domov / zdravje/ Romantični skladatelji in njihova dela. Glasba Avstrije in Nemčije romantike 19. stoletja. Glasbeni žanri obdobja romantike

Romantični skladatelji in njihova dela. Glasba Avstrije in Nemčije romantike 19. stoletja. Glasbeni žanri obdobja romantike

Romantika v najčistejši obliki je fenomen zahodnoevropske umetnosti. V ruski glasbi 19. st. od Glinke do Čajkovskega so se značilnosti klasicizma združevale z značilnostmi romantike, pri čemer je vodilni element svetlo, izvirno nacionalno načelo.

Čas (1812, decembristična vstaja, kasnejša reakcija) je pustil pečat na glasbi. Ne glede na žanr - romanco, opero, balet, komorno glasbo - povsod so ruski skladatelji povedali svojo novo besedo.

Začetek 19. stoletja - to so leta prvega in svetlega razcveta romantičnega žanra. Skromna, iskrena besedila še vedno odmevajo in navdušujejo poslušalce. Aleksander Aleksandrovič Aljabjev (1787-1851). Pisal je romance na pesmi mnogih pesnikov, a nesmrtne so "Slavček" na pesmi Delviga, "Zimska cesta", "Ljubim te" na podlagi Puškinovih pesmi.

Aleksander Jegorovič Varlamov (1801-1848) pisal glasbo za dramske uprizoritve, najbolj pa ga poznamo po znanih romancah "Rdeča obleka", "Ne zbudi me ob zori", "Osamljeno jadro je belo".

Aleksander Lvovič Gurilev (1803-1858)- skladatelj, pianist, violinist in učitelj, je napisal romance kot "Zvon zvoni monotono", "Ob zori meglene mladosti" itd.

Najvidnejše mesto tukaj zavzemajo Glinkine romance. Nihče drug še ni dosegel tako naravnega zlitja glasbe s poezijo Puškina in Žukovskega.

Mihail Ivanovič Glinka (1804-1857)- Puškinov sodobnik, klasik ruske literature, je postal utemeljitelj glasbene klasike. Njegovo delo je eden od vrhov ruske in svetovne glasbene kulture. Harmonično združuje bogastvo ljudske glasbe in najvišje dosežke skladateljskega znanja. Glinkina globoko ljudska realistična ustvarjalnost je odražala močan razcvet ruske kulture v prvi polovici 19. stoletja, povezanega z domovinsko vojno leta 1812 in dekabrističnim gibanjem. Svetel, življenjsko potrjujoč značaj, harmonija oblik, lepota izrazno melodičnih melodij, raznolikost, barvitost in subtilnost harmonij so najdragocenejše lastnosti Glinkine glasbe. V najbolj znani operi "Ivan Susanin"(1836) je ideja ljudskega patriotizma dobila sijajen izraz; moralna veličina ruskega ljudstva je poveličana v pravljični operi " Ruslan in Ljudmila". Orkestralna dela Glinke: "Fantazija valčka", "Noč v Madridu" in predvsem "Kamarinskaya", so osnova ruskega klasičnega simfonizma. Glasba za tragedijo je izjemna po moči dramatičnega izražanja in svetlosti značilnosti. "Princ Kholmski". Glinkina vokalna besedila (romance "Spominjam se čudovitega trenutka", "Dvom") - neprekosljivo utelešenje ruske poezije v glasbi.

V prvi polovici 19. stol. rodi se narodna glasbena šola. V prvih desetletjih 19. stol. prevladovale so romantične težnje, ki se kažejo v delu A.N. Verstovsky, ki je v svojem delu uporabljal zgodovinske teme. Ustanovitelj ruske glasbene šole je bil M.I. Glinka, ustvarjalec glavnih glasbenih zvrsti: opera ("Ivan Susanin", "Ruslan in Ljudmila"), simfonije, romantika, ki je v svojem delu aktivno uporabljal folklorne motive. Inovator na področju glasbe je bil A.S. Dargomyzhsky, avtor opere-baleta "Zmagoslavje Bakhusa" in ustvarjalec recitativa v operi. Njegova glasba je bila tesno povezana z delom skladateljev "Mogočne peščice" - M.P. Musorgski, M.A. Balakireva, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodina, Ts.A. Cuija, ki si je v svojih delih prizadeval utelešati »življenje, kjer koli se izrazi«, aktivno se obračajo k zgodovinskim temam in folklornim motivom. Njihovo delo je uveljavilo žanr glasbene drame. "Boris Godunov" in "Hovanščina" Musorgskega, "Knez Igor" Borodina, "Sneguročka" in "Carska nevesta" Rimskega-Korsakova so ponos ruske in svetovne umetnosti.

P.I. zavzema posebno mesto v ruski glasbi. Čajkovskega, ki je v svojih delih utelesil notranjo dramo in pozornost do notranjega sveta človeka, značilno za rusko književnost 19. stoletja, h kateri se je skladatelj pogosto obračal (opere "Evgenij Onjegin", "Pikada", " Mazepa«).

Občinski proračunski zavoddodatno izobraževanje

Otroška likovna šola št. 8

Povzetek:

»Stopnje razvoja ruske romantike XIX - začetek XX stoletja"

Dokončano:

učiteljica klavirja

Luchkova Svetlana Nikolaevna

Uljanovsk

2016

Kazalo

1. Uvod.

2. Obdobje zgodnje romantike.

3. Ustvarjalnost M.I. Glinka.

4. "Mogočna peščica."

5. Ustvarjalnost P.I. Čajkovskega.

6. »Srebrna doba« ruske romantike.

Zaključek.

1. Uvod

Na nastanek in razvoj romantike v umetniški kulturi Rusije v prvi tretjini 19. stoletja so vplivali naslednji dejavniki: vojna leta 1812, dekabristično gibanje, ideje Velike francoske meščanske revolucije in nacionalni vzpon Rusije. samozavedanje.

Romantika v najčistejši obliki je fenomen zahodnoevropske umetnosti. Za razliko od zahodnoevropske umetnosti, ki se je uveljavila v boju proti razsvetljenstvu, mu ruska romantika ni nasprotovala, temveč je razvijala in poglabljala naloge razsvetljenstva, razvijala se je vzporedno s klasicizmom, se z njim pogosto prepletala. Zelo natančen opis ruske romantike je podal V. G. Belinski: »Romantika je želja, težnja, impulz, občutek, vzdih, stok, tožba nad neizpolnjenimi upi, ki nimajo imena, žalost po izgubljeni sreči, ki je bog ve kaj vsebovala. od.«

Romantični pogled na svet je našel sistematično utelešenje v vseh vrstah umetnosti. To obdobje zaznamuje visok razcvet umetniške kulture kot celostnega in izvirnega pojava. Takrat se je v umetnosti oblikoval določen sistem duhovnih in estetskih vrednot, ki so bile utelešene v literaturi in gledališču, v slikarstvu in glasbi. Glasbena umetnost ni ostala stran od perečih vprašanj našega časa.

Žanrska edinstvenost ruske glasbe je tesno povezana s prevladujočo vlogo besede, ki jo ustvarja estetika realizma. Vodilna zvrst glasbe v tem času je bila opera - zgodovinska, epska, lirična, dramatična. Še naprej se razvijajo druge sintetične glasbene zvrsti - romantika, pesem. Vokalna glasba dopolnjuje »glasbeno enciklopedijo« ruske poezije in jo bogati s socialnimi, obtožujočimi in lirično-psihološkimi podobami.

Instrumentalna glasba te dobe gravitira tudi k posebnostim literarnega vira. To se je izrazilo zlasti v posebnem pomenu, ki ga programska instrumentalna glasba pridobi med ruskimi skladatelji. Svoje teme črpa iz vse svetovne literature, od tradicionalnih Puškinovih besedil do Shakespearovih del, ki jih reinterpretira iz sodobne perspektive. Vrhunec razvoja instrumentalne glasbe je bilo ustvarjanje ruske večstavčne simfonije, ki priča o visoki zrelosti ruskega simfonizma - lirično-dramatične P. I. Čajkovskega in epske A. P. Borodina. Razvile so se tudi druge zvrsti simfonične glasbe - instrumentalni koncerti A. G. Rubinsteina, P. I. Čajkovskega, N. A. Rimskega-Korsakova, uverture, fantazije, simfonične slike.

Znak večžanrskega razcveta glasbe je rojstvo klasičnega ruskega baleta, v katerem se dramatično bistvo zapleta razkriva s simfoničnimi sredstvi.

2. Zgodnja romantika

V 19. stoletju se je v Rusiji oblikovala nacionalna skladateljska in izvajalska šola. Obdobje zgodnje romantike v ruski glasbi vključuje skladatelje 19. stoletja, kot so A. Varlamov, A. Alyabyev, A. Verstovsky, A. Gurilev.

Začetek 19. stoletja To so leta prvega in najsvetlejšega razcveta žanra romance.Aleksander Aleksandrovič Aljabjev (1787-1851) pisal iskrene lirične romance na pesmi mnogih pesnikov.Aleksander Jegorovič Varlamov (1801-1848) pisal glasbo za dramske uprizoritve, najbolj pa ga poznamo po znanih romancah.

Aleksander Lvovič Gurilev (1803-1858) - skladatelj, pianist, violinist in pedagog. Najvidnejše mesto zavzemajo Glinkine romance. Nihče drug še ni dosegel tako naravnega zlitja glasbe s poezijo Puškina in Žukovskega.

