Παραδείγματα ζωγραφικής, είδη, στυλ, διάφορες τεχνικές και κατευθύνσεις. Είδη ζωγραφικής Τι είδη ζωγραφικής υπάρχουν

Η ζωγραφική είναι μια από τις πιο κοινές μορφές τέχνης, με τη βοήθεια της οποίας οι καλλιτέχνες μεταφέρουν το όραμά τους για τον κόσμο στους θεατές.

Έτσι, η ζωγραφική είναι ένα ξεχωριστό και πολύ δημοφιλές είδος καλών τεχνών, στο οποίο οι οπτικές εικόνες μεταφέρονται από τον πλοίαρχο μέσω της εφαρμογής χρωμάτων στην επιφάνεια της εικόνας.

I. I. Shishkin. Τοπίο «Άλσος πλοίου» (1898).

Όλοι οι πίνακες που υπάρχουν σήμερα μπορούν να χωριστούν σε πολλά ξεχωριστά είδη, τα οποία έχουν τα δικά τους χαρακτηριστικά στη θεματολογία και την τεχνική της εικόνας. Ας εξετάσουμε τα κύρια για να έχουμε μια σωστή ιδέα για τη δομή των έργων ζωγραφικής.

Έτσι, μεταξύ των σύγχρονων ειδών ζωγραφικής μπορούμε να αναφέρουμε τα εξής:

• Πορτρέτο
• Τοπίο
• Μαρίνα
• Ζωγραφική ιστορίας
• Ζωγραφική μάχης
• Νεκρή φύση
• Είδος ζωγραφικής
• Αρχιτεκτονική ζωγραφική
• Ραφή
• Ζωγραφική με ζώα
• Διακοσμητική ζωγραφική

Σχηματική διαίρεση των ειδών εικαστική τέχνηθα μοιάζει με αυτό:

Πορτρέτο

Πολλοί από εμάς είναι εξοικειωμένοι με το είδος της ζωγραφικής που είναι γνωστό ως πορτραίτο. Αυτός είναι ένας από τους αρχαιότερους τύπους λεπτής ζωγραφικής, και μπορεί επίσης να βρεθεί στη γλυπτική και στα γραφικά. Προηγουμένως, δεν υπήρχαν φωτογραφίες, οπότε όλοι είναι πλούσιοι ή διάσημο πρόσωποθεώρησε απαραίτητο να διαιωνίσει το πρόσωπό του και τη φιγούρα του για τους επόμενους - και σε αυτό, οι ζωγράφοι πορτρέτων τον βοήθησαν.

Επιπλέον, το πορτρέτο μπορεί να απεικονίσει τόσο πραγματικούς ανθρώπους όσο και λογοτεχνικούς ή μυθικούς ήρωες. Επιπλέον, μπορεί να δημιουργηθεί τόσο ένα πορτρέτο ενός ανθρώπου που έζησε στο παρελθόν όσο και του σύγχρονου μας που υπάρχει σήμερα.

Ξεκάθαρα όρια είδος πορτρέτουΌχι, επομένως, σε ένα έργο, ένα πορτρέτο μπορεί να συνδυαστεί με στοιχεία άλλων ειδών ζωγραφικής - τοπίο, νεκρή φύση κ.λπ.

Τύποι πορτρέτων

Μεταξύ των πιο κοινών τύπων ζωγραφική πορτρέτουδιακρίνονται τα εξής:

• Ιστορικό πορτρέτο
• Αναδρομικό πορτρέτο
• Πορτραίτο - ζωγραφική
• Τυπικό πορτρέτο
• Αυτοπροσωπογραφία
• Πορτρέτο δωρητή
• Τελετουργικό πορτρέτο
• Ημιφόρεμα πορτρέτο
• Πορτρέτο δωματίου
• Οικείο πορτρέτο
• Πορτρέτο μικρού σχήματος
• Πορτραίτο - μινιατούρα

Κάθε τύπος πορτραίτου έχει τα δικά του χαρακτηριστικά γνωρίσματα και διαφορές στην τεχνική εκτέλεσης. Ας τα δούμε πιο αναλυτικά.

• Ιστορικό πορτρέτο- περιέχει μια εικόνα οποιουδήποτε ιστορικού προσώπου, πολιτικού προσώπου ή δημιουργικού προσώπου. Ένα τέτοιο πορτρέτο μπορεί να δημιουργηθεί από τις αναμνήσεις των συγχρόνων ή να γεννηθεί στη φαντασία του ζωγράφου.

A. M. Matveev. Πορτρέτο του Μεγάλου Πέτρου (1724 - 1725). Καμβάς, λάδι.

• Αναδρομικό πορτρέτο- μια μεταθανάτια εικόνα ενός ατόμου που έζησε στο παρελθόν, η οποία δημιουργήθηκε σύμφωνα με περιγραφές αυτοπτών μαρτύρων ή από μια ενδοβιολογική εικόνα. Ωστόσο, μπορεί επίσης να υπάρχουν περιπτώσεις όπου το πορτραίτο συντέθηκε εξ ολοκλήρου από τον κύριο.

Vladislav Rozhnev » Γυναικείο πορτρέτο"(1973). Καμβάς, λάδι.

• Ζωγραφική - πορτραίτο- ένα άτομο απεικονίζεται σε μια σχέση πλοκής με τον περιβάλλοντα κόσμο, τη φύση, με φόντο αρχιτεκτονικά κτίρια ή τις δραστηριότητες άλλων ανθρώπων. Σε πορτρέτους, η ασάφεια των ορίων και ο συνδυασμός διαφόρων ειδών - τοπίο, ιστορική και πολεμική ζωγραφική κ.λπ. - είναι πιο ευδιάκριτα.

Μπόρις Κουστόντιεφ. Ο πίνακας είναι ένα πορτρέτο του F. I. Chaliapin (1922). Καμβάς, λάδι.

• Τυπικό πορτρέτο- καλλιτέχνης - ζωγράφος απεικονίζει μια συλλογική εικόνα που αποτελείται από τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα της εμφάνισης πολλών ανθρώπων, που ενώνονται από κοινές ιδέες, είδη δραστηριοτήτων, κοινωνική θέση ή τρόπο ζωής.

F. V. Sychkov "Πορτρέτο μιας αγρότισσας".

• Πορτρέτο στο κοστούμι- το πρόσωπο που απεικονίζεται παρουσιάζεται στον θεατή με τη μορφή λογοτεχνικού ή θεατρικού χαρακτήρα, ιστορικού προσώπου ή μυθολογικού ήρωα. Τέτοια πορτρέτα παρουσιάζουν ιδιαίτερο ενδιαφέρον για τη μελέτη κοστουμιών άλλων εποχών.

• Αυτοπροσωπογραφία- ένα ειδικό είδος πορτραίτου στο οποίο ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του. Δηλαδή θέλει να μεταφέρει και να μεταφέρει στο κοινό την εσωτερική του ουσία.

• Πορτρέτο δωρητή- μια από τις ξεπερασμένες μορφές προσωπογραφίας. Ένας τέτοιος πίνακας με θρησκευτικό θέμα απεικόνιζε ένα άτομο που έκανε μεγάλες δωρεές στην εκκλησία. Εμφανίστηκε μπροστά στο κοινό περιτριγυρισμένος από αγίους, δίπλα στη Παναγία ή σε μια από τις πόρτες του βωμού, γονατιστός. Πλούσιοι άνθρωποιεκείνες τις μέρες είδαν ένα ιδιαίτερο νόημα στη δημιουργία ενός πορτρέτου δωρητή, επειδή τέτοιοι πίνακες πάντα αντιλαμβάνονταν θετικά και τιμούνταν εξίσου.

Πιντουρίκιο. «Ανάσταση Χριστού» με γονατιστό Πάπα Αλέξανδρο ΣΤ'.

Από τη φύση και τη μέθοδο απεικόνισηςανθρώπινες φιγούρες, όλα τα πορτρέτα χωρίζονται στους ακόλουθους τύπους:

• Τελετουργικό πορτρέτο- δείχνει έναν άνδρα σε όρθια θέση σε όλο το ύψος. Ταυτόχρονα, όλες οι λεπτομέρειες της εμφάνισης και της φιγούρας είναι γραμμένες πολύ καθαρά.

• Ημιφόρεμα πορτρέτο- ένα άτομο απεικονίζεται από τη μέση και πάνω, μέχρι τα γόνατα ή σε καθιστή θέση όταν το κάτω μέρος των ποδιών δεν φαίνεται. ΣΕ παρόμοια εργασίαΤο πορτρέτο παίζει τεράστιο ρόλο στην απεικόνιση του περιβάλλοντος ή των αξεσουάρ.

Rokotov F. S. «Πορτρέτο στέψης της Αικατερίνης II» (1763).

• Πορτρέτο δωματίου- η ανθρώπινη φιγούρα εκτελείται σε ουδέτερο φόντο και χρησιμοποιείται μια συντομευμένη εκδοχή της εικόνας της ανθρώπινης φιγούρας - στη μέση, στο στήθος ή ακόμα και στο επίπεδο των ώμων. Σε αυτή την περίπτωση, ο κύριος σχεδιάζει τα χαρακτηριστικά του προσώπου του ατόμου ιδιαίτερα καθαρά και προσεκτικά.

• Οικείο πορτρέτο- χρησιμοποιείται εξαιρετικά σπάνια και αντιπροσωπεύει μια από τις ποικιλίες προσωπικών πορτρέτων λόγω της εκτέλεσής του σε ουδέτερο φόντο. Η δημιουργία ενός οικείου πορτρέτου βασίζεται στα βαθιά συναισθήματα του καλλιτέχνη για το πρόσωπο που απεικονίζεται ή σε μια σχέση εμπιστοσύνης μεταξύ τους.

Εντουάρ Μανέ «Κορίτσι με ισπανική στολή» (1862 - 1863).

• Πορτρέτο μικρού σχήματος- μια μικρή ζωγραφιά. συνήθως γίνεται με μελάνι, μολύβι, παστέλ ή ακουαρέλες.

• Πορτραίτο - μινιατούρα- ένα από τα πιο αναγνωρίσιμα και σύνθετα είδη προσωπογραφίας από άποψη τεχνικής. Η μινιατούρα χαρακτηρίζεται από μια μικρή μορφή εικόνας (από 1,5 έως 20 cm), καθώς και από μια εξαιρετική λεπτότητα γραφής και ένα προσεκτικό σχέδιο όλων των γραμμών σχεδόν σαν κόσμημα. Μικροσκοπικά πορτρέτα τοποθετήθηκαν σε μετάλλια και χρησιμοποιήθηκαν για να διακοσμήσουν ρολόγια, βραχιόλια, καρφίτσες, δαχτυλίδια και ταμπακιέρα.

Jacques Augustine "The Bacchante" - μινιατούρα πορτρέτο (1799). Κόκκαλο, ακουαρέλα, γκουάς. Μέγεθος 8 cm (κύκλος).

Τοπίο

Το τοπίο είναι ένα ξεχωριστό είδος ζωγραφικής, το κύριο αντικείμενο του οποίου είναι η φύση στην αρχική της μορφή ή ελαφρώς αλλαγμένη στη διαδικασία της ανθρώπινης δραστηριότητας.

Konstantin Kryzhitsky "Road" (1899).

Το είδος της τοπιογραφίας είναι γνωστό από την αρχαιότητα. Ωστόσο, στον Μεσαίωνα έχασε κάπως τη σημασία του. Όμως ήδη στην Αναγέννηση, το τοπίο αναβίωσε και απέκτησε τη σημασία ενός από τα σημαντικότερα είδη της εικαστικής τέχνης.

Jean - Francois Millet «Άνοιξη».

Μαρίνα

Μαρίνα (από τη λατινική λέξη "marinus" - "θάλασσα") - ειδικό είδοςζωγραφική, στην οποία απεικονίζονται όλα τα γεγονότα, οι τύποι ανθρώπινη δραστηριότητακαι οι πίνακες της φύσης είναι αφιερωμένοι στη θάλασσα. Συχνά οι καμβάδες απεικονίζουν θαλασσινά τοπία διαφορετική ώραχρόνια και υπό διαφορετικές συνθήκες φωτισμού.

I.K. Aivazovsky «Το ένατο κύμα» (1850).

Καλλιτέχνες που ζωγραφίζουν θαλάσσιους χώρουςστις διάφορες εκφάνσεις τους, ονομάζονται «μαρινιστές». Ένας από τους πιο διάσημους ναυτικούς ζωγράφους είναι ο Ivan Aivazovsky, ο οποίος δημιούργησε πάνω από 6 χιλιάδες πίνακες με θαλάσσιο θέμα.

Ιβάν Αϊβαζόφσκι «Ουράνιο τόξο» (1873).

Ζωγραφική ιστορίας

Είδος ιστορική ζωγραφικήξεκίνησε κατά την Αναγέννηση, όταν οι καλλιτέχνες προσπάθησαν να αντανακλούν στους καμβάδες τους σκηνές από τη ζωή της κοινωνίας σε διάφορες περιόδους της ιστορίας.

Ωστόσο, οι ιστορικοί πίνακες θα μπορούσαν να απεικονίσουν όχι μόνο εικόνες από τη ζωή πραγματικών ανθρώπων, αλλά και μυθολογικές ιστορίες, καθώς και εικονογραφημένες επαναλήψεις βιβλικών και ευαγγελικών ιστοριών.

Domenico Beccafumi "The Temperance of Scilio Africanus" (περίπου 1525).

Η ιστορική ζωγραφική χρησιμεύει για την προβολή γεγονότων του παρελθόντος που είναι πιο σημαντικά για έναν συγκεκριμένο λαό ή ολόκληρη την ανθρωπότητα στο σύνολό της.

Francisco Pradilla «Βάπτιση του πρίγκιπα Χουάν, γιου του Φερδινάνδου και της Ισαβέλλας» (1910).

Ζωγραφική μάχης

Μία από τις ποικιλίες του ιστορικού είδους είναι η ζωγραφική μάχης, το θέμα των εικόνων της οποίας είναι αφιερωμένο κυρίως σε στρατιωτικά γεγονότα, διάσημες μάχες σε ξηρά και θάλασσα, καθώς και στρατιωτικές εκστρατείες. Το είδος μάχης καλύπτει την ιστορία των στρατιωτικών συγκρούσεων σε όλη την ιστορία του ανθρώπινου πολιτισμού.

Ταυτόχρονα, οι πίνακες μάχης διακρίνονται από μεγάλο αριθμό και ποικιλία μορφών που απεικονίζονται, καθώς και από αρκετά ακριβείς εικόνες του εδάφους και των χαρακτηριστικών μιας συγκεκριμένης περιοχής.

Francois Edouard Picot «Η Πολιορκία του Καλαί» (1838).

Ο ζωγράφος μάχης αντιμετωπίζει αρκετά δύσκολα καθήκοντα:

1. Δείξτε τον ηρωισμό του πολέμου και δείξτε τη συμπεριφορά των πιο θαρραλέων πολεμιστών.
2. Αιχμαλωτίστε ένα ιδιαίτερα σημαντικό ή σημείο καμπής σε μια μάχη.
3. Αποκαλύψτε στο έργο σας το πλήρες ιστορικό νόημα των στρατιωτικών γεγονότων.
4. Εκφράστε με ακρίβεια και σαφήνεια τη συμπεριφορά και τις εμπειρίες καθενός από τους συμμετέχοντες στη μάχη - τόσο διάσημων διοικητών όσο και απλών στρατιωτών.

Jean-Baptiste Debray » Ο Ναπολέων μιλά στα βαυαρικά στρατεύματα στο Abensberg στις 20 Απριλίου 1809.

