Apa alasan tarian itu? Sejarah tari: Dunia kuno, Yunani, Roma. Perkembangan tari dalam budaya yang berbeda

Sejarah Tari

Tarian rakyat

Sejarah tari dimulai berabad-abad yang lalu - sumber utama tarian rakyat adalah gerakan dan gerak tubuh yang terkait dengan kesan sensorik dari dunia sekitar, dan misteri ritual dengan bahasa koreografi dan ekspresi uniknya merupakan bagian integral dari kehidupan spiritual manusia purba.

Seni tari merupakan wujud tertua kreativitas masyarakat, yang lahir bersamaan dengan munculnya manusia sebagai kebutuhan fisiologis alami akan gerak ritmis.

Tarian muncul dari berbagai gerak dan gerak tubuh yang berhubungan dengan proses persalinan dan kesan emosional seseorang terhadap dunia sekitarnya. Selama berabad-abad, setelah mengalami generalisasi artistik, tarian memperoleh maknanya sendiri, dan setiap negara mengembangkan tradisi tariannya sendiri. Mungkin sejarah tari sama tuanya dengan sejarah umat manusia. Kita hanya bisa menebak seperti apa tarian pada masa-masa awal. Natya Shastra adalah naskah awal yang menggambarkan tari. Interpretasi modern dari tarian klasik India Bharathanatyam didasarkan pada hal itu. Dalam budaya Eropa, salah satu penyebutan tarian pertama adalah milik Homer dalam "Iliad" -nya - ini menggambarkan chorea (tarian putaran Yunani, tarian). Orang-orang Yunani awal mengubah seni tari menjadi suatu sistem yang mengekspresikan berbagai gairah. Misalnya, tarian Kemurkaan membuat takut semua orang yang menyaksikannya. Filsuf Yunani Aristoteles menyamakan tari dengan puisi dan berpendapat bahwa penari melalui gerak tubuh dalam ritme tertentu dapat menyampaikan tata krama, nafsu dan tindakan. Pematung Yunani terkemuka mempelajari pose penari yang meniru negara bagian tertentu.

Secara historis, tari berfungsi sebagai bagian dari ritual keagamaan dan perayaan publik. Buktinya banyak ditemukan dalam dokumen-dokumen dari zaman prasejarah. Tarian istana mungkin sudah ada sejak zaman istana kerajaan. Macam-macam jenis tarian meliputi folk, sosial, ballroom, religi dan eksperimental dan bentuk-bentuk lainnya. Cabang utama seni ini adalah Teater Tari, yang berasal dari Dunia Barat. Asal usul balet modern, tarian yang kita semua tahu, berasal dari Prancis pada abad keenam belas - Renaisans.

Balet.

Prasyarat munculnya balet adalah cara berpikir baru dan filosofi Pencerahan: kini manusia menjadi pusat alam semesta dan dapat mengendalikan keberadaannya dengan bantuan seni dan ilmu pengetahuan. Ilustrasinya adalah kutipan berikut: “Dengan menggunakan musik yang secara persis meniru keselarasan proporsional planet-planet, manusia abad keenam belas percaya bahwa ia dapat menarik pengaruh planet ke dirinya sendiri. Tarian itu sendiri merupakan tiruan dari gerakan surga.”

Pada akhir abad ke-16, balet istana mencapai puncaknya: sepenuhnya dibiayai oleh monarki Prancis, yang menggunakannya untuk memuji kehebatannya sendiri. Balet menjadi bagian dari ekstravaganza liburan besar-besaran yang berlangsung selama beberapa hari berturut-turut dan mencakup semua jenis hiburan. Faktanya, semua hari libur ini adalah cara untuk membesarkan diri sendiri di Pengadilan Prancis.

Pada awal abad ke-18, balet bermigrasi dari Istana Prancis ke Opera Paris ke tokoh teater serba bisa Jean-Baptiste Lully, yang “melestarikan konsep dasar balet - kompleksitas bentuk, di mana tarian merupakan bagian integralnya. dan elemen penting.” Selama abad ini, balet menyebar ke seluruh Eropa dan berevolusi dari cara canggih dalam memindahkan gambar selama pertunjukan besar menjadi seni pertunjukan tersendiri, yang disebut balet d'action ("balet aksi", balet dengan plot). Bentuk baru ini hampir sepenuhnya menghilangkan kepalsuan yang melekat pada tarian istana, dan menetapkan undang-undang baru: “seni harus berusaha untuk mengekspresikan alam, alam.” Hasilnya, kostum dan koreografi menjadi lebih bebas dan kondusif untuk ekspresi bakat ekspresi tubuh yang lebih besar. Pintu terbuka ke dunia kostum naturalistik dan sepatu tanpa tumit - sepatu pointe, yang memberikan kesempatan lebih besar bagi penari untuk bangkit hingga setengah jari kaki.

Era Romantis di awal abad ke-19, dengan balet yang menarik perhatian penonton pada emosi, fantasi, dan dunia spiritual yang kaya, menandai awal dari karya pointe yang sebenarnya. Dan sekarang balerina ideal (yang kualitasnya kemudian diekspresikan dalam Marie Taglioni yang legendaris) dengan sepatunya seolah-olah hampir tidak menyentuh permukaan panggung dan rohnya yang tanpa tubuh seolah-olah tidak mengetahui apa itu bumi. Bintang-bintang tari perempuan yang kini sedang naik daun telah benar-benar mengalahkan kehadiran para penari laki-laki yang malang, yang dalam banyak kasus telah diganti namanya menjadi patung bergerak, yang hanya ada di tempat para balerina bersandar. Situasi ini sedikit berubah pada awal abad kedua puluh dengan munculnya bintang Nijinsky dari Balet Rusia. Pada saat ini, kostum balet, koreografi, pemandangan, alat peraga yang familiar sudah berkembang, dengan kata lain, semuanya menjadi hampir sama seperti sekarang.

Tari modern.

Balet Rusia, yang memulai revolusi dalam seni balet, mencoba mendobrak bentuk balet klasik yang sudah ketinggalan zaman. Saat ini, kemungkinan artistik teknik balet dan musik pengiringnya, pemandangan dan multimedia lebih besar dibandingkan seluruh periode keberadaannya. Batasan yang ditentukan oleh balet klasik terus-menerus didorong dan dikaburkan, dan segala sesuatu yang muncul di tempatnya kini hanya mengingatkan istilah balet tradisional seperti "spin".

Sebuah cara berpikir baru telah muncul. Seniman tari kini memperhitungkan ciri-ciri kepribadian, aspek ritual dan keagamaan, keprimitifan, ekspresif dan emosionalitas. Dalam suasana seperti ini, terjadi lagi babak perkembangan tari modern. Tiba-tiba ada kebebasan baru dalam apa yang sekarang dianggap dapat diterima, disebut seni yang diterima, yang kini ingin diciptakan oleh banyak orang. Semua atribut seni baru menjadi sama pentingnya dengan kostum balet - atau bahkan lebih berharga darinya.

Kebanyakan koreografer dan penari di awal abad ke-20 memiliki sikap yang sangat negatif terhadap balet. Isidora Duncan menganggapnya sebagai senam yang jelek dan tidak berarti. Martha Graham (Graham) memilih dalam dirinya Eropaisme dan imperialisme, yang tidak ada hubungannya dengan Amerika. Merce Cunningham, meskipun menggunakan beberapa teknik dasar balet untuk mengajar, melakukan pendekatan koreografi dan pertunjukan dari posisi yang bertentangan dengan balet tradisional.

Abad kedua puluh tidak diragukan lagi menjadi masa pemisahan dari segala sesuatu yang menjadi sandaran balet - masa pertumbuhan kreatif penari dan koreografer yang belum pernah terjadi sebelumnya, masa keterkejutan, keterkejutan dan penonton yang mengubah pemahaman mereka tentang tari, masa revolusi.

Tahun enam puluhan membawa perkembangan postmodernisme, yang mengubah arah menuju kesederhanaan, keindahan hal-hal kecil, tubuh yang tidak terlatih, dan gerakan sederhana yang tidak berseni. Manifesto terkenal "Tidak" menolak semua kostum, plot, dan "pertunjukan" demi gerakan yang mentah dan belum diproses - ini mungkin merupakan ekstrem paling mencolok dari gelombang pemikiran baru ini. Sayangnya, kurangnya kostum, plot, dan alat peraga tidak berkontribusi pada keberhasilan pertunjukan tari - dan setelah waktu yang singkat, “pemandangan”, “desain seni”, dan “tingkat kejutan” kembali muncul dalam kosakata koreografer tari modern.

Pada tahun delapan puluhan, tari klasik kembali ke titik semula, dan tari modern (tari kontemporer) menjadi senjata teknis para profesional yang dekat dengan politik. Dua bentuk tarian, tari kontemporer dan balet klasik, hidup berdampingan secara damai, hanya mengalami sedikit permusuhan sebelumnya terhadap satu sama lain dan hampir tanpa persaingan. Saat ini, seni tari dipenuhi dengan kompetisi kreatif dan para koreografer sering kali berusaha keras untuk memastikan bahwa karya mereka disebut sebagai yang paling mengejutkan. Namun, masih ada keindahan dalam seni, dan tari modern memukau dengan profesionalisme, kekuatan, dan fleksibilitas yang belum pernah terlihat sebelumnya.

Dari sudut pandang ilmiah Tarian adalah suatu bentuk seni, berdasarkan gerakan ekspresif dan plastisitas tubuh manusia. Tarian ini disusun dalam ruang dan waktu menjadi satu komposisi. Pendidikan tari erat kaitannya dengan musik dan kostum, yang menentukan sifat gerak dan cara pertunjukan. Menjadi salah satu manifestasi kesenian rakyat tertua, yang awalnya dikaitkan dengan kata-kata dan lagu, tari lambat laun memperoleh makna seni yang mandiri.

Sejarah tarian masyarakat primitif

Munculnya tari berasal dari zaman kuno, ketika gerakan merupakan ekspresi langsung dari emosi yang kuat. Dalam tariannya, penari primitif dengan jelas mengungkapkan hakikat waktu dan segala proses kehidupan. Secara numerik, tarian primitif pertama kali disebutkan, yang keberadaannya dapat diketahui dari lukisan batu, berasal dari zaman Paleolitikum (manusia gua) 15 - 11 ribu SM.

Bagi manusia primitif, tari adalah cara berpikir. Melalui tari, seseorang pada masyarakat primitif tidak hanya mengungkapkan emosi yang dialaminya, tetapi juga kehidupan sehari-harinya. Tarian itu disamakan dengan suatu bentuk ilmu sihir tertentu, yang memberikan rasa kebebasan dan kesatuan manusia primitif dengan alam. Penari primitif, yang merasa menyatu dengan aliran energi kosmis, percaya bahwa gerakan tari, figur dan gerak tubuh membantu mengendalikan unsur-unsur alam, kekuatan kosmos yang tak kasat mata. Keyakinan ini menjadi dasar simbolisme kompleks tarian kuno yang dirancang untuk menyulap hujan dan matahari, kesuburan, kesuksesan militer, kesuburan manusia, pembebasan dari kemalangan, memanggil roh-roh yang penuh belas kasihan dan menenangkan yang jahat. Tarian primitif biasanya dilakukan secara berkelompok. Tarian kelompok (round dance) tersebut mempunyai tujuan tertentu, yaitu untuk mengusir roh jahat, menyembuhkan orang sakit, dan mengusir masalah dari suku. Partisipasi sejumlah besar orang dalam tarian tersebut disertai dengan kepercayaan bahwa hal ini meningkatkan pertolongan para dewa. Gerakan yang paling umum di sini adalah menghentakkan kaki. Mungkin karena membuat bumi gemetar dan tunduk pada manusia.

Hal ini juga umum terjadi pada masyarakat primitif menari jongkok. Para penari berputar, bergerak-gerak dan melompat. Melompat dan berputar membawa para penari ke dalam keadaan gembira, yang terkadang berakhir dengan hilangnya kesadaran. Iringannya berupa hentakan, tepuk tangan, permainan kendang, dan seruling yang terbuat dari bahan alam. Tarian melingkar dan tari melingkar secara simbolis menggambarkan gerak siklus matahari dan bulan atau pergantian musim; tarian melingkar dengan jalinan melambangkan pergerakan rasi bintang. Menari mengelilingi suatu benda memusatkan energi benda tersebut atau melambangkan perlindungannya. Para dukun berputar-putar seperti planet, merentangkan tangan ke atas, memanggil energi kosmos ke diri mereka sendiri, atau menurunkannya untuk mengarahkannya ke bumi. Menari dengan mengenakan kulit atau kostum yang menggambarkan binatang, dengan topeng burung, merupakan upaya untuk menarik perhatian burung dan binatang serta melatih teknik berburu. Menari - ular melambangkan kebijaksanaan dan kesuburan, kualitas yang diberkahi ular.

Tarian kawin, penari yang diikat dengan tali melambangkan persatuan umat. Tarian pemakaman mengungkapkan kesedihan dan kesedihan. Misalnya, di Afrika, seperti di beberapa tempat lain, dukun dan tabib mencoba meningkatkan efek pengobatan dengan bantuan tarian. Tarian berfungsi sebagai pelepasan dari kehidupan sosial yang penuh tekanan dan, khususnya dalam tarian trance, dari tekanan kesadaran diri individu. Kontak dengan energi kosmis semakin tercermin dalam gambar dewa menari. Misalnya, Siwa, dewa tari Hindu, yang digambarkan dikelilingi api, mengungkapkan kualitas kreatif dan destruktif yang melekat pada dirinya.

