero fue un hombre cruel. Mire sabiamente, señor, dejó a su esposa sin un centavo, le permitió quitarle cinco hijos y no escuché una palabra de arrepentimiento. De él, un hombre adulto abandonó un negocio que le daba un pedazo de pan seguro por el arte, pero hay que aprender a pintar desde pequeño. ¡Y sería bueno que se contentara con el modesto destino de un hombre! siervo honesto de las musas, transfiriendo concienzudamente las maravillosas creaciones de Dios al lienzo. Pero no: el loco mismo quería compararse con el Señor, reemplazó el mundo de Dios con los frutos de su loca imaginación. Se rebeló contra Dios, como un ángel de las tinieblas. , y el Señor lo arrojó, como a Satanael, - el artista Gauguin acabó sus días en borrachera y libertinaje, sufriendo una enfermedad vergonzosa..."

Durante la vida del artista, el padre Martín utilizó este texto más de una vez en los sermones dominicales. Tenía sus propios motivos para estar descontento con el mestizo visitante: Gauguin robó a la más bella de sus amantes, Henriette, una estudiante de la escuela misionera de catorce años, e incluso escribió a París acerca de cómo, durante una misa solemne, Henriette agarró el cabello de el ama de llaves de hogar abierto. Sus palabras: “¡El obispo te compró un vestido de seda porque tú, la zorra, te acuestas más a menudo con él!” gracias a Gauguin llegaron a la propia Roma; el padre Martín permaneció en la memoria del clero sólo gracias a ellos.

Gauguin ya no iba a los sermones dominicales, le importaba un comino el obispo, pero aún así conocía de vista a sus demonios: en la vejez una persona se vuelve más sabia y comienza a comprender, si no sobre las personas, entonces sobre sí mismo. La cabaña le costó mil francos; otros trescientos francos se destinaron a ciento cincuenta litros de absenta, cien litros de ron y dos botellas de whisky. Unos meses más tarde, el comerciante de arte parisino debía enviarle otros mil, pero hasta el momento el dinero restante sólo alcanzaba para jabón, tabaco y bufandas para las mujeres nativas que lo visitaban. Bebía, pintaba, tallaba madera, hacía el amor y sentía cómo todo lo que le poseía desaparecía. últimos años- el hombre que se consideraba el Señor Dios ya no existía.

Hace apenas unos años, despreciaba a quienes lo rodeaban. Era pobre y no reconocido, mientras que los artistas que trabajaban de manera tradicional lucían trajes caros y exponían sus obras en todos los salones. Pero Gauguin se comportó como un profeta, y los jóvenes, buscando ídolos, lo siguieron; de él emanaba un sentimiento de fuerza casi místico. Ruidoso, decisivo, grosero, excelente esgrimista, excelente boxeador, les decía a quienes lo rodeaban directamente en la cara lo que pensaba de ellos, y al mismo tiempo no se andaba con rodeos. Para él, el arte era en lo que él mismo creía; necesitaba sentirse como el centro del Universo; de lo contrario, el sacrificio que le hizo a su demonio parecía absurdo y monstruoso. Mette, la viuda de paja de Paul Gauguin, se lo contó a un periodista que se encontraba en el mismo compartimento que ella; esto sucedió a principios del siglo XX, unos años después de su muerte. ex marido enterrado en Tahití.

El corresponsal de la Gazette de France confundió al principio a la dama, tumbada libremente en el sofá, con un caballero. Un señor regordete y rubio, vestido con un traje de viaje masculino, bebía coñac en una pequeña petaca plana, fumaba un largo cigarro habano y sacudía las cenizas directamente sobre el lujoso sofá. El conductor lo reprendió, el “maestro” se indignó y pidió a su compañero cualquiera que intercediera por… la pobre mujer indefensa. Se conocieron, empezaron a hablar y en casa el aspirante a escritor anotó lo que recordaba del monólogo de la viuda del misterioso Paul Gauguin, que empezaba a ponerse de moda.

"Pablo estaba niño grande. Sí, un joven, un niño: enojado, egoísta y terco. Inventó todo su poder; tal vez las putas tahitianas y los estudiantes tontos le creyeron, pero nunca logró engañarme. ¿Por qué crees que se casó conmigo... es decir, por qué se casó conmigo? ¿Crees que necesitaba una mujer? Tonterías, entonces no les prestó atención a las mujeres. Paul Gauguin buscaba una segunda madre: necesitaba paz, calidez, protección... Hogar. ¡Le di todo esto y él me dejó! Me fui con cinco hijos, sin un solo franco... Sí, sé lo que dicen de mí y me importa un carajo.

Sí, vendí su colección de cuadros y no le envié ni una moneda. Y prohibió a los niños que le escribieran. Sí, no lo dejé acercarse a mí cuando llegó a Dinamarca... ¿Por qué me miras así, joven? Solo estoy siendo franco. Por Dios, los hombres son peores que las mujeres. Y Paul, a pesar de sus puños, también era mujer, hasta que el diablo le inspiró que era artista. Y él, el maldito egoísta, empezó a bailar en torno a su talento. ¡Y soy una mujer de buena familia! - Tuve que alimentarme con lecciones. Ahora el malvado ha explicado lo mismo a todos los cretinos obsesionados por el arte, y los tontos ricos pagan decenas de miles de francos por su pintura... Malditos sean todos, no me queda ni un solo cuadro suyo, ¡Los vendí todos por unos centavos!..."

Mette Gauguin, de soltera Gad, siempre se distinguió por su franqueza, su humor grosero y cierta masculinidad; V años maduros Incluso empezó a parecerse a un dragón. Pero Gauguin la amaba: en Tahití esperaba sus cartas y estaba terriblemente preocupado de que aquellos que la habían olvidado y Francés, y los hijos del padre imbécil medio loco no lo felicitan por su cumpleaños. Paul Gauguin era un hombre de deber: sabía que el padre estaba obligado a cuidar de su descendencia, el hecho de haber abandonado a su familia no le permitía dormir tranquilo. Sus dueños anteriores lo invitaron a regresar; lo invitaron a trabajar para una compañía de seguros: una jornada laboral de ocho horas y un salario muy decente. Al final, podía pintar como todos los demás, vender cuadros y vivir feliz... Pero esto estaba absolutamente fuera de discusión: Gauguin no pensaba en mañana, sino sobre futuros biógrafos.

Ciento cincuenta litros de absenta duraron mucho tiempo. Bebió, dio agua a los indígenas que acudieron a la luz, se emborrachó, se tendió en una hamaca, cerró los ojos y miró los rostros que flotaban frente a él. Un van Gogh, pelirrojo y ardiente, emergió de la oscuridad: ojos locos, una navaja de afeitar apretada en su mano temblorosa. Fue en Arlés, la noche del veintidós de diciembre de 1888. Se despertó a tiempo y el loco se alejó murmurando algo incoherente. A la mañana siguiente, Vincent fue encontrado inconsciente en una cama ensangrentada, con la oreja cortada; una prostituta de un burdel cercano dijo que por la noche irrumpió en su habitación, se metió un trozo de carne ensangrentada en las manos y salió corriendo gritando. : “¡Toma esto como un recuerdo mío…”

Vivían en la misma casa, pintaban juntos, iban con las mismas putas: Paul se distinguía por su buena salud y no le importaba nada, y el frágil y enfermizo Van Gogh no podía soportar esa vida. Las cosas extrañas comenzaron cuando Gauguin anunció que se iba a ir a Tahití: Vincent amaba a su amigo y tenía miedo de quedarse solo, un ataque de nervios causó confusión.

