¿Cómo se relaciona el inconformismo soviético en la literatura? Guía de la exposición “El inconformismo como punto de partida. Sin conocer el miedo

Inconformismo. Bajo este nombre se acostumbra unir a representantes de diversos movimientos artísticos en las bellas artes de la Unión Soviética en las décadas de 1950 y 1980, que no encajaban en el marco. realismo socialista- la única indicación oficialmente permitida en el art.

Los artistas inconformistas fueron expulsados ​​del público. vida artística países: el Estado fingió que simplemente no existían. La Unión de Artistas no reconoció su arte, se les privó de la oportunidad de mostrar sus obras en las salas de exposiciones, los críticos no escribieron sobre ellas, los trabajadores del museo no visitaron sus talleres.

1. Dmitry Plavinsky “Concha”, 1978

“La creación del pensamiento y las manos humanas es tarde o temprano absorbida por los elementos eternos de la naturaleza: la Atlántida - por el océano, los templos de Egipto - por la arena del desierto, el palacio y el laberinto de Knossos - por la lava volcánica, los aztecas pirámides - entre enredaderas de la jungla Para mí, el mayor interés no es el florecimiento de tal o cual civilización, sino su muerte y el momento del nacimiento de la siguiente..."

Dmitri Plavinsky, artista

2. Oscar Rabin "Naturaleza muerta con pescado y el periódico Pravda", 1968

“Cuanto más lejos, más intensamente sentía que no podía prescindir de la pintura; para mí no había nada más hermoso que el destino del artista, sin embargo, mirar las pinturas de los funcionarios. artistas soviéticos, Sentí de manera completamente inconsciente que nunca podría escribir así. Y no porque no me gustaran, admiraba la artesanía, a veces los envidiaba abiertamente, pero en general no me tocaron, me dejaron indiferente. Para mí les faltaba algo importante".

“No experimenté ninguna influencia en mí, no cambié mi estilo, mi credo creativo tampoco cambió. Pude transmitir la diversidad de la vida rusa a través de un símbolo: un arenque en el periódico Pravda, una botella de vodka, un pasaporte, esto lo tiene claro todo el mundo. O pinté el cementerio de Lianozovsky y llamé al cuadro "Cementerio que lleva el nombre de Leonardo da Vinci". En mi opinión, no ha aparecido nada nuevo, novedoso o artificial en mi arte. dice la canción mi creatividad. No quisiera ser un conejo doméstico, prefiero ser una liebre libre”.

Óscar Rabin, artista

3. Lev Kropivnitsky "La mujer y los escarabajos" 1966

“La pintura abstracta permite acercarse lo más posible a la realidad, penetrar en la esencia de las cosas, comprender todo lo importante que no es percibido por nuestros cinco sentidos. Sentí la modernidad como una combinación de logros dramáticos, tensiones psicológicas e intelectuales. sobresaturación. Intenté y estoy intentando, basándose en mi experiencia y sentimiento, crear una forma pictórica que corresponda al espíritu de la época y a la psicología del siglo".

Lev Kropivnitsky, artista.

4. Dmitry Krasnopevtsev “Pipas”, 1963

“Una pintura es también un autógrafo, sólo que más complejo, espacial, multicapa. Y si del autógrafo, de la escritura se determina (y no sin éxito) el carácter, la condición y casi las enfermedades del escritor, si ni siquiera los criminólogos lo hacen. Si se descuida esta decodificación, la pintura proporciona incomparablemente más material para conjeturas y conclusiones sobre la personalidad del autor. Desde hace tiempo se ha observado que un retrato pintado por un artista es al mismo tiempo su autorretrato - esto se extiende más allá - para cualquier persona. composiciones, paisajes, naturalezas muertas, a cualquier género, así como a lo no objetivo. arte abstracto- por lo que sea que represente el artista. Y a pesar de su objetividad, de su desapasionamiento, si quiere alejarse de sí mismo, volverse impersonal, no podrá esconderse, su creación, su letra traicionarán su alma, su mente, su corazón, su rostro”.

Dmitri Krasnopevtsev, artista.

5. Vladimir Nemukhin “Solitario inacabado”, 1966

"El inventario de elementos del lenguaje figurativo se compone principalmente de objetos. Existían antes: árboles, bancos, cajas, periódicos, es decir, objetos simples y reconocibles. A finales de los años 50, todo esto se convirtió en abstracción, y pronto esto es muy abstracto. La forma empezó a cansarme. Este es el estado que renueva el interés por el tema, y ​​él, a su vez, corresponde. Creo que el tema es muy importante para la visión, porque a través de él la visión misma es visible.

"En 1958 comencé a hacer mis primeras obras abstractas. ¿Qué es el arte abstracto? Me permitió romper con toda esta realidad soviética de una vez. Te convertiste en una persona diferente. La abstracción es, por un lado, como el arte de el subconsciente y, por el otro, una nueva visión. El arte debe ser una visión, no un razonamiento".

Vladimir Nemukhin, artista.

6. Nikolai Vechtomov “El camino”, 1983

“Mi vida es la creación de mi propio espacio artístico, que siempre busqué enriquecer y me esforcé mucho por ello me di cuenta de que cada uno de nosotros está siempre solo con los cataclismos del siglo XX”.

“Vivimos en la oscuridad y ya nos hemos acostumbrado a ella, podemos distinguir perfectamente los objetos y, sin embargo, extraemos luz de allí, del resplandor del Cosmos al atardecer, es esto lo que nos da la energía de la visión. , lo importante no son los objetos, sino sus reflejos, porque en ellos se respira el aliento de un elemento extraño."

Nikolay Vechtomov, artista.

7. Anatoli Zverev retrato de una mujer. 1966

"Anatoly Zverev es uno de los retratistas rusos más destacados nacidos en esta tierra, que supo expresar el reverente dinamismo del momento y lo místico. energía interna personas cuyos retratos pintó. Zverev es uno de los artistas más expresivos y espontáneos de nuestro tiempo. Su estilo es tan individual que en cada uno de sus cuadros se puede reconocer inmediatamente la letra del autor. Con unos pocos trazos consigue un enorme efecto dramático, espontaneidad e instantaneidad. El artista consigue transmitir un sentimiento de conexión directa entre él y su modelo. ."

Vladimir Dlugi, artista.

"Zverev es el primer expresionista ruso del siglo XX y un mediador entre la primera y la última vanguardia del arte ruso. Considero que esto maravilloso artista uno de los más talentosos en Rusia soviética."

Gregorio Costakis, coleccionista.

8. Vladimir Yankilevsky “Profeta”, años 70

El “inconformismo” es un rasgo constitutivo del arte real, ya que resiste la banalidad y el sello del conformismo, dando nueva información y crear una nueva visión del mundo. El destino de un verdadero artista suele ser trágico, independientemente de la sociedad en la que viva. Esto es normal, ya que el destino del artista es el destino de su visión, su visión del mundo, que rompe los estereotipos establecidos de percepción y pensamiento creados por " cultura popular“Y el esnobismo intelectual. Ser creador y ser “a su debido tiempo” un “héroe” canonizado de la sociedad, una superestrella, es una paradoja casi insuperable. Los intentos de superarla son el camino hacia una carrera conformista.