Aleksander Sergejevič Dargomižski (1813-1869) v svoji operi Rusalka in številnih romancah posreduje večplastne psihološke podobe.

3. Ustvarjalnost M.I. Glinka

Delo velikega ruskega skladateljaMihail Ivanovič Glinka (1804-1857) - začetek novega obdobja v razvoju glasbene umetnosti.

V delih Glinke je čutiti neločljivo povezavo med glasbo in ljudskimi tlemi, umetniško premislek o ljudskih podobah. V delu Glinke je opaziti povezavo s svetovno glasbeno kulturo, ki jo lahko slišimo v predelavah melodij iz Italije, Španije, Francije in Vzhoda ("Aragonese Jota", "Tarantella").

Skladateljeve balade in romance na pesmi ruskih pesnikov so polne romantike. Njihova umetniška dovršenost, popolno in harmonično zlitje glasbe in besedila, vidljivost, slikovite glasbene podobe, čustvena vznesenost, strast in subtilna liričnost naredijo Glinkine romance neprekosljive primere glasbene ustvarjalnosti ("Nočni pogled", "Dvom", "Spominjam se čudovitega trenutka" «, » Valček-fantazija«).

Glinka je tudi realist, ustanovitelj ruske glasbene simfonične šole ("Kamarinskaya"), ki je prikazala najboljše lastnosti ruske realistične glasbe, združene s svetlimi značilnostmi romantičnega pogleda na svet: močno strastjo, upornostjo duha, svobodnim poletom domišljijo, moč in svetlost glasbene barve.

V Glinkinih operah se pred nami pojavljajo visoki ideali ruske umetnosti. V herojsko-domoljubni operi "Ivan Susanin" (izvirno ime te opere je "Življenje za carja") si skladatelj prizadeva prikazati tipične lastnosti, način razmišljanja in čustva ljudi. Novost je bil nastop na opernem odru kostromskega kmeta kot glavnega tragičnega junaka. Glinka kaže svojo tipičnost in individualnost, pri čemer se v svojih glasbenih značilnostih naslanja na ljudske pesmi. Opera "Ruslan in Ljudmila" je slovesna himna svetlobi, dobroti, lepoti, epska interpretacija Puškinove mladostne pesmi. V glasbeni dramaturgiji bomo slišali princip slikovnih primerjav, kontrast, ki je lasten naravi ruskih pravljic in ljudskega epa. Glasbene značilnosti likov so pravljično svetle. Glasba vzhoda v operi je organsko združena z rusko in slovansko glasbeno linijo.

4. "Mogočna peščica"

V poznih petdesetih in zgodnjih šestdesetih letih 19. stoletja se je v Sankt Peterburgu oblikovala ustvarjalna skupnost, ki jo je vodilMili Aleksejevič Balakirev (1837-1910) , idejni navdih pa je bilVladimir Vasiljevič Stasov (1824-1906) . Commonwealth se je v zgodovino zapisal kot Nova glasbena šola ali »Mogočna peščica«. Krog so sestavljali ambiciozni skladatelji, ki so v M.A. Balakirev njegov glavni mentor:Cezar Anatoljevič Cui (1835-1918), Aleksander Porfirijevič Borodin (1833-1887), Modest Petrovič Musorgski (1839-1881), Nikolaj Andrejevič Rimski-Korsakov (1844-1908).

Temeljna načela za skladatelje »Mogočne peščice« sta bili narodnost in narodnost. Teme njihovega dela so povezane predvsem s podobami ljudskega življenja, zgodovinsko preteklostjo Rusije, ljudskimi epi in pravljicami, starodavnimi poganskimi verovanji in obredi. Musorgski, po svojih umetniških prepričanjih najradikalnejši izmed članov »mogočne peščice«, je z veliko močjo utelesil podobe ljudstva v glasbi; mnoga njegova dela odlikuje odkrito izražena družbenokritična naravnanost. Hkrati so skladatelji »mogočne peščice« kazali težnjo po določeni romantizaciji nacionalne preteklosti. V starodavnih, prvinskih načelih ljudskega življenja in pogleda na svet so iskali oporo za afirmacijo pozitivnega moralnega in estetskega ideala.

Eden najpomembnejših virov ustvarjalnosti za skladatelje »Mogočne peščice« je bila ljudska pesem. Njihovo pozornost je pritegnila predvsem stara tradicionalna kmečka pesem, v kateri so videli izraz temeljnih temeljev narodnega glasbenega mišljenja.

Ustvarjalna dejavnost "mogočne peščice" je najpomembnejša zgodovinska faza v razvoju ruske glasbe. Na podlagi izročila Glinke in Dargomižskega so ga Kučkini skladatelji obogatili z novimi dosežki, zlasti v opernih, simfoničnih in komornih vokalnih zvrsteh. Dela, kot so "Boris Godunov" in "Hovanščina" Musorgskega, "Knez Igor" Borodina, "Sneguročka" in "Sadko" Rimskega-Korsakova, sodijo v vrh ruske operne klasike. Njihove skupne značilnosti so nacionalni značaj, realistične podobe, širok razpon in pomemben dramski pomen ljudskih prizorov. Želja po slikovni svetlosti in konkretnosti podob je lastna simfoničnemu delu skladateljev »Mogočne peščice«, od tod tudi velika vloga programskih, vizualnih in žanrskih elementov v njem.

Borodin in Balakirev sta bila ustvarjalca ruske narodno-epske simfonije. Rimski-Korsakov je bil neprekosljiv mojster orkestralne barve, v njegovih simfoničnih delih prevladuje slikovni element.

V komornem vokalnem delu Kučkistov se subtilni psihologizem in poetična duhovnost združujeta z ostrimi žanrskimi značilnostmi, dramatiko in epsko širino.

Manj pomembno mesto v njihovem ustvarjanju zavzemajo komorne instrumentalne zvrsti. Na tem področju je dela izjemne umetniške vrednosti ustvaril le Borodin, avtor dveh godalnih kvartetov in klavirskega kvinteta. Balakirevov "Islamey" in Musorgskijev "Slike z razstave" zavzemata edinstveno mesto v klavirski literaturi v smislu izvirnosti oblikovanja in barvne izvirnosti.

V svojem inovativnem stremljenju se je »Mogočna peščica« zbližala z vodilnimi predstavniki zahodnoevropske glasbene romantike - R. Schumannu, G. Berliozu, F. Lisztu. Skladatelji Kuchke so visoko cenili delo L. Beethovna, ki so ga imeli za utemeljitelja vse nove glasbe. Estetska načela in ustvarjalnost »mogočne peščice« so močno vplivala na številne ruske skladatelje mlajše generacije.

5. Ustvarjalnost P.I. Čajkovskega

Vrhunec glasbene romantike je ustvarjalnostP.I. Čajkovski (1840-1893).

Delo Čajkovskega je vsrkalo in usmerilo celovite informacije o človeku, psihologiji njegovih čustev in dinamiki strasti. Zajela je dialektiko naravnih vzgibov k sreči in nezmožnosti spreminjanja tragičnega bistva zemeljske eksistence. Genij Čajkovskega se je oblikoval v poreformni dobi. Bil je priča visokemu vzponu in zatonu populističnega gibanja v ruski kulturi in je bil sodobnik skladateljev »Mogočne peščice«.

Glasbeni slog Čajkovskega se je razvil v kontekstu skladateljevih nekonvencionalnih idej o naravi nacionalne identitete. V svoji interpretaciji »nacionalnega« in »popularnega« je šel drugačno pot kot pripadniki »kučkizma«. Ruska folklora zanj ni bila univerzalni vir, temeljna osnova glasbenega jezika. Skladatelj se v glasbi ni lotil uporabe posebnih zvrsti pristne kmečke folklore, temveč se je obrnil k »intonacijskemu besedišču« mestnega glasbenega življenja, ki ga je obdajalo. Znane urbane intonacije v kombinaciji s čustveno odprtostjo, iskrenostjo in melodičnostjo so naredile glasbo Čajkovskega razumljivo in dostopno najširšemu občinstvu tako v Rusiji kot v tujini. Zato so dela Čajkovskega hitro pridobila simpatije Evropejcev in prispevala k mednarodni prepoznavnosti ruske glasbe po vsem svetu.

Fenomen dela Čajkovskega kot globoko ruskega fenomena je v tem, da je skladatelj, ki je utelesil osebno, znal izraziti univerzalno pomembno, ko je v jeziku glasbe govoril o svojih čustvenih izkušnjah - dvigniti se na raven posploševanja filozofskega in moralne ideje, ki so ključne v kulturi Rusije. Med njimi so večni problemi življenja in smrti, dobrega in zla, ljubezni in sovraštva. Dela Čajkovskega se ne manj organsko prilegajo dosežkom evropske umetnosti, v slogu romantike.

Čajkovski je menil, da je »evropska glasba zakladnica, v katero vsaka narodnost prispeva nekaj svojega v skupno korist«. Skladatelj je spregovoril v izvirnem, a hkrati univerzalnem glasbenem jeziku, romantiko pa je dojemal prav kot splošno umetniško idejo. Romantični pogled na svet je odprl neomejene možnosti za manifestacijo skladateljevega liričnega daru. Najboljše strani njegovih skladb so naslikane v čustvenih tonih, kar daje glasbi značaj izpovedne izjave.

