La Cène où elle est suspendue. "La Cène" de Léonard de Vinci

Léonard de Vinci est la personnalité la plus mystérieuse et la moins étudiée des années passées. Certains lui attribuent un don de Dieu et le canonisent comme saint, tandis que d'autres, au contraire, le considèrent comme un athée qui a vendu son âme au diable. Mais le génie du grand Italien est indéniable, puisque tout ce que la main du grand peintre et ingénieur a jamais touché était instantanément rempli d'un sens caché. Aujourd'hui, nous parlerons de œuvre célèbre « Dernière Cène"et les nombreux secrets qu'il cache.

Localisation et histoire de la création :

Fresque célèbre situé dans l'église de Santa Maria delle Grazie, située sur la place du même nom à Milan. Ou plutôt sur un des murs du réfectoire. Selon les historiens, l'artiste a spécifiquement représenté sur la photo exactement la même table et les mêmes plats qui se trouvaient dans l'église à cette époque. Par cela, il a essayé de montrer que Jésus et Judas (le bien et le mal) sont beaucoup plus proches des gens qu'il n'y paraît.

Le peintre reçut la commande de peindre cette œuvre de son mécène, le duc de Milan Ludovico Sforza, en 1495. Le souverain était célèbre pour sa vie dissolue et jeunesseétait entouré de jeunes bacchantes. La situation n'a pas changé du tout, car le duc avait une épouse belle et modeste, Béatrice d'Este, qui aimait sincèrement son mari et, en raison de sa douceur, ne pouvait pas contredire son mode de vie. Il faut admettre que Ludovico Sforza vénérait sincèrement sa femme et lui était attaché à sa manière. Mais le duc dissolu n'a ressenti le véritable pouvoir de l'amour qu'au moment de la mort subite de sa femme. Le chagrin de l'homme était si grand qu'il n'a pas quitté sa chambre pendant 15 jours. Et quand il est sorti, la première chose qu'il a faite a été de commander une fresque à Léonard de Vinci, ce que sa défunte épouse avait demandé un jour, et a arrêté pour toujours tout divertissement à la cour.

Sur la photo, l'église de Santa Maria delle Grazie.

Les travaux furent achevés en 1498. Ses dimensions étaient de 880 sur 460 cm. De nombreux connaisseurs du travail de l'artiste ont convenu que "La Cène" peut être mieux vue si vous vous déplacez de 9 mètres sur le côté et montez de 3,5 mètres. De plus, il y a quelque chose à voir. Déjà du vivant de l'auteur, la fresque était considérée comme sa meilleur travail. Cependant, qualifier le tableau de fresque serait incorrect. Le fait est que Léonard de Vinci a écrit l'œuvre non pas sur du plâtre humide, mais sur du plâtre sec, afin de pouvoir l'éditer plusieurs fois. Pour ce faire, l’artiste a appliqué une épaisse couche de tempera à l’œuf sur le mur, qui n’a ensuite pas rendu service, commençant à s’effondrer à peine 20 ans après la peinture du tableau. Mais plus là-dessus plus tard.

La photo montre la Cène au réfectoire.

Idée de la pièce :

« La Cène » représente le dernier dîner de Pâques de Jésus-Christ avec ses disciples et apôtres, célébré à Jérusalem à la veille de son arrestation par les Romains. Selon les Écritures, Jésus a déclaré lors d'un repas qu'un des apôtres le trahirait. Léonard de Vinci a tenté de décrire la réaction de chacun des élèves à la phrase prophétique du Maître. Pour ce faire, il s'est promené dans la ville, a parlé avec des gens ordinaires, les a fait rire, les a bouleversés et les a encouragés. Et en même temps il observait les émotions sur leurs visages. Le but de l'auteur était de décrire le célèbre dîner d'un point de vue purement humain. C'est pourquoi il a représenté toutes les personnes présentes en rangée et n'a dessiné d'auréole au-dessus de la tête de personne (comme d'autres artistes aimaient le faire).

Sur la photo : esquisse de la Cène

1. Selon les historiens, Léonard de Vinci a eu le plus de mal à écrire deux personnages : Jésus et Judas. L'artiste a essayé d'en faire l'incarnation du bien et du mal, c'est pourquoi il n'a pas pu trouver de modèles appropriés pendant longtemps. Un jour, un Italien a vu chorale d'église un jeune chanteur - si spirituel et pur qu'il ne reste plus aucun doute : le voici - le prototype de Jésus pour sa « Cène ». Mais, malgré le fait que l'image du Maître ait été peinte, Léonard de Vinci l'a longtemps corrigée, la jugeant insuffisamment parfaite.

