Flamsko slikarstvo, Rubensova tehnika pisanja. Flamsko slikarstvo. Skrivnosti izdelave materialov za oljno sliko

"Flamska metoda dela z oljnimi barvami."

A. Arzamastcev.
"Mladi umetnik" št. 3 1983.

Tukaj so dela renesančnih umetnikov: Jan van Eyck, Petrus Christus, Pieter Bruegel in Leonardo da Vinci. Ta dela različnih avtorjev in različnih zapletov združuje ena metoda pisanja - flamska metoda slikanja.

Zgodovinsko gledano je to prva metoda dela z oljnimi barvami, legenda pa njen izum, kot tudi izum samih barv, pripisuje bratoma van Eyck. Flamska metoda ni bila priljubljena le v severni Evropi.

Prinesli so jo v Italijo, kjer so se vsi zatekali po njej največji umetniki renesanse do Tiziana in Giorgioneja. Obstaja mnenje, da na ta način italijanski umetniki so svoja dela napisali veliko pred bratoma van Eyck.

Ne bomo se spuščali v zgodovino in razjasnjevali, kdo jo je prvi uporabil, ampak bomo poskušali govoriti o sami metodi.

Brata Van Eyck.
Gentski oltar. Adam. Fragment.
1432.
Olje, les.

Brata Van Eyck.
Gentski oltar. Fragment.
1432.
Olje, les.

Sodobne študije umetniških del nam omogočajo sklepati, da je slikarstvo v starem Flamski mojstri vedno izvajamo na belem lepilnem temeljnem premazu.

Barve so bile nanesene v tankem lazurnem sloju in to tako, da so bile ne le vse plasti poslikave, temveč tudi bela temeljni premaz, ki skozi barvo sveti sliko od znotraj.

Omeniti velja tudi praktično odsotnost bele barve v poslikavi, z izjemo tistih primerov, ko so bila naslikana bela oblačila ali draperije. Včasih jih še najdemo v najmočnejši svetlobi, a tudi takrat le v obliki najfinejših glazur.

Petrus Kristus.
Portret mladega dekleta.
XV stoletje.
Olje, les.

Vsa dela na sliki so potekala v strogem zaporedju. Začelo se je z risbo na debelem papirju v velikosti bodoče slikanje. Rezultat je bil tako imenovani "karton". Primer takega kartona je risba Leonarda da Vincija za portret Isabelle d’Este.

Leonardo da Vinci.
Karton za portret Isabelle d'Este.
1499.
Premog, sanguine, pastel.

Naslednja faza dela je prenos risbe na tla. Da bi to naredili, je bil z iglo preboden po celotni konturi in mejah senc. Nato smo karton položili na belo brušen temeljni premaz, nanešen na ploščo, in dizajn prenesli z ogljem v prahu. Ko je premog vstopil v luknje, narejene v kartonu, je pustil svetle obrise dizajna na podlagi slike.

Da bi ga zavarovali, so sledi oglja risali s svinčnikom, peresom ali ostro konico čopiča. V tem primeru so uporabili črnilo ali kakšno prozorno barvo. Umetniki nikoli niso slikali neposredno na podlago, saj so se bali, da bi zmotili njeno belino, ki je imela, kot že omenjeno, vlogo najsvetlejšega tona pri slikanju.

Po prenosu risbe smo se lotili senčenja s transparentom rjava barva, pri čemer poskrbite, da zemlja povsod sije skozi svojo plast. Senčenje je bilo izvedeno s tempero ali oljem. V drugem primeru, da bi preprečili vpijanje barvnega veziva v zemljo, smo ga prekrili z dodatno plastjo lepila.

Na tej stopnji dela je umetnik rešil skoraj vse naloge bodoče slike, z izjemo barve. Pozneje ni bilo sprememb risbe ali kompozicije in že v tej obliki je bilo delo umetniško delo.

Včasih je bila celotna slika pred zaključkom v barvah pripravljena v tako imenovanih »mrtvih barvah«, torej hladnih, svetlih, nizkointenzivnih tonih. Ta priprava je prevzela zaključni glazurni sloj barve, s pomočjo katerega je celotno delo dobilo življenje.

