Peinture et gravure japonaise traditionnelle. Résumé « Caractéristiques des estampes japonaises Ukiyo-e et son influence sur la peinture européenne

Introduction

Chaque jour, le monde change rapidement et les valeurs humaines changent également... Vous ne pouvez comprendre l'humanité dans son ensemble qu'en retraçant son histoire - depuis les premiers États - les soi-disant despotismes orientaux qui sont apparus il y a des milliers d'années. dans les vallées des grands fleuves, jusqu'aux premiers États juridiques de type moderne, d'une société dans laquelle l'esclavage était considéré comme normal, avant l'émergence de la société civile moderne avec la reconnaissance par la démocratie des droits individuels comme valeurs civilisationnelles les plus élevées. L’un des types de représentation de l’histoire les plus intéressants peut être considéré comme la créativité artistique, à savoir la gravure japonaise ukiyo-e, dont je parlerai en fait dans mon essai.

"...Vivez seulement l'instant qui vous est offert, profitez-en, en admirant la lune, les fleurs de cerisier, feuilles d'automneérables, chanter des chansons, boire du vin et s'amuser, sans se soucier du tout de la pauvreté qui nous regarde en face avec défi, s'abandonnant sans réfléchir au courant, comme une citrouille attirée sans passion par le courant de la rivière. C'est ce que nous appelons ukiyo » - c'est ce que disaient les habitants de la nouvelle capitale Edo (depuis 1714) et de l'ancienne capitale Kyoto.

L'art de ce monde - "l'ukiyo" et, surtout, la gravure - est devenu le reflet de toute la vie des citadins, de leurs goûts, de leurs intérêts et de leurs modes. Contrairement à la peinture aristocratique du Moyen Âge, la gravure sur bois était largement diffusée, abordable et véritablement populaire. C'était basé sur la tradition graphiques de livre, programmes du théâtre préféré des citadins - Kabuki, mais ce n'est qu'avec l'avènement du graphisme sur chevalet (c'est-à-dire au sens japonais - gravures sur feuilles séparées) qu'il a commencé à acquérir une importance croissante en tant que forme d'art indépendante.

je . Origine du terme « ukiyo-e »

L'ukiyo-e est l'un des styles japonais les plus populaires. arts visuels La période Edo (aujourd'hui Tokyo) est un genre d'art représenté principalement par des gravures sur bois qui se sont développées au début de la période Edo (1600 - 1868). Il est apparu dans la première moitié du XVIIe siècle, dans la seconde moitié du XIXe siècle. tombé en ruine. Le XVIIIe siècle est considéré comme l’apogée de l’ukiyo-e. L'ukiyo-e a connu un succès dans tout le Japon, ses formes les plus caractéristiques s'étant établies dans des exemples produits à Edo entre 1680 environ et le milieu des années 1950.

Le terme « ukiyo », emprunté à la philosophie bouddhiste, signifie littéralement « le monde du chagrin » - c'est le nom du monde du samsara, le monde des illusions passagères, où le sort de l'homme est le chagrin, la souffrance, la maladie et la mort. Ce monde, du point de vue des Japonais à l'esprit traditionnel, est aussi illusoire et éphémère qu'un rêve, et ses habitants ne sont pas plus réels que les créatures du monde des rêves. Au XVIIe siècle, les idées sur la variabilité et le caractère illusoire de ce monde, quelque peu repensées, ont donné naissance à une esthétique particulière : l'impermanence de l'être était perçue non seulement et non pas tant comme une source de souffrance, mais plutôt comme un appel aux plaisirs et aux plaisirs que confère cette impermanence. Le monde des plaisirs éphémères a également commencé à être appelé ukiyo, seulement il était écrit avec un hiéroglyphe différent avec le même son, signifiant littéralement « flotter », « flotter près ». Ukiyo-e signifie « images du monde flottant ». Il existe une autre nuance de sens : les artistes qui ont travaillé dans le style ukiyo-e. connaissaient les principes de l'art occidental et utilisaient souvent dans leurs œuvres la connaissance des lois de la perspective, ce qui était atypique pour la peinture japonaise traditionnelle yamato-e (« peinture japonaise ») ou kara-e (« Kara-e ») peinture chinoise"). Ainsi, pour les spectateurs japonais, habitués aux images complètement plates, le monde des images ukiyo-e était perçu comme tridimensionnel, « flottant » à la surface de la feuille ou, au contraire, « s'enfonçant » dans ses profondeurs.

A la fin du XVIIe siècle. Ukiyo a commencé à signifier le monde des joies et des plaisirs terrestres. Ukiyo-e - peintures Vie courante classe urbaine de la période Edo.

II . Histoire du développement de l'ukiyo-e

2.1 L'Ukiyo-e comme l'un des résultats du développement de la peinture japonaise

Tous les styles de peinture japonaise sont basés sur la direction continentale, venue de Chine et de Corée, et purement japonaise. Jusqu'au 10ème siècle, la direction chinoise dominait, après quoi la peinture japonaise est apparue - Yamato-e, les principaux représentants de cette direction étaient réalisés sous forme de paravents et de paravents coulissants. Puis, un peu plus tard, apparaissent de longs rouleaux picturaux d'emakimono, ainsi que des peintures sur feuilles séparées au format approximativement paysage. Au 14ème siècle Le genre emakimono disparaît et est remplacé par la peinture à l'encre à la manière zen - sumi-e, qui dépasse largement la tradition monastique et devient partie intégrante de l'art profane. Les écoles les plus importantes de la peinture japonaise de la période Edo comprennent les écoles Tosa et Rimpa, spécialisées dans la peinture de style Yamato-e. A l'époque d'Edo, d'autres domaines de la peinture fleurissent également : les écoles de Maruyama-Shizeyo, Akita, Itoo, etc. La direction Namban était également populaire - littéralement « barbare du sud » - comme les Japonais appelaient les Européens. Les artistes qui ont travaillé dans ce style ont imité la peinture occidentale et ont utilisé à leur manière les sujets occidentaux et les lois de la perspective. Du début du XVIIIe siècle. Le style bunjing (« peinture éclairée ») est devenu à la mode - les artistes qui peignaient dans ce style s'inspiraient particulièrement de la peinture du sud de la Chine de la dynastie Yuan, appelée nanga au Japon.

L'ukiyo-e est l'un des styles d'art japonais les plus populaires de la période Edo ; il est apparu dans la première moitié du XVIIe siècle. En règle générale, l'ukiyo-e est compris comme une peinture de genre et surtout comme une gravure.

