Les peintures les plus mystérieuses de l'histoire. Très intéressant! Histoires de peintures célèbres Ce que disent les peintures des artistes

Toile, huile. 144 par 162 cm

Pour la première fois, j'ai vu l'image... Plus précisément, bien sûr, je devrais dire ceci : j'ai appris l'existence de cette image grâce au film « Mr. Bean » avec la participation de Rowan Atkinson. C'est exactement de cela dont nous parlons long métrage produit en 1997, et non sur la série télévisée de 14 épisodes du même nom (de 1990 à 1995). Ainsi, selon l'intrigue du film, un tableau de James Whistler a été acheté dans un musée français en France par un homme riche et donné au Los Angeles galerie d'art. Gardien du Royal Galerie britannique M. Bean a accidentellement mais désespérément ruiné la tête de la mère de l'artiste. Des centaines de millions de personnes dans le monde rient encore et rient encore des circonstances de cette horreur. Et en général, je n'étais pas moins inquiet que le malheureux M. Bean lui-même.

René Magritte "Château dans les Pyrénées"

L’image ne s’appelle pas Castle in the Air ! Et pourquoi devrait-on l’appeler ainsi, car les châteaux dans les airs sont quelque chose d’éphémère, d’impossible à réaliser, issu du royaume des chimères et des vains espoirs. Et devant nous se trouve l'incarnation d'une énorme lourdeur, d'une massivité, d'un château d'astéroïdes en pierre. Par conséquent, seul un surréaliste pourrait l’accrocher au-dessus de la mer et lui enlever toute sa massivité. Après tout, le surréalisme est au-dessus, en dessous, au-dessus, sur le côté... n'importe où, mais pas la réalité elle-même ! Eh bien, même si Magritte lui-même disait que le surréalisme est une réalité libérée du sens banal. Je peux jouer avec les mots et je peux dire beaucoup de choses... Je ne sais tout simplement pas dessiner. Et René Magritte décide en 1959 de suspendre la terre à rien et peint son Le Château des Pyrénées - Château dans les Pyrénées. Il est fort possible qu'un autre artiste, James Cameron, mais dans 50 ans, redonne du sens à l'existence d'habitations en pierre en apesanteur.

Vassili Ivanovitch Sourikov « Boyaryna Morozova ». Toile, huile. 304 par 587,5 (1887)

"Boaryna Morozova" - l'une des célèbres peintures historiques de Surikov. À bien des égards, cela me rappelle le tableau « », écrit 6 ans avant « Boyaryna Morozova », bien que l'idée de peindre la noble soit venue à Sourikov précisément en 1881, l'année où il a écrit « Matin ». Exécution Streltsy" Je ne parlerai pas de technique d’interprétation, je parlerai de l’intrigue. Ici et là, le siège du jugement des visions du monde est représenté. En 1881, Surikov décrit la destruction de la classe Streltsy et en 1887, le massacre des Vieux-croyants. Ici comme ici, il y a des témoins du procès - des gens, la ville, des bâtiments. Dans « Le matin de l’exécution des Streltsy », la cathédrale Saint-Basile domine les Streltsy ; dans « Boyaryna Morozova », le monastère Chudov reçoit le signe de deux doigts d’une femme schismatique. Ici et là, il y a deux vérités : la vérité des archers et la vérité réformiste de Pierre Ier ; la vérité du patriarche Nikon, le réformateur de l'Église et la vérité des schismatiques. Eux, ces différentes vérités russes, se sont affrontés non pas pour la vie, mais pour la mort. Ils se sont alors affrontés de telle sorte qu'aujourd'hui nous ne connaissons qu'une seule vérité : Pierre Ier était un grand tsar russe, un empereur réformateur, et les Vieux-croyants, qui ne comptent aujourd'hui qu'environ un million de personnes, ne sont rien de plus qu'un exotisme de l'Orthodoxie.

Toile, huile. 199,5 sur 254 cm

Un autre titre du tableau est « Ivan le Terrible tue son fils" Si vous regardez le tableau d’Ilya Repin à l’œil « nu », vous pouvez voir une grande tragédie. Dans les bras de son père, son fils bien-aimé meurt d'une blessure mortelle. Les yeux du roi sont pleins de chagrin et de désespoir, de peur et de douleur pour un bien aimé. Le père semblait saisir, comme s'il arrachait la tête du prince sous les coups, il essayait de sauver son fils d'un mal inconnu qui empiétait sur sa vie. Qu’est-ce que le meurtre a à voir là-dedans ? Que signifie le titre du tableau « Ivan le Terrible tue son fils » ? C'est comme ça qu'ils tuent ?! Le roi a-t-il vraiment frappé son fils avec colère, au point qu'il est mort sur le coup ?

Huile sur toile, 1533, 207 sur 209 cm

Une fois de plus, je suis convaincu que l’époque de l’artiste, les gens qui l’entourent, les mouvements politiques et religieux de la société, tout cela influence directement son travail et se reflète dans ses œuvres. L'idée semble évidente, mais de nombreux artistes affirment qu'ils ne se soucient pas des choses extérieures, l'essentiel pour eux est de créer. De nombreux écrits ont été publiés à ce sujet et le sujet a suscité de nombreuses discussions.

Donc, Hans Holbein le Jeune (1497 – 1543), artiste allemand et lui tableau "Ambassadeurs".

