Strophe della senigatura de Raphaël. Strophes de Raphaël. Bel héritage. Autres fresques de la Stanza della Segnatura

Les quatre strophes de Raphaël sont des salles du palais du Vatican ouvertes au public. Ils sont surtout connus pour les étonnantes fresques peintes par Raphaël et ses talentueux élèves. Avec les fresques du plafond de Michel-Ange de la Chapelle Sixtine, ce sont les œuvres les plus remarquables de la Renaissance. Initialement, les strophes étaient les appartements personnels du pape Jules II, qui ne voulait pas occuper les mêmes pièces qui appartenaient autrefois aux représentants de la famille détestée Borgia.

C'est lui qui a invité Raphaël, alors artiste relativement jeune d'Urbino (il n'avait que vingt-cinq ans), à changer complètement l'intérieur des pièces. Avec la mort de Jules en 1513, Léon X devint pape. Il continua à contrôler la décoration des pièces, mais malheureusement le grand artiste mourut également. Les fresques ont été réalisées par les étudiants de Raphaël - Gianfrancesco Penni, Giulio Romano et Raffaellino del Collier. Ainsi, chacun des murs est décoré d'une composition de fresque ; il y en a quatre au total dans la strophe.

La Stanza della Segnatura contient les fresques les plus remarquables de Raphaël. Tous, à l'exception de la première œuvre vaticane du grand artiste, remontent au début de la Renaissance. Le nom de la strophe se traduit littéralement par « salle des signatures » - jusqu'au milieu du XVIe siècle, le pontife y tenait des réunions et signait des documents importants. Mais au départ, Jules II l'utilisait comme bibliothèque et bureau personnel, comme le racontent avec éloquence les fresques peintes entre 1508 et 1511. Ils reflètent les trois plus grands aspects de l'esprit humain : la Vérité, la Bonté et la Beauté. La vérité surnaturelle est illustrée dans la Dispute et la Vérité raisonnable à l'école d'Athènes.

La bonté est présentée dans la Vertu et la Loi, et la Beauté dans le Parnasse. L'École d'Athènes est à juste titre considérée comme l'une des plus grandes œuvres de Raphaël. L'artiste a représenté sur la toile d'éminents philosophes (une cinquantaine de personnages), plaçant Aristote et Platon au centre : le premier pointe vers le bas en signe de lien avec la terre, le second lève les mains vers lui.

Dans la plus belle fresque "Parnassus", Raphaël a peint Apollon jouant de la lyre et neuf muses avec des écrivains talentueux : Homère, Dante, Horace, Ovide, etc. Sous le règne de Léon X, la salle servait de salle de formation ou de classe de musique, ici il a gardé ses instruments de musique. Le décor de l'époque de Jules II a été remplacé par Fra Giovanni da Vérone. Il a recouvert tous les murs de bois.

Strophe d'Eliodoro

Cette strophe était à l'origine destinée aux audiences privées du pape et fut décorée immédiatement après que Raphaël eut terminé les travaux de Segnaturoi. Les images des fresques sont remplies d’une seule idée : la foi en la protection miraculeuse de l’Église par Dieu. Au plafond se trouvent quatre épisodes de l'Ancien Testament, tous peints par Raphaël lui-même, tandis que dans les grotesques et les arcs se trouvent des œuvres de Luca Signorelli, Bramantino, Lorenzo Lotto et Cesare da Sesto. La fresque « L'expulsion d'Eliodore » a donné son nom à la danse : elle représente un cavalier céleste expulsant le Syrien Eliodore du temple de Jérusalem.

Une autre œuvre, « Messe à Bolsena », montre un miracle étonnant : les mains d'un prêtre incrédule étaient tachées de sang. Une autre fresque - «La libération de l'apôtre Pierre» - raconte la libération de l'apôtre de prison. L'œuvre est divisée en deux parties : à droite, Pierre s'évade de prison, conduit par un ange, à gauche, les gardes éveillés donnent l'alarme. Les critiques d'art s'accordent à dire qu'un travail colossal a été réalisé sur l'éclairage. Réfractions des rayons et des ombres, flammes vacillantes, obscurité aveuglante : il est difficile d'imaginer qu'une seule personne ait écrit cela.

Strophe de l'Incendie de Borgo

À l'époque de Jules II, la strophe servait de salle de réunion pour la plus haute cour du Saint-Siège, présidée par le Pape. En témoignent les fresques du plafond, réalisées par Pietro Vannucci. À l'époque de Léon X, la pièce servait de salle à manger et Raphaël fut chargé de peindre les murs, mais il confia la plupart des travaux à ses élèves.

La peinture des fresques a duré trois ans, de 1514 à 1517. Les fresques illustrent les aspirations politiques de Léon X à travers le récit de la vie de deux papes précédents du même nom : Léon III (« Couronnement de Charlemagne par le pape Léon III » ) et Léon IV ("Feu du Borgo" ). Dans tous les épisodes, le pape est représenté avec le visage du pontife Léon X, alors au pouvoir. C'est grâce à l'œuvre « Le feu dans le Borgo » que la strophe a acquis son nom, et la fresque elle-même reflète l'ancienne légende, selon lequel le pape Léon IV a pu apprivoiser les flammes et protéger les habitants.

Strophe de Constantin

Une salle conçue pour les réceptions et autres événements officiels. Après la mort subite de Raphaël en 1520, elle fut achevée par ses élèves sur la base des croquis et des œuvres antérieures de l'artiste. La strophe porte le nom de Constantin, le premier empereur chrétien qui reconnut officiellement la foi chrétienne et accorda aux autres la liberté de religion.

Les peintures murales reflètent quatre épisodes de la vie du grand souverain : les témoignages de la défaite du paganisme et du triomphe de la religion chrétienne, la bataille contre Maxence, le tyran envahisseur, et la vision du Christ, le baptême de Constantin et la donation. de Rome. Le toit en bois d'origine, érigé sous le pape Léon X, a été remplacé par un décret de Grégoire XIII par une toiture moderne. Ils ont été décorés sur ordre du pape Tomaso Laureti, représentant au centre la victoire du christianisme. Les travaux furent achevés fin 1585 sous la direction du pape Sixte V.

Où est-il et comment s'y rendre

Les strophes de Raphaël occupent quatre salles du Palais des Papes, en plein centre du Vatican. Adresse exacte : 00120 Cité du Vatican, Siège Pontifical, Palais Apostolique, Palais Apostolique.

