L'importance de A. Ostrovsky dans l'histoire de la littérature russe. Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky au miroir de la critique russe, l'importance de la créativité d'Ostrovsky Œuvres similaires à - Le rôle d'Ostrovsky dans la création du répertoire national

Ostrovsky a écrit pour le théâtre. C'est la particularité de son talent. Les images et tableaux de la vie qu'il a créés sont destinés à la scène. C’est pourquoi le discours des héros d’Ostrovsky est si important, c’est pourquoi ses œuvres semblent si vivantes. Ce n'est pas pour rien qu'Innokenty Annensky l'a qualifié de réaliste auditif. Sans mettre en scène ses œuvres, c'était comme si ses œuvres n'étaient pas terminées, c'est pourquoi Ostrovsky a si durement pris l'interdiction de ses pièces par la censure théâtrale. La comédie «Nous serons numérotés par notre propre peuple» n'a été autorisée à être jouée au théâtre que dix ans après que Pogodin ait réussi à la publier dans le magazine.

Avec un sentiment de satisfaction non dissimulée, A. N. Ostrovsky écrit le 3 novembre 1878 à son ami, artiste du Théâtre d'Alexandrie A. F. Burdin : « J'ai déjà lu ma pièce à Moscou cinq fois, parmi les auditeurs il y avait des gens hostiles à moi, et c'est tout. » a unanimement reconnu « La Dot » comme la meilleure de toutes mes œuvres. Ostrovsky vivait avec la « dot », parfois seulement sur elle, sa quarantième chose consécutive, il dirigeait « son attention et sa force », voulant la « finir » de la manière la plus prudente. En septembre 1878, il écrit à une de ses connaissances : « Je travaille de toutes mes forces à ma pièce ; Il semble que cela ne se passera pas mal. Déjà un jour après la première, le 12 novembre, Ostrovsky pouvait apprendre, et il a sans aucun doute appris de Russkiye Vedomosti, comment il avait réussi à « fatiguer le public tout entier, jusqu'aux spectateurs les plus naïfs ». Car elle – le public – est clairement « devenue trop grande » pour les spectacles qu’il lui propose. Dans les années 70, les relations d'Ostrovsky avec les critiques, les théâtres et le public sont devenues de plus en plus complexes. La période où il jouissait d'une reconnaissance universelle, qu'il conquit à la fin des années cinquante et au début des années soixante, fut remplacée par une autre, grandissant de plus en plus dans différents cercles de refroidissement envers le dramaturge.

La censure théâtrale était plus stricte que la censure littéraire. Ce n'est pas une coïncidence. Par essence, l’art théâtral est démocratique ; il s’adresse au grand public plus directement que la littérature. Ostrovsky dans sa « Note sur la situation de l'art dramatique en Russie à l'heure actuelle » (1881) a écrit que « la poésie dramatique est plus proche du peuple que les autres branches de la littérature. Toutes les autres œuvres sont écrites pour des gens instruits, mais les drames et les comédies sont écrits pour le peuple tout entier ; les écrivains dramatiques doivent toujours s'en souvenir, ils doivent être clairs et forts. Cette proximité avec le peuple ne dégrade en rien la poésie dramatique, mais au contraire elle en double la force et lui évite de devenir vulgaire et écrasée. » Ostrovsky parle dans sa « Note » de la façon dont le public des théâtres en Russie s'est élargi après 1861. A un nouveau spectateur, peu expérimenté en art, Ostrovsky écrit : « La belle littérature est encore pour lui ennuyeuse et incompréhensible, la musique aussi, seul le théâtre lui procure un plaisir complet, là il vit tout ce qui se passe sur scène comme un enfant, sympathise avec le bien et reconnaît le mal, clairement présenté. Pour un public « frais », écrit Ostrovsky, « il faut un drame fort, une comédie majeure, des rires provocateurs, francs et bruyants, des sentiments chauds et sincères ».

C'est le théâtre, selon Ostrovsky, qui a ses racines dans la farce populaire, qui a la capacité d'influencer directement et fortement l'âme des gens. Deux décennies et demie plus tard, Alexander Blok, parlant de la poésie, écrira que son essence réside essentiellement dans les vérités « ambulantes », dans la capacité du théâtre à les transmettre au cœur du lecteur :

Allez-y, bourreaux en deuil !
Acteurs, maîtrisez votre métier,
Pour que de la vérité ambulante
Tout le monde a ressenti de la douleur et de la lumière !