Seveda smo risali splošna shema Flamski način slikanja. Seveda je vsak umetnik, ki ga je uporabljal, vanjo vnesel nekaj svojega. Iz biografije umetnika Hieronymusa Boscha na primer vemo, da je slikal v enem koraku, po poenostavljeni flamski metodi.

Hkrati so njegove slike zelo lepe, barve pa se skozi čas niso spremenile. Kot vsi njegovi sodobniki si je pripravil bel, tanek temeljni premaz, na katerega je prenesel najbolj podrobno risbo. Senčila sem jo z rjavo tempera barvo, nato pa sliko prekrila s plastjo prozornega laka v meseni barvi, ki je zemljo izolirala pred vdorom olja iz naslednjih barvnih plasti.

Po sušenju slike je preostalo le še prebarvanje ozadja z glazurami vnaprej sestavljenih tonov in delo je bilo zaključeno. Le včasih so ponekod dodatno pobarvali še z drugo plastjo za izboljšanje barve. Pieter Bruegel je svoja dela pisal na podoben ali zelo podoben način.

Pieter Bruegel.
Lovci v snegu. Fragment.
1565.
Olje, les.

Drugo različico flamske metode lahko zasledimo na primeru dela Leonarda da Vincija. Če pogledate njegovo nedokončano delo "Čaščenje magov", lahko vidite, da je bilo začeto na beli podlagi. Risbo, preneseno iz kartona, smo obrisali s prozorno barvo, kot je zelena zemlja.

Risba je v senci senčena z enim rjavim tonom, blizu sepiji, ki ga sestavljajo tri barve: črna, pikčasta in rdeča oker. Celotno delo je senčeno, bela podlaga ni nikjer nepopisana, tudi nebo je preparirano v istem rjavem tonu.

Leonardo da Vinci.
Oboževanje magov. Fragment.
1481-1482.
Olje, les.

V končanih delih Leonarda da Vincija je svetloba pridobljena zaradi bele podlage. Ozadja svojih del in oblačil je slikal z najtanjšimi prekrivajočimi se prozornimi nanosi barve.

Z uporabo flamske metode je Leonardo da Vinci uspel doseči izjemno upodobitev chiaroscura. Hkrati je barvni sloj enakomeren in zelo tanek.

Umetniki flamske metode niso dolgo uporabljali. Trajalo je čista oblika ne več kot dve stoletji, a veliko velikih del je nastalo prav na ta način. Poleg že omenjenih mojstrov so jo uporabljali Holbein, Dürer, Perugino, Rogier van der Weyden, Clouet in drugi umetniki.

Slike, narejene po flamski metodi, odlikuje odlična ohranjenost. Izdelane na začinjenih deskah in močnih tleh se dobro upirajo uničenju.

Praktična odsotnost beline v slikarski plasti, ki sčasoma izgubi svojo prekrivnost in s tem spremeni celoten kolorit dela, zagotavlja, da vidimo slike skoraj enake, kot so izšle iz delavnic svojih ustvarjalcev.

Glavni pogoji, ki jih je treba upoštevati pri uporabi te metode, so natančno risanje, najboljši izračuni, pravilno zaporedje dela in velika potrpežljivost.

Takoj bom rekel, da sem to majhno, prvo tihožitje (40 x 50 cm) slikal približno 2 leti. Na delavnici sem bila samo ob sobotah, pa še to ne vedno, s premori za poletje, zato je trajala tako dolgo. In samo prvo delo traja veliko dlje kot naslednje. Kot standard bi morali predvideti samo šest mesecev za delo.

Dodajam fotografije drugih del, da bo bolj jasno, poleg tega sva delali sinhrono s sestro (so posnetki, ko dve platnu stojita drug poleg drugega, vidne so različne roke :)

Obstaja veliko odtenkov, ki jih ni mogoče zajeti v enem članku. To je pregledni mojstrski tečaj za tiste, ki so olje že vzeli v roke.

torej. Postavlja se tihožitje, narisano s svinčnikom na navadnem papirju (državni znak bo dovolj). Ni samo pobarvan, ampak zgrajen. Vse osi preverimo z ravnilom, vertikale morajo biti navpične, elipse popolnoma okrogle, brez prelomov. Vse napake na risbi bodo prišle na površje in brez posledic bo nemogoče karkoli popraviti.