Razpon skladateljevega ustvarjalnega zanimanja je nenavadno širok. Njegova zapuščina obsega deset oper (»Evgenij Onjegin«, »Ondina«, »Kovač Vakula«, »Pikasta dama« itd.); trije baleti ("Labodje jezero", "Tnuljčica", "Hrestač"), sedem simfonij, več kot deset orkestralnih del, instrumentalni koncerti, zborovska in klavirska glasba, komorna in vokalna dela. Na vseh področjih je bil Čajkovski inovator, čeprav nikoli ni želel biti reformist. S tradicionalnimi žanri je skladatelj našel možnosti za njihovo posodobitev. Ustvaril je lirično-dramsko opero, tragedijo simfonijo ter obogatil enostavčno programsko uverturo in simfonično pesnitev.

Delo Čajkovskega je imelo velik vpliv na njegove sodobnike. Njegovo ime so že povezovali z največjimi predstavniki ruske kulture. V desetletjih, ki so sledila, noben glasbenik ni ušel vplivu močne simfonije Čajkovskega in njegovega opernega sloga. Umetniški in humanistični pomen njegove glasbe še danes ni izgubil aktualnosti. V ozadju svetovnih okoljskih katastrof, vojn, uničenja in duhovnih kriz mi prihajajo na misel skladateljeve besede: »Z vso močjo svoje duše bi rad, da bi se moja glasba širila, da bi bilo več ljudi, ki jo imajo radi in našli tolažbo in podpora bi se v tem povečala.«

6. »Srebrna doba« ruske romantike

Konec 19. in začetek 20. stoletja se v ruski glasbeni umetnosti imenuje "srebrna doba". To je bilo obdobje nenavadno hitrega, hitrega razvoja in uveljavljanja novih sil in smeri, ki je povezano s splošnim prevrednotenjem vrednot, revizijo mnogih idej in kriterijev estetskega vrednotenja, uveljavljenih v prejšnji dobi. Ta proces je potekal v vročih sporih in spopadih različnih, včasih konvergenčnih, včasih antagonističnih teženj, ki so se zdele nepopravljive in se med seboj izključujejo. Toda prav ta raznolikost in intenzivnost iskanj določata posebno bogastvo tega zgodovinskega obdobja - enega najbolj zanimivih in plodovitih v ruski umetnosti. Izjemni dosežki in odkritja na različnih področjih umetniške ustvarjalnosti, ki so zaznamovala čas, so ga obogatila z novo vsebino, novimi oblikami in izraznimi sredstvi. Kulturni trendi »srebrne dobe« so temeljito spremenili podobo glasbene umetnosti. Romantika v Rusiji je povzročila nepričakovan vzpon, ko se je na Zahodu zdelo, da je ta trend preteklost. Dva skladatelja 20. stoletja.Aleksander Nikolajevič Skrjabin (1871-1915) in Sergej Vasiljevič Rahmaninov (1873-1943) ponovno obudil značilnosti romantike, kot so nebrzdani poleti fantazije in iskrenost besedil.

Sem sodijo tudi skladatelji, katerih glasba je imela romantično notoTanejev Sergej Ivanovič (1856-1915), Arenski Anton Stepanovič (1861-1906), Grečaninov Aleksander Tihonovič (1864-1956), Ljapunov Sergej Mihajlovič (1850-1924), Rubinstein Anton Grigorijevič (1829-1884).

Zaključek

Vprašanje smisla obstoja in edinstvenosti ruske kulture se odraža v polemikah dveh glasbenih združenj: »konservativcev«, ki vključujejo rusko glasbeno umetnost v vseevropsko gibanje, in »kučkistov«, ki uveljavljajo njeno nacionalno. specifičnost. Ker se je v zapletih glasbenih del vsaka od nasprotnih strani obrnila na vrednote romantičnega pogleda na svet, je bilo njihovo nadaljnje združevanje v enotno rusko nacionalno skladateljsko šolo naravno.

Glavne značilnosti romantičnega pogleda na svet so se v ruski glasbeni kulturi kazale skozi vse 19. stoletje v kombinaciji z značilnostmi drugih gibanj. Hkrati je v delih nekaterih skladateljev klasične dobe opaziti elemente romantike, pri skladateljih romantike pa elemente klasicizma. Šlo je za sintezo nasprotnih načel: klasicizma, sentimentalizma, romantike in realizma, združenih v novo umetniško in sintetično stvarnost. Če govorimo o skladateljih, jih je združila ena skupna smer in vsak je sledil svoji poti, poskušajo najti svoje, edinstveno glasbeno izražanje.

Romantika je v Rusiji našla plodna tla, saj je bila blizu ruskemu nacionalnemu značaju kot svetovnemu nazoru, ki temelji na nasprotju ideala in realnosti. Romantična idealizacija preteklosti je izražena v konceptih slovanofilov. Sanje romantikov o prihodnji svobodni družbi so vsebovane v idejah ruske revolucionarne družbenopolitične misli, romantika individualističnega upora pa je izražena v ruski anarhistični zavesti.

Posebne razmere vsake države so povzročile svojo nacionalno romantiko, katere obarvanost je bila odvisna od lastnih tradicij in kulturnih značilnosti.

Reference:

1. Asafiev B.V. "Ruska glasba z začetka 19. stoletja." L., 1979

2. "Velika sovjetska enciklopedija", M., 1967.

3. Keldysh Yu "Zgodovina ruske glasbe" 2. del.

4. Keldysh Yu. "Skladatelji druge polovice 19. stoletja."

5. www. belkanto.ru.

6. Wikipedia. org.

7. Povzetek »Ruska glasbena kultura v 60. in 70. letih 19. stoletja«www. roman.

Skrjabina Svetlana Anatolevna

MBOU DOD DSHI Uvarovo, Tambovska regija.

učiteljica

Povzetek

“Klavirska dela romantičnih skladateljev”

Uvod.

2. Romantika v glasbi.

4. Vpliv romantike na klavirsko delo F. Liszta.

5. Zaključek.

6. Seznam referenc.

Uvod.

Romantika se je kot umetniško gibanje oblikovala konec 18. in v začetku 19. stoletja, najprej v literaturi (v Nemčiji, Veliki Britaniji in drugih državah Evrope in Amerike), nato v glasbi in drugih oblikah umetnosti. Romantični slog je izviren, fantastičen in vzvišen.

Obdobje romantike je imelo veliko vlogo v razvoju glasbene kulture. Romantika je zajela vsa področja kulture: filozofijo, estetiko, gledališče, literaturo, glasbo in druge humanistične vede. V povezavi z različnimi nacionalnimi tradicijami in zgodovinskimi vidiki je romantika, ki se je razvijala v različnih državah, pridobila svojevrstne nacionalne značilnosti: med Nemci - v mističnosti, med Britanci - v osebnosti, ki se bo zoperstavila razumnemu vedenju, med Francozi - v nenavadnem. zgodbe. Za romantični slog je značilna privlačnost do notranjega sveta človeka, želja po čustvenosti, kar je določilo primat literature in glasbe v romantiki.

Ustreznost Ta tema je v dejstvu, da je bila romantika opora številnim skladateljem in je imela veliko vlogo pri razvoju glasbene kulture ter spodbudila razvoj klavirske ustvarjalnosti romantičnih skladateljev.

Namen tega dela– z reševanjem naslednjih nalog prepoznavajo glavne značilnosti romantike in proučujejo njihov odsev v klavirskem ustvarjanju romantičnih skladateljev:

Razmislite o glavnih značilnostih romantike;
Prepoznati manifestacije romantike v glasbi;
Preučiti slogovne značilnosti romantike v klavirski glasbi;
Opiši klavirsko delo F. Liszta.

Za uresničitev svojih idej so se romantični skladatelji obrnili k novim oblikam: klavirske miniature, balade, nokturni, poloneze, improvizirane, lirične pesmi, veliko vlogo so pridobile programske skladbe. Prišlo je do svobodnejše uporabe sonatno-simfoničnih in variacijskih oblik, ustvarjanja novih velikih enostavčnih oblik - sonate, koncerta, simfonične pesmi, uporabe posebnih razvojnih tehnik - leitmotivov, monotematizma, vokalne deklamacije, kolorizma.

1. Začetki romantike in njene značilnosti.

V povezavi z buržoazno revolucijo v Franciji so se pogledi in ideje ljudi spremenili. Zgodovinski dogodki so pustili pečat v duši vsakega, ki je bil priča revolucionarnim prevratom. Ideje enakosti, bratstva in svobode so postale blizu umetnikom, pisateljem in glasbenikom. Tako se je končala doba razsvetljenstva. Toda nova družbena ureditev ni izpolnila pričakovanj te družbe in nastopilo je razočaranje ter pojav novega ideološkega sistema - romantike - postal nepovraten.

Romantika je ideološko in umetniško gibanje v evropski in ameriški duhovni kulturi poznega 18. - prve polovice 19. stoletja, ki je nadomestilo klasicizem. Dogajajo se globoki premiki v vsebini umetnosti, v gibanju estetske misli in v naravi umetniških podob.

V središču sveta romantike je človeška osebnost, ki stremi k popolni notranji svobodi, popolnosti in prenovi. Svoj odnos do življenja in sveta okoli sebe izraža skozi besedila čustvenih doživetij in občutkov. Liričnost likovnih podob se je odražala v preobratu umetnosti, ki je usmerjal njen razvoj, povezovanje s preteklostjo in gibanje v prihodnost.