Vladimir Yankilevsky, artista.

9. Lydia Masterkova "Composición", 1967

“Todo el tiempo, con un poder no disminuido en sus composiciones abstractas, los colores mágicos arden, brillan o parpadean con un fuego moribundo. Parece que ella se acerca constantemente a la superficie mágica del lienzo desde diferentes lados. Los sonidos llameantes, los contornos extraños que se retuercen y se precipitan hacia arriba recuerdan a los acordes del órgano de Bach y, a veces, los planos entrelazados de color gris verdoso asociados con las formas biológicas se asocian con la "Creación del mundo" de Milhaud. El dibujo de Masterkov dice mucho. el plano y la naturaleza de los acentos coloridos.

Lev Kropivnitsky, artista.

10. Vladimir Yakovlev “El gato y el pájaro”, 1981

"El arte es un medio para superar la muerte".

Vladimir Yakovlev, artista.

"Las pinturas de Vladimir Yakovlev son como un cielo nocturno lleno de estrellas. No hay luz en la noche, la luz es una estrella. Esto es especialmente visible cuando Yakovlev representa flores. Su flor es siempre una estrella. De ahí una tristeza especial de alegría cuando contemplarlo cuadros".

Iliá Kabakov, artista.

11. Ernst Neizvestny "Corazón de Cristo", 1973-1975

“Divido la actividad artística (escritura, música y artes visuales) en dos tipos: el deseo de una obra maestra y el deseo de fluir. El deseo de una obra maestra es cuando el artista se enfrenta a un determinado concepto de belleza que quiere encarnar. , crea una obra maestra completa y espaciosa El deseo de fluir es una necesidad existencial de creatividad, cuando se vuelve análogo a la respiración, los latidos del corazón, el trabajo de toda la personalidad. Para los artistas del flujo, el arte es una existencia materializada. moviéndose, surgiendo y muriendo a cada segundo. Y cuando quiero construir mi “Árbol de vida”, soy plenamente consciente de la imposibilidad casi clínica y patológica de este plan. Pero lo necesito para funcionar. Y la multiplicidad no. Asustame, porque se mantiene unido por la unidad matemática, está cerrado por sí mismo. Todo esto es un intento de combinar varios principios, un intento de combinar los fundamentos eternos del arte y su contenido temporal están unidos. constante y eternamente en la fe para llegar a ser noble, majestuoso, significativo”.

Ernst Neizvestny, artista.

12. Eduard Steinberg "Composición con pescado", 1967

"No puedo decir que estoy en algún tipo de en el camino correcto. Pero ¿qué es la verdad? Esta es una palabra, una imagen. Camus tiene un maravilloso "Mito de Sísifo", cuando el artista arrastra una piedra a una montaña, y luego cae, la levanta de nuevo, la arrastra de nuevo: esto es aproximadamente el péndulo de mi vida".

"No descubrí prácticamente nada nuevo, simplemente le di a la vanguardia rusa una perspectiva diferente. ¿Cuál? Más probablemente religiosa. Baso mis estructuras geométricas espaciales en los antiguos murales de las catacumbas y, por supuesto, en la pintura de iconos".

Eduard Steinberg, artista.

13. Mikhail Roginsky "Puerta Roja". 1965

"Me obligué a recrear la realidad basándose en mi idea de ella. Todavía hago esto".

Mikhail Roginsky, artista.

"La Puerta Roja" es una obra destacada que jugó un papel decisivo en la historia del arte ruso del siglo XX. Junto con el posterior ciclo de fragmentos y detalles interiores (paredes con enchufes, interruptores, fotografías, cómodas, suelos de baldosas), esta obra marcó el inicio de un nuevo realismo objetual. El "documentalismo" (como Roginsky prefirió llamar a su dirección) predeterminó el surgimiento no sólo del arte pop, sino también de una nueva vanguardia en general en el arte "clandestino" soviético, centrada en el proceso artístico mundial. “La puerta roja” despertó la sobriedad y trajo de vuelta a la tierra a muchos de los artistas soviéticos, arrastrados por búsquedas utópicas y metafísicas rodeadas de vida comunitaria. Este trabajo impulsó a los artistas a analizar y describir cuidadosamente aspectos esteticos común vida soviética. Éste es el límite de la ilusión pictórica, el puente entre el cuadro y el objeto.

Andrey Erofeev, curador, crítico de arte

14. Oleg Tselkov "El Calvario" 1977

“No tengo ninguna necesidad de exponer ahora. Dentro de medio siglo, será muy interesante para mí mostrar mis obras. Hoy estoy rodeado de tontos como yo. La gente no entiende más que yo. La mano del artista no está impulsada por el deseo de exponer, sino por el deseo de contar la experiencia. Una vez pintado el cuadro, ya no tengo control sobre él. Mis pinturas son mi carta en una botella arrojada. el mar, y tal vez nadie la atrape jamás y se estrellará contra una roca".

Oleg Tselkov, artista.

15. Hulot Sooster "Huevo rojo", 1964

"En su visión de la naturaleza no hay espontaneidad, sorpresa ni admiración. Es más bien la visión de un científico que se esfuerza por penetrar el misterio de las cosas. El artista parece estar buscando alguna fórmula ideal de la naturaleza, su centralidad, una fórmula tan completa y tan compleja como la forma de los huevos".

Desde febrero de 1974, las autoridades comenzaron a llevar a cabo acción tras acción destinadas a reprimir el movimiento de artistas inconformistas, es decir, aquellos pintores, escultores y artistas gráficos que no aceptaban los postulados del arte muerto del realismo socialista y defendían el derecho a libertad de creatividad.

Y antes, durante casi veinte años, los intentos de estos artistas de exponer fueron en vano. Sus exposiciones se cerraron inmediatamente y la prensa llamó a los inconformistas "conductores de la ideología burguesa", "idiotas sin talento" o casi traidores a la Patria. Por eso uno no puede sino sorprenderse del coraje y la perseverancia de estos maestros que, a pesar de todo, se mantuvieron fieles a sí mismos y a su arte.

Y así, en 1974, las fuerzas de la KGB se lanzaron contra ellos. Los artistas fueron detenidos en la calle, amenazados, llevados respectivamente a la Lubianka de Moscú y a la Casa Grande de Leningrado, chantajeados e intentos de soborno.

Al darse cuenta de que si permanecían en silencio serían estrangulados, un grupo de pintores no oficiales organizó una exposición al aire libre el 15 de septiembre de 1974 en un terreno baldío en el área de Belyaevo-Bogorodskoye. Contra esta exposición se desplegaron excavadoras, máquinas de riego y la policía. Tres cuadros perecieron bajo las orugas, dos fueron quemados en un fuego que se encendió allí mismo y muchos quedaron mutilados. El iniciador de esta exposición, el líder de los artistas inconformistas de Moscú, Oscar Rabin, y otros cuatro pintores fueron arrestados.

Este pogromo con excavadoras, que pasó a la historia del arte ruso, provocó una explosión de indignación en Occidente. Al día siguiente, los artistas anunciaron que en dos semanas regresarían con sus cuadros al mismo lugar. Y en esta situación, los que estaban en el poder retrocedieron. El 29 de septiembre tuvo lugar en el parque Izmailovsky la primera exposición oficialmente permitida de arte ruso no oficial, en la que participaron no doce, sino más de setenta pintores.

