Un artiste japonais a animé des estampes ukiyo-e classiques. Peinture et gravure japonaise traditionnelle

Publié : 14 mai 2018

Peintures de style Ukiyo-e (peinture japonaise)

Histoire de l'ukiyo-e

Stade précoce

Cela date du Grand Incendie des années Meireke jusqu’à l’ère Horeki. Ukiyo-e activé étapes préliminaires se composait principalement de dessins originaux et de gravures sur bois en une seule couleur (sumizuri-e).

Après le milieu du XVIIe siècle, une personne qui réalisait des dessins originaux pour des gravures sur bois était appelée « hanshita-eshi » (dessinateur professionnel), puis apparut Moronobu Ishikawa, qui dessinait des illustrations pour des livres d'images et des ukiyo-zoshi (histoires populaires de la vie quotidienne dans la période Edo). Le célèbre « Mikaeri Bijin zu » (« Peinture d'une beauté regardant en arrière »), son œuvre la plus significative, est un dessin original.

Le livre « Koshoku ichidai otoko » (« La vie homme aimant") Saikaku (publié en 1682) décrit que l'ukiyo-e a été dessiné sur un éventail pliant à 12 nervures, et c'est la littérature la plus ancienne dans laquelle le mot "ukiyo-e" peut être trouvé.

Au début de l'ère du Torii Kiyonobu, le type de sumizuri-e, peint au pinceau et à l'encre, est apparu. Pour de telles gravures, on utilisait principalement des pigments rouges, ceux avec une teinte brun jaunâtre (terre rouge) étaient appelés « tan-e », et ceux avec une teinte beni (blush) étaient appelés « beni-e ». De plus, les sumizuri-e avec plusieurs couleurs ajoutées au beni-e étaient appelés benizuri-e. Depuis lors, l'école d'ukiyo-e de Torii a été étroitement associée au kabuki (théâtre traditionnel dans lequel les rôles étaient interprétés par des acteurs masculins) et est encore utilisée aujourd'hui sur les panneaux d'affichage du kabuki.

Stade intermédiaire

Il date de 1765, date de naissance du nishiki-e (phoque), jusqu'à environ 1806.

En 1765, les egoyomi (calendriers illustrés) deviennent à la mode, notamment parmi les poètes haïku, et des soirées d'échange d'egoyomi commencent à être organisées. Pour répondre à la demande, Harunobu Suzuki et d'autres ont développé des « azuma-nishiki » imprimés en plusieurs couleurs, et la culture ukiyo-e s'est épanouie. Concernant les facteurs permettant l'impression multicolore, il a été déclaré que des « kento » (marques d'enregistrement) avaient été introduits pour marquer les points de surimpression, et que du papier japonais épais et de haute qualité était devenu disponible, capable de résister à l'impression multicolore. Papier usagé à base de kozo (Broussonetia papera) tel que l'Echizen-Hosogami (papier japonais épais Excellente qualité de la province d'Echizen), Iyo-Masagami, Nisami-Uchigami, etc. En outre, le développement économique a joué un rôle important, puisque la division du travail a été introduite pour processus complexes entre shitaeshi (artistes ukiyo-e), horishi (graveurs) et surishi (imprimeurs).

Après la mort d'Harunobu Suzuki, les images du bijinga ont commencé à passer d'androgynes, ressemblant à des poupées, à réalistes.

À l'époque d'An'ei, Shigemasa Kitao était populaire en raison du bijinga. Une démarcation réaliste a également été ajoutée au yakusha-e, et Shunsho Katsukawa a peint des nigao-e (portraits) ennuyeux.

De plus, Utamaro Kitagawa Utamaro est apparu, qui a peint de nombreux okubi-e (portraits en buste), qui étaient une sorte de bijinga à la manière subtile, gracieuse et agréable.

En 1790, le système d'approbation Aratame-in fut créé et diverses restrictions furent appliquées aux publications imprimées.

En 1795, un hanmoto (éditeur) nommé Juzaburo Tsutaya, dont les biens avaient été confisqués pour avoir violé l'interdiction, introduisit Sharaku Toshusai comme mesure de relance. Bien qu'il ait attiré l'attention du public avec son yakusha-e particulièrement exagéré, sa popularité a créé une mauvaise impression en raison de son exagération excessive des traits, et il a été vaincu par la série de Toyokuni Utagawa "Yakusha butai no sugatae" (Images d'acteurs sur scène), qui était extrêmement populaire.

Par la suite, la plus grande école d'artistes eshi ukiyo-e commence à émerger, l'école Utagawa, composée d'élèves de Toyokuni.

Stade avancé

Il date de 1807 à 1858 environ.

Après la mort d'Utamaro Kitagawa, le courant dominant du bijinga s'est tourné vers la beauté et l'attractivité sensuelles et sexuelles telles que décrites par Keisai Eisen.

Hokusai Katsushika, l'un des élèves de Shunshō Katsukawa, a peint « Fugaku sanju rokkei » (« Trente-six vues du mont Fuji »), ce qui a conduit à l'impression de « Tokaido Gojusan-tsugi » (« Cinquante-trois stations du Tokaido ») par Hiroshige. Utagawa, au milieu de l'épanouissement des voyages. Grâce à ces deux artistes, le meiso-e (peinture de paysage) du genre ukiyo-e s'est développé.

Dans le genre yakusha-e, Kunisada Utagawa, en tant que successeur de son professeur Toyokuni Utagawa, a peint des yakusha-e forts.

À Kusazoshi, le musha-e a commencé à être peint par Kuniyoshi Utagawa et d'autres, parallèlement à la popularité contes fantastiques.

À cette époque, la série Suikoden (Banque d'eau) de Kuniyoshi Utagawa gagna en popularité et le boom de Suikoden se produisit.

"Edo sunako saisenki", publié en 1853, décrit "Toyokuni Nigao (nigao-e), Kuniyoshi Musha (musha-e) et Hiroshige Meisho (meiso-e)."

Étape finale

Il date de 1859 à 1912 environ. Le Yokohama-e (Yokohama ukiyo-e) est devenu à la mode parmi les gens inspirés par le kurofune (« navires noirs » du commodore Matthew Perry) et s'est intéressé à cultures occidentales. Après la restauration Meiji, les kaika-e (peintures des Lumières) représentant une architecture occidentale rare et les chemins de fer, a remplacé Yokohama-e.