2.2 Le monde représenté sur « l'arbre »

La technique de l'impression sur bois, ou impression à partir de planches de bois, est apparue au Japon pendant la période Heian (794-1185) parallèlement à la diffusion du bouddhisme. La technique d’impression sur planche de bois a d’abord été utilisée pour réaliser des impressions en noir et blanc de divers saints bouddhistes et pour illustrer le texte des sutras.

La XYLOGRAPHIE JAPONAISE EN COULEUR (gravure sur bois) est un phénomène unique dans l’histoire de l’art mondial. Les Japonais ont emprunté sa technique à la Chine. Dès le XIIIe siècle, de petites icônes et amulettes bouddhistes étaient imprimées au Japon, mais ces produits étaient de nature artisanale.

Début du 17ème siècle caractérisé par l'apparition de livres illustrés gravés sur bois publiés en éditions de masse. Dans ces éditions, les textes et les illustrations étaient imprimés en noir.

Les premières gravures de chevalet étaient également en noir et blanc, puis elles commencèrent à être légèrement teintées à la main avec du cinabre (tan-e), plus tard les gravures furent teintées avec de la peinture rouge foncé (beni-e) ou ombragées avec une épaisse peinture noire, ce qui créa l'effet d'être recouvert de vernis noir (urusi-e). Les premières impressions utilisant la couleur rouge (benizuri-e) sont apparues en milieu du XVIIIe siècle V. Peu à peu, le nombre de planches pour l'impression couleur augmenta et en 1765 apparurent les premières gravures multicolores, appelées « peintures de brocart » (nishiki-e).

En tant que forme d'art indépendante, la gravure s'est établie à la dernière étape de l'histoire médiévale du Japon, pendant la période Tokugawa (1603-1868). Cette époque est caractérisée par la formation d'une nouvelle culture urbaine, reflétant les goûts des troisième et quatrième états - commerçants et artisans, qui jouèrent un rôle de plus en plus important dans la vie économique puis culturelle du pays. Dans l'art des XVIIe-XIXe siècles, un nouveau style s'est formé - l'ukiyo-e (littéralement : images du monde flottant) - une direction de l'art urbain de la période Edo (1613-1868), à laquelle appartient également la gravure. Son thème principal était la vie quotidienne des citadins eux-mêmes, leur vie quotidienne et leurs vacances.

Les gravures sur bois en couleurs demandent beaucoup de main d'œuvre et nécessitent la participation de plusieurs spécialistes : un artiste qui rédige un croquis de la future gravure ; un artisan qui « termine » un croquis avec un tel degré de détail qu'il peut être découpé sur une planche pour être imprimé ; un sculpteur qui transfère l'image sur une planche découpée, avec une planche séparée découpée pour chaque couleur ; et une imprimante qui imprime manuellement, sans utiliser de machine. Le rôle de l'éditeur était généralement très important, car il assurait non seulement la direction générale et assurait les ventes, mais était souvent aussi l'auteur de l'idée de l'ouvrage. Il aurait pu y avoir un autre participant - un poète, qui composait un poème d'accompagnement pour la gravure et, dans certains cas, agissait comme calligraphe lorsqu'il écrivait sa création sur un croquis de sa propre main.

Originaire du 17ème siècle. Dans un tiers-état en pleine croissance, moins contraint par les canons que la peinture, la gravure était la forme d'art la plus répandue et la plus accessible aux citadins.

Les estampes japonaises du milieu des années 1820 au début des années 1830 sont des gravures sur bois. Les clichés étaient réalisés à partir d'une section longitudinale de bois de poirier ou de cerisier. Le croquis de l'artiste a été placé sur le tableau et toutes les lignes ont été coupées des deux côtés avec un couteau bien aiguisé. Dans le même temps, la douceur du motif des fibres de bois ne pouvait qu'affecter sa structure linéaire. Initialement, la gravure était monochrome et l'ensemble de l'édition relativement petite était teinté à la main, ce qui donnait aux œuvres un charme particulier de spontanéité et d'artisanat. La première période de développement de la gravure remonte aux années 1680-1760.

Les artistes Ukiyo-e se concentraient sur les habitants de ce monde inconstant de plaisirs éphémères : de belles dames, en règle générale, des geishas et des courtisanes célèbres (genre bijinga), des acteurs de kabuki, perçus à cette époque comme des « courtisanes » masculines (yakusha- e genre ), des scènes érotiques (dites shunga - « photos de printemps"), scènes d'admiration de la belle phénomène naturel, fêtes et feux d'artifice, « fleurs et oiseaux » (katega), ainsi que des vues célèbres de paysages naturels, grâce à leur beauté pittoresque, devenus lieux de pèlerinage. Au fur et à mesure que la direction ukiyo-e se développait, la portée de la tranche de vie qu'elle reflétait ne cessait de s'élargir : de nombreuses images de l'ukiyo-e apparurent, illustrant des œuvres littéraires célèbres, notamment Ise-monogatari et Genji-monogatari, ainsi que des chroniques militaires de gunki-monogatari; après tout, à l’époque de l’apogée du genre, il englobait littéralement tous les aspects de la vie quotidienne de tous les segments de la société japonaise. Les sujets historiques sont également devenus le thème de l'ukiyo-e : images de samouraïs célèbres (genre musha-e), notamment de l'époque du Sengoku Ji-dai, scènes de bataille, scènes d'effusion de sang, représentées de manière très naturaliste, incendies et lutte contre l'incendie, ainsi que le monde des fantômes et des démons, les grotesques fantastiques, etc. De belles parodies et imitations du style exquis Yamato-e sont devenues très répandues : les courtisanes étaient représentées dans les robes et les poses du bodhisattva Kannon ou des nobles dames de l'ère Heian ; Zen saint Daruma (Bodhidharma) - en costume de courtisane ; Divinités populaires parmi le peuple – se livrant à diverses sortes de plaisirs.

L'histoire de la vie artistique japonaise est marquée par des recherches continues et une série de découvertes étonnantes. Sur differentes etapes le développement historique de l'art japonais est né, s'est développé et a atteint la perfection divers genres, reflétant un long voyage de connaissance des lois du monde environnant, de la proportionnalité de l'existence humaine et de la nature. Le monde des activités artistiques et décoratives de la nation japonaise est extrêmement diversifié et marqué par une esthétique particulière qui allie la simplicité des idées à une perception poétique des lois de l'univers, le désir de vivre en harmonie avec l'éternel et au en même temps, une nature en constante évolution.

