Umetniška kultura Evrope v 19. stoletju. Tuji umetniki 19. stoletja: najvidnejše osebnosti upodabljajoče umetnosti in njihova dediščina Poročilo o delu evropskih umetnikov 19. stoletja

17.3 Evropsko slikarstvo 19. stoletja.

17.3.1 Francosko slikarstvo . Prvi dve desetletji 19. stol. v zgodovini francoskega slikarstva označeni kot revolucionarni klasicizem. Njegov izjemen predstavnik je bil J.L. David (1748– 1825), katerih glavna dela je ustvaril v 18. stoletju. Dela 19. stoletja. - to je delo z Napoleonov dvorni slikar– “Napoleon na prelazu Saint Bernard”, “Kronanje”, “Leonidas pri Termopilah”. David je tudi avtor čudovitih portretov, kot je portret Madame Recamier. Ustvaril je veliko šolo učencev in vnaprej določil lastnosti umetniški iz sloga Empire.

Davidov učenec je bil J. O. Ingres (1780– 1867), ki je klasicizem spremenil v akademsko umetnost in ga dolga leta nasprotoval za romantike. Ingres - avtor resničnega akutna portreti (»L. F. Bertin«, »Madame Rivière« itd.) in slike v slogu akademski klasicizem (»Apoteoza Homerja«, »Jupiter in Temida«).

Romantika francoskega slikarstva prve polovice 19. stoletja– to so slike T. Gericaulta (1791 – 1824) (»Splav Meduze« in »Epsomski derbi itd.«) in E. Delacroix (1798 – 1863), avtor znamenite slike “Svoboda vodi ljudstvo”.

Realistično smer v slikarstvu prve polovice stoletja predstavljajo dela G. Courbeta (1819).– 1877), avtor izraza "realizem" in slik "Drobilec kamna" in "Pogreb v Ornansu", pa tudi del J. F. Millet (1814 – 1875), pisec kmečkega vsakdanjega življenja in (»Nabiralci«, »Mož z motiko«, »Sejalec«).

Pomemben pojav evropske kulture v drugi polovici 19. stoletja. Obstajal je umetniški slog, imenovan impresionizem, ki se je razširil ne le v slikarstvu, ampak tudi v glasbi in leposlovju. In vendar je nastala v slikarstvu.

V začasnih umetnostih se dogajanje odvija v času. Zdi se, da slika lahko ujame le en sam trenutek v času. Za razliko od kina ima vedno en "frame". Kako lahko prenaša gibanje? Eden od teh poskusov ujeti realni svet v njegovi mobilnosti in spremenljivosti je bil poskus ustvarjalcev slikarskega gibanja, imenovanega impresionizem (iz francoskega vtisa). To gibanje je združevalo različne umetnike, od katerih lahko vsakega označimo na naslednji način. Impresionist je umetnik, ki posreduje svoje neposredno vtis narave, v njej vidi lepoto spremenljivosti in nestalnosti, v ustvarja vizualni občutek močne sončne svetlobe, igre barvnih senc, z uporabo palete čistih nemešanih barv, iz katerih sta črni in sivi odstranjeni.

V slikah impresionistov, kot sta C. Monet (1840-1926) in O. Renoir (1841-1919), v zgodnjih 70. letih XIX. pojavi se zračna snov, ki nima samo določene gostote, ki zapolnjuje prostor, ampak tudi mobilnost. Sončna svetloba curlja in para se dviga iz vlažne zemlje. Voda, taljenje snega, zorana zemlja, zibajoča se trava na travnikih nimajo jasnih, zmrznjenih obrisov. Gibanje, ki je bilo prej vneseno v krajino kot podoba gibljivih figur, kot posledica delovanja naravnih sil– veter, ki poganja oblake, guga drevesa, zdaj zamenja mir. Toda ta mir nežive snovi je ena od oblik njenega gibanja, ki ga prenaša sama tekstura slike - dinamične poteze različnih barv, ki jih ne omejuje toge linije risbe.

Novi stil slikanja ni bil takoj sprejet v javnosti, ki je umetnike obtoževala, da ne znajo risati in mečejo barve, postrgane s palete, na platno. Tako so se Monetove rožnate rouenske katedrale zdele neverjetne tako gledalcem kot kolegom umetnikom.– najboljše iz umetnikovega slikarskega cikla (»Jutro«, »S prvimi sončnimi žarki«, »Opoldan«). Umetnik ni poskušali predstaviti katedralo na platnu ob različnih urah dneva– tekmoval je z mojstri gotike, da bi gledalca posrkal v kontemplacijo magičnih svetlobnih in barvnih učinkov. Pročelje katedrale v Rouenu, tako kot večina gotskih katedral, skriva mističen spektakel ljudi, ki oživljajo. x od sončne svetlobe svetlih barvnih vitražov v notranjosti. Osvetlitev znotraj katedral se spreminja glede na to, s katere strani sije sonce, oblačno ali jasno vreme. Sončni žarki, ki prodirajo skozi intenzivno modro in rdečo barvo vitraža, so barvni in padajo v barvnih poudarkih na tla.

Beseda "impresionizem" se je pojavila zaradi ene od Monetovih slik. Ta slika je bila resnično ekstremen izraz inovativnosti nastajajoče slikarske metode in se je imenovala "Sončni vzhod v Le Havru". Sestavljalec kataloga slik za eno od razstav je predlagal, naj umetnik to poimenuje drugače, in Monet, ki je prečrtal "v Le Havru", je dal "vtis". In nekaj let po nastanku njegovih del so zapisali, da Monet »razkriva življenje, ki ga nihče pred njim ni mogel dojeti, za katerega nihče niti ni vedel«. V Monetovih slikah so začeli zaznavati moteč duh rojstva nove dobe. Tako se je v njegovem delu pojavil »serializem« kot nov pojav slikarstva. In osredotočila se je na problem časa. Umetnikova slika, kot je bilo omenjeno, iz življenja iztrga en "okvir" z vso njegovo nepopolnostjo in nepopolnostjo. In to je spodbudilo razvoj serije, ki se zaporedno nadomešča. Poleg "Rouenskih katedral" Monet ustvari serijo "Gare Saint-Lazare", v kateri so slike med seboj povezane in se dopolnjujejo. Vendar pa je bilo nemogoče združiti "okvirje" življenja v en sam trak vtisov v slikarstvu. To je postala naloga kinematografije. Zgodovinarji filma menijo, da razlog za njegov nastanek in široko razširjenost niso le tehnična odkritja, ampak tudi nujna umetniška potreba po gibljivi sliki. In slike impresionistov, zlasti Moneta, so postale simptom te potrebe. Znano je, da je bil eden od zapletov prve kinematografske predstave v zgodovini, ki sta jo leta 1895 organizirala brata Lumière, "Prihod vlaka". Parne lokomotive, postaja in tirnice so bile predmet serije sedmih Monetovih slik "Gare Saint-Lazare", ki so bile razstavljene leta 1877.

Izjemen impresionistični umetnik je bil O. Renoir. Na njegova dela (»Rože«, »Mladenič na sprehodu s psi v gozdu Fontainebleau«, »Vaza z rožami«, »Kopanje v Seni«, »Lisa z dežnikom«, »Dama v čolnu«, »Jezdeci« v Bois de Boulogne«, »Bal v Le Moulin de la Galette«, »Portret Jeanne Samary« in mnogi drugi) so besede francoskega umetnika E. Delacroixa »Prva vrlina vsake slike« povsem uporabne.- biti prazničen m za oči." Renoirjevo ime- sinonim za lepoto in mladost, tisti čas človekovega življenja, ko sta duševna svežina in razcvet telesne moči v popolnem sožitju. Ker je živel v dobi akutnih družbenih konfliktov, jih je pustil zunaj svojih platen in se osredotočil prebujanje lepih in svetlih plati človeškega bivanja. In v tem položaju med umetniki ni bil osamljen. Dvesto let pred njim je veliki flamski umetnik Peter Paul Rubens naslikal slike velikega načela, ki potrjuje življenje ("Persej in Andromeda"). Takšne slike dajejo človeku upanje. Vsaka oseba ima pravico do sreče in glavni pomen Renoirjeve umetnosti je, da vsaka njegova slika potrjuje nedotakljivost te pravice.

Konec 19. stoletja se je v evropskem slikarstvu pojavil postimpresionizem. Njeni predstavniki– str. Cezanne (1839 – 1906), V. Van Gogh (1853 – 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), povzel iz impresionističistost barve, smo iskali stalni principi bivanja, posplošujoče slikarske metode, filozofski in simbolni vidiki ustvarjalnosti. Cezannove slike– to so portreti (»Kadilec«), krajine (»Bregovi Marne«), tihožitja (»Tihožitje s košaro sadja«).

Van Goghove slike- "Koče", "Po dežju", "Sprehod zapornikov".

Gauguin ima značilnosti svetovnonazorske romantike. V zadnjih letih svojega življenja, očaran nad življenjem polinezijskih plemen, ki so po njegovem mnenju ohranila svojo prvobitno čistost in celovitost, je odšel na polinezijsko otočje, kjer je ustvaril več slik, katerih osnova je bila primitivizacija oblike, želja po približevanju umetniškim tradicijam domorodcev (»Ženska, ki drži sadež«, »Tahitijska pastorala«, »Čudovita pomlad«).

Izjemen kipar 19. stoletja. je bil O. Rodin (1840– 1917), ki je v svojem delu združil impresionistično romantike in ekspresionizma z realno iskanja. Živost podob, dramatičnost, izražanje intenzivnega notranjega življenja, geste, ki se nadaljujejo v času in prostoru (kar so Te skulpture ni mogoče uglasbiti in baleta), ujeti nestabilnost trenutka- vse to skupaj ustvarja v bistvu romantično podobo in v celoti impresionistično vizija Želja po globokih filozofskih posplošitvah ("Bronasta doba", " Meščani Calaisa", kip, posvečen junaku stoletne vojne, ki se je žrtvoval, da bi rešil oblegano mesto, dela za "Vrata pekla", vključno z "Mislec") in željo po prikazu trenutkov absolutne lepota in sreča ("Večna pomlad", "Pas de -de")– glavne značilnosti tega umetnikovega dela.

17.3.2 Angleško slikarstvo. Likovna umetnost Anglije v prvi polovici 19. stoletja.- to je krajinska slika, svetla predstavniki ki so bili J. Constable (1776 – 1837), angleški predhodnik impresionisti(»Voz s senom čez brod« in »Rženo polje«) in U. Turner (1775 – 1851), čigar slike, kot so Dež, Para in Hitrost, "Brodolom", odlikuje strast do barvite fantazme.

V drugi polovici stoletja je F. M. Brown ustvaril svoja dela (1821– 1893), ki je upravičeno veljal za »Holbeina 19. stoletja«. Brown je znan po svojih zgodovinskih delih (Chaucer na dvoru Edvarda III. ter Lear in Cordelia), pa tudi po slikah akta tradicionalne vsakdanje teme (»Zadnji pogled na Anglijo«, »Delo«).

Ustvarjalno združenje »Prerafaelitsko bratstvo« (»Prerafaeliti«) je nastalo leta 1848. Čeprav je bilo povezovalno jedro strast do del umetnikov zgodnje renesanse (pred Rafaelom), je imel vsak član te bratovščine svojo temo. in svoj umetniški credo. Teoretik bratstva je bil angleški kulturnik in estetik J. Ruskin, ki je začrtal koncept romantike glede na razmere v Angliji sredi stoletja.

Ruskin, ki povezuje umetnost v svojih delih s splošno stopnjo kulture države, v umetnosti vidi manifestacijo moralnih, ekonomskih in družbenih dejavnikov, je poskušal prepričati Britance, da so predpogoji za lepoto skromnost, pravičnost, poštenost, čistost in nezahtevnost. .

Prerafaeliti so ustvarjali slike na verske in literarne teme, umetniško oblikovali knjige in razvijali okrasno umetnost ter si prizadevali oživiti načela srednjeveške obrti. Razumevanje nevarnega trenda za dekorativno umetnost- njeno depersonalizacijo s strojno produkcijo, angleški umetnik, pesnik in javna osebnost W. Morris (1834 – 1896) je organiziral umetniške in industrijske delavnice za izdelavo tapiserij, tkanin, vitražov in drugih gospodinjskih predmetov, za katere so bile uporabljene risbe. dokončal sam in prerafaelitski umetniki.