Su maestro, Pizarro, de barba gris, brillaba con sus ojos; no perdonó a Gauguin su frenético deseo de éxito: “Un verdadero artista debería ser pobre y no reconocido, debería preocuparse por el arte y no por la opinión de críticos idiotas. Pero este hombre se declaró genio y cambió las cosas para que nosotros, sus amigos, tengamos que cantar con él. Paul me obligó a ayudarlo con la exposición, te obligó a escribir un artículo sobre ello... ¿Y por qué diablos? ¿Se arrastra a Panamá, Martinica y Tahití? ¿Un verdadero artista encontrará vida en París? “No se trata de oropel exótico, sino de lo que hay en tu alma”.

Pablo le contó sobre esto. mejor amigo, periodista Charles Maurice. “El australiano” partió por la mañana, bebieron toda la noche y Gauguin no explicó por qué Panamá y Martinica aparecieron en su vida.

El lienzo azul oscuro del océano, el viento cantando en los sudarios, las casas blancas en la orilla: llegó a Panamá con la esperanza de encontrar allí nuevas impresiones y un trabajo que le permitiera ganar un trozo de pan. Pero en América Latina no se necesitaban artistas ni vendedores ambulantes, y Gauguin tuvo que trabajar como peón: no había mejor vacante. Durante el día empuñaba una pala, se frotaba las manos hasta convertirlas en ampollas de sangre, y por la noche lo atormentaban los mosquitos. Luego también perdió su trabajo y se mudó varios miles de kilómetros desde Panamá a Martinica: allí el fruto del pan no valía nada, se podía sacar agua de un manantial y las mujeres criollas sólo vestían taparrabos. Del infierno en que se había convertido París para el artista pobre y no reconocido, pasó a un paraíso terrenal que cobró vida en sus lienzos. Los llevó a Francia en un bergantín mercante; no había dinero para el viaje de regreso y tuvo que contratar a un marinero. La exposición que organizó al regresar a casa fracasó con un estrépito ensordecedor: una inglesa sorprendida señaló la pintura con el dedo y chilló enojada "¡Perro rojo!" (“¡Perro Rojo!”) todavía está ante sus ojos.

La primera vez que vino a vivir a Tahití estaba harto de Francia. Estaba feliz de nuevo: su trabajo era fácil; Tehura, de dieciséis años, una chica de rostro largo y oscuro y cabello ondulado, estaba esperándola en la cabaña; Por la noche, una luz nocturna ardía lentamente en la cabaña: Tehura tenía miedo de los fantasmas que esperaban entre bastidores; Por la mañana sacó agua del pozo, regó el jardín y se paró junto al caballete. Una vida así podría haber durado para siempre, pero los cuadros que quedaron en París no se vendieron y los galeristas no enviaron ni un centavo. Pasó un año y sus amigos tuvieron que rescatarlo de Tahití: la pobreza de la que huyó también lo alcanzó aquí.

La segunda vez que Gauguin vino aquí a morir: el dinero debería haber sido suficiente para un año y medio, se preparó arsénico como último recurso... La dosis resultó ser demasiado grande: vomitó toda la noche, se quedó en la cama. Durante tres días, y después de recuperarse, solo sintió una fría indiferencia. No quería nada más, ni siquiera la muerte.

Muchos años después, Charles Maurice recordó su velada de despedida. En la exposición que tuvo lugar el día anterior, Gauguin vendió muchas obras; el Departamento de Bellas Artes le consiguió un descuento del treinta por ciento en un billete a Oceanía. Todo iba bien, pero inesperadamente, el inflexible y grosero Gauguin, que no dejaba entrar a nadie en su alma, hundió la cabeza entre las manos y rompió a llorar.

Llorando, dijo que ahora que había logrado al menos algo, sentía aún más intensamente todo el peso del sacrificio que había hecho: los niños permanecían en Copenhague y nunca los volvería a ver. La vida ha pasado, la vivió como un perro callejero, y el objetivo al que estaba dedicado todo se le sigue escapando. Un artista debe ser apreciado no sólo por una docena de conocedores, sino también por la gente de la calle; Lo que hizo puede resultar inútil para nadie. ¿Y por qué sacrificó entonces a sus hijos y a la mujer que amaba?

En Tahití no volvió a esto: Gauguin borró a Mette de su corazón y ya no pensó en su arte. Escribió poco y sintió cómo su sentido artístico, sus manos y sus ojos fueron siendo traicionados gradualmente, pero ciento cincuenta litros de absenta se estaban acabando y las bellezas nativas no abandonaban la cabaña de Gauguin.

Antes de salir de Francia, contrajo sífilis: un policía le advirtió que la chica que había conocido en un baile barato no se encontraba bien, pero Gauguin le hizo caso omiso. Ahora le fallaban las piernas y caminaba apoyándose en dos palos: en el mango de uno, el artista talló un falo gigante, en el otro representaba a una pareja fusionándose en una lucha amorosa (ambos bastones se encuentran ahora en el Museo de Nueva York). Las tallas obscenas con las que Gauguin cubrió las vigas de su cabaña migraron posteriormente a la colección de Boston, y las estampas pornográficas japonesas que decoraban su dormitorio se vendieron a colecciones privadas. La fama de Gauguin comenzó ya entonces, a decenas de miles de kilómetros de Tahití, en Francia. Comenzaron a comprar sus cuadros, se escribieron artículos sobre él, pero él no sabía nada al respecto y se divertía peleándose con el obispo, el gobernador y el sargento de la gendarmería local. Animó a los nativos a no enviar a sus hijos a escuelas misioneras y a no pagar impuestos; las palabras "pagaremos cuando Gauguin pague" se convirtieron en una especie de dicho local. Gauguin publicó un periódico con una tirada de 20 ejemplares (ahora cada uno vale su peso en oro), en el que publicó caricaturas de funcionarios locales, acudió a los tribunales, pagó multas y pronunció discursos enojados y estúpidos: vida real terminó, y ahora se estaba engañando a sí mismo: las riñas y las riñas lo convencieron de que todavía existía.

Murió la noche del 9 de mayo de 1903. Los enemigos decían que el artista se suicidó, los amigos estaban seguros de que lo mataron: una enorme jeringa con restos de morfina que yacía en la cabecera de la cama hablaba a favor de ambas versiones. El obispo Martín enterró al muerto, el gendarme vendió sus bienes en una subasta (el casto sargento Charpillot envió a la basura los dibujos más obscenos), las autoridades coloniales enterraron al infortunado y cerraron el caso...