L'admiration pour la beauté de la vie et de la nature environnantes, la capacité d'en admirer chaque instant, déterminait les caractéristiques du caractère national des Japonais et s'exprimait dans divers types d'art japonais. L'exploration artistique de la réalité était la principale tendance esthétique qui a déterminé le développement de l'art japonais en général, en particulier le développement de la peinture de genre. L'un des phénomènes les plus uniques dans l'histoire du développement de l'art japonais est la gravure sur bois, qui a reçu le nom d'ukiyo-e dans l'art japonais.
Les Japonais ont emprunté aux Chinois au XIIe siècle les techniques d'impression sur planches de bois et les ont utilisées, initialement à l'encre noire, pour réaliser des impressions en noir et blanc de textes bouddhistes. La technologie de production des gravures japonaises représentait un processus créatif collectif, auquel participait un artiste, créant une esquisse de base de la future image sur du papier fibre mat, un sculpteur qui transférait l'image créée sur une planche de bois découpée longitudinalement et un imprimeur. , qui a imprimé le dessin à la main.

De plus, les sculpteurs se spécialisaient très souvent dans un domaine particulier des images artistiques : personnes, animaux ou nature, atteignant une virtuosité particulière et une subtilité des lignes. Et l’imprimeur, suivant les instructions de l’artiste, a sélectionné les nuances nécessaires, déterminé l’intensité de la couleur, incarnant clairement l’intention artistique de l’artiste.

En tant que genre indépendant des beaux-arts, la gravure japonaise s'est formée au XVIIe siècle, lorsque la vie socio-économique de la société a commencé à changer. En cela période historique Au Japon, un nouvel environnement urbain se forme, des classes sociales de petits artisans et commerçants apparaissent, participant activement à la vie économique et sociale du pays. Les phénomènes des arts décoratifs et appliqués ne sont plus seulement le privilège des cercles aristocratiques de la société japonaise, mais deviennent la propriété de larges couches de la population urbaine. C'est dans les profondeurs de la culture urbaine qu'est né le genre ukiyo-e, dans lequel, pour la première fois dans l'histoire du développement de l'art japonais, la réalité réelle se reflétait, étant une source inépuisable d'images artistiques.

Les oeuvres de Hishikawa Moronobu

La peinture de genre, à savoir la gravure japonaise, née à l'intersection de l'art et de l'artisanat, a connu un développement dynamique, capturant des images de la vie quotidienne dans la société dans des images artistiques. Le mot ukiyo-e signifie « images du monde qui passe » en japonais. Peu à peu, ce genre a fusionné les traditions et techniques des beaux-arts chinois avec une vision exclusivement japonaise du monde qui nous entoure.

Les premières gravures, qui gagnèrent une énorme popularité parmi la population urbaine, étaient réalisées en noir et blanc, étaient simples dans leur composition et leur palette de couleurs et étaient abordables pour un large éventail de la population urbaine. Se développant comme une direction de genre particulière de l'art japonais, l'ukiyo-e a contribué à l'émergence artistes exceptionnels, dont chacun a travaillé à sa manière.

Le premier maître de la gravure originale, considéré comme son fondateur, fut l'artiste Hishikawa Moronobu, qui commença sa vie créativeà partir de graphiques de livres. Il fut le premier à laisser son nom sur les gravures qu'il créa, et c'est son travail qui détermina le style des premières gravures japonaises. Choisissant des sujets simples et intelligibles, l'artiste avec précision calligraphique des traits et concision moyens expressifs peint des scènes de genre de la vie quotidienne d'une ville japonaise et de ses habitants.

Le nom de Hishikawa Moronbu est également associé à l’émergence d’un mouvement qui glorifie la beauté féminine. Ces œuvres sont concentrées dans l’album du maître « Cent images de femmes de ce monde mortel » et constituent une sorte d’hymne au culte de la beauté féminine.

L'œuvre de Suzuki Harunobu

Au milieu du XVIIIe siècle, la gravure en couleur est apparue au Japon et le premier maître à créer dans le genre de la gravure multicolore fut Suzuki Harunobu. Initialement, certaines œuvres de gravure ont commencé à être peintes manuellement avec un pinceau pour introduire une variété de couleurs, puis il apparaît nouvelle technologie impression bicolore, qui utilisait deux couleurs : vert et rose.

Utilisant de nouvelles techniques de gravure sur bois polychrome, Suzuki Harunobu a introduit diverses nuances de couleurs dans la gravure, élargi le thème du genre et rempli monde de l'art Estampes japonaises avec la plus large gamme de sentiments et d'expériences humaines. Pour l’éclat des couleurs, la précision des nuances et des tons, les gravures de Suzuki Harunobu ont reçu le nom de « tableaux de brocart ».
A chaque étape de son développement historique, les estampes japonaises ont acquis de nouvelles caractéristiques dans l'évolution du monde qui les entoure. L'émergence et l'établissement du paysage en tant que variété de genre indépendante dans la gravure japonaise sont associés à la pénétration des méthodes européennes de création de perspective linéaire et d'utilisation des jeux d'ombre et de lumière. La fusion des techniques de peinture européennes avec la vision japonaise du monde a contribué à l'émergence d'un nouveau concept de dessin de paysage.

L'œuvre de Katsushika Hokusai

Un vrai maître L'espèce de gravures paysagères était Katsushika Hokusai, qui a laissé un énorme héritage sous la forme de plus de trente mille gravures et dessins, parmi lesquels l'une des séries les plus célèbres « 36 vues du Fuji » était Le point le plus élevé compétence créatrice de l'artiste. L'ensemble de la série, composée de 46 feuilles, est dédiée au symbole sacré national des Japonais - le mont Fuji, à sa grandeur et à son importance dans la vie de la société japonaise.

Dans la série de paysages de Katsushika Hokusai, la nature, d'un sens philosophique, est un participant indépendant et à part entière à l'intrigue. Capturant des images bien connues de la nature dans ses œuvres, l'artiste utilise le motif Fuji comme symbole immuable de la beauté, de la grandeur et de l'immuabilité du monde qui l'entoure.
Pendant la période de découverte par les Européens espace culturel Au Pays du Soleil Levant, les estampes japonaises, ainsi que d'autres formes d'art décoratif et appliqué, prennent toute leur place dans les expositions mondiales d'art organisées en Europe à la fin du XIXe siècle, puis dans les collections de collectionneurs de renommée mondiale. .