17.3.3 Špansko slikarstvo. Goya . Dela Francisca Goye (1746– 1828) pripada dvema stoletjema – XVIII in XIX. Imela je velik pomen za oblikovanje evropske romantike. Kreirajte nas Umetnikovo življenje je bogato in raznoliko: slike, portreti, grafike, freske, gravure, jedkanice.

Goya uporablja najbolj demokratične teme (roparji, tihotapci, berači, udeleženci uličnih spopadov in iger).- liki na njegovih slikah). Po prejemu leta 1789 naziv Pridv Ustni umetnik Goya izvaja ogromno število portretov: kralj, kraljica, dvorjani ("Družina kralja Charlesa IV"). Poslabšano umetnikovo zdravje je povzročilo spremembo tem njegovih del. Tako slike, za katere je značilna zabavna in muhasta fantazija (»Karneval«, »Igra slepega blefa«), zamenjajo platna, polna tragedije (»Inkvizicijsko sodišče«, »Norišnica«). Sledi jim 80 jedkanic "Capriccios", na katerih je umetnik delal več kot pet let. Pomen mnogih od njih je do danes nejasen, druge pa so bile interpretirane v skladu z ideološkimi zahtevami svojega časa.

Goya s simboličnim, alegoričnim jezikom nariše grozljivo sliko dežele na prelomu stoletja: nevednost, vraževerje, ozkogledost ljudi, nasilje, mračnjaštvo, zlo. Jedkanica "Spanje razuma rodi pošasti"– strašne pošasti obkrožajo spečo osebo, netopirje, sove in druge zle duhove. Umetnik sam daje za svoja dela naslednjo razlago: »Prepričan, da kritika človeškirazvadeinnapačne predstave, čepravinzdi sepolje oratorija in poezije, ki je lahko tudi predmet živega opisa, je umetnik za svoje delo izbiral med številnimi ekstravagancami in absurdi, ki so značilni za vsako civilno družbo, pa tudi iz običajnih predsodkov in vraževerja, legitimiziranih z običaji, nevednostjo ali samim seboj. -interes, tisti, ki so se mu zdeli posebej primerni za posmeh in hkrati za razganjanje domišljije.”

17.3.4 Moderno – dokončno stil evropski slikanje XIX V . Najbolj znana dela, ustvarjena v evropskem slikarstvu 19. stoletja. v slogu Art Nouveau so bila dela angleškega umetnika O. Beardsleyja (1872– 1898). OnilustriranodeloO. Wilde ("Salome"), ustvarilielegantengrafičnifantazija, očarancelageneracijeEvropejci. Samočrnainbelabiliorodjanpro delu: list belega papirja in steklenička črnega črnila ter tehnika, podobna najfinejši čipki (»The Secret Rose Garden«, 1895). Beardsleyjeve ilustracije so pod vplivom japonske grafike in francoskega rokokoja, pa tudi dekorativnega načina secesije.

Art Nouveau slog, ki se je pojavil okoli leta 1890– 1910 yy., značilnorazpoložljivostnavijanjevrstice, spominjajočkodrilase, stiliziranorožeinrastline, jezikovplamen. Slogtoje bilširokapogostainVslikanjeinVarhitektura. toilustracijeAngležŽivjordsleyja, plakati in predstave Čeha A. Muche, slike Avstrijca G. Klimta, svetilke in kovinski izdelki Tiffanyja, arhitektura Španca A. Gaudija.

Še en izjemen fenomen modernizma fin-de-siècle– norveškiumetnikE. Munch (1863 – 1944). slavnislikanjeMunch« Krik (1893)– sestavljenodelnjegovtemeljnicikel"Frizživljenje", čezkiumetnikdelaldolgoleta. Naknadnodelo"krik"MunchponovljenoVlitografije. Slikanje"krik"prenašastanjeekstremnočustvenonapetostoseba, onaolitsustvarja obup osamljenega človeka in njegov klic po pomoči, ki je nihče ne more zagotoviti.

Največji umetnik na Finskem A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vstilsodobenilustriranoepski"Kalevala". Vklopljenojezikempiričnoresničnostje prepovedanopovejo legendarnem starcu– kovačIlmarinen, kikovaninebo, sestavitinebesni svod, vklenjenodogenjorel; OmatereLemminkäinen, vstalnjegovubitsin; OpevkaVäinämöinene, ki"zabrenčalozlatobožično drevo", Gallel- Kallelauspelopredatinarena moč starodavnih karelijskih run v jeziku modernosti.

17.3 Evropsko slikarstvo 19. stoletja.

17.3.1 Francosko slikarstvo . Prvi dve desetletji 19. stol. v zgodovini francoskega slikarstva označeni kot revolucionarni klasicizem. Njegov izjemen predstavnik je bil J.L. David (1748– 1825), katerih glavna dela je ustvaril v 18. stoletju. Dela 19. stoletja. - to je delo z Napoleonov dvorni slikar– “Napoleon na prelazu Saint Bernard”, “Kronanje”, “Leonidas pri Termopilah”. David je tudi avtor čudovitih portretov, kot je portret Madame Recamier. Ustvaril je veliko šolo učencev in vnaprej določil lastnosti umetniški iz sloga Empire.

Davidov učenec je bil J. O. Ingres (1780– 1867), ki je klasicizem spremenil v akademsko umetnost in ga dolga leta nasprotoval za romantike. Ingres - avtor resničnega akutna portreti (»L. F. Bertin«, »Madame Rivière« itd.) in slike v slogu akademski klasicizem (»Apoteoza Homerja«, »Jupiter in Temida«).

Romantika francoskega slikarstva prve polovice 19. stoletja– to so slike T. Gericaulta (1791 – 1824) (»Splav Meduze« in »Epsomski derbi itd.«) in E. Delacroix (1798 – 1863), avtor znamenite slike “Svoboda vodi ljudstvo”.

Realistično smer v slikarstvu prve polovice stoletja predstavljajo dela G. Courbeta (1819).– 1877), avtor izraza "realizem" in slik "Drobilec kamna" in "Pogreb v Ornansu", pa tudi del J. F. Millet (1814 – 1875), pisec kmečkega vsakdanjega življenja in (»Nabiralci«, »Mož z motiko«, »Sejalec«).

Pomemben pojav evropske kulture v drugi polovici 19. stoletja. Obstajal je umetniški slog, imenovan impresionizem, ki se je razširil ne le v slikarstvu, ampak tudi v glasbi in leposlovju. In vendar je nastala v slikarstvu.

V začasnih umetnostih se dogajanje odvija v času. Zdi se, da slika lahko ujame le en sam trenutek v času. Za razliko od kina ima vedno en "frame". Kako lahko prenaša gibanje? Eden od teh poskusov ujeti realni svet v njegovi mobilnosti in spremenljivosti je bil poskus ustvarjalcev slikarskega gibanja, imenovanega impresionizem (iz francoskega vtisa). To gibanje je združevalo različne umetnike, od katerih lahko vsakega označimo na naslednji način. Impresionist je umetnik, ki posreduje svoje neposredno vtis narave, v njej vidi lepoto spremenljivosti in nestalnosti, v ustvarja vizualni občutek močne sončne svetlobe, igre barvnih senc, z uporabo palete čistih nemešanih barv, iz katerih sta črni in sivi odstranjeni.

V slikah impresionistov, kot sta C. Monet (1840-1926) in O. Renoir (1841-1919), v zgodnjih 70. letih XIX. pojavi se zračna snov, ki nima samo določene gostote, ki zapolnjuje prostor, ampak tudi mobilnost. Sončna svetloba curlja in para se dviga iz vlažne zemlje. Voda, taljenje snega, zorana zemlja, zibajoča se trava na travnikih nimajo jasnih, zmrznjenih obrisov. Gibanje, ki je bilo prej vneseno v krajino kot podoba gibljivih figur, kot posledica delovanja naravnih sil– veter, ki poganja oblake, guga drevesa, zdaj zamenja mir. Toda ta mir nežive snovi je ena od oblik njenega gibanja, ki ga prenaša sama tekstura slike - dinamične poteze različnih barv, ki jih ne omejuje toge linije risbe.

Novi stil slikanja ni bil takoj sprejet v javnosti, ki je umetnike obtoževala, da ne znajo risati in mečejo barve, postrgane s palete, na platno. Tako so se Monetove rožnate rouenske katedrale zdele neverjetne tako gledalcem kot kolegom umetnikom.– najboljše iz umetnikovega slikarskega cikla (»Jutro«, »S prvimi sončnimi žarki«, »Opoldan«). Umetnik ni poskušali predstaviti katedralo na platnu ob različnih urah dneva– tekmoval je z mojstri gotike, da bi gledalca posrkal v kontemplacijo magičnih svetlobnih in barvnih učinkov. Pročelje katedrale v Rouenu, tako kot večina gotskih katedral, skriva mističen spektakel ljudi, ki oživljajo. x od sončne svetlobe svetlih barvnih vitražov v notranjosti. Osvetlitev znotraj katedral se spreminja glede na to, s katere strani sije sonce, oblačno ali jasno vreme. Sončni žarki, ki prodirajo skozi intenzivno modro in rdečo barvo vitraža, so barvni in padajo v barvnih poudarkih na tla.

Beseda "impresionizem" se je pojavila zaradi ene od Monetovih slik. Ta slika je bila resnično ekstremen izraz inovativnosti nastajajoče slikarske metode in se je imenovala "Sončni vzhod v Le Havru". Sestavljalec kataloga slik za eno od razstav je predlagal, naj umetnik to poimenuje drugače, in Monet, ki je prečrtal "v Le Havru", je dal "vtis". In nekaj let po nastanku njegovih del so zapisali, da Monet »razkriva življenje, ki ga nihče pred njim ni mogel dojeti, za katerega nihče niti ni vedel«. V Monetovih slikah so začeli zaznavati moteč duh rojstva nove dobe. Tako se je v njegovem delu pojavil »serializem« kot nov pojav slikarstva. In osredotočila se je na problem časa. Umetnikova slika, kot je bilo omenjeno, iz življenja iztrga en "okvir" z vso njegovo nepopolnostjo in nepopolnostjo. In to je spodbudilo razvoj serije, ki se zaporedno nadomešča. Poleg "Rouenskih katedral" Monet ustvari serijo "Gare Saint-Lazare", v kateri so slike med seboj povezane in se dopolnjujejo. Vendar pa je bilo nemogoče združiti "okvirje" življenja v en sam trak vtisov v slikarstvu. To je postala naloga kinematografije. Zgodovinarji filma menijo, da razlog za njegov nastanek in široko razširjenost niso le tehnična odkritja, ampak tudi nujna umetniška potreba po gibljivi sliki. In slike impresionistov, zlasti Moneta, so postale simptom te potrebe. Znano je, da je bil eden od zapletov prve kinematografske predstave v zgodovini, ki sta jo leta 1895 organizirala brata Lumière, "Prihod vlaka". Parne lokomotive, postaja in tirnice so bile predmet serije sedmih Monetovih slik "Gare Saint-Lazare", ki so bile razstavljene leta 1877.

Izjemen impresionistični umetnik je bil O. Renoir. Na njegova dela (»Rože«, »Mladenič na sprehodu s psi v gozdu Fontainebleau«, »Vaza z rožami«, »Kopanje v Seni«, »Lisa z dežnikom«, »Dama v čolnu«, »Jezdeci« v Bois de Boulogne«, »Bal v Le Moulin de la Galette«, »Portret Jeanne Samary« in mnogi drugi) so besede francoskega umetnika E. Delacroixa »Prva vrlina vsake slike« povsem uporabne.- biti prazničen m za oči." Renoirjevo ime- sinonim za lepoto in mladost, tisti čas človekovega življenja, ko sta duševna svežina in razcvet telesne moči v popolnem sožitju. Ker je živel v dobi akutnih družbenih konfliktov, jih je pustil zunaj svojih platen in se osredotočil prebujanje lepih in svetlih plati človeškega bivanja. In v tem položaju med umetniki ni bil osamljen. Dvesto let pred njim je veliki flamski umetnik Peter Paul Rubens naslikal slike velikega načela, ki potrjuje življenje ("Persej in Andromeda"). Takšne slike dajejo človeku upanje. Vsaka oseba ima pravico do sreče in glavni pomen Renoirjeve umetnosti je, da vsaka njegova slika potrjuje nedotakljivost te pravice.