Pero, por supuesto, quienes decidieron tomar medidas enérgicas contra el arte libre ruso no depusieron las armas. Inmediatamente después de la exposición de Izmailovo, aparecieron nuevamente en revistas y periódicos artículos difamatorios sobre artistas no oficiales, y las autoridades punitivas atacaron a los artistas especialmente activos y a los coleccionistas que participaron en la organización de dos exposiciones al aire libre en septiembre. Y, por cierto, fue entre 1974 y 1980 cuando la mayoría de los maestros que ahora viven en Occidente abandonaron el país. Eran más de cincuenta, entre ellos Ernst Neizvestny, Oleg Tselkov, Lydia Masterkova, Mikhail Roginsky, Vitaly Komar y Alexander Melamid, Alexander Leonov, Yuri Zharkikh y muchos otros. Oscar Rabin fue despojado de su ciudadanía soviética en 1978. (En 1990, por decreto presidencial, se le devolvió la ciudadanía soviética). Incluso antes, a principios de los años setenta, Mikhail Shemyakin y Yuri Cooper se establecieron en Europa.

Por supuesto, un gran grupo de nuestros maravillosos pintores no oficiales permaneció en Rusia (Vladimir Nemukhin, Ilya Kabakov, Dmitry Krasnopevtsev, Eduard Steinberg, Boris Sveshnikov, Vladimir Yankilevsky, Vyacheslav Kalinin, Dmitry Plavinsky, Alexander Kharitonov y otros), pero prácticamente hay más. No se realizaron exposiciones verdaderamente gratuitas y se difundieron rumores persistentes sobre los que se fueron (incluso se enviaron cartas desde Occidente), dicen, nadie en Europa y Estados Unidos los necesita, nadie está interesado en sus obras, están casi muriendo de hambre. Los funcionarios del arte advirtieron a los que se quedaron: "Si empiezan a rebelarse, los echaremos y allí estarán en la pobreza".

Mientras tanto, de hecho, en Occidente fue precisamente en ese momento (la segunda mitad, finales de los años 70) cuando el interés por el arte ruso no oficial fue especialmente grande. Una tras otra, se celebraron enormes exposiciones de artistas rusos en museos y salas de exposiciones de París, Londres, Berlín Occidental, Tokio, Washington y Nueva York. En 1978 con exitazo En Venecia se celebró la Bienal de Arte No Oficial Ruso. En un mes, 160.000 personas visitaron esta exposición. “Hacía mucho tiempo que no teníamos tantos espectadores”, dijo el presidente de la Bienal, Carlo Rippe di Meanno.

Es cierto que los escépticos argumentaron que este interés era de naturaleza puramente política: dicen que debemos ver qué tipo de pinturas están prohibidas en la URSS. Pero cuando recordaron a los coleccionistas occidentales que cada vez con más gusto comenzaron a comprar pinturas y gráficos de artistas rusos, los escépticos guardaron silencio. Entendieron que ningún coleccionista gastaría dinero en pinturas debido a consideraciones políticas. Y más aún, por estas razones las galerías occidentales no cooperan con los artistas. Y, por supuesto, debido a la política, los críticos de arte serios no escriben monografías ni artículos sobre ningún artista. Pero se han publicado muchos artículos de este tipo. En diferentes países se publicaron monografías sobre las obras de Ernst Neizvestny, Oleg Tselkov, Vitaly Komar y Alexander Melamid, Mikhail Shemyakin. Se han publicado decenas de respetables catálogos de exposiciones personales y colectivas.

A finales de los años 70, apareció en una de las revistas de arte francesas el artículo “El frente ruso avanza”. Su publicación se debió a que en ese momento se estaban realizando simultáneamente en París tres exposiciones de arte ruso contemporáneo. ¿Parece esto una falta de interés?

En París, dicen, viven y trabajan unos cien mil artistas. Hay incluso más de ellos en Nueva York. Todo el mundo quiere colaborar con las galerías. La competencia es dura. Y al mismo tiempo, muchos artistas rusos emigrados tienen contratos permanentes con galerías de París y Nueva York o exponen regularmente en determinadas galerías de Europa y Estados Unidos.

Durante muchos años, Yuri Cooper, Boris Zaborov, Yuri Zharkikh, Mikhail Shemyakin (antes de mudarse a los EE. UU.) trabajaron y continúan trabajando con famosas galerías parisinas. En Nueva York, Vitaly Komar y Alexander Melamid, Ernst Neizvestny y Shemyakin tienen contratos con galerías. El parisino Oleg Tselkov trabaja desde hace muchos años con la galería neoyorquina de Eduard Nakhamkin. Otro "francés" ruso, Oscar Rabin, firmó un contrato con una de las galerías parisinas.

Constantemente, y a menudo con éxito, Vladimir Titov, Mikhail Roginsky y Alexander Rabin exponen en galerías europeas. En Estados Unidos, Lev Mezhberg, Leonid Sokov y otros pintores y artistas gráficos trabajan con éxito con galerías.

En muchas colecciones privadas francesas y estadounidenses me he encontrado repetidamente con obras de todos los maestros mencionados, así como de Vladimir Grigorovich, Valentina Kropivnitskaya, Vitaly Dluga, Valentina Shapiro... Además, es interesante que en Occidente, especialmente en París, Ya a mediados de los años 70 comenzaron a aparecer coleccionistas de arte ruso libre.

“¿Cómo viven estos artistas y dónde trabajan?” - puede preguntar el lector.

Responderé que en términos de vivienda y espacio de trabajo, todo está arreglado decentemente. En el peor de los casos, una de las habitaciones del apartamento sirve como estudio para el artista. Muchos tienen estudios separados, por ejemplo, Komar, Melamid, Shemyakin, Zaborov, Sokov. Y algunos incluso prefieren tener un apartamento y un taller en un solo lugar, por así decirlo, sin perder tiempo en el camino (Unknown, Cooper, O. Rabin, Mezhberg).

“¿Es realmente posible”, preguntará algún lector incrédulo, “que todo sea tan bueno para los artistas emigrantes, continuos éxitos y logros?”

Por supuesto que no. Algunos de nuestros talentosos maestros no pudieron encontrarse en Occidente, no pudieron resistir la competencia y se derrumbaron. No quiero dar nombres aquí; ya es psicológicamente difícil para la gente.

Hay, naturalmente, artistas que no pueden vivir de la venta de sus obras. Se ven obligados a ganarse la vida con algún otro tipo de trabajo. Pero hay muchos de ellos entre los pintores y artistas gráficos occidentales. Uno sólo puede sorprenderse de cuántos maestros rusos, en comparación con los pintores occidentales (en términos porcentuales), ya han vivido durante mucho tiempo en Occidente únicamente gracias a su creatividad.

Pero es interesante que incluso aquellos de nuestros artistas que se encuentran en Occidente no se encuentran en la mejor situación financiera y se ven obligados a ganarse la vida o diseño industrial, ya sea diseñando periódicos o libros, o de alguna otra manera, todavía no se arrepienten de su destino. ¿Por qué?