Θα πρέπει να σημειωθεί ότι το είδος της ζωγραφικής μάχης θεωρείται ένα από τα πιο δύσκολα, επομένως τέτοιοι πίνακες δημιουργούνται από δασκάλους πολύς καιρός- μερικές φορές για δέκα χρόνια. Ο καλλιτέχνης πρέπει όχι μόνο να έχει άριστη γνώση της λεπτομερούς ιστορίας της μάχης που απεικονίζεται, αλλά και να μπορεί να δημιουργεί πολυμορφικούς καμβάδες με μεγάλο αριθμό βοηθητικών λεπτομερειών. Αυτά περιλαμβάνουν εικόνες της φύσης, στοιχεία αρχιτεκτονικής και εικόνες όπλων ή στρατιωτικών μηχανισμών. Ως εκ τούτου, το είδος μάχης κατέχει ιδιαίτερη θέση και ξεχωρίζει από την ιστορική ζωγραφική.

Νεκρή φύση

Η νεκρή φύση είναι η δημιουργία σε καμβά συνθέσεων από άψυχα αντικείμενα σε διάφορους συνδυασμούς. Οι πιο δημοφιλείς είναι εικόνες πιάτων, γλάστρες με μπουκέτα λουλουδιών και φρούτα σε μια πιατέλα.

Σεζάν «Η γωνία του τραπεζιού» (1895 - 1900).

Αρχικά, το θέμα των εικόνων στο είδος της νεκρής φύσης προέκυψε στις αρχές του 15ου - 16ου αιώνα, αλλά ο τελικός σχηματισμός του είδους σε μια ξεχωριστή κατεύθυνση ζωγραφικής συνέβη τον 17ο αιώνα. Οι πρώτοι δημιουργοί νεκρών φύσεων ήταν Ολλανδοί και Φλαμανδοί καλλιτέχνες. Αργότερα, η νεκρή φύση πήρε μια σημαντική θέση στο έργο των Ρώσων καλλιτεχνών.

Το θέμα των εικόνων στις νεκρές φύσεις μπορεί να είναι πολύ πλούσιο και ποικίλο και δεν περιορίζεται αποκλειστικά σε καθημερινά αντικείμενα. Αυτά μπορεί να είναι βιβλία, περιοδικά και εφημερίδες, μπουκάλια, ειδώλια, μια σφαίρα και πολλά άλλα αντικείμενα.

Ντέιβιντ Τένιερς ο νεότερος. Νεκρή φύση (1645 - 1650).

Η κύρια ιδέα των συνθέσεων στο είδος Vanitas είναι η ιδέα του πεπερασμένου της γήινης ύπαρξης και της ταπεινότητας πριν από το αναπόφευκτο της μετάβασης σε έναν άλλο κόσμο. Οι νεκρές φύσεις με ένα κρανίο στο κέντρο της σύνθεσης κέρδισαν τη μεγαλύτερη δημοτικότητα τον 16ο - 17ο αιώνα στη Φλάνδρα και στην Ολλανδία. Λίγο αργότερα, Γάλλοι και Ισπανοί καλλιτέχνες άρχισαν να επικοινωνούν μαζί του.

Peter Claes «Νεκρή φύση με ένα κρανίο».

Είδος ζωγραφικής

ΣΕ καλές τέχνεςΗ ζωγραφική του είδους θεωρείται μέρος του καθημερινό είδος. Από την αρχαιότητα, οι καλλιτέχνες έχουν απεικονίσει σκηνές της καθημερινής ζωής των απλών ανθρώπων - αγροτών, τεχνιτών, εμπόρων, καθώς και υπηρέτες ευγενών αυλικών στη διαδικασία εργασιακή δραστηριότηταή στην καθημερινή ζωή των οικογενειών τους.

Gabriel Metsu «The Bird Seller» (1662).

Πρώτα δείγματα Είδος πινάκων ζωγραφικήςμε τη σύγχρονη έννοια, εμφανίστηκε τον Μεσαίωνα και στη συνέχεια έγινε ευρέως διαδεδομένο και δημοφιλές. Τα θέματα των ειδών ζωγραφικής χαρακτηρίζονται από αξιοζήλευτη ποικιλομορφία, η οποία προκαλεί το ενδιαφέρον των θεατών.

Bernardo Strozzi «Ο μάγειρας» (1625).

Αρχιτεκτονική ζωγραφική

Η αρχιτεκτονική ζωγραφική είναι ένα ειδικό εικαστικό είδος, το θέμα του οποίου είναι αφιερωμένο στην απεικόνιση κτιρίων, κατασκευών και διαφόρων αρχιτεκτονικών μνημείων, καθώς και στις πιο ενδιαφέρουσες λύσεις από την ιστορική πτυχή. Αυτό αναφέρεται στην εικόνα του εσωτερικού σχεδιασμού των παλατιών, των θεάτρων και ΑΙΘΟΥΣΕΣ συναυλιώνκαι ούτω καθεξής.

Χάρη σε τέτοιους πίνακες, ο θεατής έχει την ευκαιρία να δει προσωπικά αρχιτεκτονικά μνημεία στην αρχική τους μορφή μέσα από τα μάτια του ίδιου του καλλιτέχνη. Έργα της αρχιτεκτονικής ζωγραφικής βοηθούν επίσης στη μελέτη του αρχιτεκτονικού τοπίου των πόλεων των περασμένων εποχών.

Louis Daguerre «Ομίχλη και χιόνι ορατά μέσα από μια ερειπωμένη γοτθική κιονοστοιχία» (1826).

Ζωγραφική με ζώα

Το ζωγραφικό είδος είναι ένα ξεχωριστό είδος ζωγραφικής που ειδικεύεται κυρίως στην απεικόνιση του ζωικού κόσμου του πλανήτη μας. Σε πίνακες αυτού του είδους μπορούμε να δούμε ζώα, πουλιά, ψάρια, καθώς και εκπροσώπους πολλών άλλων ειδών στο φυσικό τους περιβάλλον.

George Stubbs «The Sleeping Leopard» (1777).

Ωστόσο, αυτό δεν σημαίνει ότι το θέμα του είδους των ζώων είναι μόνο τα άγρια ​​ζώα. Αντίθετα, οι καλλιτέχνες πολύ συχνά ζωγραφίζουν πίνακες αφιερωμένους σε κατοικίδια - γάτες, σκύλους, άλογα κ.λπ.

Διακοσμητική ζωγραφική

Είδος διακοσμητική ζωγραφικήμπορούν να χωριστούν σε διάφορους τύπους που έχουν τις δικές τους διαφορές:

• Μνημειακή ζωγραφική
• Θεατρική σκηνογραφία
• Διακοσμητική ζωγραφική

Η ποικιλομορφία του διακοσμητικού είδους εξηγείται από το γεγονός ότι οι καλλιτέχνες ανά πάσα στιγμή προσπαθούσαν να διακοσμήσουν κάθε αντικείμενο στον περιβάλλοντα κόσμο.

• Μνημειακή ζωγραφική- ένα είδος μνημειακής τέχνης, τα έργα του οποίου είναι αρκετά μεγάλης κλίμακας και χρησιμοποιούνται ως διακοσμητικά κτίρια και κατασκευές κοσμικής και θρησκευτικής φύσης για διάφορους σκοπούς (συμπεριλαμβανομένων εκκλησιών, κτιρίων γραφείων και πολιτιστικών κτιρίων, αρχιτεκτονικών μνημείων και κτίρια κατοικιών).

• Τοπίο θεάτρου- αυτό είναι ένα πολύ δημοφιλές είδος διακοσμητικού είδους, το οποίο περιλαμβάνει τη δημιουργία σκηνικών και σχεδίων κοστουμιών για χαρακτήρες θεατρικές παραγωγέςκαι χαρακτήρες ταινιών, καθώς και σκίτσα μεμονωμένων σκηνών. Οι διακοσμητές στο θέατρο και στο κινηματογραφικό πλατό μερικές φορές δημιουργούν πραγματικά αριστουργήματα, τα οποία αργότερα συγκαταλέγονται στα καλύτερα θεατρικά και κινηματογραφικά σκηνικά.

• Διακοσμητική ζωγραφική- αντιπροσωπεύει συνθέσεις ιστοριώνή διακοσμητικό ντεκόρ που δημιουργείται σε διάφορα μέρη κτιρίων και κατασκευών, καθώς και σε παραδείγματα διακοσμητικών και εφαρμοσμένων τεχνών, που έχουν την προέλευσή τους στις λαϊκές τέχνες και χειροτεχνίες. Οι κύριοι τύποι βαμμένων αντικειμένων ήταν πιάτα, είδη οικιακής χρήσης, έπιπλα κ.λπ.

Η σπουδαία μορφή, επιστήμονας και καλλιτέχνης της Αναγέννησης Λεονάρντο ντα Βίντσι είπε: «Η ζωγραφική είναι ποίηση που φαίνεται και η ποίηση είναι ζωγραφική που ακούγεται». Και δεν μπορεί κανείς να μην συμφωνήσει μαζί του. Αντιλαμβάνεστε πραγματικά την πραγματική τέχνη από όλες τις πλευρές. Βλέπουμε, συλλογιζόμαστε, ακούμε και αποθηκεύουμε στην ψυχή μας τα έργα τέχνης που μας αρέσουν. Και τα παγκόσμια αριστουργήματα παραμένουν στη μνήμη μας για πολλά χρόνια.

Είδη και είδη ζωγραφικής

Όταν σχεδιάζετε μια εικόνα, ο κύριος την εκτελεί σε μια συγκεκριμένη κατάσταση, έναν ειδικό χαρακτήρα. Το έργο δεν θα αποδειχθεί πλήρες, άξιο αγάπης και προσοχής, αν απεικονίζονται μόνο σχήμα και χρώμα πάνω του. Ο καλλιτέχνης είναι υποχρεωμένος να προικίζει τα αντικείμενα με ψυχή, τους ανθρώπους με χάρισμα, σπίθα, ίσως μυστήριο, τη φύση με μοναδικά συναισθήματα και τα γεγονότα με πραγματικές εμπειρίες. Και τα είδη και τα είδη ζωγραφικής βοηθούν τον δημιουργό σε αυτό. Σας επιτρέπουν να μεταφέρετε σωστά τη διάθεση μιας εποχής, γεγονότος, γεγονότος και να κατανοήσετε καλύτερα την κύρια ιδέα, εικόνα, τοπίο.

Ανάμεσα στα κυριότερα είναι τα εξής:

• Ιστορικός- απεικόνιση γεγονότων, στιγμών ιστορίας διαφορετικές χώρεςκαι εποχές.
• Μάχη- μεταφέρει σκηνές μαχών.
• Οικιακός- σκηνές από την καθημερινή ζωή.
• Τοπίο- αυτές είναι εικόνες ζωντανής φύσης. Υπάρχουν τοπία θάλασσα, βουνό, φανταστικά, λυρικά, αγροτικά, αστικά και κοσμικά.
• Νεκρή φύση- εικονογραφεί άψυχα αντικείμενα: κουζινικά σκεύη, όπλα, λαχανικά, φρούτα, φυτά κ.λπ.
• Πορτρέτο- Αυτή είναι μια εικόνα ενός ατόμου, μιας ομάδας ανθρώπων. Συχνά, στους καλλιτέχνες αρέσει να ζωγραφίζουν αυτοπροσωπογραφίες ή καμβάδες που απεικονίζουν τους εραστές τους.
• Animalistic- εικόνες για ζώα.

Ξεχωριστά, μπορούμε να διακρίνουμε το είδος της πλοκής-θεματικής και να συμπεριλάβουμε εδώ έργα των οποίων το θέμα είναι μύθοι, θρύλοι, έπη, καθώς και εικόνες της καθημερινής ζωής.

Τα είδη ζωγραφικής υποδηλώνουν επίσης ξεχωριστά: Βοηθούν τον καλλιτέχνη να επιτύχει την τελειότητα στη δημιουργία ενός καμβά, να του πει προς ποια κατεύθυνση να κινηθεί και να εργαστεί. Υπάρχουν οι εξής επιλογές:

- Πανόραμα- εικόνα της περιοχής σε μορφή μεγάλης κλίμακας, γενική άποψη.

- Διόραμα- μια ημικυκλική εικόνα μαχών και θεαματικών γεγονότων.

- Μικρογραφία- χειρόγραφα, πορτρέτα.

- Μνημειακή και διακοσμητική ζωγραφική- ζωγραφική σε τοίχους, πάνελ, αμπαζούρ κ.λπ.

- Εικονογραφία- ζωγραφιές με θρησκευτικά θέματα.

- Διακοσμητική ζωγραφική- δημιουργία καλλιτεχνικών σκηνικών στον κινηματογράφο και το θέατρο.

- Καβαλέτο ζωγραφική- με άλλα λόγια, πίνακες ζωγραφικής.

- Διακοσμητική ζωγραφική αντικειμένων καθημερινής ζωής.

Κατά κανόνα, κάθε δάσκαλος καλών τεχνών επιλέγει για τον εαυτό του ένα είδος και είδος ζωγραφικής που είναι πιο κοντά σε αυτόν στο πνεύμα και κυρίως εργάζεται μόνο σε αυτό. Για παράδειγμα, ο Ivan Konstantinovich Aivazovsky (Hovhannes Gayvazyan) εργάστηκε σε στυλ θαλασσογραφίας. Τέτοιοι καλλιτέχνες ονομάζονται επίσης θαλάσσιοι ζωγράφοι (από το "marina", που σημαίνει "θάλασσα" στα λατινικά).

Τεχνικοί

Η ζωγραφική είναι ένας συγκεκριμένος τρόπος εκτέλεσης μιας πλοκής, η αντίληψή της μέσα από τον κόσμο των χρωμάτων και των πινελιών. Και φυσικά, μια τέτοια αναπαραγωγή δεν μπορεί να επιτευχθεί χωρίς τη χρήση ορισμένων τεχνικών, προτύπων και κανόνων. Η ίδια η έννοια της «τεχνικής» στις καλές τέχνες μπορεί να οριστεί ως ένα σύνολο τεχνικών, κανόνων και πρακτικών γνώσεων με τη βοήθεια των οποίων ο συγγραφέας μεταφέρει την ιδέα και την πλοκή της εικόνας με μεγαλύτερη ακρίβεια και κοντά στην πραγματικότητα.

Η επιλογή της τεχνικής ζωγραφικής εξαρτάται επίσης από το είδος των υλικών και το είδος του καμβά που θα χρησιμοποιηθεί για τη δημιουργία του έργου. Μερικές φορές ένας καλλιτέχνης μπορεί να υιοθετήσει μια ατομική προσέγγιση στο έργο του, χρησιμοποιώντας ένα μείγμα διαφορετικών στυλ και τάσεων. Αυτή η προσέγγιση του συγγραφέα μας επιτρέπει να δημιουργήσουμε πραγματικά μοναδικά έργα τέχνης - παγκόσμια αριστουργήματα.

Από τεχνική άποψη, υπάρχουν πολλές επιλογές για τη ζωγραφική. Ας τα δούμε πιο αναλυτικά.

Ζωγραφική των αρχαίων χρόνων

Η ιστορία της ζωγραφικής ξεκινά με τις σπηλαιογραφίες του πρωτόγονου ανθρώπου. Εκείνη την εποχή, οι πίνακες δεν ξεχώριζαν από τη ζωηρότητα των πλοκών τους ή την ταραχή των χρωμάτων, αλλά είχαν μια ιδιόμορφη συγκίνηση. Και οι ιστορίες εκείνων των χρόνων μας πληροφορούν ξεκάθαρα για την ύπαρξη ζωής στο μακρινό παρελθόν. Οι γραμμές είναι εξαιρετικά απλές, τα θέματα προβλέψιμα, οι κατευθύνσεις ξεκάθαρες.