Métro : ligne A, vers les stations Battistini, Ottaviano et Cipro.

Bus : n° 49 – s'arrête sur la place en face du Musée du Vatican ; N° 32, 81, 982 – arrêt Piazza del Risorgimento.

Date de dernière mise à jour : 03/04/2020

L’un des maîtres les plus célèbres de la Renaissance a laissé derrière lui une quantité incroyable d’œuvres d’art exceptionnelles, conservées dans des galeries d’art du monde entier. La période créative la plus importante du grand maître est associée à la Ville éternelle : Raphael Santi à Rome s'est révélé non seulement comme un artiste, mais s'est également montré comme un brillant architecte. Dans cette courte revue, le site propose un aperçu de quelques-unes des œuvres visibles à Rome.

Strophes de Raphaël

L'une des œuvres les plus anciennes et les plus célèbres de Raphaël Santi à Rome sont les fresques qui décorent les appartements papaux situés dans le Palais apostolique du Vatican depuis plus de 500 ans. L'artiste a commencé à travailler sur le tableau en 1508 sur ordre du pape Jules II, né Giuliano della Rovere. Chacune des quatre salles avait un but différent et était peinte de scènes de thèmes correspondants.

Dans l'une des strophes, vous pouvez voir un cycle de fresques consacrées aux principes fondamentaux sur lesquels la société humaine est construite : la philosophie, la jurisprudence, la religion et l'art. Une autre salle est décorée de peintures racontant des histoires de la vie des Pontifes. Dans le troisième, vous pourrez vous familiariser avec certains événements politiques importants des siècles passés. L'une des plus grandes strophes est la salle de Constantin, dont la peinture a été réalisée d'après les croquis de Raphaël Santi par ses élèves après la mort du grand maître. Les sujets des fresques sont consacrés à la vie de Constantin le Grand, premier empereur romain de l'histoire à se convertir au christianisme.

Loggias de Raphaël

Les loggias de Raphaël, comme les Stances, sont situées dans le Palais Apostolique du Vatican. Conçues par le célèbre architecte et commandées par le pape Jules II, elles ont été peintes par Raphaël et ses élèves.

La première loggia, réalisée par Rafael Santi, est une large galerie située au deuxième étage du palais. Sa longueur est de 65 mètres. Les travaux de peinture de la pièce n'ont duré qu'un an - de 1518 à 1519. Durant la même période, la deuxième loggia, située à l'étage inférieur, a également été peinte, mais les fresques de cette pièce n'ont pas été conservées.

Une autre loggia, située au troisième étage du Palais Apostolique, s'appelle « Loggetta del Cardinal Bibiena ». La peinture de cette petite pièce a été réalisée dans la seconde moitié du XVIe siècle par l'un des élèves les plus célèbres de Raphaël, Giovanni da Udine. Les fresques décorant les murs et les voûtes de la loggia sont un excellent exemple d'un type d'art assez inhabituel, pour l'époque, appelé grotesque.

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Villa Farnésine

Sur la rive droite du Tibre, dans la région du Trastevere, se trouve la belle Villa Farnesina, construite dans la première moitié du XVIe siècle sur ordre du banquier Agostino Chigi. Le bâtiment a été érigé selon les plans du célèbre architecte et artiste italien Baldassare Peruzzi, et les intérieurs ont été peints par les meilleurs maîtres de l'époque. À la fin du XVIe siècle, après la mort de Chigi, la villa fut achetée par le cardinal Alessandro Farnese.

L'une des pièces les plus célèbres de la Villa Farnesina est la Loggia de Psyché, à la décoration de laquelle Raphaël a travaillé avec ses élèves. Le cycle de fresques est dédié aux personnages mythologiques et l'intrigue principale raconte l'histoire d'Amour et de Psyché. Une autre pièce dans la peinture dans laquelle le remarquable maître de la Renaissance a été directement impliqué est la salle Galatée, reliée à la Loggia. Ici vous pourrez admirer la belle fresque "Le Triomphe de Galatée", peinte par Raphael Santi en 1512.

Chapelle Chigi

Œuvres de Raphaël à la Pinacothèque du Vatican

Un grand nombre d'œuvres du grand maître sont présentées dans la Galerie d'art du Vatican - l'une des salles de la Pinacothèque est entièrement dédiée à son œuvre. Ici vous pouvez voir des œuvres telles que « Le Couronnement de la Vierge Marie », « Madonna di Foligno », « Saint Pierre », « Saint Paul », « Vierge à l'Enfant et aux Saints », « Portrait du Doge Niccolo Marcello », le cycle d'œuvres « Foi », « Miséricorde » et « Espoir », faisant partie de la composition de l'autel de Baglioni (Pala Baglioni), ainsi que la dernière œuvre de Raphaël, sont conservés dans la Basilique Saint-Pierre. Une partie de l'exposition est constituée de luxueuses tapisseries réalisées d'après des croquis des œuvres du célèbre artiste.

Œuvres de la Galerie Borghèse

Dans l'une des galeries les plus célèbres de Rome, les amateurs de l'œuvre de Raphael Santi pourront admirer plusieurs œuvres célèbres du grand maître. Ici sont présentés des tableaux tels que "La Dame à la Licorne", écrits sous l'influence de "La Joconde" de Léonard de Vinci, "La Mise au Tombeau", qui est la partie centrale de la composition de l'autel de Baglioni (Pala Baglioni) et "Portrait d'un étranger". .

Galerie Doria-Pamphilj

L'une des plus grandes collections privées d'Italie, présentée à la Galerie Doria Pamphili, abrite le "Portrait d'Andrea Navajero et Agostino Beazzano", qui représente deux célèbres poètes vénitiens et humanistes de la Renaissance. Le tableau a été peint par Raphaël en 1516, commandé par le cardinal Pietro Bambo pour ses amis écrivains Navajero et Beazzano.

Raphaël à la Galerie Nationale d'Art Ancien

L'exposition du Musée National d'Art Ancien, au Palais Barberini, abrite l'une des dernières œuvres de Raphael Santi - « Fornarina » (1519). Le tableau représente une femme à moitié nue qui, comme le suggèrent certains chercheurs, était l’amante de l’artiste et son modèle nommé Margherita Lutti.