(«Balagan», 1906)

L'énorme importance qu'Ostrovsky attachait au théâtre, ses réflexions sur l'art théâtral, sur la position du théâtre en Russie, sur le sort des acteurs - tout cela se reflétait dans ses pièces. Les contemporains percevaient Ostrovsky comme le successeur de l'art dramatique de Gogol. Mais la nouveauté de ses pièces fut immédiatement remarquée. Déjà en 1851, dans l'article « Un rêve à l'occasion d'une comédie », le jeune critique Boris Almazov soulignait les différences entre Ostrovsky et Gogol. L'originalité d'Ostrovsky ne résidait pas seulement dans le fait qu'il représentait non seulement les oppresseurs, mais aussi leurs victimes, non seulement dans le fait que, comme l'écrivait I. Annensky, Gogol était avant tout un poète du « visuel » et Ostrovsky du « auditif ». impressions.

L'originalité et la nouveauté d'Ostrovsky se sont également manifestées dans le choix du matériau de la vie, dans le sujet de l'image - il a maîtrisé de nouvelles couches de réalité. C'était un pionnier, un Colomb non seulement de Zamoskvorechye - que nous ne voyons pas, dont nous n'entendons pas les voix dans les œuvres d'Ostrovsky ! Innokenty Annensky a écrit : « …C'est un virtuose des images sonores : marchands, vagabonds, ouvriers d'usine et professeurs de latin, Tatars, gitans, acteurs et travailleuses du sexe, bars, employés et petits bureaucrates - Ostrovsky a donné une immense galerie de discours typiques ... » Acteurs, l'environnement théâtral - un matériau vital trop nouveau qu'Ostrovsky maîtrisait - tout ce qui concernait le théâtre lui semblait très important.

Dans la vie d'Ostrovsky lui-même, le théâtre a joué un rôle important. Il participe à la production de ses pièces, travaille avec les comédiens, se lie d'amitié avec nombre d'entre eux et correspond avec eux. Il a déployé beaucoup d'efforts pour défendre les droits des acteurs, cherchant à créer une école de théâtre et son propre répertoire en Russie. Artiste du Théâtre Maly N.V. Rykalova se souvient : Ostrovsky, « ayant mieux connu la troupe, est devenu notre homme. La troupe l'aimait beaucoup. Alexandre Nikolaïevitch était exceptionnellement affectueux et courtois avec tout le monde. Sous le régime de servage qui régnait à cette époque, lorsque les supérieurs de l’artiste disaient « vous », alors que la plupart de la troupe était des serfs, le comportement d’Ostrovsky apparaissait à tous comme une sorte de révélation. Habituellement, Alexandre Nikolaïevitch lui-même mettait en scène ses pièces... Ostrovsky rassemblait une troupe et leur lisait la pièce. Il pouvait lire avec une habileté incroyable. Tous ses personnages semblaient vivants... Ostrovsky connaissait bien la vie intérieure, dans les coulisses du théâtre, cachée aux yeux du public. En commençant par la forêt" (1871), Ostrovsky développe le thème du théâtre, crée des images d'acteurs, dépeint leur destin - cette pièce est suivie par "Le comédien du XVIIe siècle" (1873), "Talents et admirateurs" (1881) , "Coupable sans culpabilité" (1883 ).

La position des acteurs dans le théâtre et leur succès dépendaient de l'appréciation ou non de leur public riche qui donnait le ton dans la ville. Après tout, les troupes provinciales vivaient principalement des dons des mécènes locaux, qui se sentaient maîtres du théâtre et pouvaient dicter leurs conditions. De nombreuses actrices vivaient des cadeaux coûteux de leurs riches fans. L'actrice, qui prenait soin de son honneur, a connu des moments difficiles. Dans « Talents et admirateurs », Ostrovsky décrit une telle situation de vie. Domna Panteleevna, la mère de Sasha Negina, se lamente : « Il n'y a pas de bonheur pour ma Sasha ! Il s'entretient avec beaucoup de soin, eh bien, il n'y a pas de bonne volonté entre le public : pas de cadeaux particuliers, rien comme les autres, qui... si...".

Nina Smelskaya, qui accepte volontiers le patronage de riches fans, se transformant essentiellement en une femme entretenue, vit beaucoup mieux, se sent beaucoup plus en confiance dans le théâtre que la talentueuse Negina. Mais malgré la vie difficile, l'adversité et les griefs décrits par Ostrovsky, de nombreuses personnes qui ont consacré leur vie à la scène et au théâtre conservent dans leur âme la gentillesse et la noblesse. Tout d’abord, ce sont des tragédiens qui doivent vivre sur scène dans un monde de hautes passions. Bien entendu, la noblesse et la générosité d’esprit ne se limitent pas aux tragédiens. Ostrovsky montre que le talent authentique et l'amour désintéressé pour l'art et le théâtre élèvent et élèvent les gens. Ce sont Narokov, Negina, Kruchinina.

