Zgodovina simfonije. Rojstvo jazza v ZSSR Photo ira polar

Že tradicionalno ob sobotah za vas objavljamo odgovore na kviz v formatu “Vprašanje - odgovor”. Imamo različna vprašanja, tako preprosta kot precej zapletena. Kviz je zelo zanimiv in zelo popularen, le pomagamo vam preveriti svoje znanje in se prepričati, da ste izbrali pravilna možnost odgovor, od štirih predlaganih. In v kvizu imamo še eno vprašanje - Kako je bil prvi drugačen? simfonični ansambel, ustanovljen v Moskvi leta 1922?

• glasbeniki so igrali stoje
• igrali brez not
• dirigenta ni bilo
• glasbeniki so bili samouki

Pravilni odgovor C. Dirigenta ni bilo

Persimfans (Prvi simfonični ansambel) - orkester brez dirigenta - je bil organiziran v Moskvi leta 1922 in je postal eden najimenitnejših pojavov. kulturno življenje V Sovjetska Rusija. Ansambel je imel več kot sedemdeset koncertov na sezono; Ne da bi nastopili niti enkrat zunaj Moskve, so Persimfans pridobili svetovno slavo kot ena najboljših simfoničnih skupin tistega časa. Po njegovi podobi so bili orkestri brez dirigenta organizirani ne samo v ZSSR, ampak tudi v tujini - v ZDA in Nemčiji.

Leta 2008 je Persimfans po več desetletjih prisilnega premora ponovno oživel na pobudo Petra Aiduja. Pod okriljem Persimfans potekajo kulturne raziskave, organizirane razstave in gledališke predstave. Persimfans je danes univerzalni umetniški kompleks.

Beseda "simfonija" z grški jezik preveden kot "sozvočje". Zvok mnogih inštrumentov v orkestru lahko imenujemo glasba le, če so uglašeni in ne proizvajajo zvokov vsak zase.

IN Stara Grčija To je bilo ime za prijetno kombinacijo zvokov, ki pojejo skupaj v en glas. IN Stari Rim Tako se je ansambel oziroma orkester začel imenovati. V srednjem veku se je imenovala simfonija posvetna glasba na splošno in nekatera glasbila.

Beseda ima še druge pomene, vendar vsi nosijo pomen povezanosti, vpletenosti, harmonične kombinacije; na primer, simfonijo imenujemo tudi simfonija, nastala v Bizantinsko cesarstvo načelo razmerja med cerkveno in posvetno oblastjo.

Toda danes bomo govorili samo o glasbeni simfoniji.

Različice simfonije

Klasična simfonija- To je glasbeno delo v sonatni ciklični obliki, namenjeno izvedbi s simfoničnim orkestrom.

Simfonija (poleg simfoničnega orkestra) lahko vključuje zbor in vokale. Obstajajo simfonije-suite, simfonije-rapsodije, simfonije-fantazije, simfonije-balade, simfonije-legende, simfonije-pesnitve, simfonije-rekviemi, simfonije-baleti, simfonije-drame in gledališke simfonije kot zvrst opere.

IN klasična simfonija običajno 4 deli:

prvi del - v hiter tempo(allegro ) , v sonatni obliki;

drugi del - v v počasnem tempu, navadno v obliki variacij, rondo, rondo sonata, kompleksen tristavk, redkeje v obliki sonate;

tretji del - scherzo ali menuet- v triglasni obliki da capo s triom (to je po shemi A-trio-A);

četrti del - v hiter tempo, v sonatni obliki, v rondo ali rondo sonatni obliki.

Obstajajo pa simfonije z manj (ali več) deli. Obstajajo tudi enostavčne simfonije.

Program Simfonija je simfonija z določeno vsebino, ki je določena v programu ali izražena v naslovu. Če ima simfonija naslov, potem je ta naslov minimalni program, na primer »Symphony Fantastique« G. Berlioza.

Iz zgodovine simfonije

Šteje se za tvorca klasične oblike simfonije in orkestracije Haydn.