Ta vrsta slikanja po plasteh je zelo podobna akvarelu - vidne so vse lise spodnjih plasti. Dodatna odgovornost je, da se bo v nekaj sto letih sloj barve zredčil in bodo naši potomci videli nepopolnosti in hrošče, ki ste jih domnevno prekrili. Zaključek: vedno morate delati učinkovito.

Risba s svinčnikom je pripravljena, zdaj jo potrebujete prenos na grundirano platno(več o tem spodaj).

Da bi to naredili, je celotna risba prebodena vzdolž črt, kar ustvarja smodnik (šablono).

Zadnja stran izgleda takole:

Šablono nanesemo na platno in s puhastim čopičem vtremo ali sanina prah ali grafit, odvisno od barve imprimature.

Vrnimo se malo nazaj, platno do te točke naj bo že pripravljena in posušena. Če potrebujete hitro možnost, je primerno običajno kupljeno platno, premazano z belo barvo, na katero se nanese naravna umbra, enakomerno razredčena s terpentinom.

Če potrebujete "pravo" možnost, potem se platno raztegne ročno, zlepi in premaže z debelo plastjo mešanice titanove bele in svetilne črne barve, namaže z debelo pravokotno lopatico in pošlje na sušenje eno leto. Nato se brusi ročno. Imprimatura naj ima v obeh primerih srednji ton.

Na mojih fotografijah je povsod varianta umber imprimatura.

Ko risbo "prelijemo" na platno, vse pike previdno povežemo s sivim tušem in tako obnovimo celotno risbo.

Vnaprej bom povedal, da mora med predpisovanjem istega mesta (tehnološko sušenje) preteči 10 dni.

Potem pride oder grisaille. Meša se črno-bela gradacija s toplino in hladnostjo (desno spodaj je tabla od svetlobe do senc).

Postavitev se začne z lučmi (ne dotikajte se poudarkov). Bela + svetilno črna + naravna umbra za nevtralizacijo vijolične iz črne. Bližje sencam pride žgana umbra (bela je seveda izključena) in jekleno zrnatost.

Spomnimo se: pastozne luči, a senc se praktično ne dotikamo (naši prejšnji umber žarki).

Naslednji korak: barvna podlaga.

Ker je celotno okolje sivo, bo vsaka vnesena barva videti zelo svetla, zato bo teh stopenj več, da se kasneje dosežejo želene barve.

Na tej stopnji je vsak predmet registriran kot "prazen" samo z obliko (skoraj ponovitev grisaille) brez tekstur ali česar koli drugega.

Pa še ena barvna podslikava (in morda več kot ena)...

In šele po tem je zaključna faza (podrobnosti in poudarjanje).

Po izvedbi jo 3 mesece sušimo in krpamo :)

Prijavi moderatorju

Delal je v tehniki chiaroscuro (svetloba-senca), pri kateri so temni deli slike v kontrastu s svetlimi. Omeniti velja, da ni bila odkrita niti ena skica Caravaggia. Takoj je delal na končni različici dela.

Slikarstvo 17. stoletja v Italiji, Španiji in na Nizozemskem je sprejelo nove trende kot požirek svež zrak. V podobni tehniki so delali Italijana de Fiori in Gentileschi, Španec Ribera, Terbruggen in Barburen.
Caravaggism je močno vplival tudi na ustvarjalne faze mojstrov, kot so Peter Paul Rubens, Georges de La Tour in Rembrandt.

Obsežne slike Caravaggistov presenečajo s svojo globino in pozornostjo do podrobnosti. Pogovorimo se več o nizozemskih slikarjih, ki so delali s to tehniko.

Hendrik Terbruggen je prvi sprejel idejo. V začetku 17. stoletja je obiskal Rim, kjer je srečal Manfredija, Saracene in Gentileschija. Nizozemec je bil tisti, ki je s to tehniko začel utrechtsko slikarsko šolo.