Encore une fois, pas sur tout à la fois, mais spécifiquement sur les gravures ukiyo-e. Beau mot, et qu'est-ce que cela veut dire? Nous lisons des sites spéciaux. Par exemple, Encyclopédie du Japon de A à Z
- et on découvre que :

Technique de gravure sur bois, ou impression à partir de planches de bois, est apparu au Japon à l'époque Heian (794−1185) avec l'avènement du bouddhisme. Début du 17ème siècle caractérisé par l'apparition de livres illustrés gravés sur bois publiés en éditions de masse. Dans ces éditions, les textes et les illustrations étaient imprimés en noir.

Les premières gravures de chevalet étaient également en noir et blanc, puis elles commencèrent à être légèrement teintées à la main avec du cinabre (tan-e), plus tard les gravures furent teintées avec de la peinture rouge foncé (beni-e) ou ombragées avec une épaisse peinture noire, ce qui créa l'effet d'être recouvert de vernis noir (urusi-e).

Les premières estampes utilisant le rouge (benizuri-e) sont apparues au milieu du XVIIIe siècle. Peu à peu, le nombre de planches pour l'impression couleur augmenta et en 1765 apparurent les premières gravures multicolores, appelées « peintures de brocart » (nishiki-e).

Ukiyo-e(qui traduit littéralement du japonais signifie « images du monde des mortels ») incarne la contemplation philosophique et la plénitude émotionnelle de l'admiration de la plénitude de l'existence mortelle.

Techniquement, l’art de l’ukiyo-e est un processus complexe qui nécessite le plus grand professionnalisme à toutes les étapes d’exécution. Le résultat final du travail dépendait non seulement de l'habileté des artistes qui dessinaient les croquis, mais aussi des compétences virtuoses des graveurs et des imprimeurs. Pour créer une image multicolore, il fallait graver de deux à trois à huit planches. L'impression a été réalisée à la main, ce qui a permis de créer un effet tramé pittoresque. Les planches étaient peintes à la main, polies et soufflées avec de la poudre d'or ou d'argent.

Les imprimés japonais sont devenus synonymes de sophistication et de bon goût. DANS fin XIX Pendant des siècles, les estampes ukiyo-e ont gagné en popularité dans le monde entier ; elles ont été collectionnées par Whistler, Manet, Degas, Goncourt et Zola. À Saint-Pétersbourg, la première exposition d'estampes ukiyo-e a eu lieu en 1898. De riches collections de ces estampes existent à l'Ermitage et à la Kunstkamera.

Le mot « ukiyo » dans les temps anciens désignait l’une des catégories bouddhistes et pouvait être traduit par « le monde mortel et changeant ». A la fin du XVIIe siècle. Ukiyo a commencé à signifier le monde des joies et des plaisirs terrestres. Les Ukiyo-e sont des images de la vie quotidienne de la classe urbaine de la période Edo.

Originaire du 17ème siècle. Dans un tiers-état en pleine croissance, moins contraint par les canons que la peinture, la gravure était la forme d'art la plus répandue et la plus accessible aux citadins. Les thèmes des estampes ukiyo-e étaient souvent les intrigues d'histoires de genre de l'ukiyo-zoshi, des pièces de théâtre du théâtre Kabuki, classiques et poésie moderne.
Le processus de création d’estampes ukiyo-e impliquait un artiste, un sculpteur et un imprimeur. Rôle important joué par l'éditeur, qui étudiait la demande et déterminait la diffusion. C'est souvent lui qui fixe le thème de la gravure et influence la nature de la publication.

Le processus de création de la gravure ressemblait à ceci. Artiste a fait dessin de contour encre sur papier fin et transparent. Graveur Après avoir collé le dessin face cachée sur une planche de cerisier, de poirier ou de buis, j'ai découpé la première forme imprimée. Puis plusieurs tirages en noir et blanc ont été réalisés, sur lesquels l'artiste a désigné les couleurs souhaitées. Coupeur produisait le nombre requis (parfois plus de trente) de formes d'impression, dont chacune correspondait à une couleur ou à un ton. Imprimante, après avoir discuté avec artiste Schéma de couleur, appliqué de la peinture végétale ou minérale et imprimé la gravure à la main sur du papier de riz humide.

La méthode de travail collective de l'artiste, du sculpteur et de l'imprimeur, la spécialisation étroite des artisans et l'organisation en guilde du processus ont déterminé l'originalité des gravures sur bois japonaises.

Le fondateur de la direction est considéré Moronobu Hishikawa, Kichibe (vers 1618 - vers 1694 ; selon d'autres sources 1625 - vers 1694, 1638−1714), peintre et graphiste japonais. A vécu à Edo. Même les plus grands représentants de l'ukiyo-e étaient Katsushika Hokusai, qui est également connu comme le fondateur du genre paysage dans les estampes japonaises, Andō Hiroshige(1797−1858) - l'un des plus grands graphistes japonais.
Hiroshige Né à Edo dans la famille d'un petit samouraï, Ando Genemon. Grâce à sa formation précoce en écriture hiéroglyphique, Tokutaro (le premier nom d'enfance de l'artiste) avait également une bonne compréhension des propriétés du papier, du pinceau et de l'encre, les principaux matériaux de la peinture orientale.

Le premier tableau conservé jusqu'à nos jours, « Le Mont Fuji dans la neige » (Musée Suntory, Tokyo), a été peint par l'artiste à l'âge de dix ans. Il avait quatorze ans lorsqu'il est devenu apprenti Toyohiro, fondateur de l'école Utagawa. Basé sur les premiers travaux de Hiroshige - événements réels, scènes repérées dans les rues.

La deuxième étape de la créativité est marquée par l'apparition des gravures paysagères. La première série, « Huit vues d'Omi », publiée en 1825, consacrée à la beauté du lac Biwa, situé dans la province d'Omi, a été représentée par Hiroshige sans quitter Edo. La série suivante, « Dix vues de la capitale orientale », publiée deux ans plus tard, est consacrée à ville natale artiste - Edo.

L’artiste concentre alors entièrement son attention sur les paysages et les séries du genre katega (« fleurs et oiseaux »). L'une des plus célèbres est la feuille « Moineaux sur un camélia enneigé » issue d'une série de 25 gravures.

En août 1832, l'artiste parcourut toute la route côtière orientale - Tokaido. Le résultat de ce voyage fut une grande série de gravures de paysages qu'il publia, « Les cinquante-trois stations de la route du Tokaido », qui marquèrent le début de l'épanouissement de son œuvre.
La prochaine période de créativité Hiroshige diffère à bien des égards du précédent. Il change souvent de lieu de résidence, effectue des voyages répétés et assez longs à travers le pays, mais en même temps ne crée pas du tout de grandes séries paysagères. La plupart Il consacre son temps à illustrer des livres avec des poèmes satiriques.