Cuando escribía un libro sobre nuestros artistas que viven en Occidente, publicado en el extranjero en 1986, tuve la oportunidad de realizar muchas entrevistas. Uno de los pintores, cuyo destino en aquella época (mediados de los 80) no era muy próspero, me dijo: “No, no me arrepiento de nada. ¿Es difícil? Por supuesto que es difícil. Es desagradable tener que separarme del caballete para ganarme la vida; a veces es una pena que los coleccionistas aún no me hayan contactado. ¿Pero vinimos aquí por el dinero? Salimos para poder libremente, sin miedo a nada ni a nadie, escribir lo que y cómo queríamos y exponer libremente, donde quisiéramos. Sin embargo, también escribí libremente en Rusia. Pero se podría decir que no fue posible participar en exposiciones. Y aquí en cuatro años ya he expuesto once veces. E incluso vendí algunas cosas en estas exposiciones. Esto no es lo principal, pero desde el punto de vista de mantener el espíritu, sigue siendo importante”.

Sin embargo, con diferentes variaciones, escuché aproximadamente lo mismo de otros artistas emigrantes que no lograron tanto éxito en Occidente como, por ejemplo, Komar y Melamid o Yuri Cooper.

Y no creo que ninguno de ellos ponga, como dicen, buena cara cuando mal juego. Después de todo, la oportunidad de exponer ampliamente es una necesidad para la mayoría de los artistas. Y para los pintores rusos, privados de esto en su tierra natal, este factor es especialmente significativo. De 1979 a 1986 mantuve registros estadísticos de las exposiciones rusas en Occidente. Cada vez había más de setenta por año. Eso es mucho. Y la geografía de estas exposiciones fue amplia. Las exposiciones personales de Shemyakin, por ejemplo, se llevaron a cabo en París, Nueva York, Tokio y Londres; O. Rabin - en Nueva York, Oslo y París; Cooper - en Francia, Estados Unidos y Suiza; Zaborov - en Alemania Occidental, Estados Unidos y París; Komara y Melamid - en Europa y EE.UU....

Y cuántas exposiciones colectivas de arte ruso contemporáneo se han realizado a lo largo de los años, en las que participaron estos y otros artistas rusos emigrados. Y su geografía también es amplia: Francia, Italia, Inglaterra, Colombia, Estados Unidos, Bélgica, Japón, Suiza, Canadá…

Y como ya dije, los críticos de arte y periodistas occidentales escribieron mucho sobre estas exposiciones (tanto personales como grupales). Casi todas las exposiciones importantes estuvieron acompañadas de la publicación de catálogos. Aquí están en mi estantería: Ernst Neizvestny, Yuri Cooper, Oscar Rabin, Mikhail Shemyakin, Boris Zaborov, Leonid Sokov, Vladimir Grigorovich, Harry Fife, Vitaly Komar, Alexander Melamid, Valentina Kropivnitskaya... Y aquí están los catálogos de exposiciones colectivas ; “Arte ruso contemporáneo” (París), “Nuevo arte ruso” (Washington), “Arte ruso no oficial” (Tokio), “Bienal de arte ruso” (Turín)... Y aquí está el libro “Arte ruso no oficial del URSS”, publicado en 1977 en Londres y reeditado en Nueva York al año siguiente.

Entonces, como puede ver, para los artistas emigrantes rusos, aunque no para todos, pero para la mayoría, la vida en Occidente, en general, les fue bien. Ninguno de ellos pasa hambre. Tienen un lugar donde vivir. Muchos tienen talleres. Todos tienen la oportunidad de comprar lienzos y pinturas. Algunos de ellos trabajan con galerías de prestigio. Todo está expuesto.

Y qué bonito es saber que tus cuadros los compran coleccionistas, especialmente museos o el Ministerio de Cultura, digamos, en Francia. Y no es menos agradable ver cómo los amantes del arte occidental permanecen inactivos ante sus cuadros. Por cierto, a diferencia de los críticos de arte, una parte importante de los cuales no aceptó de inmediato a los artistas rusos que inesperadamente cayeron sobre ellos, los espectadores occidentales pudieron apreciar el arte ruso libre muy rápidamente. He oído de ellos más de una vez, en París, Brunswick y Nueva York, que encuentran en este arte ruso algo que no pueden encontrar en su arte moderno. ¿Qué exactamente? Vivo sentimientos humanos(dolor, melancolía, amor, sufrimiento...), y no una fría creatividad formativa, que, lamentablemente, se encuentra tan a menudo en muchas exposiciones en galerías de Europa y Estados Unidos.

En otras palabras, en el arte libre ruso encuentran espiritualidad, que siempre ha sido característico del auténtico arte ruso, incluso del más vanguardista. No en vano el libro del gran Wassily Kandinsky se titula “Sobre lo espiritual en el arte”.

Los artículos presentados a su atención cuentan con 13 artistas. Los ensayos dedicados a ellos no están ordenados alfabéticamente. Se dividen en tres grupos, correspondientes a tres generaciones de maestros del arte ruso no oficial (como se llamaba en la época anterior a la perestroika).

Espero que gracias a la iniciativa de la editorial Znanie los amantes del arte contemporáneo conozcan la suerte de aquellos de nuestros pintores que en un momento se vieron obligados a abandonar su patria en aras de la libertad creativa.

Inconformismo soviético

Dirección

Arte no oficial de la URSS (u otro arte, arte alternativo, arte inconformista, arte underground, underground): bajo este nombre unen a representantes de diversos movimientos artísticos en las bellas artes de la URSS de los años 1950-1980, que, por Por motivos de censura política e ideológica, fueron expulsados ​​de la vida artística pública por las autoridades oficiales. Debido a su existencia "clandestina", el arte no oficial en la URSS estaba estrechamente asociado con movimientos juveniles informales (por ejemplo, conceptualistas y hippies de Moscú, la Asociación de Bellas Artes Experimentales de Leningrado, Mitkas y rockeros).

Entre los hitos de la historia del arte no oficial se encuentran la exposición de la Unión de Artistas de Moscú (1962), criticada por N. Khrushchev, la “exposición de los doce” (1967) en el club Druzhba de la autopista Entuziastov de Moscú, la Exposición Bulldozer (1974), una exposición de un día del mismo año en el Parque Izmailovsky de Moscú, exposiciones de artistas inconformistas en el Palacio de la Cultura que lleva su nombre. Gaza y el Palacio de Cultura Nevsky en 1974-75 en Leningrado, el primero oficialmente permitido exposición personal artista inconformista en Leningrado en 1978 (exposición de Evgeny Mikhnov-Voitenko en el Palacio de Cultura Dzerzhinsky), exposiciones de la Sección de Pintura del Comité Conjunto de Artistas Gráficos de Moscú en el legendario sala de exposiciones en Malaya Gruzinskaya, 28 (organizado en 1976). Muchos representantes del arte no oficial fueron perseguidos por las autoridades y la KGB y con el paso de los años emigraron de la URSS.

Paralelamente, fenómenos similares ocurrieron en el ámbito literario y vida musical, tuvo lugar en teatro y cine (películas de estantería, representaciones prohibidas).