Le dernier personnage non écrit de l’image était Judas. L'artiste a passé des heures à errer dans les pires endroits, à la recherche d'un modèle à peindre parmi les personnes dégradées. Et maintenant, presque 3 ans plus tard, il a eu de la chance. Un type absolument dégénéré gisait dans un fossé, en état d'ébriété grave. L'artiste a ordonné qu'il soit amené à l'atelier. L’homme pouvait à peine se tenir debout et n’avait aucune idée de l’endroit où il se trouvait. Cependant, après que l'image de Judas ait été peinte, l'ivrogne s'est approché du tableau et a admis qu'il l'avait déjà vu auparavant. À la stupéfaction de l’auteur, l’homme a répondu qu’il y a trois ans, il était complètement différent, qu’il menait une vie correcte et qu’il chantait dans la chorale de l’église. C'est alors qu'un artiste l'a approché avec une proposition de peindre le Christ d'après lui. Ainsi, selon les historiens, Jésus et Judas ont été copiés sur la même personne en différentes périodes sa vie. Cela souligne une fois de plus le fait que le bien et le mal sont si proches que parfois la frontière entre eux est imperceptible.

À propos, pendant qu'il travaillait, Léonard de Vinci était distrait par l'abbé du monastère, qui pressait constamment l'artiste et affirmait qu'il devait peindre un tableau pendant des jours et ne pas rester pensif devant lui. Un jour, le peintre n'a pas pu le supporter et a promis à l'abbé de lui radier Judas s'il ne cessait pas d'interférer dans le processus créatif.

La photo montre Jésus et Marie-Madeleine.

2. Le secret le plus discuté de la fresque est la figure d'un étudiant, située sur main droite du Christ. On pense qu'il ne s'agit que de Marie-Madeleine et sa localisation indique qu'elle n'était pas la maîtresse de Jésus, comme on le croit généralement, mais son épouse légale. Ce fait est confirmé par la lettre « M », formée par les contours des corps du couple. Apparemment, cela signifie le mot « Matrimonio », qui signifie « mariage ». Certains historiens contestent cette affirmation et insistent sur le fait que la signature de Léonard de Vinci – la lettre « V » – est visible sur le tableau. La première affirmation est étayée par la mention que Marie-Madeleine a lavé les pieds du Christ et les a séchés avec ses cheveux. Selon les traditions, seule une épouse légale pouvait le faire. De plus, on pense que la femme était enceinte au moment de l’exécution de son mari et qu’elle a ensuite donné naissance à une fille, Sarah, qui a marqué le début de la dynastie mérovingienne.

3. Certains chercheurs affirment que la disposition inhabituelle des étudiants sur la photo n’est pas fortuite. On dit que Léonard de Vinci plaçait les gens selon... les signes du zodiaque. Selon cette légende, Jésus était Capricorne et sa bien-aimée Marie-Madeleine était vierge.

Sur la photo, Marie-Madeleine

4. Il est impossible de ne pas mentionner le fait que lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale, un obus qui a touché le bâtiment de l'église a presque tout détruit sauf le mur sur lequel la fresque était représentée. Cependant, non seulement les gens eux-mêmes ne se sont pas occupés du travail, mais ils l'ont également traité d'une manière véritablement barbare. En 1500, une inondation dans l'église causa des dommages irréparables au tableau. Mais au lieu de restaurer le chef-d’œuvre, les moines firent en 1566 une porte dans le mur représentant la Cène, qui « coupait » les jambes des personnages. Un peu plus tard, les armoiries milanaises furent accrochées au-dessus de la tête du Sauveur. Et à la fin du XVIIe siècle, le réfectoire est transformé en écurie. La fresque déjà délabrée était recouverte de fumier, et les Français rivalisaient : qui frapperait la tête de l'un des apôtres avec une brique. Cependant, La Cène avait aussi des fans. Le roi de France François Ier fut tellement impressionné par l'œuvre qu'il réfléchit sérieusement à la manière de la transporter jusqu'à son domicile.

La photo montre la fresque de la Cène.

5. Non moins intéressantes sont les réflexions des historiens sur la nourriture représentée sur la table. Par exemple, près de Judas, Léonard de Vinci a représenté une salière renversée (qui a toujours été considérée comme mauvais présage), ainsi qu'une assiette vide. Mais le plus gros point de controverse reste le poisson sur la photo. Les contemporains ne peuvent toujours pas s'entendre sur ce qui est peint sur la fresque - un hareng ou une anguille. Les scientifiques estiment que cette ambiguïté n’est pas fortuite. L'artiste spécialement crypté dans le tableau sens caché. Le fait est qu'en italien « anguille » se prononce « aringa ». Nous ajoutons une lettre supplémentaire et nous obtenons un mot complètement différent - « aringa » (instruction). Dans le même temps, le mot « hareng » se prononce dans le nord de l'Italie comme « renga », ce qui signifie « celui qui nie la religion ». Pour l’artiste athée, la seconde interprétation est plus proche.

Comme vous pouvez le constater, dans une seule image se cachent de nombreux secrets et euphémismes que plus d’une génération a eu du mal à découvrir. Beaucoup d’entre eux resteront sans solution.

Dans l'un des coins tranquilles de Milan, perdue dans le lacis des rues étroites, se dresse l'église de Santa Maria della Grazie. A côté, dans un bâtiment de réfectoire discret, un chef-d'œuvre des chefs-d'œuvre, la fresque « La Cène » de Léonard de Vinci, vit et étonne les gens depuis plus de 500 ans.