Konec 19. stoletja se je v evropskem slikarstvu pojavil postimpresionizem. Njeni predstavniki– str. Cezanne (1839 – 1906), V. Van Gogh (1853 – 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), povzel iz impresionističistost barve, smo iskali stalni principi bivanja, posplošujoče slikarske metode, filozofski in simbolni vidiki ustvarjalnosti. Cezannove slike– to so portreti (»Kadilec«), krajine (»Bregovi Marne«), tihožitja (»Tihožitje s košaro sadja«).

Van Goghove slike- "Koče", "Po dežju", "Sprehod zapornikov".

Gauguin ima značilnosti svetovnonazorske romantike. V zadnjih letih svojega življenja, očaran nad življenjem polinezijskih plemen, ki so po njegovem mnenju ohranila svojo prvobitno čistost in celovitost, je odšel na polinezijsko otočje, kjer je ustvaril več slik, katerih osnova je bila primitivizacija oblike, želja po približevanju umetniškim tradicijam domorodcev (»Ženska, ki drži sadež«, »Tahitijska pastorala«, »Čudovita pomlad«).

Izjemen kipar 19. stoletja. je bil O. Rodin (1840– 1917), ki je v svojem delu združil impresionistično romantike in ekspresionizma z realno iskanja. Živost podob, dramatičnost, izražanje intenzivnega notranjega življenja, geste, ki se nadaljujejo v času in prostoru (kar so Te skulpture ni mogoče uglasbiti in baleta), ujeti nestabilnost trenutka- vse to skupaj ustvarja v bistvu romantično podobo in v celoti impresionistično vizija Želja po globokih filozofskih posplošitvah ("Bronasta doba", " Meščani Calaisa", kip, posvečen junaku stoletne vojne, ki se je žrtvoval, da bi rešil oblegano mesto, dela za "Vrata pekla", vključno z "Mislec") in željo po prikazu trenutkov absolutne lepota in sreča ("Večna pomlad", "Pas de -de")– glavne značilnosti tega umetnikovega dela.

17.3.2 Angleško slikarstvo. Likovna umetnost Anglije v prvi polovici 19. stoletja.- to je krajinska slika, svetla predstavniki ki so bili J. Constable (1776 – 1837), angleški predhodnik impresionisti(»Voz s senom čez brod« in »Rženo polje«) in U. Turner (1775 – 1851), čigar slike, kot so Dež, Para in Hitrost, "Brodolom", odlikuje strast do barvite fantazme.

V drugi polovici stoletja je F. M. Brown ustvaril svoja dela (1821– 1893), ki je upravičeno veljal za »Holbeina 19. stoletja«. Brown je znan po svojih zgodovinskih delih (Chaucer na dvoru Edvarda III. ter Lear in Cordelia), pa tudi po slikah akta tradicionalne vsakdanje teme (»Zadnji pogled na Anglijo«, »Delo«).

Ustvarjalno združenje »Prerafaelitsko bratstvo« (»Prerafaeliti«) je nastalo leta 1848. Čeprav je bilo povezovalno jedro strast do del umetnikov zgodnje renesanse (pred Rafaelom), je imel vsak član te bratovščine svojo temo. in svoj umetniški credo. Teoretik bratstva je bil angleški kulturnik in estetik J. Ruskin, ki je začrtal koncept romantike glede na razmere v Angliji sredi stoletja.

Ruskin, ki povezuje umetnost v svojih delih s splošno stopnjo kulture države, v umetnosti vidi manifestacijo moralnih, ekonomskih in družbenih dejavnikov, je poskušal prepričati Britance, da so predpogoji za lepoto skromnost, pravičnost, poštenost, čistost in nezahtevnost. .

Prerafaeliti so ustvarjali slike na verske in literarne teme, umetniško oblikovali knjige in razvijali okrasno umetnost ter si prizadevali oživiti načela srednjeveške obrti. Razumevanje nevarnega trenda za dekorativno umetnost- njeno depersonalizacijo s strojno produkcijo, angleški umetnik, pesnik in javna osebnost W. Morris (1834 – 1896) je organiziral umetniške in industrijske delavnice za izdelavo tapiserij, tkanin, vitražov in drugih gospodinjskih predmetov, za katere so bile uporabljene risbe. dokončal sam in prerafaelitski umetniki.

17.3.3 Špansko slikarstvo. Goya . Dela Francisca Goye (1746– 1828) pripada dvema stoletjema – XVIII in XIX. Imela je velik pomen za oblikovanje evropske romantike. Kreirajte nas Umetnikovo življenje je bogato in raznoliko: slike, portreti, grafike, freske, gravure, jedkanice.

Goya uporablja najbolj demokratične teme (roparji, tihotapci, berači, udeleženci uličnih spopadov in iger).- liki na njegovih slikah). Po prejemu leta 1789 naziv Pridv Ustni umetnik Goya izvaja ogromno število portretov: kralj, kraljica, dvorjani ("Družina kralja Charlesa IV"). Poslabšano umetnikovo zdravje je povzročilo spremembo tem njegovih del. Tako slike, za katere je značilna zabavna in muhasta fantazija (»Karneval«, »Igra slepega blefa«), zamenjajo platna, polna tragedije (»Inkvizicijsko sodišče«, »Norišnica«). Sledi jim 80 jedkanic "Capriccios", na katerih je umetnik delal več kot pet let. Pomen mnogih od njih je do danes nejasen, druge pa so bile interpretirane v skladu z ideološkimi zahtevami svojega časa.

Goya s simboličnim, alegoričnim jezikom nariše grozljivo sliko dežele na prelomu stoletja: nevednost, vraževerje, ozkogledost ljudi, nasilje, mračnjaštvo, zlo. Jedkanica "Spanje razuma rodi pošasti"– strašne pošasti obkrožajo spečo osebo, netopirje, sove in druge zle duhove. Umetnik sam daje za svoja dela naslednjo razlago: »Prepričan, da kritika človeškirazvadeinnapačne predstave, čepravinzdi sepolje oratorija in poezije, ki je lahko tudi predmet živega opisa, je umetnik za svoje delo izbiral med številnimi ekstravagancami in absurdi, ki so značilni za vsako civilno družbo, pa tudi iz običajnih predsodkov in vraževerja, legitimiziranih z običaji, nevednostjo ali samim seboj. -interes, tisti, ki so se mu zdeli posebej primerni za posmeh in hkrati za razganjanje domišljije.”

17.3.4 Moderno – dokončno stil evropski slikanje XIX V . Najbolj znana dela, ustvarjena v evropskem slikarstvu 19. stoletja. v slogu Art Nouveau so bila dela angleškega umetnika O. Beardsleyja (1872– 1898). OnilustriranodeloO. Wilde ("Salome"), ustvarilielegantengrafičnifantazija, očarancelageneracijeEvropejci. Samočrnainbelabiliorodjanpro delu: list belega papirja in steklenička črnega črnila ter tehnika, podobna najfinejši čipki (»The Secret Rose Garden«, 1895). Beardsleyjeve ilustracije so pod vplivom japonske grafike in francoskega rokokoja, pa tudi dekorativnega načina secesije.

Art Nouveau slog, ki se je pojavil okoli leta 1890– 1910 yy., značilnorazpoložljivostnavijanjevrstice, spominjajočkodrilase, stiliziranorožeinrastline, jezikovplamen. Slogtoje bilširokapogostainVslikanjeinVarhitektura. toilustracijeAngležŽivjordsleyja, plakati in predstave Čeha A. Muche, slike Avstrijca G. Klimta, svetilke in kovinski izdelki Tiffanyja, arhitektura Španca A. Gaudija.

Še en izjemen fenomen modernizma fin-de-siècle– norveškiumetnikE. Munch (1863 – 1944). slavnislikanjeMunch« Krik (1893)– sestavljenodelnjegovtemeljnicikel"Frizživljenje", čezkiumetnikdelaldolgoleta. Naknadnodelo"krik"MunchponovljenoVlitografije. Slikanje"krik"prenašastanjeekstremnočustvenonapetostoseba, onaolitsustvarja obup osamljenega človeka in njegov klic po pomoči, ki je nihče ne more zagotoviti.

Največji umetnik na Finskem A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vstilsodobenilustriranoepski"Kalevala". Vklopljenojezikempiričnoresničnostje prepovedanopovejo legendarnem starcu– kovačIlmarinen, kikovaninebo, sestavitinebesni svod, vklenjenodogenjorel; OmatereLemminkäinen, vstalnjegovubitsin; OpevkaVäinämöinene, ki"zabrenčalozlatobožično drevo", Gallel- Kallelauspelopredatinarena moč starodavnih karelijskih run v jeziku modernosti.

"Igralci kart"

Avtor

Paul Cezanne

Država Francija
Leta življenja 1839–1906
Slog postimpresionizem

Umetnik je bil rojen na jugu Francije v mestecu Aix-en-Provence, vendar je začel slikati v Parizu. Pravi uspeh mu je prišel po osebni razstavi, ki jo je organiziral zbiratelj Ambroise Vollard. Leta 1886, 20 let pred odhodom, se je preselil na obrobje domačega kraja. Mladi umetniki so potovanja k njemu imenovali »romanje v Aix«.

130x97 cm
1895
cena
250 milijonov dolarjev
prodano leta 2012
na zasebni dražbi

Cezannovo delo je enostavno razumeti. Umetnikovo edino pravilo je bil neposreden prenos predmeta ali ploskve na platno, tako da njegove slike ne povzročajo zmede pri gledalcu. Cezanne je v svoji umetnosti združil dve glavni francoski tradiciji: klasicizem in romantiko. S pomočjo barvitih tekstur je dal obliko predmetov neverjetno plastičnost.

Serija petih slik »Igralci kart« je bila naslikana v letih 1890–1895. Njihov zaplet je enak - več ljudi navdušeno igra poker. Dela se razlikujejo le po številu igralcev in velikosti platna.

Štiri slike hranijo muzeji v Evropi in Ameriki (Museum d'Orsay, Metropolitanski muzej umetnosti, Barnes Foundation in Courtauld Institute of Art), peta pa je do nedavnega krasila zasebno zbirko grškega milijarderja, ladjarja Georg Embirikos. Tik pred smrtjo, pozimi 2011, se je odločil, da ga bo dal v prodajo. Potencialna kupca Cezannovega "brezplačnega" dela sta bila trgovec z umetninami William Acquavella in svetovno znani galerist Larry Gagosian, ki sta zanj ponudila približno 220 milijonov dolarjev. Posledično je slika pripadla kraljevi družini arabske države Katar za 250 milijonov. Največji umetniški posel v zgodovini slikarstva je bil sklenjen februarja 2012. Novinarka Alexandra Pierce je o tem poročala v Vanity Fairu. Izvedela je ceno slike in ime novega lastnika, nato pa je informacija prodrla v medije po vsem svetu.

Leta 2010 sta se v Katarju odprla Arabski muzej moderne umetnosti in Katarski nacionalni muzej. Zdaj se njihove zbirke povečujejo. Morda je šejk v ta namen nabavil peto različico The Card Players.

Najboljdraga slikav svetu

Lastnik
Šejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dinastija al-Thani vlada Katarju že več kot 130 let. Pred približno pol stoletja so tu odkrili ogromne zaloge nafte in plina, zaradi česar je Katar v trenutku postal ena najbogatejših regij na svetu. Zahvaljujoč izvozu ogljikovodikov ima ta majhna država največji BDP na prebivalca. Šejk Hamad bin Khalifa al Thani je oblast prevzel leta 1995, medtem ko je bil njegov oče v Švici, s podporo družinskih članov. Zasluga sedanjega vladarja je po mnenju poznavalcev v jasni strategiji razvoja države in ustvarjanju uspešne podobe države. Katar ima zdaj ustavo in predsednika vlade, ženske pa imajo pravico glasovati na parlamentarnih volitvah. Mimogrede, katarski emir je ustanovil novičarski kanal Al-Jazeera. Oblasti arabske države posvečajo veliko pozornosti kulturi.