Στην αρχαιότητα, το περιεχόμενο των σχεδίων έγινε πιο ποικίλο, πιο συχνά απεικόνιζαν ζώα, διάφορα πράγματα και ολόκληρες βιογραφίες έγιναν σε ολόκληρο τον τοίχο, ειδικά αν οι εικόνες δημιουργήθηκαν για τους Φαραώ, κάτι που πιστευόταν πολύ εκείνη την εποχή. Μετά από άλλα δύο χιλιάδες χρόνια, αρχίζουν να εμφανίζονται χρώματα.

Η αρχαία ζωγραφική, ιδιαίτερα η παλιά ρωσική, μεταφέρεται καλά και διατηρείται σε παλιές εικόνες. Είναι ιερό και το καλύτερο παράδειγμα που μεταφέρει την ομορφιά της τέχνης από τον Θεό. Το χρώμα τους είναι μοναδικό και ο σκοπός τους τέλειος. Μια τέτοια ζωγραφική μεταφέρει το μη πραγματικό της ύπαρξης, εικόνες και ενσταλάζει σε ένα άτομο την ιδέα της θεϊκής αρχής, της ύπαρξης ιδανικής τέχνης, την οποία πρέπει να μιμηθεί κανείς.

Η ανάπτυξη της ζωγραφικής δεν πέρασε χωρίς ίχνος. Για μεγάλο χρονικό διάστημα, η ανθρωπότητα κατάφερε να συσσωρεύσει πραγματικά λείψανα και πνευματική κληρονομιά πολλών αιώνων.

Ακουαρέλα

Η ακουαρέλα διακρίνεται από τη φωτεινότητα των χρωμάτων της, την καθαρότητα του χρώματος και τη διαφάνεια εφαρμογής σε χαρτί. Ναι, είναι καλύτερο να δουλέψετε σε αυτή την τεχνική καλών τεχνών σε μια επιφάνεια χαρτιού. Το σχέδιο στεγνώνει γρήγορα και ως αποτέλεσμα αποκτά πιο ελαφριά και ματ υφή.

Η ακουαρέλα δεν σας επιτρέπει να επιτύχετε ενδιαφέρουσες λάμψεις όταν χρησιμοποιείτε σκούρες, μονόχρωμες αποχρώσεις, αλλά μοντελοποιεί τέλεια το χρώμα εάν τα στρώματα εφαρμόζονται το ένα πάνω στο άλλο. Σε αυτή την περίπτωση, αποδεικνύεται ότι βρίσκουμε εντελώς νέες, ασυνήθιστες επιλογές που είναι δύσκολο να αποκτηθούν με άλλες καλλιτεχνικές τεχνικές.

Δυσκολίες στην εργασία με ακουαρέλες

Η πολυπλοκότητα της εργασίας σε τέτοια τεχνολογία όπως ζωγραφική με ακουαρέλα, είναι ότι δεν συγχωρεί λάθη και δεν επιτρέπει τον αυτοσχεδιασμό με ριζικές αλλαγές. Εάν δεν σας άρεσε ο εφαρμοσμένος τόνος ή έχετε ένα εντελώς διαφορετικό χρώμα από αυτό που θέλατε, τότε είναι απίθανο να διορθωθεί. Οποιεσδήποτε προσπάθειες (πλύσιμο με νερό, ξύσιμο, ανάμειξη με άλλα χρώματα) μπορεί να οδηγήσουν είτε σε πιο ενδιαφέρουσα απόχρωση είτε σε πλήρη μόλυνση του πίνακα.

Η αλλαγή της θέσης μιας φιγούρας, ενός αντικειμένου ή οποιαδήποτε βελτίωση στη σύνθεση σε αυτήν την τεχνική είναι ουσιαστικά αδύνατο να γίνει. Αλλά χάρη στο γρήγορο στέγνωμα των χρωμάτων, η ζωγραφική είναι ιδανική για σκίτσο. Και όσον αφορά την απεικόνιση φυτών, πορτρέτων, τοπίων πόλεων, μπορεί να ανταγωνιστεί έργα που γίνονται με λάδι.

Λάδι

Κάθε μία από τις τεχνικές ποικιλίες της ζωγραφικής έχει τις δικές της ιδιαιτερότητες. Αυτό ισχύει τόσο για τον τρόπο εκτέλεσης όσο και για την καλλιτεχνική απόδοση της εικόνας. Η ελαιογραφία είναι μια από τις πιο αγαπημένες τεχνικές πολλών καλλιτεχνών. Είναι δύσκολο να εργαστείτε σε αυτό, καθώς απαιτεί ένα ορισμένο επίπεδο γνώσης και εμπειρίας: από την προετοιμασία των απαραίτητων αντικειμένων και υλικών μέχρι το τελικό στάδιο - κάλυψη της εικόνας που προκύπτει προστατευτικό στρώμαβερνίκι

Η όλη διαδικασία της ελαιογραφίας είναι αρκετά εντατική. Ανεξάρτητα από το ποια βάση θα επιλέξετε: καμβάς, χαρτόνι ή χαρτόνι (ινοσανίδες), πρέπει πρώτα να καλυφθεί με αστάρι. Θα επιτρέψει στο χρώμα να κολλήσει και να κολλήσει καλά, χωρίς να διαφεύγει λάδι από αυτό. Θα δώσει επίσης στο φόντο την επιθυμητή υφή και χρώμα. Υπάρχουν πολλά είδη και συνταγές για διαφορετικά εδάφη. Και ο κάθε καλλιτέχνης προτιμά το δικό του, ένα συγκεκριμένο που το έχει συνηθίσει και το οποίο θεωρεί την καλύτερη επιλογή.

Όπως προαναφέρθηκε, η εργασία γίνεται σε διάφορα στάδια, και το τελικό στάδιο είναι η επίστρωση της βαφής με ουσίες βερνικιού. Αυτό γίνεται για την προστασία του καμβά από υγρασία, ρωγμές (πλέγμα) και άλλες μηχανικές βλάβες. Η ελαιογραφία δεν ανέχεται την εργασία σε χαρτί, αλλά χάρη σε μια ολόκληρη τεχνολογία εφαρμογής χρωμάτων, σας επιτρέπει να διατηρήσετε έργα τέχνηςασφαλείς και αβλαβείς για αιώνες.

Κινεζικές καλές τέχνες

Θα ήθελα να δώσω ιδιαίτερη σημασία στην εποχή της κινεζικής ζωγραφικής, μιας και έχει μια ιδιαίτερη σελίδα στην ιστορία Ανατολική κατεύθυνσηη ζωγραφική έχει αναπτυχθεί για περισσότερα από έξι χιλιάδες χρόνια. Ο σχηματισμός του συνδέθηκε στενά με άλλες τέχνες, κοινωνικές αλλαγές και συνθήκες που συνέβαιναν στη ζωή των ανθρώπων. Για παράδειγμα, μετά την εισαγωγή του Βουδισμού στην Κίνα, οι θρησκευτικές τοιχογραφίες απέκτησαν μεγάλη σημασία. Κατά την περίοδο (960-1127), οι πίνακες ιστορικού χαρακτήρα έγιναν δημοφιλείς, αφηγούμενοι επίσης για την καθημερινή ζωή. Τοπιογραφίακαθιερώθηκε ως ανεξάρτητη κατεύθυνση ήδη από τον 4ο αιώνα μ.Χ. μι. Εικόνες της φύσης δημιουργήθηκαν σε μπλε-πράσινα χρώματα και κινέζικο μελάνι. Και τον ένατο αιώνα, οι καλλιτέχνες άρχισαν όλο και περισσότερο να ζωγραφίζουν εικόνες στις οποίες απεικόνιζαν λουλούδια, πουλιά, φρούτα, έντομα, ψάρια, ενσωματώνοντας σε αυτά τα ιδανικά τους και τον χαρακτήρα της εποχής.

Χαρακτηριστικά της κινεζικής ζωγραφικής

Η παραδοσιακή κινεζική ζωγραφική διακρίνεται για το ιδιαίτερο στυλ της, καθώς και τα υλικά που χρησιμοποιούνται για τη ζωγραφική, η οποία, με τη σειρά της, επηρεάζει τις μεθόδους και τις μορφές της ανατολίτικης τέχνης. Πρώτον, οι Κινέζοι ζωγράφοι χρησιμοποιούν ένα ειδικό πινέλο για να δημιουργήσουν πίνακες ζωγραφικής. Μοιάζει με ακουαρέλα και έχει μια ιδιαίτερα αιχμηρή άκρη. Ένα τέτοιο εργαλείο σάς επιτρέπει να δημιουργείτε εκλεπτυσμένα έργα και, όπως γνωρίζετε, το στυλ της καλλιγραφίας εξακολουθεί να χρησιμοποιείται ευρέως στην Κίνα. Δεύτερον, το μελάνι χρησιμοποιείται παντού ως βαφή - κινέζικο μελάνι (μερικές φορές μαζί με άλλα χρώματα, αλλά χρησιμοποιείται και ως ανεξάρτητο χρώμα). Αυτό συμβαίνει εδώ και δύο χιλιάδες χρόνια. Αξίζει επίσης να σημειωθεί ότι πριν από την εμφάνιση του χαρτιού, η ζωγραφική γινόταν σε μετάξι στην Κίνα. Σήμερα σύγχρονους δασκάλουςοι καλλιτέχνες εκτελούν τη δουλειά τους τόσο σε χάρτινη βάση όσο και σε μεταξωτή επιφάνεια.

Δεν είναι μόνο αυτό τεχνικές δυνατότητεςζωγραφική. Εκτός από τα προαναφερθέντα, υπάρχουν πολλά άλλα (γκουάς, παστέλ, τέμπερα, νωπογραφία, ακρυλικό, κερί, ζωγραφική σε γυαλί, πορσελάνη κ.λπ.), συμπεριλαμβανομένων πρωτότυπων εκδόσεων τέχνης.

Εποχές της ζωγραφικής

Όπως κάθε μορφή τέχνης, η ζωγραφική έχει τη δική της ιστορία σχηματισμού. Και πάνω από όλα χαρακτηρίζεται σε διαφορετικά στάδιαανάπτυξη, πολύπλευρα στυλ, ενδιαφέρουσες κατευθύνσεις. Οι εποχές της ζωγραφικής παίζουν σημαντικό ρόλο εδώ. Καθένα από αυτά δεν επηρεάζει απλώς ένα κομμάτι της ζωής ενός λαού και όχι μόνο την εποχή κάποιων ιστορικών γεγονότων, αλλά μια ολόκληρη ζωή! Μεταξύ των πιο διάσημων περιόδων της ζωγραφικής τέχνης είναι: η Αναγέννηση και ο Διαφωτισμός, το έργο ιμπρεσιονιστών καλλιτεχνών, η Art Nouveau, ο σουρεαλισμός και πολλές, πολλές άλλες. Με άλλα λόγια, η ζωγραφική είναι μια εικαστική απεικόνιση μιας συγκεκριμένης εποχής, μια εικόνα της ζωής, μια κοσμοθεωρία μέσα από τα μάτια του καλλιτέχνη.

Η έννοια «ζωγραφική» κυριολεκτικά σημαίνει «ζωγραφίζω τη ζωή», απεικονίζεις την πραγματικότητα ζωντανά, αριστοτεχνικά και πειστικά. Για να μεταφέρετε στον καμβά σας όχι μόνο κάθε λεπτομέρεια, κάθε μικρό πράγμα, στιγμή, αλλά και τη διάθεση, τα συναισθήματα, τη γεύση μιας συγκεκριμένης εποχής, το στυλ και το είδος ολόκληρου του έργου τέχνης.

Στυλ ζωγραφικής

2.1 Σουρεαλισμός
2.2 Κυβισμός
2.3 Αφηρημένη τέχνη
2.4 Φωβισμός
2.5 Φουτουρισμός
2.6 Μανιερισμός
2.7 Αναγέννηση
2.8 Πρωτοπορία
2.9 Μπαρόκ

2.1 Σουρεαλισμός
Ο σουρεαλισμός, ένα μοντερνιστικό κίνημα στη λογοτεχνία, τις καλές τέχνες και τον κινηματογράφο, ξεκίνησε στη Γαλλία τη δεκαετία του 1920. και αποδόθηκε μεγάλη επιρροήεπί ΔΥΤΙΚΗ κουλτουρα. Ο σουρεαλισμός χαρακτηρίζεται από προδιάθεση για οτιδήποτε περίεργο, παράλογο και δεν πληροί τα γενικά αποδεκτά πρότυπα. Το ίδιο το κίνημα ήταν ετερογενές, αλλά ο κύριος στόχος του ήταν η χειραφέτηση των δημιουργικών δυνάμεων του υποσυνείδητου και η υπεροχή τους έναντι του νου. Ως ένα βαθμό, οι προκάτοχοι των σουρεαλιστών ήταν οι Ντανταϊστές (ντανταϊσμός). Ο θεωρητικός και ιδρυτής S. Andre Breton υποστήριξε ότι αυτή η κατεύθυνση πρέπει να επιλύσει την αντίφαση μεταξύ ονείρου και πραγματικότητας και να δημιουργήσει κάποιο είδος απόλυτης πραγματικότητας, υπερπραγματικότητας. Παρ' όλες τις προσπάθειες του Μπρετόν να ενώσει τους σουρεαλιστές, τους έλειπε η ομοφωνία: διαφωνούσαν συνεχώς, έκαναν αμοιβαίες κατηγορίες και απέκλειαν από τις τάξεις τους όσους διαφωνούσαν. Ο σουρεαλισμός βασίζεται στη θεωρία του Φρόιντ για το υποσυνείδητο και στη μέθοδο του «ελεύθερου συνειρμού» για τη μετάβαση από τη συνείδηση ​​στο υποσυνείδητο. Ωστόσο, οι μορφές έκφρασης αυτών των ιδεών ήταν πολύ διαφορετικές μεταξύ των σουρεαλιστών. Για παράδειγμα, ο Νταλί, με σχολαστική ακρίβεια, «αληθοφάνεια», έγραψε κάθε λεπτομέρεια στους παράλογους, εφιαλτικούς πίνακές του, επιδεινώνοντας την εντύπωση παραισθήσεων ή παραληρήματος, ενώ ο Μαξ Ερνστ δούλευε στους καμβάδες του σαν αυτόματα, «σβήνοντας» το μυαλό, προτιμώντας αυθαίρετες εικόνες, που συχνά μετατρέπονται σε αφαίρεση. Ο Ζαν Μιρό, ωστόσο, διέφερε από άλλους σουρεαλιστές καλλιτέχνες ως προς την ποικιλία και τη χαρά των έργων του. Κατά την περίοδο μεταξύ των δύο παγκοσμίων πολέμων, ο σουρεαλισμός έγινε το πιο διαδεδομένο, αν και το πιο αμφιλεγόμενο κίνημα. Οι οπαδοί του εμφανίστηκαν όχι μόνο στην Ευρώπη, αλλά και στις ΗΠΑ, όπου πολλοί συγγραφείς και καλλιτέχνες μετανάστευσαν κατά τη διάρκεια του πολέμου. Διακρινόμενος από το εύρος της προσέγγισης και τον πλούτο των μορφών του, ο σουρεαλισμός διευκόλυνε την αντίληψη του κυβισμού και της αφηρημένης τέχνης και οι μέθοδοι και οι τεχνικές του επηρέασαν το έργο συγγραφέων και καλλιτεχνών σε πολλές χώρες σε όλο τον κόσμο.