Sus pinturas, inicialmente valoradas en 200 - 250 francos, ahora cuestan decenas de miles, y Metta no pudo encontrar un lugar para ella: toda una fortuna pasó flotando por sus manos. Pasaron veinte años, subieron de precio cientos de veces más, y luego los hijos de Gauguin, que habían despreciado a su padre toda su vida, comenzaron a llorar; si no fuera por la estupidez de su madre, podrían haber vivido en sus propias propiedades y haber volado. aviones privados. Mi padre se convirtió en uno de los artistas más caros del mundo.

Luego llegó el turno de lamentarse a los descendientes de los posaderos que lo metieron en las peores habitaciones. Gauguin pagaba con sus lienzos, que servían como lecho para perros y gatos, para reparar zapatillas y servían como alfombras; la gente no entendía los embadurnamientos del excéntrico...

Año tras año, sus nietos y bisnietos hurgan en áticos y sótanos, sacudiendo cosas viejas arrojadas en graneros abandonados, con la esperanza de encontrar montones de oro escondidos debajo de viejos collares y arneses, entre trapos con olor a ratón: el preciado lienzo. de un pobre artista vagabundo.

Fuente de información: Jean Perrier, revista CARAVAN OF STORIES, enero de 2000.

Acerca de Gauguin
Puerto pequeño 20.12.2006 12:42:48

¡Simplemente me sorprendió lo hombre que era! Ciertamente no era un hipócrita. El apasionado Gauguin sufrió mucho. Hay algo en eso.

Paul Gauguin nació en París el 7 de junio de 1848. Su padre, Clovis Gauguin (1814-1849), era periodista del departamento de crónica política de la revista National de Thiers y Armand Mar, obsesionado con la radicalidad. ideas republicanas; Su madre, Alina María (1825-1867), provenía de una familia adinerada del Perú. Su madre fue la famosa Flora Tristán (1803-1844), quien compartió las ideas del socialismo utópico y publicó el libro autobiográfico "Las andanzas de un paria" en 1838.

Al comienzo de su biografía, Paul Gauguin era marinero y más tarde un exitoso corredor de bolsa en París. En 1874 empezó a pintar, inicialmente los fines de semana.

Luchando contra la “enfermedad” de la civilización, Gauguin decidió vivir según los principios del hombre primitivo. Sin embargo, una enfermedad física le obligó a regresar a Francia. Paul Gauguin pasó los años siguientes de su biografía en París, Bretaña, haciendo una breve pero trágica parada en Arles con Van Gogh.

La obra de Gauguin.

A los 35 años, con el apoyo de Camille Pissarro, Gauguin se dedicó por completo al arte, abandonando su estilo de vida, alejándose de su esposa y sus cinco hijos.

Habiendo establecido una conexión con los impresionistas, Gauguin expuso su obra con ellos de 1879 a 1886.

Al año siguiente partió hacia Panamá y Maritinica.

En 1888, Gauguin y Emile Bernard propusieron una teoría sintética del arte (simbolismo), dando significado especial Planos y reflejos de luz, colores antinaturales en combinación con objetos simbólicos o primitivos. El cuadro de Gauguin "El Cristo amarillo" (Galería Albright, Buffalo) es una obra característica de la época.

En 1891, Gauguin vendió 30 cuadros y luego utilizó las ganancias para viajar a Tahití. Allí pasó dos años viviendo en la pobreza, pintó algunas de sus últimas obras y también escribió Noa Noa, un cuento autobiográfico.

En 1893, la biografía de Gauguin incluía un regreso a Francia. Presentó varias de sus obras. Con esto, el artista renovó el interés del público, pero ganó muy poco dinero. Destrozado de espíritu, enfermo de sífilis, que le causaba dolores durante muchos años, Gauguin se trasladó nuevamente a los mares del sur, a Oceanía. Gauguin pasó allí los últimos años de su vida, donde sufrió irremediablemente y físicamente.

En 1897, Gauguin intentó suicidarse, pero fracasó. Luego pasó otros cinco años dibujando. Murió en la isla de Hiva Oa (Islas Marquesas).

Hoy Gauguin es considerado un artista que ha tenido un impacto extraordinario. gran influencia para el arte contemporáneo. Rechazó el naturalismo occidental tradicional y utilizó la naturaleza como punto de partida para figuras y símbolos abstractos. Hizo hincapié en los patrones lineales y las sorprendentes armonías de colores que imbuyeron a sus pinturas de un fuerte sentido de misterio.

A lo largo de su vida, Gauguin revitalizó el arte de la impresión en madera, realizando trabajos con cuchillo libres y atrevidos, así como formas expresivas, no estándar y fuertes contrastes. Además, Gauguin creó varias hermosas litografías y obras de cerámica.

El artista nació en París, pero pasó su infancia en Perú. De ahí su amor por los países exóticos y tropicales. norte

y muchas de las mejores pinturas tahitianas del artista representan a Tehura, de 13 años, a quien sus padres voluntariamente entregaron como esposa a Gauguin. Las relaciones frecuentes y promiscuas con chicas locales hicieron que Gauguin enfermara de sífilis. Mientras esperaba a Gauguin, Tehura a menudo permanecía acostado en la cama todo el día, a veces en la oscuridad. Las razones de su depresión eran prosaicas: la atormentaban las sospechas de que Gauguin había decidido visitar prostitutas.

Mucho menos conocidas son las cerámicas realizadas por Gauguin. Su técnica cerámica es inusual. No utilizó torno de alfarero, esculpió exclusivamente con las manos. Como resultado, la escultura parece más tosca y primitiva. Valoraba tanto las obras de cerámica como sus pinturas.

Gauguin cambió fácilmente de técnicas y materiales. También estaba interesado en la talla de madera. A menudo experimentaba dificultades económicas y no podía comprar pinturas. Luego tomó el cuchillo y la madera. Decoró las puertas de su casa en las Islas Marquesas con paneles tallados.

En 1889, tras estudiar a fondo la Biblia, pintó cuatro lienzos en los que se representaba a sí mismo a imagen de Cristo. No consideró esta blasfemia, aunque admitió que su interpretación era controvertida.

Respecto al cuadro particularmente escandaloso “Cristo en el huerto de Getsemaní”, escribió: “Este cuadro está condenado a ser malinterpretado, por eso me veo obligado a ocultarlo durante mucho tiempo.

En su interés por lo primitivo, Gauguin se adelantó a su tiempo. La moda del arte de los pueblos antiguos llegó a Europa recién a principios del siglo XX (Picasso, Matisse)

Detalles Categoría: Bellas artes y arquitectura del siglo XIX Publicado el 03/08/2017 15:08 Vistas: 1575

Gauguin no fue artista profesional, comenzó a pintar como aficionado. Sin embargo, más tarde se convirtió en el mayor representante del postimpresionismo.