Dalam masyarakat primitif tidak ada seniman. Meskipun tari manusia primitif menjadi bentuk teater primitif tertua. Ia mentransformasikan norma agama menjadi gerakan ekspresif. Aksi militer dan kemenangan di masa depan biasanya pertama kali dilatih dalam tarian pertempuran. Simbolisme ini hadir dalam tarian suku Pathan Afghanistan dan tarian rakyat Skotlandia.

Suku primitif tidak memiliki teknik menari yang diatur, namun pelatihan fisik yang baik memungkinkan penari mengabdikan dirinya sepenuhnya pada tarian, bahkan sampai gila. Tarian semacam ini masih bisa disaksikan di kepulauan Pasifik Selatan, Afrika, Amerika Tengah dan Selatan.

Kementerian Kebudayaan Federasi Rusia

Kementerian Kebudayaan Wilayah Sverdlovsk

Institusi Pendidikan Negara Pendidikan Profesi Menengah Wilayah Sverdlovsk

Sekolah Tinggi Seni Asbestov

Pertunjukan koreografi “Terikat”

Pekerjaan kualifikasi akhir

Pelaksana:

Khazova Daria Alekseevna,

Siswa tahun IV

departemen koreografi

________ ____________

tanda tangan tanggal

Pekerjaan Kualifikasi Pembimbing Ilmiah:

Lyashchenko N.A., guru, mengaku membela diri

Kepala departemen koreografi departemen koreografi

kreativitas kreativitas

________ ________________ ______ ________________

tanggal N.A. Tanda tangan tanggal Lyashchenko

Asbes 2015

Bab 1. Alasan pemilihan produksi koreografi………..……….3

1.1. Sejarah penciptaan tari, gaya…………………………….…..3

1.2. Sumber dan motivasi pemilihan tema produksi………….13

Bab 2. Naskah musik dan koreografi………………..16

2.1. Analisis ideologi dan tematik……………………………...…..16

2.2. Konsep kreatif produksi…………………………….........17

Bab 3. Signifikansi Praktis………………………………………...24

Sumber informasi……………………………………………………………26

Aplikasi…………………………………………………………………………………27

Bab 1. Alasan pemilihan produksi koreografi

"Melompat"

Sejarah terciptanya tari modern

Tarian kontemporer adalah bentuk seni independen, di mana gerakan, musik, cahaya, dan warna dipadukan dengan cara baru, di mana tubuh telah benar-benar memperoleh bahasa aslinya. Tarian kontemporer meyakinkan masyarakat bahwa seni merupakan kelanjutan hidup dan pemahaman diri.

Tarian modern adalah konsep yang relatif dan bersifat sesaat. Setiap zaman memiliki budaya musiknya masing-masing sehingga memunculkan jenis tarian baru. Setiap tarian bisa disebut modern, tetapi pada masanya. Dengan demikian, tari modern adalah tari yang modern, modis dan relevan pada masanya. Tujuan tari modern adalah untuk mengekspresikan perasaan dan suasana hati manusia. Ini adalah gaya tari universal yang agak bebas dan tidak memiliki standar yang jelas. Koreografer, yang mencoba menyampaikan pikiran dan perasaan orang, terus mencari dan menciptakan gerakan baru, sering kali memadukan teknik, gaya, dan arah yang berbeda.

Tarian modern berakar pada balet klasik. Di satu sisi, tari modern diciptakan sebagai reaksi terhadap pembatasan balet klasik yang formal dan kaku (misalnya, penekanan dalam gaya ini jatuh pada gerakan bebas dan ekspresif, yang tidak terdapat dalam balet klasik di mana segala sesuatunya tunduk pada hal-hal tertentu. aturan), sebaliknya tari modern telah memasukkan banyak gerakan dan langkah dari balet klasik yang termasuk dalam khasanah tari modern.

Alasan munculnya arah koreografi modern adalah krisis sekolah balet klasik pada awal abad ke-20. Penari pada masa itu membutuhkan teknik-teknik baru yang memungkinkan mereka mengekspresikan ide-ide baru tentang kebebasan manusia, jauh dari tradisi tari klasik.

Konsep tari modern adalah kebebasan dan ekspresi gerakan, yang memberikan kesempatan luar biasa untuk mengekspresikan perasaan Anda dalam warna yang paling cerah.

Selama abad ke-20, banyak aliran berbeda yang bermunculan; tari modern meliputi bidang-bidang seperti: tari modern, improvisasi kontak, jazz modern, tari kontemporer, plastik bebas, locking, pop locking, breakdancing, hip-hop, jazz, funk. dan banyak lainnya.

Ide-ide tari modern telah diantisipasi pada tahun 1830 oleh guru Perancis terkenal dan ahli teori gerakan panggung Francois Delsarte, yang mempelajari hubungan antara suara, gerak tubuh dan emosi. Ia berpendapat bahwa hanya isyarat, yang bebas dari konvensi dan stilisasi, yang mampu menyampaikan secara jujur ​​segala nuansa pengalaman manusia.

Latar belakang tari modern dimulai pada awal abad ke-20, tiga inspirasi tari modern awal di Amerika adalah Isadora Duncan, Ruth St. Denis dan Loy Fuller. Mereka menciptakan sekolah balet modern mereka sendiri - sebuah seni yang bebas dari konvensi. Improvisasi dan koreografi bebas merupakan prinsip dasar seni tari modern. Mereka dengan berbagai cara memadukan filsafat, drama, vaudeville, dan sejarah kuno ke dalam tarian mereka, yang menjadi titik awal penciptaan fondasi tari modern. Abad ke-20 membawa banyak jenis dan gaya tari baru, yang paling terkenal adalah boogie-woogie, jazz dancing, blues, Charleston, rock and roll, Macarena, step, lambada, dan tarian Amerika Latin. Pada akhir abad ke-20, tarian gaya disko, hip-hop, breakdancing, hustle, krump, tektonik, ritme dan blues dan lain-lain menjadi tersebar luas.

Isadora Duncan dan beberapa rekannya memutuskan untuk menantang koreografi tradisional. Mereka membuka sekolah sendiri tempat mereka mengajarkan dasar-dasar balet modern. Ide pokok gaya tari ini adalah koreografi bebas yang didasarkan pada improvisasi dan ekspresi emosi sendiri. Isadora Duncan dianggap sebagai pendiri tari modern yang diakui secara umum. Ia memulai aktivitasnya pada akhir abad ke-19. Isadora Duncan adalah seorang inovator dan pembaharu koreografi, yang memberikan perwujudan plastik konten musik dalam tariannya, terbebas dari bentuk balet klasik formalistik. Dia membandingkan sekolah balet klasik dengan tarian plastik gratis. Dia menggunakan plastisitas Yunani kuno, menari dengan chiton dan tanpa sepatu. Dia adalah salah satu orang pertama yang menggunakan musik simfoni untuk menari, termasuk Chopin, Gluck, Schubert, Beethoven, dan Wagner. Isadora bermimpi menciptakan orang baru yang menganggap menari lebih dari sekadar wajar. Dengan tariannya ia memulihkan keharmonisan jiwa dan raga. Dia membuka tarian kepada orang-orang dalam bentuknya yang murni, “hanya bernilai dalam dirinya sendiri”, dibangun menurut hukum seni murni. Dalam seni tari harmonik karya Isadora Duncan, keinginan akan keselarasan dan keindahan diungkapkan dalam bentuk yang ideal. Berawal dari musik, ia bergerak menuju kanon harmonik, dan itulah sebabnya ia menjadi pendiri utama dan satu-satunya dari semua tari modern. Duncan mencapai kesesuaian sempurna dengan ekspresi emosional dari gambar musik dan tarian. Gerakan ini lahir dari musik, bukan didahului oleh musik. Bahasa tari Duncan adalah bahasa gerak yang alami, ekspresif, dan bebas. Luar biasa ekspresif dan musikal, Isadora menggunakan gerakan tubuh yang bebas dan santai dalam tarian improvisasinya. Dewa utama Duncan adalah kealamian. Atas namanya, dia menyangkal teknik, pelatihan yang melelahkan. Praktik artistik Duncan membuat kagum orang-orang sezamannya dengan perpaduan menakjubkan antara dunia pengalaman emosional, seni plastik, dan musik.

Generasi kedua dalam bidang tari modern adalah koreografer seperti: Martha Graham, Doris Humphrey, Charles Weidman, Helen Tamiris, Hania Holm. Kelebihan mereka, pertama-tama, terletak pada kenyataan bahwa masing-masing dari mereka tidak hanya seorang koreografer dan pemain yang brilian, tetapi juga seorang guru yang menciptakan sistemnya sendiri untuk melatih penari. Guru, koreografer dan pemain pertama yang secara konsisten menciptakan sistem tari adalah M. Graham. Produksi pertama di New York pada tahun 1926, “The Heretic” dan “Primitive Mysteries,” membawa kesuksesan bagi grupnya. Graham menciptakan pertunjukan berdasarkan tema dan plot epik legendaris dari mitologi kuno dan alkitabiah. Pertama-tama, ia berusaha menciptakan bahasa tari yang sangat kaya dan mampu menyampaikan keseluruhan pengalaman manusia yang kompleks. Koreografer dan guru terpenting kedua adalah Doris Humphrey. Memberikan perhatian besar pada ketepatan plastis dan teknis tariannya, Doris Humphrey sekaligus menentang keindahan dan kehalusan tarian Saint Denis. Karyanya dipengaruhi oleh cerita rakyat Indian Amerika dan kulit hitam, serta seni dari Timur. Dia adalah orang pertama di Amerika yang mengajar komposisi tari dan merangkum pengalamannya dalam buku “The Art of Dance.”

Pada tahun 50-an, generasi ketiga mulai berkreasi. Setelah Perang Dunia Kedua, para pemain dan koreografer muda menghadapi pertanyaan yang cukup mendesak: meneruskan tradisi generasi tua atau mencari cara sendiri untuk mengembangkan seni tari. Beberapa koreografer benar-benar meninggalkan pengalaman generasi sebelumnya dan langsung terjun ke dalam eksperimen. Banyak dari mereka yang menolak ruang panggung biasa dan memindahkan pertunjukannya ke jalan-jalan, taman, dll, menolak bentuk pertunjukan, melibatkan penonton dalam pertunjukan teater. Sikap terhadap kostum, musik, dan komponen aksi teater lainnya telah berubah. Banyak koreografer yang sama sekali meninggalkan musik pengiring dan hanya menggunakan instrumen perkusi atau kebisingan. Komposer sering kali menjadi rekan pencipta koreografer, menciptakan musik bersamaan dengan gerakan. Salah satu yang meneruskan tradisi generasi sebelumnya adalah Jose Limon. Koreografinya merupakan sintesis kompleks dari tarian modern Amerika dan tradisi Spanyol-Meksiko dengan kontras tajam antara prinsip liris dan dramatis. Para pahlawan digambarkan pada saat-saat ketegangan tertinggi, kegembiraan spiritual yang ekstrem, ketika alam bawah sadar memandu tindakan mereka. Penampilannya "Pavane of the Moor", "Dancing for Isadora", "Mass of War Times" mendapatkan popularitas terbesar. “Bapak” spiritual dari koreografi avant-garde tidak diragukan lagi adalah Merce Cunningham. Dia adalah salah satu dari mereka yang menempuh jalannya sendiri dan mendirikan sekolah tarinya sendiri. Penampilannya terkesan dengan pendekatan gerakannya yang tidak terduga. Cunningham memandang pertunjukan itu sebagai kesatuan elemen-elemen independen yang diciptakan secara independen. M. Cunningham percaya bahwa gerakan apa pun bisa menjadi tarian, dan komposisi tarian dibangun menurut hukum kebetulan. Tugas utama koreografer adalah menciptakan koreografi sesaat, dimana setiap pemain mempunyai ritme dan gerakannya masing-masing. Sama seperti M. Graham dan D. Humphrey, M. Cunningham menciptakan teknik dan aliran tarinya sendiri. Jadi, pada awal tahun 70-an abad kedua puluh, beberapa aliran utama tari telah muncul - modern: teknik M. Graham, D. Humphrey dan H. Limon, teknik M. Cunningham. Pada saat yang sama, sistem tari jazz berkembang dan ditingkatkan.

Tarian jazz berkembang dari tarian suku-suku Afrika. Tarian jazz dibawa ke Amerika oleh para budak dari Afrika pada abad ke-17 dan ke-18. Sesampainya di Amerika, mereka dengan cepat memulihkan hari libur dan adat istiadat mereka dan beradaptasi: alih-alih menggunakan drum, mereka bertepuk tangan dan mengikuti irama dengan kaki. Selama beberapa abad, dua budaya, Afrika dan Amerika, bergabung, dan sebagai hasilnya, muncullah tarian api yang unik. Di tahun 20an Pada abad ke-20, musik dan tarian jazz mendapatkan popularitas yang luar biasa. Penari profesional mulai tampil di atas panggung, membawa teknik baru ke dalam gaya jazz dan mulai mengajarkan jazz kepada orang lain. Pada saat yang sama, jazz diperkaya dengan unsur tarian Eropa.