Dans ses premières histoires romantiques, Maxim Gorki a exprimé son attitude envers la vie et les gens, sa vision de l'époque. Les héros de beaucoup de ces histoires sont des soi-disant clochards. L'écrivain les décrit comme des personnes courageuses et au cœur fort. L'essentiel pour eux est la liberté, que les clochards, comme nous tous, comprennent à leur manière. Ils rêvent passionnément d’une vie particulière, loin du quotidien. Mais ils ne la trouvent pas, alors ils errent, se boivent à mort et se suicident. L'une de ces personnes est représentée dans l'histoire « Chelkash ». Chelkash - "un vieux loup empoisonné, bien connu des habitants de La Havane, un ivrogne passionné et l

Dans la poésie de Fet, le sentiment amoureux est tissé de contradictions : ce n'est pas seulement de la joie, mais aussi du tourment et de la souffrance. Dans les « Chansons d'amour » de Fetov, le poète s'abandonne si complètement au sentiment d'amour, à l'ivresse de la beauté de la femme qu'il aime, qui en soi apporte le bonheur, dans laquelle même les expériences douloureuses constituent un grand bonheur. Des profondeurs de l’existence mondiale grandit l’amour, qui est devenu le sujet d’inspiration de Fet. La sphère la plus intime de l’âme du poète est l’amour. Dans ses poèmes, il a mis diverses nuances de sentiments amoureux : non seulement un amour brillant, une admiration pour la beauté, une admiration, un délice, un bonheur de réciprocité, mais aussi

À la fin des années 90 du XIXe siècle, le lecteur a été émerveillé par l'apparition de trois volumes d'Essais et d'histoires d'un nouvel écrivain - M. Gorky. « Un talent grand et original », tel était le jugement général sur le nouvel écrivain et ses livres. Le mécontentement croissant dans la société et l'attente de changements décisifs ont provoqué une augmentation des tendances romantiques dans la littérature. Ces tendances se reflétaient particulièrement clairement dans l'œuvre du jeune Gorki, dans des histoires telles que « Chelkash », « Vieille femme Izergil », « Makar Chudra » et dans des chansons révolutionnaires. Les héros de ces histoires sont des gens « qui ont le soleil dans le sang », forts, fiers, beaux. Ces héros sont le rêve de Gorkog

Il y a plus de cent ans, dans une petite ville de province du Danemark - Odense, sur l'île de Funen, des événements extraordinaires ont eu lieu. Les rues calmes et légèrement endormies d'Odense se sont soudainement remplies de sons de musique. Une procession d'artisans avec des torches et des banderoles a défilé devant l'ancien hôtel de ville bien éclairé, saluant le grand homme aux yeux bleus debout à la fenêtre. En l’honneur de qui les habitants d’Odense allumèrent-ils leurs feux en septembre 1869 ? Il s'agissait de Hans Christian Andersen, récemment élu citoyen d'honneur de sa ville natale. En hommage à Andersen, ses compatriotes ont chanté l'exploit héroïque d'un homme et d'un écrivain,

Quel est le mérite d'A.N. Ostrovski ? Pourquoi, selon I.A. Gontcharov, ce n'est qu'après Ostrovsky que nous avons pu dire que nous avions notre propre théâtre national russe ? (Se référer à l'épigraphe de la leçon)

Oui, il y avait « Le Mineur », « Malheur de l'esprit », « L'Inspecteur général », il y avait des pièces de Tourgueniev, A.K. Tolstoï, Sukhovo-Kobylin, mais il n'y en avait pas assez ! La plupart du répertoire des théâtres était constitué de vaudevilles vides et de mélodrames traduits. Avec l'avènement d'Alexandre Nikolaïevitch Ostrovsky, qui consacra tout son talent exclusivement au théâtre, le répertoire des théâtres changea qualitativement. Lui seul a écrit autant de pièces de théâtre que tous les classiques russes réunis n'en ont pas écrit : une cinquantaine ! Chaque saison depuis plus de trente ans, les théâtres recevaient une nouvelle pièce, voire deux ! Maintenant, il y avait quelque chose à jouer !