La composition de « La Cène » de Léonard de Vinci a été commandée par le duc Lodovico Moro, qui dirigeait Milan à cette époque. L'intrigue de « La Cène » a été représentée par des peintres florentins avant Léonard, mais parmi eux, seules les œuvres de Giotto (ou de ses élèves) et deux fresques de Domenico Ghirlandaio peuvent être notées.

Pour sa fresque sur le mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie, de Vinci a choisi le moment où le Christ dit à ses disciples : « En vérité, je vous le dis, l'un de vous me trahira », et le souffle glacial de l'inévitable le destin a touché chacun des apôtres.

Après ces paroles, des sentiments variés se sont exprimés sur leurs visages : certains étaient étonnés, d'autres indignés, d'autres encore attristés.

Le jeune Philippe, prêt au sacrifice de soi, s'inclina devant le Christ, Jacob leva les mains dans un ahurissement tragique, était sur le point de se précipiter sur le traître, Pierre attrapa un couteau, la main droite de Judas serra une bourse avec des pièces d'argent fatales...

Pour la première fois en peinture, la gamme de sentiments la plus complexe trouve une réflexion aussi profonde et subtile. Tout dans cette fresque est réalisé avec une vérité et un soin incroyables, même les plis de la nappe recouvrant la table semblent réels.

Chez Léonard, tout comme chez Giotto, toutes les figures de la composition sont situées sur la même ligne : face au spectateur. Le Christ est représenté sans auréole, les apôtres sans leurs attributs qui les caractérisaient dans les peintures anciennes.

Ils expriment leur anxiété émotionnelle à travers leurs expressions faciales et leurs mouvements. « La Cène » est l’une des grandes créations de Léonard, dont le sort s’est avéré très tragique. Quiconque a vu cette fresque de nos jours éprouve un sentiment de chagrin indescriptible à la vue des terribles pertes que le temps inexorable et la barbarie humaine ont infligées au chef-d'œuvre.

En attendant, combien de temps, combien de travail inspiré et l'amour le plus ardent Léonard de Vinci a investi dans la création de son œuvre ! On dit qu'on le voyait souvent, abandonnant brusquement tout ce qu'il faisait, courant au milieu de la journée, dans la chaleur la plus intense, vers l'église Sainte-Marie pour tracer une seule ligne ou corriger les contours de la Cène.

Il était tellement passionné par son travail qu'il écrivait sans cesse, y restait assis du matin au soir, oubliant la nourriture et les boissons. Il arrivait cependant que pendant plusieurs jours il ne prenait pas du tout son pinceau, mais même ces jours-là il restait deux ou trois heures au réfectoire, se livrant à ses réflexions et examinant les figures déjà peintes.

Tout cela irritait grandement le prieur du monastère dominicain, à qui (comme l'écrit Vasari) « il semblait étrange que Léonard reste plongé dans la pensée et la contemplation pendant une bonne moitié de la journée.

Il voulait que l'artiste ne lâche pas ses pinceaux, tout comme on ne s'arrête pas de travailler dans le jardin. L'abbé se plaignit lui-même auprès du duc, mais celui-ci, après avoir écouté Léonard, déclara que l'artiste avait mille fois raison. Comme Léonard lui a expliqué, l'artiste crée d'abord dans son esprit et son imagination, puis capture sa créativité intérieure avec un pinceau.

Léonard a soigneusement choisi des modèles pour les images des apôtres. Il se rendait chaque jour dans ces quartiers de Milan où vivaient les couches inférieures de la société et même les criminels. Là, il cherchait un modèle pour le visage de Judas, qu'il considérait comme le plus grand scélérat du monde.

Toute la composition de « La Cène » est imprégnée du mouvement suscité par les paroles du Christ. Sur le mur, comme pour le surmonter, l'ancienne tragédie évangélique se déroule devant le spectateur. Le traître Judas est assis avec les autres apôtres, tandis que les maîtres anciens le représentaient assis séparément.

Mais Léonard de Vinci a fait ressortir son sombre isolement de manière beaucoup plus convaincante, enveloppant ses traits d'ombre. Jésus-Christ est le centre de toute la composition, de tout le tourbillon de passions qui font rage autour de lui. Le Christ de Léonard est un idéal la beauté humaine, rien ne trahit une divinité en lui. Son visage d'une tendresse indicible respire une profonde tristesse, il est grand et touchant, mais il reste humain. De la même manière, la peur, la surprise, l’horreur, vivement représentées par les gestes, les mouvements et les expressions faciales des apôtres, ne dépassent pas les sentiments humains ordinaires.

Cela a amené le chercheur français Charles Clément à s’interroger : « En exprimant parfaitement vrais sentiments, Léonard a-t-il donné à sa création toute la puissance qu'exige une telle intrigue ? Da Vinci n'était en aucun cas un chrétien ou un artiste religieux ; la pensée religieuse n'apparaît dans aucune de ses œuvres. Aucune confirmation de cela n'a été trouvée dans ses notes, où il notait systématiquement toutes ses pensées, même les plus secrètes.