DANS la dernière décennie Tout au long de sa vie, l'artiste ne s'est pas séparé de ses thèmes favoris des paysages du Tokaido et d'Edo, les représentant dans des gravures individuelles, des éventails et des livres. Hiroshige crée la série « Trente-six vues du Mont Fuji ». Au cours de ces mêmes années, l'artiste s'est tourné vers la représentation de rochers bizarres, de grottes, de cascades, de gorges et de passages au-dessus d'eux. Hiroshige a donné à sa dernière série de paysages, composée de trois triptyques, le vieux titre poétique « Neige, Lune, Fleurs ». Au cours des trois dernières années de la vie d'Hiroshige, des gravures de lui-même furent progressivement publiées. grande série- "Cent vues d'Edo."

Paysages Hiroshige avec des œuvres Hokusai fait une gravure ukiyo-e forme d'art phare de la première moitié du XIXe siècle.

De nombreuses œuvres de Hiroshige et Hokusai, ainsi que d'autres auteurs divers, peuvent être consultées sur le site Ukiyoe Japanese Prints. Mais attention, il existe 9 galeries de peintures de 500 chacune. Vous pouvez rester longtemps !

Le Japon est témoin depuis un siècle des aventures aventureuses de l’art contemporain. Cependant, avant que le pays ne commence à s'ouvrir aux étrangers, tout esprit créatif semble avoir quitté l'art de la peinture, qui s'est transformé en artisanat. Seuls quelques chefs-d’œuvre de la peinture ont conservé quelque chose de vivant et d’humain.

Même à cette époque, il y avait un déclin évident de la peinture de « genre » narrative et édifiante, connue sous le nom de ukiyo-e- « image du monde des mortels » ; Cette tendance de l’art populaire trouve son expression tant dans la peinture que dans le graphisme. Ce genre cherchait à préserver les traditions de la peinture purement japonaise ( Yamato-e) et commença bientôt à supplanter la peinture aristocratique de l'école Tosa, soutenue par la cour, ainsi que la peinture « en style chinois"École de Kano, qui bénéficiait du patronage des samouraïs. La peinture Ukiyo-e était réalisée sur du papier fin et poreux ou sur de la soie, généralement plus grossière que la soie de l'époque. peinture classique, qui a permis de créer un certain relief de surface à l'aide de peintures. Cette dernière constitue l’essentiel de la recherche picturale, tant par rapport aux effets de perspective que de volume. Le trait démontre la souplesse du pinceau et confère aux silhouettes un caractère naturel et vivant. L'Ukiyo-e semble trouver ses origines dans l'école Kano de Kyoto : c'est elle qui a mis la peinture à la mode à la fin du XVIe siècle. écran, où se jouaient des scènes de la vie quotidienne et des festivals de Kyoto. Œuvres d'Iwasa Matabei (1578-1650), inspirées par peinture de genre, créer le deuxième volet de cette école. Les débuts de la peinture ukiyo-e sont marqués par les activités de quatre artistes de l'école Kano. Deux d’entre eux ne se sont jamais tournés vers l’estampe : Miyagawa Chosun (1683-1753) et Nishikawa Sukenobu (1671-1751), qui travailla principalement comme illustrateur. Son style raffiné et évolutif se manifeste d'abord dans le genre du portrait (d'une beauté). Deux autres artistes, Hishikawa Moronobu (1618-1694) et Okumura Masanobu (1686-1764), sont, comme nous le verrons, principalement connus comme créateurs de dessins de gravures.

Aux yeux des Japonais du XIXe siècle, la gravure n’était pas une forme d’art importante. C’est en France que les estampes du genre ukiyo-e ont acquis une popularité incroyable après que Félix Braquemont ait montré à Edgar Degas une œuvre de Hokusai en 1856. En 1868, Manet, influencé par la peinture japonaise, peint un portrait d'Émile Zola ; en 1876, Monet peint des filles en kimonos sur un panneau décoratif ; Van Gogh, enfin, était extrêmement passionné par cet art jusqu'alors inconnu et utilisait des modèles japonais.

Gravure (hanga), qui permet de reproduire une œuvre à partir de la première feuille, est un « moyen médias de masse", et son développement, à partir du milieu du XVIIe siècle, coïncide exactement avec le développement des villes d'où il est originaire nouvelle forme civilisation. Bien entendu, la méthode elle-même était d'origine chinoise et était connue depuis longtemps : à Shosoin, il existe une tablette sculptée au VIIe siècle, destinée à appliquer des motifs sur du tissu. En 764, l'impératrice Koken (749-759) ordonna de sculpter des plaques de bois et de cuivre pour reproduire des prières et des images bouddhistes. Elle a fait don de ces planches sculptées aux temples de Nara. Ce méthode efficace a continué à être utilisé, mais uniquement à des fins religieuses. Les nobles pour lesquels l'art a été créé pouvaient très bien payer les artistes et les illustrateurs de rouleaux ; en même temps, ils valorisaient la qualité des matériaux au même titre que la créativité et méprisaient le bon marché des gravures. La situation changea lorsque les marchands et les artisans, devenus riches, formèrent une classe moyenne, trop pauvre pour acheter des œuvres d'art coûteuses, mais suffisamment riche pour avoir envie d'un certain luxe. Ce sont eux qui ont constitué un véritable marché de l’art pour leurs propres intérêts. C’est alors que l’artiste d’Edo Hishikawa Moronobu (1618-1694) imagine idée originale- reproduire, par gravure, des dessins dont les sujets sont tirés du vivant, ce qui était inhérent à la manière traditionnelle de l'art japonais ( Yamato-e). Il a esquissé ses dessins dans le célèbre quartier du plaisir de Yoshiwara : images de geishas chères, de compagnies de divertissement loin de la vertu, d'acteurs du théâtre kabuki naissant - découpées au fil de fer sur des planches de bois tendre. Les citadins aimaient ces images, ces scènes de genre ont commencé à s'appeler ukiyo-e-ryu, Concept bouddhiste du « monde périssable » ( ukiyo-e) était alors souvent appliqué aux lieux de réunion et aux divertissements ; donc, l'image du monde des mortels - ukiyo-e. Les sujets se multiplièrent, les artistes commencèrent à reproduire des fleurs, des oiseaux et tous les motifs décoratifs qui plaisaient aux clients. Si Moronobu, malgré son influence, n'a pas eu d'élèves directs, il en va tout autrement de son disciple Torii Kiyonobu (1664-1729), dont l'école, spécialisée dans la représentation d'acteurs et de jeunes beautés, est encore florissante aujourd'hui.