Alors qu'au Japon, qui a été détruit à la suite de la restauration Meiji, des choses grotesques sont apparues dans le kabuki et d'autres spectacles de divertissement, Yoshiiku Ochiai et Yoshitoshi Tsukioka, qui étaient des étudiants de Kuniyoshi Utagawa, ont peint "Eimei nijuhachishuku", qui représentait des scènes sanglantes et étaient appelé muzan -e, ainsi que des illustrations pour des articles de Nishikie Shimbun.

Yoshitoshi Tsukioka, avec ses dessins sophistiqués basés sur des croquis, a créé non seulement des muzan-e, mais aussi de nombreux rekishiga ( peintures historiques) et fuzokuga et est devenu connu comme « le dernier artiste ukiyo-e ». Parce qu'il a fortement encouragé ses étudiants à explorer d'autres genres des beaux-arts, de nombreux étudiants ont atteint la grandeur en tant qu'illustrateurs et artistes de style japonais, tels que Kiyokata Kaburaki ; ainsi, la tradition ukiyo-e s'est étendue à d'autres genres.

De plus, certains artistes de l'école de Kano ont commencé à peindre l'ukiyo-e, dont Kyosai Kawatabe.

Kiyoshika Kobayashi a créé de nouvelles peintures de paysages appelées kosenga qui n'utilisaient pas de lignes de profil.

Ysifuji Utagawa a appliqué l'ukiyo-e à l'omocha-e, désormais appelé supplément de journal, et, en raison de la popularité de l'idée, a joué un rôle actif en tant qu'artiste eshi spécialisé dans l'otocha-e. On l'appelait même "Omocha Yoshifuji".

L'ukiyo-e a progressivement décliné, perdant de sa popularité dans les journaux, la photographie, les nouvelles technologies comme la lithographie, etc. Les artistes de l'ukiyo-e ont montré leur ingéniosité avec des photographies, la plupart du temps en vain, et ont été contraints de devenir illustrateurs, etc. Histoire de l'ukiyo-e, qui se poursuivait depuis la période Edo, et a presque pris fin avec la dernière impression senso-e représentant la guerre sino-japonaise.

De la période Taisho à la période Showa, Hasui Kawase et d'autres ont entrepris de faire revivre l'ukiyo-e avec de nouvelles gravures sur bois, et ont également laissé de nombreuses œuvres utilisant la technologie d'impression multicolore de l'ukiyo-e.

Thèmes et types d'ukiyo-e

Ukiyo-e dépeint la vie quotidienne des gens ordinaires

L'ukiyo-e est apparu à l'origine sous forme de peintures illustrant les coutumes et les mœurs de la vie quotidienne en « ukiyo ». Des paysages, des portraits d'acteurs de kabuki, de lutteurs de sumo et de yujo (prostituées) ont été représentés. Beaucoup entrent dans la catégorie des bandes dessinées modernes et contiennent des éléments de caricature. Les thèmes traditionnels qui étaient censés servir de matériau à la peinture chinoise et aux peintures Yamato-e étaient parfois transformés pour l'Ukiyo-e.

Concernant le shunga (art érotique) représentant scènes d'amour, puis ils ont été peints par les artistes les plus célèbres. Shunga était souvent vendu dans le cadre de forfaits. En raison de leurs prix de vente élevés, beaucoup d’argent a été dépensé pour la création et des méthodes de production complexes ont été utilisées. Bien qu'ils comportent un élément de ridicule (ridiculisant) la culture sexuelle réelle, ils n'étaient pas nécessairement sensationnels et il a été noté qu'ils ne devraient pas être considérés uniquement comme de la pornographie.

Types d'ukiyo-e

Bijinga : Peintures de jeunes femmes.

Les Kanban Muzume (filles d'affiches) et les yujo, populaires à l'époque, étaient représentés.

Yakushae : dessins d'acteurs populaires de kabuki, etc.

Certains d’entre eux ressemblaient à des clichés et d’autres servaient de tirasis (dépliants).

Caricature : Images dessinées de façon comique.

Ils ont allumé la toba-euh. Il y avait des scènes humoristiques et des personnifications. Ils ont gardé les éléments caricaturaux sous contrôle, mais ont toujours mis l’accent sur l’aspect divertissement.

Tobae : Caricatures représentant des personnages humains avec de longs bras et jambes. Ils sont dérivés du nom Toba Sojo (personnage principal). Les premières bandes dessinées sont parfois désignées de cette manière.

BD : Etechon (guide artistique).

Dessins représentant l'univers entier. Ils étaient différents des bandes dessinées modernes. Les mangas de Hokusai (croquis de Hokusai) ont été Exemple illustratif.

Shunga : dessins représentant des scènes de sexe et d'autres choses sensuelles.

Il y avait de petits imprimés avec des jouets sexuels et des pénis personnalisés, etc. Ils étaient si courants dans zones rurales, ce nishiki-e signifiait en fait shunga. Ils auraient pu faire partie de la dot.

Meishoe : Dessins représentant des paysages célèbres.

Les dessins étaient autorisés aux gens ordinaires de l’époque qui ne pouvaient pas voyager librement pour voir les monuments célèbres et convoités. Ils servaient également de brochures touristiques.

Musa-e : dessins de samouraïs célèbres apparaissant dans les légendes, les contes fantastiques et les histoires.

Ils sont devenus à la mode, notamment avec l’essor des contes fantastiques. Le Bakufu (gouvernement féodal japonais dirigé par le shogun) interdit la représentation de Nobunaga Oda et des guerriers qui lui succédèrent.

Rekishiga : dessins représentant des scènes historiquement célèbres.

Après la restauration Meiji, des œuvres représentent les derniers empereurs afin de promouvoir la légitimité de la famille impériale.

Omochae : Dessins pour enfants.

Parmi eux se trouvaient des œuvres à coller sur des sugoroku (backgammon japonais) et des menko (nids d'abeilles de style japonais), des miniatures d'ukiyo-e populaires, des poupées en papier à la mode, des œuvres appelées zukushi-e, sous lesquelles de nombreux fantômes, guerriers, etc. De nombreuses idées ont été adoptées pour être utilisées dans les jouets pour enfants.