Le Christ et les douze apôtres sont assis sur cette élévation, fermant les tables des moines par une quadrilatère et célébrant pour ainsi dire leur souper avec eux.

L'identité des apôtres a fait l'objet de controverses à plusieurs reprises, mais à en juger par les inscriptions sur une copie du tableau conservée à Lugano, de gauche à droite : Barthélemy, Jacques le Jeune, André, Judas, Pierre, Jean, Thomas, Jacques l'Ancien, Philippe, Matthieu, Thaddeus et Simon Zelot.

À partir du centre – Jésus-Christ – le mouvement s'étend en largeur sur les figures des apôtres, jusqu'à ce que, dans sa plus grande tension, il s'appuie sur les bords du réfectoire. Et puis notre regard se précipite à nouveau vers la figure solitaire du Sauveur. Sa tête est éclairée comme par la lumière naturelle du réfectoire.

La lumière et l'ombre, se dissolvant dans un mouvement insaisissable, confèrent au visage du Christ une spiritualité particulière. Mais lors de la création de sa « Cène », Léonard n'a pas pu dessiner le visage de Jésus-Christ. Il a soigneusement peint les visages de tous les apôtres, le paysage devant la fenêtre du réfectoire et les plats sur la table. Après de nombreuses recherches, j'ai écrit à Jude. Mais le visage du Sauveur est resté le seul inachevé sur cette fresque.

Il semblerait que « La Cène » aurait dû être soigneusement préservée, mais en réalité tout s'est passé différemment. Le grand Da Vinci lui-même en est en partie responsable. Lors de la création de la fresque, Léonard a utilisé une nouvelle méthode (il a lui-même inventé) pour apprêter le mur et nouvelle programmation des peintures Cela lui a permis de travailler lentement, par intermittence, en apportant de fréquentes modifications aux parties déjà écrites de l'œuvre.

Le résultat s'est d'abord avéré excellent, mais au bout de quelques années, des traces de destruction naissante sont apparues sur le tableau : des taches d'humidité sont apparues, la couche picturale a commencé à se décoller en petites feuilles. En 1500, trois ans après la rédaction de la Cène, l'eau inonda le réfectoire, touchant la fresque. Dix ans plus tard, une terrible peste frappa Milan et les frères monastiques oublièrent le trésor conservé dans leur monastère. En 1566, elle était déjà dans un état très pitoyable.

Les moines ont découpé une porte au milieu du tableau, qui servait à relier le réfectoire à la cuisine. Cette porte a détruit les jambes du Christ et de certains des apôtres, puis le tableau a été défiguré par un énorme emblème d'État, fixé au-dessus du tableau lui-même.

Plus tard, le tableau a été restauré à plusieurs reprises, mais pas toujours avec succès. Ce qui donne à La Cène son caractère unique est que, contrairement à d’autres tableaux du genre, il montre l’étonnante variété et la richesse des émotions des personnages provoquées par les paroles de Jésus selon lesquelles l’un de ses disciples le trahirait.

Aucune autre peinture de la Cène ne peut même se rapprocher de la composition unique et de l'attention portée aux détails du chef-d'œuvre de Léonard.

Alors, quels secrets pourrait-il chiffrer dans sa création ? Grand artiste? Dans La Découverte des Templiers, Clive Prince et Lynn Picknett soutiennent que plusieurs éléments de la structure de la Dernière Cène indiquent des symboles qui y sont cryptés.

Premièrement, ils croient que le personnage à la droite de Jésus (à gauche du spectateur) n’est pas Jean, mais une femme. Elle porte une robe dont la couleur contraste avec les vêtements du Christ, et elle est inclinée dans la direction opposée à celle de Jésus, assis au centre. L'espace entre ceci figure féminine et Jésus a la forme de la lettre V, et les figures elles-mêmes forment la lettre M.

Deuxièmement, sur la photo, à leur avis, à côté de Peter, une certaine main est visible, tenant un couteau. Prince et Picknett affirment que cette main n'appartient à aucun des personnages du film.

Troisièmement, assis directement à gauche de Jésus (à droite pour l'audience), Thomas, s'adressant au Christ, leva le doigt. Selon les auteurs, il s'agit d'un geste typique de Jean-Baptiste.

Et enfin, il existe une hypothèse selon laquelle l'apôtre Thaddée, assis dos au Christ, serait en réalité un autoportrait de Léonard lui-même.

La dernière restauration du tableau, récemment achevée, a permis d'en apprendre beaucoup sur lui. Mais la question des messages secrets et des symboles oubliés reste ouverte.

Quoi qu'il en soit, il reste encore beaucoup à faire à l'avenir pour percer ces mystères. J'aimerais comprendre au moins dans la plus petite mesure les plans du grand maître.