In prototip simfonije je Italijan uvertura(instrumentalna orkestralna skladba, ki se izvaja pred začetkom katerekoli predstave: opere, baleta), ki se je razvila ob koncu 17. st. K razvoju simfonije so pomembno prispevali Mozart in Beethoven. te trije skladatelji imenovani "dunajski klasiki". dunajske klasike ustvaril visoko vrsto instrumentalne glasbe, v kateri je vse bogastvo figurativne vsebine utelešeno v popolnosti oblika umetnosti. S tem časom je sovpadal tudi proces nastajanja simfoničnega orkestra - njegove stalne sestave in orkestrskih skupin.

V.A. Mozart

Mozart pisal v vseh oblikah in žanrih, ki so obstajali v njegovi dobi, poseben pomen dal operi, ampak velika pozornost Posvečal se je tudi simfonični glasbi. Ker je vse življenje vzporedno delal na operah in simfonijah, je instrumentalna glasba Odlikujeta jo spevnost operne arije in dramski konflikt. Mozart je ustvaril več kot 50 simfonij. Trije najbolj priljubljeni so bili najnovejše simfonije- št. 39, št. 40 in št. 41 (»Jupiter«).

K. Schlosser "Beethoven pri delu"

Beethoven ustvaril 9 simfonij, vendar v smislu razv simfonična oblika in orkestracije, ga lahko imenujemo največji simfonični skladatelj klasičnega obdobja. V njegovi Deveti simfoniji, najbolj znani, so vsi njeni deli združeni v celoto s prečno temo. V to simfonijo je Beethoven uvedel vokalne dele, nato pa so to počeli drugi skladatelji. V obliki simfonije je povedal novo besedo R. Schumanna.

Toda že v drugi polovici 19. st. so se začele spreminjati stroge oblike simfonije. Štiridelni sistem je postal neobvezen: pojavil se je enodelni simfonija (Mjaskovski, Boris Čajkovski), simfonija iz 11 delov(Šostakovič) in celo iz 24 delov(Hovaness). Klasični finale v hitrem tempu je izpodrinil počasen finale (Šesta simfonija P. I. Čajkovskega, Tretja in Deveta Mahlerjeva simfonija).

Avtorji simfonij so bili F. Schubert, F. Mendelssohn, J. Brahms, A. Dvorak, A. Bruckner, G. Mahler, Jean Sibelius, A. Webern, A. Rubinstein, P. Čajkovski, A. Borodin, N. Rimski-Korsakov, N. Myaskovsky, A. Skrjabin, S. Prokofjev, D. Šostakovič in drugi.

Njena kompozicija se je, kot smo že rekli, oblikovala v dobi dunajske klasike.

Osnova simfoničnega orkestra so štiri skupine instrumentov: godala(violine, viole, violončela, kontrabasi), pihala(flavta, oboa, klarinet, fagot, saksofon z vsemi njihovimi različicami - starodavna blok flavta, šal, chalumeau itd., pa tudi št. ljudska glasbila– balaban, duduk, žalejka, piščal, zurna), medenina(rog, trobenta, kornet, fligorna, pozavna, tuba), bobni(timpani, ksilofon, vibrafon, zvonovi, bobni, trikotnik, činele, tamburin, kastanjete, tom-tom in drugi).

Včasih so v orkester vključeni tudi drugi instrumenti: harfa, klavir, organ(tipkovnica in pihala glasbilo, največja vrsta glasbila), celesta(majhno tolkalsko glasbilo s tipkami, ki izgleda kot klavir in zveni kot zvonovi), čembalo.

Čembalo

Velik simfonični orkester lahko vključuje do 110 glasbenikov , majhen– ne več kot 50.

Dirigent se odloči, kako bo orkester posadil. Razporeditev izvajalcev v sodobnem simfoničnem orkestru je usmerjena v doseganje koherentne zvočnosti. V 50-70 letih. XX stoletje postala razširjena "Ameriški sedeži": prva in druga violina sta postavljeni levo od dirigenta; na desni sta violi in violončelu; v globinah so pihala in trobila, kontrabasi; na levi so bobni.

Sedežni red glasbenikov simfoničnega orkestra

Persimfans je prvi simfonični ansambel moskovskega mestnega sveta, simfonični orkester brez dirigenta. Častna reprezentanca republike (1927).