Mitate-e : Parodies d'œuvres classiques.

Sumoué : Dessins représentant le sumo. Parmi eux se trouvaient des dessins stéréotypés représentant les lutteurs de sumo de l’époque.

Kharimadze-e :Œuvres dans lesquelles plusieurs images ont été appliquées sur une seule feuille de papier.

Bleu-e : La gravure sur bois a été publiée à la suite du décès d'une célébrité.

Certains d'entre eux étaient destinés à des artistes esi célèbres.

Kodomo-e : Dessins représentant des enfants jouant.

Nagasaki-e : Dessins représentant des cultures étrangères vus à Nagasaki. Yokohama-e : Des dessins remplis de l’atmosphère exotique de Yokohama.

Namazu-e : Dessins apparus après les tremblements de terre du Grand Ansey.

Selon la superstition populaire, la prière (som) provoque des tremblements de terre.

Noso-e : Un talisman pour conjurer la variole.

Uchiwa-e : Des dessins collés aux éventails.

Méthode de production d'impression sur bois Ukiyo-e

Les personnes qui peignaient l'ukiyo-e étaient appelées artistes ukiyo-e ou artistes eshi (edakumi [artiste]). Les personnes qui sculptaient les dessins des artistes ukiyo-e sur des blocs de bois étaient des horishi (choko [sculpteurs]), et celles qui peignaient les blocs de bois et les imprimaient étaient des surishi (imprimeurs). Bien que le processus de création de l'ukiyo-e soit le fruit d'un effort de collaboration, seuls les noms des artistes eshi étaient généralement retenus. Au moins quatre parties étaient nécessaires, dont une partie supplémentaire en tant qu'acheteur.

Des « Kento » (marques de registre [d'impression] modernes) ont été apposés pour vérifier la position du papier et éviter les changements de couleur lors de l'impression multicolore. Certains ont suggéré qu'ils avaient été inventés par un grossiste pour la publication de Kitiemon Uemura en 1744, mais d'autres ont avancé qu'ils avaient été utilisés en 1765 par un surishi nommé Kinroku. Ils auraient également été inventés par Gennai Hiraga, apparenté à Harunobu Suzuki. Des expressions telles que « Kento wo tsukeru » (cibler), « Kento chigai » (inexact), « Kentou hazure » (hors registre), qui sont encore utilisées aujourd'hui, proviennent de ce « Kento ».

Influence de l'ukiyo-e

Reconnaissance et influence de l'ukiyo-e dans le monde

Au cours de l'ère Meiji ou plus tard, l'ukiyo-e a reçu peu d'attention au Japon et de nombreuses œuvres ont été exportées du pays. Par conséquent, aucune recherche légitime, systématique et académique n'a été menée sur l'ukiyo-e en tant qu'œuvre d'art, et les opinions fondées sur diverses sources de connaissances ont été partiellement et systématiquement répétées uniquement par des collectionneurs et des chercheurs individuels.

De plus, comme d'habitude, de nombreuses œuvres célèbres ont été contrefaites, notamment Harunobu Suzuki, Utamaro Kitagawa et d'autres, courantes depuis la période Edo.

Par contre dans pays de l'Ouest L'Ukiyo-e a été découvert et très apprécié par les grands maîtres de l'école impressionniste, dont les œuvres ont été influencées par l'Ukiyo-e, et même leurs reproductions ont été réalisées dans des peintures à l'huile. Apparemment, au moins 200 000 objets ukiyo-e ou plus sont entreposés dans au moins 20 des musées occidentaux les plus prestigieux ; en outre, plusieurs individus possèdent des collections privées, ce qui indique que l'ukiyo-e est la seule forme d'art étrangère collectée en si grande quantité. De nombreux musées conservent plus de 10 000 objets ukiyo-e, comme le Musée beaux-Artsà Boston - 50 000 articles, Musée d'État Beaux-Arts nommé d'après. A. S. Pouchkine avec 30 000 pièces, etc.

Ukiyo-e est la seule estampe sur bois aux couleurs vives au monde ; Il n’existe aucun genre dans les beaux-arts occidentaux qui soit considéré comme contribuant à son appréciation. Parmi les nombreux ukiyo-e dispersés, il y avait un grand nombre d'œuvres relativement dessins simples, y compris Utamaro, et il y avait étonnamment peu d'ukiyo-e avec des motifs complexes richement colorés (criards).

Étant donné que l'ukiyo-e est vendu au niveau national dans des chaînes de magasins parmi celles qui se sont répandues à l'étranger, on espère qu'à l'avenir, l'ukiyo-e sera considéré comme rare. travail artistique dans le monde afin que cette appréciation de cette forme d'art ne se limite pas à l'Occident.

Il est également précieux que l'ukiyo-e soit le seul matériau au monde qui représente différentes vies. des gens ordinaires pendant le Moyen Âge.

Selon les documents de la période Meiji, il y avait environ 2 000 artistes eshi avant cette époque, à condition d'inclure des artistes inconnus. Comme entre 100 et 200 ouvrages étaient imprimés à cette époque, les villes commencèrent à grande quantité Ukiyo-e, et contrairement à n’importe quel autre endroit au monde, les œuvres d’art de haute qualité étaient très populaires parmi le peuple.

Influence de l'étranger

En même temps que l’ukiyo-e influençait le japonisme dans les pays occidentaux, il recevait également une influence de l’étranger. Le pigment synthétique bleu de Prusse (« bero » de Berlin), originaire d'Allemagne, produit une couleur vibrante et a été utilisé par Hokusai Katsushika et d'autres techniques occidentales de perspective et d'ombrage ont également été adoptées.

Impact sur les pays étrangers

En 1865, l'artiste français Bracquemont montra à ses amis le Manga de Hokusai, qui était sur du papier d'emballage de poterie, et cela finit par avoir un impact. grande influence aux impressionnistes. Cela a provoqué une situation en Europe où les œuvres ukiyo-e étaient vendues à prix élevés, ce qui était inimaginable au Japon à l'époque, car au Japon même, l'ukiyo-e était un divertissement pour les gens ordinaires et les œuvres usagées et endommagées étaient vendues à des prix si bas qu'elles étaient utilisées comme matériau d'emballage pour les marchandises maritimes.