Une nouvelle école de théâtre est née, une nouvelle esthétique théâtrale est apparue, le Théâtre Ostrovsky est apparu, qui est devenu la propriété de toute la culture russe !

Qu’est-ce qui a déterminé l’attention d’Ostrovsky pour le théâtre ? Le dramaturge lui-même a répondu à cette question ainsi : « La poésie dramatique est plus proche du peuple que toutes les autres branches de la littérature. Toutes les autres œuvres sont écrites pour des gens instruits, mais les drames et les comédies sont écrits pour le peuple tout entier... » Écrire pour le peuple, éveiller sa conscience, façonner son goût est une tâche responsable. Et Ostrovsky l'a prise au sérieux. S’il n’existe pas de théâtre exemplaire, le grand public risque de prendre les opérettes et les mélodrames, qui irritent la curiosité et la sensibilité, pour de l’art véritable. »

Notons donc les principales prestations de A.N Ostrovsky au théâtre russe.

1) Ostrovsky a créé le répertoire théâtral. Il a écrit 47 pièces originales et 7 pièces en collaboration avec de jeunes auteurs. Vingt pièces ont été traduites par Ostrovsky de l'italien, de l'anglais et du français.

2) Non moins importante est la diversité des genres de sa dramaturgie : ce sont des « scènes et images » de la vie moscovite, des chroniques dramatiques, des drames, des comédies, le conte de fées printanier « La Fille des neiges ».

3) Dans ses pièces, le dramaturge a représenté diverses classes, personnages, professions, il a créé 547 personnages, du roi au serviteur de taverne, avec leurs caractères inhérents, leurs habitudes et leur discours unique.

4) Les pièces d’Ostrovsky couvrent une vaste période historique : du XVIIe au XIXe siècle.

5) L'action des pièces de théâtre se déroule dans les domaines des propriétaires fonciers, dans les auberges et sur les rives de la Volga. Sur les boulevards et dans les rues des chefs-lieux.

6) Les héros d'Ostrovsky - et c'est l'essentiel - sont des personnages vivants avec leurs propres caractéristiques, leurs manières, avec leur propre destin, avec un langage vivant propre à ce héros.

Un siècle et demi s'est écoulé depuis la création de la première pièce (janvier 1853 ; « Ne montez pas dans votre propre traîneau »), et le nom du dramaturge reste sur les affiches de théâtre ; des représentations sont jouées sur de nombreuses scènes à travers le monde.

L'intérêt pour Ostrovsky est particulièrement aigu dans les moments difficiles, lorsqu'une personne cherche des réponses aux questions les plus importantes de la vie : que nous arrive-t-il ? Pourquoi? comment sommes-nous ? C'est peut-être précisément dans de tels moments qu'une personne manque d'émotions, de passions et d'un sentiment de plénitude de vie. Et nous avons encore besoin de ce qu'Ostrovsky a écrit : « Et un profond soupir pour tout le théâtre, et des larmes chaleureuses non feintes, des discours brûlants qui couleraient directement dans l'âme. »

La vie littéraire de la Russie a été bouleversée lorsque les premières pièces d'Ostrovsky y sont entrées : d'abord dans la lecture, puis dans les publications de magazines et, enfin, sur scène. L’héritage critique le plus important et le plus profond consacré à sa dramaturgie a peut-être été laissé par Ap.A. Grigoriev, ami et admirateur de l’œuvre de l’écrivain, et N.A. Dobrolyubov. L'article de Dobrolyubov « Un rayon de lumière dans un royaume sombre » sur le drame « L'Orage » est devenu bien connu et constitue un manuel.

Passons aux estimations d'Ap.A. Grigorieva. Un article détaillé intitulé « Après « L’orage » d’Ostrovsky. Lettres à Ivan Sergueïevitch Tourgueniev » (1860), contredit largement l’opinion de Dobrolyubov et polémique avec lui. Le désaccord était fondamental : les deux critiques avaient des conceptions différentes de la nationalité dans la littérature. Grigoriev considérait la nationalité moins comme un reflet dans la créativité artistique de la vie des masses laborieuses, comme Dobrolyubov, qu'avec l'expression de l'esprit général du peuple, quelles que soient sa position et sa classe. Du point de vue de Grigoriev, Dobrolyubov réduit les questions complexes des pièces d’Ostrovsky à la dénonciation de la tyrannie et du « royaume des ténèbres » en général, et attribue au dramaturge uniquement le rôle d’un accusateur satiriste. Mais pas «l'humour méchant d'un satiriste», mais la «vérité naïve d'un poète populaire» - telle est la force du talent d'Ostrovsky, selon Grigoriev. Grigoriev qualifie Ostrovsky de « poète qui joue dans tous les modes de vie populaire ». "Le nom de cet écrivain, d'un si grand écrivain, malgré ses défauts, n'est pas un satiriste, mais un poète du peuple" - telle est la thèse principale d'Ap.A. Grigoriev en polémique avec N.A. Dobrolyubov.