Di tahun 40an dan 50an. Musik populer telah mengalami perubahan yang signifikan, dan tarian pun ikut berubah. Gaya jazz modern muncul pada periode ini. Saat ini ada banyak gaya jazz yang ditarikan dengan berbagai jenis musik. Namun semua gaya ini disatukan oleh gerakan yang energik dan berirama. Irama dan koordinasi adalah aspek terpenting dalam tari jazz. Ciri khas jazz adalah sinkopasi - tidak hanya ketukan bar yang kuat yang ditekankan, tetapi juga ketukan bar yang lemah. Dalam tarian jazz, gerakan pinggul dan panggul sering digunakan; gerakan tersebut memberikan ekspresi khusus pada tarian. Gerakan terisolasi adalah ciri utama tari jazz. Wajar saja jika para guru dan koreografer semakin banyak menyintesis berbagai teknik dan gaya tari dalam pembelajaran dan pertunjukannya. Guru dan koreografer pertama yang memadukan teknik tari modern dan jazz dalam karyanya adalah Luigi (Eugene Louis), yang mensintesis teknik tari klasik dan jazz. Gus Giordano menerbitkan buku teks pertama tentang teknik jazz modern pada tahun 1966. Minat terhadap tari jazz modern berangsur-angsur tumbuh, dan para guru Amerika mengadakan seminar pertama. Jadi, pada awal tahun 70-an, arah baru muncul - jazz modern. Tarian jazz, yang berubah dari tarian rakyat sehari-hari menjadi tarian panggung dan teater, secara bertahap menjadi jenis seni tari khusus, dan menjangkau seluruh Eropa. Sekolah ini telah menaklukkan banyak negara di dunia, memungkinkan pendidikan yang paling komprehensif tubuh penari. Tarian jazz terus berubah, sebagian karena hal ini. Bahwa penari dapat membawakan geraknya sendiri dalam tariannya, dan juga karena jazz ditarikan dengan iringan berbagai macam musik. Saat ini jenis musik jazz dapat dibedakan: jazz klasik atau tradisional. Ini adalah bentuk awal tarian jazz yang dibawakan oleh orang Afrika.

Afrojazz adalah upaya untuk menghubungkan jazz modern dengan nenek moyangnya di Afrika. Namanya diambil dari sebuah jalan di New York di mana banyak teater berada.

Pada akhir tahun 60-an, tari jazz dengan kuat mengambil tempat di sejumlah bidang koreografi modern, dan pada saat yang sama proses penggabungan aliran utama koreografi modern dimulai. Guru dan koreografer pertama yang memadukan teknik tari modern dan jazz dalam karyanya adalah Jack Cole Luigi (Eugene Louis) yang mensintesis teknik tari klasik dan jazz. Gus Giordano menerbitkan buku teks pertama tentang teknik tari jazz modern pada tahun 1966. Minat terhadap tari jazz modern secara bertahap meningkat di Eropa Barat, dan para guru Amerika mengadakan seminar pertama.

Pada tahun 70-an abad ke-19, gaya street dance seperti locking, breakdancing, hip-hop menjadi populer di Amerika pada tahun 90-an, gaya seperti funk, krump. Pada mulanya tarian-tarian ini bersifat spontan: anak-anak muda berkumpul dan menyelenggarakan lomba tari sendiri-sendiri yang disebut pertarungan. Kemudian mereka mulai mempersiapkan pertempuran terlebih dahulu dengan mengundang penonton dan kelompok pendukung. Saat ini, kompetisi serupa sudah diadakan di tingkat internasional di berbagai tempat di planet kita.

Locking - secara teknis, locking sangat mirip dengan nenek moyangnya hip-hop, sehingga banyak elemen yang dipinjam dari sana: gerakan yang tajam dan intens, berbagai lemparan dan ayunan lengan, lompatan dari berbagai jenis dan level. Mengunci adalah sintesis gerakan dan keheningan.

Hip-hop adalah gerakan budaya yang berasal dari kelas pekerja New York pada akhir tahun 1970-an. Ini adalah gaya tarian yang menjadi dasar seluruh kosakata modern tarian klub dibangun. Tarian yang ceria, energik, tidak agresif, yang tekniknya didasarkan pada “ayunan” badan, lompatan, dan kombinasi gerakan-gerakan kecil dengan lengan dan kaki. Musiknya dibedakan oleh ritme kecepatan sedang yang terputus-putus dan dinamis dengan sisipan instrumen yang pendek.

Breakdancing - bagian pertama menyajikan apa yang disebut istirahat atas, yang memiliki kemungkinan yang hampir tak terbatas, hanya dibatasi oleh imajinasi pemain atau tim pemain. Di dalamnya Anda dapat mengungkapkan diri Anda secara penuh dan luas, berimprovisasi baik saat bepergian maupun sebelum pertunjukan, menciptakan dan menciptakan elemen dan gerakan baru. Gerakan ke arah ini memerlukan beberapa pelatihan dari penari dan dibedakan berdasarkan kekhususan pelaksanaannya dan meniru jenis gerakan yang tidak biasa bagi manusia dalam kehidupan sehari-hari: mekanis dengan fiksasi pada titik-titik tertentu, atau artikulasi, mirip dengan gerakan mainan angin, juga meniru gerakan robot atau gerakan anggota badan karet. Bagian besar kedua, disebut pemecahan, kadang-kadang disebut breakdancing rendah, menurut kami, seperti disebutkan di atas, aktif, energik dan memerlukan persiapan fisik yang baik dari pemainnya. Istirahat bawah terlihat sangat mengesankan dan diisi dengan elemen akrobatik.

Crump merupakan pengembangan dari gaya "Clowning", atau "Clown Dance". Ciri khasnya adalah keperkasaan dan keperkasaan sang pemain, yang bertujuan untuk membebaskan penari dari energi negatif dengan cara meluapkan emosinya dari atas panggung. Tarian Badut diciptakan pada awal tahun 90an oleh Thomas Johnson, atau Tommy si Badut. Pada tahun 1992, Johnson mulai menggabungkan berbagai elemen tarian lokal dan menciptakan gaya unik dan serbaguna yang juga membantunya mengejar kariernya sendiri sebagai badut anak-anak. Penari Crump lebih banyak berinteraksi satu sama lain dan bekerja dengan berat badan pasangannya. Pelaku seperti Missy Elliott, Chemical Brothers, Black Eyed Peas, yang menggunakan krumping dalam videonya, menjadikan tarian ini terkenal di seluruh dunia.

Pada tahun 1972, improvisasi kontak muncul. Improvisasi kontak adalah tarian di mana improvisasi dibangun di sekitar titik kontak dengan pasangan. Improvisasi kontak merupakan salah satu bentuk tarian bebas. Steve Paxton dari Amerika dianggap sebagai pencipta sekolah Improvisasi Kontak. Sebagai koreografer dan penari, ia mempelajari tari modern dan klasik, mempelajari senam dan aikido, dan menghabiskan banyak waktu untuk meneliti improvisasi tari. Dalam improvisasi kontak, gerakannya mengikuti perpindahan titik kontak antara tubuh pasangan. Gerakan mendominasi ketika dua benda bersentuhan, mencari lintasan spasial bersama saat berinteraksi dengan berat benda. Tarian ini dipandu oleh perasaan pasangan, niatnya untuk mempertahankan atau tidak mempertahankan kontak fisik, dan terus mencari dukungan timbal balik.

Hustle adalah tarian berpasangan yang didasarkan pada improvisasi dan “leading”.

Diterjemahkan dari bahasa Inggris hustle adalah “hustle and bustle.” Ini adalah nama kolektif untuk menari mengikuti musik disko yang populer di tahun 1980-an, seperti disco-fox, disco swing, dan hustle itu sendiri.
Ini adalah tarian “sosial” - yaitu, pada intinya sangat sederhana, ditarikan dalam empat hitungan (disko-rubah dalam tiga hitungan) diiringi hampir semua musik, tidak memerlukan latihan yang lama dan memungkinkan siapa pun menari setelah sedikit latihan.

Musik yang lebih kaya dan beragam dengan munculnya alat musik elektro baru, semakin banyak tren musik yang berbeda, dan dengan itu gaya tarian yang berbeda pula. Pada akhir tahun 80an dan awal 90an, dengan munculnya video, gaya tertentu mendapatkan popularitas. Karya Michael Jackson, yang saat itu disebut Raja Pop dan Raja Tari, memunculkan jenis pertunjukan baru - “a la Jackson”. Videonya yang paling terkenal dari album "Thriller", "Bad", menggunakan gerakan disko, break, hip-hop.

Pada abad ke-20, istilah "tarian pop" muncul - ini adalah produk sejarah seni sekuler, yang pertama-tama mencerminkan tempat di mana pemainnya masuk. Artinya, bukan panggung teater, melainkan panggung variety show atau gedung konser. Konsep “pop dance” juga mencakup stilisasi tarian rakyat, tari olahraga, tari demi klasik, tari gaya koreografi sehari-hari, langkah; saat ini di atas panggung cukup banyak kita melihat produksi yang dibawakan dengan menggunakan sarana tari jazz atau tari modern. Dengan demikian, konsep “pop dance” menyatukan cukup banyak bidang seni koreografi. Namun, saat ini banyak universitas dan institut kebudayaan dan seni yang memiliki jurusan tari “pop”. Sayangnya, tidak ada yang bisa dilakukan untuk mengatasi kebingungan terminologis ini.

Dapat dikatakan dengan penuh keyakinan bahwa abad ke-20 merupakan terobosan kreatif yang nyata dalam koreografi dan semacam revolusi dalam budaya tari.

Secara ringkas dapat dikatakan bahwa tari modern merupakan suatu konsep yang relatif, bersifat sesaat, dan setiap periode waktu mempunyai budaya musiknya masing-masing, sehingga memunculkan jenis-jenis tari baru. Namun gaya tari modern memiliki unsur yang cukup beragam, sehingga lebih demokratis dan dapat diakses oleh orang-orang dengan keterbatasan tertentu dalam hal plastisitas dan fleksibilitas.

Produksi koreografi "Rope" didasarkan pada arah plastisitas bebas tarian modern.

Plastik gratis- sebuah gerakan yang muncul pada awal abad ke-20 untuk pembebasan dari kerangka tari klasik dan menyatunya tari dengan kehidupan. Dalam gaya ini dirumuskan prinsip-prinsip yang menjadi dasar tari modern dan jazz-modern, tari kontemporer, bahkan improvisasi kontak. Pendiri operasi plastik gratis adalah Isidora Duncan.

Salah satu sumber ideologi tari bebas adalah gerakan untuk perbaikan fisik, pembebasan tubuh, pengingkaran kerangka dan batasan, pencampuran tren dan gaya tari. Para pendiri tari bebas percaya bahwa setiap orang dapat dan harus menari, dan tarian itu akan membantu setiap orang berkembang dan mengubah hidup mereka. Operasi plastik gratis selalu merupakan emansipasi, ekspresi diri, “pelarian”, ini adalah sikap khusus terhadap diri sendiri, tubuh Anda, cara berpikir khusus. Plastisitas bebas memungkinkan Anda menjadi spontan dan sadar; Memberi Anda kesempatan untuk mengekspresikan diri secara kreatif, merasakan nikmatnya gerakan, keselarasan tubuh dengan musik dan ritme. Plastisitas bebas menjadi tren koreografi modern. Suatu jenis tarian panggung yang secara luar biasa memadukan unsur koreografi jazz, gaya modern, dan teknik tari klasik.

1.2. Sumber dan motivasi pemilihan tema produksi koreografi “Bound”

Tema plot produksi koreografi “Bound” didasarkan pada film pendek “Rope”. Plot pendek dari film tersebut (atau lebih tepatnya, bahkan sketsanya) adalah sebagai berikut: seorang pemuda dan seorang gadis “sadar” di tengah jalan, mereka diikat saling membelakangi dengan tali dan tidak dapat membebaskan diri. Gadis itu menolak, dan lelaki itu pergi ke arah yang diinginkan. Orang-orang yang lewat yang mereka temui menunjukkan reaksi yang berbeda-beda terhadap situasi mereka: ada yang mengabaikannya, ada pula yang mengejeknya. Orang terakhir yang ditemui melepaskan ikatannya, dia membelai wajah gadis itu dan melepaskan ikatannya. Kemudian gadis itu menyadari apa yang terjadi dan memahami bahwa dia tidak bisa hidup tanpa pemuda itu. Pria muda itu, ketika dia melepaskan ikatannya, ingin memukul pembebasnya, tetapi dia mengusirnya begitu saja, kembali ke gadis itu, dan bersama-sama mereka mulai mengikat diri mereka dengan tali lagi.

Sebenarnya film ini adalah sebuah metafora. Tali, sebagai simbol hubungan, semacam ketergantungan yang tidak disadari atau disadari dalam hubungan dengan pasangan - inilah tema utama film ini.

Simbolisme serupa sering ditemukan dalam sinema dan sastra, dalam penulisan lagu musisi modern; variasi tali dapat berupa borgol, rantai, belenggu. Kisah serupa dapat ditemukan dalam mitologi Plato: makhluk ideal dengan empat tangan, empat kaki, dan dua kepala, yang dipisahkan oleh sang pencipta dan menghabiskan seluruh hidupnya di bumi mencari jodohnya.

Tema kecil lainnya dalam film ini adalah sikap orang-orang di sekitar mereka terhadap situasi yang mereka amati, reaksi mereka. Orang-orang di sekitar mereka mendapatkan kepuasan dengan menyaksikan dua orang yang terhubung menderita. Mereka adalah dua orang lewat yang mengolok-olok mereka, mencoba meniru mereka, sementara harga diri mereka meningkat dari apa yang mereka lihat. Kemudian dalam perjalanan mereka bertemu dengan dua penjahat yang mencoba mengejek dan mempermalukan mereka. Hanya satu orang yang menunjukkan simpati dan bantuan.

Di akhir film, yang lebih menarik untuk memahami makna yang dimaksudkan penulis: para tokoh berjalan bersama, saling berpegangan tangan, dia meletakkan kepalanya di bahunya. Setiap penonton yang menonton film tersebut akan menarik kesimpulannya masing-masing: seseorang akan mengatakan bahwa cinta dalam suatu hubungan harus berjalan seiring dengan kebebasan kedua pasangan, dan seseorang akan memahami cinta bukan lagi kebebasan, melainkan ketergantungan.