Ukiyo-e a même influencé musique classique, puisque Claude Debussy s'est inspiré de "Kanagawa oki nami ura" ("La Grande Vague de Kanagawa") Hokusai et écrit "La Mer" (la gravure a été utilisée sur la couverture d'une partition d'orchestre publiée en 1905, et il existe une photographie dans laquelle la gravure peut être identifiée comme une décoration dans une étude).

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L'étymologie du mot « ukiyo » remonte au terme bouddhiste signifiant
la fragilité d’un monde en évolution rapide. Le concept de « ukiyo » est généralement étroitement lié à
Vision bouddhiste du monde. Dans la littérature et l'esthétique médiévales, cela
le concept signifiait un monde vain, mortel et douloureux. Au XVe siècle, il reçut
interprétation laïque, il en est venu à être compris comme « le quotidien
réalité". Au XVIIème siècle, « ukiyo » commença à signifier paix
divertissements et plaisirs que les citadins pouvaient obtenir dans le cadre du « divertissement
blocs." Ce n'est pas un hasard si la principale forme d'art
Durant la période Edo, les gravures sur bois en couleurs sont apparues - art de masse,
reproduit et le plus connu.

L'histoire du développement de la gravure est dynamique, lumineuse, elle montre clairement tout
étapes de la formation de la vision du monde d'une nouvelle ère et leurs caractéristiques
caractéristiques de la perception de la réalité. Alors que d'autres genres
connaissent leurs derniers jours de gloire, un nouveau genre de paysage apparaît pour l'ukiyo-e
fukei-ga. Sa place dans la gravure ukiyo-e est très visible. Complexe et
le processus multiforme de formation de l'espace dans les estampes ukiyo-e
a été réalisé principalement à la suite de l'interaction des cultures occidentales
et à l'Est.

N et les dessins montrent les étapes de travail sur la gravure Ukiyo-e.

Contrairement aux gravures d'auteurs européens, la gravure ukiyo-e était
le résultat d’une créativité collective. Chacune de ses sections avait son propre
subtilités et nécessitait une grande spécialisation. L'artiste a peint en noir et blanc
base (sita-e) et indiqué les couleurs des pièces individuelles, le sculpteur
a transféré l'image sur le tableau, et l'imprimante a sélectionné les couleurs et transféré
image sur papier. Pour qu'une gravure devienne une œuvre d'art, il fallait
Ce qu’il faut, c’est une véritable collaboration créative entre ces maîtres. Artiste
devait prendre en compte les spécificités du travail du coupeur, puisque la qualité de la ligne, en
cela dépendait en fin de compte du sculpteur. Atteindre la virtuosité dans le travail,
les sculpteurs ont développé leur propre style, qui a largement déterminé
style de gravure. Avec un flux important de produits, les sculpteurs ont coopéré :
les plus expérimentés coupent les visages et les coiffures, leurs assistants coupent moins
des lignes de vêtements et de corps responsables, et les plus travail simple effectué
compagnons. La palette de couleurs globale de la gravure dépendait en grande partie de
imprimeur, car généralement l'artiste ne suivait que le tout premier
des impressions. Rôle important appartenait également à l'éditeur qui a étudié la demande et
qui a déterminé la diffusion. C'est souvent lui qui fixe le thème de la gravure et influence
la nature de la publication, agissant comme une sorte de mécène d'auteurs talentueux.
Les auteurs de la gravure ont reçu des commandes d'éditeurs, qui ont sélectionné
sculpteurs et imprimeurs. Le droit de publier la gravure appartenait à l'éditeur ;
pour des raisons commerciales, des feuilles individuelles étaient parfois réimprimées et
même des séries entières, souvent avec quelques modifications : pourraient être omises
titre de la série, la feuille aurait pu être publiée dans un format différent. Méthode collective
le travail d'un artiste, sculpteur et imprimeur, spécialisation étroite des artisans,
L'organisation en atelier du processus a déterminé l'originalité des gravures sur bois japonaises.

Techniquement, la gravure japonaise est une impression typographique.
Le processus de création de la gravure ressemblait à ceci. L'artiste a fait
dessin de contour à l'encre sur papier fin et transparent. Le graveur a collé
dessin légèrement humidifié avec la face avant sur la planche longitudinalement
scié. Le bois de cerisier, parfois de poirier, était généralement utilisé à cet effet.
ou buis japonais. Les arbres ont été abattus à l’automne et laissés à l’abandon
l'hiver, sorti au printemps et conservé deux ans. Surface des planches
traité avec beaucoup de soin. Elle était censée être si douce
pour que deux planches se collent sans colle lorsqu'elles se touchent.

Ensuite, le graveur a découpé la planche pour l'impression du contour - la "clé
board », avec l’étiquette « kento » (par laquelle tous les autres clichés étaient apposés).
L’original a été détruit, c’est pourquoi si peu de choses ont survécu jusqu’à ce jour.
dessins de l'auteur, qui représentent apparemment des préliminaires
croquis. Les lignes devaient être très fines, pas plus d'un tiers de l'épaisseur
dessiner des lignes, car elles se dilataient inévitablement lors de l'impression. Souvent
des sculpteurs spécialisés dans un domaine précis,
par exemple, dans la représentation de personnes ou d'animaux.

Quand la « clé » était prête
carton", l'imprimeur a réalisé des tirages tests et les a envoyés à l'artiste, qui
a décrit grossièrement la coloration ou a simplement écrit en hiéroglyphes
noms de couleurs à côté de chaque détail de l’image. Pour chaque couleur
une planche séparée a été découpée ; marque en relief dans son coin supérieur gauche
fourni la possibilité de faire correspondre avec précision la couleur avec le contour. Très
le choix de l'arbre était important ; les planches devaient avoir des qualités différentes dans
en fonction de leur destination : le bois le plus dur était utilisé pour
"clavier"; Les essences de bois les plus tendres ont été utilisées pour imprimer le fond.
Lorsque toutes les planches furent prêtes, le travail passa entre les mains de l'imprimeur. Il
peintures composées à base de pigments végétaux et minéraux
origine. Les peintures végétales ont été préparées à partir de colle de riz,
minéral - à base de graisse animale. Le travail de l'imprimeur n'était pas mécanique -
suivant les instructions générales de l'artiste, il sélectionnait lui-même les tons, ajustait
l'intensité des couleurs, de sorte que de sa vision artistique, finalement
En fin de compte, l'exactitude de la mise en œuvre du plan de l'auteur en dépendait.