P. Gauguin “Van Gogh y los girasoles” (1888)
Su infancia en Perú hizo que Gauguin ansiara lugares exóticos. El artista consideraba la civilización como una enfermedad. Quería fusionarse con la naturaleza, por eso en 1891 partió hacia Tahití (Polinesia Francesa) y escribió mucho aquí. De corta duración, durante 2 años, regreso a Francia, y de nuevo salida (para siempre) a Oceanía: primero a Tahití, y desde 1901 a la isla de Hiva Oa (Islas Marquesas). Aquí se casa con una joven tahitiana y trabaja: escribe lo mejor pinturas, historias, trabaja como periodista. Entrelaza observaciones de la vida real y cotidiana de los pueblos de Oceanía con mitos locales.
Aquí murió Paul Gauguin en 1903.

Obras de Paul Gauguin

La fama llegó a Gauguin después de su muerte. Veamos algunas de sus obras.

P. Gauguin “Calvario Bretón” (“Cristo Verde”) (1889). Óleo sobre lienzo. 73,5 x 92 cm. Museo Real de Bellas Artes (Bruselas)
En las cercanías de Pont-Aven, Gauguin veía a menudo antiguos crucifijos de piedra. Estaban cubiertos de musgo. La pintura fue creada por él bajo la impresión de estos ídolos antiguos.

P. Gauguin “Mujer con flor” (1891). Óleo sobre lienzo. 70,5 x 46,5 cm. Nueva Carlsberg Glyptotek (Copenhague)
Esta pintura fue creada por un artista en Tahití y es la primera de las pinturas del ciclo tahitiano. Él mismo describió la historia de su creación. La mujer es vecina de Gauguin, acudió a él interesada por los cuadros de la pared (reproducciones de cuadros de Manet y otros artistas). Aprovechó esta visita para dibujar un retrato de una mujer tahitiana, pero ella se escapó. Una hora más tarde regresó vestida con un vestido elegante y con una flor en el pelo. No cumplía con los estándares europeos, pero Gauguin vio en sus rasgos una armonía rafaeliana.
El fondo amarillo y rojo del retrato está decorado con flores estilizadas. La flor del pelo de la mujer es una gardenia de Tahití. Esta flor también se utiliza para elaborar perfumes.

P. Gauguin “El espíritu de los muertos no duerme” (1892). Óleo sobre lienzo. 72,4 x 92,4 cm. Galería de arte Albright-Knox (Buffalo, Nueva York)
La pintura también pertenece al ciclo tahitiano. Mezclar ficción con realidad era característico de la cultura tahitiana. La joven está basada en Tehura, la joven esposa tahitiana de Gauguin. El espíritu se representa como una mujer corriente. El fondo violeta sombrío del cuadro crea una atmósfera mística.
El lienzo fue creado como resultado de un hecho real: Gauguin se retrasó en su camino hasta que oscureció. Tehura lo estaba esperando, pero se acabó el aceite de la lámpara y ella yació en la oscuridad. Al entrar en la casa, encendió una cerilla, lo que la asustó mucho: lo confundió con un fantasma. Los tahitianos tenían mucho miedo a los fantasmas. Gauguin representó al fantasma en la forma de una mujer corriente, porque... Los tahitianos que no habían leído libros ni habían ido al teatro sólo podían tomar una idea de ellos de la vida real.

P. Gauguin “Oh, ¿estás celoso?” (1892). Óleo sobre lienzo. 66x89cm. Museo Estatal Bellas Artes que lleva el nombre. COMO. Pushkin (Moscú)
La pintura fue pintada durante el período polinesio de la obra de Gauguin. Está basado en una escena de la vida, que luego describió en el libro “Noa Noa”: “Hay dos hermanas en la orilla. Acaban de nadar y ahora sus cuerpos están tumbados en la arena en poses voluptuosas e informales, hablando del amor de ayer y del que vendrá mañana. Un recuerdo causa discordia: “¿Cómo? ¡Estás celoso!

P. Gauguin “Mujer sosteniendo una fruta” (1893). Óleo sobre lienzo. 92,5x73,5cm. Museo Estatal del Hermitage(San Petersburgo)
La pintura representa un pueblo tahitiano. Se ven dos sencillas cabañas con techo de paja. En primer plano del cuadro hay una joven tahitiana que sostiene en sus manos un mango de color verde limón. Su rostro es serio y expresivo, su mirada atenta. Se cree que la joven esposa de Gauguin, Tahitian Tehura, le sirvió de modelo.
El paisaje de Tahití se muestra de forma general: en la imagen no hay rayos de sol ni vibraciones del aire, pero el calor del sol tropical se siente en el color de la piel de la mujer, en el azul del cielo y en el quietud de las ramas. La mujer parece ser una parte integral de la naturaleza.

P. Gauguin “Nunca más” (1897). Óleo sobre lienzo. Instituto de Arte Courtauld (Londres)
La pintura es una de las pinturas más famosas de Paul Gauguin, pintada en Tahití.
Una chica tahitiana desnuda yace en una cama rica. Parece estar escuchando atentamente algo. Al fondo se ve una puerta, y en ella hay dos personas hablando. Cerca - pájaro negro, similar a un cuervo.
La combinación de colores de la imagen es sombría, por lo que la imagen es alarmante. Y la mujer acostada en la cama parece alarmada: mira al cuervo o a los que conversan en la habitación de al lado. Pinceladas gruesas, colores brillantes y expresivos anticipan el expresionismo.

P. Gauguin “¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? (1897-1898). Óleo sobre lienzo. 131,1 x 374,6 cm Museo de Bellas Artes (Boston, EE.UU.)
Esta es una de las pinturas más famosas de Paul Gauguin. El artista consideró esta obra como la culminación sublime de sus pensamientos.
Tras finalizar este cuadro, Gauguin decidió suicidarse. Gauguin llegó a Tahití en 1891 con la esperanza de encontrar un paraíso en la tierra, al margen de la civilización, donde poder volver a lo básico. arte primitivo. Pero la realidad lo decepcionó.
Indicó que el cuadro debe leerse de derecha a izquierda: tres grupos principales de figuras ilustran las preguntas planteadas en el título. Tres mujeres con un niño representan el comienzo de la vida; el grupo medio simboliza la existencia cotidiana de la madurez; en el grupo final, según el proyecto del artista, “la anciana, acercándose a la muerte, parece reconciliada y entregada a sus pensamientos”, a sus pies “un extraño pájaro blanco...representa la inutilidad de las palabras.” El ídolo azul del fondo representa el "otro mundo". Sobre la integridad del cuadro, dijo lo siguiente: “Creo que este cuadro no solo supera a todos mis anteriores, y que nunca crearé algo mejor o incluso similar”.
La pintura fue realizada en estilo postimpresionista. El claro uso de colores y trazos gruesos todavía ilustra los principios del impresionismo, pero la emotividad y el poder del expresionismo también son evidentes.

Mujeres de Paul Gauguin

La primera vez que vino a vivir a Tahití estaba harto de Francia.
La segunda vez que Gauguin vino aquí a morir...