Les premières gravures étaient présentées au public sous forme de feuilles et de livres séparés, qui à l'époque Moronobu étaient réalisés en pliant des feuilles de papier doubles. La gravure japonaise nécessitait la collaboration de trois artistes ou artisans : le peintre, le graveur et l'imprimeur. Les premiers tirages ont été réalisés en noir et blanc ( sumi-e ou sumi zuri-e) combinaison; le plomb rouge était parfois utilisé ( tan-e); mais depuis 1720, grâce à quelques améliorations, des nuances variées et riches ont été utilisées : le rouge pourpre ( beni-e) ont remplacé la mine de plomb, ont également utilisé des couleurs jaune, violet et vert, ils ont commencé à ajouter de la colle à l'encre de Chine (cette innovation était due à Okumara Masanobu (1686-1764), qui a permis de donner plus de profondeur et de volume à la couleur noire qui délimite l'image. La surface brillante ressemblait à des vernis ( urushi-e).

Les premières gravures, dont les couleurs étaient fixées au pinceau directement sur la tablette, tentaient d'imiter soigneusement un tableau. Tout a changé depuis 1743, lorsque la pratique bene zuri-e qui a utilisé techniciens chinois Les gravures sur bois ont fourni à l'ukiyo-e une indépendance de style et de texture. Désormais, obtenue par roulage et impressions successives, rendues possibles grâce à la technique du marquage, la gravure atteint en vingt ans un tel luxe de couleur qu'on la compare au brocart ( nishiki-e) : dix couleurs primaires ont permis d'obtenir des nuances et des demi-teintes riches. L'œuvre du célèbre Suzuki Harunobu (1725-1770) ), qui perpétuait l'attractivité fragile des beautés ( bidzin) de son époque, est devenu l'apogée de l'épanouissement de cet art joyeux de la gravure, le sujet - souvenirs d'heures agréables passées en agréable compagnie. Katsukawa Shunsou (1726-1792) ) et Ippitsusai Buncho (1725-1794 ), imité la technique de Harunobu, travaillant dans le même sens (butaï ogi), crée en 1770 un genre qui devient vite très populaire : les portraits d'acteurs ( nigao-e). De nouveaux changements furent apportés plus tard par Kitagawa Utamaro (1753-1806). ): lui, ayant refusé portrait classique en pleine hauteur, attachait une importance exceptionnelle à l'image du visage. Sa découverte fut immédiatement empruntée par Chosusai Sharaku (actif de 1794 à 1795) et l'utilisa pour représenter des acteurs de théâtre masculins. Même si l’art des portraitistes atteint à cette époque son apogée, il commence progressivement à disparaître. Quant à l’ukiyo-e, le genre lui-même était destiné à connaître un nouvel essor. La mode s'est répandue à nouveau, en grande partie grâce aux romans. Ils étaient censés être illustrés, donc il y a un intérêt à trouver de nouveaux sujets. N'importe quel phénomène pouvait devenir un sujet de gravure, donc au Japon, on pourrait sans aucun doute être d'accord avec la pensée de Sébastien Mercier. En même temps, il constate avec agacement dans ses « Tableaux parisiens » : « ... il y a aujourd'hui un ridicule abus de la gravure » (cité de : Adhemar J. Gravure originale du 18ème siècle). Cependant, parmi cette production qui s’avère vite banale, deux points lumineux apparaissent : les paysages de Katsushika Hokusai (1760-1849) et d’Ando Hiroshige (1797-1858). Les mérites d’Hokusai incluent le fait qu’il a pu libérer la gravure de la représentation des rues étroites de la ville et de ses habitants, ouvrant ainsi des horizons beaucoup plus larges. L'inspiration lui vint (curieusement) en 1798 à la vue d'un paysage gravé sur cuivre par un artiste hollandais. Les « Trente-six vues du mont Fuji » d'Hiroshige et plus tard « Les cinquante-trois stations du Tokaido » (1833) représentent le summum de la gravure japonaise. L'audace et la nervosité des lignes, une frénésie mesurée de couleurs, toujours coordonné aux contrastes colorés de la nature, chantait des milliers de vues sur la mer et les brouillards, la douceur zones rurales et la régularité géométrique de la beauté du Mont Fuji. Ce style, bientôt porté à la perfection, s'étouffe et perd de son éclat aussi vite qu'il s'épanouit. AVEC milieu du 19ème des siècles, des tirages trop importants d'une seule planche, une baisse générale du goût et de la qualité, ont fait de la gravure une simple « oléographie ». C'est paradoxal, mais exactement ceux-là les œuvres médiocres et maniérées arrivées accidentellement en Occident ont eu une énorme influence sur l'impressionnisme et sur tout l'art moderne.

L'histoire de la gravure sur cuivre, qui glorifiait le talent d'Hokusai, est plus ancienne. Les gravures sur cuivre furent peu utilisées à l’époque de Nara pour les besoins de la foi bouddhiste, puis disparurent complètement jusqu’au XVIe siècle. Les missionnaires chrétiens, qui prêchaient l'Évangile au Japon à cette époque, apportaient avec eux un nombre relativement important de planches représentant des sujets pieux, tout comme le faisaient les prédicateurs bouddhistes au VIIIe siècle. En 1590, une presse fut importée d'Europe, permettant aux missionnaires de Kyushu d'imprimer à partir de planches et d'enseigner la technique de la gravure. La gravure de style occidental fut balayée par la même tempête qui frappa le christianisme, et l'attention ne fut à nouveau attirée sur elle que vers la fin de l'époque d'Edo, à une époque où l'intérêt pour les sciences « hollandaises » commençait à réapparaître. Shiba Kokan (1738-1818) apprit la technique de l'aquaforte auprès des Néerlandais et l'utilisa avec succès. C'est précisément à ce moment-là qu'une nouvelle tendance est apparue, et depuis lors, la mode a exigé que les couvertures des livres traduits d'autres langues soient décorées de gravures ; le style de ces estampes (just return) s'inspire largement de l'œuvre d'Hokusai.

Ainsi, la gravure, genre populaire initialement tourné vers l'anecdote, a représenté l'une des dernières ascensions (même si elle s'est avérée courte) de l'art japonais, avant de commencer à s'opposer nettement aux œuvres occidentales, messagères d'une mentalité différente, en utilisant différentes méthodes et différents matériaux.