Teme slik so realistične, zaznamuje jih nežna humornost upodobljenih prizorov. Terbruggen je pokazal ne samo posamezne trenutke sodobnega življenja, ampak tudi na novo premišljen tradicionalni naturalizem.

Honthorst je šel naprej v razvoju šole. Obrnil se je k Svetopisemske zgodbe, vendar je zaplet temeljil na vsakdanjem zornem kotu Nizozemcev 17. stoletja. Tako v njegovih slikah opazimo jasen vpliv tehnike chiaroscuro. Prav njegova dela pod vplivom caravaggistov so mu prinesla slavo v Italiji. Za svoje žanrske prizore ob soju sveč se je prijel vzdevek "nočni".

Za razliko od utrechtske šole flamski slikarji, kot sta Rubens in van Dyck, niso postali goreči zagovorniki karavagizma. Ta slog je v njihovih delih označen le kot ločena stopnja oblikovanja osebnega sloga.

Adrian Brouwer in David Teniers

V nekaj stoletjih je slikarstvo flamskih mojstrov doživelo pomembne spremembe. Naš pregled umetnikov bomo začeli z več poznejše faze, ko je prišlo do odmika od monumentalne slike k ozko usmerjenim temam.

Najprej Brouwer, nato pa Teniers mlajši, sta svojo ustvarjalnost temeljila na prizorih iz vsakdanjem življenju navadni Nizozemci. Tako Adrian, ki nadaljuje motive Pietra Bruegla, nekoliko spremeni tehniko pisanja in fokus svojih slik.

Osredotoča se na najbolj grdo stran življenja. Tipe za svoja platna išče v zakajenih, slabo osvetljenih gostilnah in gostilnah. Kljub temu Brouwerjeve slike presenečajo s svojim izrazom in globino značaja. Umetnik glavne junake skriva v globinah, v ospredje pa postavlja tihožitja.

Boj s kockami ali kartami, speči kadilec ali plešoči pijanci. Prav takšne teme so zanimale slikarja.

Ampak več pozna dela Browerji postanejo mehki, v njih humor že prevlada nad grotesknostjo in nezadržnostjo. Zdaj platna vsebujejo filozofske občutke in odražajo lagoden tempo premišljenih likov.

Raziskovalci pravijo, da so v 17. stoletju flamski umetniki začeli postajati manjši v primerjavi s prejšnjo generacijo mojstrov. Pri Teniersu Mlajšem pa le vidimo prehod od živega izraza Rubensovih mitskih subjektov in Jordaensove burleske k umirjenemu življenju kmetov.

Predvsem slednji so se osredotočili na brezskrbne trenutke vaških počitnic. Poskušal je upodobiti poroke in slavja navadnih kmetov. Poleg tega je bila posebna pozornost namenjena zunanjim podrobnostim in idealizaciji življenjskega sloga.

Frans Snyders

Tako kot Anton van Dijk, o katerem bomo govorili kasneje, je začel trenirati pri Hendriku van Balenu. Poleg tega je bil Pieter Bruegel mlajši tudi njegov mentor.

Če pogledamo dela tega mojstra, se seznanimo z drugo platjo ustvarjalnosti, s katero je flamsko slikarstvo tako bogato. Snydersove slike so popolnoma drugačne od slik njegovih sodobnikov. France je uspel najti svojo nišo in se v njej razviti do višine neprekosljivega mojstra.

Postal je najboljši v upodabljanju tihožitij in živali. Kot slikarja živali so ga drugi slikarji, zlasti Rubens, pogosto vabili k ustvarjanju določenih delov njihovih mojstrovin.

V Snydersovem delu je postopen prehod od tihožitij k zgodnja leta do lovskih prizorov v kasnejših obdobjih. Kljub vsej njegovi nenaklonjenosti do portretov in upodobitev ljudi so ti še vedno prisotni na njegovih platnih. Kako se je rešil iz situacije?

Preprosto, Francija je povabila Janssensa, Jordaena in druge mojstre, ki jih je poznal iz ceha, da ustvarijo podobe lovcev.