Dernière Cène. Pour de nombreux historiens et critiques d'art, la "Cène" de Léonard de Vinci est le plus grand travail art mondial. Dans The Da Vinci Code, Dan Brown attire l'attention des lecteurs sur certains des éléments symboliques de ce tableau au moment où Sophie Neveu, alors qu'elle se trouve dans la maison de Lee Teabing, apprend que Léonard a peut-être crypté un grand secret dans son chef-d'œuvre. « La Cène » est une fresque peinte sur le mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie à Milan. Même à l'époque de Léonard lui-même, il était considéré comme son meilleur et œuvre célèbre. La fresque a été réalisée entre 1495 et 1497, mais déjà au cours des vingt premières années de son existence, comme le montrent les preuves écrites de ces années, elle a commencé à se détériorer. Il mesure environ 15 pieds sur 29.

La fresque a été peinte avec une épaisse couche de tempera à l’œuf sur du plâtre sec. Sous la couche principale de peinture se trouve une esquisse de composition grossière, une étude en rouge, anticipant l’utilisation habituelle du carton. C'est une sorte d'outil de préparation. On sait que le client du tableau était le duc de Milan Lodovico Sforza, à la cour duquel Léonard s'est fait connaître en tant que grand peintre, et non les moines du monastère de Santa Maria della Grazie. Le thème du tableau est le moment où Jésus-Christ annonce à ses disciples que l'un d'eux va le trahir. Pacioli écrit à ce sujet dans le troisième chapitre de son livre « La Divine Proportion ». C'est ce moment - où le Christ annonce la trahison - que Léonard de Vinci a capturé. Pour obtenir précision et réalisme, il a étudié les poses et les expressions faciales de plusieurs de ses contemporains, qu'il a ensuite représentés dans le tableau. L'identité des apôtres a fait l'objet de controverses à plusieurs reprises, mais à en juger par les inscriptions sur une copie du tableau conservée à Lugano, ce sont (de gauche à droite) : Barthélemy, Jacques le Jeune, André, Judas, Pierre, Jean, Thomas, Jacques l'Ancien, Philippe, Matthieu, Thaddeus et Simon Zelotes. De nombreux historiens de l'art estiment que cette composition doit être perçue comme une interprétation iconographique de l'Eucharistie - communion, puisque Jésus-Christ montre des deux mains la table avec du vin et du pain. Presque tous les spécialistes de l'œuvre de Léonard conviennent que l'endroit idéal pour voir le tableau se situe à une hauteur d'environ 13 à 15 pieds au-dessus du sol et à une distance de 26 à 33 pieds de celui-ci. Il existe une opinion – aujourd’hui contestée – selon laquelle la composition et son système de perspective sont basés sur le canon musical des proportions. Ce qui donne à La Cène son caractère unique est que, contrairement à d’autres tableaux du genre, il montre l’étonnante variété et la richesse des émotions des personnages provoquées par les paroles de Jésus selon lesquelles l’un de ses disciples le trahirait. Aucune autre peinture de la Cène ne peut même se rapprocher de la composition unique et de l'attention portée aux détails du chef-d'œuvre de Léonard. Alors, quels secrets le grand artiste pourrait-il cacher dans sa création ? Dans La Découverte des Templiers, Clive Prince et Lynn Picknett soutiennent que plusieurs éléments de la structure de la Dernière Cène indiquent des symboles qui y sont cryptés. Premièrement, ils croient que le personnage à la droite de Jésus (à gauche du spectateur) n’est pas Jean, mais une femme.

Elle porte une robe dont la couleur contraste avec les vêtements du Christ, et elle est inclinée dans la direction opposée à celle de Jésus, assis au centre. L'espace entre cette figure féminine et Jésus a la forme d'un V, et les figures elles-mêmes forment un M.

Deuxièmement, sur la photo, à leur avis, à côté de Peter, une certaine main est visible, tenant un couteau. Prince et Picknett affirment que cette main n'appartient à aucun des personnages du film.

Troisièmement, assis directement à gauche de Jésus (à droite pour l'audience), Thomas, s'adressant au Christ, leva le doigt.

Et enfin, il existe une hypothèse selon laquelle l'apôtre Thaddée assis dos au Christ serait en réalité un autoportrait de Léonard lui-même.

Examinons chaque point dans l'ordre. En examinant de plus près le tableau, il s'avère que le personnage à droite de Jésus (pour le spectateur - à gauche) a en réalité des traits féminins ou féminins. Prince et Picknett assurent aux lecteurs que les seins d'une femme sont même visibles sous les plis des vêtements. Bien sûr, Léonard aimait parfois donner des traits féminins aux figures et aux visages masculins. Par exemple, un examen attentif de l'image de Jean-Baptiste montre qu'il est doté presque des traits d'un hermaphrodite à la peau pâle et glabre.
Mais qu’importe si dans le tableau « La Cène » Jésus et Jean (la femme) se penchaient dans des directions opposées, formant entre eux un espace en forme de lettre V, et les contours de leurs corps formant la lettre M ? Est-ce que cela a une signification symbolique ? Prince et Picknett soutiennent que cet agencement inhabituel de personnages, dont l'un a des traits nettement féminins, contient une allusion au fait qu'il ne s'agit pas de Jean, mais de Marie-Madeleine, et que le signe V est un symbole du sacré. féminin. La lettre M, selon leur hypothèse, signifie le nom – Marie/Madeleine. Vous pouvez être d’accord ou non avec cette hypothèse, mais personne ne niera son originalité et son courage. Concentrons-nous sur la main sans corps. Quelle main est visible à gauche, à côté de la figure de Pierre ? Pourquoi tient-elle un poignard ou un couteau de manière si menaçante ? Une autre bizarrerie est que la main gauche de Peter semble trancher la gorge du personnage voisin avec le bord de sa paume.