L'architecture de Raphaël

Rafael Santi a travaillé à Rome non seulement pour créer des œuvres d'art, mais il s'est également révélé être un architecte talentueux. Il a participé à la construction du principal

Les succès de Raphaël à Florence furent si importants qu'ils firent largement connaître son nom. En 1508, grâce au patronage de son compatriote, le grand architecte Bramante, il fut invité à la cour papale et se rendit à Rome.

A cette époque, le trône papal était occupé par Jules II, qui introduisit sa dimension caractéristique dans la politique artistique de Rome. Sous lui, les meilleurs artisans furent appelés à Rome et la ville commença à être décorée de monuments architecturaux, d'œuvres de peinture et de sculpture. Bramante commença la construction de la basilique Saint-Pierre ; Michel-Ange, auparavant occupé à travailler sur la conception du tombeau de Jules II, a commencé à peindre le plafond de la chapelle Sixtine. Poètes et scientifiques humanistes regroupés autour de la cour papale. Dans cette atmosphère de création créative, en communication avec des représentants exceptionnels de la culture, l’œuvre de Raphaël entre dans une phase de plus haut essor.

Selon Vasari, Bramante, qui était l'architecte en chef sous le pape Jules II, aurait supplié le pape de confier la peinture de la salle nouvellement construite à son parent éloigné et compatriote. L'artiste a donc reçu une commande pour peindre les appartements d'État du pape, appelés strophes (strophe - pièce), qui comprennent trois pièces au deuxième étage du palais du Vatican et une salle adjacente. La peinture des strophes devait être le fruit d'un programme strictement réfléchi dédié à glorification de l'église.

Le Pape était tellement ravi du talent du jeune Raphaël qu'il décida d'annuler la commande, déjà confiée à des artistes aussi célèbres que Luca Signorelli, Pinturicchio, Perugino et Sodoma. Raphaël a commencé à travailler sur les fresques alors qu'il n'avait que vingt-cinq ans. Les peintures des strophes ont été réalisées par Raphaël avec ses élèves dans les 12 ans dans les années 1509-1517 (la peinture de la salle fut réalisée après la mort du maître). Les meilleures de ces fresques appartiennent aux plus grandes créations de l’art de la Renaissance. Les peintures étonnent par la profondeur de leur conception, la richesse de leurs images, la clarté et l'ordre de leur composition et leur harmonie générale. Le choix des sujets était sans aucun doute prédéterminé par le pape.

Strophe de la Segnatura

La première pièce dans laquelle Raphaël a commencé ses peintures au Vatican était la salle dite des signatures - Strophe de la Segnatura(Stanza della Segnatura), où les décrets et décrets papaux étaient scellés. Cette strophe était l'étude papale. Elle a été peinte par Raphaël en 1508-1511. Le thème des peintures est l'activité spirituelle humaine.

Intérieur de la Stanza della Segnatura

Le thème des peintures est l'activité spirituelle humaine : théologie, philosophie, poésie et jurisprudence. La comparaison et l’interprétation de ces histoires ont révélé le désir de la papauté de démontrer l’unité des différents domaines de l’activité spirituelle humaine. Cela était particulièrement important à une époque où la montée d’une culture laïque affirmant la vie conduisait à la relégation de la théologie au second plan et à un déclin significatif de l’autorité de l’Église.

La Stanza della Segnatura était la salle où toutes les peintures étaient conçues et détaillées en carton et exécutées au mur par Raphaël lui-même.

L'intrigue de la première des fresques exécutées par Raphaël, habituellement appelée « Différend", - une dispute entre les pères de l'Église au sujet du sacrement de communion. L'action se déroule sur deux plans : sur terre et au ciel.

Les personnes qui devaient être représentées dans la hiérarchie céleste et terrestre étaient déterminées par des théologiens, éventuellement avec la participation du pape Jules II lui-même.

En bas, dans un centre clairement marqué, se dresse un simple autel avec un tabernacle. Il stocke hôte (hôte)- un pain plat de pâte sans levain, que prennent les catholiques qui communient (seuls les prêtres communient avec le vin et l'hostie). Des deux côtés de l'autel, sur une estrade à gradins, se trouvaient les pères de l'Église, les papes, les prélats, le clergé, les anciens et les jeunes. Leurs figures sont données sous forme de tours et de mouvements vivants et plastiquement complétés ; le regard embrasse immédiatement leurs silhouettes expressives. Parmi les autres participants, vous pouvez le découvrir ici Savonarole, pieux moine-peintre Beato Fra Angelico, architecte Bramante, Dante. . . Dante est représenté deux fois dans cette salle : comme un poète montant au Parnasse parmi le reste des génies de l'art poétique et comme un théologien éminent dans une société choisie dans cette fresque.

Au-dessus de toute la masse des personnages dans la partie inférieure de la fresque, comme une vision céleste, apparaît la personnification de la Trinité : Dieu le Père, en dessous de lui dans un halo de rayons dorés se trouve le Christ avec la Mère de Dieu et Jean-Baptiste, encore plus bas, comme pour marquer le centre géométrique de la fresque, se trouve une colombe dans une sphère, symbole du Saint-Esprit. De chaque côté, 12 personnages sont assis sur des nuages ​​flottants, parmi lesquels se détachent les quatre évangélistes avec des livres à la main, les apôtres Pierre et Paul. Et tout ce grand nombre de figures, avec une composition si complexe, est distribué avec une telle habileté que la fresque laisse une impression d'une clarté et d'une beauté étonnantes. L'apparition des personnages de la fresque est si majestueuse, leurs poses et leurs gestes sont si inspirés que la Dispute apparaît devant nous non pas tant comme une dispute sur l'hostie, mais comme un triomphe majestueux de la Vérité et de la Foi.