Tako vidimo, da slikarstvo 17. stoletja v Flandriji odraža heterogeno stopnjo prehoda iz prejšnjih tehnik in pogledov. Ni se zgodilo tako gladko kot v Italiji, vendar je svetu dalo povsem nenavadne stvaritve flamskih mojstrov.

Jakob Jordanens

Za flamsko slikarstvo 17. stoletja je značilna večja svoboda v primerjavi s prejšnjim obdobjem. Tu lahko vidite ne samo žive prizore iz življenja, ampak tudi zametke humorja. Zlasti pogosto si je dovolil, da je v svoja platna vnesel košček burleske.

V svojem delu ni dosegel večjih višin kot portretist, vendar je kljub temu postal morda najboljši pri prenašanju značaja na sliki. Tako ena od njegovih glavnih serij - "Prazniki kralja fižola" - temelji na ilustriranju ljudskega izročila, ljudski pregovori, šale in reki. Ta platna prikazujejo natrpano, veselo, razgibano življenje nizozemske družbe v 17. stoletju.

Ko smo že pri Nizozemska umetnost slikarstvu tega obdobja bomo pogosto omenjali ime Petra Paula Rubensa. Njegov vpliv se je odražal v delih večine Flamski umetniki.

Tudi Jordaens ni ušel tej usodi. Nekaj ​​časa je delal v Rubensovih delavnicah in ustvarjal skice za platna. Vendar je bil Jacob boljši pri ustvarjanju tehnik tenebrizma in chiaroscura.

Če si Jordaensove mojstrovine ogledamo pobližje in jih primerjamo z deli Petra Pavla, bomo opazili jasen vpliv slednjega. A Jakobove slike odlikujejo toplejše barve, svoboda in mehkoba.

Peter Rubens

Razprava o mojstrovinah Flamsko slikarstvo, ne moremo ne omeniti Rubensa. Peter Paul je bil že v času svojega življenja priznan mojster. Velja za virtuoza verskega in mitske teme, vendar umetnik ni pokazal nič manj talenta v tehniki krajine in portreta.

Odraščal je v družini, ki je zaradi očetovih zvijač v mladosti padla v nemilost. Kmalu po smrti staršev se njihov ugled povrne, Rubens in njegova mati pa se vrneta v Antwerpen.

Tu mladenič hitro pridobi potrebne povezave, postane stran grofice de Lalen. Poleg tega Peter Paul sreča Tobiasa, Verhachta, van Noorta. Toda Otto van Veen je imel nanj poseben vpliv kot mentor. Prav ta umetnik je imel odločilno vlogo pri oblikovanju sloga bodočega mojstra.

Po štirih letih šolanja pri Ottu Rubensu so ju sprejeli v ceh umetnikov, graverjev in kiparjev, imenovan Ceh sv. Luke. Zaključek usposabljanja je bil po dolgoletni tradiciji nizozemskih mojstrov izlet v Italijo. Tam je Peter Paul študiral in prepisoval najboljše mojstrovine to obdobje.

Ni presenetljivo, da slike flamskih umetnikov po svojih značilnostih spominjajo na tehnike nekaterih Italijanski mojstri Renesansa.

V Italiji je Rubens živel in delal pod slavni filantrop in zbiratelj Vincenzo Gonzaga. Raziskovalci imenujejo to obdobje njegovega dela mantovsko, ker je bilo v tem mestu posestvo mecena Petra Pavla.

Toda provincialna lokacija in Gonzagova želja, da bi jo uporabil, Rubensu nista bili všeč. V pismu piše, da bi Vicenzo prav tako lahko uporabil storitve portretistov in obrtnikov. Dve leti kasneje mladenič najde pokrovitelje in naročila v Rimu.

Glavni dosežek rimskega obdobja je bila slika Santa Maria in Valicella in oltar samostana v Fermu.

Po smrti matere se Rubens vrne v Antwerpen, kjer hitro postane najbolje plačani mojster. Plača, ki jo je prejemal na bruseljskem dvoru, mu je omogočala, da je živel v velikem slogu, imel veliko delavnico in veliko vajencev.