Ketergantungan tidak hanya terjadi dalam hubungan yang dilandasi cinta, tetapi juga dalam hubungan antara orang tua dan anak, dalam persahabatan antar teman, antara orang-orang yang karena suatu alasan terpaksa untuk bersama. Produksi saya menunjukkan ketergantungan psikologis antara dua orang teman. Kesadaran akan ketergantungan satu sama lain, ketika teman melewati batas tertentu dalam hubungan mereka satu sama lain dan mereka mengembangkan tingkat keintiman psikologis di mana keduanya atau salah satu dari keduanya kehilangan diri mereka sendiri dan keadaan ini mulai membebani mereka masing-masing. Misalnya, perasaan ini mungkin timbul karena empati satu sama lain dalam beberapa situasi sulit. Katakanlah suami atau tunangan meninggalkan salah satu temannya - lalu teman kedua menjadi "segalanya" bagi teman pertama - penghibur, penasihat, dan ibu. Pada saat yang sama, penghibur menikmati kebutuhan dan kepentingannya, dia merasa kuat, dewasa dan bijaksana - lagi pula, nasihatnya sangat dibutuhkan oleh temannya, yang siap menggunakannya.

Penghibur, melupakan dirinya dan orang yang dicintainya (suami, anak), menghabiskan hari-harinya dengan mengalami peristiwa-peristiwa dalam kehidupan temannya sebagai miliknya, tidak lagi membedakan hidupnya dengan kehidupan temannya. Beginilah cara Anda kehilangan diri sendiri dalam hubungan antar teman dan kecanduan pun muncul. Ada saatnya ketika segala sesuatu dalam hidup mulai membaik untuk teman yang "tidak bahagia" (misalnya, seorang pria muncul), dia secara bertahap menjauh dari penghiburnya - lagipula, dia tidak lagi dibutuhkan.

Dan di sini penghibur mengalami siksaan yang nyata - dia merasakan kehampaan, kesepian (meskipun ada suami dan orang yang dicintai), kesakitan dan cemburu pada temannya terhadap orang yang baru dipilihnya, yang menyebabkan kejengkelan dan keengganan temannya untuk berkomunikasi. Dari luar mungkin terlihat lucu, namun nyatanya ini adalah situasi yang sangat menyakitkan yang dapat mengakibatkan neurosis, depresi dan hilangnya minat hidup bagi penghibur yang ditinggalkan. Selain itu, sering kali mantan pacar putus, berhenti bertemu dan berkomunikasi satu sama lain. Dan persahabatan mereka, yang didalamnya terdapat banyak kebaikan dan ketulusan, akan segera berakhir.

Sejak awal peradaban manusia, tari selalu hadir dalam kebudayaan manusia sebagai sarana interaksi sosial, ekspresi diri dan komunikasi non-verbal, serta menjadi bagian integral dari berbagai ritual keagamaan dan upacara. Sejak kemunculan pertamanya dalam catatan sejarah (sekitar 9.000 tahun yang lalu), tarian ini telah berkembang secara signifikan menjadi gaya yang tak terhitung jumlahnya yang masih dipraktikkan hingga saat ini.

Orang Mesir kuno menggunakan tarian sebagai sarana untuk menyenangkan para dewa, menghibur masyarakat kelas atas, dan untuk perayaan massal saat festival panen. Orang Yunani dan Romawi meneruskan tradisi ini, namun memandang tarian sebagai anugerah dari para dewa. Orang-orang Yunani juga mengadakan perayaan tahunan untuk menghormati para dewa, di mana alkohol dan tarian dalam jumlah besar diwajibkan.

Hubungan serupa antara tari dan agama pada prinsipnya dapat ditemukan dalam agama modern mana pun, namun hal ini paling baik dilihat dalam agama Hindu, yang didasarkan pada keyakinan bahwa seluruh alam semesta diciptakan dalam tarian Penari Tertinggi Nataraja. Masing-masing dari 23 dewa utama India mempunyai gaya tarian mereka sendiri yang berbeda, dan kecintaan terhadap tarian ini telah dibawa ke dalam setiap aspek kehidupan di India (paling jelas terlihat dalam film-film India, yang semuanya menampilkan tarian dan nyanyian).

Dansa ballroom modern berasal dari abad ke-15 di Italia. Pesatnya perkembangan teknologi, perdagangan dan kekayaan yang terjadi pada masa Renaissance dengan cepat menyebar ke seluruh Eropa. Inovasi terbesar dalam gaya musik dan tari terjadi pada masa pemerintahan Ratu Elizabeth dari Inggris (1533 - 1603). Selama masa ini, banyak ahli tari Eropa datang ke Inggris untuk menciptakan tarian baru untuk Istana Kerajaan dan kaum bangsawan lainnya. Ketika tari dan musik berkembang pesat di London, sekolah tari pertama dibuka, mengajarkan semua orang cara melakukan langkah-langkah rumit yang populer pada saat itu. Beberapa tarian yang paling populer pada saat itu adalah galliard, allemande, volte, gavotte dan balet.

Setiap abad, gaya musik dan tarian baru muncul dan menghilang. Salah satu tarian modern paling terkenal, waltz pertama kali muncul di kancah tari Eropa pada abad ke-17 dan sebagian besar dipopulerkan oleh karya-karya megah Johann Strauss. Contoh awal lain dari tarian yang menggemparkan dunia adalah polka, yang menjadi mode pada tahun 1850 dan kemudian melahirkan berbagai gaya tarian energik dan cepat yang serupa.

Mengirimkan karya bagus Anda ke basis pengetahuan itu sederhana. Gunakan formulir di bawah ini

Pelajar, mahasiswa pascasarjana, ilmuwan muda yang menggunakan basis pengetahuan dalam studi dan pekerjaan mereka akan sangat berterima kasih kepada Anda.

Diposting pada http://www.allbest.ru/

Institusi Pendidikan Anggaran Negara Federal untuk Pendidikan Profesi Tinggi

UNIVERSITAS KEBUDAYAAN DAN SENI NEGARA MOSKOW

Kegiatan Fakultas Sosial Budaya

Departemen Kegiatan Kebudayaan dan Kenyamanan

PEKERJAAN KURSUS

pada topik: sejarah tari

dalam disiplin akademik: “Sejarah dan teori aktivitas sosial budaya”

Moskow 2013

Perkenalan

Bagian 1 Munculnya tari: dari zaman kuno hingga lahirnya balet

1.1 Alasan munculnya tari dan asal usulnya

1.2 Mesir Kuno, Cina, India, Yunani, Roma

1.3 Tarian rakyat di Eropa dari Abad Pertengahan hingga Renaisans

Bagian 2 Era balet di luar negeri dan di Rusia

2.1 Balet di Barat

2.2 Balet Rusia

Bagian 3 Arahan tari modern

3.1 Tarian jazz

3.2 Tari modern modern dan jazz

3.3 Klasik modern di luar negeri

3.4 Dansa ballroom

Kesimpulan

Sumber dan literatur

Perkenalan

Mari kita bicara tentang menari. Di zaman kita, zaman elektronik, ritme yang cepat, sebagian besar orang akan menyebut tarian sebagai apa yang terjadi di klub malam ketika gerakan direduksi menjadi primitif. Namun, tariannya tidak hanya terdiri dari “dua hentakan, tiga bantingan”. Ini memiliki sejarahnya sendiri, ini adalah salah satu bentuk seni tertua bersama dengan musik, bahkan mungkin lebih tua, pertanyaannya masih bisa diperdebatkan. Tarian ini telah melalui perjalanan perubahan yang panjang, terpecah menjadi banyak cabang gaya. Oleh karena itu, pertanyaan di awal perjalanan kita menjadi lebih relevan: apakah itu tari?

Menari-- gerakan tubuh yang berirama dan ekspresif, biasanya disusun dalam komposisi tertentu dan dilakukan dengan iringan musik. Tarian, sebagaimana disebutkan di atas, mungkin merupakan seni tertua: seni ini mencerminkan kebutuhan manusia, sejak zaman dahulu, untuk menyampaikan suka atau duka kepada orang lain melalui tubuhnya. Selain itu, tari bersifat demokratis. Ia mengajak tubuh untuk berbicara, memberinya kesempatan untuk berbicara. Tari membantu mengembangkan potensi kreatif dan pribadi, menghilangkan berbagai kerumitan, menghilangkan rasa takut berbicara di depan umum, dan mengajari Anda untuk rileks.

Tarian muncul dari berbagai gerak dan gerak tubuh yang berhubungan dengan proses persalinan dan kesan emosional seseorang terhadap dunia sekitarnya. Gerakan-gerakan tersebut secara bertahap mengalami generalisasi artistik, sebagai akibatnya terbentuklah tarian, salah satu manifestasi seni rakyat tertua. Awalnya dikaitkan dengan kata dan lagu, tarian ini lambat laun memperoleh makna tersendiri. Hampir semua peristiwa penting dalam kehidupan manusia primitif dirayakan dengan tarian: kelahiran, kematian, perang, pemilihan pemimpin baru, penyembuhan orang sakit. Tarian ini mengungkapkan doa memohon hujan, sinar matahari, kesuburan, perlindungan dan pengampunan; itu adalah bagian integral dari berbagai sakramen dan misteri, mulai dari masyarakat primitif hingga Mesir, Cina, Yunani. Apa hasil tariannya? Bagaimana Anda mensistematisasikannya? “Pa” terbentuk.

Langkah tari (Pas Perancis - "langkah") berasal dari bentuk dasar gerakan manusia - berjalan, berlari, melompat, memantul, melompat, meluncur, berputar dan mengayun. Perpaduan gerakan serupa lambat laun berubah menjadi langkah tari tradisional.

Ciri-ciri utama tarian ini adalah:

Irama - pengulangan dan variasi gerakan dasar yang relatif cepat atau relatif lambat;

Menggambar adalah kombinasi gerakan dalam suatu komposisi; dinamika - variasi dalam ruang lingkup dan intensitas gerakan;

Teknik adalah derajat penguasaan tubuh dan keterampilan dalam melakukan langkah dan posisi dasar. Dalam banyak tarian, gerak tubuh, terutama gerakan tangan, juga sangat penting.

Saat ini, seni koreografi mencakup seni panggung rakyat tradisional dan seni panggung profesional. Seni tari hadir pada tingkat tertentu dalam budaya setiap kelompok etnis. Dan fenomena ini tidak mungkin terjadi secara kebetulan, melainkan bersifat obyektif, karena koreografi rakyat tradisional menempati tempat utama dalam kehidupan sosial masyarakat baik pada tahap awal perkembangan manusia, maupun pada saat ia menjalankan salah satu fungsi kebudayaan. adalah salah satu lembaga sosialisasi manusia yang unik dan, pertama-tama, anak-anak, remaja dan pemuda, dan juga menjalankan sejumlah fungsi lain yang melekat dalam budaya secara keseluruhan.

sejarah tari balet rakyat

1. Munculnya tari: dari zaman kuno hingga lahirnya balet

1.1 Alasan munculnya tari dan asal usulnya

Lalu dari manakah datangnya tarian, bagaimana seseorang mengembangkan keinginan untuk bergerak mengikuti ritme tertentu? Sebuah artikel yang sangat menarik oleh Konstantin Petrovich Chernikov tentang keberadaan tarian dan, sebenarnya, asal-usulnya akan menceritakan kepada Anda kisah hebat tentang hal ini.

Faktanya, tari, sebagai fenomena sosial murni, mewakili keseluruhan lapisan yang, melalui metode dan tekniknya, mencerminkan perkembangan sejarah, sosial dan budaya masyarakat manusia. Lapisan ini sangat menarik dan menurut saya belum “dibajak” cukup dalam oleh ilmu pengetahuan modern. Sejarawan lebih fokus pada aspek perkembangan ekonomi dan sosial politik masyarakat, sejarawan seni lebih memperhatikan arsitektur atau lukisan, dan pada teater modern dan khususnya panggung pop, tari memainkan peran yang jauh lebih penting dibandingkan dengan vokal atau musik. genre percakapan yang sama. Mengapa hal ini tidak disukai? Bagaimanapun juga, seni koreografi mungkin yang tertua di dunia; ia telah bertahan selama ribuan tahun, berasal dari lingkungan manusia pada saat pada dasarnya belum ada masyarakat beradab dengan perekonomian dan politiknya. Mengapa tarian, yang pada awal sejarah manusia, bersama dengan pemujaan dan sihir, merupakan aktivitas mental dan sosial budaya manusia yang paling penting, kini memudar ke latar belakang? Kapan dan mengapa hal ini terjadi? Kami akan mencoba memahami semua keragaman masalah ini.

Jelas bahwa menari bukanlah sesuatu yang seseorang tidak bisa hidup tanpanya, misalnya tanpa air atau makanan. Manusia sebagai suatu spesies telah melalui jalur evolusi yang panjang dan sangat sulit, dimana tugas utamanya adalah kelangsungan hidup.

Artinya, jika manusia purba menghabiskan sebagian waktunya yang berharga bukan untuk mendapatkan makanan atau mengatur hidupnya, tetapi untuk melatih gerakan tubuh ritmis yang sama, maka ini sangat penting baginya. Apa yang begitu penting bagi nenek moyang kita yang jauh? Banyak yang cenderung percaya bahwa ini adalah upacara ritual. Ya, itu logis. Dewa dan setan tidak bisa dianggap enteng. Mereka harus terus-menerus dihormati, ditenangkan, dan dikorbankan, tetapi, Anda tahu, untuk menghormati dan berkorban, sama sekali tidak perlu berlari kencang, melompat, berputar, dan menggeliat dengan kecepatan dan ritme tertentu. Anda dapat melakukan segalanya dengan lebih rasional dan dengan sedikit usaha, yang masih diperlukan untuk berburu atau berperang dengan tetangga. Kemungkinan besar, alasan munculnya tarian ini terletak lebih dalam dari yang diyakini secara umum.