El pintor temperamental se sentía más atraído por las mujeres. Por las noches, Paul iba a un “baile” local en el parque de la capital, donde tocaba una banda de música. Aquí hay una descripción dejada por un contemporáneo: “En todas partes se ven grupos de mujeres isleñas con largos vestidos blancos, con espeso cabello negro, ojos oscuros y tentadores labios sensuales. Cada una tiene una magnífica gardenia blanca en su cabello negro; se sientan cómodamente sobre esteras, se abanican y fuman largos cigarrillos kanaka. Apenas visibles en la penumbra, tan propicia para el coqueteo y la conversación íntima, aceptan elogios, elogios y comentarios humorísticos de los hombres con el delicioso encanto inherente a estos habitantes del trópico, tan picantes gracias a su inmoralidad y su lenguaje increíblemente atrevido. y alegría desenfrenada. >

Mujeres tahitianas en la costa. 1891. París. Museo de Orsay.

Según el escritor francés Desfontaines, “es imposible complacerlos, siempre les falta dinero, por muy generoso que seas... Pensar en el mañana y sentir gratitud son igualmente ajenos a los tahitianos. Viven sólo en el presente, no piensan en el futuro, no recuerdan el pasado. El amante más tierno y devoto es olvidado tan pronto como cruza el umbral, olvidado literalmente al día siguiente. Lo principal para ellos es embriagarse con canciones, bailes, alcohol y amor”...

Debemos hacer justicia a Gauguin: no estaba atormentado por tales pensamientos, no se enamoró, no se preocupó y no exigió a las damas tahitianas lo que ellas, por definición, no podían dar. Incapaz de establecerse bajo los cielos de la Polinesia con su amada esposa, Paul, lo mejor que pudo, hasta el final de sus días fue consolado por el amor físico. En una isla donde desde la antigüedad la libertad sexual era completa e ilimitada, donde soldados y comerciantes de Europa daban dinero por lo que “las mujeres tahitianas de su pueblo natal daban gratuitamente a cualquier hombre soltero”, sólo quedaba señalar con el dedo. al “producto” apropiado y pagar el precio acordado a aquellos que eran considerados los guardianes de esta vahina.

Su nombre es Vairaumati. 1892. Moscú. Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre. A. S. Pushkin. Estaba feliz: su trabajo era fácil; Tehura, de dieciséis años, una chica de rostro largo y oscuro y cabello ondulado, estaba esperando en la cabaña; sus padres pagaban muy poco por ella; Por la noche, una luz nocturna ardía lentamente en la cabaña: Tehura tenía miedo de los fantasmas que esperaban entre bastidores; Por la mañana sacó agua del pozo, regó el jardín y se paró junto al caballete. Esta vida podría continuar para siempre... Un día, Tehura le habló a Gauguin de una sociedad secreta que gozaba de una influencia excepcional en las islas: la sociedad Areoi. Los Areoi se consideraban seguidores del dios Oro. A Gauguin se le ocurrió la idea de pintar un cuadro basado en una trama de la leyenda del dios Oro. Gauguin tituló el cuadro “Su nombre es Vairaumati”. Vairaumati está sentada en una cama de amor, cubierta con lujosas telas, y en una mesa baja a sus pies hay frutas frescas, un regalo para su amante. Detrás de ella se encuentra Oro con un taparrabos rojo. En el fondo de la imagen hay dos ídolos, un relieve tahitiano inventado por Gauguin, que personifica el amor.

Taperaa Makhana - Temprano en la tarde. 1892. Mujeres sentadas a charlar a la sombra de los árboles: un detalle que refleja las peculiaridades de la vida rural en Tahití: el pueblo despierta del calor del día. En este detalle el artista vio una encarnación característica del lento ritmo de la vida oceánica. Las mujeres tahitianas de Gauguin son inseparables de la naturaleza en la que se presentan. Las mujeres que caminan simbolizan el cambio de dos épocas en Tahití: las dos mujeres tahitianas de la derecha visten vestidos que son una curiosa mezcla de moda tahitiana y europea; la tercera mujer tahitiana que camina hacia la cabaña lleva una falda tradicional. A primera vista, se trata de una composición puramente de género, tejida a partir de varios detalles. la vida cotidiana. Sin embargo, todos sus detalles no proporcionan ningún entretenimiento de género tangible. El énfasis principal no está en las tentaciones narrativas de la trama, sino en el poder sugerente y sugerente del color puro.

Manao Tupapau - El espíritu de los muertos está despierto. 1892. Búfalo. Galería de arte Albright-Knox. El nombre "Manao Tupapau" tiene dos significados: "ella piensa en el fantasma" o "el fantasma piensa en ella". El motivo de la pintura del lienzo fue el incidente en el que Gauguin, habiendo salido por negocios a Papeete, regresó a altas horas de la noche. En ese momento se acabó el aceite de la lámpara y la casa quedó envuelta en oscuridad. Paul encendió una cerilla y vio: una joven mujer, entumecida por el horror, temblando, aferrándose a la cama. Los nativos tenían mucho miedo a los fantasmas y mantenían las luces encendidas en sus chozas toda la noche... Gauguin incluye este episodio en su computadora portátil- y añade con naturalidad: "En general, esto es sólo un desnudo de la Polinesia". El artista que hay en él es siempre más fuerte que el amante o el pensador...

En el manuscrito de "Choses Diverses" hay un pasaje titulado "El nacimiento de un cuadro": "Manao tupapau" - "El espíritu de los muertos está despierto". "...Una joven canaca yace boca abajo, dejando al descubierto un lado de su rostro, distorsionado por el miedo. Está descansando en una cama decorada con un pareo azul y una sábana amarilla pintada en cromo claro. El fondo violeta-violeta es salpicada de flores similares a chispas eléctricas, la caja es una figura un tanto extraña. Me dejé llevar por la forma y los movimientos al dibujarlas, no tuve otra preocupación que dar un cuerpo desnudo, esto no es más que un estudio de. un cuerpo desnudo, un poco inmodesto, pero quería crear a partir de él una imagen casta, que transmitiera el espíritu del pueblo canaco, su carácter y sus tradiciones.
Kanak está íntimamente conectado con el “pareo” en su vida; Lo usé como colcha. La lámina de corteza debería ser amarilla porque este color da al público una sensación de algo inesperado, porque da la impresión de la luz de una lámpara, lo que me ahorra tener que introducir una lámpara real. Necesito un trasfondo que dé algo de miedo. Púrpura bastante adecuado.

Pastorales tahitianas. 1892. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. La pintura, realizada por el artista en la isla de Tahití, encarna el idilio de la vida natural "primitiva". En busca de esta armonía del mundo, Gauguin viajó a la Polinesia. El sueño romántico se combinó con impresiones de la naturaleza exótica, la apariencia única de los isleños y su gracia natural, creencias y costumbres misteriosas. Una de las chicas tahitianas toca la flauta. Los nativos dedicaban esta música a la diosa de la Luna, Hina. La pintura representa la hora de la tarde, cuando al atardecer comenzaba el tiempo de danzas rituales y música en honor a Hina. Al lado del perro probablemente haya un recipiente para sacrificios (pájaros pequeños, etc.), tallado en una calabaza. La estructura pictórica de la pintura (combinaciones de colores puros, ritmo de líneas y combinaciones de colores) está en sintonía con el tema musical.