Osnova romantike je bil koncept dvojnih svetov (sanjski in resnični svet). Neskladje med idealom in realnostjo, značilno za prejšnja gibanja, dobi v romantiki izjemno ostrino in intenzivnost.

Glavna naloga romantike je bila prikazati notranji svet, duševno življenje. Z romantiko se začne pojavljati pravi psihologizem. Omejitev in ponižnost sta bila zavrnjena, zamenjala sta ju močna čustva, ki so pogosto dosegla skrajnosti. Pri romantikih je bila človeška psihologija odeta v mistiko, v njej so prevladovali trenutki iracionalnega, nejasnega in skrivnostnega.

Romantiki so se obračali k skrivnostnim, zagonetnim, celo grozljivim ljudskim verovanjem in pravljicam. Zavračajoč vsakdanje življenje sodobne civilizirane družbe kot brezbarvno in prozaično, so romantiki težili k vsemu nenavadnemu. Pritegnili so jih znanstvena fantastika, ljudske legende in ljudska umetnost nasploh.

Junak romantike je najprej individualistični nadčlovek. Za romantike je človek majhno vesolje, mikrokozmos. Intenzivno zanimanje za močna in živa čustva, vsesplošne strasti, za skrivna gibanja duše, za njeno »nočno« stran, hrepenenje po intuitivnem in nezavednem so bistvene značilnosti romantične umetnosti.

2. Romantika v glasbi.

V drugem desetletju 19. stoletja se je pojavila glasbena romantika, ki je nastala pod vplivom literarne umetnosti. To je bil zgodovinsko nov pojav, čeprav so bile odkrite globoke povezave z glasbeno »klasiko«. Ob preučevanju in izvajanju del romantičnih skladateljev se čuti vznesenost duhovne strukture in vzvišenost občutkov, dramatičen kontrast, globok patos, iskren lirizem.

Ustanovitelji dobe romantike so skladatelji, kot so: Liszt, Chopin, Schumann, Grieg. V poznejšem obdobju se je pojavil glasbeni »impresionizem« Debussyja, Ravela in Skrjabina.

Schubertove klavirske miniature, Mendelssohnove "Pesmi brez besed", klavirski cikli, nokturni, Schumannovi preludiji, Chopinove balade - vse to bogastvo je preoblikovalo stare zvrsti in oblike, vstopilo v glasbeno zakladnico sveta in dobilo pomen v klasični glasbi.

Prevladujoče mesto zavzema tema ljubezni, to stanje duha najbolj celovito in v celoti odseva vse globine in nianse človeške psihe. Človekova ljubezen do svojega doma, do svoje domovine, do svojih ljudi teče kot nit skozi delo vseh romantičnih skladateljev.

Romantiki imajo podobo narave, ki je tesno in neločljivo prepletena s temo lirične izpovedi. Tako kot podobe ljubezni podoba narave pooseblja junakovo duševno stanje, tako pogosto obarvano z občutkom neskladja z realnostjo.

Fantastična tema pogosto tekmuje s podobami narave, kar je posledica želje po pobegu iz ujetništva resničnega življenja. Za skladatelje romantične šole pravljične, fantastične podobe pridobijo edinstveno nacionalno barvo. Chopinove balade se zgledujejo po Baladah Mickiewicza, Schumanna, Mendelssohna, ustvarjajo dela fantastičnega grotesknega načrta, ki tako rekoč simbolizirajo hrbtno stran vere, ki si prizadeva obrniti ideje strahu pred silami zla.

Pozno obdobje življenja in dela zadnjega velikega klasičnega skladatelja Ludwiga van Beethovna je sovpadlo z razcvetom dela prvega velikega romantičnega skladatelja Franza Schuberta. To pomembno sovpadanje priča o tesni povezanosti klasične in romantične glasbene umetnosti. Kljub kontinuiteti teh dveh dediščin obstajajo pomembne razlike, značilne za razmerje med delom klasičnih skladateljev in romantičnih skladateljev. Glavna razlika je poseben poudarek v romantični glasbi na utelešenju zasanjanih liričnih in vznemirjenih lirično-patetičnih podob in razpoloženj.

Romantični skladatelji so začeli kazati veliko zanimanje za nacionalno posebnost ruske glasbe, pa tudi za glasbo drugih narodov. V zvezi s tem se je začelo natančno preučevanje ljudske glasbe – glasbene folklore. Hkrati se je povečalo zanimanje za nacionalno zgodovinsko preteklost, za starodavne legende, pripovedi in pripovedi, kar je podlaga za nastanek fascinantnih fantastičnih podob. Z obvladovanjem novih tem in podob je romantična glasba povečala svojo interakcijo z romantično poezijo in romantičnim gledališčem. To je določilo visok razcvet romantične opere v 19. stoletju, žanra, v katerem pride do sinteze vseh vrst umetnosti. Ena najbolj osupljivih romantičnih oper je »Čarobni strelec« nemškega skladatelja Carla Marie von Webra.

Romantična glasbena umetnost je dala številne izjemne skladatelje, ki so bili pogosto tudi čudoviti koncertni izvajalci.

3. Slogovne značilnosti dobe romantike v klavirski glasbi.

V slogu glasbe romantične dobe imajo modalna in harmonična sredstva zelo pomembno vlogo. Prvi od teh procesov - dinamika - je nasičenost akordov v igrah z alteracijami in disonancami, kar je stopnjevalo njihovo nestabilnost in povečalo napetost, ki je zahtevala razrešitev v nadaljnjem igranju. Takšne lastnosti izvajanja del romantičnih skladateljev so izražale "mrtvost", značilno za ta slog, tok "neskončno" razvijajočih se občutkov, ki je bil s posebno popolnostjo utelešen v delih Chopina, Schumanna in Griega. Iz naravnih modusov so izluščili pestrost barv in barvite zvoke, s pomočjo katerih je bil poudarjen ljudski oziroma arhaični značaj glasbe. Pri upodabljanju fantastičnih, pravljičnih ali čudaških podob je bila velika vloga dodeljena celim tonskim in kromatskim lestvicam.

V romantični melodični glasbi so delovali naslednji trendi: želja po širini in kontinuiteti razvoja fraziranja. Številni skladatelji iz obdobja romantike imajo v svojih delih »neskončno melodijo« z ogromnimi večtaktnimi ligami. To je še posebej očitno v delih Chopina, Čajkovskega in zgodnjega obdobja 80-90-ih Rahmaninova (»Elegija«, »Melodija«, »Romanca«, »Serenada« in njegova druga dela).

Pri seznanjanju z glasbo romantičnih skladateljev sta zelo pomembna zvočna produkcija in občutek za "stil", pri čemer je zelo pomembno upoštevati, da je pri delu na fraziranju v posameznem delu nujno, da fraze uberejo eno; drugi, se držijo drug drugega in tvorijo girlande, vendar skupaj. Hkrati se med seboj niso prekrivali.

O slogovnih značilnostih izvajanja glasbenih del romantičnih skladateljev na klavirju je profesorica Leningradskega konservatorija V. Kh Razumovskaya zapisala: »Bojim se s simetrijo, poskušam premagati meter in skriti »sintaktične šive«, zahvaljujoč takšnim. fraziranje in niansiranje, pridobljena je fluidnost in melodičnost zvoka ter legato občutkov."

Pri izvajanju liričnih del je treba čutiti dih, čutiti ga je mogoče z dotikom: ozadje, polno zraka, dihajoči bas, urejen pedal.

O slogovnih značilnostih glasbe F. Chopina je Liszt povedal naslednje: »Njegova glasba spominja na cvet povojca, ki ziblje svoje vence na nenavadno tankem steblu raztrgati ob najmanjšem dotiku.”Chopin je "vrhunec" uprizoritvene umetnosti dobe romantike.

Pri izvajanju glasbenih del romantične dobe se morate spomniti, da za dosego želenega "zvoka" - žametnega in nezemeljskega, potrebujete poseben dar, trdo delo in občutek za slog. Kot je rekel Neuhaus: »Zvok je svetišče, skrbi za zvok kot za zlato, kot za dragulj, izvira iz predzvočne atmosfere, njegovo rojstvo je skrivnost, zelo pomembno je najti potrebno »mero zvoka«.

Pride v ospredje melos. Melodija je intonacijsko in kompozicijsko posodobljena. Pojavljata se dva različna vira intonacijske obnove: folklorna in govorna intonacija. Tisto, kar odstopa od klasične norme, je tisto, kar najprej pritegne pozornost. Klasicisti so imeli recitacijo (oratorijo), pri romantikih pa je bila bolj intimna, lirična, odprta in čustvena.

5. Vpliv romantike na klavirsko delo F. Liszta.

»Liszt, kot virtuoz, fenomen med tistimi

ki se pojavijo vsakih nekaj stoletij,«

je zapisal Serov

V delu F. Liszta klavirska dela predstavljajo največji delež njegove ustvarjalne dediščine.

Lisztove umetniške individualnosti kot pianista in skladatelja so skupaj pomagale odpreti nove poti v glasbeni umetnosti.

Vse svoje misli, sanje, trpljenje in radosti je zaupal klavirju. In zato je Liszt prvi našel nove kompozicijske metode in izrazna sredstva na področju klavirske glasbe.

F. Liszt je bil sijajen pianist in je s svojim nastopom lahko prepričal in očaral na tisoče poslušalcev. Enako si je v skladateljski praksi prizadeval za jasno in razumljivo podajanje glasbenih misli. Po drugi strani pa je kot nenehno iščoč umetnik, obdarjen z briljantno ustvarjalno žilico, posodobil celotno strukturo in značaj zvoka klavirja, tako da je postal, kot se je lepo izrazil Stasov, »neznana in nezaslišana stvar - celoten orkester."