Jika Anda mempercayai banyaknya kamus dan ensiklopedia penjelas saat ini, maka secara umum Anda dapat mendefinisikan tari sebagai suatu bentuk seni yang mencerminkan manifestasi eksternal kehidupan dalam bentuk figuratif dan artistik, melalui gerakan tubuh manusia, ekspresi wajah, dan pantomim. Menari. Bukankah dia yang kita lihat? Ya, itu benar, tetapi tidak juga. Tidak semuanya bisa dijelaskan hanya dengan reaksi seseorang terhadap dunia disekitarnya. Bagaimana penampakan alam yang hidup, jika bukan manifestasi batin yang selalu berubah? Tarian didasarkan pada tindakan. Namun tidak ada tindakan eksternal tanpa tindakan internal. Semua tindakan eksternal, yang diekspresikan dalam gerakan, gerak tubuh, postur, langkah tarian, berasal dan dibentuk secara internal - dalam pikiran, sensasi, perasaan, pengalaman. Jadi, menurut saya, kita telah sampai pada sumbernya. Akar penyebab munculnya tari, serta aliran sesat, adalah jiwa, dunia batin, spiritual manusia.

Jiwa menjadi penggagas munculnya tari sebagai fenomena sosial. Tentu saja, pada awalnya hal itu terkait erat dengan aliran sesat dan sihir; keduanya tidak dapat dipisahkan satu sama lain. Pembagian dan spesialisasi yang lebih sempit dari fenomena ini terjadi jauh di kemudian hari. Dan aliran sesat secara bertahap mengambil alih.

Keutamaan aliran sesat dijelaskan oleh fakta bahwa para penyihir dan pendeta adalah orang-orang pintar dan kreatif dengan caranya sendiri, sehingga tidak perlu banyak usaha bagi mereka untuk memahami bagaimana cara “membodohi” dan menekan kerabat mereka, dan motivator utama dalam hal ini adalah ketakutan akan kekuatan yang tidak diketahui.

Dalam kondisi seperti ini, tari memudar menjadi latar belakang dan mulai hanya “melayani” ritual, menghiasinya dan meningkatkan faktor dampak psikologis dan energik-emosional pada peserta upacara dan upacara keagamaan. Kita akan membahas tentang dampak tari terhadap tubuh manusia, namun sekarang mari kita kembali ke pertanyaan tentang alasan asal usulnya.

Kapan tarian itu berasal? Logikanya, kemungkinan besar, secara kronologis, waktu munculnya tradisi tari tampaknya adalah masa Madeleine (15 - 10 ribu tahun yang lalu).

Selama periode inilah seni primitif dan, yang terpenting, lukisan gua, mencapai tingkat perkembangan tertinggi. Masuk akal untuk berasumsi bahwa pada periode inilah, ketika meningkatnya kompleksitas jiwa dan komunikasi manusia mengawali munculnya kebutuhan akan seni rupa, kebutuhan akan bentuk seni lain dapat muncul - termasuk tari, konfirmasi akan hal ini adalah disediakan oleh lukisan gua di gua-gua di Perancis dan Spanyol, dimana dari tahun 1794 gambar - 512 menggambarkan orang-orang dalam berbagai pose dan momen pergerakan, yang diulang secara berkala, selain itu, sekitar 100 gambar didedikasikan untuk beberapa jenis makhluk humanoid. Jika kita menganggap lukisan gua itu sangat realistis, bahkan fotografis, sang seniman belum bisa berpikir abstrak, ia tidak menciptakan apa pun dan melukis apa yang dilihatnya dengan matanya sendiri, maka orang dapat bertanya - apa yang dilihatnya? Jika kita membuang versi alien atau mutan, kemungkinan besar mereka adalah orang-orang yang berpakaian seperti binatang atau sejenis roh yang mereka tiru.

Manusia purba melukis tiruan binatang dan roh. Tetapi jika orang-orang melakukannya, apalah artinya jika bukan tarian? Pada saat yang sama, lahirlah musik dan alat musik. Semua jenis seni sangat erat kaitannya, oleh karena itu musik juga dikaitkan dengan tari. Jawaban atas pertanyaan pertama telah diberikan. Tarian tidak meninggalkan “monumen” yang pasti seperti lukisan atau arsitektur, namun kelahiran tari hampir tidak mungkin terjadi lebih awal. Masyarakat belum siap. Pertanyaan selanjutnya adalah: bagaimana budaya tari itu muncul?

Telah kami katakan bahwa seni tari bermula dari kedalaman jiwa manusia yang semakin kompleks dan menjadi wujud eksternal dari kebutuhan seseorang akan gerakan tubuh tertentu. Kami selalu menemui Anda dengan kebutuhan seperti itu. Selain naluri dan refleks alami, seseorang memiliki memori biomekanik. Seseorang tidak bisa hidup tanpa gerakan otot! Jika suatu organ, karena satu dan lain hal, tidak aktif selama waktu tertentu, maka organ tersebut pasti akan mengalami atrofi. Kita membutuhkan gerakan untuk hidup! Segala sesuatu di dunia ini terus bergerak, semuanya bergetar dan berubah. Manusia adalah anak dunia ini dan tidak dapat hidup terpisah dari hukum objektifnya. “Tidak ada yang bertahan selamanya”, “Semuanya mengalir, semuanya berubah,” kata kebijaksanaan populer. Oleh karena itu, manusia terpaksa, selain melakukan gerakan-gerakan produksi yang diperlukan, mendengarkan suara alam, juga melakukan gerakan-gerakan tambahan untuk menjaga vitalitasnya. Nampaknya mengapa ia membutuhkan hal ini, karena kehidupan primitif secara fisik sulit dan penuh bahaya, manusia sudah mendapat banyak aktivitas fisik dan jelas tidak menderita karena kurangnya aktivitas fisik. Tapi tidak!

Kita adalah makhluk dengan jiwa yang kompleks dan sangat terorganisir, perasaan dan pikiran kita mempengaruhi medan energi kita dan oleh karena itu muatan mental dan spiritual bahkan lebih penting bagi kita daripada muatan fisik, karena jiwa kitalah yang, melalui impuls bio-listrik, mengontrol semua proses fisik dalam tubuh kita. Saya yakin bahwa kebutuhan akan pengisian ulang mental secara berkala inilah yang mengawali kebutuhan awal manusia akan gerakan tubuh yang berirama. Harap dicatat - tidak sederhana, tetapi dalam gerakan tubuh yang berirama. Mengapa demikian? Ya, karena seluruh organ dalam kita, seluruh tubuh dan sistem saraf berada dalam getaran dan denyut yang konstan, yang memiliki ritmenya sendiri-sendiri: jantung berdetak dalam ritme tertentu, siklus pernapasan juga dilakukan secara berirama ketat, dll. Oleh karena itu, pengisian psikoenergi juga harus dilakukan secara ritmis agar tidak menyimpang dari ritme biologis alami tubuh. Dalam hal ini yang kita bicarakan bukan tentang tarian-tarian yang sudah tidak asing lagi bagi kita, melainkan tentang kebudayaan bentuk-bentuk gerak tubuh ritmis yang paling awal, diiringi dengan pengiring yang primitif, kemungkinan besar berupa suara dan kebisingan, yang dapat digolongkan sebagai permulaan tari. budaya.

Mendengarkan musik yang merdu dan bergerak untuk kesenangan antara lain menghasilkan hormon kebahagiaan yang merupakan salah satu penyebab tidak langsung munculnya tari.

Penggagas seni tari adalah jiwa manusia purba. Kebutuhan akan pengetahuan tentang diri sendiri, dunia, ekspresi diri dan kesenangan. Dan perwakilan aliran sesat tidak melewatkan kesempatan ini, menggunakan tarian dalam ritualnya. Kemungkinan besar jumlahnya sangat besar, yang meningkatkan efeknya melalui “efek kawanan”. Dalam masyarakat primitif, hampir mustahil untuk tidak mematuhi peraturan ini, sehingga peraturan ditentukan oleh pendeta dan pemimpin.

Tarian pertama zaman dahulu jauh dari apa yang disebut dengan kata sekarang. Mereka memiliki arti yang sangat berbeda. Dengan berbagai gerakan dan gerak tubuh, seseorang menyampaikan kesannya terhadap dunia di sekitarnya, memasukkan ke dalamnya suasana hatinya, keadaan pikirannya. Teriakan, nyanyian, permainan pantomim saling berhubungan dengan tarian. Tarian itu sendiri selalu erat kaitannya dengan kehidupan dan cara hidup masyarakat. Oleh karena itu, setiap tarian sesuai dengan karakter dan semangat masyarakat di mana tarian itu berasal. Dengan berubahnya sistem sosial dan kondisi kehidupan, sifat dan tema seni pun berubah, begitu pula tari. Akarnya berakar kuat pada kesenian rakyat.

Menari sangat umum di kalangan masyarakat dunia kuno. Para penari berusaha memastikan bahwa setiap gerakan, gerak tubuh, dan ekspresi wajah mengungkapkan suatu pikiran, tindakan, atau perbuatan. Tarian ekspresif sangat penting baik dalam kehidupan sehari-hari maupun dalam kehidupan bermasyarakat.

Bagi seseorang dalam masyarakat primitif, tari adalah cara berpikir dan hidup. Teknik berburu dipraktikkan dalam tarian yang menggambarkan binatang; Tarian ini mengungkapkan doa memohon kesuburan, hujan dan kebutuhan mendesak lainnya dari suku tersebut. Cinta, karya dan ritual diwujudkan dalam gerak tari. Tarian dalam hal ini begitu erat hubungannya dengan kehidupan sehingga dalam bahasa suku Indian Tarahumara Meksiko, konsep “kerja” dan “menari” diungkapkan dengan kata yang sama. Sangat memahami ritme alam, orang-orang dari masyarakat primitif mau tidak mau menirunya dalam tarian mereka.

Tarian primitif biasanya dibawakan secara berkelompok. Tarian melingkar mempunyai arti dan tujuan tertentu: mengusir roh jahat, menyembuhkan orang sakit, mengusir masalah dari suku. Gerakan yang paling banyak dilakukan di sini adalah menghentak, mungkin karena membuat bumi bergetar dan tunduk pada manusia. Tarian jongkok adalah hal biasa dalam masyarakat primitif; penari suka berputar, bergerak-gerak, dan melompat. Melompat dan berputar membuat para penarinya dalam keadaan gembira, terkadang berakhir dengan hilangnya kesadaran. Para penarinya biasanya tidak mengenakan pakaian, melainkan memakai topeng, hiasan kepala yang rumit dan sering mengecat tubuhnya. Iringannya berupa hentakan, tepuk tangan, dan permainan berbagai jenis kendang dan pipa yang terbuat dari bahan alam.

Suku primitif tidak memiliki teknik menari yang diatur, namun persiapan fisik yang prima memungkinkan para penari mengabdikan diri sepenuhnya pada tarian dan menari dengan dedikasi mutlak, bahkan sampai gila-gilaan. Tarian semacam ini masih bisa dilihat di kepulauan Pasifik Selatan, Afrika, serta Amerika Tengah dan Selatan.

1.2 Mesir Kuno, Cina, India, Yunani, Roma

Maka tarian itu mulai berkembang. Di berbagai negara, budayanya berbeda, tetapi di mana pun hal itu terjadi, dan itu diberi peran penting.

Kebudayaan Mesir Kuno yang tingkat masyarakatnya cukup tinggi kaya akan musik dan tari. Orang Mesir sangat menyukai kesenangan dan tidak ada satu hari libur atau acara pun yang berlangsung tanpa tarian diiringi musik. Di Mesir Kuno, seni tari sangat dihargai. Dan berdasarkan kenyataan bahwa negara ini terisolasi sejak lama karena letak geografis tertentu, maka budaya tari mereka berkembang secara mandiri dan tanpa campur tangan masyarakat dan budaya lain. Oleh karena itu, tarian di Mesir Kuno sangatlah istimewa dan tidak seperti tarian lainnya. Selama bertahun-tahun perkembangan budaya pada masa firaun, sejumlah besar jenis koreografi bermunculan: tarian hiburan, harem, ritual, keagamaan, dan bahkan tarian militer.

Informasi visual penting tentang perkembangan tari di Mesir Kuno dapat diperoleh dari catatan hieroglif, relief kayu, gambar yang diukir di atas batu, patung dan berbagai benda dari makam kuno. Di Abydos - tempat, menurut orang Mesir, dewa kematian Osiris dimakamkan - ritual dengan tarian dan musik diadakan selama titik balik matahari musim panas. Sekelompok penyanyi dan penari tinggal di kuil dan berpartisipasi dalam pemujaan para dewa. Salah satu hari raya utama adalah ritual yang didedikasikan untuk banteng Apis, dengan tarian rahasia yang dibawakan oleh “pelayan” banteng.

Rasa sandiwara sangat kuat di kalangan masyarakat Mesir Kuno. Bahkan penari kuil mereka melakukan pertunjukan akrobatik, dan pada reliefnya terlihat seorang wanita melakukan split, atau seorang wanita terlempar ke udara lalu diangkat oleh dua pasangannya, dan seorang pria berdiri dengan satu kaki hendak melakukan putaran.

Tarian pemakaman dan upacara dibedakan berdasarkan tingkat keparahan dan kesederhanaannya, tetapi seiring berjalannya waktu, jenis tarian lain yang lebih dekoratif mulai bermunculan. Budak laki-laki dan perempuan diajari menari untuk hiburan rumah. Penari dari negara lain dibawa ke Mesir. Ada rombongan aktor profesional keliling yang menampilkan pantomim dan melakukan aksi akrobatik dengan iringan rebana dan alat musik. Untuk beberapa waktu, tarian pigmi hitam menjadi populer.