La troisième position, qui ne coïncide pas avec les deux mentionnées, était occupée par D.I. Pisarev. Dans l'article «Motives of Russian Drama» (1864), il nie complètement tout ce qui est positif et brillant que les A.A. Grigoriev et N.A. Dobrolyubov a été vu à l'image de Katerina dans "L'Orage". Le « réaliste » Pisarev a un point de vue différent : la vie russe « ne contient aucune inclination à un renouveau indépendant », et seules des personnes comme V.G. Belinsky, le type qui est apparu à l'image de Bazarov dans "Pères et fils" d'I.S. Tourgueniev. L’obscurité du monde artistique d’Ostrovsky est sans espoir.

Enfin, attardons-nous sur la position du dramaturge et personnalité publique A.N. Ostrovsky dans le contexte de la lutte dans la littérature russe entre les courants idéologiques de la pensée sociale russe - le slavophilisme et l'occidentalisme. L'époque de la collaboration d'Ostrovsky avec le magazine "Moskvityanin" du député Pogodin est souvent associée à ses opinions slavophiles. Mais l’écrivain allait bien plus loin que ces positions. Quelqu'un a entendu une déclaration de cette époque, quand, depuis son Zamoskvorechye, il regardait le Kremlin sur la rive opposée et disait : « Pourquoi ces pagodes ont-elles été construites ici ? (apparemment clairement « occidental »), ne reflétait pas non plus ses véritables aspirations. Ostrovsky n'était ni un occidental ni un slavophile. Le talent populaire puissant et original du dramaturge s’est épanoui pendant la période de formation et d’essor de l’art réaliste russe. Le génie de P.I. Tchaïkovski ; est apparu au tournant des années 1850-1860 XIXème communauté créative centenaire de compositeurs russes « The Mighty Handful » ; La peinture réaliste russe a prospéré : ils ont créé I.E. Repin, V.G. Perov, I. N. Kramskoy et d'autres artistes majeurs - voilà à quel point la vie était intense dans l'art visuel et musical de la seconde moitié, riche en talents XIXème siècles. Le portrait de A. N. Ostrovsky appartient au pinceau de V. G. Perov, N. A. Rimsky-Korsakov crée un opéra basé sur le conte de fées « La Fille des neiges ». UN. Ostrovsky est entré naturellement et pleinement dans le monde de l’art russe.

Quant au théâtre lui-même, le dramaturge lui-même, évaluant la vie artistique des années 1840 - l'époque de ses premières quêtes littéraires, parle d'une grande variété de courants idéologiques et d'intérêts artistiques, d'une variété de cercles, mais note que tout le monde était uni par un engouement commun pour le théâtre. Les écrivains des années 1840 appartenant à l'école naturelle, les écrivains de la vie quotidienne et les essayistes (le premier recueil de l'école naturelle s'appelait « Physiologie de Saint-Pétersbourg », 1844-1845) ont inclus dans la deuxième partie un article de V.G. Belinsky "Théâtre Alexandrinsky". Le théâtre était perçu comme un lieu où les classes de la société se rencontraient « pour bien se regarder ». Et ce théâtre attendait un dramaturge d'un tel calibre, qui s'est manifesté dans A.N. Ostrovski. L’importance de l’œuvre d’Ostrovsky pour la littérature russe est extrêmement grande : il fut véritablement le successeur de la tradition gogolienne et le fondateur d’un nouveau théâtre national russe, sans lequel l’émergence de la dramaturgie d’A.P. aurait été impossible. Tchekhov. La seconde moitié du XIXe siècle dans la littérature européenne n'a pas produit un seul dramaturge comparable en ampleur à A. N. Ostrovsky. Le développement de la littérature européenne s'est déroulé différemment. Le romantisme français de W. Hugo, George Sand, le réalisme critique de Stendhal, P. Mérimée, O. de Balzac, puis les travaux de G. Flaubert, le réalisme critique anglais de C. Dickens, W. Thackeray, C. Bronte a ouvert la voie non pas au drame, mais à l'épopée, tout d'abord - le roman et (pas si visiblement) les paroles. Les enjeux, les personnages, les intrigues, la représentation du caractère russe et de la vie russe dans les pièces d'Ostrovsky sont si uniques au niveau national, si compréhensibles et en phase avec le lecteur et le spectateur russe que le dramaturge n'a pas eu une telle influence sur le processus littéraire mondial que Tchekhov plus tard. a fait. Et à bien des égards, la raison en était le langage des pièces d’Ostrovsky : il s’est avéré impossible de les traduire, en préservant l’essence de l’original, en transmettant cette chose spéciale et spéciale avec laquelle il fascine le spectateur.