Petey Tiena - Dos hermanas. 1892. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. Dos tahitianas, niñas, hermanas, tal vez mejores imagenes niños en el cuadro de Gauguin, quizás inspirados en el recuerdo de su propia hija menor. El fondo paisajístico misteriosamente convencional de este lienzo contrasta con la silueta holística de las figuras infantiles. La noble sencillez y la monumentalidad se combinan aquí con la delicadeza e incluso la indefensión propia de la infancia. Al mirar esta imagen, uno recuerda involuntariamente la afirmación de Gauguin sobre las “mujeres-niñas”, cuyos ojos, penetrantes y puros, en su asombrosa quietud, tienen algo antiguo, sublime, religioso.

Ea haere ia oe - ¿Adónde vas? (Mujer sosteniendo una fruta). 1893. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. La pintura fue pintada en la Polinesia, donde el artista fue llevado por un sueño romántico de armonía natural de la vida. Un mundo exótico y misterioso, a diferencia de Europa. Las impresiones de los colores brillantes y la exuberante vegetación de Oceanía, de la apariencia y la forma de vida de los tahitianos se convirtieron en una fuente de inspiración para el pintor. En un episodio ordinario de la vida de los isleños, el artista ve la encarnación del ritmo eterno de la vida, la armonía del hombre y la naturaleza. La mujer tahitiana de pie en primer plano con una fruta en la mano es la Eva de este paraíso nativo. Abandonando las reglas pintura tradicional, y luego, a partir de la manera impresionista, el maestro creó su propio estilo. El aplanamiento del espacio, las repeticiones rítmicas de líneas, formas y manchas de color, los colores puros dispuestos en grandes masas crean un efecto decorativo realzado. El título de la pintura está en el idioma de la tribu maorí, entre los cuales vivió Gauguin en Tahití, "Eu haere ia oe", traducido como la fórmula del saludo tahitiano "¿Adónde vas?" Un motivo sencillo adquiere una solemnidad casi ritual: la calabaza en la que se transportaba agua se convierte en un atributo simbólico de Eva del paraíso tahitiano. El artista combina libremente ricos motivos rítmicos en el plano, los colores exquisitos aportan sentimiento a la imagen. luz del sol, que se materializa en el cuerpo cobrizo de la mujer tahitiana, con su pareo rojo fuego.

La enfermedad y la pobreza obligaron a Gauguin a regresar a París en 1893. Dos años más tarde regresó a Tahití. Las obras de Gauguin del segundo período tahitiano son similares a las composiciones de frisos decorativos.

Nave nave moe - Fuente maravillosa. 1894. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. La pintura fue creada en París, después del primer viaje de Gauguin a la Polinesia. El exótico mundo de Oceanía cautivó al artista con la armonía de la naturaleza y el hombre, que conservó la naturalidad primitiva. La obra encarna tanto recuerdos de Tahití como un sueño romántico de la armonía de todas las cosas. Las imágenes de mujeres tahitianas simbolizan diferentes etapas de la vida. Una joven isleña con un resplandor sobre su cabeza, sumergida en un sueño, es la encarnación de la pureza virgen. La segunda niña con la fruta en la mano está lista para participar de ella, como Eva. En lo más profundo del paisaje, las mujeres nativas bailan alrededor de un ídolo, una misteriosa deidad antigua. El lienzo fue ejecutado en estilo característico maestros, con colores puros, dispuestos en puntos planos generalizados que, como las líneas, están sujetos a un ritmo único.

Una montaña verde esmeralda se elevaba sobre la orilla, el cielo azul se convertía en el agua azul de la laguna, pero los pasajeros del australiano, vestidos con trajes blancos idénticos, sólo veían un pueblo miserable que parecía un montón de cajas de madera contrachapada esparcidas por el suelo. arena. Vinieron aquí para hacer una fortuna o hacer una carrera, y el hombre a quien se le reveló esta belleza navegó a Tahití para morir.

Una escena de la vida de los tahitianos. 1896. El cuadro fue pintado en la Polinesia, donde lo llevó el sueño de Gauguin de un mundo primitivo. Cierto episodio de la vida de los isleños está lleno de misterio. Es posible que sus participantes estén presenciando alguna acción religiosa que queda fuera de la imagen. La hora de la tarde es el momento de los rituales sagrados. El artista, que estudió los antiguos cultos de los nativos, introdujo a menudo en sus obras motivos y símbolos asociados con las creencias maoríes. Las poses de algunos de los personajes recuerdan a las figuras del friso del Partenón. Sintiendo la similitud de las culturas antiguas, el maestro recurrió a los monumentos egipcios y antiguos. El pintor recreó a su manera la imagen de la vida natural original. Manchas generalizadas de color sonoro, espacio aplanado y repeticiones rítmicas de líneas crean un magnífico efecto decorativo.

La esposa del rey. 1896. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. El cuadro "La esposa del rey" fue pintado por Gauguin durante su segunda estancia en Tahití. La Eva tahitiana con un abanico rojo detrás de la cabeza, signo de la familia real, cerca del cual los ancianos hablan del árbol del conocimiento, está representada en una pose que nos recuerda a la “Venus de Urbino” de Tiziano y a la “Olimpia” de Edouard Manet. ”. Una bestia de ojos brillantes que se arrastra por la pendiente encarna el misterio que se esconde en la imagen de una mujer. El papel protagonista del cuadro lo juega el color, que Gauguin interpreta de forma general y decorativa. En una carta a su amigo Daniel de Monfred, el artista escribió: “... Me parece que en términos de color nunca he creado nada con una sonoridad tan fuerte y solemne”.

En 1898, casi privado de su sustento, en completa desesperación, Gauguin intentó suicidarse.

Te awae no Maria - Mes de María. 1899. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. El cuadro fue pintado en la Polinesia, durante los últimos años de la vida de Gauguin, que transcurrieron en la isla de Tahití. Tema principal obras - naturaleza primaveral floreciente. En la Europa precristiana, a principios de mayo había fiestas paganas dedicado a su despertar. EN iglesia católica Los servicios de mayo están asociados con el culto a la Virgen María. Los ritmos naturales de la vida están plasmados en el lienzo en la armonía de líneas y colores, nacidos de las impresiones del artista del exótico mundo de Oceanía y las antiguas culturas orientales. Amarillo- especialmente significativo en el arte oriental. La pose de la mujer recuerda a una figura del relieve de un templo en la isla de Java, y su túnica blanca es un símbolo de pureza tanto entre cristianos como entre tahitianos. La imaginación del artista, combinando diferentes ideas y creencias religiosas, creó una imagen de vida prístina.