Organiziran leta 1922 na pobudo profesorja Moskovskega konservatorija L. M. Tseitlina. Persimfans - prvi v zgodovini glasbena umetnost simfonični orkester brez dirigenta. Persimfans vključuje najboljše umetniške sile orkestra Bolšoj teater, progresivni del profesorjev in študentov orkestrskega oddelka Moskovskega konservatorija. Delo Persimanov je vodil umetniški svet, ki je bil izvoljen izmed svojih članov.

Dejavnost orkestra je temeljila na posodabljanju metod simfoničnega izvajanja, ki temelji na ustvarjalni dejavnosti članov ansambla. Inovativna je bila tudi uporaba komorno-ansambelske metode vadbenega dela (najprej v skupinah, nato pa s celim orkestrom). V svobodnih ustvarjalnih razpravah udeležencev Persimfansa so se oblikovale skupne estetske smernice, dotaknila se je vprašanj glasbene interpretacije, razvoja tehnike igranja inštrumentov in ansambelskega nastopanja. Imelo je velik vpliv o razvoju vodilnih moskovskih šol igranja na lok in pihala, prispeval k dvigu ravni orkestralne igre.

Tedenski abonmajski koncerti Persimfans (od 1925) z raznolikim programom (vključno z odlično mesto dodeljena novim izdelkom moderna glasba), v kateri so bili solisti največji tuji in Sovjetski umetniki(J. Szigeti, K. Zecchi, V. S. Horowitz, S. S. Prokofjev, A. B. Goldenweiser, K. N. Igumnov, G. G. Neuhaus, M. V. Yudina, V. V. Sofronitsky, M. B. Polyakin, A. V. Nezhdanova, N. A. Obukhova, V. V. Barsova itd.), postal pomemben sestavni del glasbenega in kulturnega življenja v Moskvi. Persimfans so nastopali v večjih koncertnih dvoranah, koncertirali tudi v delavskih klubih in kulturnih domovih, tovarnah in tovarnah ter se odpravili na turnejo po drugih mestih Sovjetske zveze.

Po vzoru Persimfansa so bili organizirani orkestri brez dirigenta v Leningradu, Kijevu, Harkovu, Voronežu, Tbilisiju; podobni orkestri so nastali v nekaterih tujih držav(Nemčija, ZDA).

Persimfans so imeli vidno vlogo pri uvajanju široki krogi poslušalci zakladov sveta glasbena kultura. Kljub temu se ideja o orkestru brez dirigenta ni obrestovala. Leta 1932 je Persimfans prenehal obstajati. Tudi drugi orkestri brez dirigenta, ustvarjeni po njegovem vzoru, so se izkazali za kratkotrajne.

V letih 1926-29 je v Moskvi izhajala revija Persimfans.

Literatura: Zukker A., ​​​​Pet let Persimfans, M., 1927.

I. M. Yampolsky

Torej, danes vam bomo povedali o rojstvu jazza v ZSSR.

Zanimanje za jazz glasbeno vodenje, je nastala v porevolucionarnih letih. Eden prvih, ki je bil pozoren na ta slog glasbe, je bil pesnik Valentin Parnakh. On je bil tisti, ki je napisal prve eseje o temah jazza in pritegnil pozornost Sovjetska javnost. Leta 1922 se je v prestolnici pojavil prvi jazzovski ansambel ali, kot so takrat rekli, "jazz band". Prvenec ansambla je potekal v eni od slavnih dvoran gledališke umetnosti. Koncert je bil oktobra 1922 in je doživel velik uspeh.

Dve osebi sta odigrali veliko vlogo pri razvoju jazza: Moskovčan Leonid Varpakhovski in prebivalec Harkova Julius Meitus. Ti ljudje so ustanovili prve jazzovske zasedbe. Za Sovjetsko republiko je bila ta zvrst glasbe novost in ni imela ustaljenih tradicij in pravil. Repertoar jazzovskih skupin tistega časa ni imel posebnega značaja, saj je bila glavna referenčna točka za glasbenike glasba ameriških ansamblov Franka Withersa in Sama Woodinga, ki sta v dvajsetih letih 20. stoletja gostovala po Evropi. Nova smer je povzročila burno razpravo in vzbudila zanimanje sovjetske javnosti.