2

"Številka 5"

Avtor

Jackson Pollock

Država ZDA
Leta življenja 1912–1956
Slog abstraktni ekspresionizem

Jack the Sprinkler - tak vzdevek je Pollocku nadela ameriška javnost zaradi njegove posebne tehnike slikanja. Umetnik je opustil čopič in stojalo ter prelival barvo po površini platna ali vlaknene plošče med nenehnim gibanjem okrog in znotraj njih. Že od malih nog ga je zanimala filozofija Jidduja Krishnamurtija, katere glavno sporočilo je, da se resnica razkrije med svobodnim »izlivom«.

122x244 cm
1948
cena
140 milijonov dolarjev
prodano leta 2006
na dražbi Sotheby's

Vrednost Pollockovega dela ni v rezultatu, ampak v procesu. Ni naključje, da je avtor svojo umetnost poimenoval »akcijsko slikarstvo«. Z njegovo lahkotno roko je postal glavno bogastvo Amerike. Jackson Pollock je mešal barvo s peskom in razbitim steklom ter slikal s kosom kartona, paletnim nožem, nožem in smetnjakom. Umetnik je bil tako priljubljen, da so v petdesetih letih 20. stoletja posnemovalce našli celo v ZSSR. Slika "Številka 5" je priznana kot ena najbolj čudnih in najdražjih na svetu. Eden od ustanoviteljev DreamWorksa David Geffen jo je kupil za zasebno zbirko in jo leta 2006 na dražbi Sotheby's za 140 milijonov dolarjev prodal mehiškemu zbiratelju Davidu Martinezu. Vendar je odvetniška družba kmalu izdala sporočilo za javnost v imenu svoje stranke, da David Martinez ni lastnik slike. Zagotovo je znano le eno: mehiški finančnik je pred kratkim res zbiral dela sodobne umetnosti. Malo verjetno je, da bi zamudil tako "veliko ribo", kot je Pollockova "Številka 5".

3

"Ženska III"

Avtor

Willem de Kooning

Država ZDA
Leta življenja 1904–1997
Slog abstraktni ekspresionizem

Po rodu iz Nizozemske se je leta 1926 priselil v ZDA. Leta 1948 je potekala umetnikova osebna razstava. Umetniški kritiki so cenili zapletene, nervozne črno-bele kompozicije in njihovega avtorja prepoznali kot velikega modernističnega umetnika. Večino življenja je trpel za alkoholizmom, a veselje do ustvarjanja nove umetnosti je čutiti v vsakem delu. De Kooninga odlikuje impulzivnost slikanja in široka poteza, zaradi česar včasih podoba ne zaide v meje platna.

121 x 171 cm
1953
cena
137 milijonov dolarjev
prodano leta 2006
na zasebni dražbi

V petdesetih letih 20. stoletja so se na de Kooningovih slikah pojavile ženske s praznimi očmi, masivnimi prsmi in grdimi potezami obraza. "Ženska III" je bilo zadnje delo iz te serije, ki je bilo na dražbi.

Od sedemdesetih let prejšnjega stoletja je bila slika shranjena v teheranskem muzeju moderne umetnosti, a so se je po uvedbi strogih moralnih pravil v državi poskušali znebiti. Leta 1994 je bilo delo izvoženo iz Irana, 12 let pozneje pa je njegov lastnik David Geffen (isti producent, ki je prodal "Številko 5") Jacksona Pollocka prodal sliko milijonarju Stevenu Cohenu za 137,5 milijona dolarjev. Zanimivo je, da je Geffen v enem letu začel razprodajati svojo zbirko slik. To je sprožilo veliko govoric: na primer, da se je producent odločil kupiti časopis Los Angeles Times.

Na enem od umetniških forumov je bilo izraženo mnenje o podobnosti "Ženske III" s sliko "Dama s hermelinom" Leonarda da Vincija. Za zobatim nasmehom in brezoblično postavo junakinje je poznavalec slikarstva videl milost osebe kraljevske krvi. To dokazuje tudi slabo narisana krona, ki krona žensko glavo.

4

"Portret AdeleBloch-Bauer I"

Avtor

Gustav Klimt

Država Avstrija
Leta življenja 1862–1918
Slog sodoben

Gustav Klimt se je rodil v družini graverja in je bil drugi od sedmih otrok. Trije sinovi Ernesta Klimta so postali umetniki, a le Gustav je zaslovel po vsem svetu. Večino otroštva je preživel v revščini. Po očetovi smrti je postal odgovoren za vso družino. V tem času je Klimt razvil svoj slog. Vsak gledalec zamrzne pred njegovimi slikami: odkrita erotika je jasno vidna pod tankimi potezami zlata.

138 x 136 cm
1907
cena
135 milijonov dolarjev
prodano leta 2006
na dražbi Sotheby's

Usoda slike, ki ji pravijo »avstrijska Mona Lisa«, bi zlahka postala podlaga za uspešnico. Umetnikovo delo je povzročilo konflikt med celotno državo in eno starejšo gospo.

Torej, "Portret Adele Bloch-Bauer I" prikazuje aristokratinjo, ženo Ferdinanda Blocha. Njena zadnja želja je bila, da bi sliko podarila avstrijski državni galeriji. Vendar je Bloch v svoji oporoki donacijo preklical, nacisti pa so sliko razlastili. Kasneje je galerija s težavo kupila Zlato Adele, potem pa se je pojavila dedinja - Maria Altman, nečakinja Ferdinanda Blocha.

Leta 2005 se je začelo odmevno sojenje "Maria Altmann proti Republiki Avstriji", zaradi česar je film "odšel" z njo v Los Angeles. Avstrija je sprejela ukrepe brez primere: potekala so pogajanja o posojilih, prebivalstvo je prispevalo denar za nakup portreta. Dobro nikoli ni premagalo zla: Altman je ceno dvignil na 300 milijonov dolarjev. V času postopka je bila stara 79 let, v zgodovino pa se je zapisala kot oseba, ki je spremenila oporoko Bloch-Bauerjeve v korist osebnih interesov. Sliko je kupil Ronald Lauder, lastnik New Gallery v New Yorku, kjer je še danes. Ne za Avstrijo, zanj je Altman znižal ceno na 135 milijonov dolarjev.

5

"krik"

Avtor

Edvard Munch

Država Norveška
Leta življenja 1863–1944
Slog ekspresionizem

Prva Munchova slika, ki je postala znana po vsem svetu, "Bolna deklica" (obstaja pet kopij), je posvečena umetnikovi sestri, ki je umrla zaradi tuberkuloze pri 15 letih. Muncha je vedno zanimala tema smrti in osamljenosti. V Nemčiji je njegovo težko, manično slikanje izzvalo celo škandal. Kljub depresivnim temam pa imajo njegove slike poseben magnetizem. Vzemite za primer "Krik".

73,5 x 91 cm
1895
cena
119,992 milijona dolarjev
prodano v 2012
na dražbi Sotheby's

Polni naslov slike je Der Schrei der Natur (v prevodu iz nemščine "krik narave"). Obraz človeka ali tujca izraža obup in paniko – enaka čustva, kot jih doživlja gledalec ob pogledu na sliko. Eno ključnih del ekspresionizma opozarja na teme, ki so se zaostrile v umetnosti 20. stoletja. Po eni različici jo je umetnik ustvaril pod vplivom duševne motnje, za katero je trpel vse življenje.

Sliko so dvakrat ukradli iz različnih muzejev, a so jo vrnili. Krik, ki je bil po kraji nekoliko poškodovan, je bil obnovljen in leta 2008 ponovno pripravljen za razstavitev v Munchovem muzeju. Za predstavnike pop kulture je delo postalo vir navdiha: Andy Warhol je ustvaril serijo njegovih tiskanih kopij, maska ​​iz filma "Krik" pa je bila narejena po podobi in podobnosti junaka slike.

Munch je napisal štiri različice dela za eno temo: tista, ki je v zasebni zbirki, je narejena v pastelu. Norveški milijarder Petter Olsen jo je 2. maja 2012 dal na dražbo. Kupec je bil Leon Black, ki za "Scream" ni odštel rekordnega zneska. Ustanovitelj Apollo Advisors, L.P. in Lion Advisors, L.P. znan po svoji ljubezni do umetnosti. Black je pokrovitelj Dartmouth Collegea, Muzeja moderne umetnosti, Lincolnovega umetniškega centra in Metropolitanskega muzeja umetnosti. Ima največjo zbirko slik sodobnih umetnikov in klasičnih mojstrov preteklih stoletij.

6

"Akt na ozadju doprsja in zelenih listov"

Avtor

Pablo Picasso

Država Španija, Francija
Leta življenja 1881–1973
Slog kubizem

Po poreklu je Španec, po duhu in kraju bivanja pa pravi Francoz. Picasso je odprl svoj umetniški studio v Barceloni, ko je bil star komaj 16 let. Nato je odšel v Pariz in tam preživel večino svojega življenja. Zato ima njegov priimek dvojni naglas. Slog, ki ga je izumil Picasso, temelji na zanikanju ideje, da je predmet, upodobljen na platnu, mogoče gledati samo iz enega kota.

130x162 cm
1932
cena
106,482 milijona dolarjev
prodano leta 2010
na dražbi Christie's

Med delom v Rimu je umetnik spoznal plesalko Olgo Khokhlovo, ki je kmalu postala njegova žena. Naredil je konec potepuštvu in se z njo preselil v razkošno stanovanje. Do takrat je priznanje našlo junaka, a zakon je bil uničen. Ena najdražjih slik na svetu je nastala tako rekoč po naključju – iz velike ljubezni, ki pa je bila, kot vedno pri Picassu, kratkega veka. Leta 1927 se je začel zanimati za mlado Marie-Therese Walter (ona je bila stara 17 let, on 45). Na skrivaj od svoje žene je odšel z ljubico v mesto blizu Pariza, kjer je naslikal portret, ki prikazuje Marie-Therese v podobi Daphne. Platno je kupil newyorški trgovec Paul Rosenberg in ga leta 1951 prodal Sidneyju F. Brodyju. Brodyjeva sta sliko pokazala svetu le enkrat in to samo zato, ker je umetnik dopolnil 80 let. Po smrti svojega moža je gospa Brody marca 2010 delo dala na dražbo pri Christie's. V šestih desetletjih se je cena povečala več kot 5000-krat! Neznani zbiratelj jo je kupil za 106,5 milijona dolarjev. Leta 2011 je v Veliki Britaniji potekala "razstava ene slike", kjer je bila že drugič predstavljena, vendar ime lastnika še vedno ni znano.

7

"Osem Elvisov"

Avtor

Andy Warhol

Država ZDA
Leta življenja 1928-1987
Slog
pop art

"Seks in zabave so edina mesta, kjer se morate pojaviti osebno," je dejal kultni pop art umetnik, režiser, eden od ustanoviteljev revije Interview, oblikovalec Andy Warhol. Sodeloval je z Vogueom in Harper's Bazaarjem, oblikoval ovitke plošč in oblikoval čevlje za podjetje I.Miller. V šestdesetih letih prejšnjega stoletja so se pojavile slike s simboli Amerike: Campbell's in Coca-Cola juha, Presley in Monroe - zaradi česar je postal legenda.

358 x 208 cm
1963
cena
100 milijonov dolarjev
prodano leta 2008
na zasebni dražbi

Warholova 60. leta so poimenovali obdobje pop arta v Ameriki. Leta 1962 je delal na Manhattnu v studiu Factory, kjer so se zbirali vsi newyorški boemi. Njegovi vidni predstavniki: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote in druge znane osebnosti sveta. Istočasno je Warhol preizkusil tehniko sitotiska - ponavljajoče se ponavljanje ene slike. To metodo je uporabil tudi pri ustvarjanju "Osmih Elvisov": gledalcu se zdi, kot da vidi posnetek iz filma, kjer zvezda oživi. Tu je vse, kar je umetnik tako ljubil: win-win javna podoba, srebrna barva in slutnja smrti kot glavno sporočilo.