Skladatelj je v sodobno poustvarjanje in ustvarjalnost uvedel simfonično interpretacijo klavirja. V svojem razvoju je dosegel močan orkestrski zvok inštrumenta in ga obogatil s kolorističnimi zmožnostmi. V enem od svojih pisem je Liszt nakazal, da je bil njegov cilj "... uvesti duh nastopajočega pianista v orkestralne učinke in v omejenih mejah klavirja narediti občutljive različne instrumentalne zvočne učinke in odtenke." Liszt je to dosegel tako, da je svoja klavirska dela nasičil s toni in melodično strukturo. V Lisztovih klavirskih skladbah so pogosto avtorjeva navodila - kvazi tromba (kot trobenta), kvazi flavto (kot flavta) itd., Imitacija violončela (na primer v »Dolini Oberman«), rogovi ( etuda »Hunt«), zvonovi (»Ženevski zvonovi«), orgle itd. Liszt je ekspresivne vire pianizma razširil v ospredje in izpostavil moč, sijaj in barvitost zvoka.

F. Liszt je odkril nove prijeme v klavirski tehniki. Poskušal je uporabiti vse registre klavirja: uporabil je bas, ki je zvenel bogato in globoko, melodijo je prenesel v srednji, »violončelski« register, v zgornjem registru pa je razkril transparenten, kristalno čist zvok. Skladatelj je pri primerjavi registrov uporabljal odlomke, ki jih je nasičil s kompleksi akordov v široki postavitvi. Liszt je v veliki meri uporabljal orkestrske tremolo učinke, akordske trile ali martellato oktave, da bi izraziteje prenesel dramatične ali dinamične trenutke. Posebno pozornost je posvetil distribuciji zvočnega materiala med obema rokama, njihovemu prenosu in prenosu v različne registre klavirja. Med drugimi Lisztovimi najljubšimi tehničnimi tehnikami so odlomki v oktavah, dvojne note in mojstrsko uporabljene tehnike vadbe. Te tehnike so vplivale na razvoj večplastne teksture Lisztovih del. Njihov razvoj je podan v več dinamičnih in kolorističnih načrtih, tako kot v orkestralnih delih.

Liszt, kot veliki reformator klavirskega igranja, je pianiste učil, naj se »navadijo poudarjati in združevati motive, postavljati pomembnejše in podrejati temu manj pomembno, z eno besedo, narediti orkester svojo normo«.

Značilnosti Lisztovega klavirskega sloga se niso izoblikovale takoj; razdelimo jih lahko na štiri stopnje. Prva stopnja (20-a - sredina 30-ih) je povezana s preučevanjem zmožnosti klavirja, z imitacijo bravuroznega sloga sodobnih virtuozov v drugi (pozni 30-i - 40-i) Liszt razvija individualni slog, ki bogati svoj; tehnika in glasbeni jezik z najnovejšimi dosežki romantičnih skladateljev (Paganini, Berlioz, Chopin). Za tretjo stopnjo (pozne 40. - 60.) - vrhunec Lisztovega mojstrstva - je značilna utemeljitev vseh tehničnih tehnik z zahtevami izraznosti in vsebine, odsotnost virtuoznih "presežkov", četrta stopnja (70.-80.) je zaznamujejo nova iskanja: zavračanje monumentalnih oblik, iskanje komornega zvoka, subtilne barve.

Tradicija koncertnega pianizma "Listov" se je razvila v umetnosti A.G. Rubinstein, A. Siloti in predvsem S. Rahmaninov.

Zaključek.

Romantika kot metoda in smer v umetnosti je bila kompleksen in protisloven pojav. V vsaki državi je imela močan nacionalni izraz. V literaturi, glasbi, slikarstvu in gledališču ni lahko najti potez, ki združujejo Chateaubrianda in Delacroixa, Mickiewicza in Chopina, Lermontova in Kiprenskega.

Najpomembnejša področja ustvarjalnosti romantičnih skladateljev so: besedila, fantazija, izvirnost pri izvajanju značilnih narodnih motivov (primer E. Grieg). Začenši s Schubertom in Webrom so skladatelji v vseevropski glasbeni jezik vpletali intonacijske vzorce starodavne, pretežno kmečke folklore svojih držav.

Nova vsebina glasbe je zahtevala nova izrazna sredstva. To je najprej ogromno melodično bogastvo, pa tudi melodično bogastvo razvite teksturne predstavitve, povečana kompleksnost in barvitost harmonskega jezika.

Reference.

Abdullin, E.B., Nikolaeva, E.V. Teorija glasbene vzgoje: Učbenik za študente višjih pedagoških izobraževalnih ustanov / E.B. Abdullin, E.V. Nikolaev. - M .: Akademija, 2004. - 336 str.
Aliev, Yu.B. Priročnik za šolskega učitelja glasbenika / Yu.B. Aliev. - M.: VLADOS, 2000. - 336 str.
Bryanceva, V.N. Glasbena literatura tujih držav. Drugi letnik študija. - M.: Glasba, 2004.
Druskin, M.S. Zgodovina tuje glasbe. 4. številka: Druga polovica 19. stoletja / M.S. Druskin. ― SPb.: SKLADATELJ-SANKT PETERBURG, 2007. ― 632 str.
Zhabinsky, K.A. Enciklopedični glasbeni slovar / K.A. Žabinski. - M .: Phoenix, 2009. - 474 str.
Lebedeva, O.V. Razvojna glasbena vzgoja / O.V. Lebedeva. - Kostroma: KSU, 2001. - 69 str.
Minakova, A.S. Minakov, S.A. Zgodovina svetovne glasbe: Zvrsti. Slogi. Navodila / A.S. Minakova, S.A. Minakov. - M.: Eksmo, 2010. - 544 str.

Kholopova, V.N. Glasbena teorija: Melodika, ritem, tekstura, tematika / V.N. Kholopova. ― M.: Lan

Kratka zgodovina glasbe. Najbolj popolna in jedrnata referenčna knjiga Henleyja Darena

Pozni romantiki

Številni skladatelji tega obdobja so nadaljevali s pisanjem glasbe v 20. stoletju. Vendar o njih govorimo tukaj in ne v naslednjem poglavju, ker je bil v njihovi glasbi močan duh romantike.

Treba je poudariti, da so nekateri med njimi vzdrževali tesne vezi in celo prijateljstva s skladatelji, omenjenimi v podpoglavjih »Zgodnji romantiki« in »Nacionalisti«.

Poleg tega je treba upoštevati, da je v tem obdobju v različnih evropskih državah delovalo toliko veličastnih skladateljev, da bo vsaka njihova delitev po kateremkoli principu povsem pogojna. Če so v različni literaturi, posvečeni klasični dobi in baroku, omenjeni približno enaki časovni okviri, potem je obdobje romantike povsod opredeljeno drugače. Zdi se, da je meja med koncem romantike in začetkom 20. stoletja v glasbi zelo zabrisana.

Vodilni skladatelj Italije 19. stoletja je bil nedvomno Giuseppe Verdi. Ta moški z gostimi brki in obrvmi, ki nas je gledal z iskrivimi očmi, je bil za celo glavo višji od vseh drugih opernih skladateljev.

Vsa Verdijeva dela so dobesedno napolnjena s svetlimi, nepozabnimi melodijami. Skupaj je napisal šestindvajset oper, ki jih danes večina redno uprizarja. Med njimi so najslavnejša in najbolj izjemna operna dela vseh časov.

Verdijeva glasba je bila v času skladateljevega življenja zelo cenjena. Na premieri Had občinstvo je poželo tako dolg aplavz, da so se morali umetniki prikloniti kar dvaintridesetkrat.

Verdi je bil bogat človek, vendar denar ni mogel rešiti obeh skladateljevih žena in dveh otrok pred zgodnjo smrtjo, zato so bili v njegovem življenju tragični trenutki. Svoje bogastvo je zapustil zavetišču starih glasbenikov, ki so ga pod njegovim vodstvom zgradili v Milanu. Sam Verdi je za svoj največji dosežek štel ustvarjanje zavetišča in ne glasbe.

Kljub temu, da ime Verdi povezujemo predvsem z operami, ko govorimo o njem, je nemogoče ne omeniti rekviem, ki velja za enega najboljših primerov zborovske glasbe. Polna je dramatike, v njej se pojavljajo nekatere značilnosti opere.

Našega naslednjega skladatelja ne moremo imenovati najbolj očarljiva oseba. Na splošno je to najbolj škandalozna in kontroverzna osebnost od vseh omenjenih v naši knjigi. Če bi delali seznam samo na podlagi osebnostnih lastnosti, torej Richard Wagner Nikoli se ne bi spustil v to. Vendar nas vodijo izključno glasbeni kriteriji in zgodovina klasične glasbe si je brez te osebe nepredstavljiva.

Wagnerjev talent je nesporen. Izpod njegovega peresa so nastala nekatera najpomembnejša in najimpresivnejša glasbena dela celotnega obdobja romantike – predvsem opera. Hkrati ga opisujejo kot antisemita, rasista, birokracijo, največjega prevaranta in celo tatu, ki ne okleva vzeti vsega, kar potrebuje, in je nesramen brez obžalovanja. Wagner je imel pretiran občutek samospoštovanja in verjel je, da ga njegov genij dviguje nad vse druge ljudi.