La dirección "sur" del arte no oficial de la URSS se convirtió en arte no oficial en Odessa en la segunda mitad del siglo XX.

En los orígenes de la “segunda vanguardia de Odesa”, según los historiadores del arte, se encontraba Oleg Sokolov. El punto de partida del “inconformismo de Odessa” fue 1967, cuando los jóvenes artistas Valentin Khrushch y Stanislav Sychev organizaron una exposición de sus obras “Sychik + Khrushchik” en la cerca de Odessa. Teatro de la ópera. Esta exposición duró sólo tres horas. Así comenzó el movimiento del arte no oficial de Odessa.

Los artistas que encarnaban una cultura "extraña" encontraron una salida al espectador a través de "exposiciones en apartamentos". El núcleo del movimiento inconformista de Odessa fue V. Khrushch, Lucien Dulfan, S. Sychev, Lyudmila Yastreb, A. Anufriev, V. Strelnikov. A este grupo principal, cuyo nombre le dio Lyudmila Yastreb, "inconformistas", se unieron posteriormente E. Rakhmanin, O. Voloshinov y V. Tsyupko. El “inconformismo de Odessa” se diferenciaba del arte no oficial de Moscú por su falta de politización, su retirada hacia el “arte puro” y su búsqueda de formas estéticas de autoexpresión.

La edición samizdat de 1980 “Artistas de Odessa” ofrece una lista de artistas de la vanguardia de Odessa: Valentin Khrushch, Evgeniy Rakhmanin, Nikolai Morozov, Vladimir Tsyupko, Igor Bozhko, Alexander Stovbur, Valery Basanets, Mikhail Kovalsky, Sergei Knyazev, Vladimir Naumets, Nikolai Stepanov, Alexander Dmitriev, Nadezhda Gaiduk, Vitaly Sazonov, Victor Risovich, Mikhail Chereshnya, Evgeny Godenko, Ruslan Makoev, Anatoly Shopin, Oleg Sokolov, Yuri Egorov, Alexander Anufriev, Vladimir Strelnikov, Lyudmila Yastreb, Victor Marinyuk.

La mayoría de los miembros del grupo emigraron, murieron o se mudaron a Moscú en los años 1980. El inconformismo vanguardista de aquella época fue continuado por Alexander Roitburd (n. 1961), artista y curador, actividad creativa que sirvió para promover Odessa y el arte ucraniano a nivel internacional; Valery Geghamyan (1925-2000), fundador del departamento de arte y gráficos del Instituto Pedagógico de Odessa y su decano; Alexey Ilyushin (n. 1926) - probablemente el último representante del "inconformismo de Odessa", que vivió en Odessa y vio todos sus períodos - el creador paisajes brillantes Y pinturas de genero, un maestro de la composición reflexiva.

En la década de 1990, se incluyeron muchos ejemplos de “arte no oficial” en las colecciones y exposiciones de la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Ruso, el Museo de Arte Moderno de Moscú, el Centro Estatal de Arte Contemporáneo (NCCA), sin mencionar las galerías privadas. .

El Museo de Arte Inconformista de San Petersburgo fue creado por Free Culture Partnership en 1998 como parte del Centro de Arte “Pushkinskaya, 10”.

En el año 2000 se inauguró el museo “Otro arte” en la Universidad Estatal Humanitaria de Rusia (RGGU). Se basó en una colección de arte no oficial reunida por el legendario coleccionista moscovita Leonid Prokhorovich Talochkin (1936-2002).

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El 20 de diciembre tuvo lugar un encuentro-conferencia en el Centro Yeltsin con el famoso Artista conceptual ruso Georgy Kiesewalter, autor de instalaciones y objetos de arte, escritor, uno de los fundadores grupo creativo“Acciones Colectivas”, participante del movimiento “Apt-art”. La conferencia se organizó en el marco de un programa educativo dedicado a la exposición presentada por el Museo de Arte Moderno de Moscú, que reunió las obras de artistas pertenecientes a la ola no oficial.

Kiesewalter explicó detalladamente cómo se ha desarrollado el arte no oficial desde los años cincuenta. Un matiz digno de mención: de 1996 a 2006, Kiesewalter vivió en Canadá, pero regresó. Según él, vivió varias vidas: en la Rusia soviética, rebosante de tendencias artísticas, pero limitada por el Telón de Acero, luego en un Canadá próspero pero aburrido, y su tercera vida comenzó en la Nueva Rusia. Por tanto, evaluar el desarrollo del conceptualismo ruso a través de los ojos de un artista con un destino tan complejo y multifacético es doblemente valioso e interesante. Kiesewalter resumió sus impresiones de su “primera vida” en libros, entre ellos “Estos extraños años setenta o la pérdida de la inocencia” y “Los cruciales años ochenta en el arte no oficial de la URSS”.

Foto de Lyubov Kabalinova

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Conferencia de Georgy Kiesewalter

“Uno de los “pioneros” del movimiento artístico no oficial fue el grupo Lianozovo (finales de los años cincuenta y mediados de los setenta), dice Kiesewalter. – El nombre se debe al hecho de que muchos artistas miembros del grupo vivían en Lianozovo. El núcleo del grupo era el poeta y artista Lev Kropivnitsky. Incluía a Genrikh Sapgir, Vsevolod Nekrasov, Igor Kholin, Yan Satunovsky, Oscar Rabin, Lydia Masterkova y otros. Al mismo tiempo, había un gran grupo de artistas individuales que eran amigos de los lianozovitas. También había un grupo de Unofficial Outcasts, artistas originales que no encajaban en ningún grupo, no eran oficiales, pero no pertenecían a Lianozovo. También fue posible distinguir grupos de artistas del libro y oficiales de izquierda. Fueron ellos los que finalmente formaron el movimiento de los años 1970 y 1980.

Las obras de los artistas de la década de 1960 se distinguían por la calidad de lo que pintaban, pero al mismo tiempo eran, a su manera, arte atemporal, formado a partir de los procesos que tuvieron lugar en Occidente.

En la década de 1970 apareció el conceptualismo y el arte social. Un día, el artista Ivan Chuikov asistió a la exposición de Ilya Kabakov. No entendí nada y me fui. Sin embargo, recordó que no entendía nada y eso lo “enganchó”. Por cierto, cuando comenzó la campaña de archivo, Kabakov quiso trasladar sus obras al extranjero de forma gratuita, pero... nadie se las llevó.

Incluso los años 70 se caracterizaron por el tema de la emigración. Si el artista no emigró, pensaba constantemente en ello. También hubo emigrantes internos y “residentes” que nunca se fueron. En la primera mitad de esta década no pasó nada digno de mención: los artistas pintaban, los que tenían contactos vendían sus cuadros. En 1975 nació Gorkom, un sindicato independiente de artistas, artistas gráficos y fotógrafos. Estaba formado por artistas para quienes era importante figurar en alguna lista para que no fueran acusados ​​de parasitismo.

En 1974 tuvo lugar la famosa “Exposición de Bulldozers”: los artistas de vanguardia expusieron sus obras al aire libre, pero los cuadros fueron aplastados por trabajadores supuestamente enojados con topadoras. Esto provocó una amplia respuesta, por lo que pronto a los artistas se les permitió realizar una exposición en Izmailovo, donde acudió mucha gente. Entonces tuvo lugar exposición a gran escala en el pabellón "Apicultura".