Warholovo delo na svetovnem trgu danes promovirata dva trgovca z umetninami: Larry Gagosian in Alberto Mugrabi. Prvi je leta 2008 porabil 200 milijonov dolarjev za nakup več kot 15 Warholovih del. Drugi kupuje in prodaja njegove slike kot božične voščilnice, le po višji ceni. A niso oni, ampak skromni francoski umetniški svetovalec Philippe Segalot tisti, ki je poznavalcu rimske umetnosti Annibale Berlinghieriju pomagal prodati "Osem Elvisov" neznanemu kupcu za rekordni znesek za Warhola - 100 milijonov dolarjev.

8

"Oranžna,rdeča, rumena"

Avtor

Mark Rothko

Država ZDA
Leta življenja 1903–1970
Slog abstraktni ekspresionizem

Eden od ustvarjalcev slikarstva barvnega polja se je rodil v Dvinsku v Rusiji (zdaj Daugavpils v Latviji) v veliki družini judovskega farmacevta. Leta 1911 so emigrirali v ZDA. Rothko je študiral na umetniškem oddelku univerze Yale in dobil štipendijo, vendar so ga zaradi antisemitskih čustev študij opustili. Kljub vsemu so likovni kritiki umetnika oboževali, muzeji pa so ga zasledovali vse življenje.

206 x 236 cm
1961
cena
86,882 milijona dolarjev
prodano leta 2012
na dražbi Christie's

Rothkovi prvi umetniški poskusi so bili nadrealistične usmeritve, vendar je sčasoma zaplet poenostavil v barvne lise in jim odvzel kakršno koli objektivnost. Sprva so imeli svetle odtenke, v šestdesetih letih prejšnjega stoletja pa so postali rjavi in ​​vijolični, ki so se do umetnikove smrti zgostili v črno. Mark Rothko je svaril pred iskanjem kakršnega koli smisla v njegovih slikah. Avtor je želel povedati natanko to, kar je rekel: samo barve, ki se raztopijo v zraku, in nič več. Priporočal je ogled del z razdalje 45 cm, da bi gledalca »potegnil« v barvo, kot v lijak. Bodite previdni: gledanje v skladu z vsemi pravili lahko privede do učinka meditacije, torej postopoma pride do zavedanja neskončnosti, popolne potopitve vase, sprostitve in čiščenja. Barva na njegovih slikah živi, ​​diha in močno čustveno deluje (pravijo, včasih tudi zdravilno). Umetnik je izjavil: "Gledalec bi moral jokati, ko jih gleda," in takšni primeri so se dejansko zgodili. Po Rothkovi teoriji ljudje v tem trenutku živijo enako duhovno izkušnjo, kot jo je on med delom na sliki. Če ste jo lahko razumeli na tako subtilni ravni, vas ne bo presenetilo, da ta dela abstraktne umetnosti kritiki pogosto primerjajo z ikonami.

Delo "Oranžna, rdeča, rumena" izraža bistvo slikarstva Marka Rothka. Njegova začetna cena na dražbi Christie's v New Yorku je 35–45 milijonov dolarjev. Neznani kupec je ponudil dvakrat višjo ceno. Ime srečnega lastnika slike, kot se pogosto zgodi, ni razkrito.

9

"Triptih"

Avtor

Francis Bacon

Država
Združeno kraljestvo
Leta življenja 1909–1992
Slog ekspresionizem

Dogodivščine Francisa Bacona, popolnega soimenjaka in tudi daljnega potomca velikega filozofa, so se začele, ko se mu je oče odrekel, ker ni mogel sprejeti sinovih istospolnih nagnjenj. Bacon je odšel najprej v Berlin, nato v Pariz, nato pa so se mu sledi zapletle po Evropi. V času njegovega življenja so bila njegova dela razstavljena v vodilnih kulturnih središčih sveta, vključno z Guggenheimovim muzejem in Tretjakovo galerijo.

147,5x198 cm (vsak)
1976
cena
86,2 milijona dolarjev
prodano leta 2008
na dražbi Sotheby's

Prestižni muzeji so si prizadevali imeti Baconove slike, toda pristni angleški javnosti se ni mudilo odšteti za takšno umetnost. Legendarna britanska premierka Margaret Thatcher je o njem dejala: "Človek, ki slika te grozljive slike."

Sam umetnik je povojno obdobje štel za izhodiščno obdobje svojega ustvarjanja. Po vrnitvi iz službe se je spet lotil slikanja in ustvaril velike mojstrovine. Pred udeležbo na "Triptihu, 1976" je bilo Baconovo najdražje delo "Študija za portret papeža Inocenca X" (52,7 milijona dolarjev). V "Triptihu, 1976" je umetnik upodobil mitski zaplet preganjanja Oresta s strani furij. Seveda je Orest sam Bacon, Furije pa njegova muka. Več kot 30 let je bila slika v zasebni zbirki in ni sodelovala na razstavah. To dejstvo mu daje posebno vrednost in posledično povečuje stroške. Toda kaj je nekaj milijonov za poznavalca umetnosti, in to velikodušnega? Roman Abramovič je svojo zbirko začel ustvarjati v devetdesetih letih prejšnjega stoletja, pri čemer je nanj močno vplivala prijateljica Daša Žukova, ki je v sodobni Rusiji postala modna galeristka. Po neuradnih podatkih je poslovnež osebno lastnik del Alberta Giacomettija in Pabla Picassa, kupljenih za zneske, ki presegajo 100 milijonov dolarjev. Leta 2008 je postal lastnik Triptiha. Mimogrede, leta 2011 je bilo pridobljeno še eno dragoceno delo Bacona - "Tri skice za portret Luciana Freuda." Skriti viri pravijo, da je kupec znova postal Roman Arkadijevič.

10

"Ribnik z vodnimi lilijami"

Avtor

Claude Monet

Država Francija
Leta življenja 1840–1926
Slog impresionizem

Umetnik je priznan kot ustanovitelj impresionizma, ki je to metodo "patentiral" v svojih slikah. Prvo pomembno delo je bila slika "Kosilo na travi" (prvotna različica dela Edouarda Maneta). V mladosti je risal karikature, pravega slikarstva pa se je lotil na potovanjih ob obali in na prostem. V Parizu je vodil boemski življenjski slog in ga ni opustil niti po služenju vojaškega roka.

210x100 cm
1919
cena
80,5 milijona dolarjev
prodano leta 2008
na dražbi Christie's

Poleg tega, da je bil Monet velik umetnik, je bil tudi vnet vrtnar in je oboževal divje živali in rože. V njegovih pokrajinah je stanje narave hipno, objekti se zdijo zabrisani zaradi gibanja zraka. Vtis je okrepljen z velikimi potezami, ki postanejo nevidne in se zlijejo v teksturirano, tridimenzionalno sliko. V slikah poznega Moneta zavzema posebno mesto tema vode in življenja v njej. V mestu Giverny je imel umetnik svoj ribnik, kjer je gojil vodne lilije iz semen, ki jih je posebej prinesel iz Japonske. Ko so njihove rože odcvetele, je začel slikati. Serijo "Vodne lilije" sestavlja 60 del, ki jih je umetnik slikal skoraj 30 let, vse do svoje smrti. S starostjo se mu je vid poslabšal, vendar se ni ustavil. Odvisno od vetra, letnega časa in vremena se je videz ribnika nenehno spreminjal in Monet je te spremembe želel ujeti. S skrbnim delom je spoznal bistvo narave. Nekatere slike v seriji hranijo vodilne galerije na svetu: Narodni muzej zahodne umetnosti (Tokio), Orangerie (Pariz). Različica naslednjega "Ribnika z vodnimi lilijami" je šla v roke neznanemu kupcu za rekordni znesek.

11

Lažna zvezda t

Avtor

Jasper Johns

Država ZDA
Leto rojstva 1930
Slog pop art

Leta 1949 je Jones vstopil v šolo za oblikovanje v New Yorku. Poleg Jacksona Pollocka, Willema de Kooninga in drugih je priznan kot eden glavnih umetnikov 20. stoletja. Leta 2012 je prejel predsedniško medaljo svobode, najvišje civilno odlikovanje v ZDA.

137,2x170,8 cm
1959
cena
80 milijonov dolarjev
prodano leta 2006
na zasebni dražbi

Tako kot Marcel Duchamp je tudi Jones delal z resničnimi predmeti, jih upodabljal na platnu in v kiparstvu v popolnem skladu z izvirnikom. Za svoja dela je uporabljal preproste in razumljive predmete: steklenico piva, zastavo ali karte. V filmu False Start ni jasne kompozicije. Zdi se, kot da se umetnik poigrava z gledalcem, pogosto »napačno« označuje barve na sliki, obrne sam koncept barve: »Želel sem najti način upodabljanja barve, da bi jo lahko določili na kakšen drug način.« Njegovo najbolj eksplozivno in "nesamozavestno" sliko je po mnenju kritikov pridobil neznani kupec.

12

"Sedečgolana kavču"

Avtor

Amedeo Modigliani

Država Italija, Francija
Leta življenja 1884–1920
Slog ekspresionizem

Modigliani je bil že od otroštva pogosto bolan; med vročinskim delirijem je prepoznal svojo usodo kot umetnik. Risanje je študiral v Livornu, Firencah, Benetkah, leta 1906 pa je odšel v Pariz, kjer je njegova umetnost doživela razcvet.

65x100 cm
1917
cena
68,962 milijona dolarjev
prodano leta 2010
na dražbi Sotheby's

Leta 1917 je Modigliani spoznal 19-letno Jeanne Hebuterne, ki je postala njegov model in nato žena. Leta 2004 je bil eden od njenih portretov prodan za 31,3 milijona dolarjev, kar je bil zadnji rekord pred prodajo filma »Akt, ki sedi na kavču« leta 2010. Sliko je kupil neznani kupec po trenutno najvišji ceni za Modiglianija. Aktivna prodaja del se je začela šele po umetnikovi smrti. Umrl je v revščini, zbolel za tuberkulozo, naslednji dan pa je samomor naredila tudi Jeanne Hebuterne, ki je bila v devetem mesecu nosečnosti.

13

"Orel na boru"

Avtor

Qi Baishi

Država Kitajska
Leta življenja 1864–1957
Slog Guohua

Zanimanje za kaligrafijo je Qi Baishija pripeljalo do slikanja. Pri 28 letih je postal učenec umetnika Hu Qingyuana. Kitajsko ministrstvo za kulturo mu je podelilo naziv »veliki umetnik kitajskega ljudstva«, leta 1956 pa je prejel mednarodno nagrado za mir.

10x26 cm
1946
cena
65,4 milijona dolarjev
prodano leta 2011
na dražbi China Guardian

Qi Baishija so zanimale tiste manifestacije okoliškega sveta, ki jim mnogi ne pripisujejo pomena, in to je njegova veličina. Človek brez izobrazbe je v zgodovini postal profesor in izjemen ustvarjalec. Pablo Picasso je o njem rekel: "Bojim se iti v vašo državo, ker je na Kitajskem Qi Baishi." Kompozicija "Orel na boru" je priznana kot največje umetnikovo delo. Poleg platna vključuje dva hieroglifska zvitka. Za Kitajsko je znesek, za katerega je bilo delo odkupljeno, rekorden - 425,5 milijona juanov. Samo zvitek starodavnega kaligrafa Huanga Tingjiana je bil prodan za 436,8 milijona.

14

"1949-A-št. 1"

Avtor

Clyfford Still

Država ZDA
Leta življenja 1904–1980
Slog abstraktni ekspresionizem

Pri 20 letih sem obiskal Metropolitanski muzej umetnosti v New Yorku in bil razočaran. Kasneje se je prijavil na tečaj študentske umetniške lige, vendar je odšel 45 minut po začetku pouka - izkazalo se je, da "ni zanj". Prva osebna razstava je povzročila odmev, umetnik se je našel in s tem prepoznavnost

79 x 93 cm
1949
cena
61,7 milijona dolarjev
prodano leta 2011
na dražbi Sotheby's

Še vedno je vsa svoja dela, več kot 800 platen in 1600 del na papirju, zapustil ameriškemu mestu, kjer bodo odprli muzej, poimenovan po njem. Takšno mesto je postal Denver, a sama gradnja je bila za oblasti draga in za dokončanje so na dražbo dali štiri dela. Stillova dela najverjetneje ne bodo znova na dražbah, kar jim je vnaprej zvišalo ceno. Slika "1949-A-št. 1" je bila prodana za umetnikov rekordni znesek, čeprav so strokovnjaki predvidevali prodajo za največ 25–35 milijonov dolarjev.