Poleg tega je Peter Pavel vzdrževal odnose z jezuitskim redom, pri katerem je bil vzgojen kot otrok. Od njih prejema naročila za notranjo opremo antwerpenske cerkve sv. Karla Boromejskega. Tu mu pomaga njegov najboljši učenec Anton van Dyck, o katerem bomo govorili kasneje.

Rubens je drugo polovico svojega življenja preživel v diplomatska predstavništva. Malo pred smrtjo si je kupil posestvo, kjer se je naselil in začel slikati krajine ter upodabljati kmečko življenje.

V delu tega velikega mojstra je še posebej očiten vpliv Tiziana in Bruegla. Najbolj znana dela so slike »Samson in Dalila«, »Lov na povodnega konja«, »Ugrabitev Leucippusovih hčera«.

Rubens je tako močno vplival na Zahodnoevropsko slikarstvo da so mu leta 1843 na Zelenem trgu v Antwerpnu postavili spomenik.

Anton van Dyck

Dvorni portretist, mojster mitskih in religioznih tem v slikarstvu, umetnik - vse to so lastnosti Antona van Dycka, najboljšega učenca Petra Paula Rubensa.

Slikarske tehnike tega mojstra so se oblikovale med študijem pri Hendriku van Balenu, pri katerem je bil vajenec. Ravno leta, preživeta v ateljeju tega slikarja, so Antonu omogočila hitro pridobitev lokalne slave.

Pri štirinajstih je naslikal svojo prvo mojstrovino, pri petnajstih pa odprl prvo delavnico. Tako je van Dyck v mladosti postal slaven Antwerpen.

Pri sedemnajstih letih je bil Anton sprejet v ceh svetega Luke, kjer je postal Rubensov vajenec. V dveh letih (od 1918 do 1920) je van Dyck na trinajstih deskah naslikal portrete Jezusa Kristusa in dvanajstih apostolov. Danes ta dela hranijo številni muzeji po svetu.

Slikarstvo Antona van Dycka je bilo bolj osredotočeno na verske teme. V Rubensovem studiu je naslikal svoji slavni sliki "Kronanje" in "Judov poljub".

Obdobje potovanj se je začelo leta 1621. Najprej mladi umetnik dela v Londonu, pod kraljem Jakobom, nato pa odide v Italijo. Leta 1632 se je Anton vrnil v London, kjer ga je Karel I. povzdignil v viteza in mu podelil mesto dvornega umetnika. Tu je delal do svoje smrti.

Njegove slike so razstavljene v muzejih v Münchnu, na Dunaju, v Louvru, Washingtonu, New Yorku in številnih drugih dvoranah po svetu.

Tako smo danes, dragi bralci, spoznali flamsko slikarstvo. Dobili ste idejo o zgodovini njegovega nastanka in tehniki ustvarjanja platen. Poleg tega smo se na kratko srečali z največjimi nizozemskimi mojstri tega obdobja.

Ob preučevanju tehnik nekaterih starih mojstrov naletimo na t.i. Flamska metoda” oljna slika. Tehnično je večplasten težji način pisanje, nasprotje tehnike »a la prima«. Večplastnost je pomenila posebno globino slike, lesk in sijaj barv. Vendar pa se v opisu te metode vedno pojavlja tako skrivnostna faza, kot je "mrtva plast". Kljub intrigantnemu imenu v njem ni nobene mistike.

Toda za kaj se je uporabljal?

Izraz "mrtve barve" (doodverf - smrt barve) se prvič pojavi v delu Karla van Manderja "Knjiga umetnikov". Barvo bi lahko tako poimenoval po eni strani dobesedno, zaradi mrtvila, ki ga daje podobi, po drugi strani pa metaforično, saj ta bledica »umre« pod kasnejšo barvo. Te barve so vključevale beljene rumene, črne, rdeče barve različna razmerja. Na primer, hladno sivo smo dobili z mešanjem bele in črne, črna in rumena pa sta v kombinaciji tvorila olivni odtenek.

Plast, pobarvana z "mrtvimi barvami", se šteje za "mrtvo plast".

Faze barvanja z "mrtvo plastjo"

Gremo v delavnico nizozemski umetnik Srednji vek in ugotovi, kako je pisal.