Source (abrégé) : Michalskaya, A.K. Littérature : Niveau de base : 10e année. A 14h Partie 1 : étude. allocation / A.K. Mikhalskaïa, O.N. Zaïtseva. - M. : Outarde, 2018

Composition

Le dramaturge n'a pratiquement pas posé de problèmes politiques et philosophiques dans son œuvre, dans ses expressions faciales et dans ses gestes, en jouant sur les détails de leurs costumes et de leur mobilier quotidien. Pour renforcer les effets comiques, le dramaturge introduisait généralement dans l'intrigue des personnages mineurs - parents, domestiques, parasites, passants aléatoires - et des circonstances fortuites de la vie quotidienne. Tels sont, par exemple, la suite de Khlynov et le monsieur à moustache dans "Warm Heart", ou Apollo Murzavetsky avec son Tamerlan dans la comédie "Wolves and Sheep", ou l'acteur Schastlivtsev avec Neschastlivtsev et Paratov dans "The Forest" et " Dot", etc. Le dramaturge a continué à s'efforcer de révéler les personnages des personnages non seulement au cours des événements, mais non moins à travers les particularités de leurs dialogues quotidiens - dialogues "caractérologiques", qu'il maîtrisait esthétiquement dans "Son Peuple". .».

Ainsi, dans la nouvelle période de créativité, Ostrovsky apparaît comme un maître établi, possédant un système complet d'art dramatique. Sa renommée et ses relations sociales et théâtrales ne cessent de croître et de se complexifier. L'abondance des pièces créées au cours de la nouvelle période était le résultat d'une demande toujours croissante pour les pièces d'Ostrovsky de la part des magazines et des théâtres. Au cours de ces années, le dramaturge a non seulement travaillé sans relâche, mais a trouvé la force d'aider les écrivains moins doués et débutants, et parfois de participer activement avec eux à leur travail. Ainsi, dans le cadre d'une collaboration créative avec Ostrovsky, un certain nombre de pièces de théâtre ont été écrites par N. Solovyov (les meilleures d'entre elles sont « Le Mariage de Belugin » et « Savage »), ainsi que par P. Nevezhin.

Favorisant constamment la production de ses pièces sur les scènes des théâtres Maly de Moscou et d'Alexandrie de Saint-Pétersbourg, Ostrovsky était bien conscient de l'état des affaires théâtrales, qui relevaient principalement de la juridiction de l'appareil d'État bureaucratique, et était amèrement conscient de leur des lacunes flagrantes. Il a constaté qu’il ne représentait pas l’intelligentsia noble et bourgeoise dans ses quêtes idéologiques, comme le faisaient Herzen, Tourgueniev et en partie Gontcharov. Dans ses pièces, il a montré la vie sociale quotidienne des représentants ordinaires des marchands, des bureaucrates et de la noblesse, une vie où les conflits personnels, notamment amoureux, révélaient des conflits d'intérêts familiaux, monétaires et patrimoniaux.

Mais la conscience idéologique et artistique d’Ostrovsky de ces aspects de la vie russe avait une profonde signification historique nationale. À travers les relations quotidiennes de ces personnes qui étaient les maîtres et maîtres de la vie, leur condition sociale générale s'est révélée. Tout comme, selon la remarque pertinente de Tchernychevski, le comportement lâche du jeune libéral, le héros de l'histoire de Tourgueniev « Asya », lors d'un rendez-vous avec une fille était un « symptôme de la maladie » de tout noble libéralisme, sa faiblesse politique, ainsi la tyrannie et la prédation quotidiennes des marchands, des fonctionnaires et des nobles sont apparues comme le symptôme d'un mal plus terrible : leur incapacité totale à donner, au moins d'une manière ou d'une autre, à leurs activités une signification progressiste nationale.