Wagnerja se spominjamo po svojih operah. Ta skladatelj je nemško opero dvignil na povsem novo raven, in čeprav je bil rojen v istem času kot Verdi, se je njegova glasba zelo razlikovala od italijanskih del tistega obdobja.

Ena od Wagnerjevih novosti je bila, da je vsak glavni lik dobil svojo glasbeno temo, ki se je ponavljala vsakič, ko je začel igrati pomembno vlogo na odru.

Danes se zdi samoumevna, a takrat je ta ideja povzročila pravo revolucijo.

Wagnerjev največji dosežek je bil cikel Nibelungov prstan, sestavljen iz štirih oper: Rensko zlato, Valkira, Siegfried in Smrt bogov. Običajno se izvajajo štiri zaporedne večere in skupaj trajajo približno petnajst ur. Že same te opere bi zadostovale za poveličanje njihovega skladatelja. Kljub vsej dvoumnosti Wagnerja kot osebe je treba priznati, da je bil izjemen skladatelj.

Posebnost Wagnerjevih oper je njihova dolžina. Njegova zadnja opera Parsifal traja več kot štiri ure.

Dirigent David Randolph je o njej nekoč rekel:

"To je vrsta opere, ki se začne ob šestih, in ko tri ure pozneje pogledate na ročno uro, se izkaže, da kaže 6:20."

življenje Anton Bruckner Kot skladatelju je to lekcija, kako ne obupati in vztrajati pri svojem. Vadil je po dvanajst ur na dan, ves čas posvečal delu (bil je organist) in se o glasbi veliko naučil sam, skladateljsko umetnost pa končal dopisno v dokaj zrelih letih - pri sedemintridesetih.

Danes se ljudje najpogosteje spomnimo Brucknerjevih simfonij, ki jih je napisal kar devet. Včasih so ga premagali dvomi o njegovi vrednosti kot glasbenika, a je kljub temu dosegel priznanje, čeprav proti koncu življenja. Po izvedbi Simfonije št. 1 kritiki so končno pohvalili skladatelja, ki je bil takrat star že štiriinštirideset let.

Johannes Brahms ne eden tistih skladateljev, ki so se rodili tako rekoč s srebrno palico v roki. Do njegovega rojstva je družina izgubila nekdanje bogastvo in je komaj shajala konce s koncem. Kot najstnik se je preživljal z igranjem v bordelih domačega mesta Hamburg. Ko je Brahms odrasel, se je nedvomno seznanil z manj privlačnimi vidiki življenja.

Brahmsovo glasbo je promoviral njegov prijatelj Robert Schumann. Po Schumannovi smrti se je Brahms zbližal s Claro Schumann in se vanjo sčasoma celo zaljubil. Kakšno razmerje sta imela, ni natančno znano, čeprav so čustva do nje verjetno igrala določeno vlogo v njegovih odnosih z drugimi ženskami - nobeni od njih ni dal svojega srca.

Brahms je bil precej nezadržna in razdražljiva oseba, vendar so njegovi prijatelji trdili, da je v njem nežnost, čeprav je ni vedno pokazal drugim. Nekega dne, ko se je vrnil domov z zabave, je rekel:

"Če tam nisem nikogar užalil, potem ga prosim za odpuščanje."

Brahms ne bi zmagal na tekmovanju za najbolj modno in elegantno oblečenega skladatelja. Sovražil je kupovanje novih oblačil in pogosto je nosil enake široke, zakrpane hlače, ki so mu bile skoraj vedno prekratke. Med enim nastopom so mu skoraj padle hlače. Drugič je moral sneti kravato in jo nositi namesto pasu.

Na Brahmsov glasbeni slog so močno vplivali Haydn, Mozart in Beethoven, nekateri glasbeni zgodovinarji pa celo trdijo, da je pisal v duhu klasicizma, ki je že šel iz mode. Hkrati ima tudi nekaj novih idej. Zlasti je bil sposoben razviti majhne glasbene odlomke in jih ponavljati skozi celotno delo - to, kar skladatelji imenujejo "ponavljajoči se motiv".

Brahms ni pisal oper, se je pa preizkusil v skoraj vseh drugih zvrsteh klasične glasbe. Zato ga lahko imenujemo eden največjih skladateljev, omenjenih v naši knjigi, pravi velikan klasične glasbe. Sam je o svojem delu povedal tole:

"Ni težko komponirati, je pa presenetljivo težko vreči dodatne note pod mizo."

Max Bruch se je rodil le pet let po Brahmsu in slednji bi ga zagotovo zasenčil, če ne bi bilo enega dela, Koncert za violino št. 1.

To dejstvo je priznal sam Bruch in s skromnostjo, nenavadno za mnoge skladatelje, zatrdil:

"Čez petdeset let bomo Brahmsa imenovali enega največjih skladateljev vseh časov, mene pa si bodo zapomnili po tem, da sem napisal Violinski koncert v g-molu."

In imel je prav. Res je, sam Bruch se ima po čem spomniti! Zložil je še številna druga dela - skupaj okoli dvesto - posebej je napisal mnoga dela za zbore in opere, ki jih dandanes redko uprizarjajo. Njegova glasba je melodična, vendar k njenemu razvoju ni prispeval nič posebnega novega. V primerjavi z njim se mnogi drugi skladatelji tistega časa zdijo pravi inovatorji.

Leta 1880 je bil Bruch imenovan za dirigenta Kraljeve liverpoolske filharmonije, a se je tri leta pozneje vrnil v Berlin. Glasbeniki orkestra z njim niso bili zadovoljni.

Na straneh naše knjige smo spoznali že številne glasbene čudeže in Camille Saint – Sans ne sodi na zadnje mesto med njimi. Pri dveh letih je Saint-Saens že izbiral melodije na klavirju, hkrati pa se je učil brati in pisati glasbo. Pri treh letih je igral igre lastne skladbe. Pri desetih letih je čudovito izvajal Mozarta in Beethovna. Hkrati se je začel resno zanimati za entomologijo (metulji in žuželke), nato pa še za druge vede, med drugim za geologijo, astronomijo in filozofijo. Zdelo se je, da se tako nadarjen otrok preprosto ne more omejiti samo na eno stvar.

Po končanem študiju na pariškem konservatoriju je Saint-Saens dolga leta delal kot organist. Ko je odrasel, je začel vplivati na glasbeno življenje Francije in prav po njegovi zaslugi se je glasba skladateljev, kot so J. S. Bach, Mozart, Händel in Gluck, začela izvajati pogosteje.

Najbolj znano delo Saint-Saensa je živalski karneval, ki jih je skladatelj za časa svojega življenja prepovedal izvajati. Skrbelo ga je, da bi glasbeni kritiki, ko bi slišali to delo, menili, da je preveč neresno. Navsezadnje je smešno, ko orkester na odru prikazuje leva, kokoši s petelinom, želve, slona, kenguruja, akvarij z ribami, ptice, osla in laboda.

Saint-Saens je napisal nekaj svojih drugih del za ne tako pogoste kombinacije glasbil, vključno s slavnimi "Orgle" simfonija št. 3, slišati v filmu "Babe".

Glasba Saint-Saensa je vplivala na delo drugih francoskih skladateljev, vključno z Gabriel Fore. Ta mladenič je podedoval mesto organista v pariški cerkvi sv. Magdalene, ki ga je prej zasedal Saint-Saens.

In čeprav Fauréjevega talenta ni mogoče primerjati s talentom njegovega učitelja, je bil veličasten pianist.

Faure ni bil bogat človek, zato je trdo delal, igral orgle, vodil zbor in poučeval. Pisal je v prostem času, ki ga je bilo zelo malo, kljub temu pa mu je uspelo izdati več kot dvesto petdeset svojih del. Nekatere od njih so sestavljale zelo dolgo: na primer delale naprej Requiem trajal več kot dvajset let.

Leta 1905 je Fauré postal direktor pariškega konservatorija, torej oseba, od katere je bil v veliki meri odvisen razvoj francoske glasbe tistega časa. Petnajst let pozneje se je Fauré upokojil. Pozno v življenju je trpel zaradi izgube sluha.

Danes je Fauré spoštovan zunaj Francije, čeprav ga tam najbolj cenijo.

Za ljubitelje angleške glasbe je videz takšne figure, kot je Edward Elgar, Gotovo se je zdelo pravi čudež. Mnogi glasbeni zgodovinarji ga imenujejo za prvega pomembnega angleškega skladatelja po Henryju Purcellu, ki je deloval v obdobju baroka, čeprav smo malo prej omenili tudi Arthurja Sullivana.

Elgar je imel zelo rad Anglijo, še posebej svoj rodni Worcestershire, kjer je preživel večino svojega življenja, navdih pa je našel na poljih hribovja Malvern.

Kot otrok je bil povsod obkrožen z glasbo: njegov oče je imel lokalno trgovino z glasbo in je malega Elgarja učil igrati na različna glasbila. Pri dvanajstih letih je deček že nadomeščal organista pri cerkvenih službah.

Po delu v odvetniški pisarni se je Elgar odločil, da se bo posvetil s finančnega vidika precej manj zanesljivemu poklicu. Nekaj časa je delal s krajšim delovnim časom, dajal ure violine in klavirja, igral v lokalnih orkestrih in celo malo dirigiral.