Naslednja faza v razvoju jazza je bila ustanovitev orkestra, ki ga je leta 1927 v Moskvi vodil Aleksander Tsfasman. Odgovor na prestolnico je bil leningrajski orkester pod vodstvom Leopolda Teplitskega, ki je nastopil istočasno. Mojstrstvo domači izvajalci jazz vztrajno raste. Jedro repertoarja ansamblov sestavljajo tuje igre in transkripcije klasičnih jazzovskih del ter bluesa in gospela. Ljudski komisariat za izobraževanje se je odločil poslati Teplitskega v Filadelfijo, da bi se naučil izkušenj z ustvarjanjem glasbe za neme filme, ki so bili takrat priljubljeni. Po obisku New Yorka je bil vodja sovjetske skupine preprosto očaran nad delom Paula Whitemana in njegovega orkestra, ki je kasneje postal znan kot "simfonični jazz".

K razvoju domačega jazza je pomembno prispeval orkester Leningrad Jazz Chapel, ki sta ga leta 1929 v Leningradu ustvarila Georgy Landsberg in Boris Krupyshev. Velik preboj je bil pojav začetniških iger v repertoarju skupine Sovjetski avtorji: Aleksej Životov, Nikolaj Minha, pa tudi Genrik Terpilovski in drugi, skupaj z znanimi tujimi igrami. Za njihov slog je bila značilna akademska naravnanost. V šestih letih svojega obstoja je Jazz Capella imela velik vpliv okrepiti položaj jazza v državi Sovjetov.

Meja med hrupom in glasbo je subjektivna: ljudje, ki imajo radi klasično glasbo, imenujejo pop glasbo hrup, in obratno - tisti, ki imajo radi lahka glasba, dojemajo akademska dela kot nerazumljiv hrup.

Če si predstavljamo obe vrsti zvokov na ravnini, potem bo glasbeni zvok, ton, videti kot strogo periodično nihanje, hrup pa kaotičen. V naravi hrup in zvok sobivata drug z drugim; le človek jih razvršča.

Bližje k 19. stoletje, v dobi romantike se zvoki hrupa začnejo uvajati v evropsko klasično glasbo kot glasbene barve. Na začetku 20. stoletja, ko je obstoječi glasbeni jezik zašel v slepo ulico, so inovativni umetniki v hrupu videli priložnost za komunikacijo z zunanjim svetom za sodobni človek. V ruskem futurizmu so se pojavile ideje o uvajanju glasbe na eni strani v proizvodnjo (tako, da bi spodbudno vplivala na delavce), na drugi pa strojev v glasbo (ustvarjanje npr. simfonij na podlagi zvoki tovarn). Od sredine dvajsetih let prejšnjega stoletja so tudi med šolarji in pionirji postali zelo priljubljeni hrupni orkestri, kjer se sliši celotno okoliško življenje.

V zgodnjih tridesetih letih prejšnjega stoletja, s pojavom zvočnega filma, so se v kinu pojavili eksperimenti s hrupom. Hkrati se na Zahodu pojavlja eksperimentalna glasba, povezana predvsem z imeni Johna Cagea, Pierra Schaefferja, Edgarda Varèseja, ki veliko reflektira na temo hrupa. Z nadaljevanjem po vojni v Meki modernih avantgardnih umetnikov - Darmstadtu v Nemčiji, so ti eksperimenti pripeljali celo do nekakšnega tabuja tradicionalnih (v vsakdanjem smislu) glasbenih zvokov: iz inštrumentov so začeli izvabljati kakršne koli zvoke, razen dejanskih. glasbene. Tako gibanje loka po tetivi nadomestimo z gibanjem loka po tetivi ali pa sam lok nadomesti kos penaste plastike; uporabljajo se različni deli orodja za ekstrakcijo različne vrste hrup in tako naprej.

Razlika med inštrumenti in neinštrumenti je začela izginjati in ves svet je postal nekakšen inštrument. Za glasbenika je vsak zvok (tudi hrup) preprosto postal sredstvo izražanja. 

Povzetek

Srečujemo se s številnimi stereotipnimi predstavami o klasični glasbi.