Que voulait dire Léonard par là ? Que signifie le geste étrange de Peter ? Cependant, en y regardant de plus près, il apparaît clairement que la main avec le couteau appartient toujours à Peter et n'existe pas en soi. Peter l'a révélé main gauche, et sa position est donc clairement inhabituelle et extrêmement gênante. Quant à la trotteuse, levée de manière menaçante vers la gorge de John/Mary, il y a une explication à cela : Peter pose simplement sa main sur son épaule. Très probablement, les différends à ce sujet continueront pendant très longtemps. Quant à Thomas, assis à gauche de Jésus (à droite du spectateur), il a effectivement levé l'index de sa main gauche de manière clairement menaçante. Ce geste de Jean-Baptiste, comme l'appellent Prince et Picknett, est présent dans de nombreux tableaux de Léonard, ainsi que d'autres peintres de l'époque. Il symbolise le courant souterrain de la connaissance et de la sagesse. Le fait est que Jean-Baptiste jouait en réalité beaucoup plus rôle important que celui qui lui est attribué dans les Écritures. Pour ceux qui souhaitent en savoir plus à ce sujet, je recommande la lecture du livre "La Découverte des Templiers". L'apôtre Thaddée représenté dans le tableau semble avoir une certaine ressemblance avec Léonard, si l'on compare son image avec le célèbre autoportrait du grand artiste. Dans de nombreuses peintures de Léonard de Vinci représentant Jésus ou la Sainte Famille, le même détail est perceptible : au moins un des personnages tourne le dos au personnage principal. peinture. Par exemple, dans le tableau « Adoration des Mages ». La restauration récemment achevée de La Cène a permis d'en apprendre beaucoup sur ce sujet. image étonnante. Dans celui-ci, comme dans de nombreux autres tableaux de Léonard, sont en réalité cachés des messages secrets et des symboles oubliés. Cependant, leur véritable signification ne nous reste pas encore tout à fait claire, ce qui donne lieu à de plus en plus de nouvelles suppositions et hypothèses. Quoi qu’il en soit, il reste beaucoup à faire à l’avenir pour percer ces mystères. J'aimerais que nous soyons capables de comprendre, même dans la plus petite mesure, les plans du grand maître.

Parcelle

La Cène est le dernier repas de Jésus-Christ avec ses 12 disciples. Ce soir-là, Jésus institua le sacrement de l'Eucharistie, qui consistait en la consécration du pain et du vin, et prêcha l'humilité et l'amour. L'événement phare de la soirée est la prédiction de la trahison d'un des étudiants.

Les compagnons les plus proches de Jésus - ces mêmes apôtres - sont représentés en groupes autour du Christ, assis au centre. Barthélemy, Jacob Alfeev et Andrey ; puis Judas Iscariote, Pierre et Jean ; puis Thomas, Jacques Zébédée et Philippe ; et les trois derniers sont Matthieu, Judas Thaddeus et Simon.

Selon une version, la personne la plus proche de la main droite du Christ n'est pas Jean, mais Marie-Madeleine. Si nous suivons cette hypothèse, alors sa position pointe vers le mariage avec le Christ. Ceci est confirmé par le fait que Marie-Madeleine a lavé les pieds du Christ et les a séchés avec ses cheveux. Seule une épouse légale pouvait faire cela.

Nikolai Ge "La Cène", 1863

On ne sait pas exactement quel moment de la soirée Léonard de Vinci voulait représenter. Probablement la réaction des apôtres aux paroles de Jésus concernant la trahison imminente de l'un des disciples. L'argument est le geste du Christ : selon la prédiction, le traître tendra la main vers la nourriture en même temps que le fils de Dieu, et le seul « candidat » est Judas.

Les images de Jésus et de Judas étaient plus difficiles pour Léonard que pour d'autres. L'artiste n'a pas pu trouver de modèles appropriés. En conséquence, il a basé le Christ sur un chanteur dans une chorale d'église et Judas sur un clochard ivre, qui, soit dit en passant, était aussi chanteur dans le passé. Il existe même une version selon laquelle Jésus et Judas étaient basés sur la même personne à différentes périodes de sa vie.