2.2 Κυβισμός
Κυβισμός, ένα μοντερνιστικό κίνημα στη ζωγραφική του 1ου τετάρτου του 20ου αιώνα. Η εμφάνισή του χρονολογείται από το 1907 και συνδέεται με το έργο του Πικάσο και του Μπρακ, ιδιαίτερα με τον πίνακα του Πικάσο «Les Demoiselles d’Avignon», που απεικονίζει παραμορφωμένες, τραχιές φιγούρες και δεν υπάρχει προοπτική ή κιαροσκούρο. Ο κυβισμός σήμαινε πλήρη ρήξη με τη ρεαλιστική απεικόνιση της φύσης που κυριαρχούσε Ευρωπαϊκή ζωγραφικήαπό την Αναγέννηση. Ο στόχος του Πικάσο και του Μπρακ είναι να κατασκευάσουν μια τρισδιάστατη μορφή σε ένα επίπεδο, χωρίζοντάς την σε γεωμετρικά στοιχεία. Και οι δύο καλλιτέχνες έλκονται προς απλές, απτές φόρμες, απλές πλοκές, κάτι που είναι ιδιαίτερα χαρακτηριστικό πρώιμη περίοδοΟ κυβισμός, ο λεγόμενος «Cezannean» (1907-1909), αναπτύχθηκε υπό την επίδραση της αφρικανικής γλυπτικής και των έργων του Σεζάν. Πανίσχυροι τόμοι φαίνεται να είναι απλωμένοι στον καμβά, το χρώμα ενισχύει την ένταση (Picasso «Three Women», 1909). Η επόμενη περίοδος (1910-1912) ονομάζεται "αναλυτική": το αντικείμενο συνθλίβεται σε μικρές άκρες, οι οποίες είναι σαφώς διαχωρισμένες μεταξύ τους, η μορφή του αντικειμένου φαίνεται να θολώνει στον καμβά, δεν υπάρχει πρακτικά χρώμα ως τέτοιο (Braque " Προς τιμήν του J.S. Bach», 1912). Στον τελευταίο, γνωστό ως «συνθετικός» κυβισμός, οι πίνακες μεταμορφώνονται σε πολύχρωμα, επίπεδα πάνελ (Πικάσο «Ταβέρνα», 1913-1914), οι φόρμες γίνονται πιο διακοσμητικές, τα στένσιλ γραμμάτων και διάφορα αυτοκόλλητα εισάγονται στο σχέδιο, σχηματίζοντας κολάζ. Ο Χουάν Γκρις γράφει με αυτόν τον τρόπο, μαζί με τον Μπρακ και τον Πικάσο. Ο 1ος Παγκόσμιος Πόλεμος έβαλε τέλος στη συνεργασία μεταξύ του Μπρακ και του Πικάσο, αλλά το έργο τους είχε μεγάλη επιρροή σε άλλα κινήματα, όπως ο Φουτουρισμός, ο Ορφισμός, ο Πουρισμός και ο Βορτισμός. Η επιρροή του κυβισμού στις εικαστικές τέχνες συνεχίστηκε μέχρι τη δεκαετία του 1960.

2.3 Αφηρημένη τέχνη
Η αφαίρεση είναι η πιο ακραία σχολή του μοντερνισμού. Η αφηρημένη τέχνη, που ονομάζεται επίσης μη παραστατική τέχνη, εμφανίστηκε ως κίνημα στη δεκαετία του 10 του εικοστού αιώνα. Εφόσον οι καλλιτέχνες αυτού του κινήματος αρνούνται οποιαδήποτε αναπαράσταση στην τέχνη και αρνούνται να απεικονίσουν τον αντικειμενικό κόσμο, η αφαίρεση ονομάζεται επίσης μη αντικειμενικότητα. Οι θεωρητικοί του αφαιρετικισμού τον αντλούν από τον Σεζάν μέσω του κυβισμού. Ήταν ακριβώς αυτό το μονοπάτι - από την αναπαράσταση μέσω της «ιδανικής πραγματικότητας» του λεγόμενου συνθετικού κυβισμού στην πλήρη μη αναπαράσταση - που ένας από τους ιδρυτές του «νεοπλαστικισμού», ο Ολλανδός ζωγράφος Piet (Peter Cornelis) Mondrian (1872-1944). ), πήρε, ο οποίος πίστευε ότι «η καθαρή πλαστικότητα δημιουργεί καθαρή πραγματικότητα». Στη δεκαετία του 10, ο Mondrian συνδέθηκε με τον κυβισμό, ωστόσο, φέρνοντας τις αρχές του στο απλό σχέδιο σε ένα αεροπλάνο. Στο σπίτι, στην Ολλανδία, ο Mondrian έχει μια ομάδα οπαδών ενωμένη γύρω από το περιοδικό "Style". Το πρόγραμμα του περιοδικού διακήρυξε τη δημιουργία μιας παγκόσμιας εικόνας του κόσμου μέσα από ορθογώνια διαφορετικό χρώμα, που χωρίζονται μεταξύ τους με μια παχιά μαύρη γραμμή. Έτσι εμφανίστηκαν αμέτρητες συνθέσεις χωρίς όνομα, κάτω από αριθμούς και γράμματα. Ο Mondrian είχε κυριολεκτικά εμμονή με τη λατρεία της ισορροπίας μεταξύ κάθετων και οριζόντιων και έσπασε με το περιοδικό Style όταν εισήγαγε τη γωνία 45 μοιρών ως συστατικό της εκφραστικής γλώσσας το 1924. Οι ιδέες του Mondrian υιοθετήθηκαν από Ιταλούς «concretists» τη δεκαετία του 1940. Με βάση τη δήλωση του Mondrian ότι «δεν υπάρχει τίποτα πιο συγκεκριμένο από τη γραμμή, το χρώμα, το επίπεδο», άρχισαν να δημιουργούν μια «νέα πραγματικότητα» από γραμμές και επίπεδα ανοιχτών κίτρινων, κόκκινων και μπλε χρωμάτων. Ένας άλλος ιδρυτής της αφηρημένης τέχνης, ο Wassily Kandinsky (1866-1944), δημιούργησε τα πρώτα του «μη αντικειμενικά» έργα πριν από τους κυβιστές. Μοσχοβίτης εκ γενετής, ο Καντίνσκι προετοιμάστηκε για πρώτη φορά για νομική καριέρα, το 1896 ήρθε στο Μόναχο όπου σπούδασε στη σχολή του A. Azhbe (1897-1898) και στην Ακαδημία Τεχνών (1900) με τον F. von Stuck, ενδιαφέρθηκε στο Gauguin and the Fauves, δημοφιλής δημοφιλής εκτύπωση. Το 1911, μαζί με τον Φ. Μαρκ, δημιούργησε τον σύλλογο Blue Rider. Στο έργο του «Περί του Πνευματικού στην Τέχνη», διακηρύσσει μια απομάκρυνση από τη φύση, από τη φύση στις «υπερβατικές» ουσίες των φαινομένων και των αντικειμένων. ασχολείται ενεργά με τα προβλήματα να φέρει το χρώμα πιο κοντά στη μουσική. Ο Καντίνσκι επηρεάστηκε επίσης πολύ από τον συμβολισμό. Αναμφίβολα, από τον συμβολισμό την κατανόησή του για το μαύρο, για παράδειγμα, ως σύμβολο του θανάτου, το λευκό - ως γέννηση, το κόκκινο - ως θάρρος. Η οριζόντια γραμμή ενσαρκώνει την παθητική αρχή, η κάθετη γραμμή - την ενεργητική αρχή. Δικαίως οι ερευνητές πιστεύουν ότι ο Kandinsky είναι ο τελευταίος εκπρόσωπος του λογοτεχνικού-ψυχολογικού συμβολισμού, όπως ο Moreau στη Γαλλία και ο Ciurlionis στη Λιθουανία, και ταυτόχρονα ο πρώτος αφηρημένος καλλιτέχνης. «Η αντικειμενικότητα είναι επιβλαβής για τους πίνακές μου», έγραψε στο έργο του «The Artist's Text». Ο Καντίνσκι αυτής της περιόδου είναι πολύχρωμοι καμβάδες στους οποίους μπαίνουν άμορφες κηλίδες έντονου χρώματος όμορφοι συνδυασμοίπου τέμνονται από καμπύλες ή ημιτονοειδείς γραμμές, μερικές φορές που μοιάζουν με ιερογλυφικά. Αυτό από μόνο του ήταν ήδη ένα μεγάλο έγκλημα· από τη σκοπιά του Mondrian, είναι μάλλον κοντά στον παιδικό αυθορμητισμό των πινάκων του Klee. Τα έργα του Καντίνσκι θυμίζουν κάπως φωτογραφικά εφέ φωτός που συλλαμβάνεται με μπογιά. Το 1914, ο Καντίνσκι επέστρεψε στη Ρωσία, ήταν ένας από τους διοργανωτές του Μουσείου Εικονογραφικού Πολιτισμού στην Πετρούπολη και του Ινχούκ στη Μόσχα. Από τα τέλη του 1921 έζησε στη Γερμανία. Στις αρχές της δεκαετίας του '20, ο Καντίνσκι λάτρευε τον λεγόμενο γεωμετρικό αφαιρετικισμό (σε αντίθεση με τον εικαστικό αφαιρετικισμό της προηγούμενης περιόδου). Το 1933, με την έλευση του φασισμού στη Γερμανία, ο Καντίνσκι μετανάστευσε στη Γαλλία, όπου έζησε μέχρι το τέλος των ημερών του. Τα όψιμα έργα του Καντίνσκι φαίνεται να συνδυάζουν τις αρχές του εικαστικού και του γεωμετρικού αφαιρετικού. Ο τρίτος ιδρυτής της αφηρημένης ζωγραφικής είναι ο Kazimir Malevich (1878-1935). Συνδύασε τον ιμπρεσιονισμό του Καντίνσκι και τη γεωμετρική αφαίρεση του Μοντριάν του Σεζάν στον Σουπρεματισμό που επινόησε (από το γαλλικό υπέρτατο - ύψιστο). Μαθητής του Κιέβου Σχολή καλών τεχνών, στη συνέχεια στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής της Μόσχας, ο Μάλεβιτς πέρασε από ένα πάθος για τον ιμπρεσιονισμό, μετά τον κυβισμό, και στη δεκαετία του 10 επηρεάστηκε από τους φουτουριστές Καρ και Μποτσιόνι. Από το 1913, δημιούργησε το δικό του σύστημα αφηρημένης ζωγραφικής, εκθέτοντας στο κοινό τον πίνακα «Μαύρο Τετράγωνο», ένα απλό μαύρο τετράγωνο ζωγραφισμένο σε λευκό φόντο, και αποκαλώντας αυτό το σύστημα «δυναμικό σουπρεματισμό». Στα θεωρητικά του έργα, λέει ότι στον σουπρεματισμό «δεν μπορεί να γίνει λόγος για ζωγραφική, η ζωγραφική είναι από καιρό ξεπερασμένη και ο ίδιος ο καλλιτέχνης είναι μια προκατάληψη του παρελθόντος». Στις αρχές της δεκαετίας του '30, επέστρεψε στην παραστατική ζωγραφική στη ρεαλιστική παράδοση, με σοβιετικό θέμα («Κορίτσι με κόκκινο άξονα»). Το «Μαύρο τετράγωνο» του Μάλεβιτς έμεινε στην ιστορία ως υψηλότερη έκφρασηάκρα της μοντερνιστικής τέχνης. Μια ιδιαίτερη κατεύθυνση στην αφηρημένη τέχνη - ο Ραγιονισμός - οδήγησαν οι Mikhail Larionov και Natalya Goncharova. Σύμφωνα με τον Larionov, όλα τα αντικείμενα φαίνονται ως ένα άθροισμα ακτίνων. Το καθήκον του καλλιτέχνη είναι να βρει την τομή των ακτίνων που συγκλίνουν σε ορισμένα σημεία, δηλ. πολύχρωμες γραμμές που τα αντιπροσωπεύουν στη ζωγραφική. Με την έλευση των φασιστών στην εξουσία, τα κέντρα της αφηρημένης τέχνης μεταφέρθηκαν στην Αμερική. Το 1937 δημιουργήθηκε στη Νέα Υόρκη ένα μουσείο μη εικονιστικής ζωγραφικής, που ιδρύθηκε από την οικογένεια του εκατομμυριούχου Guggenheim, το 1939 - το Μουσείο σύγχρονη τέχνη, που δημιουργήθηκε με κεφάλαια Rockefeller. Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου και μετά το τέλος του, όλες οι υπεραριστερές δυνάμεις του καλλιτεχνικού κόσμου συγκεντρώθηκαν στην Αμερική. Στη μεταπολεμική περίοδο, ένα νέο κύμα αφηρημένης τέχνης υποστηρίχθηκε από την τεράστια κλίμακα της διαφήμισης και την οργανωμένη επιτυχία. Το κεφάλαιο επενδύεται σε έργα αφηρημένης ζωγραφικής. Ο Τζάκσον Πόλοκ (1912-1956) θεωρείται ο «αστέρας» της αμερικανικής αφηρημένης τέχνης της μεταπολεμικής περιόδου. Ο Pollock επινόησε τον όρο "dripping" - πιτσίλισμα μπογιάς στον καμβά χωρίς να χρησιμοποιεί πινέλο. Αυτό ονομάζεται επίσης αφηρημένος εξπρεσιονισμός στην Αμερική, στη Γαλλία - tachisme (από τη λέξη tache - λεκές), στην Αγγλία - ζωγραφική δράσης, στην Ιταλία - πυρηνική ζωγραφική (pittura bërthame). Στη Γαλλία, στο πρώτο μισό της δεκαετίας του '40, επικρατούσε κάποια νηνεμία στον τομέα της αφηρημένης τέχνης. Αυτό προκλήθηκε από την ενίσχυση της θέσης της ρεαλιστικής τέχνης μετά τον πόλεμο, μετά το Λαϊκό Μέτωπο και τα κινήματα της Αντίστασης. Από τα τέλη της δεκαετίας του '40, οι αφαιρετικοί ενώθηκαν ξανά στο "Salon des realites nouvelles" και εκδίδουν ένα ειδικό περιοδικό "Aujourd" hui art et architecture." Οι θεωρητικοί του είναι οι Leon Degan και Michel Seyfort. Στη δεκαετία του '50, το πάθος για την αφαίρεση ήταν ευρέως διαδεδομένο Στη Γαλλία Ο αντίπαλος Ο Αμερικανός Πόλοκ εκπροσωπείται από τον Ζωρζ Ματιέ, ο οποίος συνοδεύει τις «συνεδρίες δημιουργικότητάς» του παρουσία του κοινού με μεταμφιέσεις και μουσική και αποκαλεί τις τεράστιες δημιουργίες του αρκετά σοφές (για παράδειγμα, «Η Μάχη των Μπουβίν» ), το οποίο όμως δεν τους καθιστά λιγότερο αφηρημένες. Όπως έγραψε ο θεωρητικός της αφαίρεσης L. Ventuli, «...η τέχνη ονομάζεται αφηρημένη όταν δεν αφαιρείται από την προσωπικότητα του καλλιτέχνη, αλλά από αντικείμενα του εξωτερικού κόσμου. ..”.

2.4 Φωβισμός
Φωβισμός - (γαλλικά fauvisme, από το fauve - wild), ένα κίνημα στη γαλλική ζωγραφική των αρχών του εικοστού αιώνα. Το ειρωνικό παρατσούκλι «les fauves» (οι άγριοι) δόθηκε από τους κριτικούς σε μια ομάδα ζωγράφων που έπαιξαν το 1905 στο «Salon of Independents» του Παρισιού (Henri Matisse, Andre Derain, Maurice Vlaminck, Albert Marquet κ.λπ.). Ο φωβισμός ενσάρκωσε μια αισθητική διαμαρτυρία ενάντια στις καλλιτεχνικές παραδόσεις του 19ου αιώνα. Για ένα σύντομο χρονικό διάστημα (1905-1907), οι μάστορες με διαφορετικές προσωπικότητες ένωσαν την έλξη τους για τις παραστατικές φόρμουλες, τις χρωματιστικές αντιθέσεις και τους έντονους συνθετικούς ρυθμούς και την αναζήτηση φρέσκων παρορμήσεων στην πρωτόγονη δημιουργικότητα, τη μεσαιωνική και ανατολίτικη τέχνη. Μοντελοποίηση όγκου, αναδημιουργία χώρου, ευάερο γραμμική προοπτικήμεταξύ των Φωβιστών παραμερίζεται από την άμεση συναισθηματική εκφραστικότητα ενός έντονου πολύχρωμου σημείου, διακοσμητικών δομών που χρησιμεύουν κυρίως ως έκφραση των ζωντανών συναισθημάτων του καλλιτέχνη.