Les photographies montrent le travail de l'imprimeur

Le maître essaie un gabarit qui est fixé sur des pointes insérées dans des trous percés dans le circuit imprimé.

Préparation de la surface - à cet endroit, il y aura une transition en douceur du foncé au clair.

Application de peinture.

Et maintenant selon le modèle..

Et maintenant - le moment le plus crucial...

Une feuille de papier légèrement humide posée sur le tableau a été lissée par le maître avec un
un dispositif en forme de coussinet rond recouvert d'une coque dense
pousse de bambou (barenom). Les Japonais ne connaissaient pratiquement pas l’imprimerie
jusqu'au 19ème siècle.

C'est vide.

Baren d'une main ferme)

Le maître retire la feuille - une bande de dégradé est créée !
Reste maintenant à répéter cette opération avec d'autres couleurs))

Le papier à graver devait être doux, hygroscopique, avec une surface lisse
surface et avec des fibres longues et résistantes. Elle a été coupée en
norme établie ; Les formats d'impression suivants sont acceptés au Japon :
(approximatif) : oban - 38x25 cm ; oban-yokon - 25x38 cm ; shikishiban -
20x18cm; Chu-ban - 30x20 cm.

Chaque feuille contient des inscriptions hiéroglyphiques - explications des intrigues,
poèmes, noms de personnages et signatures des créateurs de la gravure. Les signatures sont généralement
se composent d'un nom et d'un hiéroglyphe traditionnellement ajouté indiquant que
quel genre de travail le signataire a fait.

En plus des inscriptions, presque toutes les gravures comportent plusieurs sceaux. Ils
fournir des informations précieuses sur le moment où une feuille particulière est apparue et qui
a participé à sa création. En règle générale, les gravures contiennent
les sceaux suivants : le sceau de l'artiste placé directement sous son
signature ou à côté de celle-ci ; sceau de l'éditeur feuilles trouvées,
ne différant que par la publication des sceaux. Ce phénomène peut être
s'explique par la pratique existante de revente de planches par une maison d'édition
à un autre. Dans ce cas, les nouveaux propriétaires du tableau coupent parfois le sceau
ancienne maison d'édition et ont ajouté leur cachet avec la date de publication de la gravure et
sceau du censeur. Le contrôle de la gravure était l'une des manifestations
réglementation complète menée par le gouvernement Tokugawa.
Depuis 1790, pour lutter contre le luxe et le déclin des mœurs
le gouvernement a périodiquement introduit des restrictions concernant le sujet et
techniques de gravure. En plus des sceaux personnels des censeurs, il y avait des marques
« aratame » (« testé ») ou « kiwame » (« excellent »), placé après
ces sceaux. Le déchiffrement des sceaux permet non seulement d'établir
l'authenticité de la gravure, mais donne également au spectateur la possibilité de ressentir le vivant
atmosphère de création d’une feuille.

Les estampes Ukiyo-e ont été publiées sous une grande variété de formes : à la fois sous forme de livres
illustrations, albums d'art et feuilles individuelles, qui sont souvent
ont été réunis en diptyques, triptyques et séries, ainsi que sous forme de rouleaux
croquis de genre de vie théâtrale(Kabuki Joshi Emaki). Leur
interféré avec le tokonoma ou accroché comme décoration sur des piliers de support, est apparu
même un format spécial de gravures étroites et longues, appelé hasira-e
(à accrocher sur une perche, environ 65x12 cm).

Basé sur les matériaux : Art mondial. Katsushika Hokusai. Série
gravures « 36 vues du Fuji » et « 100 vues du Fuji ». -SPb : SZKEO LLC
« Crystal », 2006. - 192 pp., ill. Compilé par A. A. Ivanova.

Ainsi que des documents des sites http://art.liim.ru et http://woodblock.com

Introduction

Chaque jour, le monde change rapidement et les valeurs humaines changent également... Vous ne pouvez comprendre l'humanité dans son ensemble qu'en retraçant son histoire - depuis les premiers États - les soi-disant despotismes orientaux qui sont apparus il y a des milliers d'années. dans les vallées des grands fleuves, jusqu'aux premiers États juridiques de type moderne, d'une société dans laquelle l'esclavage était considéré comme normal, avant l'émergence de la société civile moderne avec la reconnaissance par la démocratie des droits individuels comme valeurs civilisationnelles les plus élevées. L'un des types divertissants de représentation de l'histoire peut être considéré créativité artistique, à savoir la gravure japonaise ukiyo-e, dont il sera effectivement question dans mon essai.

"...Vivez seulement l'instant qui vous est offert, profitez-en, en admirant la lune, les fleurs de cerisier, feuilles d'automneérables, chanter des chansons, boire du vin et s'amuser, sans se soucier du tout de la pauvreté qui nous regarde en face avec défi, s'abandonnant sans réfléchir au courant, comme une citrouille attirée sans passion par le courant de la rivière. C'est ce que nous appelons ukiyo » - c'est ce que disaient les habitants de la nouvelle capitale Edo (depuis 1714) et de l'ancienne capitale Kyoto.

L'art de ce monde - "l'ukiyo" et, surtout, la gravure - est devenu le reflet de toute la vie des citadins, de leurs goûts, de leurs intérêts et de leurs modes. Contrairement à la peinture aristocratique du Moyen Âge, la gravure sur bois était largement diffusée, abordable et véritablement populaire. Il était basé sur les traditions du graphisme des livres, des programmes du théâtre préféré des citadins - le Kabuki, mais seulement avec l'avènement du graphisme sur chevalet (c'est-à-dire, au sens japonais - des gravures sur des feuilles séparées), il a commencé à acquérir une importance croissante à mesure que une forme d'art indépendante.

je . Origine du terme « ukiyo-e »

L'ukiyo-e est l'un des styles d'art japonais les plus populaires de la période Edo (aujourd'hui Tokyo), un genre d'art représenté principalement par des gravures sur bois qui se sont développées au début de la période Edo (1600 - 1868). Il est apparu dans la première moitié du XVIIe siècle, dans la seconde moitié du XIXe siècle. tombé en ruine. Le XVIIIe siècle est considéré comme l’apogée de l’ukiyo-e. L'ukiyo-e a connu un succès dans tout le Japon, ses formes les plus caractéristiques s'étant établies dans des exemples produits à Edo entre 1680 environ et le milieu des années 1950.