Différend

Au paradis

anges

Saint-Esprit sous la forme d'une colombe et d'anges avec les Évangiles

anges

Saint Pierre, ancêtre Adam, évangéliste Jean, roi David, saint Laurent, prophète Jérémie

Dieu le Père, la Vierge Marie, Jésus-Christ, Jean-Baptiste

Judas Macchabée, Saint Étienne, Moïse, évangéliste (?), ancêtre Abraham, apôtre Paul

Par terre

Côté gauche

Côté droit

Beato Fra Angelico, moine-artiste

Ambroise de Milan, saint Augustin

Thomas d'Aquin, pape Innocent III

Bonaventure, pape Sixte IV

architecte Bramante

Grégoire le Grand, Saint Jérôme avec un lion

Savonarole (derrière l'homme)

Dante Alighieri

La meilleure de toutes les fresques des strophes est unanimement reconnue comme « école d'Athènes" est l'une des plus grandes créations de l'art de la Renaissance en général et de Raphaël en particulier. La fresque célèbre le pouvoir de l’esprit, qui embrasse le monde entier. Les représentants d'enseignements différents, uniquement formellement unis par un seul espace architectural, n'appartiennent pour la plupart pas à une école athénienne spécifique, le nom de la fresque grandiose est donc conditionnel. Il ne fait aucun doute que Raphaël connaissait les œuvres de grands philosophes et comprenait l'essence de la méthode philosophique de cognition, qui implique la manifestation des aspirations personnelles et des principes de vie du penseur.

Cette composition est l'une des preuves les plus frappantes du triomphe dans l'art de la Renaissance des idées humanistes et de leurs liens profonds avec la culture ancienne. Dans une grande enfilade de travées voûtées majestueuses, Raphaël a présenté une collection d'anciens penseurs et scientifiques. Il n'y a pas seulement des Athéniens (les philosophes Parménide et son élève Zénon n'étaient pas citoyens d'Athènes) et pas seulement des contemporains, mais aussi des penseurs qui ont vécu à d'autres époques et dans d'autres pays (le philosophe mystique persan Zoroastre, qui a vécu plusieurs siècles avant Platon). , ou traducteur et commentateur musulman d'Aristote Averroès, qui vécut plusieurs siècles plus tard). Ainsi, « l’École d’Athènes » représente la communauté idéale des penseurs de l’époque classique, une communauté d’enseignants et d’étudiants. Cependant, en décrivant ces personnages marquants du passé, Raphaël leur donne les traits de ses contemporains marquants.

Au centre, parmi les personnages regroupés sur de puissantes culées cintrées, dans les niches desquelles sont placées les statues d'Apollon et de Minerve, sont représentés Platon Et Aristote. Ils se sont avérés être le centre spirituel de cette collection, non seulement en raison de leur position centrale dans la composition, mais également en raison de la signification des images. Dans leur posture et leur démarche se répand une grandeur vraiment royale, tout comme sur leurs visages on sent l'empreinte d'une grande pensée. Ce sont les images les plus idéales de la fresque ; Ce n’est pas pour rien que Léonard de Vinci fut le prototype de Platon.

école d'Athènes

L'artiste s'est fixé une tâche d'une incroyable complexité. Et son génie s’est manifesté dans son approche même pour le résoudre. Il divise les philosophes en plusieurs groupes distincts. Le groupe de droite en bas de l'image examine deux globes : celui terrestre entre les mains d'un géographe Ptolémée(dans la couronne) et céleste - à Zoroastre(astronome et philosophe mystique) avec le visage de l'humaniste Pietro Bembo. Deux jeunes hommes discutent avec les scientifiques (l'un avec les traits du visage de Raphaël lui-même (regardant directement le public), l'autre - son ami le peintre Sodome, qui commença à travailler dans cette strophe avant Raphaël).

A proximité, d'autres sont passionnés par la résolution d'un problème géométrique : entourés d'étudiants, de beaux jeunes hommes, Euclide(ou Archimède). Penché bas, il dessine avec un compas sur une ardoise posée sur le sol. L'architecte est représenté à l'image d'Euclide Bramante avec son front chauve puissant et élargi.

Euclide (Bramante)

Zoroastre et Ptolémée

Raphaël et son ami Sodomo

Péripatétique

Presque au centre de la fresque, vêtu des vêtements d'un maçon, plongé dans une profonde réflexion Héraclite Ephésien est un philosophe qui déplore la folie de l'homme. En fait, cet homme est Michel-Ange. Choqué par le talent puissant de son frère aîné à l'atelier, Raphaël l'a ainsi félicité. Comme un mendiant sur les marches des escaliers, qui symbolisent les étapes de la maîtrise de la vérité, le fondateur solitaire de l'école cynique était assis à l'aise. Diogène, éloigné de l'agitation et des discussions du monde. Un passant le désigne du doigt, comme s'il demandait à un compagnon : n'est-ce pas là le sort d'un vrai philosophe ? Mais il attire son attention (et la nôtre) sur deux personnages qui se trouvent au centre de la composition. Il s'agit du majestueux vieil homme Platon aux cheveux gris, avec les traits d'un portrait de Léonard de Vinci et du jeune Aristote inspiré. Ils mènent un dialogue, un débat calme dans lequel la vérité est libérée des chaînes du dogme et des préjugés.

Platon (avec le livre « Timée ») représente la philosophie abstraite, et Aristote (avec le livre « Éthique »), comme s'il faisait le tour du monde autour de lui, représente la philosophie naturelle. Platon montre le ciel, où règnent l’harmonie, la grandeur et l’intelligence supérieure. Aristote tend la main vers la terre, le monde qui entoure les hommes. Il ne peut y avoir de vainqueur dans ce conflit, car l'espace incommensurable et la Terre natale sont également nécessaires à l'homme, dont la connaissance durera pour toujours.

L'unité des philosophies réside dans la diversité des écoles individuelles et des opinions personnelles. C’est ainsi que prend forme la grande symphonie de la connaissance humaine. Cela n’est pas entravé par la désunion des penseurs dans l’espace et dans le temps. Au contraire, la connaissance unit tous ceux qui s'y efforcent sincèrement... Et ce n'est pas un hasard, bien sûr, si sur la photo il y a des personnes de tous âges, y compris des bébés, et sur leurs visages il n'y a pas seulement de concentration et de réflexion, mais aussi des sourires éclatants.

Héraclite (Michel-Ange)

Diogène

Platon et Aristote

A gauche de Platon - Socrate, expliquant aux auditeurs le déroulement de son raisonnement par des auditeurs, parmi lesquels se démarque le commandant Alcibiade en armure et casque et jeune Alexandre le Grand dont le professeur était Aristote.

La figure d'un jeune homme dans le coin le plus à gauche de la fresque est remarquable. Il entre rapidement dans ce rassemblement de sages, tenant un parchemin et un livre à la main ; les plis de son manteau et les boucles de sa tête flottent. Quelqu’un qui se tient à proximité lui montre le chemin et quelqu’un du cercle de Socrate le salue. C'est peut-être ainsi que s'incarne une nouvelle pensée audacieuse, qui suscitera de nouveaux débats et inspirera de nouvelles quêtes...