2.5 Φουτουρισμός
Φουτουρισμός - (από το λατινικό futurum - μέλλον), η γενική ονομασία των πρωτοποριακών καλλιτεχνικών κινημάτων της δεκαετίας του 1910 - αρχές της δεκαετίας του '20 σε ορισμένα ΕΥΡΩΠΑΙΚΕΣ ΧΩΡΕΣ(κυρίως Ιταλία και Ρωσία), συγγενείς σε μακρινές δηλώσεις (διακήρυξη των ιδεών δημιουργίας «της τέχνης του μέλλοντος», άρνηση καλλιτεχνικών παραδόσεων κ.λπ.) και επιλεγμένα θέματα. Στην Ιταλία, οι μελλοντολόγοι αντιλήφθηκαν το μέλλον με μεγάλη αισιοδοξία, απολυτοποίησαν τα εξωτερικά σημάδια του τεχνικού πολιτισμού ως νέες αισθητικές αξίες, σηματοδοτώντας το μοντέλο της μελλοντικής παγκόσμιας τάξης. νέου τύπου μαζική συνείδηση. Στον φουτουρισμό υπάρχει ένας συνδυασμός απόψεων και ένας πολλαπλασιασμός περιγραμμάτων, σαν να προκαλείται από γρήγορη κίνηση, παραμόρφωση μορφών, έντονες αντιθέσεις στη δομή των χρωμάτων, χαοτική εισβολή στη σύνθεση αποκομμάτων κειμένου κ.λπ. Εκπρόσωποι: ηγέτης και θεωρητικός F.T. Marinetti, U. Boccioni, C. Carra, κ.λπ. Στη Ρωσία, ο φουτουρισμός εκφράστηκε πιο ξεκάθαρα στη λογοτεχνία (D.D. Burliuk, V.V. Mayakovsky, κ.λπ.) και χαρακτηρίστηκε από μηδενιστικά συνθήματα, κήρυγμα ατομικιστικής εξέγερσης, αισθητικοποίηση της τεχνολογίας και της αστικής κουλτούρας, αιτήματα εκδημοκρατισμού της τέχνης.

2.6 Μανιερισμός
Μανιερισμός (Mannerism, ιταλική maniera - ύφος, τρόπος), όρος που χρησιμοποιείται στη θεωρία των καλών τεχνών. Έγινε δημοφιλής χάρη στον καλλιτέχνη και βιογράφο του 16ου αιώνα Vasari, ο οποίος τον χαρακτήρισε ως με υψηλό βαθμό χάρης, ευθυκρισίας και επιτήδευσης στην τέχνη. Ωστόσο, από τον 17ο αιώνα, οι περισσότεροι κριτικοί, πιστεύοντας ότι η ιταλική τέχνη του 2ου μισού του 16ου αιώνα ήταν σε παρακμή σε σύγκριση με τις κορυφές που επιτεύχθηκαν κατά τη διάρκεια της Υψηλής Αναγέννησης (Αναγέννησης) από τους Λεονάρντο ντα Βίντσι, Μιχαήλ Άγγελο και Ραφαήλ, ο όρος «μανιερισμός Εφαρμόστηκε στην τέχνη που χαρακτηριζόταν από μεταφορικό πλούτο, μια προτίμηση για την υπερβολή και το γκροτέσκο. Ως αποτέλεσμα, ο μανιερισμός άρχισε να ονομάζεται το στυλ που υιοθετούσαν τα σχολεία Ιταλική τέχνη, κυρίως Ρωμαϊκή, στην περίοδο μεταξύ της Υψηλής Αναγέννησης και της εποχής του Μπαρόκ (περίπου 1520-περίπου 1600). Συνηθίζεται να μιλάμε για μανιερισμό ξεκινώντας από τον Ραφαήλ, όταν εγκατέλειψε τα εξαιρετικά καθαρά και ισορροπημένα εκφραστικά μέσα που χαρακτηρίζουν την Υψηλή Αναγέννηση και άρχισε να εργάζεται με πιο εξελιγμένο τρόπο. Ο μανιερισμός χαρακτηρίζεται από επιμήκεις φιγούρες, τεταμένες στάσεις (contrapposto), ασυνήθιστα ή παράξενα εφέ που σχετίζονται με το μέγεθος, το φωτισμό ή την προοπτική και τα έντονα χρώματα. Στη γλυπτική, ο προάγγελος του μανιερισμού ήταν ο Giambologna, του οποίου η τέχνη, που είχε τεράστια επιρροή στους συγχρόνους του, συνδυάζει ιδιότροπες στάσεις με εξαιρετική απαλότητα και κομψότητα των μορφών. Τα κορυφαία γλυπτά του μανιερισμού περιλαμβάνουν το Benvenuto Cellini. Ο μανιερισμός στην αρχιτεκτονική είναι τόσο δύσκολο να οριστεί όσο στη ζωγραφική και τη γλυπτική, αλλά συχνά υποδηλώνει μια συνειδητή περιφρόνηση για τους καθιερωμένους κανόνες και τις κλασικές παραδόσεις. Εκτός Ιταλίας, εκπρόσωποι της σχολής του Φοντενεμπλό στη Γαλλία, Ολλανδοί καλλιτέχνες του 16ου αιώνα (πολλοί από αυτούς υιοθέτησαν τις ιδέες του μανιερισμού μετά την επίσκεψη στην Ιταλία) και ο Ελ Γκρέκο στην Ισπανία μερικές φορές αποκαλούνται μανιεριστές. Στη λογοτεχνία και τη μουσική, ο όρος «μανιερισμός» χρησιμοποιείται ακόμη ευρύτερα από ό,τι στις καλές τέχνες και την αρχιτεκτονική. Λοιπόν, το λένε «μανιερίστικο» κυριολεκτικά δουλεύει, τα οποία χαρακτηρίζονται από πολυσύχναστες συλλαβές, περίπλοκη σύνταξη και χρήση παράξενων και φανταστικών εικόνων. Το πιο διάσημο παράδειγμα είναι το δίτομο μυθιστόρημα Euphues (1578-1580) του John Lyly, από το οποίο δημιουργήθηκε ο όρος «Euphuism», που σημαίνει ένα άκρως τεχνητό και επιτηδευμένο ύφος. Στη μουσική, για παράδειγμα, το έργο του Ιταλού συνθέτη, συγγραφέα των μαδριγάλων Carlo Gesualdo di Venosa, τα έργα του οποίου διακρίνονται από ασυνήθιστη αρμονία, ξαφνικές αλλαγές ρυθμού και ζωηρή έκφραση, θεωρείται «μανεριστικό».

2.7 Αναγέννηση
Αναγέννηση (Renaissance) (Αναγέννηση), μια εποχή πνευματικής και καλλιτεχνικής άνθησης που ξεκίνησε στην Ιταλία τον 14ο αιώνα, κορυφώθηκε τον 16ο αιώνα και είχε σημαντική επιρροή Ευρωπαϊκός πολιτισμός. Ο όρος "Αναγέννηση", που σήμαινε μια επιστροφή στις αξίες του αρχαίου κόσμου (αν και το ενδιαφέρον για τους ρωμαϊκούς κλασικούς εμφανίστηκε τον 12ο αιώνα), εμφανίστηκε τον 15ο αιώνα και έλαβε θεωρητική αιτιολόγηση τον 16ο αιώνα στα έργα του Vasari. , αφιερωμένο στο έργο διάσημων καλλιτεχνών, γλυπτών και αρχιτεκτόνων. Αυτή την εποχή, σχηματίστηκε μια ιδέα για την αρμονία που βασιλεύει στη φύση και για τον άνθρωπο ως κορωνίδα της δημιουργίας της. Μεταξύ των εξαιρετικών εκπροσώπων αυτής της εποχής είναι ο καλλιτέχνης Alberti. αρχιτέκτονας, καλλιτέχνης, επιστήμονας, ποιητής και μαθηματικός Λεονάρντο ντα Βίντσι. Ο αρχιτέκτονας Brunelleschi, χρησιμοποιώντας καινοτόμα τις ελληνιστικές παραδόσεις, δημιούργησε αρκετά κτίρια που δεν υστερούσαν σε ομορφιά από τα καλύτερα αρχαία δείγματα. Πολύ ενδιαφέροντα είναι τα έργα του Bramante, τον οποίο οι σύγχρονοί του θεωρούσαν τον πιο ταλαντούχο αρχιτέκτονα της Υψηλής Αναγέννησης, και του Palladio, ο οποίος δημιούργησε μεγάλα αρχιτεκτονικά σύνολα που διακρίνονταν για την ακεραιότητα της καλλιτεχνικής τους αντίληψης και την ποικιλομορφία τους. διαλύματα σύνθεσης. Τα θεατρικά κτίρια και τα σκηνικά κατασκευάστηκαν με βάση το αρχιτεκτονικό έργο του Βιτρούβιου (περίπου 15 π.Χ.) σύμφωνα με τις αρχές του ρωμαϊκού θεάτρου. Οι θεατρικοί συγγραφείς ακολούθησαν αυστηρούς κλασικούς κανόνες. Το αμφιθέατρο, κατά κανόνα, είχε σχήμα πέταλου αλόγου· μπροστά του υπήρχε υπερυψωμένη εξέδρα με προσκήνιο, που χωριζόταν από τον κύριο χώρο με αψίδα. Αυτό λήφθηκε ως πρότυπο για ένα κτίριο θεάτρου για τα πάντα δυτικός κόσμοςγια τους επόμενους πέντε αιώνες. Οι ζωγράφοι της Αναγέννησης δημιούργησαν ένα πλήρες, προικισμένο εσωτερική ενότηταη έννοια του κόσμου, γέμισε παραδοσιακές θρησκευτικές ιστορίες με γήινο περιεχόμενο (Nicola Pisano, τέλη 14ου αιώνα· Donatello, αρχές 15ου αιώνα). Έχει γίνει μια ρεαλιστική απεικόνιση ενός προσώπου κύριος στόχοςκαλλιτέχνες της Πρώιμης Αναγέννησης, όπως μαρτυρούν τα έργα των Τζιότο και Μασάτσιο. Η εφεύρεση ενός τρόπου μετάδοσης της προοπτικής συνέβαλε σε μια πιο αληθινή αντανάκλαση της πραγματικότητας. Ένα από τα κύρια θέματα των πινάκων της Αναγέννησης (Gilbert, Michelangelo) ήταν το τραγικό ασυμβίβαστο των συγκρούσεων, ο αγώνας και ο θάνατος του ήρωα. Γύρω στο 1425 η Φλωρεντία έγινε το κέντρο της Αναγέννησης (φλωρεντινή τέχνη), αλλά στις αρχές του 16ου αιώνα - Υψηλή Αναγέννηση- Η Βενετία (ενετική τέχνη) και η Ρώμη κατέλαβαν την ηγετική θέση. Πολιτιστικά κέντραήταν τα δικαστήρια των Δούκων της Μάντοβα, του Ουρμπίνο και της Φεράντα. Οι κύριοι προστάτες των τεχνών ήταν οι Μέδικοι και οι πάπες, ιδιαίτερα ο Ιούλιος Β' και ο Λέων Χ. Οι μεγαλύτεροι εκπρόσωποι της «βόρειας Αναγέννησης» ήταν ο Ντύρερ, ο Κράναχ ο Πρεσβύτερος και ο Χόλμπαϊν. Βόρειοι καλλιτέχνεςως επί το πλείστον μιμούνταν τα καλύτερα ιταλικά μοντέλα και μόνο λίγα, για παράδειγμα ο Jan van Scorel, κατάφεραν να δημιουργήσουν το δικό τους στυλ, το οποίο διακρινόταν για την ιδιαίτερη κομψότητα και χάρη - μανιερισμό του. Καλλιτέχνες της Αναγέννησης: Alberti, Leonardo da Vinci, Botticelli, Titian, Michelangelo, Raphael.

2.8 Πρωτοπορία
Πρωτοπορία (γαλλ. avant-gardisme - εμπρός και φρουρός) - κοινή ονομασία καλλιτεχνικές κατευθύνσειςΟ 20ός αιώνας, που χαρακτηρίζεται από την αναζήτηση νέων, άγνωστων, συχνά μοναδικών μορφών και μέσων καλλιτεχνικής προβολής, την υποτίμηση ή την πλήρη άρνηση των παραδόσεων και την απολυτοποίηση της καινοτομίας. Γεννημένος από την πνευματική ατμόσφαιρα του 20ου αιώνα με τους μεγαλειώδεις κατακλυσμούς του, απεικονίζει όχι μόνο τις αντιφάσεις μεταξύ διαφορετικών συστημάτων και τεχνικών σύνθεσης, αλλά και τον αγώνα ιδεολογικών θέσεων. Ορισμένοι θεωρητικοί και επαγγελματίες της πρωτοπορίας δηλώνουν τη δημιουργία ελίτ τέχνης, ξένης στα κοινωνικά καθήκοντα, ενώ άλλοι, αντίθετα, αναζητούν θεμελιωδώς νέα μέσα έκφρασηςνα μεταδώσει συναισθήματα κοινωνικής διαμαρτυρίας και επαναστατικού περιεχομένου. Ξεχώρισε κυρίως όχι σε τελειωμένες φόρμες, αλλά σε τάσεις μετατόπισης παραδοσιακών θεμάτων, πλοκών και αρχών σύνθεσης, υπερτροφίας σύμβασης, έντονης (ήχου, χρώματος, πλαστικού και άλλων) εκφραστικότητας. Χαρακτηρίζεται επίσης από την καταστροφή των αντικειμενικά καθορισμένων ορίων μεταξύ τύπων και ειδών (η διείσδυση της ποίησης και της μουσικής στην πεζογραφία και η «πεζοποίηση» της ποίησης, η μεταφορά των αρχών της μουσικής σύνθεσης στη λογοτεχνία και τις εικαστικές τέχνες). Ο αντιφατικός χαρακτήρας της πρωτοπορίας είναι εμφανής στην τάση ορισμένων από τις κατευθύνσεις του προς τον φορμαλισμό (η νίκη της λεκτικής απεικόνισης και συμβολισμού έναντι του περιεχομένου στην ποίηση και την πεζογραφία, η έμφαση στο χρώμα, σύνθεση σύνθεσηςκαι η πλοκή στη ζωγραφική, η ατονικότητα και η κακοφωνία στη μουσική) και άλλα, αντίθετα, στην άρνηση της αισθητικής ουσίας της τέχνης και του ωφελιμισμού (η συγχώνευση της τέχνης με την παραγωγή, την καθημερινή ζωή και την πολιτική δημοσιογραφία). Στις ακραίες του μορφές συγχωνεύεται με την παρακμή, τον μοντερνισμό και την αφηρημένη τέχνη. Ταλαντούχοι εκπρόσωποι της πρωτοπορίας από νωρίς. Ο 20ός αιώνας (φουτουρισμός, εικονισμός, κονστρουκτιβισμός κ.λπ.), ο οποίος με συνέπεια τηρούσε μια προοδευτική κοσμοθεωρία, κατάφερε να ξεπεράσει τα στενά όρια αυτών των τάσεων και να εμπλουτίσει τον πολιτισμό με νέες καλλιτεχνικές αξίες