Al mismo tiempo, existía un grupo de Artistas del Libro; se caracterizaban por discutir activamente el lenguaje del arte, algo que no había ocurrido antes. Junto con Alexander Monastyrsky y Lev Rubinstein organizamos mini eventos y nos interesamos por el budismo zen. El surrealismo también fue popular en la comunidad artística. Las reuniones en la cocina eran populares y el sueño de arte sincrético. No sólo los artistas eran populares, sino también los escritores: Lev Sorokin, Dmitry Prigov, Lev Rubinstein, que eran amigos de los artistas. (El 7 de enero, el Centro Yeltsin acogerá una velada creativa de los poetas Lev Rubinstein, Mikhail Aizenberg, Sergei Gandlevsky, Yuli Gugolev, Viktor Koval. Ed.)

En el otoño de 1975, se celebró en VDNKh una exposición de obras de 150 artistas, donde la gente hizo cola. Aparecieron grupos de nuevos artistas, como “Nest”. Apareció el accionismo. Por ejemplo, hubo un evento de “Vender el Alma”, durante el cual se contactó a Nueva York y algunas personas tuvieron que “comprar” las almas de otras. Por ejemplo, también hubo una acción durante la cual sus participantes quemaron las banderas de sus enemigos y colocaron las banderas de los ganadores en un ventisquero.

Formé parte del grupo “Acciones Colectivas”, que a menudo organizaba acciones en la naturaleza. Fueron intentos de romper con la existencia monótona y estetizar la realidad. Así, un simple acontecimiento insignificante se convertía en una obra de arte. Por ejemplo, llevamos a cabo la campaña “Bola”: llenamos una bola de percal, le colocamos una campana y la enviamos río abajo. U otra acción - “Lema”: en el bosque colgamos una pancarta entre los árboles con el lema “NO ME QUEJO DE NADA, Y ME GUSTA TODO, A PESAR DE QUE NUNCA HE ESTADO AQUÍ Y NO SÉ NADA DE ESTOS LUGARES. " Recuerdo que el lema estaba cubierto con un trapo y arranqué los hilos de pescar que sujetaban la pancarta.

Luego hubo una transición de los felices años sesenta y setenta al posmodernismo. Uno de los eventos más llamativos fue la presentación del busto dorado de Sócrates en el grupo "Nido".

En la década de 1970, el grupo Mukhomor irrumpió en el arte. Los miembros del grupo rápidamente pasaron a temas “candentes” y se pronunciaron en contra de la bomba de neutrones. Como resultado, "Mukhomor" fue prohibido. actividades de concierto, que, sin embargo, el grupo no abordó. "Nest" y "Amanita" se convirtieron en la base de la galería Apt-Art. Al mismo tiempo, llegaron a Moscú artistas de Odessa, Jarkov y otras ciudades.

Las instalaciones se convirtieron en un fenómeno importante de los años 80. Las habitaciones de los apartamentos estaban cubiertas con papel, pintado de una manera especial, por ejemplo, del negro al blanco. Fotografié a autores con paraguas, uno de ellos fue Vladimir Sorokin.

Existe una tendencia a archivarlo todo. Comenzamos a coleccionar enciclopedias de arte nuevo. Y luego los artistas empezaron a instalarse en casas e instituciones y a organizar allí exposiciones, por ejemplo, surgió la asociación “Kindergarten”.

Aprobado en la década de 1980 toda una serie exposiciones, en diciembre de 1986 se celebró la 17ª exposición juvenil en Kuznetsky Most, donde se invitó a artistas liberales de izquierda y se celebraron veladas musicales. En general, pasaron muchas cosas, es imposible enumerarlo todo.

Conferencia del artista Georgy Kiesewalter. "Vida artística informal de Moscú en los años 70 y 80"

Vídeo: Alexander Polyakov

Después de la conferencia, Georgy Kiesewalter respondió a varias preguntas.

– Como miembros asociaciones creativas¿Encontraste un amigo? ¿Su relación fue positiva o tuvieron peleas?

– Los artistas suelen unirse según la edad. Si tienes 20 años, naturalmente te esforzarás por ser amigo de aquellos que también tienen entre 20 y 30 años. Las exposiciones de personas de la generación anterior despertaron, por supuesto, reverencia, pero la sensación de que esto fue, en cierto sentido, ayer. Pero en la década de 1980 me hice amigo de artistas de generaciones mayores. Y a veces existía la sensación de que estabas "bajo el capó". Todos tenían miedo de algo, pero juntos, en grupo, no daba miedo.

– ¿Cómo encontraste a “tus” artistas con ideas afines?

– En aquellos días, por alguna razón todos se reunían en Estonia. Recuerdo la década de 1970, Lev Rubinstein estaba en un grupo de jóvenes, pasé junto a él y no me importó, pero luego nos conocimos y comenzamos a comunicarnos. Y él, a su vez, dijo que caminaba por la calle y accidentalmente se encontró con los Gerlovin. Luego dijeron que si se lanzaban dos teteras en la feria de ambos lados, definitivamente se encontrarían y se encontrarían. Incluso en esos años, el sistema samizdat funcionaba activamente, los libros se pasaban a los amigos para que los leyeran, la mayoría de las veces por la noche. Así leemos tanto “El juego de cuentas” como “100 años de soledad”.

– ¿Por qué hoy, en la era de la libertad, cuando se publican muchos libros, incluidos los que antes estaban prohibidos, cuando se puede ver cualquier película y visitar cualquier exposición, se han devaluado las obras de arte? ¿Y seguramente nadie se llevará un libro para leer por la noche?

– El valor especial del arte surge donde existe “a pesar de”. Y cuando surge la permisividad, se borran los criterios para valorar el arte. Hubo un período en el que la línea se borró por completo. Los extranjeros simplemente dijeron: “¿La foto es de Rusia? ¿Sí? Está bien, lo aceptaré". La calidad no ha sido evaluada. En general, existió algún tipo de unidad de artistas hasta 1988, luego se empezó a pagar dinero por el arte y los amigos se convirtieron en rivales. El colapso fue predicho en 1974 por una de las esposas de Ernest Hemingway. Así lo describe Shklovskaya: en la cocina de Nadezhda Mandelstam se discutió la compra de chanclos y carne. Y la señora que estuvo presente durante la conversación dijo: “Ahora tienes amor y calidez, pero esto se acabará cuando lo tengas todo”.

– ¿Entonces el artista debe tener hambre?

"No debería tener hambre, pero tampoco debería estar lleno". En los años 1970 y 1980, el artista pintó lo que era radicalmente nuevo. Cuando empezaron a exigirle en el extranjero 2 o 3 obras por mes y se encontró en condiciones en las que todo estaba en funcionamiento, resultó que nuestros artistas simplemente no estaban preparados para el mercado y habían perdido el contacto con el terreno. Así, uno de los fundadores de Lianozovo, Oscar Rabin, estaba acostumbrado a pintar el cuartel de Lianozovo. Y así recibe permiso para trabajar en Europa, pero sigue dibujando... lo mismo. casas sombrías- sólo en París.