Au premier plan à gauche, courbé à genoux, un livre à la main, le vénérable Pythagoras, entouré d'étudiants, explique un autre théorème à des auditeurs captivés. Un jeune homme aux cheveux longs - Anaxagore, philosophe, mathématicien et astronome ; il tient le tableau d’ardoise. Pythagore personnifie l'arithmétique et la musique. Un philosophe est assis derrière lui Anaximandre, élève de Thalès. À gauche de ce groupe est affiché Épicure avec des feuilles de vigne sur la tête, derrière lui on aperçoit la tête d'un petit Federico Gonzaga. Stands à proximité Hypatie, femme mathématicienne, philosophe et astronome, et philosophe Parménide.

L'apparition de certains autres philosophes et scientifiques est davantage dotée de caractéristiques spécifiques à la vie. Ainsi, l'image d'un stoïcien, d'un philosophe, est magnifique par son expressivité laconique Barrage, placé en haut sur le côté droit de la fresque : seule la silhouette de son personnage enveloppé dans un manteau, séparé par intervalles des autres personnages, transmet le sentiment de sa solitude spirituelle.

Bien que la fresque comporte plus de 50 personnages, le sens caractéristique des proportions et du rythme de Raphaël crée une impression de légèreté et d’espace étonnants.

Socrate avec des étudiants

Pythagore avec ses étudiants

Hypatie et Parménide

Plotin

Troisième fresque de la Strophe della Segnatura, " Parnasse», - la personnification de l'idée de Bello - Beauté, Belle. La fresque, allégorie du royaume de la poésie, représente le mécène des arts jouant de la viole (violon) du dieu Apollon, avec la clé castalienne coulant à ses pieds, source d'inspiration pour les poètes. Apollon est entouré de muses et de poètes, anciens et de la Renaissance. Dans le monde lumineux de l'inspiration et de la beauté, dans le cercle des muses, il y a Homère, Pindare, Sappho, Anacréon, Virgile, Ovide, Horace ; voici les grands Italiens Dante, Pétrarque, Boccace...

"Parnassus", comme certaines autres fresques, est situé au-dessus de la fenêtre ; Coincé dans le plan destiné au tableau, il créait des difficultés de composition supplémentaires. Raphaël a fait preuve d'ingéniosité en plaçant le sommet de la montagne au-dessus de la fenêtre, avec des pentes douces sur ses flancs.

Parnasse

Les personnages de la fresque sont regroupés selon certaines tendances stylistiques de la littérature - anciennes et contemporaines de Raphaël.

Poètes grecs antiques sur la fresque Sappho(portrait d'une courtisane romaine ?) et Alkay(détournés du public) semblent commencer « l’arc » le long duquel le regard se déplace. Ce n’est pas un hasard si Raphaël a placé ces deux personnages proches l’un de l’autre. Ils sont contemporains, leurs destins sont à bien des égards similaires : lui et elle sont tous deux issus de familles nobles, ont vécu à Mytilène sur l'île de Lesbos, ont connu les épreuves de l'exil et sont devenus célèbres pour leur poésie glorifiant l'amour. Corinne, Pétrarque et Anacréon écoutent attentivement Alcée.

Corinne- Poétesse grecque antique de Tanagra. Les œuvres sont basées sur des légendes sur leur Béotie natale. Ses œuvres ne nous sont parvenues que par fragments.

Pétrarque- Poète italien (1304-1374), reconnu comme l'un des plus grands scientifiques de son temps. Il écrivit des sonnets, des ballades, des madrigaux sur la vie et la mort de Laura. En 1341 (à Pâques), il fut couronné à Rome, au Capitole, d'une couronne de laurier. Le regard de Pétrarque est fixé sur son ancien prédécesseur, Alcée, et cela trahit sa participation intéressée à la conversation.

Anacréon- Poète lyrique grec ancien, « chanteur d'amour ». Les motifs de sa poésie sont la jouissance des joies sensuelles de la vie.L'imitation d'Anacréon a donné naissance àPoésie anacréontiqueAntiquité tardive, Renaissance et Lumières. En Russie, on trouve des exemples de poésie anacréontique chez Derjavin, Batyushkov, Pouchkine...

Montré ci-dessus Dante Alighieri- le plus grand poète d'Italie. Il est surtout connu comme l'auteur du grandiose poème épique La Divine Comédie.

A sa droite Homère, auteur de l'Iliade et de l'Odyssée. Les légendes décrivent Homère comme un chanteur aveugle et errant. La tradition veut qu'Homère soit représenté accompagné d'un guide qui, à l'aide d'un stylet, écrit ses paroles sur une tablette de cire.

Dans le dos d'Homère, Dante échange un regard avec Virgile. Publius Virgile Maro- Poète romain. Son épopée héroïque « Énéide » sur les pérégrinations du cheval de Troie Énée est le summum de la poésie classique romaine ; glorifie la mission historique de Rome. La combinaison des figures de Dante et de Virgile est justifiée : dans le voyage de Dante à travers l’Enfer et le Purgatoire (La Divine Comédie), le compagnon de Dante était Virgile.

Viennent ensuite Apollon et les Muses. À leur droite, l'Arioste et Boccace se côtoient en tant que représentants de la littérature italienne. Arioste- auteur de comédies de mœurs, sa création principale est Roland le Furieux. Giovanni Boccace- auteur de poèmes basés sur la mythologie antique. Dans le livre de nouvelles « Le Décaméron » se trouve l’idéal humaniste de la littérature de la Renaissance.

Tibulle Et Propriété, poètes romains, ont beaucoup de points communs (placés côte à côte) : ils sont issus des rangs des agriculteurs italiens, au centre de l'œuvre des deux se trouve l'image de leur seule bien-aimée - la « maîtresse ». Il est chanté sous un nom grec conventionnel, choisi de manière à ce que le vrai nom (rimant) puisse être inséré à la place.

Regarde le public (qu'est-ce qu'on fait là) Tibaldi- Écrivain italien. A vécu à la cour de Ferrari, Mantoue et Rome ; a laissé une description du sac de Rome, au cours duquel il a lui-même tout perdu.