Le terme « ukiyo », emprunté à la philosophie bouddhiste, signifie littéralement « le monde du chagrin » - c'est le nom du monde du samsara, le monde des illusions passagères, où le sort de l'homme est le chagrin, la souffrance, la maladie et la mort. Ce monde, du point de vue des Japonais à l'esprit traditionnel, est aussi illusoire et éphémère qu'un rêve, et ses habitants ne sont pas plus réels que les créatures du monde des rêves. Au XVIIe siècle, les idées sur la variabilité et le caractère illusoire de ce monde, quelque peu repensées, ont donné naissance à une esthétique particulière : l'impermanence de l'être était perçue non seulement et non pas tant comme une source de souffrance, mais plutôt comme un appel aux plaisirs et aux plaisirs que confère cette impermanence. Le monde des plaisirs éphémères a également commencé à être appelé ukiyo, seulement il était écrit avec un hiéroglyphe différent avec le même son, signifiant littéralement « flotter », « flotter près ». Ukiyo-e signifie « images du monde flottant ». Il existe une autre nuance de sens : les artistes qui ont travaillé dans le style ukiyo-e. connaissaient les principes de l'art occidental et utilisaient souvent dans leurs œuvres la connaissance des lois de la perspective, ce qui était atypique pour la peinture japonaise traditionnelle Yamato-e (« peinture japonaise") ou kara-e ("peinture chinoise"). Ainsi, pour les téléspectateurs japonais, habitués à tout à fait images plates, le monde dans les images ukiyo-e était perçu comme tridimensionnel, « flottant » à la surface de la feuille ou, à l'inverse, « s'enfonçant » dans ses profondeurs.

A la fin du XVIIe siècle. Ukiyo a commencé à signifier le monde des joies et des plaisirs terrestres. Les Ukiyo-e sont des images de la vie quotidienne de la classe urbaine de la période Edo.

II . Histoire du développement de l'ukiyo-e

2.1 L'Ukiyo-e comme l'un des résultats du développement de la peinture japonaise

Tous les styles de peinture japonaise sont basés sur la direction continentale, venue de Chine et de Corée, et purement japonaise. Jusqu'au 10ème siècle, la direction chinoise dominait, après quoi la peinture japonaise est apparue - Yamato-e, les principaux représentants de cette direction étaient réalisés sous forme de paravents et de paravents coulissants. Puis, un peu plus tard, apparaissent de longs rouleaux picturaux d'emakimono, ainsi que des peintures sur feuilles séparées au format approximativement paysage. Au 14ème siècle Le genre emakimono disparaît et est remplacé par la peinture à l'encre à la manière zen - sumi-e, qui dépasse largement la tradition monastique et devient partie intégrante de l'art profane. Les écoles les plus importantes de la peinture japonaise de la période Edo comprennent les écoles Tosa et Rimpa, spécialisées dans la peinture de style Yamato-e. A l'époque d'Edo, d'autres domaines de la peinture fleurissent également : les écoles de Maruyama-Shizeyo, Akita, Itoo, etc. La direction Namban était également populaire - littéralement « barbare du sud » - comme les Japonais appelaient les Européens. Les artistes qui ont travaillé dans ce style ont imité la peinture occidentale et ont utilisé à leur manière les sujets occidentaux et les lois de la perspective. AVEC début XVIII V. Le style bunjing (« peinture éclairée ») est devenu à la mode - les artistes qui peignaient dans ce style s'inspiraient particulièrement de la peinture du sud de la Chine de la dynastie Yuan, appelée nanga au Japon.

L'ukiyo-e est l'un des styles d'art japonais les plus populaires de la période Edo ; il est apparu dans la première moitié du XVIIe siècle. En règle générale, l'ukiyo-e est compris comme une peinture de genre et surtout comme une gravure.

2.2 Le monde représenté sur « l'arbre »

La technique de l'impression sur bois, ou impression à partir de planches de bois, est apparue au Japon pendant la période Heian (794-1185) parallèlement à la diffusion du bouddhisme. La technique d’impression sur planche de bois a d’abord été utilisée pour réaliser des impressions en noir et blanc de divers saints bouddhistes et pour illustrer le texte des sutras.

La XYLOGRAPHIE JAPONAISE EN COULEUR (gravure sur bois) est un phénomène unique dans l’histoire de l’art mondial. Les Japonais ont emprunté sa technique à la Chine. Dès le XIIIe siècle, de petites icônes et amulettes bouddhistes étaient imprimées au Japon, mais ces produits étaient de nature artisanale.

Début du 17ème siècle caractérisé par l'apparition de livres illustrés gravés sur bois publiés en éditions de masse. Dans ces éditions, les textes et les illustrations étaient imprimés en noir.

Les premières gravures de chevalet étaient également en noir et blanc, puis elles commencèrent à être légèrement teintées à la main avec du cinabre (tan-e), plus tard les gravures furent teintées avec de la peinture rouge foncé (beni-e) ou ombragées avec une épaisse peinture noire, ce qui créa l'effet d'être recouvert de vernis noir (urusi-e). Les premières impressions utilisant la couleur rouge (benizuri-e) sont apparues en milieu du XVIIIe siècle V. Peu à peu, le nombre de planches pour l'impression couleur augmenta et en 1765 apparurent les premières gravures multicolores, appelées « peintures de brocart » (nishiki-e).

En tant que forme d'art indépendante, la gravure s'est établie à la dernière étape de l'histoire médiévale du Japon, pendant la période Tokugawa (1603-1868). Cette époque est caractérisée par la formation d'une nouvelle culture urbaine, reflétant les goûts des troisième et quatrième états - commerçants et artisans, qui jouèrent un rôle de plus en plus important dans la vie économique puis culturelle du pays. Dans l'art des XVIIe-XIXe siècles, il s'est formé un nouveau style- ukiyo-e (littéralement : images du monde flottant) - une direction de l'art urbain de la période Edo (1613-1868), à laquelle appartient également la gravure. Son Thème principal est devenu la vie quotidienne des citadins eux-mêmes, leur vie quotidienne et leurs vacances.