Mit št. 1: Klasika je vrhunec glasbe. Po tem mitu je evropska klasična glasba vrhunec evolucije glasbene umetnosti. Dejansko obstaja poleg evropske vzporedno še nekaj velikih klasičnih glasbenih tradicij: iranska, arabska, kitajska klasika, ki se že dolgo niso spremenile.

Mit št. 2: Klasika se posname enkrat za vselej. Zdi se, da obstoj notnega zapisa pomeni, da je glasba dokončno fiksirana in jo je mogoče kadar koli zlahka reproducirati. Notni zapis namreč daje le pogojna navodila in šele s temeljitim razumevanjem številnih drugih okoliščin glasbenega ustvarjanja jo lahko glasbenik ustrezno poustvari. Zato poslušalci klasične glasbe Ne hodijo poslušat dela samega, ampak njegovo interpretacijo. Sicer ne bi bilo razlike med šolarjem in priznanim maestrom.

Mit št. 3: klasiko je treba poslušati v koncertni dvorani. Ta tradicija je stara komaj kakih dvesto let, a že umira. Ko je bila dejansko živa, so večino glasbe vrteli ljudje sami zase. Kasneje so ljubitelji glasbe začeli ustanavljati društva, najemati orkestre in graditi koncertne dvorane. Tako so se pojavile filharmonije  Filharmonija- (iz grškega phileo - "ljubezen" in harmonia - "harmonija, glasba")..

Mit št. 4: Klasiko je težko razumeti. Delitev glasbe na »resno« in »lahko« je do sredine 20. stoletja privedla do ideje, da akademska glasba ne more biti lahkomiselna in da mora biti poslušalec razpoložen za poslušanje nečesa vzvišenega. Pravzaprav so v akademski glasbi tudi neresne stvari.

Mit št. 5: Za poslušanje klasične glasbe potrebujete posebne veščine. Razume se, da izvajalci ne dovolijo niti ene lažne note, poslušalci pa jih morajo imeti absolutni korak. Pravzaprav je absolutna višina le vrsta spomina, sposobnost zapomniti si višino zvokov. Druga sorta glasbeno uho- relativni sluh, ko se oseba spomni intervalov med notami; je preprosto veščina, ki se razvije s prakso.

Mit št. 6: Vse klasike so mojstrovine velikih skladateljev. V resnici se zgodi, da mojstrovina sploh ne pripada velikemu skladatelju, delo velikega skladatelja pa je, nasprotno, precej šibko. Skladateljem, ki so postali veliki, se navadno pripisuje vse, kar je najbolj izstopajoče in inovativno. Bachu na primer pripisujejo izum in uvedbo tako imenovane enake temperamentnosti in sodobnega prstnega instrumenta. tipkovnice. V resnici ni tako in Bach je v svojem času veljal za staromodnega skladatelja. Če se v glasbi omejimo le na mojstrovine, potem ne bo mogoče razumeti, v čem se mojstrovina razlikuje od ne-mojstrovine in zakaj je mojstrovina. Preprost sodoben poslušalec verjetno ne bo ločil Mozarta od Salierija. 

Povzetek

Ideja o rekonstrukciji pozabljene glasbe in pozabljene kulture nasploh je modernistična ideja. IN XVI-XVII stoletja stare glasbe ni bilo. Tako je imela opera običajno več izvedb, potem pa je bila napisana nova. Res je, če se poglobite v dokumente preteklosti, lahko najdete znake, da so nekateri glasbeniki mislili, da je mogoče igrati glasbo, ki je bila napisana prej, na glasbila, ki so sodobna tem delom. Na splošno pa se je zgodovina odkrivanja stare glasbe začela leta 1901, ko je bilo ustanovljeno prvo koncertno Društvo za stare glasbene instrumente.

V 20. stoletju je bila celo moda za ponaredke baročne glasbe. Ta glasba se je razkrivala postopoma. Tako je Vivaldi postal slaven
v 20-ih letih XX stoletja.

V šestdesetih letih prejšnjega stoletja se je začelo razvijati gibanje avtentičnega izvajanja: njegovi voditelji - Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt, brata Kuyken - so postavili tezo, da je treba glasbo izvajati na inštrumentih, za katere je napisana, in v skladu s pravili tiste dobe, ko je nastala glasba. Začeli so preučevati teoretična dela, razprave, avtorjeve rokopise z značilne lastnosti zapisi. In tako vzameš besedilo, vzameš inštrument, na katerega je recimo igral Mozart, in skladateljev jezik začne oživeti: inštrument sam narekuje, kako izgovoriti Mozartovo besedilo.