15

"Suprematistična kompozicija"

Avtor

Kazimir Malevič

Država Rusija
Leta življenja 1878–1935
Slog Suprematizem

Malevič je študiral slikarstvo na kijevski umetniški šoli, nato na moskovski akademiji umetnosti. Leta 1913 je začel slikati abstraktne geometrijske slike v slogu, ki ga je imenoval suprematizem (iz latinščine za "prevlado").

71 x 88,5 cm
1916
cena
60 milijonov dolarjev
prodano leta 2008
na dražbi Sotheby's

Slika je bila približno 50 let shranjena v Amsterdamskem mestnem muzeju, po 17-letnem sporu z Malevičevimi sorodniki pa jo je muzej odstopil. Umetnik je to delo naslikal istega leta kot »Manifest suprematizma«, zato je Sotheby's že pred dražbo napovedal, da ne bo šlo v zasebno zbirko za manj kot 60 milijonov dolarjev. In tako se je zgodilo. Bolje je pogledati od zgoraj: figure na platnu spominjajo na pogled zemlje iz zraka. Mimogrede, nekaj let prej so isti sorodniki razlastili še eno "suprematistično kompozicijo" iz muzeja MoMA, da bi jo prodali na dražbi Phillips za 17 milijonov dolarjev.

16

"Kopalci"

Avtor

Paul Gauguin

Država Francija
Leta življenja 1848–1903
Slog postimpresionizem

Umetnik je do sedmega leta živel v Peruju, nato pa se je z družino vrnil v Francijo, vendar so ga spomini na otroštvo nenehno gnali na potovanja. V Franciji je začel slikati in se spoprijateljil z Van Goghom. Z njim je preživel celo več mesecev v Arlesu, dokler mu Van Gogh med prepirom ni odrezal ušesa.

93,4 x 60,4 cm
1902
cena
55 milijonov dolarjev
prodano leta 2005
na dražbi Sotheby's

Leta 1891 je Gauguin organiziral prodajo svojih slik, da bi z izkupičkom odpotoval globoko na otok Tahiti. Tam je ustvaril dela, v katerih je čutiti subtilno povezanost narave in človeka. Gauguin je živel v slamnati koči, na njegovih platnih pa je cvetel tropski raj. Njegova žena je bila 13-letna Tahitianka Tehura, kar umetnika ni ustavilo pri promiskuitetnih razmerjih. Ker je zbolel za sifilisom, je odšel v Francijo. Vendar je bila tam gneča za Gauguina in vrnil se je na Tahiti. To obdobje imenujemo "drugi Tahitian" - takrat je bila naslikana slika "Kopalci", ena najrazkošnejših v njegovem delu.

17

"Narcise in prt v modrih in roza tonih"

Avtor

Henri Matisse

Država Francija
Leta življenja 1869–1954
Slog Fovizem

Leta 1889 je Henri Matisse utrpel napad slepiča. Ko je okreval po operaciji, mu je mati kupila barve. Matisse je sprva iz dolgčasa kopiral barvne razglednice, nato dela velikih slikarjev, ki jih je videl v Louvru, na začetku 20. stoletja pa je prišel do stila - fovizma.

65,2 x 81 cm
1911
cena
46,4 milijona dolarjev
prodano leta 2009
na dražbi Christie's

Slika "Narcisi in prt v modri in roza barvi" je dolgo časa pripadala Yvesu Saint Laurentu. Po smrti couturierja je njegova celotna umetniška zbirka prešla v roke njegovega prijatelja in ljubimca Pierra Bergerja, ki se je odločil, da jo bo dal na dražbo pri Christie's. Biser prodane zbirke je bila slika »Narcisi in prt v modrih in rožnatih tonih«, naslikana na navadnem prtu namesto na platnu. Kot primer fovizma je napolnjen z barvno energijo, zdi se, da barve eksplodirajo in kričijo. Iz znane serije slik na prte je danes to delo edino v zasebni zbirki.

18

"Speče dekle"

Avtor

RoyLee

htenstein

Država ZDA
Leta življenja 1923–1997
Slog pop art

Umetnik se je rodil v New Yorku, po končani šoli pa je odšel v Ohio, kjer je obiskoval umetniške tečaje. Leta 1949 je Lichtenstein prejel naziv magistra likovnih umetnosti. Njegovo zanimanje za strip in sposobnost uporabe ironije sta ga naredila za kultnega umetnika prejšnjega stoletja.

91 x 91 cm
1964
cena
44,882 milijona dolarjev
prodano leta 2012
na dražbi Sotheby's

Nekega dne je Lichtensteinu v roke padel žvečilni gumi. Sliko je iz vložka prerisal na platno in zaslovel. Ta zgodba iz njegove biografije vsebuje celotno sporočilo pop arta: potrošništvo je novi bog in v ovoju žvečilnega gumija ni nič manj lepote kot v Mona Lisi. Njegove slike spominjajo na stripe in risanke: Lichtenstein je končano podobo preprosto povečal, risal rastre, uporabil sitotisk in sitotisk. Slika "Speče dekle" je bila skoraj 50 let v lasti zbirateljev Beatrice in Philipa Gersha, katerih dediči so jo prodali na dražbi.

19

"Zmaga. Boogie-woogie"

Avtor

Piet Mondrian

Država Nizozemska
Leta življenja 1872–1944
Slog neoplastizem

Umetnik je svoje pravo ime Cornelis spremenil v Mondrian, ko se je leta 1912 preselil v Pariz. Skupaj z umetnikom Theom van Doesburgom je ustanovil gibanje Neoplasticizem. Programski jezik Piet je poimenovan po Mondrianu.

27 x 127 cm
1944
cena
40 milijonov dolarjev
prodano leta 1998
na dražbi Sotheby's

Najbolj »glasbeni« umetnik 20. stoletja se je preživljal z akvarelnimi tihožitji, čeprav je zaslovel kot neoplastik. V štiridesetih letih prejšnjega stoletja se je preselil v ZDA in tam preživel preostanek življenja. Jazz in New York sta ga najbolj navdihnila! Slika "Zmaga. Boogie-Woogie" je najboljši primer tega. Značilni čisti kvadrati so bili doseženi z uporabo lepilnega traku, Mondrianovega najljubšega materiala. V Ameriki so ga imenovali "najslavnejši priseljenec". V šestdesetih letih je Yves Saint Laurent izdal svetovno znane obleke Mondrian z velikim barvnim karo potiskom.

20

"Skladba št. 5"

Avtor

VasilijKandinski

Država Rusija
Leta življenja 1866–1944
Slog avantgarda

Umetnik je bil rojen v Moskvi, njegov oče pa je bil iz Sibirije. Po revoluciji je poskušal sodelovati s sovjetsko vlado, a je kmalu spoznal, da zakoni proletariata niso ustvarjeni zanj, in ne brez težav je emigriral v Nemčijo.

275x190 cm
1911
cena
40 milijonov dolarjev
prodano leta 2007
na dražbi Sotheby's

Kandinski je bil eden prvih, ki je popolnoma opustil objektno slikanje, za kar je prejel naziv genij. V času nacizma v Nemčiji so njegove slike uvrščali med »izrojeno umetnost« in niso bile nikjer razstavljene. Leta 1939 je Kandinski prevzel francosko državljanstvo in v Parizu svobodno sodeloval v umetniškem procesu. Njegove slike »zvenijo« kot fuge, zato se mnoge imenujejo »kompozicije« (prva je nastala leta 1910, zadnja leta 1939). "Kompozicija št. 5" je eno ključnih del tega žanra: "Beseda "kompozicija" mi je zvenela kot molitev," je dejal umetnik. Za razliko od mnogih svojih sledilcev je načrtoval, kaj bo upodobil na ogromnem platnu, kot bi pisal zapiske.

21

"Študija ženske v modrem"

Avtor

Fernand Léger

Država Francija
Leta življenja 1881–1955
Slog kubizem-postimpresionizem

Léger je prejel arhitekturno izobrazbo in se nato udeležil Ecole des Beaux-Arts v Parizu. Umetnik se je imel za Cezannovega privrženca, bil je apologet kubizma, v 20. stoletju pa je bil uspešen tudi kot kipar.

96,5x129,5 cm
1912–1913
cena
39,2 milijona dolarjev
prodano leta 2008
na dražbi Sotheby's

David Norman, predsednik mednarodnega oddelka za impresionizem in modernizem pri Sotheby's, meni, da je ogromen znesek, plačan za "Damo v modrem", povsem upravičen. Slika spada v znamenito zbirko Léger (umetnik je naslikal tri slike na isto temo, zadnja je danes v zasebnih rokah. - ur.), površina platna pa je ohranjena v izvirni obliki. Avtor je to delo podaril galeriji Der Sturm, nato je pristalo v zbirki Hermanna Langa, nemškega zbiralca modernizma, zdaj pa je v lasti neznanega kupca.

22

"Ulična scena. Berlin"

Avtor

Ernst LudwigKirchner

Država Nemčija
Leta življenja 1880–1938
Slog ekspresionizem

Za nemški ekspresionizem je Kirchner postal ikonična oseba. Vendar so ga lokalne oblasti obtožile privrženosti "degenerirani umetnosti", kar je tragično vplivalo na usodo njegovih slik in življenje umetnika, ki je leta 1938 naredil samomor.

95 x 121 cm
1913
cena
38,096 milijona dolarjev
prodano leta 2006
na dražbi Christie's

Po selitvi v Berlin je Kirchner ustvaril 11 skic uličnih prizorov. Navdihnila sta ga vrvež in nervoza velemesta. Na sliki, ki je bila leta 2006 prodana v New Yorku, se še posebej močno čuti umetnikovo tesnobno stanje: ljudje na berlinski ulici so podobni pticam - graciozni in nevarni. To je bilo zadnje delo iz slavne serije, prodano na dražbi; ostala hranijo v muzejih. Leta 1937 so nacisti s Kirchnerjem ravnali ostro: 639 njegovih del so odstranili iz nemških galerij, jih uničili ali prodali v tujino. Umetnik tega ni mogel preživeti.

23

"Počitnikovalka"plesalka"

Avtor

Edgar Degas

Država Francija
Leta življenja 1834–1917
Slog impresionizem

Degasova zgodovina kot umetnika se je začela z njegovim delom kopista v Louvru. Sanjal je, da bi postal »slaven in neznan« in na koncu mu je uspelo. Ob koncu svojega življenja, gluh in slep, je 80-letni Degas še naprej obiskoval razstave in dražbe.

64 x 59 cm
1879
cena
37,043 milijona dolarjev
prodano leta 2008
na dražbi Sotheby's

»Balerine so bile zame vedno le izgovor za upodabljanje tkanin in zajemanje gibanja,« je dejal Degas. Zdi se, da so bili prizori iz življenja plesalk vohunjeni: dekleta ne pozirajo umetniku, ampak preprosto postanejo del atmosfere, ki jo ujame Degasov pogled. "Počivajoča plesalka" je bila leta 1999 prodana za 28 milijonov dolarjev, manj kot 10 let kasneje pa je bila kupljena za 37 milijonov dolarjev - danes je to najdražje delo umetnika, ki je bilo kdaj dano na dražbo. Degas je posvečal veliko pozornost okvirjem, jih sam oblikoval in prepovedal njihovo spreminjanje. Zanima me kakšen okvir je nameščen na prodani sliki?

24

"Slikarstvo"

Avtor

Joan Miro

Država Španija
Leta življenja 1893–1983
Slog abstraktna umetnost

Med špansko državljansko vojno je bil umetnik na republikanski strani. Leta 1937 je pred fašističnim režimom pobegnil v Pariz, kjer je z družino živel v revščini. V tem obdobju je Miro naslikal sliko »Pomagajte Španiji!«, s katero je ves svet opozoril na prevlado fašizma.