La gravure ne constitue qu'une forme d'expression mineure et, coupée de ses racines extrême-orientales, devient incompréhensible. Sa qualité repose avant tout sur la qualité du trait ; la gravure ne permet pas les maladresses et les erreurs. Cette caractéristique s'avère totalement exclusive à tout l'art des pays qui utilisent les hiéroglyphes : le pinceau est habilement trempé dans l'encre et, selon l'effet que l'artiste souhaite obtenir, se déplace de manière rythmée, douce et puissante, mais il ne peut ni s'arrêter. ni retour. À moins que la créativité soit entièrement laissée au hasard, l'artiste ou le calligraphe doit avoir une idée mentale très précise du but qu'il vise, et posséder une dextérité pratique suffisante pour faire obéir sa main aux ordres de l'esprit. Le succès n'a été possible que grâce à une formation constante dès l'enfance, une longue expérience acquise au fil du temps et le fait qu'une personne de manière désintéressée, sans rêver de gloire, reproduisait d'innombrables exemples - ceux présentés dans des cahiers destinés à apprendre à partir de modèles créés par des artistes ou simplement trouvé dans la nature elle-même et dans le monde environnant.

Katsushika Hokusai. Pont Tenmabachi dans la province de Settsu. De la série "Vues exceptionnelles des ponts illustres des provinces", entre 1824 et 1834

La technique de la gravure sur bois est connue au Japon depuis l'Antiquité. Il est venu de Chine via la Corée avec le bouddhisme au début histoire du Japon. Mais les gravures sur bois ont atteint leur apogée artistique aux XVIIIe et XIXe siècles. Les estampes Ukiyo-e constituent le principal type de gravure sur bois au Japon. Le fondateur de l'ukiyo-e est considéré comme le peintre et graphiste japonais Hishikawa Moronobu.

Initialement, les gravures étaient en noir et blanc - seule l'encre était utilisée à partir du début du XVIIIe siècle, certaines œuvres étaient ensuite coloriées à la main au pinceau ; Au XVIIIe siècle, Suzuki Harunobu a introduit des techniques d'impression multicolores pour produire des nishiki-e (« images en brocart »). Parmi les artistes célèbres de cette période figurent Utamaro, Hokusai, Hiroshige et Toshusai Sharaku. En étudiant l'art européen, les artistes japonais ont adopté la technique de représentation de la perspective dans le dessin, ainsi que le paysage et d'autres genres également développés dans la gravure. Hokusai a représenté principalement des paysages et la nature dans ses estampes. En 1831, son célèbre recueil « Trente-six vues du mont Fuji (Hokusai) » est publié. Presque chacune des estampes se distingue par une haute qualité artistique et un savoir-faire professionnel, grâce auxquels la gravure japonaise est devenue un phénomène important non seulement au niveau national, mais aussi dans le monde entier. culture artistique. Les tirages Ukiyo-e étaient abordables en raison de leur capacité à être produits en masse. Ils étaient principalement destinés aux citadins qui n’avaient pas les moyens de dépenser de l’argent en peintures.

Un artiste japonais connu sous le nom de Segawa 37 a modernisé les gravures anciennes en animant des gravures sur bois japonaises classiques à l'aide de progiciels. Adobe Photoshop Et Effets secondaires. Des images statiques transformées en GIF animés, et des éléments de science-fiction et de technologie moderne y ont également été introduits - un Segway, un train à grande vitesse ou un extraterrestre vaisseau spatial. Les images animées de l'artiste participent au concours GIFs - Award of GIF Creator 2015, soutenu par Adobe.

2. En Segway le long de la route Tokaido entre Edo et Kyoto en passant par la gare Fukuroi 27

Une gravure de la série « 53 stations du Tokaido » d'Utagawa Hiroshige, peinte après un voyage en 1832 le long de la route du Tokaido entre Edo et Kyoto.

Le Tokaido était l’une des cinq routes qui reliaient Edo aux autres régions du Japon. Le Tokaido longeait la côte est de Honshu, d’où son nom de « route côtière orientale ». Le long de celle-ci se trouvaient 53 postes postaux, où les voyageurs se voyaient offrir un hébergement, de la nourriture et des écuries. En 1832, Hiroshige traverse le Tokaido au sein d'une délégation officielle transportant des chevaux pour la cour impériale. Les chevaux étaient un cadeau symbolique du shogun, présenté chaque année à l'empereur en reconnaissance de son statut divin.

Les paysages du voyage ont fait une telle impression sur l'artiste qu'il a réalisé de nombreux croquis, tant pendant le trajet d'Edo à Kyoto qu'au retour. De retour chez lui, il commence immédiatement à travailler sur les premières gravures. Les premiers ouvrages de la série « 53 Stations Tokaido » ont été publiés simultanément par les maisons d'édition Hoeido et Senkakudo. Les gravures se vendaient entre 12 et 16 pièces de cuivre chacune, ce qui équivalait à une paire de sandales en paille ou à un bol de soupe. L'énorme succès de cette série a fait de Hiroshige l'un des maîtres de la gravure les plus importants et reconnus de la période Tokugawa Ieyasu.

Dans l’animation, un voyageur en Segway passe le long de la route.

3. Ombres du soir Edo

Le thème de la ville d’Edo (Tokyo) était l’un des plus appréciés de l’artiste qui y est né. Au total, tout au long de sa vie, il a créé environ 1080 feuilles où figurait ce chapiteau. Dans cette série, il a non seulement mis en valeur la beauté d’Edo, mais a également inclus des références à l’histoire, aux coutumes et aux légendes. Le thème des gravures n'était pas le plus Lieux célèbres les villes, et celles qui intéressaient le maître par leur pittoresque.

Dans le genre ukiyo-e, il n'est généralement pas habituel de représenter des ombres, mais dans cette estampe, elles sont dessinées avec audace et abondamment par l'artiste, ce qui est encore plus souligné dans l'animation.

4. Au Théâtre Moritaza Kabuki

Moritaza est l'un des trois gros Théâtres Kabuki à Edo.

Au fil des années de son travail, Utagawa Kunisada a créé de 20 à 25 000 « intrigues ». La plus grande attention Utagawa s'est concentré sur les images liées au théâtre kabuki et aux acteurs qui y jouent. Ce genre représente environ 60 % de l'œuvre de Kunisada.

5. Monter et descendre de grosses vagues à Kanagawa

La Grande Vague au large de Kanagawa est l'œuvre la plus célèbre de Katsushika Hokusai. Des copies de la gravure sont exposées au Metropolitan Museum of Art de New York, au British Museum de Londres et une autre dans la maison de Claude Monet à Giverny, en France. La gravure montre énorme vague surplombant un bateau près de la préfecture de Kanagawa. Le mont Fuji est visible au loin et constitue l’arrière-plan de l’action principale de l’image.