Actualmente, el arte no oficial de la década de 1970 ha comenzado a atraer cada vez más la atención de coleccionistas e investigadores, al tiempo que los desanima a ambos, tanto por la falta de publicaciones significativas como por los numerosos mitos que surgieron de información poco fiable y a veces deliberadamente distorsionada proveniente de de las preferencias subjetivas de artistas, críticos de arte y coleccionistas.

BANNIKOV Nikolay (1942)
JUVENTUD. década de 1970

La era que va desde la derrota por parte de Khrushchev del ala izquierda de la Unión de Artistas de Moscú en Manege en 1962 hasta la “Exposición de Bulldozer” de 1974 reunió a un pequeño grupo de sesenta, inconformistas, iniciadores de la acción de exhibición, que terminó con una derrota de bulldozer.

BANNIKOV Nikolay (1942)
JOVEN. década de 1970

La exageración y el escándalo resultantes en los medios occidentales obligaron a los ideólogos soviéticos a aliviar ligeramente la presión sobre algunos artistas y permitir, bajo la estrecha supervisión de las "autoridades", exposiciones "dosificadas" en una pequeña sala. Un lugar así era el sindicato de artistas gráficos en Malaya Gruzinskaya 28, bajo el cual se creó una sección de pintura, que incluía a este grupo particular de artistas del arte no oficial. La primera exposición de la sección tuvo lugar en marzo de 1976. Antes de esto, hubo dos exposiciones de arte no oficial: en febrero de 1975 en el Pabellón de Apicultura y en septiembre del mismo año en el Pabellón de la Casa de la Cultura en VDNKh.

BANNIKOV Nikolay (1942)
ZANDERA. 1968

La decisión de dar un respiro a un pequeño grupo de artistas recalcitrantes no fue un acto buena voluntad, sino una retirada obligada ante la avalancha de acusaciones de barbarie procedentes de Occidente tras un escándalo sin precedentes con la destrucción de cuadros en una exposición apodada “Bulldozer”.

MAKHOV Iván (1938)
EL SECRETO DEL HOLANDÉS VOLADOR. 1978

Así, la presión proactiva desde dentro, por parte de un grupo activista de artistas inconformistas, y desde fuera, por parte de la propaganda ideológica occidental, creó un precedente: las autoridades abrieron un espacio expositivo que estuvo bien supervisado y redujo significativamente los motivos de crítica de los vectores antes mencionados. de presión.

BARINOV Mijaíl (1947)
MEDIODÍA No. 1. 1978

Este es el comienzo de la historia de “Malaya Gruzinka”, que hasta 1980 presentó los descubrimientos más sorprendentes. La decisión de las autoridades estuvo influenciada no sólo por los acontecimientos mencionados anteriormente, sino también por los hechos de las exposiciones de apartamentos de los años 60 y principios de los 70, así como por la actividad de algunos salones de apartamentos, como el salón Sychev en Rozhdestvensky Boulevard o el de Nika Shcherbakova. salón en la calle Sadovo. También visitaron aquí diplomáticos extranjeros, se reunieron con disidentes, compraron cuadros y apoyaron así el arte no oficial.

BELYUTIN Eliy (1925)
HABLAR. CONVERGENCIA. 1981

Entre los contemporáneos de los acontecimientos descritos anteriormente existe la opinión de que al crear un pequeño "sumidero" para las actividades expositivas de los artistas rebeldes, la KGB simplificó su tarea de controlar la situación y posiblemente reprimir las provocaciones individuales con carga ideológica por parte de los inconformes. Al mismo tiempo, disminuyó el papel de las exposiciones de apartamentos, cuyo seguimiento requirió un trabajo operativo más complejo. También existe la opinión de que la KGB buscó desmembrar grupos de artistas no oficiales, impidiéndoles desarrollar una posición única, limitando al máximo su iniciativa y experimento creativo.

VOROSHILOV Ígor (1939-1989)
DOS. década de 1980

No es casualidad que una generación de artistas inconformistas comenzara su camino creativo en los albores de los años 70, a veces llamada la generación de los “marginados”. El desprecio y la hostilidad de los representantes del arte oficial les dejaban pocos motivos para el optimismo. El estricto marco de inaceptabilidad ideológica determinó las características singulares del trabajo de los artistas inconformistas de los años 70; con excepción del arte de protesta, no podía orientarse hacia una resonancia social significativa, una reflexión, una discusión amplia o un éxito comercial.

BLEZE Sergey (1945)
COMPOSICIÓN No. 20. 1975

EN mejor escenario, el público era un círculo reducido de amigos y admiradores. Trabajar “en la mesa” o “en el rincón del taller” abrió el camino para que alguien tuviera libertad de experimentar, dominar espacio interno la conciencia, su expansión; otros se desesperaron por el consumo excesivo de alcohol. Hubo una estratificación de un pequeño grupo de inconformistas: algunos eligieron un experimento formal con sintaxis, diseño de composición, componentes tecnológicos y estilísticos.

BLEZE Sergey (1945)
COMPOSICIÓN No. 13. 1974

La otra parte, más pequeña, se dedicó a una búsqueda espiritual, a las profundidades del contenido metafísico de la imagen, al estudio de la imagen como transformadora y sublimadora de la conciencia tanto del creador como del espectador. Fue este aspecto de la búsqueda creativa en la esfera del espacio semántico de la pintura lo que llevó a algunos artistas de este grupo a la comprensión teórica y luego al desarrollo práctico de la experiencia religiosa.

VULOKH Igor (1938)
ESCENARIO. década de 1970

Falta de contactos directos con los modernos. arte occidental y la inaccesibilidad a la información sobre la vanguardia doméstica de los años 20 creó una atmósfera de vacío, “cocinando en su propio jugo”, que dio al trabajo de los inconformistas de los años 70 ciertas características específicas. Información fragmentaria sobre la vanguardia occidental llegó a través de revistas de arte de los países socialistas. campamentos y ediciones raras de Skira que atravesaron el cordón.

GAIDUK Nadezhda (1948)
ODESA. 1974

Esto estimuló el proceso de creación de ciertos mitos, tanto individuales como grupales, sobre la obra y la vida de los artistas. No es casualidad que a los años setenta se les llame a veces “mitólogos personales”. A pesar de todas las dificultades, la escasa y mesurada actividad expositiva en Malaya Gruzinka, 28 se convirtió en un laboratorio creativo para artistas en el campo de la experimentación estilística y la tecnología, un campo para el intercambio profesional mutuo de experiencias, búsqueda creativa y crecimiento. El conceptualismo de los años sesenta se enriqueció con nuevos descubrimientos en el campo de la construcción de formas y la profundización de contenidos.

GAIDUK Nadezhda (1948)
CAMINAR. EN MEMORIA DE A. TIKHOMIROV. 1981

Se desarrolló una línea de estudiantes de Vasily Sitnikov, que avanzaron hacia el dominio de los niveles metafísicos y místicos de la dimensión compositiva. Se desarrolló una línea original de arte neo-ingenuo, así como neo y post-simbolismo. Se desarrollaron versiones personales del surrealismo, el minimalismo y el hiperrealismo. Surgió una tendencia distintiva en la pintura con temas religiosos.