Mujeres a la orilla del mar (maternidad). 1899. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. El cuadro fue pintado por el artista en los últimos años de su vida en la isla de Tahití. En el exótico mundo de Oceanía, donde la vida mantiene su curso natural, Gauguin abandona la civilización europea. El tema de la maternidad surgió más de una vez durante el período polinesio de la obra del maestro. La aparición de esta obra está asociada a un acontecimiento concreto: la amante tahitiana del artista, Pakhura, dio a luz a su hijo en 1899. La escena real adquiere las características de un ritual sagrado. La composición recuerda a las escenas de culto infantil tradicionales de la pintura religiosa europea. La figura central de una mujer con flores en las manos juntas en oración parece especialmente significativa. El efecto decorativo se crea mediante conjuntos de colores organizados rítmicamente y repeticiones de contornos, característicos del estilo individual de Gauguin.

Tres mujeres tahitianas de fondo amarillo. 1899. San Petersburgo. Museo Estatal del Hermitage. El cuadro fue pintado en la Polinesia, donde Gauguin pasó los últimos años de su vida. La imaginación del artista, combinando impresiones de Tahití y culturas antiguas, creó imágenes misteriosas y ricas en símbolos del mundo exótico. Estas imágenes no siempre son descifrables. Quizás en este trabajo hay un significado simbólico sin resolver. Al mismo tiempo, es un cuadro decorativo en el que se ha conseguido la armonía de manchas de color y líneas rítmicas. Las poses de las mujeres tienen una gracia y plasticidad especiales. La figura central de los nativos se asemeja a la figura representada en el relieve del templo de Borobudur en la isla de Java. El mundo de los “salvajes” preserva esa armonía natural que la Europa civilizada ha perdido.

Materiales utilizados:

Jean Perrier, revista "CARAVANA DE HISTORIAS", enero de 2000.

Colección digital del State Hermitage (San Petersburgo).

A Paul Gauguin se le pueden reprochar muchas cosas: infidelidad a su esposa oficial, actitud irresponsable hacia los niños, convivencia con menores, blasfemia, egoísmo extremo.

Pero, ¿qué significa esto en comparación con mayor talento, ¿qué destino le preparó?

Gauguin es enteramente una contradicción, un conflicto insoluble y una vida similar a un drama de aventuras. Y Gauguin es toda una capa de arte mundial y cientos de pinturas. Y una estética completamente nueva que aún sorprende y deleita.

la vida es ordinaria

Paul Gauguin nació el 7 de junio de 1848 en una familia extraordinaria. La madre del futuro artista era hija de un escritor famoso. El padre es periodista de una revista política.

A los 23 años, Gauguin encuentra un buen trabajo. Se convierte en un corredor de bolsa de éxito. Pero por las tardes y los fines de semana dibuja.

A los 25 años se casa con la holandesa Mette Sophie Gad. Pero su unión no es una historia sobre gran amor y el lugar de honor como musa del gran maestro. Porque Gauguin sentía un amor sincero sólo por el arte. Que la esposa no compartió.

Si Gauguin representaba a su esposa, era raro y bastante específico. Por ejemplo, sobre el fondo de una pared de color marrón grisáceo, alejada del espectador.

Pablo Gauguin. Mette está durmiendo en el sofá. 1875. Colección particular. El-athenaeum.com

Sin embargo, la pareja dará a luz a cinco hijos y, quizás, además de ellos, pronto no tendrán nada en común. Mette consideraba que las clases de pintura de su marido eran una pérdida de tiempo. Se casó con un corredor rico. Y yo quería liderar vida cómoda.

Por eso, un día, la decisión del marido de dejar su trabajo y dedicarse únicamente a pintar fue un duro golpe para Mette. Su unión, por supuesto, no resistirá semejante prueba.

El comienzo del arte

Los primeros 10 años del matrimonio de Paul y Mette transcurrieron con calma y seguridad. Gauguin era sólo un aficionado a la pintura. Y pintaba sólo en su tiempo libre en la bolsa de valores.

Gauguin se dejó seducir sobre todo. Aquí está una de las obras de Gauguin, pintada con los típicos reflejos impresionistas y un lindo rincón. zonas rurales.

Pablo Gauguin. Gallinero. 1884. Colección particular. El-athenaeum.com

Gauguin se comunica activamente con pintores tan destacados de su época como Cezanne.

Su influencia se siente en las primeras obras de Gauguin. Por ejemplo, en la película "Suzanne Sewing".

Pablo Gauguin. Susana cosiendo. 1880 Nueva Carlsberg Glyptotek, Copenhague, Dinamarca. El-athenaeum.com

La chica está ocupada con sus propios asuntos y parece que la estamos espiando. Muy en el espíritu de Degas.

Gauguin no busca embellecerlo. Estaba encorvada, lo que hacía que su postura y su estómago fueran poco atractivos. La piel está representada “despiadadamente” no sólo en beige y rosa, sino también en azul y verde. Y esto está muy en el espíritu de Cézanne.

Y algo de serenidad y tranquilidad se le quita claramente a Pissarro.

El año 1883, cuando Gauguin cumple 35 años, se convierte en un punto de inflexión en su biografía. Dejó su trabajo en la bolsa, confiando en que pronto se haría famoso como pintor.

Pero las esperanzas no se hicieron realidad. El dinero acumulado se acabó rápidamente. La esposa de Mette, que no quiere vivir en la pobreza, va con sus padres y se lleva a los niños. Esto significó el colapso de su unión familiar.

Gauguin en Bretaña

Gauguin pasa el verano de 1886 en Bretaña, en el norte de Francia.

Fue aquí donde Gauguin desarrolló su estilo individual. Lo cual cambiará poco. Y por lo que es tan reconocible.

La sencillez del dibujo roza la caricatura. Grandes áreas del mismo color. Colores brillantes, especialmente mucho amarillo, azul, rojo. Esquemas de colores poco realistas, cuando la tierra podría ser roja y los árboles azules. Y también misterio y misticismo.

Todo esto lo vemos en una de las principales obras maestras de Gauguin del período bretón: "La visión después del sermón o la lucha de Jacob con el ángel".

Pablo Gauguin. Visión después del sermón (La lucha de Jacob con el ángel). 1888 Galería Nacional de Escocia, Edimburgo

Lo real se encuentra con lo fantástico. Mujeres bretonas con sus característicos gorros blancos contemplan una escena del Libro del Génesis. Cómo Jacob lucha con el ángel.

Alguien está mirando (incluida una vaca), alguien está rezando. Y todo esto con el telón de fondo de la tierra roja. Es como si estuviera sucediendo en los trópicos, sobresaturados de colores brillantes. Un día Gauguin irá al verdadero trópico. ¿Será porque allí sus colores son más apropiados?

En Bretaña se creó otra obra maestra: "El Cristo amarillo". Este cuadro sirve de fondo a su autorretrato (al principio del artículo).

Pablo Gauguin. Cristo amarillo. 1889 Galería de arte Albright-Knox, Búfalo. Muzei-Mira.com

Ya en estas pinturas creadas en Bretaña se puede ver una diferencia significativa entre Gauguin y los impresionistas. Los imitadores representaron sus sensaciones visuales sin introducir ningún significado oculto.