Najprej je bil dizajn prenesen na temeljno obdelano površino.

Naslednja faza je bila modeliranje volumna s prozorno polsenco, ki se je subtilno zlivala s svetlobo tal.

Nato je bila nanesena imprimatura - tekoči barvni sloj. Omogočil je ohranitev risbe, preprečil, da bi delci premoga ali svinčnika zašli v zgornje plasti barve, in tudi zaščitil barve pred nadaljnjim bledenjem. Zahvaljujoč imprimaturju so ostali skoraj nespremenjeni do danes. bogate barve v slikah Van Eycka, Rogierja van der Weydna in drugih mojstrov severne renesanse.

Četrta stopnja je bila »mrtva plast«, v kateri so bile na volumetrično spodnjo sliko nanesene beljene barve. Umetnik je moral ohraniti obliko predmetov, ne da bi pri tem motil kontrast svetlobe in sence, kar bi povzročilo dolgočasnost nadaljnjega slikanja. "Mrtve barve" so bile nanesene le na svetle dele slike; včasih so, posnemajoč drseče žarke, nanesli belino v majhnih pikčastih potezah. Slika je dobila dodaten volumen in zlovešče mrtvaško bledico, ki je že v naslednjem sloju »oživela« zaradi večplastnih barvnih glazur. Tako zapletena slika se zdi nenavadno globoka in sijoča, ko se svetloba odbije od vsake plasti, kot od utripajočega zrcala.

Danes se ta metoda redko uporablja, vendar je pomembno poznati skrivnosti starih mojstrov. Z njihovimi izkušnjami lahko eksperimentirate v svoji ustvarjalnosti in se znajdete v vseh vrstah stilov in tehnik.

Flamsko slikarstvo velja za eno prvih izkušenj umetnikov v oljnem slikarstvu. Avtorstvo tega sloga, pa tudi izum samih oljnih barv, pripisujejo bratoma Van Eyck. Slog flamskega slikarstva je lasten skoraj vsem avtorjem renesanse, zlasti znani Leonardo da Vinci, Pieter Bruegel in Petrus Christusa so za seboj pustili veliko neprecenljivih umetniških del v tem žanru.

Če želite naslikati sliko s to metodo, boste morali najprej ustvariti risbo na papirju in seveda ne pozabite kupiti stojala. Velikost papirne šablone mora natančno ustrezati velikosti bodoče slike. Nato se dizajn prenese na bel lepilni premaz. Da bi to naredili, se po obodu slike z iglami naredi množica drobnih lukenj. Ko vzorec pritrdite v vodoravni ravnini, vzemite oglje v prahu in ga potresite na območja z luknjami. Po odstranitvi papirja posamezne točke povežemo z ostro konico čopiča, peresa ali svinčnika. Če uporabljamo črnilo, mora biti le-to strogo prosojno, da ne poruši beline podlage, ki daje končnim slikam poseben stil.

Prenesene risbe morajo biti osenčene s prozorno rjavo barvo. Med postopkom je treba paziti, da temeljni premaz ves čas ostane viden skozi nanesene plasti. Za senčenje lahko uporabimo olje ali tempero. Da se oljno črnilo ne bi vpilo v zemljo, so ga najprej premazali z lepilom. Hieronim Bosch V ta namen je uporabil rjav lak, zahvaljujoč kateremu so njegove slike tako dolgo ohranile barvo.

Na tej stopnji je največ dela, zato morate zagotovo kupiti namizno stojalo, saj ima vsak samospoštljiv umetnik nekaj takih orodij. Če je bila slika načrtovana za dokončanje v barvah, bi bila predhodna plast hladnih, svetlih tonov. Nanje je bila ponovno nanesena tanka plast glazure oljne barve. Posledično je slika pridobila naravne odtenke in je bila videti veliko bolj impresivna.

Leonardo da Vinci je celotno podlago v senci osenčil z enim tonom, ki je bil kombinacija treh barv: rdeče oker, pikčaste in črne. Oblačila in ozadje svojih del je slikal s prozornimi prekrivajočimi se plastmi barve. Ta tehnika je omogočila prenos posebnih značilnosti chiaroscura na sliko.