2.9 Μπαρόκ
Μπαρόκ (Μπαρόκ τέχνη.), στυλ ευρωπαϊκής τέχνης και αρχιτεκτονικής του 17ου και 18ου αιώνα. Σε διαφορετικές εποχές, ο όρος «Μπαρόκ» είχε διαφορετικές έννοιες. Στην αρχή είχε μια προσβλητική χροιά, υπονοώντας τον παραλογισμό, τον παραλογισμό (ίσως πηγαίνει πίσω στην πορτογαλική λέξη που σημαίνει ένα άσχημο μαργαριτάρι). Επί του παρόντος, χρησιμοποιείται σε ιστορικά έργα τέχνης για τον προσδιορισμό του στυλ που κυριαρχούσε Ευρωπαϊκή τέχνημεταξύ μανιερισμού και ροκοκό, δηλαδή περίπου από το 1600 έως τις αρχές του 18ου αιώνα. Από τον μπαρόκ μανιερισμό, η τέχνη κληρονόμησε τον δυναμισμό και τη βαθιά συναισθηματικότητα, και από την Αναγέννηση - στιβαρότητα και λαμπρότητα: τα χαρακτηριστικά και των δύο στυλ συγχωνεύτηκαν αρμονικά σε ένα ενιαίο σύνολο. Το περισσότερο γνωρίσματα του χαρακτήραΤο μπαρόκ - πιασάρικο λουλουδάτο και δυναμισμός - αντιστοιχούσε στην αυτοπεποίθηση και την απογοήτευση της νέας δύναμης του Ρωμαίου καθολική Εκκλησία. Εκτός Ιταλίας, το μπαρόκ στυλ πήρε τις βαθύτερες ρίζες του σε καθολικές χώρες και, για παράδειγμα, στη Βρετανία η επιρροή του ήταν ασήμαντη. Στις απαρχές της παράδοσης της τέχνης του μπαρόκ στη ζωγραφική βρίσκονται δύο μεγάλοι Ιταλοί καλλιτέχνες - ο Καραβάτζιο και η Ανιμπάλε Καράτσι, που δημιούργησαν τα περισσότερα σημαντικό έργο V τελευταία δεκαετία 16ος αιώνας - πρώτη δεκαετία του 17ου αιώνα. Για Ιταλική ζωγραφική Τα τέλη του 16ου αιώνα χαρακτηριζόταν από αφύσικο και στυλιστική αβεβαιότητα. Ο Καραβάτζιο και ο Καράτσι με την τέχνη τους αποκατέστησαν την ακεραιότητα και την εκφραστικότητα του. Στην ιταλική αρχιτεκτονική, ο πιο επιφανής εκπρόσωπος της τέχνης του μπαρόκ ήταν ο Carlo Maderna (1556-1629), ο οποίος έσπασε με τον μανιερισμό και δημιούργησε το δικό του στυλ. Το κύριο δημιούργημά του είναι η πρόσοψη της ρωμαϊκής εκκλησίας της Santa Susanna (1603). Η κύρια φιγούρα στην ανάπτυξη της μπαρόκ γλυπτικής ήταν ο Lorenzo Bernini, του οποίου τα πρώτα αριστουργήματα που εκτελέστηκαν με το νέο στυλ χρονολογούνται περίπου το 1620. Το παρεκκλήσι Coranaro στην εκκλησία της Santa Maria della Victoria (1645-1652) θεωρείται η πεμπτουσία του μπαρόκ , μια εντυπωσιακή συγχώνευση ζωγραφικής, γλυπτικής και αρχιτεκτονικής. Οι πιο εξέχοντες Ιταλοί σύγχρονοι του Μπερνίνι κατά τη διάρκεια αυτής της ώριμης μπαρόκ περιόδου ήταν ο αρχιτέκτονας Borromini και ο καλλιτέχνης και ο αρχιτέκτονας Pietro da Cortona. Λίγο αργότερα εργάστηκε ο Andrea del Pozzo (1642-1709). Η ζωγραφική του οροφή στην εκκλησία του Sant'Ignazio στη Ρώμη (Αποθέωση του Αγίου Ιγνατίου της Λογιόλα) είναι το αποκορύφωμα της τάσης του μπαρόκ προς την πομπώδη λαμπρότητα. Τον 17ο αιώνα, η Ρώμη ήταν η πρωτεύουσα της τέχνης του κόσμου, προσελκύοντας καλλιτέχνες από όλη την Ευρώπη και η τέχνη του μπαρόκ σύντομα εξαπλώθηκε πέρα ​​από την «αιώνια πόλη». Σε κάθε χώρα του μπαρόκ, η τέχνη τρεφόταν από τις τοπικές παραδόσεις. Σε ορισμένες χώρες έγινε πιο υπερβολικό, όπως στην Ισπανία και τη Λατινική Αμερική, όπου αναπτύχθηκε ένα στυλ αρχιτεκτονικής διακόσμησης που ονομάζεται churrigueresco. σε άλλα ήταν σίγαση υπέρ των πιο συντηρητικών προτιμήσεων. Στην Καθολική Φλάνδρα, η τέχνη του μπαρόκ άνθισε στο έργο του Ρούμπενς· στην προτεσταντική Ολλανδία είχε μια λιγότερο αισθητή επιρροή. Είναι αλήθεια ότι τα ώριμα έργα του Ρέμπραντ, εξαιρετικά ζωντανά και δυναμικά, χαρακτηρίζονται σαφώς από την επίδραση της τέχνης του μπαρόκ. Στη Γαλλία εκφράστηκε πιο ξεκάθαρα στην υπηρεσία της μοναρχίας, όχι της εκκλησίας. Ο Λουδοβίκος ΙΔ' κατάλαβε τη σημασία της τέχνης ως μέσου εξύμνησης της βασιλικής εξουσίας. Σύμβουλός του σε αυτόν τον τομέα ήταν ο Charles Lebrun, ο οποίος επέβλεπε τους καλλιτέχνες και τους διακοσμητές που εργάζονταν στο παλάτι του Louis στις Βερσαλλίες. Οι Βερσαλλίες, με τον μεγαλοπρεπή συνδυασμό πολυτελούς αρχιτεκτονικής, γλυπτικής, ζωγραφικής, διακοσμητικής τέχνης και τέχνης τοπίου, ήταν ένα από τα πιο εντυπωσιακά παραδείγματα της συγχώνευσης των τεχνών. Η τέχνη του μπαρόκ συνέβαλε στη δημιουργία θεατρικών εφέ που επιτυγχάνονται με φωτισμό, ψεύτικη προοπτική και θεαματικές σκηνικές διακοσμήσεις. Ωστόσο, δεν ταίριαζε καθόλου στο επιφυλακτικό βρετανικό γούστο. Στην αγγλική αρχιτεκτονική, η επίδραση του μπαρόκ ήταν αισθητή μόλις στις αρχές του 18ου αιώνα στο μοναδικό έργο των Vanbrugh και Hawksmore. Μερικά από τα μεταγενέστερα έργα του Ρεν προσεγγίζουν αυτό το στυλ. Η επιθυμία της τέχνης του μπαρόκ για κλίμακα γίνεται αισθητή στα μεγαλοπρεπή σχέδια του καθεδρικού ναού του Αγίου Παύλου (1675-1710) και του Νοσοκομείου Γκρίνουιτς (αρχές 1696). Το μπαρόκ έδωσε τη θέση του σε έναν πιο ήρεμο παλλαδιανισμό. Σε όλους τους τύπους τεχνών, το μπαρόκ συγχωνεύτηκε με το ελαφρύτερο στυλ ροκοκό. Αυτή η συγχώνευση ήταν πολύ καρποφόρα στην Κεντρική Ευρώπη, ιδιαίτερα στη Δρέσδη, τη Βιέννη και την Πράγα.

Η ζωγραφική διακρίνεται από μια ποικιλία ειδών και τύπων. Κάθε είδος περιορίζεται στο δικό του φάσμα θεμάτων: την εικόνα ενός ατόμου (πορτρέτο), τον περιβάλλοντα κόσμο (τοπία) κ.λπ.
Οι ποικιλίες (τύποι) ζωγραφικής διαφέρουν ως προς τον σκοπό τους.

Από αυτή την άποψη, υπάρχουν διάφοροι τύποι ζωγραφικής, για τους οποίους θα μιλήσουμε σήμερα.

Καβαλέτο ζωγραφική

Το πιο δημοφιλές και γνωστά είδηζωγραφική – καβαλέτο ζωγραφική. Λέγεται έτσι γιατί εκτελείται σε μηχανή - καβαλέτο. Η βάση είναι ξύλο, χαρτόνι, χαρτί, αλλά πιο συχνά καμβάς τεντωμένος σε φορείο. Ο πίνακας με καβαλέτο είναι ένα ανεξάρτητο έργο φτιαγμένο σε ένα συγκεκριμένο είδος. Έχει χρωματικό πλούτο.

Ελαιοχρωματισμοί

Τις περισσότερες φορές, η βαφή καβαλέτου γίνεται με λαδομπογιές. Μπορείτε να χρησιμοποιήσετε λαδομπογιές σε καμβά, ξύλο, χαρτόνι, χαρτί και μέταλλο.

Ελαιοχρωματισμοί
Οι λαδομπογιές είναι εναιωρήματα ανόργανων χρωστικών και πληρωτικών σε ξήρανση φυτικών ελαίων ή ελαίων ξήρανσης ή με βάση αλκυδικές ρητίνες, μερικές φορές με την προσθήκη βοηθητικών ουσιών. Χρησιμοποιείται στη βαφή ή για τη βαφή ξύλινων, μεταλλικών και άλλων επιφανειών.

V. Perov “Portrait of Dostoevsky” (1872). Καμβάς, λάδι
Αλλά μια γραφική εικόνα μπορεί επίσης να δημιουργηθεί χρησιμοποιώντας τέμπερες, γκουάς, παστέλ και ακουαρέλες.

Ακουαρέλα

Ακουαρέλα χρώματα

Η ακουαρέλα (γαλλ. Aquarelle - υδαρής; ιταλική acquarello) είναι μια τεχνική ζωγραφικής που χρησιμοποιεί ειδικά χρώματα ακουαρέλας. Όταν διαλύονται στο νερό, σχηματίζουν ένα διαφανές εναιώρημα λεπτής χρωστικής ουσίας, το οποίο δημιουργεί το αποτέλεσμα της ελαφρότητας, της ευελιξίας και των λεπτών χρωματικών μεταπτώσεων.

J. Turner “Firvaldstät Lake” (1802). Ακουαρέλα. Tate Britain (Λονδίνο)

Γκουάς

Το γκουάς (γαλλ. Gouache, ιταλικό guazzo watercolor, splash) είναι ένα είδος κολλητικής υδατοδιαλυτής βαφής, πιο πυκνό και πιο ματ από την ακουαρέλα.

Βαφές γκουάς
Τα χρώματα γκουάς είναι κατασκευασμένα από χρωστικές και κόλλα με την προσθήκη λευκού. Η πρόσμιξη λευκού δίνει στη γκουάς μια ματ βελούδινη ποιότητα, αλλά κατά το στέγνωμα τα χρώματα λευκαίνουν κάπως (ελαφρύνουν), κάτι που ο καλλιτέχνης πρέπει να λάβει υπόψη κατά τη διαδικασία του σχεδίου. Χρησιμοποιώντας χρώματα γκουάς μπορείτε να καλύψετε σκούρους τόνους με ανοιχτόχρωμους.

Vincent Van Gogh "Corridor at Asulum" (μαύρη κιμωλία και γκουάς σε ροζ χαρτί)

Παστέλ [e]

Παστέλ (από λατινικά ζυμαρικά – ζύμη) – υλικά τέχνης, χρησιμοποιείται σε γραφικά και ζωγραφική. Τις περισσότερες φορές έρχεται με τη μορφή κραγιονιών ή μολυβιών χωρίς χείλος, σε σχήμα ράβδων με στρογγυλή ή τετράγωνη διατομή. Υπάρχουν τρία είδη παστέλ: ξηρό, λάδι και κερί.

I. Levitan “River Valley” (παστέλ)

Τέμπερα

Tempera (ιταλική tempera, από το λατινικό temperare - για να αναμειγνύω χρώματα) - χρώματα με βάση το νερό που παρασκευάζονται με βάση χρωστικές ουσίες ξηρής σκόνης. Το συνδετικό για τα χρώματα τέμπερας είναι ο κρόκος ενός αυγού κοτόπουλου αραιωμένου με νερό ή ενός ολόκληρου αυγού.
Τα χρώματα τέμπερας είναι από τα παλαιότερα. Πριν την εφεύρεση και εξάπλωση των ελαιοχρωματισμών μέχρι τον 15ο-17ο αι. Τα χρώματα τέμπερας ήταν το κύριο υλικό καβαλέτο ζωγραφική. Έχουν χρησιμοποιηθεί για περισσότερα από 3 χιλιάδες χρόνια. Οι περίφημοι πίνακες των σαρκοφάγων των αρχαίων Αιγυπτίων Φαραώ ήταν φτιαγμένοι με χρώματα τέμπερας. Η ζωγραφική με τέμπερες γινόταν κυρίως από βυζαντινούς μάστορες. Στη Ρωσία, η τεχνική της ζωγραφικής με τέμπερες ήταν κυρίαρχη μέχρι τα τέλη του 17ου αιώνα.

R. Streltsov «Χαμομήλια και βιολέτες» (τέμπερα)

Ενκαυστική

Η Encaustic (από την αρχαία ελληνική ἐγκαυστική - η τέχνη του καψίματος) είναι μια τεχνική ζωγραφικής στην οποία το κερί είναι το συνδετικό υλικό των χρωμάτων. Το βάψιμο γίνεται με λιωμένα χρώματα. Με αυτήν την τεχνική ζωγραφίστηκαν πολλές παλαιοχριστιανικές εικόνες. Προέρχεται από την Αρχαία Ελλάδα.

"Αγγελος". Ενκαυστική τεχνική

Εφιστούμε την προσοχή σας στο γεγονός ότι μπορείτε να βρείτε μια άλλη ταξινόμηση, σύμφωνα με την οποία η ακουαρέλα, η γκουάς και άλλες τεχνικές που χρησιμοποιούν χαρτί και χρώματα με βάση το νερό ταξινομούνται ως γραφικά. Συνδυάζουν τα χαρακτηριστικά της ζωγραφικής (πλούτος τόνου, κατασκευή φόρμας και χώρου με χρώμα) και γραφικών (ο ενεργός ρόλος του χαρτιού στην κατασκευή της εικόνας, η απουσία του συγκεκριμένου ανάγλυφου της πινελιάς που χαρακτηρίζει μια ζωγραφική επιφάνεια).

Μνημειακή ζωγραφική

Μνημειακή ζωγραφική – ζωγραφική πάνω αρχιτεκτονικές κατασκευέςή άλλους λόγους. Αυτός είναι ο παλαιότερος τύπος ζωγραφικής, γνωστός από την Παλαιολιθική. Χάρη στη σταθερότητα και την ανθεκτικότητά του, πολλά δείγματά του παραμένουν από όλους σχεδόν τους πολιτισμούς που δημιούργησαν ανεπτυγμένη αρχιτεκτονική. Οι κύριες τεχνικές της μνημειακής ζωγραφικής είναι η νωπογραφία, το secco, το μωσαϊκό, το βιτρό.