« Se curer le nez » Sannazzaro- Poète italien. Son roman pastoral Arcadia était un monument populaire de la littérature italienne.

Le personnage extrême à droite dans la fresque s'est avéré être Horace et sa place correspond exactement à la position d'Alcée (le personnage extrême à gauche) ; tous deux sont représentés de profil. Ceci, apparemment, n'est pas accidentel : Horace a imité Alcée dans son travail. Raphaël l'a souligné par la similitude de leurs vêtements.

Horace- Poète romain. Dans les livres de satires, d’odes et d’épîtres, on discute de la fragilité de la vie et de l’immortalité de la poésie. Glorifiant les joies accessibles de la vie (vie solitaire, tranquillité d'esprit, amitié, amour), il affirme le culte de la modération, le « juste milieu ». Le célèbre « Monument » d'Horace a donné lieu à de nombreuses imitations : (Derjavin, Pouchkine)...

Montre le public du doigt Pindare- Poète lyrique grec ancien. Il a écrit des chants choraux et des hymnes en l'honneur des vainqueurs des Jeux olympiques et d'autres jeux sportifs.

Alcée, Corinne, Pétrarque, Anacréon, Sappho (« dixième muse »)

Le jeune homme est le guide d'Homère, Dante, Homère, Virgile

Melpomène, Calliope, Terpsichore, Lolyhymnia, Apollo, Clio, Erato, Thalia

Euterpe, Uranie, Arioste, Boccace, Tibulle, Properce, Tibaldi, Sannazzaro, Horace, Pindare

Pourquoi Apollon a-t-il besoin d'un arc ? Puis jouer... de la lyre. Nous pouvons voir une image aussi étrange non seulement dans la fresque « Parnassus », mais aussi dans d'autres œuvres d'artistes de la Renaissance.

Dossie. Apollon et Daphné

Provençale. Orphée

Henrik de Klerk. La punition de Midas

Giovanni. Différend entre Apollon et Marsyas

Lorren. Paysage avec Apollon et Hermès

Ces peintures montrent Apollon jouant d'un instrument semblable à un violon. En fait, c'est la lyre. C'est exactement ainsi qu'on l'appelait à l'époque (XV-XVI siècles). Aujourd’hui cet outil, afin d’éviter toute confusion, s’appelle « Lire de Braccio", ce qui signifie " lyre d'épaule».

Cet instrument (était distribué sur tout le territoire de la péninsule des Apennins et s'appelait simplement une lyre. C'est pourquoi, probablement, les artistes de cette époque l'ont « remis » entre les mains d'Apollon. Peut-être qu'ils ne connaissaient pas la lyre qui nous est connu grâce aux paroles des anciens Grecs ?

Mais non, cithares et lyres anciennes se retrouvent parfois sur les mêmes toiles. Les artistes de la Renaissance n’ont pas oublié ce qu’était la lyre antique, car ils ont « fait revivre » la culture ancienne. Et l’instrument contemporain pour les artistes symbolisait peut-être la connexion des époques et la continuité des cultures. C'est-à-dire en fait Renaissance.

Ainsi dans cette fresque il est fidèlement reproduit cithare de la muse Eratoà droite d'Apollon. Nous voyons lyre aux pieds de Sappho. L'objet dans sa main, qui ressemble à une corne, est utilisé pour l'harmonisation. Raphaël fut l'un des tout premiers à dessiner un type de lyre totalement inconnu : un instrument fabriqué à partir d'une carapace de tortue.

La lyre a été fabriquée par Hermès à partir de la carapace d'une tortue et les piliers à partir de cornes d'antilope. Hermès tirait les tendons des taureaux d'Apollon au lieu des ficelles. Il y avait sept cordes, en l'honneur des sept filles d'Atlas. Une fois la lyre prête, Apollon l'accorda et la donna à Orphée, le fils de la muse Calliope. Orphée tira encore deux ficelles, et il y en avait neuf, en l'honneur des neuf muses.

Le violon, la lyre et le braccio sont proches les uns des autres : dans la conception (dans une moindre mesure par la forme), dans la manière de jouer (sur l'épaule) et dans la structure des cordes. Il existait plusieurs sous-types de lyre italienne : Lire de Braccio(soprano), Lirone de Braccio(alto), Lyra de Gamba(baryton), lirone parfait(basse), différant par le nombre de cordes - de 5 à 10.

Dans la Stanza della Segnatura, sur le mur opposé au Parnasse sont représentés « Vertus"(groupe de trois figures allégoriques) : Forcer tenant dans ses mains une branche de chêne - symbole de la famille du pape Jules II, Sagesse Et Modération. Leurs figures sont pleines de grâce.

A gauche, l'empereur Justinien présentant son codex à Trébonien. La fresque a été réalisée par les élèves de Raphaël. À droite, Grégoire XI (beau portrait de Jules II) transmet des décrétales (décrets papaux) à un avocat.

Vertus : Force, Sagesse, Tempérance

Sur la voûte au-dessus de chaque fresque figure une figure allégorique dans un médaillon rond, symbolisant chacune de ces activités : Théologie, Philosophie, Poésie Et Justice, personnifiant les quatre forces spirituelles : la religion, la science, la loi et la beauté. Dans les coins de la voûte se trouvent de petites compositions, également liées dans leur thème au contenu des fresques correspondantes : « La chute"("Adam et Eve"), " Victoire d'Apollon sur Marsyas», « Astronomie" Et " Cour de Salomon" Tous les travaux décoratifs ont été magistralement planifiés et exécutés.

De même que sur les murs adjacents, la Trinité chrétienne et les pères de l'Église dans la fresque de la Dispute côtoient les dieux et poètes païens du Parnasse, de même dans les compositions de la voûte la « Chute » biblique est corrélée à la « Victoire d'Apollon sur Marsyas ». .» Le fait de combiner des images de la religion chrétienne et de la mythologie païenne dans le cadre d'une conception artistique commune sert d'exemple de la véritable attitude des gens de cette époque face aux questions de dogme religieux. Le programme officiel de création des fresques de la Stanza della Segnatura était le reflet des idées réconciliation de la religion chrétienne avec la culture ancienne, scientifiques humanistes communs de l’époque. Et la mise en œuvre artistique de ce programme dans les fresques de Raphaël Santi est devenue une preuve unité des principes laïques et ecclésiastiques.