89 x 115 cm
1927
cena
36,824 milijona dolarjev
prodano leta 2012
na dražbi Sotheby's

Drugi naslov slike je "Modra zvezda". Umetnik jo je naslikal istega leta, ko je napovedal: "Želim ubiti slikarstvo" in se neusmiljeno norčeval iz platnov, praskal barvo z žeblji, lepil perje na platno, pokrival dela s smetmi. Njegov cilj je bil razbliniti mite o skrivnostnosti slikarstva, a ko je bil kos temu, je Miro ustvaril svoj mit - nadrealistično abstrakcijo. Njegova “Slika” spada v cikel “sanjskih slik”. Na dražbi so se zanjo borili štirje kupci, vendar je en inkognito telefonski klic rešil spor in "Slika" je postala umetnikova najdražja slika.

25

"Modra vrtnica"

Avtor

Yves Klein

Država Francija
Leta življenja 1928–1962
Slog enobarvno slikanje

Umetnik je bil rojen v slikarski družini, vendar je študiral orientalske jezike, navigacijo, obrt pozlatarja okvirjev, zen budizem in še veliko več. Njegova osebnost in predrzne norčije so bile mnogokrat bolj zanimive kot enobarvne slike.

153x199x16 cm
1960
cena
36,779 milijona dolarjev
prodan leta 2012
na dražbi Christie's

Prva razstava monokromatskih rumenih, oranžnih in roza del ni vzbudila zanimanja javnosti. Klein je bil užaljen in je naslednjič predstavil 11 enakih platen, poslikanih z ultramarinom, pomešanim s posebno sintetično smolo. To metodo je celo patentiral. Barva se je v zgodovino zapisala kot »mednarodna Klein modra«. Umetnik je prodajal tudi praznino, ustvarjal slike tako, da je papir izpostavljal dežju, zažigal karton, delal odtise človeškega telesa na platno. Z eno besedo, eksperimentiral sem, kolikor sem lahko. Za ustvarjanje “Blue Rose” sem uporabila suhe pigmente, smole, kamenčke in naravno gobo.

26

"V iskanju Mojzesa"

Avtor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Država Združeno kraljestvo
Leta življenja 1836–1912
Slog neoklasicizem

Sam Sir Lawrence je svojemu priimku dodal predpono »alma«, da bi bil lahko na prvem mestu v umetniških katalogih. V viktorijanski Angliji so bile njegove slike tako iskane, da je bil umetnik nagrajen z viteškim naslovom.

213,4 x 136,7 cm
1902
cena
35,922 milijona dolarjev
prodano leta 2011
na dražbi Sotheby's

Glavna tema Alma-Tademinega dela je bila antika. V svojih slikah je poskušal do najmanjših podrobnosti upodobiti dobo rimskega imperija, za to je celo izvedel arheološka izkopavanja na Apeninskem polotoku, v svoji londonski hiši pa je reproduciral zgodovinsko notranjost tistih let. Mitološke teme so postale še en vir navdiha zanj. Umetnik je bil v času svojega življenja zelo iskan, po smrti pa je bil hitro pozabljen. Zdaj se zanimanje oživlja, kar dokazuje cena slike "V iskanju Mojzesa", ki je sedemkrat višja od ocene pred prodajo.

27

"Portret spečega golega uradnika"

Avtor

Lucian Freud

Država Nemčija,
Združeno kraljestvo
Leta življenja 1922–2011
Slog figurativno slikarstvo

Umetnik je vnuk Sigmunda Freuda, očeta psihoanalize. Po uveljavitvi fašizma v Nemčiji je njegova družina emigrirala v Veliko Britanijo. Freudova dela so v muzeju Wallace Collection v Londonu, kjer doslej ni razstavljal noben sodoben umetnik.

219,1x151,4 cm
1995
cena
33,6 milijona dolarjev
prodano leta 2008
na dražbi Christie's

Medtem ko so modni umetniki 20. stoletja ustvarjali pozitivne »barvne lise na steni« in jih prodajali za milijone, je Freud slikal izjemno naturalistične slike in jih prodajal še dražje. "Ujamem krike duše in trpljenje bledečega mesa," je dejal. Kritiki menijo, da je vse to "dediščina" Sigmunda Freuda. Slike so bile tako aktivno razstavljene in uspešno prodane, da so strokovnjaki začeli dvomiti: ali imajo hipnotične lastnosti? Portret golega spečega uradnika, ki je bil po poročanju Suna prodan na dražbi, je kupil poznavalec lepote in milijarder Roman Abramovič.

28

"Violina in kitara"

Avtor

Xen Gris

Država Španija
Leta življenja 1887–1927
Slog kubizem

Rojen v Madridu, kjer je diplomiral na Šoli za umetnost in obrt. Leta 1906 se je preselil v Pariz in vstopil v krog najvplivnejših umetnikov tiste dobe: Picassa, Modiglianija, Braquea, Matissa, Légerja, sodeloval pa je tudi s Sergejem Djagiljevim in njegovo skupino.

5x100 cm
1913
cena
28,642 milijona dolarjev
prodano leta 2010
na dražbi Christie's

Gris se je po lastnih besedah ​​ukvarjal s »ploskovno, barvno arhitekturo«. Njegove slike so natančno premišljene: ni pustil niti ene naključne poteze, zaradi česar je ustvarjalnost podobna geometriji. Umetnik je ustvaril svojo različico kubizma, čeprav je zelo spoštoval Pabla Picassa, očeta gibanja. Naslednik mu je celo posvetil svoje prvo delo v kubističnem slogu, "Poklon Picassu". Slika "Violina in kitara" je priznana kot izjemna v umetnikovem delu. V času svojega življenja je bil Gris znan in naklonjen kritikom in umetnostnim kritikom. Njegova dela so razstavljena v največjih svetovnih muzejih in jih hranijo v zasebnih zbirkah.

29

"PortretPolja Eluarda"

Avtor

Salvador Dali

Država Španija
Leta življenja 1904–1989
Slog nadrealizem

"Nadrealizem sem jaz," je rekel Dali, ko so ga izključili iz nadrealistične skupine. Sčasoma je postal najbolj znan nadrealistični umetnik. Dalijeva dela so povsod, ne samo v galerijah. Na primer, prav on se je domislil embalaže za Chupa Chups.

25x33 cm
1929
cena
20,6 milijona dolarjev
prodano leta 2011
na dražbi Sotheby's

Leta 1929 sta pesnik Paul Eluard in njegova ruska žena Gala prišla na obisk k velikemu provokatorju in prepirljivcu Daliju. Srečanje je bilo začetek več kot pol stoletja dolge ljubezenske zgodbe. Med tem zgodovinskim obiskom je bila naslikana slika »Portret Paula Eluarda«. »Čutil sem, da mi je zaupana odgovornost, da ujamem obraz pesnika, s katerega Olimpa sem ukradel eno od muz,« je dejal umetnik. Preden je spoznal Galo, je bil devičnik in se je gnusil ob misli na seks z žensko. Ljubezenski trikotnik je obstajal do Eluardove smrti, potem pa je nastal duet Dali-Gala.

30

"obletnica"

Avtor

Marc Chagall

Država Rusija, Francija
Leta življenja 1887–1985
Slog avantgarda

Moishe Segal se je rodil v Vitebsku, a je leta 1910 emigriral v Pariz, spremenil ime in se zbližal z vodilnimi avantgardnimi umetniki tiste dobe. V tridesetih letih prejšnjega stoletja, med prevzemom oblasti s strani nacistov, je s pomočjo ameriškega konzula odšel v ZDA. V Francijo se je vrnil šele leta 1948.

80x103 cm
1923
cena
14,85 milijona dolarjev
prodan 1990
na dražbi Sotheby's

Slika "Obletnica" je priznana kot eno najboljših umetnikovih del. Vsebuje vse značilnosti njegovega dela: fizični zakoni sveta so izbrisani, občutek pravljičnosti je ohranjen v kulisah meščanskega življenja, ljubezen je v središču zapleta. Chagall ljudi ni risal iz življenja, ampak samo iz spomina ali domišljije. Slika "Obletnica" prikazuje umetnika samega in njegovo ženo Belo. Slika je bila prodana leta 1990 in od takrat ni bila več na dražbi. Zanimivo je, da newyorški muzej moderne umetnosti MoMA hrani popolnoma enakega, le pod imenom "Birthday". Mimogrede, napisano je bilo prej - leta 1915.

pripravili projekt
Tatjana Palasova
ocena je bila sestavljena
po seznamu www.art-spb.ru
tmn revija št.13 (maj-junij 2013)

Nemški slikar Franz Xaver Winterhalter je najbolj znan po svojih portretih lepih dam 19. stoletja. Rodil se je leta 1805 v Nemčiji, a se je po strokovni izobrazbi preselil v Pariz, kjer je bil imenovan za dvornega umetnika na kraljevem dvoru. Cela serija portretov družine visoke družbe je umetnika naredila neverjetno priljubljenega. In postal je še posebej priljubljen med družabnimi damami, saj je spretno združil portretno podobnost s sposobnostjo "predstavitve" predmeta svojega dela. Vendar so ga kritiki obravnavali zelo, zelo hladnokrvno, kar pa mu ni preprečilo, da bi postal vse bolj priljubljen med damami visoke družbe ne samo v Franciji, ampak po vsem svetu. Alexandre Dumas je rekel to o njem Dame mesece čakajo, da pridejo na vrsto v Winterhalterjevem studiu ... prijavijo se, imajo serijske številke in čakajo - ene leto, druge osemnajst mesecev, tretje dve leti. Najbolj naslovljeni imajo prednosti. Vse dame sanjajo, da bi imele v svojem budoarju Winterhalterjev portret ... Dame iz Rusije niso ušle enaki usodi.

Med njegovimi najbolj znanimi deli so portreti cesarice Evgenije (njegov najljubši model).

in cesarica Elizabeta Bavarska (1865).
Tukaj se moramo ustaviti in ustaviti ...
Kako je vse povezano na tem svetu! Habsburžani in življenje Elizabete, njen odnos s taščo, usoda njenega sina Rudolfa in film "Mayerling", zgodovina Avstro-Ogrske in vloga Ave Gardner in mene, majhne provincialke. ženska, ki zbira Franzove portrete in napeto bulji v računalniški monitor...
V enciklopediji sem bral o Sissyjinem življenju, o njenih otrocih, se spomnil filma in gledal portrete in fotografije ...
Slikarstvo je res okno v zemeljski svet in v svet znanja ...

Franz Xaver Winterhalter se je rodil 20. aprila 1805 v majhni vasici Mensenschwad v Schwarzwaldu, Baden. Bil je šesti otrok v družini Fidela Winterhalterja, kmeta in proizvajalca smol, in njegove žene Eve Meyer, ki je izhajala iz stare družine Menzenschwand. Od Franzovih osmih bratov in sester so preživeli le štirje.

Njegov oče, čeprav kmečkega porekla, je pomembno vplival na umetnikovo življenje.

Vse življenje je bil Winterhalter tesno povezan s svojo družino, zlasti z bratom Hermannom (1808–1891), ki je bil prav tako umetnik.

Po šolanju v benediktinskem samostanu v Blazinu leta 1818 je trinajstletni Winterhalter zapustil Menzenschwand, da bi študiral risanje in graverstvo.
Litografijo in risanje je študiral v Freiburgu v ateljeju Karla Ludwiga Schulerja (1785-1852). Leta 1823, ko je bil star osemnajst let, je s podporo industrialca barona von Eichtala odšel v München.
Leta 1825 je prejel štipendijo velikega vojvode Badna in začel študij na münchenski Akademiji za umetnost pod vodstvom Petra Corneliusa, vendar mlademu umetniku niso bile všeč njegove metode poučevanja in Winterhalterju je uspelo najti drugo učitelj, ki ga je lahko učil posvetnega portretiranja, in to je bil Joseph Stieler.
Hkrati se je Winterhalter preživljal kot litograf.

Winterhalterjev vstop v dvorne kroge se je zgodil leta 1828 v Karlsruheju, ko je postal učitelj risanja grofice Sofije Badenske. Ugodna priložnost, da si ustvari ime daleč od južne Nemčije, se je umetniku ponudila leta 1832, ko je s podporo velikega vojvode Leopolda Badenskega imel priložnost odpotovati v Italijo (1833-1834).