Postopoma se pristno gibanje razširi na skoraj vso glasbo, ne toliko na staro glasbo, ampak tudi na klasično glasbo: Beethoven, Čajkovski, Mahler. Da ne bi porušili notranjega ravnovesja glasbe, so jo začeli izvajati v takšnih skladbah in na inštrumentih, za katere je bila ustvarjena, ter tako tradicionalnemu simfoničnemu orkestru postopoma jemala repertoar. 

Povzetek

Zdi se, da mora imeti orkester dirigenta, tako kot mora imeti avto voznika. Vendar se je dirigent v orkestru pojavil šele v 19. stoletju. Lahko štejemo, da se je šele z Beethovnovo simfonično glasbo začela doba dirigiranja kot samostojnega poklica.

Seveda je bil v vsakem ansamblu vedno en vodja ali več (običajno prvi violinist ali čembalist) in zaenkrat ni bilo potrebe po ločenem stoječi človek, oborožen z neslišnim instrumentom v obliki palice. Toda postopoma so orkestri začeli rasti - število udeležencev koncertov se je začelo šteti v stotinah. Hkrati se je v dobi romantike pojavil kult junaka, ki se dviga nad množico. Tako je figura, ki ji je bila prvotno dodeljena tehnična vloga, dobila izključno pravico do interpretacije. Na splošno je vsa simfonična glasba romantike urejena tako, da se ta oblika muziciranja izkaže za priročno in logično.

Še vedno pa je mogoč simfonični orkester brez dirigenta. To je bil prvi simfonični ansambel ali Persimfans. Ustanovljena je bila v Moskvi leta 1922 in je obstajala več kot deset let. Avtor ideje je bil Lev Moiseevich Tseitlin, izjemen violinist, pod njegovim vodstvom so se zbrali glasbeniki iz različnih orkestrov in gledališč, ki so imeli svoj prvi koncert.

Persimfans so razvili sistem, kako lahko skupina brez vodje skupaj odigra partituro: najprej, poseben načinČlani orkestra sedijo na odru v krogu, deloma s hrbtom obrnjeni proti gledalcu. Drugič, simboli, ki so bile označene v točkah ključna mesta. Že na prvem koncertu je bilo šestnajst vaj, potem pa, ko se je način dela izboljševal, je bilo vaj vedno manj in postopoma jih je bilo za vsak program okoli šest.

Persimfans prinesel ven simfonična glasba izven filharmoničnih prizorišč in jo izvajal na primer v delavnicah tovarn – šlo je za inovativno idejo v duhu tistega časa. Delal je po principu komorni ansambel: vsi udeleženci v procesu so imeli enake pravice, čeprav je bil za izbor dela, predhodni študij partiture in razvoj koncepta predstave odgovoren aktiv.

Persimfans je izdal lastno revijo s podrobnostmi o izvajana glasba, razdeljeval vprašalnike, v katerih je spraševal po mnenju gledalcev – bila je celota glasbena organizacija s svojo filozofijo in slogom. Leta 1927 je Persimfans pripeljal do Sovjetska zveza Prokofjev. Lunacharsky je ansamblu podelil naziv častni ansambel republike, vlada pa je dodelila denarno nagrado - prvo in zadnjo podporo države.

Leta 1929, ko je bil Lunačarski odstavljen, so strankarski pokrovitelji ansambla drug za drugim začeli izgubljati položaje: izkazalo se je, da so se člani partije, ki so bili naklonjeni Persimfanom, izkazali za nasprotnike Stalina glede zemljiškega vprašanja. Leta 1930 so bili vsi ti ljudje odstavljeni iz vodstva, nato so se začela znamenita sojenja in postalo je jasno, da konec Persimfansa ni daleč.

Poleg tega so delovni pogoji glasbenikov na njihovih glavnih mestih postopoma postali takšni, da preprosto niso imeli časa za vaje in so se sčasoma odločili, da se razidejo.

Leta 2008 so se dejavnosti Persimfansa nadaljevale v Moskvi.