• Emplacement: Palais papal
• Ouverture: 1508
• Coût de la visite : adulte - 16 euros, étudiants, écoliers, retraités - 8 euros
• Heures d'ouverture: 8h45 - 16h45 (samedi jusqu'à 13h45), dimanche - fermé

Sur le territoire de l’Italie moderne, à l’intérieur de la ville de Rome, se trouve un État-enclave nain. L'histoire surprend et inspire, et la petite taille de la ville abrite tellement de monuments culturels, historiques et architecturaux qu'elle est tout simplement à couper le souffle. Parlons de l'un d'eux.

Création de Rafael Santi

« Strophe » traduit de l'italien signifie pièce. Stances de Raphaël - quatre pièces dont la conception à différentes époques a été réalisée par Raphaël Santi, son mentor Pérugin et leurs disciples.

Les murs et les plafonds sont peints de fresques dont la beauté surprend et ravit les visiteurs du palais. Chaque dessin se distingue par son exécution harmonieuse, son intrigue réaliste, ses détails et sa signification profonde. Il existe une légende selon laquelle le pape Jules II, voyant le travail de Raphaël, fut ravi et ordonna la destruction des œuvres achevées d'autres artistes. Désormais, le jeune auteur est chargé de peindre les chambres papales.

Strophe de la Segnatura

La plus grande popularité appartient à la première strophe, conçue par Rafael Santi, appelée Stanza della Segnatura. Le travail de peinture de la pièce dura trois ans (de 1508 à 1511), malgré son assez jeune âge, Santi réussit à créer une œuvre d'art unique. Toutes les fresques de la première strophe sont thématiquement unifiées et abordent le thème important de l'activité humaine dans l'amélioration spirituelle et la connaissance de soi.

Il est à noter que le nom Stanza della Segnatura signifie littéralement « signer, mettre des signes, des sceaux ». C'est cette pièce qui servait de bureau dans lequel le Pape signait les documents. Ce fait est devenu décisif lorsque la question du changement de nom des chambres a été examinée.

La meilleure œuvre de cette strophe, et même de toute l’œuvre de Raphaël, selon les historiens et les critiques d’art, est la fresque « L’École d’Athènes ». Il a capturé le débat entre les philosophes grecs Aristote et Platon, discutant du monde des idées humaines et du monde spirituel. Cette fresque représente également d'autres philosophes célèbres, et même Raphaël lui-même. Les héros de l'Antiquité ressemblent en apparence aux héros du Moyen Âge - cela indique une relation étroite entre la philosophie de l'Antiquité et la théologie médiévale.

Strophe d'Eliodoro

Raphaël consacra les trois années suivantes à peindre la pièce, connue sous le nom de Strophe d'Eliodoro. Les fresques de cette salle sont unies par le thème de la protection de Dieu, qui protège l'Église.

La fresque principale de la chambre est considérée comme une peinture représentant le commandant militaire syrien Eliodorus, expulsé du temple de Jérusalem par un cavalier. Le nom du personnage principal servait de nom à la strophe. Dans la salle se trouvent 2 autres fresques dédiées à des événements qui n'auraient pas pu se produire sans l'aide du pouvoir divin. Le tableau «La délivrance de l'apôtre Pierre de la prison» représente une histoire biblique selon laquelle un ange a aidé à libérer l'apôtre emprisonné en prison. La fresque restante, "Messe à Bolsena", raconte l'histoire d'un miracle survenu en 1263. Pendant le service, l'ecclésiastique incroyant a ramassé un hostia, un pain plat utilisé lors du sacrement de communion, et dans ses mains, il a commencé à saigner.

Strophe Incendio di Borgo

La troisième strophe est la dernière sur laquelle Maître Raphaël lui-même a travaillé. On l'appelle Incendio di Borgo, en l'honneur de la fresque du même nom qui décore l'un des murs de la pièce. Le thème d'Incendio di Borgo est associé à l'incendie qui a ravagé le quartier de Borgo, situé à proximité immédiate du Palais des Papes du Vatican. La tradition dit que le pape Léon IV a pu arrêter l'incendie et sauver les croyants grâce au pouvoir de la croix miraculeuse qu'il a placée.

En général, la troisième strophe raconte la vie et les actes du pape Jules II et du pape Léon X. Le travail de peinture d'Incendio di Borgo a duré de 1514 à 1517. En 1520, Raphaël mourut et certains de ses élèves les plus talentueux commencèrent à achever les travaux.

Strophe de Constantin

La dernière des quatre chambres du palais papal est la Strophe de Constantin. Il a été réalisé d’après les croquis de Raphaël, mais pas par lui-même, mais par ses élèves. Les fresques de la salle racontent la lutte dans l'Empire romain entre l'empereur et les païens. La composition de la strophe se compose de plusieurs tableaux thématiques, dont le premier est la fresque « Vision de la Croix ». Selon la légende, l'empereur Constantin, se préparant pour la bataille décisive contre Maxence, a vu une croix brillante dans le ciel avec une inscription disant « Par cette victoire ».

La composition se poursuit avec un tableau représentant la bataille du pont Milvius et le rite du baptême selon les lois chrétiennes, que l'évêque a complété par la signature « Le don de Constantin ». La tradition raconte que c'est à cette époque que l'empereur accorda aux papes une charte et en même temps un pouvoir illimité dans la partie occidentale du Grand Empire romain.

Information utile

Puisque les strophes de Raphaël sont incluses dans la composition, pour les regarder, vous devez visiter le complexe du musée. L'entrée est autorisée avec un billet d'entrée unique, dont le coût pour les adultes sera de 16 euros, pour les écoliers, étudiants et retraités exactement la moitié du prix. Le prix d'un billet acheté en ligne sera 4 euros plus cher.

Le Musée du Vatican est ouvert au public tous les jours sauf le dimanche. Du lundi au vendredi, le musée est ouvert de 8h45 à 16h45, le samedi de 8h45 à 13h45. Il est important de savoir qu'il est interdit de visiter le musée en tenue trop révélatrice ou en tenue de plage.

Arriver ici est assez simple et plusieurs moyens sont disponibles.