Τοιχογραφία

Νωπογραφία (από το ιταλικό fresco - φρέσκο) - ζωγραφική σε βρεγμένο σοβά με βαφές νερού, μια από τις τεχνικές τοιχογραφίας. Όταν στεγνώσει, ο ασβέστης που περιέχεται στον σοβά σχηματίζει μια λεπτή διαφανή μεμβράνη ασβεστίου, καθιστώντας την τοιχογραφία ανθεκτική.
Η τοιχογραφία έχει ευχάριστη ματ επιφάνεια και είναι ανθεκτική σε εσωτερικούς χώρους.

Μονή Gelati (Γεωργία). Εκκλησία της Υπεραγίας Θεοτόκου. Τοιχογραφία στην πάνω και νότια πλευρά της Αψίδας του Θριάμβου

Ένα δευτερόλεπτο

A secco (από τα ιταλικά a secco – dry) – τέχνη τοίχου, που εκτελείται, σε αντίθεση με τις τοιχογραφίες, σε σκληρό, αποξηραμένο γύψο, ξαναβρεγμένο. Χρησιμοποιούνται χρώματα, αλεσμένα σε φυτική κόλλα, αυγό ή ανακατεμένα με λάιμ. Η Secco σάς επιτρέπει να ζωγραφίζετε μεγαλύτερη επιφάνεια σε μια εργάσιμη ημέρα από ό,τι με τη νωπογραφία, αλλά δεν είναι τόσο ανθεκτική τεχνική.
Η τεχνική a secco αναπτύχθηκε στη μεσαιωνική ζωγραφική μαζί με την τοιχογραφία και ήταν ιδιαίτερα διαδεδομένη στην Ευρώπη τον 17ο-18ο αιώνα.

Λεονάρντο ντα Βίντσι «Ο Μυστικός Δείπνος (1498). Τεχνική a secco

Μωσαϊκό

Το μωσαϊκό (γαλλικό mosaïque, ιταλικό mosaico από το λατινικό (opus) musivum – (έργο) αφιερωμένο στις μούσες) είναι διακοσμητική, εφαρμοσμένη και μνημειακή τέχνη διαφόρων ειδών. Οι εικόνες σε ένα μωσαϊκό σχηματίζονται με την τακτοποίηση, το στήσιμο και τη στερέωση πολύχρωμων λίθων, σμάλτου, κεραμικών πλακιδίων και άλλων υλικών στην επιφάνεια.

Μωσαϊκό πάνελ "Cat"

Υαλογράφημα

Το βιτρό (γαλλ. vitre - τζάμι παραθύρου, από το λατινικό vitrum - γυαλί) είναι έργο από έγχρωμο γυαλί. Το βιτρό χρησιμοποιείται στις εκκλησίες εδώ και πολύ καιρό. Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, το βιτρό υπήρχε ως ζωγραφική σε γυαλί.

Βιτρό παράθυρο του Παλατιού Πολιτισμού Mezhsoyuzny (Μουρμάνσκ)
Οι τύποι ζωγραφικής περιλαμβάνουν επίσης διόραμα και πανόραμα.

Διόραμα

Το κτίριο του διοράματος "Storm of Sapun Mountain on 7 May 1944" στη Σεβαστούπολη
Το Diorama είναι μια ζωγραφική εικόνα σε σχήμα κορδέλας, ημικυκλικά κυρτή με θέμα στο προσκήνιο. Δημιουργείται η ψευδαίσθηση της παρουσίας του θεατή στο φυσικό χώρο, η οποία επιτυγχάνεται με μια σύνθεση καλλιτεχνικών και τεχνικών μέσων.
Τα Διόραμα είναι σχεδιασμένα για τεχνητό φωτισμό και βρίσκονται κυρίως σε ειδικά περίπτερα. Τα περισσότερα διοράματα είναι αφιερωμένα σε ιστορικές μάχες.
Τα πιο διάσημα διοράματα: «Storm of Sapun Mountain» (Sevastopol), «Defense of Sevastopol» (Sevastopol), «Battles for Rzhev» (Rzhev), «Breaking the Siege of Leningrad» (Αγία Πετρούπολη), «Storm of Berlin » (Μόσχα), κ.λπ.

Πανόραμα

Στη ζωγραφική, ένα πανόραμα είναι μια εικόνα με κυκλική όψη, στην οποία ένα επίπεδο εικονογραφικό φόντο συνδυάζεται με ένα τρισδιάστατο προσκήνιο θέματος. Το Panorama δημιουργεί την ψευδαίσθηση του πραγματικού χώρου που περιβάλλει τον θεατή σε έναν πλήρη κύκλο του ορίζοντα. Τα πανοράματα χρησιμοποιούνται κυρίως για την απεικόνιση γεγονότων που καλύπτουν μεγάλη περιοχή και μεγάλο αριθμό συμμετεχόντων.

Μουσείο Πανοράματος "Μάχη του Μποροντίνο" (κτήριο μουσείου)
Στη Ρωσία, τα πιο διάσημα πανοράματα είναι το Μουσείο Πανοράματος «Μάχη του Μποροντίνο», «Μάχη του Βολοτσάεφ», «Η ήττα των ναζιστικών στρατευμάτων στο Στάλινγκραντ» στο Μουσείο Πανοράματος «Μάχη του Στάλινγκραντ», «Υπεράσπιση της Σεβαστούπολης», πανόραμα του τον Υπερσιβηρικό Σιδηρόδρομο.

Φραντς Ρούμπο. Πανόραμα καμβάς "Μάχη του Μποροντίνο"

Θεατρική και διακοσμητική ζωγραφική

Σκηνικά, κοστούμια, μακιγιάζ, σκηνικά βοηθούν στην περαιτέρω αποκάλυψη του περιεχομένου της παράστασης (ταινία). Το σκηνικό δίνει μια ιδέα του τόπου και του χρόνου της δράσης και ενεργοποιεί την αντίληψη του θεατή για το τι συμβαίνει στη σκηνή. Καλλιτέχνης του θεάτρουπροσπαθεί σε σκίτσα κοστουμιών και μακιγιάζ να εκφράσει με έντονο τρόπο τον ατομικό χαρακτήρα των χαρακτήρων, τους κοινωνική θέση, στυλ της εποχής και πολλά άλλα.
Στη Ρωσία, η άνθηση της θεατρικής και διακοσμητικής τέχνης σημειώθηκε στις αρχές του 19ου και του 20ού αιώνα. Αυτή την εποχή, οι εξαιρετικοί καλλιτέχνες M.A. άρχισαν να εργάζονται στο θέατρο. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel “City of Lollipop”. Σκηνογραφία για την όπερα του Ν.Α. «Το παραμύθι του Τσάρου Σαλτάν» του Ρίμσκι-Κόρσακοφ για τη Ρωσική Ιδιωτική Όπερα στη Μόσχα. (1900)

Μικρογραφία

Μια μινιατούρα είναι ένα εικονογραφικό έργο μικρών μορφών. Ιδιαίτερα δημοφιλής ήταν η μινιατούρα πορτρέτου - ένα πορτρέτο μικρού σχήματος (από 1,5 έως 20 cm), που διακρίνεται από την ιδιαίτερη λεπτότητα της γραφής, μια μοναδική τεχνική εκτέλεσης και τη χρήση μέσων που είναι εγγενή μόνο σε αυτήν την εικονογραφική μορφή.
Τα είδη και τα σχήματα των μινιατούρων είναι πολύ διαφορετικά: ζωγραφίστηκαν σε περγαμηνή, χαρτί, χαρτόνι, ελεφαντόδοντο, μέταλλο και πορσελάνη, χρησιμοποιώντας ακουαρέλα, γκουάς, ειδικά καλλιτεχνικά σμάλτα ή λαδομπογιές. Ο συγγραφέας μπορεί να εγγράψει την εικόνα, σύμφωνα με την απόφασή του ή κατόπιν αιτήματος του πελάτη, σε κύκλο, οβάλ, ρόμβο, οκτάγωνο κ.λπ. Κλασική μινιατούρα πορτρέτου θεωρείται η μινιατούρα που γίνεται σε λεπτό ελεφαντόδοντο πιάτο.

Αυτοκράτορας Νικόλαος Ι. Θραύσμα μινιατούρας του G. Morselli
Υπάρχουν διάφορες τεχνικές μινιατούρας.

Μινιατούρα λάκας (Fedoskino)

Μινιατούρα με πορτρέτο της πριγκίπισσας Zinaida Nikolaevna (κοσμήματα Jusupov)

Η ζωγραφική είναι ίσως η αρχαιότερη μορφή τέχνης. Ακόμη και στην πρωτόγονη εποχή, οι πρόγονοί μας έφτιαχναν εικόνες ανθρώπων και ζώων στους τοίχους των σπηλαίων. Αυτά είναι τα πρώτα δείγματα ζωγραφικής. Από τότε αυτός ο τύποςΗ τέχνη παρέμενε πάντα σύντροφος της ανθρώπινης ζωής. Τα παραδείγματα ζωγραφικής σήμερα είναι πολλά και ποικίλα. Θα προσπαθήσουμε να καλύψουμε αυτό το είδος τέχνης όσο το δυνατόν περισσότερο, να μιλήσουμε για τα κύρια είδη, στυλ, τάσεις και τεχνικές σε αυτό.

Τεχνικές ζωγραφικής

Ας δούμε πρώτα τις βασικές τεχνικές ζωγραφικής. Ένα από τα πιο κοινά είναι λάδι. Αυτή είναι μια τεχνική που χρησιμοποιεί χρώματα με βάση το λάδι. Αυτά τα χρώματα εφαρμόζονται σε πινελιές. Με τη βοήθειά τους μπορείτε να δημιουργήσετε διαφορετικότητα διάφορες αποχρώσεις, καθώς και να μεταφέρετε τις απαραίτητες εικόνες με μέγιστο ρεαλισμό.

Τέμπερα- μια άλλη δημοφιλής τεχνική. Σχετικά με αυτήν μιλάμε γιαόταν χρησιμοποιείτε χρώματα γαλακτώματος. Το συνδετικό σε αυτά τα χρώματα είναι αυγό ή νερό.

Γκουάς- μια τεχνική που χρησιμοποιείται ευρέως στα γραφικά. Η βαφή γκουάς γίνεται με αυτοκόλλητη βάση. Μπορεί να χρησιμοποιηθεί για εργασία σε χαρτόνι, χαρτί, κόκαλο ή μετάξι. Η εικόνα είναι ανθεκτική και οι γραμμές είναι καθαρές. Παστέλ- Αυτή είναι μια τεχνική σχεδίασης με στεγνά μολύβια και η επιφάνεια πρέπει να είναι τραχιά. Και, φυσικά, αξίζει να αναφέρουμε τις ακουαρέλες. Αυτή η βαφή συνήθως αραιώνεται με νερό. Με αυτήν την τεχνική λαμβάνεται ένα μαλακό και λεπτό στρώμα βαφής. Ιδιαίτερα δημοφιλείς Φυσικά, έχουμε παραθέσει μόνο τις κύριες τεχνικές που χρησιμοποιούνται συχνότερα στη ζωγραφική. Υπάρχουν και άλλοι.

Σε τι ζωγραφίζονται συνήθως οι πίνακες; Ο πιο δημοφιλής πίνακας είναι σε καμβά. Είναι τεντωμένο σε πλαίσιο ή κολλημένο σε χαρτόνι. Σημειώστε ότι στο παρελθόν, οι ξύλινες σανίδες χρησιμοποιούνταν αρκετά συχνά. Σήμερα, όχι μόνο η ζωγραφική σε καμβά είναι δημοφιλής, αλλά και οποιαδήποτε άλλα επίπεδα υλικά μπορούν να χρησιμοποιηθούν για τη δημιουργία εικόνων.

Είδη ζωγραφικής

Υπάρχουν 2 κύριοι τύποι του: καβαλέτο και μνημειακή ζωγραφική. Το τελευταίο σχετίζεται με την αρχιτεκτονική. Αυτός ο τύπος περιλαμβάνει το βάψιμο των οροφών και των τοίχων των κτιρίων, τη διακόσμησή τους με εικόνες από ψηφιδωτά ή άλλα υλικά, βιτρό κ.λπ. Η ζωγραφική του καβαλέτου δεν συνδέεται με ένα συγκεκριμένο κτίριο. Μπορεί να μετακινηθεί από μέρος σε μέρος. Υπάρχουν πολλές ποικιλίες καβαλέτας ζωγραφικής (αλλιώς ονομάζονται είδη). Ας τα δούμε πιο αναλυτικά.

Είδη ζωγραφικής

Η λέξη "genre" είναι γαλλικής προέλευσης. Μεταφράζεται ως "γένος", "είδος". Δηλαδή, κάτω από το όνομα του είδους υπάρχει ένα περιεχόμενο κάποιου είδους, και προφέροντας το όνομά του, καταλαβαίνουμε τι είναι η εικόνα, τι θα βρούμε σε αυτήν: ανθρώπους, φύση, ζώα, αντικείμενα κ.λπ.

Πορτρέτο

Το αρχαιότερο είδος ζωγραφικής είναι η προσωπογραφία. Αυτή είναι η εικόνα ενός ατόμου που μοιάζει μόνο με τον εαυτό του και με κανέναν άλλον. Με άλλα λόγια, ένα πορτρέτο είναι μια εικόνα στη ζωγραφική μιας ατομικής εμφάνισης, αφού ο καθένας μας έχει ένα ξεχωριστό πρόσωπο. Αυτό το είδος ζωγραφικής έχει τις δικές του ποικιλίες. Το πορτρέτο μπορεί να είναι ολόσωμο, μέχρι το μπούστο ή μπορεί να ζωγραφιστεί μόνο ένα πρόσωπο. Ας σημειώσουμε ότι δεν είναι κάθε εικόνα ενός ατόμου πορτρέτο, αφού ο καλλιτέχνης μπορεί να δημιουργήσει, για παράδειγμα, «ένα άτομο γενικά» χωρίς να τον αντιγράψει από κανέναν άλλο. Ωστόσο, όταν απεικονίζει έναν συγκεκριμένο εκπρόσωπο της ανθρώπινης φυλής, δουλεύει συγκεκριμένα πάνω σε ένα πορτρέτο. Περιττό να πούμε ότι υπάρχουν πολλά παραδείγματα ζωγραφικής σε αυτό το είδος. Όμως το πορτρέτο που παρουσιάζεται παρακάτω είναι γνωστό σχεδόν σε κάθε κάτοικο της χώρας μας. Μιλάμε για την εικόνα του A. S. Pushkin, που δημιουργήθηκε το 1827 από τον Kiprensky.

Μπορείτε επίσης να προσθέσετε μια αυτοπροσωπογραφία σε αυτό το είδος. Σε αυτή την περίπτωση, ο καλλιτέχνης απεικονίζει τον εαυτό του. Υπάρχει πορτρέτο συντρόφουόταν η εικόνα δείχνει άτομα σε ζευγάρια. και ένα ομαδικό πορτρέτο, όταν απεικονίζεται μια ομάδα ανθρώπων. Μπορεί κανείς να σημειώσει και το τελετουργικό πορτρέτο, ένα είδος του οποίου είναι ιππικό, ένα από τα πιο επίσημα. Ήταν πολύ δημοφιλές στο παρελθόν, αλλά τέτοια έργα είναι σπάνια τώρα. Ωστόσο, το επόμενο είδος για το οποίο θα μιλήσουμε είναι επίκαιρο ανά πάσα στιγμή. Για τι πράγμα μιλάμε? Αυτό μπορεί να το μαντέψει κανείς εξετάζοντας τα είδη που δεν έχουμε ακόμη ονομάσει όταν χαρακτηρίζουμε τη ζωγραφική. Η νεκρή φύση είναι ένα από αυτά. Για αυτό θα μιλήσουμε τώρα, συνεχίζοντας να εξετάζουμε τη ζωγραφική.