GAIDUK Nadezhda (1948)
PATIO DE MOSCÚ. 1976

Se materializaron artes escénicas y meditación grupal, experimentos en el campo del movimiento escénico y escenografía de vanguardia; la creatividad de la “pintura instantánea” de Anatoly Zverev ha llegado a su apogeo; Se formó todo un movimiento de neoexpresionistas. Pintura neohistórica, paisaje metafísico e incluso nueva versión pintura de género.

GLUJOV Vladimir (1937-1985)
PAISAJE.1970

Devenir lenguaje artístico Los inconformistas de los años setenta tuvieron lugar en el contexto y en oposición a la línea oficial del sindicato de artistas con sus directrices, normas, clichés y prohibiciones profesionales. A mediados de los 70 hay un declive " estilo duro"y el "ala izquierda" de la Unión de Artistas de Moscú está tratando de encontrar nuevos lenguajes plásticos en el marco de lo permitido.

GORDEEV Dmitri (1940)
PATIO EN UN PUEBLO. 1977

Básicamente, se trata de “movimientos” interpretativos de estilos de moda en Occidente, que podrían adaptarse a la “línea general” del realismo socialista. Esta es, por ejemplo, una línea de variaciones sobre el tema del "arte ingenuo", que se "deslizaron" bajo el ideologema de "popular, nativo", o la línea del "neoclasicismo", a partir de los monumentalistas del proto italiano. -Renacimiento.

Zhdan Vladislav (1940)
BODEGÓN – RETRATO. DEDICATORIA A B. PASTERNAK. 1969

O, por ejemplo, la versión soviética del hiperrealismo estadounidense, que se aseguró ideológicamente tanto con la “trama documental” como con el “realismo de lo hecho” y se presentó como una línea innovadora y de moda del realismo socialista. A finales de los años 70, una línea separada de la izquierda de la Unión de Artistas de Moscú se convirtió en una variación del expresionismo alemán de los años 20, adaptado al realismo socialista, combinado con las innovaciones tecnológicas del neoexpresionismo estadounidense de los años 40-60, la línea de Pollack y sus seguidores.

PRIADIKHIN Vladimir (1947)
OFICINA. 1994

Así, en los años 70, el alcance del arte oficial se amplió significativamente, incluyendo algunos desarrollos plásticos de la corriente principal occidental, adaptados a la ideología y mentalidad doméstica de los funcionarios del arte que llevaban a cabo la distribución de pedidos, la política de compras del Ministerio de Cultura, el Fondo de Arte y la Unión de Artistas.

ZUBÁREV Vladislav (1937)
COMPOSICIÓN. 1971

Una línea plástica separada en el contexto de la vida artística de los años 60 y 70 fue la escuela de Eliya Belutin, y también, más cerca de principios de los 80, la escuela de Zubarev.

KALUGIN Alejandro (1949)
EXPECTATIVA. 1972-73

Fueron intentos de “legalizar las vanguardias” a través de la metodología de la enseñanza bellas artes, diseño y composición. El experimento fue “legalizado” en estas escuelas en el marco del método de enseñanza del lenguaje plástico, considerando este lenguaje como un patrón formalizado. Estos métodos, aunque se llevaron a cabo dentro de un marco puramente local del proceso pedagógico, influyeron en la conciencia y la formación del lenguaje artístico de varios artistas inconformistas.

KISLITSYN Igor (1948)
LÁMPARA. 1974

Durante las actividades expositivas de los años 70, el sótano de Malaya Gruzinskaya, representantes individuales El "ala izquierda" de la Unión de Artistas de Moscú participó en varias exposiciones, pero en general los artistas de esta ala se oponían a los artistas inconformistas, por no hablar de la mayor parte de los miembros de la Unión de Artistas, que eran celosos y hostiles a su trabajo. Una característica especial de la vida expositiva del sótano de Malaya Gruzinskaya fue que allí los artistas exponían diferentes generaciones, expulsados ​​del arte oficial o oponiéndose abiertamente a él.

KOLOTEV Vasili (1953)
DETENCIÓN DE UN PROPAGANDANDISTA. 1979

En 1980, algunos de estos artistas abandonaron la URSS. En 1981, la dirección del sindicato llevó a cabo una "limpieza" de las filas de la sección de pintura y expulsó de allí, con el pretexto de la falta de certificados de cooperación anormal con las editoriales, a varios artistas de la oposición objetables.

KOLOTEV Vasili (1953)
NOVENO EJE. 1979

Las actividades expositivas continuaron en los años 80, pero al comienzo de la perestroika, el inconformismo fue cada vez más dejado de lado por diversas versiones de salón, arte kitsch, variaciones falsas de la pseudovanguardia, que a finales de los años 80 comenzaron a prevalecer, creando Por desgracia, una opinión negativa sobre el cuadro expuesto en el ahora famoso sótano.

KROTOV Víctor (1945)
DEDICACIÓN A GOYA. 1975

Desafortunadamente, el tiempo ha tratado sin piedad el legado de los inconformistas de los años 70. No es posible recrear, al menos aproximadamente, una imagen completa del proceso creativo de aquella época. En primer lugar, porque muerte fisica Muchos participantes de esta época, la desaparición de sus obras en el extranjero sin dejar rastro.

PROVOTOROV Vladislav (1947)
VISIONES. 1984

En segundo lugar, la falta de exposiciones, debates y publicaciones sobre un fenómeno como el arte no oficial de los años 70, no sobre personalidades individuales, sino sobre el proceso en su conjunto, llevó al hecho de que muchas cosas desaparecieron de la memoria social y lo que quedó fue cubierto de maleza. con mitología, individual y grupal, tanto malvados como participantes sobrevivientes de los eventos.

KUZNETSOV Konstantín (1944)
TSARITSINO. 1982

La pequeña exposición propuesta plantea una tarea modesta: si es posible, identificar y presentar a los amantes y coleccionistas de arte al menos a algunos de los artistas inconformistas de la "primera convocatoria" de las actividades expositivas de la sala de Malaya Gruzinskaya 28, que formaban parte de ellos hasta principios de los años 80. La mayoría de los artistas representados han participado en el proceso expositivo desde la primera exposición de la sección de pintura en marzo de 1976. La proyección de futuro consiste también en acercar más plenamente al espectador, a nivel personal, la obra de estos artistas.

LESCHENKO Vladímir (1939)
ARMENIA. 1982

Esta exposición es un homenaje al famoso coleccionista estadounidense de arte no oficial soviético, Norton Dodge, autor del término "inconformismo soviético". Me gustaría señalar que este excepcional investigador, descubridor y filántropo no sólo llamó la atención sobre el aspecto político de protesta de este fenómeno cultural, sino también sobre su singularidad como evento artístico del siglo XX.

SHIBANOVA Natalia (1948)
BODEGÓN. 1972

Como parte de la historia del arte mundial, N. Dodge, gracias a la colección de su museo, conservó y transmitió esa página a las generaciones posteriores. historia nacional, que los críticos de arte nacionales sesgados y los malvados modernos - "actualistas" y colaboradores de la globalización de la cultura - quisieron silenciar deliberadamente.

Miembro de la Unión de Artistas de Moscú S.V. potapov