C’était tout à fait naturel et logique dans la période précédant la réforme. À l’époque, la tyrannie, l’arrogance et la prédation des Voltov, Vyshnevsky et Oulanbekov étaient une manifestation du « royaume des ténèbres » du servage, déjà voué à être abandonné. Et Dobrolyubov a souligné à juste titre que, même si la comédie d'Ostrovsky "ne peut pas fournir la clé pour expliquer bon nombre des phénomènes amers qui y sont décrits", elle peut néanmoins facilement conduire à de nombreuses considérations analogues liées à la vie quotidienne qui ne la concernent pas directement. Et le critique a expliqué cela par le fait que les « types » de tyrans décrits par Ostrovsky « contiennent souvent des caractéristiques non seulement exclusivement marchandes ou bureaucratiques, mais aussi nationales (c'est-à-dire nationales) ». En d’autres termes, les pièces d’Ostrovsky des années 1840-1860. a indirectement exposé tous les « royaumes sombres » du système autocratique et serf.

Au cours des décennies qui ont suivi la réforme, la situation a changé. Puis « tout a basculé » et un nouveau système bourgeois de la vie russe a progressivement commencé à « s’intégrer ». La question se pose de savoir exactement comment ce nouveau système « s’intègre » et dans quelle mesure la nouvelle classe dirigeante, la bourgeoisie russe. , pourrait participer à la lutte pour la destruction des vestiges du « royaume des ténèbres » du servage et de l'ensemble du système autocratique de la propriété foncière.

Près de vingt nouvelles pièces d'Ostrovsky sur des thèmes modernes ont donné une réponse clairement négative à cette question fatale. Le dramaturge, comme auparavant, a dépeint le monde des relations privées sociales, domestiques, familiales et patrimoniales. Tout n'était pas clair pour lui sur les tendances générales de leur développement, et sa « lyre » ne faisait parfois pas tout à fait les « bons sons » à cet égard. Mais en général, les pièces d'Ostrovsky contenaient une certaine orientation objective. Ils ont exposé à la fois les vestiges de l’ancien « royaume des ténèbres » du despotisme et le nouveau « royaume des ténèbres » de la prédation bourgeoise, de la ruée vers l’argent et de la mort de toutes les valeurs morales dans une atmosphère d’achat et de vente générale. Ils ont montré que les hommes d'affaires et les industriels russes ne sont pas capables de prendre conscience des intérêts du développement national, que certains d'entre eux, comme Khlynov et Akhov, ne sont capables que de s'adonner à des plaisirs grossiers, d'autres, comme Knurov et Berkutov. , ne peuvent que subjuguer tout ce qui les entoure avec leurs intérêts prédateurs de « loups », et pour d'autres encore, comme Vasilkov ou Frol Pribytkov, les intérêts du profit ne sont masqués que par la décence extérieure et des exigences culturelles très étroites. Les pièces d'Ostrovsky, outre les plans et les intentions de leur auteur, décrivaient objectivement une certaine perspective de développement national - la perspective de la destruction inévitable de tous les vestiges de l'ancien « royaume des ténèbres » du despotisme autocratique et serf, non seulement sans la participation de la bourgeoisie, non seulement au-dessus de sa tête, mais en même temps que la destruction de son propre « royaume des ténèbres » prédateur

La réalité représentée dans les pièces quotidiennes d'Ostrovsky était une forme de vie dépourvue de contenu progressiste au niveau national et révélait donc facilement une incohérence comique interne. Ostrovsky a consacré son talent dramatique exceptionnel à sa divulgation. S'appuyant sur la tradition des comédies et des récits réalistes de Gogol, en la reconstruisant conformément aux nouvelles exigences esthétiques avancées par « l'école naturelle » des années 1840 et formulées par Belinsky et Herzen, Ostrovsky a retracé l'incohérence comique de la vie sociale et quotidienne de les couches dirigeantes de la société russe, fouillant dans les « détails du monde », scrutant fil par fil le « réseau des relations quotidiennes ». Ce fut la principale réalisation du nouveau style dramatique créé par Ostrovsky.

A l'occasion du 35e anniversaire de l'activité d'Ostrovsky, Gontcharov lui écrivit : « Vous seul avez construit le bâtiment dont les fondations ont été posées par Fonvizine, Griboïedov, Gogol. Mais ce n’est qu’après vous que nous, Russes, pouvons dire fièrement : « Nous avons notre propre théâtre national russe ». En toute honnêteté, il devrait s'appeler « Théâtre Ostrovsky ».