Les gravures sur bois en couleurs demandent beaucoup de main d'œuvre et nécessitent la participation de plusieurs spécialistes : un artiste qui rédige un croquis de la future gravure ; un artisan qui « termine » un croquis avec un tel degré de détail qu'il peut être découpé sur une planche pour être imprimé ; un sculpteur qui transfère l'image sur une planche découpée, avec une planche séparée découpée pour chaque couleur ; et une imprimante qui imprime manuellement, sans utiliser de machine. Le rôle de l'éditeur était généralement très important, car il assurait non seulement la direction générale et assurait les ventes, mais était souvent aussi l'auteur de l'idée de l'ouvrage. Il aurait pu y avoir un autre participant - un poète, qui composait un poème d'accompagnement pour la gravure et, dans certains cas, agissait comme calligraphe lorsqu'il écrivait sa création sur un croquis de sa propre main.

Originaire du 17ème siècle. Dans un tiers-état en pleine croissance, moins contraint par les canons que la peinture, la gravure était la forme d'art la plus répandue et la plus accessible aux citadins.

Les estampes japonaises du milieu des années 1820 au début des années 1830 sont des gravures sur bois. Les clichés étaient réalisés à partir d'une section longitudinale de bois de poirier ou de cerisier. Le croquis de l'artiste a été placé sur le tableau et toutes les lignes ont été coupées des deux côtés avec un couteau bien aiguisé. Dans le même temps, la douceur du motif des fibres de bois ne pouvait qu'affecter sa structure linéaire. Initialement, la gravure était monochrome et l'ensemble de l'édition relativement petite était teinté à la main, ce qui donnait aux œuvres un charme particulier de spontanéité et d'artisanat. La première période de développement de la gravure remonte aux années 1680-1760.

Les artistes Ukiyo-e se concentraient sur les habitants de ce monde inconstant de plaisirs éphémères : de belles dames, en règle générale, des geishas et des courtisanes célèbres (genre bijinga), des acteurs de kabuki, perçus à cette époque comme des « courtisanes » masculines (yakusha- e genre ), des scènes érotiques (dites shunga - « photos de printemps"), des scènes d'admiration de beaux phénomènes naturels, des vacances et des feux d'artifice, des « fleurs et oiseaux » (katyoga), ainsi que des vues célèbres de paysages naturels, grâce à leur beauté pittoresque, devenus des lieux de pèlerinage. Au fur et à mesure que la direction de l'ukiyo-e se développait, la portée de la tranche de vie qu'il reflétait ne cessait de s'élargir : de nombreuses images de l'ukiyo-e sont apparues, illustrant les célèbres travaux littéraires, en particulier Ise-monogatari et Genji-monogatari, ainsi que les chroniques militaires de gunki-monogatari ; après tout, à l’époque de l’apogée du genre, il englobait littéralement tous les aspects de la vie quotidienne de tous les segments de la société japonaise. Les sujets historiques sont également devenus le thème de l'ukiyo-e : images de samouraïs célèbres (genre musha-e), notamment de l'époque du Sengoku Ji-dai, scènes de bataille, scènes d'effusion de sang, représentées de manière très naturaliste, incendies et lutte contre l'incendie, ainsi que le monde des fantômes et des démons, les grotesques fantastiques, etc. De belles parodies imitant le style exquis Yamato-e sont devenues très répandues : des courtisanes étaient représentées dans les robes et les poses du bodhisattva Kannon ou dames noblesère Heian ; Zen saint Daruma (Bodhidharma) - en costume de courtisane ; Divinités populaires parmi le peuple - rendues diverses sortes plaisir.

Le fondateur de l'ukiyo-e est considéré comme le peintre et graphiste japonais Hishikawa Moronobu.

Initialement, les gravures étaient en noir et blanc - seule l'encre était utilisée à partir du début du XVIIIe siècle, certaines œuvres étaient ensuite coloriées à la main au pinceau ; Au XVIIIe siècle, Suzuki Harunobu a introduit des techniques d'impression multicolores pour produire des nishiki-e (« images en brocart »).

Les tirages Ukiyo-e étaient abordables en raison de leur capacité à être produits en masse. Ils étaient principalement destinés aux citadins qui n’avaient pas les moyens de dépenser de l’argent en peintures. L'Ukiyo-e se caractérise par des images de la vie quotidienne, en phase avec la littérature urbaine de cette période. Les gravures représentaient de belles geishas ( bijin-ga), d'énormes lutteurs de sumo et acteurs populaires théâtre kabuki ( Yakusya-euh). Plus tard, la gravure de paysages est devenue populaire.

Histoire

Le style ukiyo-e est né de l'urbanisation de la fin du XVIe siècle, qui a conduit à l'émergence d'une classe de marchands et de petits artisans qui ont commencé à écrire des histoires ou des contes et à les décorer de dessins. Des collections similaires ont été appelées écho(Japonais : 絵本 - "livre d'images"?). Un exemple d’un tel art est la publication de 1608 « Ise-monogatari » (« Le Conte d’Ise ») de Honami Koetsu. Ces livres utilisaient largement l'ukiyo-e comme illustrations. Plus tard, les gravures ont commencé à être imprimées en tant qu'œuvres indépendantes - kakémono(Japonais : 掛け物 - un parchemin avec une image ou un dicton?) et des affiches pour le théâtre kabuki.

Processus de création

Formulaire d'impression découpé

Pour créer l'ukiyo-e, il fallait un artiste, un sculpteur et un imprimeur. L'Ukiyo-e a été réalisé comme suit. L'artiste a réalisé un prototype de gravure sur papier fin avec de l'encre, le sculpteur a collé ce dessin face vers le bas sur une planche de cerisier, de poirier ou de buis et en a découpé les zones sur lesquelles le papier était blanc, obtenant ainsi la première planche d'impression. , mais en détruisant le dessin lui-même. Puis plusieurs tirages en noir et blanc ont été réalisés, sur lesquels l'artiste a indiqué les couleurs souhaitées. Le sculpteur produisait le nombre requis (parfois plus de trente) de plaques d'impression, chacune correspondant à une couleur ou un ton. L'imprimeur, après avoir discuté de la palette de couleurs avec l'artiste, a appliqué une peinture d'origine végétale ou minérale sur l'ensemble de formes obtenu et a imprimé manuellement la gravure sur du papier de riz humide.