V Rimu je slikal slike romantičnega žanra v slogu Louis-Leopolda Roberta in se zbližal z direktorjem Francoske akademije Horaceom Vernetom.

Po vrnitvi v Karlsruhe je Winterhalter naslikal portrete velikega vojvode Leopolda Badenskega in njegove žene ter postal vojvodski dvorni slikar.

Vendar je zapustil Baden in se preselil v Francijo,

kjer je na razstavi leta 1836 pozornost pritegnila njegova žanrska slika "Il dolce Farniente",

leto kasneje pa je bil hvaljen tudi Il Decameron. Obe deli sta akademski sliki v slogu Rafaela.
Na Salonu leta 1838 so predstavili portret princa Wagramskega s svojo mlado hčerko.
Slike so bile uspešne in Franzova kariera portretista je bila zagotovljena.

Eno leto je naslikal Louise Marie d'Orléans, kraljico Belgije in njenega sina.

Morda je prav zaradi te slike Winterhalterja spoznala Marie Amalia iz Neaplja, francoska kraljica, mati belgijske kraljice.

Tako je v Parizu Winterhalter hitro postal moden. Imenovan je bil za dvornega umetnika francoskega kralja Ludvika Filipa, ki mu je zaupal ustvarjanje posameznih portretov svoje velike družine. Winterhalter je moral zanj opraviti več kot trideset naročil.

Ta uspeh je umetniku prinesel sloves strokovnjaka za dinastično in plemiško portretiranje: z mojstrskim združevanjem natančne portretne podobe s subtilno laskavostjo je državniški pomp upodobil na živahen, sodoben način. Naročila so sledila ena za drugo...

V umetniških krogih pa so Winterhalterja obravnavali drugače.
Kritiki, ki so hvalili njegov prvenec na Salonu 1936, so ga zavrnili kot umetnika, ki ga ni mogoče jemati resno. Ta odnos se je ohranil skozi celotno Winterhalterjevo kariero in je njegovo delo izločil v hierarhiji slikarstva.

Sam Winterhalter je na svoja prva vladna naročila gledal kot na začasno stopnjo, preden se je vrnil k slikanju objektov in obnovil akademsko avtoriteto; izkazal se je za žrtev lastnega uspeha in za svoj mir je moral delati skoraj izključno v portretnem žanru. To je bilo področje, na katerem ni bil samo vešč in uspešen, ampak mu je uspelo tudi obogateti.
Toda Winterhalter je prejel mednarodno slavo in pokroviteljstvo kraljeve družine.

Med njegovimi številnimi kraljevimi modeli je bila kraljica Viktorija. Winterhalter je prvič obiskal Anglijo leta 1842 in se tja večkrat vrnil, da bi naslikal portrete Victorie, princa Alberta in njihove rastoče družine, zanje pa je ustvaril skupno približno 120 del. Večina slik je v kraljevi zbirki in so na voljo za ogled v Buckinghamski palači in drugih muzejih.

Winterhalter je naslikal tudi več portretov predstavnikov angleške aristokracije, ki so bili večinoma del dvornega kroga.

Padec Louisa Philippa leta 1848 ni vplival na umetnikov ugled. Winterhalter se je preselil v Švico in delal po naročilih v Belgiji in Angliji.
Pariz ostaja umetnikovo rojstno mesto: prekinitev naročil za portrete v Franciji mu je omogočila vrnitev k tematskemu slikarstvu in obračanje k španskim legendam.

Tako se je pojavila slika "Florinda" (1852, Metropolitanski muzej umetnosti, New York), ki je veselo praznovanje ženske lepote.
Istega leta je predlagal poroko, a je bil zavrnjen; Winterhalter je ostal samec, predan svojemu delu.

Po nastopu Napoleona III. na prestol je umetnikova priljubljenost opazno narasla. Od tega časa naprej je Winterhalter postal glavni portretist cesarske družine in francoskega dvora.

Lepa Francozinja cesarica Eugenie je postala njegova najljubša manekenka in je umetnika obravnavala naklonjeno.

Leta 1855 je Winterhalter naslikal svojo mojstrovino »Cesarica Evgenija, obkrožena s svojimi dvorskimi damami«, kjer jo prikazuje v podeželskem okolju, kako nabira rože s svojimi dvorskimi damami. Slika je bila dobro sprejeta, razstavljena na javni ogled in do danes ostaja morda mojstrovo najbolj znano delo.

Leta 1852 odpotuje v Španijo, da bi slikal kraljico Izabelo II., ki dela za portugalsko kraljevo družino. Tudi predstavniki ruske aristokracije, ki so prišli v Pariz, so bili veseli, da so prejeli svoj portret od slavnega mojstra.
Winterhalter je bil kot kraljevi umetnik nenehno povpraševan na dvorih v Veliki Britaniji (od leta 1841), Španiji, Belgiji, Rusiji, Mehiki, Nemčiji in Franciji.

Starinsko tihožitje, "Šopek z makom", Zahodna Evropa. Druga tretjina 19. stoletja

Starinsko tihožitje "Šopek z grozdjem in breskvami". Zahodna Evropa, 1839.

Gorska pokrajina z ruševinami gradu. Zahodna Evropa, 1846.

Počitnice v parku. Zahodna Evropa 1903

Portret dekleta. Zahodna Evropa, prva polovica 19. stoletja.

Grozdje in rože. Zahodna Evropa, konec 19. stoletja.

Jabolka in grozdje. Zahodna Evropa. Prva tretjina 20. stoletja

Vintage tihožitje z grozdjem in sadjem. Zahodna Evropa, 1869

Starinsko tihožitje z rožami. Zahodna Evropa, 1821

Starinsko tihožitje z nageljni. Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Vintage tihožitje z melono, jabolki in grozdjem. Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Starinsko tihožitje vaza s krizantemami. Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Vintage tihožitje z grozdjem in breskvami. Zahodna Evropa, 1876.

Vintage tihožitje vaza z bučami. Zahodna Evropa, konec 19. stoletja.

Bitka angleške konjenice s francosko pehoto. Zahodna Evropa, druga polovica 19. stoletja.

Starinsko tihožitje s češnjami in grozdjem. Zahodna Evropa, sredina 19. stoletja.

Nizozemska zimska pokrajina. Zahodna Evropa, druga polovica 10. stoletja.

Starinsko tihožitje: floks. Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja

Nabrežje. Zahodna Evropa, konec 19. stoletja

Morska pokrajina. Zahodna Evropa, konec 19. stoletja

Antično tihožitje: astre v izrezljani leseni vazi Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja

Starodavno tihožitje: rože na ozadju vodnjaka. Zahodna Evropa, Nizozemska, sredina 19. stoletja

Antična slika: "Nizozemsko tihožitje". Zahodna Evropa, začetek 18. stoletja

Starinsko tihožitje: šopek rož. Zahodna Evropa, konec 19. stoletja

Starodavna pokrajina: "Na obali jezera." Zahodna Evropa, 1894.

Starodavna slika: "Gozdni slap". Zahodna Evropa, konec 19. stoletja.

Starodavna slika: "Cancan". Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Starodavna slika: "Fant pri štedilniku". Zahodna Evropa, konec 19. stoletja.

Starodavna slika: "Pokrajina z jezdecem". Zahodna Evropa, konec 17. stoletja.

Starinsko tihožitje: tulipani v kitajski vazi. Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja

Starodavna slika: "Jesenska pokrajina". Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Starinsko tihožitje: "Rože". Zahodna Evropa, 1885.

Starinsko tihožitje: "Vaza z astrami in hortenzijami." Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Starodavna slika: "Mestna pokrajina". Zahodna Evropa, druga polovica 19. stoletja.

Starodavna slika: "Šopek krizantem". Zahodna Evropa, prva polovica 20. stoletja.

Starodavna slika: "Panorama Pariza s pogledom na Ile de la Cité." Zahodna Evropa, 1840.

Antični akvarel: "Portret umetnikovih otrok" iz Rubensove slike. Zahodna Evropa, 1830.

Starodavna slika: "Na verandi hotela." Zahodna Evropa, 1878.

Starodavna slika: "Pri vodnjaku". Zahodna Evropa, 1877.

Starinsko tihožitje: "Sadje in rože". Zahodna Evropa, 1886.

Starinska slika: "Slap v gorah." Zahodna Evropa, 1852.

Starodavna slika: "Vzorec vina". Zahodna Evropa, konec 19. stoletja.

Starodavna slika: "Čoln v Neapeljskem zalivu." Zahodna Evropa, konec 19. stoletja

Starodavna slika: "Mušketir z vrčem vina." Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja.

Antična slika: "Cornish Coast". Zahodna Evropa, začetek 20. stoletja. Umetnik: G. Berlau,

Starodavna slika: "Dvorišče Palazzo Vecchio v Firencah." Zahodna Evropa, zadnja četrtina 19. stoletja

Starinsko tihožitje: "Jesensko cvetje v lončkih." Zahodna Evropa, druga polovica 19. stoletja.

Starodavna slika: "Nizozemsko pristanišče". Zahodna Evropa, umetnik: Jan KUYPERS

Starodavna slika: "Mlinar orgel in mušketirji." Zahodna Evropa, 1882.

Starodavno slikarstvo: "nizozemska žanrska scena". Zahodna Evropa, prva polovica 19. stoletja.

Starodavna slika: "Tihožitje z vrtnicami". Zahodna Evropa, 1877

Obalna pokrajina s čolni in jadrnicami. Zahodna Evropa, 1877 Umetnik: Moris H

Starodavna slika: "Gorska reka v gozdu." Zahodna Evropa, 1900

Starodavna slika: "Psi". Zahodna Evropa, 1899

Starodavna slika: "Lov na jelene". Zahodna Evropa, 1840-1850

Starodavna slika: "Italijanska pokrajina z reko." Zahodna Evropa, 1835.

Starodavna slika: "V hlevu". Zahodna Evropa, sredina 19. stoletja. Umetnik: Wouterus I VERSCHUUR

Starodavna slika: "Italijanska žanrska scena". Zahodna Evropa, Italija, 1844. Umetnik: Rauch I. N.

Zanimivo mi je: Slovani so toliko blebetali o "neoprani Evropi". Zakaj Slovani niso mogli za seboj pustiti enakih podob kot v Evropi istega obdobja: časi vojne Tsariruski-Konde, kraljeva družina, s Slovani v letih 1853-1921?

Kaj so Slovani: Nikolaevski judovski sovjetski vojaki stare rdeče (pruske) garde Elston-Sumarokov počeli v Rusiji, ki so jo zajeli, v letih 1861-1921? ?

Tako kot so Judu Puškinu, potomcu grdih črncev, odpravili suženjstvo in Judom dali vse pravice, niso naredili nič vrednega v Rusiji, ki so jo zavzeli. Samo pravice za Jude od leta 1861 - to so vse pridobitve slovanske revolucije judovskih sovjetskih vojakov Elston-Sumarokov. Za kaj se je z ruskimi carji v letih 1853-1921 bojevala vsa Rdeča (sovjetska) armada Slovanov, kanaanskega ljudstva?

Kaj pa to? Zlobni Tsariruski-Konde, beli generali, so odšli v Pariz z vsem Sankt Peterburgom in Moskvo in poslali v pekel Slovane, naše podložnike, davnega leta 1854, veliko pred suženjstvom judovskih vojakov Elston-Sumarokov. In zavrnili so financiranje materialne in moralne blaginje slovanskih judovskih sovjetskih kmetov, stare rdeče (pruske) garde.

In kdo bo delal?! Pa nismo mi, slovanski sovjetski kmetje, stara rdeča (pruska) garda, diktatura proletariata!

Še dobro, da jih vsaj celotna Rdeča (judovska) armada Slovanov Elstona-Sumarokova v letih 1853-1871 ni spustila v Evropo. Tsariruski-Konde, beli kralji angelov, so zbežali iz Evrope. Sicer bi Evropa zdaj stala v enaki obliki kot Rusija, ki so jo zajeli Slovani, po 150 letih sovjetske okupacije Slovanov: judovski sovjetski vojaki, stara rdeča (pruska) garda.