Le rôle joué par Ostrovsky dans le développement du théâtre et de l'art dramatique russes peut être comparé à l'importance de Shakespeare pour la culture anglaise et de Molière pour la culture française. Ostrovsky a changé la nature du répertoire théâtral russe, a résumé tout ce qui avait été fait avant lui et a ouvert de nouvelles voies à la dramaturgie. Son influence sur l'art théâtral fut extrêmement grande. Cela s'applique particulièrement au Théâtre Maly de Moscou, qui est traditionnellement aussi appelé la Maison Ostrovsky. Grâce aux nombreuses pièces du grand dramaturge, qui a établi les traditions du réalisme sur scène, l'école nationale du théâtre s'est développée davantage. Toute une galaxie de merveilleux acteurs russes, basés sur les pièces d’Ostrovsky, ont pu démontrer clairement leur talent unique et établir l’originalité de l’art théâtral russe.

Au centre de la dramaturgie d'Ostrovsky se trouve un problème qui a traversé toute la littérature classique russe : le conflit d'une personne avec les conditions de vie défavorables qui lui sont opposées, les diverses forces du mal ; l’affirmation du droit de l’individu à un développement libre et global. Un large panorama de la vie russe s'ouvre aux lecteurs et spectateurs des pièces du grand dramaturge. Il s’agit essentiellement d’une encyclopédie de la vie et des coutumes de toute une époque historique. Marchands, fonctionnaires, propriétaires terriens, paysans, généraux, acteurs, hommes d'affaires, entremetteurs, hommes d'affaires, étudiants - plusieurs centaines de personnages créés par Ostrovsky ont donné une idée globale de la réalité russe des années 40-80. dans toute sa complexité, sa diversité et son incohérence.

Ostrovsky, qui a créé toute une galerie d'images féminines merveilleuses, a poursuivi cette noble tradition déjà définie dans les classiques russes. Le dramaturge exalte les natures fortes et intégrales, qui dans certains cas se révèlent moralement supérieures au héros faible et peu sûr de lui. Ce sont Katerina (« L'Orage »), Nadya (« L'Élève »), Kruchinina (« Coupable sans culpabilité »), Natalya (« Pain du travail »), etc.

Réfléchissant sur le caractère unique de l'art dramatique russe, sur sa base démocratique, Ostrovsky a écrit : « Les écrivains populaires veulent s'essayer devant un public nouveau, dont les nerfs ne sont pas très souples, ce qui exige un drame fort, une grande comédie, de la provocation. de grands rires francs et bruyants, des sentiments chaleureux et sincères, des personnages vifs et forts. Il s’agit essentiellement d’une caractéristique des propres principes créatifs d’Ostrovsky.

La dramaturgie de l'auteur de « L'Orage » se distingue par la diversité des genres, une combinaison d'éléments tragiques et comiques, quotidiens et grotesques, farfelus et lyriques. Ses pièces sont parfois difficiles à classer dans un genre précis. Il n’a pas écrit tant de drames ou de comédies que des « pièces de théâtre sur la vie », selon la définition pertinente de Dobrolyubov. L'action de ses œuvres s'exerce souvent dans un vaste espace de vie. Le bruit et le bavardage de la vie entrent en action et deviennent l’un des facteurs déterminant l’ampleur des événements. Les conflits familiaux se transforment en conflits publics. Matériel du site

Le talent du dramaturge se manifeste dans l'exactitude des caractéristiques sociales et psychologiques, dans l'art du dialogue, dans un discours populaire précis et vivant. Le langage des personnages devient l'un de ses principaux moyens de création d'image, un outil de typification réaliste.

Excellent connaisseur de l'art populaire oral, Ostrovsky a largement utilisé les traditions folkloriques, le trésor le plus riche de la sagesse populaire. Une chanson peut remplacer un monologue, un proverbe ou un dicton peut devenir le titre d'une pièce de théâtre.

L'expérience créative d'Ostrovsky a eu un impact considérable sur le développement ultérieur du théâtre et de l'art théâtral russes. V. I. Nemirovich-Danchenko et K. S. Stanislavsky, les fondateurs du Théâtre d'art de Moscou, cherchaient à créer « un théâtre populaire avec à peu près les mêmes tâches et les mêmes plans que rêvait Ostrovsky ». L’innovation dramatique de Tchekhov et de Gorki aurait été impossible sans leur maîtrise des meilleures traditions de leur remarquable prédécesseur.

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• Essai sur la vie d'Ostpovsky et son importance dans le développement du théâtre russe
• Articles d'Ostrovsky sur le théâtre
• résumé du Théâtre Ostrovsky