Pero para Gauguin la alegoría era importante. No en vano se le considera el fundador del simbolismo en la pintura.

Miren qué tranquilos e incluso indiferentes están los bretones sentados alrededor del Cristo crucificado. Gauguin muestra así que el sacrificio de Cristo ha sido olvidado durante mucho tiempo. Y para muchos la religión se ha convertido en sólo un conjunto de rituales obligatorios.

¿Por qué el artista se representó a sí mismo en el contexto de su propio cuadro con el Cristo amarillo? Por esto, a muchos creyentes no les agradaba. Considerando tales “gestos” como una blasfemia. Gauguin se consideraba víctima de los gustos del público, que no aceptaba su obra. Comparando francamente su sufrimiento con el martirio de Cristo.

Y al público realmente le costó entenderlo. En Bretaña, el alcalde de una ciudad encargó un retrato de su esposa. Así apareció “La Bella Ángela”.

Pablo Gauguin. Hermosa Ángela. 1889 Museo de Orsay, París. vangogen.ru

La verdadera Ángela se sorprendió. Ni siquiera podía imaginar que sería tan “hermosa”. Ojos estrechos de cerdo. Puente de la nariz hinchado. Enormes manos huesudas.

Y al lado hay una figura exótica. Lo que la niña consideró como una parodia de su marido. Después de todo, él era más bajo que ella. Es sorprendente que los clientes no rompieran el lienzo en un ataque de ira.

Gauguin en Arlés

Está claro que el incidente con la “Bella Ángela” no aumentó los clientes de Gauguin. La pobreza le obliga a aceptar la propuesta sobre trabajar juntos. Fue a verlo a Arles, en el sur de Francia. Esperando que la vida juntos sea más fácil.

Aquí escriben las mismas personas, los mismos lugares. Como, por ejemplo, Madame Gidou, propietaria de un café local. Aunque el estilo es diferente. Creo que puedes adivinar fácilmente (si no has visto estas pinturas antes) dónde está la mano de Gauguin y dónde está la de Van Gogh.

Información sobre los cuadros al final del artículo*

Pero el dominante y seguro de sí mismo Paul y el nervioso y irascible Vincent no podían llevarse bien bajo el mismo techo. Y un día, en el fragor de una pelea, Van Gogh casi mata a Gauguin.

La amistad había terminado. Y Van Gogh, atormentado por el remordimiento, se cortó el lóbulo de la oreja.

Gauguin en los trópicos

A principios de la década de 1890, al artista se le ocurrió una nueva idea: organizar un taller en los trópicos. Decidió establecerse en Tahití.

La vida en las islas resultó no ser tan color de rosa como Gauguin imaginó inicialmente. Los nativos lo recibieron con frialdad y quedaba poca "cultura intacta": los colonos habían llevado la civilización a estos lugares salvajes durante mucho tiempo.

Los residentes locales rara vez accedieron a posar para Gauguin. Y si venían a su choza, se acicalaban a la manera europea.

Pablo Gauguin. Mujer con una flor. 1891 Nueva Carlsberg Glyptotek, Copenhague, Dinamarca. Wikiart.org

A lo largo de su vida en la Polinesia Francesa, Gauguin buscará la cultura nativa “pura”, instalándose lo más lejos posible de las ciudades y pueblos desarrollados por los franceses.

Arte extravagante

Sin duda, Gauguin descubrió una nueva estética en la pintura para los europeos. Con cada barco enviaba sus cuadros al “continente”.

Los lienzos que representan bellezas de piel oscura desnudas en un entorno primitivo despertaron un gran interés entre los espectadores europeos.

Pablo Gauguin. Ah, ¿estás celoso? 1892, Moscú

Gauguin estudió escrupulosamente la cultura, los rituales y la mitología locales. Así, en el cuadro “La pérdida de la virginidad”, Gauguin ilustra alegóricamente la costumbre previa a la boda de los tahitianos.

Pablo Gauguin. Perder la virginidad. 1891 Museo de Arte Chrysler, Norfolk, Estados Unidos. Wikiart.org

La novia fue secuestrada por los amigos del novio la víspera de la boda. Le "ayudaron" a convertir a la niña en mujer. Es decir, de hecho, la primera noche de bodas les perteneció.

Es cierto que esta costumbre ya había sido erradicada por los misioneros cuando llegó Gauguin. El artista lo conoció a través de las historias de los residentes locales.

A Gauguin también le encantaba filosofar. Así nace su famoso cuadro “¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos?

Pablo Gauguin. ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? 1897 Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos. vangogen.ru

La vida personal de Gauguin en los trópicos.

Acerca de vida personal Hay muchas leyendas sobre Gauguin en la isla.

Dicen que el artista era muy promiscuo en sus relaciones con las mulatas locales. Sufría numerosas enfermedades venéreas. Pero la historia ha conservado los nombres de algunos amantes.

El afecto más famoso fue Tehura, de 13 años. La joven aparece en el cuadro “El espíritu de los muertos nunca duerme”.

Pablo Gauguin. El espíritu de los muertos no duerme. 1892 Galería de arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York. Wikipedia.org

Gauguin la dejó embarazada y se fue a Francia. De esta conexión nació un niño, Emil. Fue criado por un hombre local, con quien se casó Tehura. Se sabe que Emil vivió hasta los 80 años y murió en la pobreza.

Confesión inmediatamente después de la muerte.

Gauguin nunca tuvo tiempo de disfrutar de su éxito.

Numerosas enfermedades relación difícil con los misioneros, la falta de dinero, todo esto minó la fuerza del pintor. Gauguin murió el 8 de mayo de 1903.

Aquí está uno de sus últimas pinturas"Deletrear". En el que se nota especialmente la mezcla de lo autóctono y lo colonial. Hechizo y cruz. Desnudo y vestido con ropa ajustada.

Y una fina capa de pintura. Gauguin tuvo que ahorrar dinero. Si has visto la obra de Gauguin en persona, probablemente te habrás dado cuenta de esto.

Los acontecimientos se desarrollan tras su muerte como una burla al pobre pintor. El marchante Vollard organiza una gran exposición de Gauguin. El salón** le dedica una sala entera...

Pero Gauguin no estaba destinado a bañarse en esta grandiosa gloria. Él no vivió para verla solo un poco...

Sin embargo, el arte del pintor resultó ser inmortal: sus pinturas aún sorprenden con sus líneas obstinadas, sus colores exóticos y su estilo único.

Pablo Gauguin. Colección del artista 2015

En Rusia hay muchas obras de Gauguin. Todo gracias a los coleccionistas prerrevolucionarios Ivan Morozov y Sergei Shchukin. Trajeron a casa muchas de las pinturas del maestro.

Una de las principales obras maestras de Gauguin, "La muchacha sosteniendo una fruta", se conserva en San Petersburgo.

Pablo Gauguin. Mujer sosteniendo una fruta. 1893 Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo. artchive.ru