Dalam karya penyair, penulis, dan seniman kuno, nama-nama tarian dan pesertanya ditemukan, dan aturan pertunjukannya dijelaskan.

Ketika berbicara tentang tarian rakyat dalam budaya Tionghoa, kebanyakan orang langsung membayangkan pertunjukan tari penuh warna yang dibawakan oleh perwakilan berbagai etnis selain Tionghoa Han. Sedangkan sejak dahulu kala, suku-suku yang kemudian disatukan oleh satu nama umum – kebangsaan Han, memiliki berbagai bentuk tarian ritual. Tarian rakyat awal di Tiongkok, seperti bentuk seni primitif lainnya, sebagian besar merupakan bentuk ritual dari berbagai takhayul dan kepercayaan. Tarian ini dilakukan untuk memohon kepada para dewa agar panen yang baik atau perburuan yang baik.

Jauh kemudian, pada masa Dinasti Han (206 SM - 220), tarian rakyat dari sebagian besar kelompok etnis yang mendiami Tiongkok berkembang. Tarian rakyat yang muncul saat ini juga mencerminkan takhayul dan kepercayaan masyarakat. Mereka percaya bahwa dengan memberikan persembahan ritual kepada para dewa, mereka dapat membujuk mereka untuk memberikan manfaat yang lebih besar di masa depan.

Tarian rakyat Tiongkok yang utama adalah Pencitraan dan Tarian Barongsai. Awalnya, tarian ini hanya merupakan bagian dari warisan budaya Tionghoa Han, namun seiring berjalannya waktu, tarian ini mulai dibawakan oleh perwakilan suku lain yang tinggal di Tiongkok. Selain itu, salah satu bentuk tarian rakyat Tiongkok yang lebih halus adalah Tari Istana, yang terkadang juga disebut Tari Istana. Awalnya berasal dari istana kaisar Han pada masa Dinasti Qin (221 SM - 206 SM). Kaisar Tiongkok lainnya, termasuk yang berasal dari Mongol dan Manchu, terus mengembangkan bentuk seni tari ini. Tarian naga dan barongsai biasanya dipentaskan saat perayaan Tahun Baru Imlek.

Berdasarkan tafsir mitologi Hindu, asal usul tarian terjadi di India, dan penciptanya adalah dewa Siwa, yang dengan menari mengubah kekacauan universal menjadi Alam Semesta. Diyakini bahwa hanya makhluk surgawi dan bukan manusia biasa yang berhak menari. Pada perayaan di istana surgawi, penari semi dewa yang cantik menggeliat menari, menyenangkan dan menyenangkan semua orang di sekitar mereka. Dewa Siwa sendiri dianggap sebagai penari paling hebat; semua dewa lainnya mendapat kehormatan untuk menemaninya. Tarian menjadi dapat diakses oleh orang-orang biasa di bumi hanya setelah orang bijak agung Bharata, yang melalui perbuatan baiknya telah mendapatkan hak untuk mengunjungi istana dewa dan menikmati tontonan tarian, berpaling kepada dewa Brahma dan Siwa dengan permintaan untuk mengajar orang-orang biasa. seni ini.

Di India Kuno, tarian dianggap sebagai ekspresi jiwa, keadaan batin seseorang dalam bentuk tertinggi. Berkat sikap khusus agama Hindu terhadap segala seni sebagai perwujudan keindahan batin ketuhanan dalam diri manusia, seni pun bisa disamakan dengan agama. Oleh karena itu, tidak mengherankan jika masyarakat Hindustan Kuno, jauh sebelum mereka belajar menulis, membaca, dan membuat patung dari batu, mengungkapkan keimanan mereka kepada para dewa dan ketaatan mereka melalui gerakan tubuh. Tarian bagi umat Hindu di dunia kuno merupakan bagian integral dari upacara dan ritual keagamaan. Awalnya, komposisi koreografi ini cukup primitif, tetapi segera mencapai kesempurnaan. Secara umum, tarian klasik India diyakini merupakan bentuk yoga unik yang memadukan energi spiritual dan ketahanan fisik secara harmonis. Fakta bahwa tarian di India Kuno merupakan bagian integral dari kehidupan masyarakat ditegaskan dalam berbagai kitab suci, kisah-kisah orang bijak, dan berbagai patung yang menggambarkan penari membeku dalam pose yang rumit.

Perlu dicatat bahwa tarian India bukan hanya serangkaian gerakan berbeda yang indah, tetapi juga menceritakan kisah tertentu secara utuh. Fitur ini bertahan hingga hari ini. Penari modern menggunakan langkah, pukulan, gerakan lengan, kuas, dan bahkan pandangan yang ditentukan secara ketat, yang mencerminkan perasaan, tindakan, atau bahkan keseluruhan peristiwa tertentu. Bahkan di India kuno, gadis-gadis muda dan cantik yang dipilih secara khusus, yang belum mencapai pubertas, menjadi istri para dewa yang kepadanya kuil itu dipersembahkan. Mereka menampilkan tarian telanjang, yang merupakan demonstrasi perasaan mereka terhadap dewa.

Ciri mencolok lainnya dari budaya tari umat Hindu kuno adalah penafsiran teks dengan iringan langkah koreografi. Setiap penari menampilkan cerita dan tarian karena keahlian dan pandangan dunianya yang khusus. Tindakan ini sepenuhnya dipenuhi dengan muatan semantik tertentu dan pencerahan orang lain.

Setelah jangka waktu tertentu, tarian di India mulai kehilangan esensi keagamaannya dan sudah pada Abad Pertengahan, tarian dipentaskan terutama sebagai hiburan istana dan aksi penuh warna. Para peserta tarian bernyanyi bukan untuk para dewa, tetapi untuk pelindung mereka. Tarian Hindu modern memiliki keanggunan, keanggunan dan kekayaan perasaan yang luar biasa. Koreografi India istimewa dan tidak ada tandingannya di seluruh dunia.

Menurut legenda, tarian sakral dipindahkan ke Yunani dari Mesir oleh Orpheus. Dia melihat mereka selama festival kuil orang Mesir. Namun dia menundukkan gerakan dan gerak tubuhnya sesuai ritmenya sendiri, dan itu menjadi lebih konsisten dengan karakter dan semangat orang Yunani. Tarian ini dibawakan dengan suara kecapi dan dibedakan dari keindahannya yang sederhana. Liburan, dan karenanya tarian, sering kali didedikasikan untuk dewa yang berbeda: Dionysus, dewi Aphrodite, Athena. Mereka mencerminkan hari-hari tertentu dalam tahun kalender kerja.

Tarian militer di Yunani Kuno berperan besar dalam menanamkan keberanian, patriotisme, dan rasa tanggung jawab di kalangan pemuda. Biasanya tarian pyrrhic militer dibawakan oleh dua orang. Ada pesta pora massal di mana hanya laki-laki muda yang menari, dan terkadang perempuan menari bersama laki-laki muda. Tarian militer mereproduksi pertempuran, berbagai formasi tempur, ini adalah komposisi koreografi yang kompleks. Di tangan para penari terdapat busur, anak panah, perisai, obor yang menyala, pedang, tombak, dan anak panah. Plot tarian heroik biasanya mencerminkan mitos dan legenda tentang pahlawan.

Tarian untuk menghormati dewa kesuburan dan pembuatan anggur Yunani, Dionysus, ditandai dengan kegembiraan yang tak terkendali dan liar. Dionysia dirayakan pada musim semi, ketika kebun anggur mulai menghijau dan alam menjadi hidup. Dalam jubah ungu dan emas, patung Dionysus dibawa di depan, diikuti oleh mummer: nimfa dan naiad setengah telanjang dengan bunga dan daun anggur di rambut tergerai, dan satir dengan tanduk kambing di kulit binatang. Mungkin Dionysia adalah penyamaran pertama.

Panggung tarian Yunani kuno adalah bagian dari pertunjukan teater, di mana setiap genre memiliki tariannya sendiri. Selama menari, para pemain menjaga waktu dengan kaki mereka, mereka mengenakan sandal besi atau kayu khusus, dan memukul waktu dengan tangan mereka menggunakan alat musik - cangkang tiram - yang diletakkan di jari tengah mereka.

Selama keruntuhan Kekaisaran Romawi, tarian dan pantomim menjadi tontonan yang tidak bermoral dan diperlakukan dengan hina oleh warga terhormat Roma. Cicero dan Horace menulis tentang tarian Romawi dalam risalah mereka.

1.3 Tarian rakyat di Eropa dari Abad Pertengahan hingga Renaisans

Abad Pertengahan. Era ini ditandai dengan rasa takut yang akut akan kematian; gambaran kematian, seperti iblis, selalu ditemukan dalam simbolisme abad pertengahan. Gambaran tentang menari kematian sudah muncul di zaman kuno; sosok kematian juga muncul dalam tarian banyak masyarakat primitif. Namun pada Abad Pertengahan, gambaran kematian menjelma menjadi simbol kekuatan yang luar biasa. “Tarian Kematian” (danse mengerikan) menjadi sangat luas di Eropa pada abad ke-14, selama periode epidemi wabah. Dalam arti sosial, tarian ini, seperti kematian itu sendiri, menyamakan kedudukan perwakilan dari berbagai kelas. Selama tahun-tahun wabah, “tarian kematian” sering kali berkembang menjadi kesenangan histeris. Biasanya dimulai dengan tarian cepat; kemudian salah satu penari tiba-tiba terjatuh ke tanah, berpura-pura mati, dan yang lainnya terus menari mengelilinginya, melambangkan duka cita orang mati dalam parodi. Jika orang mati itu digambarkan sebagai laki-laki, dia dihidupkan kembali melalui ciuman para gadis; jika perempuan, laki-laki menciumnya. Setelah “kebangkitan” dilanjutkan dengan tarian keliling umum.

Banyak cerita yang muncul dari Abad Pertengahan tentang obsesi manik terhadap tari. Selama hari raya umat Kristiani, orang-orang tiba-tiba mulai bernyanyi dan menari di dekat gereja, sehingga mengganggu kebaktian gereja yang berlangsung di sana. Tarian gila ini diamati di semua negara. Di Jerman mereka menerima nama “St. Vitta", dan di Italia - "tarantella".

Tarian bukan hanya sarana relaksasi yang diperlukan, tetapi juga hiburan utama. Tarian abad pertengahan sebagian besar masih merupakan pertunjukan improvisasi. Orang-orang menyukai tarian melingkar, tetapi tidak ada aturan tarian yang tetap. Menari adalah bentuk pacaran yang diterima; pemainnya mengiringi tarian dengan nyanyian; gerakannya adalah yang paling sederhana. Pada abad ke-12. pemujaan cinta romantis dan kesatriaan secara signifikan mengubah tarian tersebut, menghilangkan ciri-ciri erotisnya yang terang-terangan. Menari adalah salah satu kegiatan yang biasa dilakukan seorang ksatria dan bertindak sebagai semacam rumah yang sejajar dengan turnamen luar ruangan. Biasanya satu pasangan memimpin tarian, dan yang lainnya ikut serta, bergerak perlahan dalam lingkaran; jenis tarian ini dalam banyak hal mengingatkan pada polonaise.

Pada akhir Abad Pertengahan, perbedaan antara tari pasangan istana dan tari kelompok desa muncul. Dari segi sosial, kesenjangan yang kaku belum ada. Penduduk desa bisa meniru tarian istana, dan para ksatria terkadang suka ikut serta dalam tarian keliling desa. Para petani mengikuti tarian itu dengan spontanitas tanpa hambatan, para ksatria menari lebih ketat, mengikuti tata krama istana. Tarian rakyat masih bersifat improvisasi, sedangkan tari keraton semakin santun. Bentuk utama seni keraton adalah tari figur, dimana sekelompok penari secara berurutan membentuk formasi tari.

Yang sangat penting dalam perkembangan tari keraton adalah munculnya guru-guru tari yang profesional, yang tidak hanya mengajar kaum bangsawan, tetapi juga berperan sebagai penengah dalam bidang tata krama dan tata krama serta biasanya mempunyai pengaruh yang besar terhadap suasana di keraton.

Tarian adalah bagian rutin dari praktik keagamaan di sebagian besar agama besar, dan umum dalam agama Kristen hingga abad ke-13. Itu dianggap sebagai pelengkap ibadah musik, vokal atau instrumental. Acara sosial dan perayaan sekuler, yang sering dikaitkan dengan perayaan keagamaan, juga menampilkan tarian, begitu pula upacara resmi seperti kunjungan kerajaan dan penobatan. Namun perwujudan fisik dari kegembiraan dan pujian ini tidak terbatas pada acara-acara khusus. Tarian juga merupakan bagian dari kehidupan sehari-hari. Ada banyak laporan tentang tarian sore dan manfaat menari untuk menciptakan tubuh yang sehat. Hal ini menghubungkan tarian dengan latihan militer, yang sebagian besar dilakukan dengan kaki dan tidak hanya membutuhkan ketahanan fisik, tetapi juga ketangkasan dan gerak kaki yang cepat.

Selama Renaisans, tarian sehari-hari menjadi sangat penting. Tidak hanya pesta dansa dan malam hari, perayaan jalanan yang riuh, yang terkadang mencapai kecemerlangan dan kemegahan luar biasa, tidak lengkap tanpanya. Selingan teater dengan nyanyian dan tarian diadakan di aula istana bangsawan Italia. Tarian menjadi dasar dari tontonan mewah ini.