Postopoma je Elgarjeva skladateljska slava rasla, čeprav se je s težavo prebijal izven rodnega okraja. Prinesel mu je slavo Variacije na izvirno temo, ki so zdaj bolj znani kot Različice Enigme.

Zdaj Elgarjevo glasbo dojemajo kot zelo angleško in jo slišijo med večjimi nacionalnimi dogodki. Ob prvih zvokih Koncert za violončelo takoj se pojavi angleško podeželje. Nimrod od Različice pogosto igra na uradnih slovesnostih, ter Slavnostni in svečani pohod št. 1, znan kot Dežela upanja in slave, nastopal na maturantskih plesih po vsej Veliki Britaniji.

Elgar je bil družinski človek in ljubil je mirno, urejeno življenje. Kljub temu je pustil pečat v zgodovini. Tega skladatelja z gostimi, košatimi brki je mogoče takoj opaziti na bankovcu za dvajset funtov. Očitno so oblikovalci bankovcev menili, da bi bilo takšne dlake na obrazu zelo težko ponarediti.

V Italiji je bil naslednik Giuseppeja Verdija v operni umetnosti Giacomo Puccini, velja za enega svetovno priznanih mojstrov te umetniške zvrsti.

Družina Puccini se je že dolgo ukvarjala s cerkveno glasbo, ko pa je Giacomo prvič slišal opero Aida Verdija, je spoznal, da je to njegov klic.

Po študiju v Milanu je Puccini komponiral opero Manon Lescaut, ki mu je leta 1893 prinesla prvi veliki uspeh. Temu je ena uspešna produkcija sledila drugi: Bohemija leta 1896, Hrepenenje leta 1900 in Madame Butterfly leta 1904.

Skupaj je Puccini komponiral dvanajst oper, od katerih je bila zadnja Turandot. Umrl je, ne da bi dokončal to delo, drugi skladatelj pa je delo dokončal. Na premieri opere je dirigent Arturo Toscanini ustavil orkester točno tam, kjer se je ustavil Puccini. Obrnil se je k občinstvu in rekel:

S Puccinijevo smrtjo se je končal razcvet italijanske opere. Naša knjiga ne bo več omenjala italijanskih opernih skladateljev. Toda kdo ve, kaj nam prinaša prihodnost?

Med življenjem Gustav Mahler je bil bolj znan kot dirigent kot skladatelj. Pozimi je dirigiral, poleti pa je praviloma najraje pisal.

Pravijo, da je Mahler kot otrok našel klavir na podstrešju hiše svoje babice. Štiri leta kasneje, pri desetih letih, je imel svoj prvi nastop.

Mahler je študiral na dunajskem konservatoriju, kjer je začel skladati glasbo. Leta 1897 je postal direktor Dunajske državne opere in v naslednjih desetih letih na tem področju pridobil precejšen sloves.

Sam je začel pisati tri opere, a jih nikoli ni dokončal. V našem času je znan predvsem kot skladatelj simfonij. V tem žanru ima enega od pravih "hitov" - Simfonija št. 8, Pri njeni izvedbi sodeluje več kot tisoč glasbenikov in pevcev.

Po Mahlerjevi smrti je njegova glasba za približno petdeset let šla iz mode, v drugi polovici 20. stoletja pa je ponovno pridobila popularnost, predvsem v Veliki Britaniji in ZDA.

Richard Strauss je bil rojen v Nemčiji in ni pripadal dunajski dinastiji Strauss. Kljub temu, da je ta skladatelj živel skoraj celotno prvo polovico 20. stoletja, še vedno velja za predstavnika nemške glasbene romantike.

Svetovna priljubljenost Richarda Straussa je nekoliko trpela zaradi dejstva, da se je po letu 1939 odločil ostati v Nemčiji, po drugi svetovni vojni pa je bil celo obtožen sodelovanja z nacisti.

Strauss je bil odličen dirigent, zahvaljujoč kateremu je odlično razumel, kako mora zveneti določen instrument v orkestru. To znanje je pogosto uporabil v praksi. Dajal je tudi različne nasvete drugim skladateljem, kot npr.

"Nikoli ne glej na pozavne, le spodbujaš jih."

»Ne potite se med nastopom; Le poslušalcem bi moralo biti vroče.”

Danes se Straussa spominjamo predvsem v povezavi z njegovim delom Tako je govoril Zaratustra, uvod, ki ga je Stanley Kubrick uporabil v svojem filmu 2001: Vesoljska odiseja. Napisal pa je tudi nekaj najboljših nemških oper, med njimi - Der Rosenkavalier, Salome in Ariadna na Naksosu. Leto pred smrtjo je skladal tudi zelo lepe Štiri zadnje pesmi za glas in orkester. Na splošno to niso bile Straussove zadnje pesmi, ampak so postale nekakšen finale njegove ustvarjalne dejavnosti.

Med skladatelji, omenjenimi v tej knjigi, je bil doslej le en predstavnik Skandinavije - Edvard Grieg. Toda zdaj smo spet odpeljani v to surovo in hladno regijo - tokrat na Finsko, kjer sem rojen Jean Sibelius, velik glasbeni genij.

Sibeliusova glasba je absorbirala mite in legende njegove domovine. Njegovo največje delo Finska, velja za utelešenje finskega nacionalnega duha, tako kot so v Veliki Britaniji dela Elgarja priznana kot nacionalni zaklad. Še več, Sibelius je bil tako kot Mahler pravi mojster simfonij.

Kar zadeva druge skladateljeve strasti, je v vsakdanjem življenju pretirano rad pil in kadil, tako da je pri štiridesetih zbolel za rakom na grlu. Tudi denarja mu je pogosto primanjkovalo, država pa mu je zagotovila pokojnino, da je lahko brez skrbi za svojo finančno blaginjo še naprej pisal glasbo. Toda več kot dvajset let pred smrtjo je Sibelius sploh prenehal komponirati. Preostanek življenja je preživel v relativni samoti. Posebej oster je bil do tistih, ki so prejemali denar za ocene njegove glasbe:

»Ne oziraj se na to, kar pravijo kritiki. Doslej niti en kritik ni dobil kipa.”

Tudi zadnji na našem seznamu skladateljev romantike je živel skoraj do sredine 20. stoletja, čeprav je večino svojih najbolj znanih del napisal v 20. stoletju. Pa vendar velja za romantika in zdi se nam, da je najbolj romantičen skladatelj celotne skupine.

Sergej Vasiljevič Rahmaninov je bil rojen v plemiški družini, ki je bila do takrat že precej potrošena. Zanimanje za glasbo je pokazal že v zgodnjem otroštvu, zato so ga starši poslali študirat najprej v Sankt Peterburg in nato v Moskvo.

Rahmaninov je bil neverjetno nadarjen pianist, izkazal pa se je tudi za čudovitega skladatelja.

moje Klavirski koncert št. 1 je zapisal pri devetnajstih. Našel je čas za svojo prvo opero, Aleko.

Toda ta veliki glasbenik praviloma ni bil posebej zadovoljen z življenjem. Na mnogih fotografijah vidimo jeznega, namrščenega človeka. Drugi ruski skladatelj, Igor Stravinski, je nekoč pripomnil:

»Nesmrtno bistvo Rahmaninova je bila njegova mračnost. Bil je šest metrov in pol mrk ... bil je strašen človek.«

Ko je mladi Rahmaninov igral Čajkovskemu, je bil tako navdušen, da mu je dal petico s štirimi plusi – najvišjo oceno v vsej zgodovini moskovskega konservatorija. Kmalu je celotno mesto govorilo o mladem talentu.

Kljub temu je bila usoda do glasbenika dolgo časa neprijazna.

Kritiki so bili glede tega zelo ostri Simfonije št. 1, katerega premiera se je končala neuspešno. To je Rahmaninovu povzročilo težke čustvene izkušnje, izgubil je vero v svoje sposobnosti in sploh ni mogel sestaviti ničesar.

Na koncu mu je le pomoč izkušenega psihiatra Nikolaja Dahla omogočila izhod iz krize. Do leta 1901 je Rahmaninov dokončal klavirski koncert, na katerem je veliko let trdo delal in ga je posvetil dr. Dahlu. Občinstvo je tokrat z navdušenjem pozdravilo skladateljevo delo. Od takrat Klavirski koncert št. 2 je postala priljubljena klasika, ki jo izvajajo različne glasbene skupine po vsem svetu.

Rahmaninov je začel s turnejo po Evropi in ZDA. Po vrnitvi v Rusijo je dirigiral in skladal.

Po revoluciji leta 1917 je Rahmaninov z družino odšel na koncerte v Skandinavijo. Nikoli se ni vrnil domov. Namesto tega se je preselil v Švico, kjer je kupil hišo na obali Luzernskega jezera. Vedno je imel rad vodna telesa in zdaj, ko je postal precej bogat človek, si je lahko privoščil sprostitev na obali in občudoval odprto pokrajino.

Rahmaninov je bil odličen dirigent in je tistim, ki so se na tem področju želeli odlikovati, vedno svetoval naslednje:

»Dober sprevodnik mora biti dober voznik. Oba zahtevata enake lastnosti: koncentracijo, neprekinjeno intenzivno pozornost in prisebnost. Dirigent mora le malo poznati glasbo ...«

Leta 1935 se je Rahmaninov odločil, da se bo naselil v ZDA. Sprva je živel v New Yorku, nato pa se je preselil v Los Angeles. Tam je zase začel graditi novo hišo, popolnoma enako tisti, ki jo je pustil v Moskvi.