1. Si vous prenez le métro, vous devez choisir l'un des trains de la ligne A et vous rendre à l'arrêt Cipro-Musei Vaticani ou Ottaviano-S. Pietro. Marchez ensuite environ 10 minutes.
2. Vous pouvez également prendre les bus n° 32, 81, 982 jusqu'à Piazza Risorgimento. Ensuite, comme dans le premier cas, il faudra marcher un peu. Alternativement, vous pouvez prendre le tram numéro 19, qui vous emmènera non seulement au musée, mais vous fera également traverser toute la ville.

Date de dernière mise à jour : 03/04/2020

L'une des principales attractions de Rome, qui fait partie du complexe des Musées du Vatican, comprend quatre salles peintes par le grand artiste avec ses talentueux élèves entre 1508 et 1524. « Les Stances de Raphaël » traduit de l'italien signifie « les chambres de Raphaël » (la strophe -chambre ).

L'une des premières et des plus grandes œuvres Raphaël Santi à Rome est devenu une peinture artistique des appartements papaux. Giuliano della Rovere, élu pape sous le nom de Jules II, refusa d'utiliser l'appartement où vivait auparavant le pape Alexandre VI Borgidia comme résidence personnelle.

Jules II choisit plusieurs pièces spacieuses au deuxième étage du palais apostolique et engagea des artistes célèbres pour travailler sur la conception décorative des pièces. Parmi les artistes impliqués figuraient Bramante, Baldassare Peruzzi, Lorenzo Lotto et même Pietro Perugino, l'un des premiers professeurs de Raphaël. D’ailleurs, la peinture du plafond d’une des pièces sur laquelle travaillait le Pérugin n’a pas tellement plu au Pontife que, dès qu’il a vu l’œuvre du maître, il a ordonné qu’elle soit immédiatement lavée. De la même manière, Jules II n’apprécie pas les efforts des autres artistes impliqués. Selon Vasari, c'est Bramante, qui était à l'époque l'architecte en chef de la basilique Saint-Pierre, qui a conseillé d'inviter le jeune et peu connu Raphaël à terminer le travail.

Satisfait des premiers résultats du travail du talentueux artiste, Jules II confie entièrement à Santi la peinture des appartements, ordonnant la suppression complète des œuvres des maîtres précédents.

Strophe de la Segnatura

Le nom de la salle vient de la Cour du Saint-Siège située au-dessus, appelée « Signature de Justice et Miséricorde ». Au fil des années, cette salle fut utilisée par le Pape pour divers types de réunions.

"Stanza della Segnatura" fut la première pièce sur laquelle il travailla Raphaël. Les peintures luxueuses qui décorent les murs de la pièce sont des images allégoriques de la théologie, de la philosophie, du droit et de la poésie qui, selon l'auteur, constituent la base de la société humaine. L'amour et la gentillesse naissent avec la religion, la philosophie donne la raison à l'homme, la beauté est donnée par la poésie et l'art, et la justice peut triompher grâce à la justice.

Ce thème décoratif de la pièce suggère qu’elle était initialement destinée à abriter soit le bureau du Pontife, soit sa bibliothèque personnelle, même si aucune preuve documentaire n’a été trouvée à ce sujet.

Strophe d'Eliodoro

En 1511, après avoir fini de peindre la première salle, Raphaël commença à créer des esquisses pour les fresques de la salle voisine, destinées aux audiences papales. A cette époque, le pape Jules II venait de rentrer à Rome après une campagne militaire dévastatrice contre les Français, qui se termina pour le Saint-Siège par la perte de Bologne et créa la menace d'une invasion de troupes étrangères sur la péninsule. L'instabilité politique a incité Raphaël à créer un cycle de fresques racontant la protection que Dieu peut accorder à travers la foi chrétienne et l'Église. Les histoires présentées racontent certains événements historiques et les miracles qui s'y sont produits. La peinture de la Chambre d'Eliodoro se poursuivit de 1511 à 1514.

Strophe de l'Incendie de Borgo

La dernière des quatre pièces à la décoration desquelles Raphaël a directement participé. Le maestro a confié la plupart des travaux de peinture artistique de la salle à ses élèves, parmi lesquels Giulio Romano, Giovanni Francesco Panni, Giovanni da Udine et quelques autres. Il a lui-même participé à la mise en œuvre d'autres projets, notamment un projet à grande échelle de construction de la basilique Saint-Pierre, étant nommé au poste d'architecte en chef de la cathédrale.

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La "Stanza del Incendio di Borgo" était destinée aux dîners. Les sujets pris comme base pour les compositions des fresques sont liés à des événements réels de l'histoire du Saint-Siège. Travailler à la création de croquis pour la salle à manger Raphaël a commencé en 1513, peu après le couronnement du pape Léon X. Admirant les premières œuvres du jeune artiste, le Pontife souhaitait voir sur les murs de la salle un cycle de fresques racontant les événements les plus significatifs de la vie de ses prédécesseurs, en particulier le pape Léon III et le pape Léon IV.

La fresque la plus significative de la troisième strophe est « Le Feu à Borgo » (Incendio di Borgo), d'où vient le nom de la pièce elle-même. La fresque raconte les événements du milieu du IXe siècle, lorsqu'un grave incendie s'est produit à Rome. Quartier du Borgo(c'est le nom de la zone proche de la basilique Saint-Pierre) a été presque entièrement ravagée par le feu. Le pape Léon IV, après avoir envoyé une bénédiction au peuple romain, réussit à arrêter miraculeusement le désastre et ainsi à sauver la population de la ville.

Salle de Constantin

La quatrième et dernière pièce des célèbres appartements pontificaux est la « Salle de Constantin ». La peinture de la salle a été commandée à Raphaël en 1517, mais le grand maestro n'a réussi qu'à préparer des croquis. Raphaël est mort en 1520à l'âge de 37 ans. Les fresques ont été peintes par les élèves du célèbre artiste - Giulio Romano, Giovanni Francesco Panni, Raffaellino del Colle et Perin del Vaga - entre 1520 et 1524. Le plafond de la salle a reçu des peintures un peu plus tard ; l'artiste sicilien Tommaso Laureti a travaillé à leur création.

La « Salle de Constantin » était principalement utilisée pour de somptueux banquets et des réceptions cérémonielles. Le cycle de fresques est consacré à des scènes de la vie de Constantin le Grand, premier empereur romain baptisé. C'est sous Constantin que les premières églises chrétiennes commencèrent à être construites et que toutes sortes de persécutions pour des croyances religieuses étrangères au monde païen cessèrent.

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