Perkembangan tari teatrikal selama Renaisans terutama dikaitkan dengan Italia Utara, meskipun kemudian, ketika tarian tersebut menyebar ke seluruh Eropa, istana Prancis menjadi sumber stilisasi yang indah dan keindahan barok. Para penguasa negara-kota Italia semakin memperhatikan tontonan yang menakjubkan. Lambat laun, muncullah seperangkat teknik tari dengan sejumlah aturan wajib. Tarian pedesaan yang meriah tidak cocok untuk bapak dan ibu istana. Pakaian mereka, seperti aula atau taman tempat mereka menari, struktur pemikiran mereka sama sekali tidak memungkinkan adanya gerakan yang tidak terorganisir. Untuk memulihkan ketertiban dan memperkuat disiplin, ada ahli tari khusus, yang menganggap tarian adalah perwujudan pengekangan dan kecanggihan. Sekarang tidak ada lagi “rakyat” yang tersisa dalam dirinya; tariannya menjadi semakin teatrikal. Para ahli tari profesional berlatih terlebih dahulu langkah dan figur individu bersama para bangsawan dan mengarahkan gerakan kelompok penari, sedangkan penontonnya adalah para abdi dalem lainnya.

Perkembangan seni musik pada masa Renaisans erat kaitannya dengan perkembangan tari, karena hampir semua komponis besar fokus pada tari dalam karyanya.

Penyamaran, momeria, dan prosesi karnaval, hiburan favorit di Abad Pertengahan, terutama menyebar selama Renaisans. Yang terpenting, pada masa Renaisans, masyarakat menyukai penyamaran, yaitu menari dengan topeng, dan topeng memiliki arti khusus pada zaman ini. Orang-orang yang ingin mempertahankan penyamaran mereka bepergian dengan menggunakan masker; perwakilan keluarga bangsawan yang bertikai menyembunyikan wajah mereka di balik topeng. Contoh paling mencolok adalah Romeo, yang menyusup ke bola Capulets (tragedi Shakespeare Romeo dan Juliet).

Karnaval juga memberikan kontribusi yang besar terhadap tarian sebagai hiburan masyarakat. Yang paling megah di antaranya adalah apa yang disebut kemenangan - pertunjukan bertema mitologi dengan dekorasi yang dibuat dengan terampil. Yang lebih sederhana adalah kari - penyamaran pengrajin dan pedagang di kota-kota Italia: di sini kerumunan orang bertopeng berparade di balik simbol dekoratif profesi mereka.

Varietas tarian abad pertengahan.

Tarian bass - dari bahasa Prancis. basse danse - "low dance" - nama umum untuk "tarian tanpa lompat" abad ke-16; mereka pertama kali muncul di pengadilan Burgundia. “Tarian rendah” berbeda dengan “tarian tinggi” (danse haute), yang merupakan ciri khas lompat tinggi dan memantul. Tarian bass merupakan tarian seremonial yang mirip dengan polonaise, yaitu. lebih diasosiasikan dengan berjalan dibandingkan dengan menari. Tarian bass dianggap sebagai pendahulu seni grafis. Tarian ini dapat dipentaskan dalam skala bipartit (biasanya) atau tripartit. Tarian bass terdiri dari tiga bagian: tarian bass itu sendiri, pengulangannya, dan tordion - tarian lompat-lompat. Tarian bass menghilang pada abad ke-16, digantikan oleh pavane.

Estampie, atau estampida, adalah bentuk instrumental dan tarian abad pertengahan dari Provence. Penulis abad pertengahan menyebutkan stantip, mungkin nama Latin untuk estampida. Setiap statip terdiri dari sejumlah “titik” (puncti): setiap punctum (titik) terdiri dari dua bagian yang permulaannya sama (apertum) dan akhirannya berbeda (clausum). Tambahan pada statipe adalah duktia, yang juga terdiri dari “titik-titik”, tempat mereka menari. Estampy dapat dianggap sebagai salah satu tarian utama Abad Pertengahan.

Saltarello adalah tarian Italia yang energik dengan tempo cepat, tri-beat, terkadang bi-beat. Namanya berasal dari saltare - "melompat". Saltarello sangat umum pada abad 16-17, tetapi dalam manuskrip Inggris dan Italia sudah ditemukan pada abad ke-14. Pada abad ke-16 saltarello dibawakan berpasangan dengan bass dance dan passamezzo (setelahnya). Saat ini saltarello ditarikan di Italia dan Spanyol dengan cara yang sama seperti tarantella.

Moresca (Morisco) merupakan tarian pantomim yang dikenal sejak awal Abad Pertengahan. Para penari, sesuai dengan gagasan yang sangat romantis tentang bangsa Moor, mengenakan kostum aneh dengan lonceng di pergelangan kaki; musiknya didominasi oleh ritme titik-titik dan warna nada yang eksotis. Seringkali wajah satu atau lebih penari dicat hitam. Di Eropa, tarian ini menyebar ke daerah-daerah di mana terjadi kontak antara umat Islam dan Kristen. Rumput laut Eropa berasal dari Spanyol, yang sudah disebutkan pada abad ke-15.

Courant adalah tarian dua bagian waktu, awalnya pantomimik, dikenal sejak abad ke-16. Secara bertahap, lonceng memperoleh meteran tiga bagian pada abad ke-17. mulai dibawakan berpasangan dengan allemande (setelahnya). Ciri khas lonceng abad ke-17. Sering terjadi perubahan meteran dari 3/2 menjadi 6/4 dan sebaliknya, yang berhubungan dengan pergantian dua tokoh tari utama - pas de courante dan pas de coupe.

Giga adalah tarian Inggris yang populer pada abad ke-16. Nama ini berasal dari kata Perancis Kuno giguer ("menari") atau kata Inggris Kuno giga (biola rakyat). Mula-mula jig dalam waktu 4/4; kemudian, jig mulai digubah dalam waktu 6/8 dengan selingan nada kedelapan.

Pavane adalah tarian pembukaan pesta dansa abad 16-17, dalam ukuran bipartit (kadang tripartit), melambangkan prosesi yang lambat dan megah. Pavana berasal dari Spanyol, namanya berhubungan dengan kata pavo (“merak”); mungkin pavane adalah bentuk tarian bass selanjutnya. Pada abad ke-17 Pavane biasanya diikuti dengan lari cepat dan melompat. Di Italia dan Jerman, padovana (dari nama kota Padua di Italia) sering diidentikkan dengan pavana. Komposer Jerman pada periode setelah tahun 1600 menulis komposisi yang khusyuk dan megah, yang disebut "pavanes". Pavanes juga disusun oleh madrigalis Inggris W. Bird, J. Bull, O. Gibbons dan J. Dowland.

Galliard adalah tarian ceria dan lincah dari abad 16-17, mula-mula cukup cepat, kemudian dibawakan dengan tempo yang lebih terkendali, dalam waktu tiga ketukan. Awalnya bipartit, galliard kemudian mengubah meterannya dan menjadi “pasangan” dengan pavane atau passamezzo (dilakukan setelahnya). Galliard adalah salah satu tarian favorit Eropa pada abad ke-17.

Branle adalah nama umum untuk tarian abad 16-17. Berbagai provinsi di Prancis memiliki versi dedaknya sendiri - Burgundy, Poitou, Champagne, Picardy, Lorraine, Obarois, Brittany. Pada abad ke-15 branle menyelesaikan tarian bass, pada abad 16-17. menjadi tarian mandiri, yang ragamnya digabungkan menjadi rangkaian. Urutan bagian-bagian dalam dedak dedak adalah sebagai berikut: dedak ganda, dedak sederhana, dedak ceria, montirande dan gavotte; Urutannya mungkin berbeda-beda, tetapi gavotte selalu muncul di akhir. Branle sering diikutsertakan dalam balet era Barok, bahkan ketika tarian itu sendiri sudah tidak digunakan lagi.

Bergamasca - tarian abad 16-17. dalam waktu 2/4 atau 4/4, datang dari kota Bergamo di Italia. Shakespeare menyebut Bergamasca dalam film komedi A Midsummer Night's Dream, sehingga tarian ini sudah dikenal di Inggris pada abad ke-16. Dalam manuskrip pada masa itu, bergamasca memiliki melodi tertentu, yang sering kali berupa basso ostinato (yaitu bass yang terus diulang) dengan variasi.

Chaconne adalah tarian Spanyol abad 16-18, dekat dengan passacaglia. Menurut uraian penulis abad 16 dan 17, tarian tersebut datang ke Spanyol dari Hindia Barat. Dalam bentuk aslinya, sensual dan temperamental, chaconne di abad ke-17. berubah menjadi tarian yang lambat dan megah, secara musikal - dengan perkembangan variasi berdasarkan basso ostinato.

Allemande - dari bahasa Prancis. allemand - "Jerman" - tarian abad 16-18, seperti namanya, berasal dari Jerman. Seperti pavane, allemande adalah tarian dengan tempo sedang dan meteran bipartit. Tarian tenang ini biasanya diikuti dengan bunyi lonceng tiga ketukan yang meriah.

Selama masa Renaisans, hiburan sekuler, sedikit demi sedikit, menjadi semakin halus dan canggih. Elemen teater dan tari merambah ke lingkungan tua dan muda kehidupan tuan tanah feodal - terkadang pesta di kastil menyerupai pertunjukan teater: di sela-sela menyajikan hidangan individu kepada para tamu, seniman dan musisi yang diundang memerankan adegan tari kecil dan pantomim, menyanyikan arias dan memainkan alat musik. Pada abad ke-15, tariannya telah sedikit berubah - menjadi lebih kompleks, menjadi lebih cepat dan lebih lincah, saat ini lompatan dan bahkan gerakan ringan dilakukan - cepat atau lambat wanita itu, dengan bantuan seorang pria, naik ke udara. Banyak tarian baru yang bermunculan, masing-masing dengan gerakan (langkah) tertentu. Selain itu, sangat penting untuk mengetahuinya - baik tarian maupun gerakannya - serta aturan etiket.

Dengan demikian tarian tersebut berkembang menjadi apa yang kita sebut dengan balet atau tari klasik. Mari kita pertimbangkan sejarahnya secara terpisah dan lebih terinci.

2. Era balet di luar negeri dan di Rusia

2.1 Balet di Barat

Pada abad kelima belas, di akhir Abad Pertengahan, minat terhadap budaya Yunani kuno muncul, yang mengarah pada konsep seperti Renaisans. Selama Renaisans, prioritas kehidupan budaya berubah, dan penari diasosiasikan dengan orang-orang ideal. Balet lahir, begitu pula Renaisans di Italia. Nama “balet” sendiri juga erat kaitannya dengan Italia, karena ballo artinya tarian. Pertunjukan dipentaskan di istana untuk bangsawan setempat, dan para penari menghiasi pertunjukan teater tersebut. Pada tahap awal balet, penonton berpartisipasi di akhir pertunjukan. Tentu saja, dibandingkan dengan balet modern, koreografi pada Abad Pertengahan jauh lebih lemah. Gerakan dasar terdiri dari langkah-langkah berdasarkan tarian istana. Hal ini juga dijelaskan oleh fakta bahwa sangat sedikit orang yang dapat dianggap sebagai koreografer.

Berkat Catherine de' Medici, seorang Italia yang menikah dengan raja Prancis Henry II, seni balet mulai menyebar ke luar Italia. Ia mendukung penuh dan membiayai produksi pertunjukan tari. Pertunjukan tersebut terutama dipentaskan untuk acara kenegaraan terkenal, seperti kedatangan duta besar Polandia. Belakangan, balet mendapat dukungan penuh dari raja Prancis dan Italia, dan teater khusus mulai didirikan untuk pertunjukan demi uang di depan penonton biasa.

Pada mulanya seperti sebuah adegan tari yang disatukan oleh satu aksi atau suasana hati, sebuah episode dalam pertunjukan musik atau opera. Dipinjam dari Italia, balet istana berkembang pesat di Prancis sebagai tontonan seremonial yang megah. Awal era balet di Prancis dan di seluruh dunia harus dipertimbangkan pada tanggal 15 Oktober 1581, ketika pertunjukan diadakan di istana Prancis, yang dianggap sebagai balet pertama - "Balet Komedi Ratu" (atau "Cerce" ), dipentaskan oleh pemain biola Italia, “musik utama yang diinginkan" oleh Baltazarini de Belgioso. Dasar musik dari balet pertama adalah tarian istana yang merupakan bagian dari rangkaian kuno. Pada paruh kedua abad ke-17, genre teater baru muncul, seperti komedi-balet, opera-balet, di mana tempat penting diberikan kepada musik balet, dan upaya dilakukan untuk mendramatisasinya. Namun balet menjadi bentuk seni panggung yang independen hanya pada paruh kedua abad ke-18 berkat reformasi yang dilakukan oleh koreografer Prancis Jean Georges Noverre (karyanya “Letters on Dance” sangat penting). Berdasarkan estetika Pencerahan Perancis, ia menciptakan pertunjukan yang isinya diungkapkan dalam gambar ekspresif yang dramatis, dan menetapkan peran aktif musik sebagai “sebuah program yang menentukan gerakan dan tindakan penari.”

Pendiri dan nenek moyang balet juga Louis XIV, Raja Matahari, yang suka menari. Pada usia dua belas tahun (1651) ia memulai debutnya di apa yang disebut "balet de cour" - balet istana, yang dipentaskan setiap tahun selama karnaval.

Karnaval Barok bukan hanya sekedar liburan dan hiburan, tetapi kesempatan untuk bermain di “dunia yang terbalik”. Misalnya, raja menjadi pelawak, seniman, atau badut selama beberapa jam, sementara pada saat yang sama pelawak mampu tampil dengan menyamar sebagai raja. Dalam salah satu produksi balet, yang disebut "Ballet of the Night", Louis muda mendapat kesempatan untuk pertama kalinya tampil di hadapan rakyatnya dalam bentuk Matahari Terbit (1653), dan kemudian Apollo, Dewa Matahari ( 1654).