Turčin V S

Iz knjige Bretonci [Romantika morja (litri)] avtorja Gio Pierre-Roland

Iz knjige Kratka zgodovina glasbe. Najpopolnejši in najkrajši vodnik avtorja Henley Daren

Trije pododdelki romantike Ko listate po naši knjigi, boste opazili, da je to največje od vseh njenih poglavij, saj je omenjenih nič manj kot sedemintrideset skladateljev. Mnogi od njih so živeli in delali hkrati v različnih državah. Zato smo to poglavje razdelili na tri sklope: »Zgodnji

Iz knjige Življenje bo zbledelo, jaz pa bom ostal: Zbrano delo avtor Glinka Gleb Aleksandrovič

Zgodnji romantiki To so skladatelji, ki so postali nekakšen most med obdobjem klasike in obdobjem pozne romantike. Mnogi med njimi so delovali sočasno s »klasiki«, na njihovo delo pa sta močno vplivala Mozart in Beethoven. Obenem so jih mnogi prispevali

Iz knjige Ljubezen in Španci avtorja Upton Nina

POZNE PESMI NISO ZAJETE V ZBIRKI OBVANCE Ne vrnem se na nekdanja pota. Kar se je zgodilo, se ne bo zgodilo. Ne gre samo za Rusijo - Evropo začenjam pozabljati. Življenje je bilo zapravljeno ali skoraj vse. Rečem si: Kako sem se znašel v Ameriki, Zakaj in zakaj? - Ne

Iz knjige Za ogledalom 1910-1930 avtor Bondar-Tereščenko Igor

deseto poglavje. Romantični tujci in španski coplas Razstava španskih slik leta 1838 je očarala ves Pariz. Bila je pravo razodetje. Španija je postala modna. Romantiki so trepetali od veselja. Théophile Gautier, Prosper Mérimée, Alexandre Dumas (ki je dobil klofuto

Iz knjige K izvoru Rusije [Ljudje in jezik] avtor Trubačev Oleg Nikolajevič

Iz avtorjeve knjige

»Živa« zgodovina: od romantike do pragmatike Literarni znanstveniki pogosto poudarjajo svojo neodvisnost od literature in govorijo o tistih, ki jim za pisanje o ihtiologiji ni treba biti delavec. Nisem dober za to. Nisem sposoben za to, da sem sam riba, sem pisatelj in literarni učenjak,

Zweig je imel prav: tako čudovite generacije, kot so bili romantiki, Evropa ni videla od renesanse. Čudovite podobe sanjskega sveta, goli občutki in želja po vzvišeni duhovnosti - to so barve, ki slikajo glasbeno kulturo romantike.

Pojav romantike in njena estetika

Medtem ko je v Evropi potekala industrijska revolucija, so bili upi, polagani v veliko francosko revolucijo, v srcih Evropejcev sesuti. Kult razuma, ki ga je oznanjala doba razsvetljenstva, je bil strmoglavljen. Kult čustev in naravnega principa v človeku se je povzpel na piedestal.

Tako se je pojavila romantika. V glasbeni kulturi je obstajal nekaj več kot stoletje (1800-1910), na sorodnih področjih (slikarstvo in literatura) pa se mu je rok iztekel pol stoletja prej. Morda je za to »kriva« glasba - ravno glasba je bila pri romantikih v vrhu med umetnostmi kot najbolj spiritualna in najbolj svobodna umetnost.

Vendar pa romantiki, za razliko od predstavnikov antike in klasicizma, niso zgradili hierarhije umetnosti z jasno delitvijo na vrste in. Romantični sistem je bil univerzalen; umetnosti so se lahko prosto spreminjale druga v drugo. Ideja o sintezi umetnosti je bila ena ključnih v glasbeni kulturi romantike.

To razmerje je zadevalo tudi kategorije estetike: lepo je bilo združeno z grdim, visoko z nizkim, tragično s komičnim. Takšne prehode je povezovala romantična ironija, ki je odražala tudi univerzalno sliko sveta.

Vse, kar je bilo povezano z lepoto, je med romantiki dobilo nov pomen. Narava je postala predmet čaščenja, umetnik je bil malikovan kot najvišji izmed smrtnikov, čustva so bila povzdignjena nad razum.

Brezduhovni resničnosti so postavili nasproti sanje, lepe, a nedosegljive. Romantik je s pomočjo svoje domišljije zgradil svoj novi svet, drugačen od drugih realnosti.

Katere teme so izbrali romantični umetniki?

Interesi romantikov so se jasno kazali v izbiri tem, ki so jih izbrali v umetnosti.

Tema osamljenosti. Podcenjen genij ali osamljena oseba v družbi - to so bile glavne teme skladateljev te dobe ("Ljubezen pesnika" Schumanna, "Brez sonca" Musorgskega).
Tema "lirične izpovedi". V mnogih opusih romantičnih skladateljev je pridih avtobiografizma (»Karneval« Schumanna, »Fantastična simfonija« Berlioza).
Tema ljubezni. V bistvu je to tema neuslišane ali tragične ljubezni, vendar ne nujno (»Ljubezen in življenje ženske« Schumanna, »Romeo in Julija« Čajkovskega).
Tema poti. Imenuje se tudi tema potepanj. Romantična duša, ki so jo razdirala nasprotja, je iskala svojo pot (»Harold v Italiji« Berlioza, »Leta potepanja« Liszta).
Tema smrti. V bistvu je šlo za duhovno smrt (Šesta simfonija Čajkovskega, Schubertova Zimska pot).
Tema narave. Narava v očeh romantike in zaščitniške matere, empatične prijateljice in kaznovajoče usode (»Hebridi« Mendelssohna, »V Srednji Aziji« Borodina). S to temo je povezan tudi kult domače zemlje (poloneze in Chopinove balade).
Fantastična tema. Imaginarni svet za romantike je bil veliko bogatejši od resničnega ("Čarobni strelec" Webra, "Sadko" Rimskega-Korsakova).

Glasbeni žanri obdobja romantike

Glasbena kultura romantike je dala zagon razvoju zvrsti komornih vokalnih besedil: balada("Gozdni kralj" Schuberta), pesem("Maid of the Lake" Schuberta) in pesmi, pogosto združeni v ciklov(Schumannove "mirte").

Romantična opera ni odlikovala le fantastičnost zapleta, temveč tudi močna povezava med besedo, glasbo in odrskim dogajanjem. Opera se simfonizira. Dovolj je, da se spomnimo Wagnerjevega Nibelungovega prstana z razvito mrežo leitmotivov.

Med instrumentalne zvrsti romance spadajo klavirska miniatura. Za prenos ene slike ali trenutnega razpoloženja jim zadostuje kratka igra. Kljub obsegu predstava kipi od izraza. Lahko bi bila "pesem brez besed" (kot Mendelssohn) mazurka, valček, nokturno ali skladbe s programskimi naslovi (»Hit« Schumanna).

Tako kot pesmi so tudi igre včasih združene v cikle (»Metulji« Schumanna). Hkrati so deli cikla, močno kontrastni, zaradi glasbenih povezav vedno tvorili eno samo kompozicijo.

Romantiki so oboževali programsko glasbo, ki jo je povezovala z literaturo, slikarstvom ali drugimi umetnostmi. Zato je bil zaplet v njihovih delih pogosto nadzorovan. Pojavile so se enostavčne sonate (Lisztova sonata v h-molu), enostavčni koncerti (Lisztov Prvi klavirski koncert) in simfonične pesmi (Lisztovi Preludiji) ter petstavčna simfonija (Berliozova Fantastična simfonija).

Glasbeni jezik romantičnih skladateljev

Sinteza umetnosti, ki so jo poveličevali romantiki, je vplivala na glasbena izrazna sredstva. Melodija je postala bolj individualna, občutljiva na poetiko besede, spremljava pa ni več nevtralna in tipična tekstura.

Harmonija je bila obogatena z barvami brez primere, da bi pripovedovala o doživetjih romantičnega junaka. Tako so romantične intonacije otopelosti odlično posredovale spremenjene harmonije, ki so povečale napetost. Romantikom so bili všeč učinek chiaroscura, ko je dur zamenjal istoimenski mol, in akordi stranskih stopnic ter lepe primerjave tonalitet. Nove učinke so odkrili tudi v glasbi, zlasti ko je bilo treba v glasbo prenesti ljudski duh ali fantastične podobe.

Na splošno je melodija romantikov stremela k kontinuiteti razvoja, zavračala vsakršno samodejno ponavljanje, se izogibala pravilnosti poudarkov in vsakemu svojemu motivu vdahnila ekspresivnost. In tekstura je postala tako pomemben člen, da je njena vloga primerljiva z vlogo melodije.

Poslušajte, kakšno čudovito mazurko ima Chopin!

Namesto zaključka

Glasbena kultura romantike je na prehodu iz 19. v 20. stoletje doživljala prve znake krize. »Svobodna« glasbena oblika je začela razpadati, harmonija je prevladala nad melodijo, vzvišeni občutki romantične duše so se umaknili bolečemu strahu in nizkotnim strastem.

Ti destruktivni trendi so pripeljali do konca romantike in odprli pot modernizmu. Toda romantika je kot gibanje prenehala živeti tako v glasbi 20. stoletja kot v glasbi sedanjega stoletja v svojih različnih sestavinah. Blok je imel prav, ko je rekel, da se romantika pojavlja »v vseh obdobjih človeškega življenja«.