Contexte

Pour la fin du XVe siècle, au moment de la création de la fresque, la profondeur de perspective reproduite constitue une révolution qui change l'orientation du développement de la peinture occidentale. Pour être précis, «La Cène» n'est pas une fresque, mais un tableau. Le fait est que techniquement, il a été réalisé sur un mur sec, et non sur du plâtre humide, comme c'est le cas des fresques. Leonardo a fait cela pour que les images puissent être corrigées. La technique de la fresque ne donne pas le droit à l'auteur de se tromper.

Da Vinci a reçu une commande de son client habituel, le duc Lodovico Sforza. L’épouse de ce dernier, Béatrice d’Este, qui supportait patiemment l’amour effréné de son mari pour les libertins, finit par mourir subitement. La Cène était une sorte de dernière volonté du défunt.

Lodovic Sforza

Moins de 20 ans après la création de la fresque, l'œuvre de Léonard a commencé à s'effondrer à cause de l'humidité. Après encore 40 ans, il était presque impossible de reconnaître ces chiffres. Apparemment, les contemporains ne s'inquiétaient pas particulièrement du sort de l'œuvre. Au contraire, de toutes les manières possibles, volontairement ou involontairement, ils n'ont fait qu'aggraver son état. Ainsi, au milieu du XVIIe siècle, lorsque les ecclésiastiques eurent besoin d'un passage dans le mur, ils le firent de telle manière que Jésus perdit ses jambes. Plus tard, l'ouverture a été bloquée avec des briques, mais les pieds n'ont pas pu être restaurés.

Le roi de France François Ier fut tellement impressionné par l'œuvre qu'il envisagea sérieusement de la transporter chez lui. Et pendant la Seconde Guerre mondiale, la fresque a miraculeusement survécu : un obus qui a frappé le bâtiment de l'église a tout détruit sauf le mur avec l'œuvre de Da Vinci.

Santa Maria delle Grazie

La Cène a été tentée à plusieurs reprises de être restaurée, mais sans grand succès. En conséquence, dans les années 1970, il est devenu évident qu’il était temps d’agir de manière décisive, sinon le chef-d’œuvre serait perdu. Un travail colossal a été réalisé depuis 21 ans. Aujourd'hui, les visiteurs du réfectoire n'ont que 15 minutes pour contempler le chef-d'œuvre et les billets doivent bien entendu être achetés à l'avance.

L'un des génies de la Renaissance, un homme universel, est né près de Florence, lieu où, au tournant des XVe et XVIe siècles, la vie culturelle, politique et économique était extrêmement riche. Grâce aux familles de mécènes (comme les Sforza et les Médicis), qui payaient généreusement pour l'art, Léonard pouvait créer librement.

Statue de Léonard de Vinci à Florence

Da Vinci n'était pas défoncé personne instruite. Mais lui des cahiers permettons-nous de parler de lui comme d'un génie dont l'éventail des intérêts s'étendait extrêmement largement. Peinture, sculpture, architecture, ingénierie, anatomie, philosophie. Et ainsi de suite. Et le plus important ici n'est pas le nombre de passe-temps, mais le degré d'implication dans ceux-ci. Da Vinci était un innovateur. Sa pensée progressiste a bouleversé les idées de ses contemporains et a établi un nouveau vecteur de développement de la culture.

« La Cène » est l'une des œuvres marquantes de la Renaissance. Et l'un des plus mystérieux. Aujourd’hui, les meilleurs historiens de l’art travaillent au décryptage des symboles de la fresque. Les éditeurs d'Intéressant à savoir ont rassemblé les suppositions, versions et faits prouvés les plus intéressants sur l'une des œuvres les plus reconnaissables de Léonard de Vinci.

"Le dernier souper"

La célèbre fresque se trouve dans le réfectoire de l'église Santa Maria delle Grazie (Milan, Italie). Et elle a été commandée par le mécène de l’artiste, le duc de Milan, Louis Sforza. . Le souverain était partisan d’une vie ouvertement dissolue, et sa belle et modeste épouse Béatrice d’Este n’empêchait en rien le jeune duc de vivre comme il en avait l’habitude. D'ailleurs, sa femme l'aimait profondément et sincèrement, et Louis lui-même lui était attaché à sa manière. Et après mort subite Le duc, affligé, ne quitta pas sa chambre pendant environ deux semaines. Et quand il est sorti, la première chose qu'il a faite a été de se tourner vers De Vinci pour lui demander de peindre une fresque, ce que sa femme avait demandé de son vivant. À propos, après la mort de Béatrice, le duc a définitivement arrêté toutes sortes de divertissements à la cour.

Église de Santa Maria delle Grazie (Milan, Italie)

Da Vinci a commencé à travailler sur la fresque en 1495 ; ses dimensions sont de 880 sur 460 cm. Cependant, le tableau doit être qualifié de fresque avec une petite réserve : après tout, l'artiste n'a pas travaillé sur du plâtre humide, mais sur du plâtre sec. Cette petite astuce lui a permis de retoucher le tableau plusieurs fois. Et compte tenu du fait que « La Cène » n'a finalement été prête qu'en 1498, c'était une nécessité technique.