Νεκρή φύση

Έχει και αυτή η λέξη Γαλλική προέλευση, σημαίνει «νεκρή φύση», αν και η σημασία θα ήταν πιο ακριβής «άψυχη φύση». Η νεκρή φύση είναι μια εικόνα άψυχων αντικειμένων. Είναι πολύ διαφορετικοί. Ας σημειώσουμε ότι οι νεκρές φύσεις μπορούν επίσης να απεικονίσουν τη «ζωντανή φύση»: πεταλούδες ήσυχες στα πέταλα, όμορφα λουλούδια, πουλιά και μερικές φορές μπορείτε να δείτε ένα άτομο ανάμεσα στα δώρα της φύσης. Ωστόσο, αυτή θα εξακολουθεί να είναι μια νεκρή φύση, αφού η εικόνα ενός ζωντανού πράγματος δεν είναι το πιο σημαντικό πράγμα για τον καλλιτέχνη σε αυτή την περίπτωση.

Τοπίο

Το τοπίο είναι μια άλλη γαλλική λέξη που σημαίνει "θέα της χώρας". Μοιάζει με τη γερμανική έννοια του «τοπίου». Το τοπίο είναι μια εικόνα της φύσης μέσα στην ποικιλομορφία της. Οι ακόλουθες ποικιλίες εντάσσονται σε αυτό το είδος: το αρχιτεκτονικό τοπίο και το πολύ δημοφιλές θαλασσινό τοπίο, που συχνά αποκαλείται μια λέξη "μαρίνα", και οι καλλιτέχνες που εργάζονται σε αυτό ονομάζονται θαλάσσιοι ζωγράφοι. Πολλά παραδείγματα ζωγραφικής στο είδος της θαλασσογραφίας μπορούν να βρεθούν στα έργα του I.K. Aivazovsky. Ένα από αυτά είναι το «Ουράνιο τόξο» του 1873.

Αυτός ο πίνακας γίνεται με λάδι και είναι δύσκολο να εκτελεστεί. Αλλά η δημιουργία τοπίων με ακουαρέλα δεν είναι καθόλου δύσκολη, έτσι στα μαθήματα ζωγραφικής στο σχολείο αυτό το καθήκον δόθηκε στον καθένα μας.

Animalistic είδος

Το επόμενο είδος είναι ζωώδες. Όλα είναι απλά εδώ - αυτή είναι μια εικόνα πουλιών και ζώων στη φύση, στο φυσικό τους περιβάλλον.

Καθημερινό είδος

Το καθημερινό είδος είναι μια απεικόνιση σκηνών από τη ζωή, την καθημερινή ζωή, τα αστεία «περιστατικά», τη ζωή στο σπίτι και τις ιστορίες απλοί άνθρωποι V συνηθισμένο περιβάλλον. Ή μπορείτε να κάνετε χωρίς ιστορίες - απλώς αποτυπώστε καθημερινές δραστηριότητες και υποθέσεις. Τέτοιοι πίνακες ονομάζονται μερικές φορές ζωγραφική του είδους. Ως παράδειγμα, ας πάρουμε το παραπάνω έργο του Βαν Γκογκ (1885).

Ιστορικό είδος

Τα θέματα της ζωγραφικής είναι ποικίλα, αλλά το ιστορικό είδος ξεχωρίζει. Πρόκειται για μια απεικόνιση ιστορικών ηρώων και γεγονότων. Το είδος μάχης γειτνιάζει με αυτό, παρουσιάζει επεισόδια πολέμου και μάχης.

Θρησκευτικό και μυθολογικό είδος

Στο μυθολογικό είδος, έργα ζωγραφικής γράφονται με θέματα αρχαίων και αρχαίων παραμυθιών για θεούς και ήρωες. Σημειωτέον ότι η εικόνα είναι κοσμικού χαρακτήρα και με αυτόν τον τρόπο διαφέρει από τις εικόνες θεοτήτων που παρουσιάζονται στην εικόνα. Παρεμπιπτόντως, η θρησκευτική ζωγραφική δεν αφορά μόνο εικόνες. Αυτή ενώνει διάφορα έργαγραμμένο για θρησκευτικά θέματα.

Σύγκρουση ειδών

Όσο πιο πλούσιο είναι το περιεχόμενο ενός είδους, τόσο περισσότερο εμφανίζονται οι «συνοδοί» του. Τα είδη μπορούν να συγχωνευθούν, άρα υπάρχει ζωγραφική που δεν μπορεί να τοποθετηθεί στο πλαίσιο κανενός από αυτά. Στην τέχνη υπάρχει τόσο γενική (τεχνικές, είδη, στυλ) όσο και ατομική (ένα συγκεκριμένο έργο που λαμβάνεται χωριστά). Μια ξεχωριστή εικόνα περιέχει επίσης κάτι κοινό. Επομένως, πολλοί καλλιτέχνες μπορεί να έχουν το ίδιο είδος, αλλά οι πίνακες που ζωγραφίζονται σε αυτό δεν είναι ποτέ παρόμοιοι. Η κουλτούρα της ζωγραφικής έχει τέτοια χαρακτηριστικά.

Στυλ

Το στυλ είναι μια πτυχή της οπτικής αντίληψης των έργων ζωγραφικής. Μπορεί να συνδυάζει τα έργα ενός καλλιτέχνη ή τα έργα καλλιτεχνών μιας συγκεκριμένης περιόδου, κινήματος, σχολείου ή τοποθεσίας.

Ακαδημαϊκή ζωγραφική και ρεαλισμός

Η ακαδημαϊκή ζωγραφική είναι μια ιδιαίτερη κατεύθυνση, η διαμόρφωση της οποίας συνδέεται με τις δραστηριότητες των ευρωπαϊκών ακαδημιών τέχνης. Εμφανίστηκε τον 16ο αιώνα στην Ακαδημία της Μπολόνια, από την οποία οι άνθρωποι προσπάθησαν να μιμηθούν τους δασκάλους της Αναγέννησης. Από τον 16ο αιώνα, οι μέθοδοι διδασκαλίας της ζωγραφικής άρχισαν να βασίζονται στην αυστηρή τήρηση κανόνων και κανονισμών, ακολουθώντας επίσημα πρότυπα. Η τέχνη στο Παρίσι θεωρήθηκε μια από τις πιο σημαντικές στην Ευρώπη. Προώθησε την αισθητική του κλασικισμού που κυριάρχησε στη Γαλλία τον 17ο αιώνα. Ακαδημία του Παρισιού; Έχοντας συμβάλει στη συστηματοποίηση της εκπαίδευσης, μετέτρεψε σταδιακά τους κανόνες της κλασικής κατεύθυνσης σε δόγμα. Έτσι, η ακαδημαϊκή ζωγραφική έγινε μια ιδιαίτερη κατεύθυνση. Τον 19ο αιώνα, μερικές από τις πιο εξέχουσες εκδηλώσεις του ακαδημαϊσμού ήταν τα έργα των J. L. Jerome, Alexandre Cabannel και J. Ingres. Οι κλασικοί κανόνες αντικαταστάθηκαν από ρεαλιστικούς μόνο στις αρχές του 19ου και του 20ού αιώνα. Ήταν ο ρεαλισμός που έγινε η βασική μέθοδος διδασκαλίας στις ακαδημίες στις αρχές του 20ού αιώνα και μετατράπηκε σε δογματικό σύστημα.

Μπαρόκ

Το μπαρόκ είναι ένα στυλ και εποχή τέχνης που χαρακτηρίζεται από αριστοκρατία, αντίθεση, δυναμικές εικόνες, απλές λεπτομέρειες όταν απεικονίζει την αφθονία, την ένταση, το δράμα, την πολυτέλεια, μια συγχώνευση πραγματικότητας και ψευδαίσθησης. Αυτό το στυλ εμφανίστηκε στην Ιταλία το 1600 και εξαπλώθηκε σε όλη την Ευρώπη. Ο Καραβάτζιο και ο Ρούμπενς είναι οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποί του. Το μπαρόκ συγκρίνεται συχνά με τον εξπρεσιονισμό, ωστόσο, σε αντίθεση με τον τελευταίο, δεν έχει πολύ αποκρουστικά αποτελέσματα. Οι πίνακες αυτού του στυλ σήμερα χαρακτηρίζονται από την πολυπλοκότητα των γραμμών και την αφθονία των διακοσμητικών.

Κυβισμός

Ο κυβισμός είναι ένα πρωτοποριακό καλλιτεχνικό κίνημα που εμφανίστηκε τον 20ο αιώνα. Δημιουργός του είναι ο Πάμπλο Πικάσο. Ο κυβισμός έκανε μια πραγματική επανάσταση στη γλυπτική και τη ζωγραφική στην Ευρώπη, εμπνέοντας τη δημιουργία παρόμοιων κινημάτων στην αρχιτεκτονική, τη λογοτεχνία και τη μουσική. Η ζωγραφική τέχνης σε αυτό το στυλ χαρακτηρίζεται από ανασυνδυασμένα, σπασμένα αντικείμενα που έχουν μια αφηρημένη μορφή. Κατά την απεικόνισή τους χρησιμοποιούνται πολλές απόψεις.

Εξπρεσιονισμός

Ο εξπρεσιονισμός είναι ένα άλλο σημαντικό κίνημα της μοντέρνας τέχνης που εμφανίστηκε στη Γερμανία το πρώτο μισό του 20ού αιώνα. Στην αρχή κάλυπτε μόνο την ποίηση και τη ζωγραφική και στη συνέχεια εξαπλώθηκε σε άλλους τομείς της τέχνης.

Οι εξπρεσιονιστές απεικονίζουν τον κόσμο υποκειμενικά, παραμορφώνοντας την πραγματικότητα για να δημιουργήσουν μεγαλύτερο συναισθηματικό αποτέλεσμα. Στόχος τους είναι να κάνουν τον θεατή να σκεφτεί. Η έκφραση στον εξπρεσιονισμό υπερισχύει της εικόνας. Μπορεί να σημειωθεί ότι πολλά έργα χαρακτηρίζονται από μοτίβα βασανισμού, πόνου, ταλαιπωρίας, κραυγών (το έργο του Edvard Munch, που παρουσιάστηκε παραπάνω, ονομάζεται "The Scream"). Οι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες δεν ενδιαφέρονται καθόλου για την υλική πραγματικότητα· οι πίνακές τους είναι γεμάτες με βαθύ νόημα και συναισθηματικές εμπειρίες.

Ιμπρεσιονισμός

Ο ιμπρεσιονισμός είναι ένα στυλ ζωγραφικής που στοχεύει κυρίως στην εργασία στον plein air (υπαίθριο) και όχι στο στούντιο. Οφείλει το όνομά του στον πίνακα «Impression, Sunrise» του Claude Monet, ο οποίος φαίνεται στην παρακάτω φωτογραφία.

Η λέξη "impression" στα αγγλικά είναι impression. Οι ιμπρεσιονιστικοί πίνακες μεταφέρουν κυρίως την αίσθηση του φωτός του καλλιτέχνη. Τα κύρια χαρακτηριστικά της ζωγραφικής σε αυτό το στυλ είναι τα ακόλουθα: ελάχιστα ορατά, λεπτές πινελιές. αλλαγές στο φωτισμό, που μεταφέρονται με ακρίβεια (η προσοχή επικεντρώνεται συχνά στην επίδραση του χρόνου). ανοιχτή σύνθεση? απλός κοινός στόχος. η κίνηση ως βασικό στοιχείο της ανθρώπινης εμπειρίας και αντίληψης. Οι πιο εξέχοντες εκπρόσωποι ενός τέτοιου κινήματος όπως ο ιμπρεσιονισμός είναι ο Edgar Degas, ο Claude Monet, ο Pierre Renoir.

Νεωτερισμός

Η επόμενη κατεύθυνση είναι ο μοντερνισμός, ο οποίος ξεκίνησε ως ένα σύνολο τάσεων σε διάφορους τομείς της τέχνης στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα. Το παρισινό «Σαλόνι των Απορριφθέντων» άνοιξε το 1863. Καλλιτέχνες των οποίων οι πίνακες δεν επιτρεπόταν να μπουν στο επίσημο σαλόνι που εκτέθηκαν εδώ. Αυτή η ημερομηνία μπορεί να θεωρηθεί η ημερομηνία εμφάνισης του μοντερνισμού ως ξεχωριστού κινήματος στην τέχνη. Διαφορετικά, ο μοντερνισμός μερικές φορές αποκαλείται «άλλη τέχνη». Στόχος του είναι να δημιουργήσει μοναδικούς πίνακες, σε αντίθεση με άλλους. Κύριο χαρακτηριστικόέργα - ένα ιδιαίτερο όραμα του κόσμου από τον συγγραφέα.

Οι καλλιτέχνες στα έργα τους επαναστάτησαν ενάντια στις αξίες του ρεαλισμού. Η αυτογνωσία είναι ένα εντυπωσιακό χαρακτηριστικό αυτής της κατεύθυνσης. Αυτό οδηγεί συχνά σε πειραματισμούς με τη φόρμα, καθώς και σε μια τάση για αφαίρεση. Οι εκπρόσωποι του μοντερνισμού δίνουν ιδιαίτερη προσοχή στα υλικά που χρησιμοποιούνται και στη διαδικασία εργασίας. Μερικοί από τους πιο εξέχοντες εκπροσώπους του θεωρούνται ο Henry Matisse (το έργο του «The Red Room» του 1908 παρουσιάζεται παραπάνω) και ο Pablo Picasso.

Νεοκλασικισμός

Ο νεοκλασικισμός ήταν η κύρια κατεύθυνση της ζωγραφικής στη Βόρεια Ευρώπη από τα μέσα του 18ου αιώνα έως τα τέλη του 19ου. Χαρακτηρίζεται από την επιστροφή στα χαρακτηριστικά της αρχαίας Αναγέννησης και ακόμη και στην εποχή του κλασικισμού. Σε αρχιτεκτονικούς, καλλιτεχνικούς και πολιτιστικούς όρους, ο νεοκλασικισμός εμφανίστηκε ως απάντηση στο ροκοκό, το οποίο θεωρήθηκε ως ένα ρηχό και επιτηδευμένο στυλ τέχνης. Οι νεοκλασικοί καλλιτέχνες, χάρη στην καλή γνώση των εκκλησιαστικών νόμων, προσπάθησαν να εισάγουν κανόνες στα έργα τους. Ωστόσο, απέφευγαν απλώς να αναπαράγουν κλασικά μοτίβα και θέματα. Οι νεοκλασικοί καλλιτέχνες προσπάθησαν να τοποθετήσουν τους πίνακές τους στα πλαίσια της παράδοσης και έτσι να επιδείξουν τη μαεστρία τους στο είδος. Ο νεοκλασικισμός από αυτή την άποψη έρχεται σε άμεση αντίθεση με τον μοντερνισμό, όπου ο αυτοσχεδιασμός και η αυτοέκφραση θεωρούνται αρετές. Οι πιο διάσημοι εκπρόσωποί της περιλαμβάνουν τον Nicolas Poussin και τον Raphael.

Pop Art

Η τελευταία κατεύθυνση που θα εξετάσουμε είναι η ποπ αρτ. Εμφανίστηκε στη Βρετανία στα μέσα της δεκαετίας του '50 του περασμένου αιώνα και στα τέλη της δεκαετίας του '50 στην Αμερική. Η ποπ αρτ πιστεύεται ότι ξεκίνησε ως αντίδραση στις ιδέες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού που ήταν κυρίαρχες εκείνη την εποχή. Μιλώντας για αυτήν την κατεύθυνση, είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε Το 2009, το "Eight Elvises", ένας από τους πίνακές του, πουλήθηκε για 100 εκατομμύρια δολάρια.