Artistes célèbres

• Hishikawa Moronobu
• Torii Kiyonaga
• Kounitika
• Kunishida
• Toshusai Sharaku
• Toyokuni

Remarques

Liens

• Images d'un monde insaisissable - ukiyo-e - article de Galina Shchedrina sur le site Artgalery.ru

Littérature

• A. Savelyeva Art mondial. Maîtres de la gravure japonaise. - «Cristal», 2007. - 208 p. - 10 000 exemplaires. -ISBN5-9603-0033-8
• M. V. Ouspenski Gravure japonaise. - Saint-Pétersbourg : « Aurora », « Amber Tale », 2004. - 64 p. - («Bibliothèque Aurora»). - 5000 exemplaires. -ISBN5-7300-0699-3

Fondation Wikimédia. 2010.

Synonymes:

Voyez ce qu’est « Ukiyo-e » dans d’autres dictionnaires :

- (Images japonaises du monde quotidien) école de peinture et de gravure sur bois japonaises des XVIIe - XIXe siècles. Traditions héritées peinture de genre 15e 16e siècles Elle se distingue par le démocratisme de ses intrigues, en accord avec la littérature urbaine de la période Edo (début XVIIe - 2e moitié du XIXe siècles).... ... Grand dictionnaire encyclopédique

Ukiyo-e- Ukiyo e UKIYO E (images japonaises du monde quotidien), école de peinture et de gravure sur bois japonaises (XVIIe-XIXe siècles). L'Ukiyo e se caractérise par des portraits d'acteurs et de beautés des « quartiers joyeux », des scènes de la vie quotidienne, en accord avec la littérature urbaine... ... Dictionnaire encyclopédique illustré

- (Images japonaises du monde quotidien), une tendance de la peinture et des gravures sur bois japonaises des XVIIe-XIXe siècles, reflétant les tendances artistiques démocratiques nées en relation avec le développement rapide de la vie urbaine. Les histoires de la vie se sont répandues... Dictionnaire encyclopédique

- (Hishikawa Moronobu), artiste japonais, le plus célèbre maître de l'ukiyo e (voir Ukiyo e) période au début. Fils maître célèbre tissus décoratifs de Hishikawa Kichizaemon. Après... ... Dictionnaire encyclopédique

- (1753/1754 1806), maître japonais de la gravure sur bois en couleur et peintre. Représentant de l'école ukiyo e. Portrait et genre délicieusement poétique. images féminines, créé à l'aide d'une ligne fluide et douce, en utilisant de la poudre de mica, donnant l'effet... ... Dictionnaire encyclopédique

- (1760 1849), peintre et dessinateur japonais, maître de la gravure sur bois en couleurs. Représentant de la direction Ukiyo e. Dans les principales œuvres graphiques (la série « 36 vues du mont Fuji », 1823 29, « Voyage aux cascades de diverses provinces », 1827 33), ... ... Dictionnaire encyclopédique

- (Suzuki Harunobu) (1725 ?, Edo, aujourd'hui Tokyo 8 juillet 1770, ibid.), artiste japonais, maître de l'ukiyo e (voir Ukiyo e). On sait peu de choses sur sa vie (comme celle de la plupart des maîtres de l'ukiyo-e), mais sa place dans l'histoire de l'art japonais est clairement définie par son... Dictionnaire encyclopédique

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L'ukiyo-e est un style de peinture japonaise né à la fin du XVIe siècle.

Histoire du développement

Le nom de la direction est traduit du japonais par « monde flottant ». Initialement, le mot « ukiyo » était utilisé dans le bouddhisme et représentait la fragilité de l'existence et la tristesse quotidienne, et avec l'avènement de la période Edo au Japon, la signification de ce mot a acquis un sens complètement différent. Cette époque a apporté de nombreux changements sociaux dans le pays : par exemple, des lieux spécialement désignés sont apparus dans les villes où se trouvaient les théâtres Kabuki et des bordels sont apparus. Puis le mot « ukiyo » a commencé à signifier un plaisir éphémère.

L'un des fondateurs de l'ukiyo-e est le célèbre artiste japonais Hishikawa Moronobu. Le style ukiyo-e est constitué de gravures sur bois.

Initialement, les gravures étaient monochromes, puisque seule de l'encre noire était utilisée pour les créer. Quelques siècles plus tard, les artistes cette direction Ils ont commencé à ajouter de l'expressivité aux gravures en les peignant avec des peintures colorées. Parallèlement, Suzuki Harunobu a développé une méthode d'impression réutilisable pour créer des nishiki-e, qui se traduisent par « peintures en brocart ». La production massive d’estampes les a rendues disponibles à l’achat pour de nombreux résidents japonais qui, jusque-là, ne pouvaient pas se permettre le luxe d’acheter des peintures.

Réaliser des impressions

Plusieurs personnes ont participé à la création de l'œuvre : un artiste, un graveur, un sculpteur sur bois et un imprimeur, chacun se voyant attribuer un rôle important. Souvent, le travail était réalisé sur commande et la quantité pouvait être très importante.

Séquence de création de gravure :

1. L'artiste dessine les contours du futur dessin sur du papier fin.
2. Le graveur colle ce croquis sur une planche de bois et découpe le premier formulaire à imprimer dessus.
3. Le graveur réalise un certain nombre d'empreintes sur la forme pour indiquer les futures nuances.
4. Un sculpteur sur bois découpe des formes imprimées conçues pour des couleurs spécifiques.
5. L'imprimeur, suivant les instructions de l'artiste, applique de la peinture sur les formulaires. couleur désirée et les imprime à la main sur du papier de riz.

Créer une gravure est un processus très long et laborieux qui demande beaucoup d'efforts et de compétences. L'aspect final du tableau dépendait non seulement de bons croquis, mais aussi de l'expérience des graveurs et des sculpteurs. Produire des images en couleur nécessitait parfois de découper plus d’une douzaine de formes différentes.

Ukiyo-e mis à jour : 15 septembre 2017 par : Valentina