Déjà du vivant de l’artiste, « Le dernier repas de Jésus-Christ » était considéré comme sa meilleure œuvre. Selon les Écritures, c’est pendant le dîner que Jésus a annoncé aux apôtres une trahison imminente. Da Vinci voulait décrire ce qui se passait uniquement d'un point de vue humain. Et il recherchait les émotions que les apôtres éprouvaient parmi eux. des gens ordinaires. À propos, on pense que c'est précisément pour cette raison qu'il n'y a pas de halo sur les héros. Pour décrire sa réaction aux paroles du Maître, il a erré pendant des heures dans la ville, entamé des conversations avec des inconnus, les a fait rire, les a bouleversés et a observé les changements sur leurs visages.

"Dernière Cène" au réfectoire

Les travaux de la fresque étaient presque terminés ; les derniers personnages non peints restaient Jésus et Judas. On pense que dans ces héros, l'artiste incarnait les concepts du bien et du mal et qu'il n'a pas pu trouver pendant longtemps des modèles adaptés à des images aussi absolues. Mais un jour, Léonard de Vinci aperçut un jeune chanteur dans la chorale de l'église. Le jeune homme a fait une impression indélébile sur l'artiste, et c'est lui qui est devenu le prototype de Jésus.

Judas est resté le dernier personnage non écrit. A la recherche d'un modèle, l'artiste a longuement erré dans des lieux miteux. Un homme véritablement dégradé « devait » devenir Judas. Et seulement 3 ans plus tard, une telle personne a été retrouvée - en état d'ébriété alcoolique, dans un fossé, complètement désolé et sale. L'artiste a ordonné que l'ivrogne soit amené à l'atelier, où Judas a été copié sur l'homme. Lorsque l'ivrogne reprit ses esprits, il s'approcha de la fresque et dit qu'il avait vu les peintures. Da Vinci a demandé avec perplexité quand c'était... Et l'homme a répondu qu'il y a 3 ans, alors qu'il chantait dans une chorale d'église, un certain artiste l'a approché pour lui demander de copier le Christ de lui. Ainsi, selon les hypothèses de certains historiens, Jésus et Judas étaient basés sur la même personne à différentes périodes de sa vie.

Croquis de la Cène

Pendant qu'il travaillait, l'artiste était souvent pressé par l'abbé du monastère, il insistait pour que le tableau soit peint et non devant lui en pensée. Ensuite, Da Vinci a menacé que si l'abbé n'arrêtait pas d'intervenir, il radierait certainement Judas de lui.

Le personnage le plus évoqué dans la fresque est le disciple situé à la droite du Christ. Vraisemblablement, l'artiste a représenté Marie-Madeleine. On pense même qu'elle était l'épouse de Jésus, et c'est ce à quoi de Vinci a fait allusion en la plaçant de telle manière que les corps opposés de Jésus et de Marie formaient la lettre « M » - « Matrimonio », qui se traduit par « mariage". Cependant, cette hypothèse est contestée par d'autres historiens, qui estiment que le tableau ne représente pas du tout la lettre « M », mais « V » - la signature de l'artiste. La première version est également étayée par le fait que Marie-Madeleine a lavé les pieds de Jésus et les a séchés avec ses cheveux, et selon la tradition, seule une épouse légale pouvait le faire.

Fresque Jésus à la Cène

Il existe également une légende intéressante selon laquelle les apôtres ont été disposés par l'artiste selon les signes du zodiaque. Et si vous croyez à cette version, alors Jésus était Capricorne et Marie-Madeleine était vierge.

Un fait encore plus intéressant est que lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale, presque tout le bâtiment de l'église a été détruit, à l'exception du mur avec la fresque. Le peuple lui-même, en général, ne prenait guère soin du chef-d'œuvre de la Renaissance et ne le traitait pas avec miséricorde. Par exemple, après l'inondation de 1500, qui a causé de graves dommages au tableau, celui-ci n'a jamais été restauré. En 1566 dans le mur "Dernière Cène" une porte a été réalisée qui a « paralysé » les héros de la fresque. Et à la fin du XVIIe siècle, le réfectoire est transformé en écurie.

Jésus et Marie-Madeleine

Les historiens, d’ailleurs, ne sont pas d’accord sur la nourriture représentée sur la fresque. Par exemple, la question de savoir quel type de poisson est représenté sur la table - hareng ou anguille - reste ouverte. Un certain nombre de chercheurs pensent que cette ambiguïté était initialement voulue par Da Vicney. La question est en quelque sorte purement linguistique : en italien « anguille » se prononce « aringa », et si vous doublez le « r », vous obtenez un sens complètement différent - « aringa » (instruction). Dans le même temps, dans le nord de l'Italie, « hareng » se prononce « renga », et en traduction, cela signifie aussi « celui qui nie la religion », et Da Vinci lui-même en faisait partie. À propos, près de Judas, il y a une salière renversée, considérée comme un mauvais présage depuis l'Antiquité, et la table et les plats représentés sur la photo sont une copie exacte ceux qui étaient dans l'église au moment où le tableau a été créé.