Ketika Louis XIV mulai memerintah secara mandiri (1661), genre balet istana digunakan untuk kepentingan negara, membantu raja tidak hanya menciptakan citra perwakilannya, tetapi juga mengelola masyarakat istana (serta seni lainnya). Peran dalam produksi ini hanya dimiliki oleh raja dan temannya, Comte de Saint-Aignan.

Pada tahun 1661, Louis ke-14 menjadi pendiri sekolah balet pertama di dunia - Royal Academy of Dance. Kepala sekolahnya adalah Lully, yang menentukan perkembangan balet untuk abad berikutnya. Karena Lully adalah seorang komposer, ia menentukan ketergantungan gerak tari pada konstruksi frasa musik, dan sifat gerak tari pada sifat musiknya. Bekerja sama dengan Moliere dan Pierre Beauchamp, guru tari Louis ke-14, landasan teoretis dan praktis seni balet diciptakan. Pierre Beauchamp mulai menciptakan terminologi tari klasik. Sampai hari ini, istilah untuk menunjuk dan mendeskripsikan posisi dan kombinasi dasar balet digunakan dalam bahasa Prancis.

Perkembangan lebih lanjut dan perkembangan balet terjadi di era romantisme. Kembali ke tahun 30-an abad ke-18. Balerina Prancis Camargo memendekkan roknya dan mengabaikan tumitnya, yang memungkinkannya memperkenalkan gaya selip ke dalam tariannya. Pada akhir abad ke-18. kostum balet menjadi lebih ringan dan bebas, yang memberikan kontribusi besar terhadap pesatnya perkembangan teknik menari. Dramatisasi balet memerlukan perkembangan musik balet. Beethoven, dalam baletnya “The Works of Prometheus” (1801), melakukan upaya pertama untuk menyimfonkan balet. Arah romantis didirikan dalam balet Adan “Giselle” (1841) dan “Corsair” (1856). Balet Delibes Coppélia (1870) dan Sylvia (1876) dianggap sebagai balet simfoni pertama. Pada saat yang sama, pendekatan musik balet yang disederhanakan muncul (dalam balet C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, dll.), sebagai musik melodi, ritmenya jelas, hanya berfungsi sebagai pengiring tarian.

Pada akhir abad ke-18, lahirlah arah seni baru - romantisme, yang memiliki pengaruh kuat pada balet. Mencoba membuat tarian mereka lebih lapang, para pemain mencoba berdiri di atas ujung jari mereka, yang mengarah pada penemuan sepatu pointe. Kedepannya teknik jari dalam tari wanita aktif berkembang. Orang pertama yang menggunakan tarian pointe sebagai sarana berekspresi adalah Maria Taglioni. Penari tersebut meninggalkan pakaian tebal, wig, dan riasan yang melekat pada balet, hanya menari dengan gaun tipis yang sederhana. Balet La Sylphide ditayangkan perdana di Paris Grand Opera pada bulan Maret 1832, menandai dimulainya era romantisme balet. Saat itulah Taglioni memperkenalkan balet tutu dan sepatu pointe. Sebelum Maria, balerina cantik memikat penonton dengan teknik tarian virtuoso dan pesona femininnya. Taglioni, sama sekali tidak cantik, menciptakan balerina tipe baru - spiritual dan misterius. Dalam "La Sylphide" dia mewujudkan citra makhluk tidak wajar yang mempersonifikasikan cita-cita, impian keindahan yang tidak mungkin tercapai. Dalam gaun putih mengalir, melonjak dalam lompatan ringan dan membeku di ujung jarinya, Taglioni menjadi balerina pertama yang menggunakan sepatu pointe dan menjadikannya bagian integral dari balet klasik. Pada masa ini banyak bermunculan balet-balet indah, namun sayangnya balet romantis menjadi masa kejayaan seni tari terakhir di Barat. Sejak paruh kedua abad ke-19, balet, setelah kehilangan makna sebelumnya, berubah menjadi pelengkap opera. Baru pada tahun 30-an abad ke-20, di bawah pengaruh balet Rusia, kebangkitan bentuk seni ini di Eropa dimulai.

2.2 balet Rusia

Tidak diragukan lagi, balet Rusia akan tetap dalam sejarah selama berabad-abad. Ini penuh dengan para jenius tari, balet klasik, koreografer, dan neo-klasik, modern, tetapi ini bukan topik pekerjaan kami, jadi kami akan menyoroti peristiwa paling penting yang mengembangkan “klasik” Rusia dan mempromosikannya ke dunia.

Pertunjukan balet pertama di Rusia, menurut I. E. Zabelin, berlangsung di Maslenitsa pada 17 Februari 1672 di istana Tsar Alexei Mikhailovich di Preobrazhenskoe. Reitenfels memberi tanggal pertunjukan ini pada 8 Februari 1675. Produksi balet tentang Orpheus oleh komposer G. Schutz disutradarai oleh Nikolai Lima. Sebelum pertunjukan dimulai, aktor yang memerankan Orpheus naik ke panggung dan menyanyikan bait-bait Jerman, diterjemahkan ke Tsar oleh seorang penerjemah, di mana sifat-sifat indah dari jiwa Alexei Mikhailovich dipuji. Pada saat ini, di kedua sisi Orpheus berdiri dua piramida yang dihiasi spanduk dan diterangi dengan lampu warna-warni, yang setelah nyanyian Orpheus, mulai menari.

Belakangan, dengan dekrit khusus Kaisar Peter Agung, menari menjadi bagian integral dari etiket istana. Pada tahun 1730-an. Petersburg, di istana Anna Ivanovna, pertunjukan opera dan balet rutin diadakan. Adegan tari dalam opera dikoreografikan oleh koreografer J. B. Lande dan A. Rinaldi (dijuluki Fossano). Pemuda bangsawan diwajibkan untuk belajar menari, sehingga dansa ballroom di Sankt Peterburg menjadi disiplin wajib di Korps Kadet Bangsawan. Dengan dibukanya teater musim panas di Taman Musim Panas, dan teater musim dingin di sayap Istana Musim Dingin, para taruna mulai berpartisipasi dalam tarian balet. Guru tari di korps itu adalah Jean-Baptiste Lande. Dia mengerti betul bahwa para bangsawan tidak akan mengabdikan diri mereka pada seni balet di masa depan, meskipun mereka menari balet bersama dengan para profesional. Lande, tidak seperti orang lain, melihat perlunya teater balet Rusia. Pada bulan September 1737, ia mengajukan petisi di mana ia dapat membenarkan perlunya mendirikan sekolah khusus baru di mana anak perempuan dan laki-laki yang berasal dari keluarga sederhana akan belajar seni koreografi. Izin tersebut segera diberikan. Maka pada tahun 1738, sekolah tari balet pertama di Rusia dibuka (sekarang Akademi Balet Rusia A. Ya. Vaganova). Dua belas anak perempuan dan dua belas anak laki-laki kurus dipilih dari para pelayan istana, yang mulai diajar oleh Lande. Sejak tahun 1743, mantan murid Lande mulai dibayar gaji sebagai penari balet. Sekolah dengan sangat cepat berhasil menyediakan panggung Rusia dengan penari korps de balet yang hebat dan solois yang hebat. Nama-nama siswa terbaik angkatan pertama tetap dalam sejarah: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov.

Pada awal abad ke-19, seni balet Rusia mencapai kematangan kreatif. Penari Rusia menghadirkan ekspresi dan spiritualitas pada tariannya.

Balet pada masa ini menduduki kedudukan istimewa di antara bentuk seni teater lainnya. Dalam sejarah teater balet kita, banyak sekali nama-nama master asing yang berperan penting dalam perkembangan balet Rusia. Pertama-tama, ini adalah Charles Didelot, Arthur Saint-Leon dan Marius Petipa. Mereka membantu mendirikan sekolah balet Rusia. Namun seniman berbakat Rusia juga memberikan kesempatan untuk mengungkap bakat gurunya. Hal ini selalu menarik koreografer terbesar di Eropa ke Moskow dan Sankt Peterburg. Tidak ada tempat di dunia ini yang dapat mereka temui dengan kelompok besar, berbakat, dan terlatih seperti di Rusia. Pada pertengahan abad ke-19, realisme masuk ke dalam sastra dan seni Rusia. Para koreografer dengan tergesa-gesa, namun sia-sia, berusaha menciptakan pertunjukan yang realistis. Mereka tidak memperhitungkan bahwa balet adalah seni konvensional dan realisme dalam balet sangat berbeda dengan realisme dalam seni lukis dan sastra. Krisis seni balet dimulai. Isi pertunjukannya primitif, plot sederhana hanya berfungsi sebagai dalih untuk tarian spektakuler di mana para seniman menunjukkan keahliannya. Bagi para penari, yang utama adalah kehalusan bentuk dan teknik tari klasik, dan dalam hal ini mereka mencapai keahlian. Tahap baru dalam sejarah balet Rusia dimulai ketika komposer besar Rusia P. Tchaikovsky pertama kali menggubah musik untuk balet. Itu adalah Danau Angsa. Sebelumnya, musik balet tidak dianggap serius. Itu dianggap sebagai jenis kreativitas musik yang lebih rendah, hanya sebagai pengiring tarian. Berkat Tchaikovsky, musik balet menjadi seni yang serius bersama dengan opera dan musik simfoni. Dulunya musik sepenuhnya bergantung pada tari, kini tari harus tunduk pada musik. Diperlukan sarana ekspresi baru dan pendekatan baru dalam menciptakan sebuah pertunjukan. Perkembangan lebih lanjut dari balet Rusia dikaitkan dengan nama koreografer Moskow A. Gorsky, yang, setelah meninggalkan teknik pantomim yang sudah ketinggalan zaman, menggunakan teknik penyutradaraan modern dalam pertunjukan balet. Karena sangat mementingkan desain pertunjukan yang indah, ia menarik seniman terbaik untuk bekerja. Namun pembaharu seni balet yang sebenarnya adalah Mikhail Fokin, yang memberontak terhadap konstruksi tradisional pertunjukan balet. Ia berpendapat bahwa tema lakon, musiknya, dan zaman berlangsungnya aksi memerlukan gerak tari yang berbeda dan pola tari yang berbeda setiap waktunya. Saat mementaskan balet “Malam Mesir”, Fokine terinspirasi oleh puisi V. Bryusov dan gambar Mesir kuno, dan gambar balet “Petrushka” terinspirasi oleh puisi A. Blok. Dalam balet Daphnis dan Chloe, dia meninggalkan menari dengan sepatu pointe dan menghidupkan kembali lukisan dinding kuno dengan gerakan bebas dan fleksibel. Chopiniana-nya menghidupkan kembali suasana balet romantis.

...

Dokumen serupa

Sejarah kemunculan dan evolusi tari ballroom istana: polonaise, quadrille, gallop, pas de Patiner (“polka modern”), pas de Grace, chacon, cotillion. Mempelajari sejarah olahraga dansa ballroom abad ke-20: dansa ballroom Eropa dan Amerika Latin.

tugas kursus, ditambahkan 27/10/2010


Sejarah perkembangan tari sebagai suatu bentuk seni yang sangat istimewa. Tarian adalah salah satu bentuk ritual magis (sakral) yang paling efektif. Tarian ajaib kemarin dan hari ini, pose dan posisi. Simbolisme tari. Ketentuan dan konsep dasar. Sejarah tari perut.

abstrak, ditambahkan 28/04/2011


Sejarah penciptaan ansambel tarian rakyat Georgia. Evolusi dan reformasi tarian Georgia, karakter nasional balet. Ansambel tarian rakyat Georgia pada tahap ini. Ensembel lagu dan tarian rakyat "Erissini", melodi polifonik Georgia.

abstrak, ditambahkan 07/12/2010


Pengertian tari, arah dan jenisnya. Deskripsi singkat tentang jalur kreatif penari balet Igor Moiseev. Tarian panggung rakyat. Kekhususan tampilan koreografi realitas. Peranan tari magis dalam perkembangan akademik anak.

abstrak, ditambahkan 04/08/2009


Asal usul tari oriental sebagai perpaduan tubuh manusia dengan musik. Penilaian komparatif berbagai gaya tari perut: Mesir, Lebanon, Turki, Persia, Arab, Yunani, Amerika. Pertunjukan tarian dengan selendang, simbal dan pedang.

tes, ditambahkan 28/04/2012


Prasyarat dan alasan munculnya dansa ballroom di Rusia, perkembangannya di tanah Rusia. Dansa ballroom modern sebagai sintesis olahraga dan seni. Fitur pekerjaan guru dengan berbagai kategori siswa. Pengaruh tari terhadap perkembangan kepribadian.

tugas kursus, ditambahkan 25/06/2011


Jazz sebagai fenomena artistik. Perkembangan tari jazz pada tahun 30-50an. abad XX. Jenis utama tari jazz. Perkembangan musik jazz pada tahun 60an. Munculnya tari jazz-modern. Arti improvisasi dalam tari jazz. Hakikat dan ciri-ciri teknik tari jazz.

abstrak, ditambahkan 16/05/2012


Tarian klasik, folk, khas, sejarah, sehari-hari, ballroom dan pop. Asal usul balet Rusia modern. Profesionalisasi tarian rakyat Rusia. Munculnya tarian teater di Rusia. Awal pendidikan koreografi di Rusia.

abstrak, ditambahkan 20/04/2015


Balet dan ragam tari panggung. Membuat gambar koreografi di atas panggung. Teknik dan gaya tari abad ke-20 dan awal abad ke-21, dibentuk atas dasar tari Modern dan Postmodern Amerika dan Eropa. Tarian plastik gratis.

presentasi, ditambahkan 16/10/2014


Tarian dukun sebagai prasyarat munculnya tari Altai, sejarah perkembangannya. Peran kelompok cerita rakyat dalam transmisi tradisi nasional. Teater Tari "Altam" sebagai kelompok seni koreografi profesional pertama di Republik Altai.