6. Matin enneigé sur la rivière Koishikawa : un MiG-29 abattu provoque une grande vague à Kanagawa

Gravure issue de la série « Trente-six vues du Mont Fuji » de Katsushika Hokusai.

N°11. Matin enneigé sur la rivière Koishikawa

Voici une photo d'une petite rivière avec de nombreuses petites pierres. Par conséquent, la zone proche de cette rivière a commencé à être appelée Koishikawa (« koishi » est une petite pierre, « kawa » est une rivière). Ancienne rivière Koishikawa est la zone générale allant du pont Suidohashi à la région du mont Hakusan, comme indiqué dans les « Images rassemblées des monuments d'Edo », tout en traversant une vaste zone, depuis la région d'Otowa, la colline Sekiguchi atteint la gare de Zoshigaya. Hokusai représente une rare chute de neige à Edo. Dans le coin gauche de la gravure il placera un restaurant « ryotei », qui surplombe Fuji. Les visiteurs sont susceptibles de boire du yukimishu (saké pour profiter de la neige) et d'admirer la vue sur le mont Fuji. C'est peut-être un moment de « yukimi » (admirer la neige).

Dans l'animation, un visiteur du restaurant abat un MiG-29 avec un faisceau laser qui, en tombant dans la rivière, provoque Grosse vague à Kanagawa.

7. Sur un bateau de pêche le long de la rivière Tama jusqu'à Bushu

Gravure issue de la série « Trente-six vues du Mont Fuji » de Katsushika Hokusai.

La « rivière Tama à Bushu », ou « rivière Tamagawa », est l'une des « six rivières de Tamagawa » et est depuis longtemps un motif préféré des artistes ukiyo-e. Au premier plan, le spectateur voit un homme avec un cheval chargé, errant seul le long du rivage. Un bateau de pêche, traversant les vagues perpendiculairement à la diagonale du rivage, renforce l'impression d'espace qui s'éloigne. La palette de couleurs de la feuille contribue au sentiment d’intégrité et d’exhaustivité de la composition. Trois accents de couleurs principales - le bois, le Fuji et une bande bleu foncé en forme de carillon sur le bord supérieur de la gravure - renforcent l'impression d'harmonie et d'équilibre dans le système de l'univers.

8. Vent fort dans la baie d'Ejiri, province de Sunshu

Gravure issue de la série « Trente-six vues du Mont Fuji » de Katsushika Hokusai.

A la gare d'Ejiri le long de l'autoroute du Tokaido, non loin du port d'Aomizuko, dans le secteur de la route menant à ce port, se trouvait le célèbre lac Ubakeike. Il s'agit probablement de celui qui apparaît en blanc sur le côté droit de la gravure. Au détour du chemin, vous apercevrez une petite chapelle. Selon la légende existante, un « esprit maléfique féminin », un fantôme, vit ici. On dit que si un voyageur appelle « Nya-nya ! », de l'écume montera du fond du lac. Mais Hokusai s'intéressait surtout à l'état, à l'ambiance de la nature, et la feuille, à cet égard, est la plus intéressante. L'artiste représente une rafale de vent qui a plié un arbre et emmêlé les vêtements des voyageurs marchant le long d'une route sinueuse. Des feuilles de papier blanches, arrachées des mains par un coup de vent, s'envolaient dans le ciel comme une volée d'oiseaux. Il semble que tout ce qui nous entoure soit impliqué dans ce cycle. Seul le contour net du Fuji, dessiné d'un trait précis, reste immobile et souligne encore le mouvement dynamique du premier plan.

9. Feux d'artifice à Ryogoku

L'artiste est surtout connu pour ses gravures de la banlieue de Tokyo, qui représentent la formation du nouveau Japon de l'ère Meiji. Il est considéré comme le dernier maître de la peinture traditionnelle ukiyo-e. Plusieurs de ses ouvrages sont consacrés à la guerre sino-japonaise de 1894-1895 et à la guerre russo-japonaise de 1904-1905.

10. Les cerfs-volants volent plus haut que le mont Fuji

Gravure issue de la série « Trente-six vues du Mont Fuji » de Katsushika Hokusai.

Deux cerfs-volants avec des lettres de vœux de bonheur « kotobuki » s'élèvent dans le ciel, ils s'élèvent encore plus haut que Fuji. On le voit entre deux toits d'immeubles, comme s'il flanquait Fuji. Sur le grand et haut toit de droite, trois couvreurs accomplissent leur dangereux travail. Les panneaux du magasin de tissus à droite et du magasin de fils à gauche attirent l'attention : « Paiement en espèces. Yens sans demande." Hokusai représente les célèbres boutiques appartenant à Kotakoshi, un membre de la famille Mitsui. Ces magasins ont été ouverts en 1673 et étaient particulièrement populaires pendant la période Tokugawa. Selon les inscriptions sur la gravure, grâce aux méthodes commerciales qu'il a introduites : « espèces, vente, yen fixe », sa chaîne de magasins a prospéré. Il fut le premier à autoriser les samouraïs à payer en espèces (genkin-kakenashi) ; avant cela, il existait un système de crédit, ce qui signifie que les yens étaient émis « sur demande ». L'image du magasin Mitsui était sujet populaire parmi les artistes ukiyo-e.

Gravure issue de la série « Trente-six vues du Mont Fuji » de Katsushika Hokusai.

N°7. Sazae-do, l'un des 500 temples Rakkanji.

Il s'agit du plus grand des cinq temples d'Edo, construit au sud de la rivière Tategawa. Sazae-do a été construit en 1741 et était célèbre pour l'escalier construit séparément menant au sommet de la pagode à trois niveaux. La gravure représente à droite un homme et une femme qui, après avoir accompli un pèlerinage vers des lieux saints, tombèrent épuisés directement sur le sol de la galerie. En revanche, sur la gauche se trouve un moine bouddhiste au crâne rasé avec un furoshiki sur les épaules. Il pointe énergiquement du doigt Fuji. La gravure se distingue par une palette de couleurs richement développée. Utilisation magistrale des nuances de noir et de couleur bleue, formé selon la technique « itabokashi » - rouler pour transmettre le clair-obscur, donne à la feuille une couleur inoubliable et brillante.

Dans l'animation, un moine bouddhiste pointe du doigt un OVNI enlevant Fuji.

La publication utilise des articles de Wikipédia russe, anglais et japonais ; textes du livre : World Art. Katsushika Hokusai. Série de gravures « 36 vues du Fuji » et « 100 vues du Fuji ». - Saint-Pétersbourg, 2006.