En 1529, le roi anglais Henri VIII demanda au pape d'annuler son mariage afin de pouvoir en épouser une autre, Anne Boleyn. Le pape refusa, puis le roi rompit ses relations avec le Vatican et, en 1534, il devint lui-même chef de l'Église anglaise. Ainsi commença le schisme de l’Église en Angleterre, ou autrement dit la Réforme.

Huile, tempera, pastel, carton, 91 x 73,5 cm

Peinture "Cri" le tableau le plus célèbre d'un artiste norvégien Edvard Munch(1863 – 1944), l’une des peintures les plus expressives de l’expressionnisme. C’est l’image que donnent les éditeurs modernes littérature de masse pourrait en toute confiance être placé dans une sélection avec un titre comme « Les dix peintures les plus terrifiantes de l’histoire ».

L'œuvre a été créée par l'artiste en au moins cinq versions (deux versions - peinture à l'huile, deux options - pastel, une option - lithographie) et est un exemple classique de la clarté de la peinture à un large cercle spectateurs. La peinture d'un enchevêtrement émotionnel complexe, la peinture non pas de formes et de couleurs extérieures, mais d'une explosion intérieure véhiculée par un pinceau et des peintures, est ressentie clairement et sans ambiguïté par les gens. Tu voulais dire quoi Edvard Munch? À mon avis, il a dit exactement ce qu'il voulait ! Et tout le monde a entendu : de nombreuses références dans la culture populaire, l'enthousiasme des collectionneurs, l'appel au "Cri" d'autres artistes, beaucoup d'interprétations de critiques d'art, de psychiatres, de sociologues, juste beaucoup d'argent aux enchères, et, comme on le note à juste titre, l'argent n'est pas payé pour beaucoup le nom de l'artiste, mais pour l'œuvre elle-même. Et tout cela n'est qu'un côté du problème...

Gravure au burin sur cuivre, 23,9×18,8 cm

L'image est agrandie

« Restez éveillé, sinon vous tomberez dans la paresse et l'oubli... N'oubliez pas que vous devez remplir la mission que la Providence vous a assignée. Le moment venu, cela vous ouvrira les yeux et vous guidera sur le bon chemin. Soyez toujours prêt à cela... Écoutez attentivement et vous entendrez quand l'appel retentira !.."

Astrologues anciens sur Saturne

Une femme ailée est assise pensive, entourée d'objets : mesures, outils de menuiserie. Il y a un ballon à proximité (peut-être en bois, récemment raboté). L'abondance de détails ne détourne pas l'attention de la figure ailée. Elle se détache dans le plan général, comme si elle se trouvait en dehors (ou au-dessus ?) du monde environnant. Les événements et la vie se déroulent sans sa participation. Le sablier accroché au mur renforce cette sensation. Et tout cela s'appelle mélancolie, ce qui ressort clairement de l’inscription portée par la chauve-souris (c’est ainsi que l’appellent les critiques d’art, même si je chauve souris Je reconnais peu de choses chez cette créature à queue).

Que de symboles, d'allégories, quelle composition pensée dans les moindres détails ! Pour les gens vivant à cette époque (1514), de telles allégories étaient plus ou moins compréhensibles. Que nous représente cette gravure ? Si vous ne vous lancez pas dans l’interprétation, n’ayant qu’une image et un nom sous les yeux ?

Papier teinté, huile, 1510, 28 × 22,5 cm

L'image est agrandie

Plusieurs centaines de générations de personnes ont vécu à une époque dont nous avons les idées les plus vagues. Qui sait en quoi la vie d'un citadin est différente début du XIVe de son séjour à la fin de ce siècle ? D’ailleurs, il nous est difficile de distinguer la vie et les coutumes du début et de la fin d’une période de mille ans ! Des siècles entiers se confondent pour nous en une seule époque, sombre et sauvage. Moyen-âge.

Un tel nom période historique a été donnée par les penseurs de la Renaissance, désignant la période allant de la chute de la Rome antique à leur époque, qu'ils appelaient naturellement la Nouvelle. Tout aussi naturellement, toute la culture début de la Renaissance a fondu en lui la vie et l'héritage du passé immédiat.

Huile sur toile, 1825-1827 76 par 68 cm

L'image est agrandie.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, un nouveau mouvement est apparu : impressionnisme. L'essentiel était là : le transfert d'un sentiment momentané, d'un instant, sans approfondir la philosophie et le raisonnement. Les peintures impressionnistes sont généralement joyeuses (ou agréablement nostalgiques et tristes). Ils sont légers et naturels.

En 1808, Napoléon entre en Espagne et de longues et sanglantes batailles commencent dans les villes. Le peuple espagnol a farouchement résisté à l’envahisseur. "L'erreur numéro un va à l'Espagne", a écrit Napoléon sur l'île de Sainte-Hélène (je pense que la deuxième erreur sera claire). Les conséquences de la guerre plus tard, après l'expulsion des guerres françaises, seront décrites par François Goya

L'image est agrandie. On peut voir que l’image est fissurée et déformée ; Initialement, cette toile est d'une couleur noire uniforme.

Regarde l'image Kazimir Malevitch "Place du Suprématisme Noir" n'est possible que dans le cadre de la direction picturale créée par Malevitch appelée Suprématisme. La seule façon. Sinon, la conversation sur cette œuvre n'ira pas au-delà du banal « le roi n'a pas de vêtements » ou « un enfant de la maternelle sait tout aussi bien dessiner ». Je ne vais pas non plus discuter de la valeur monétaire du tableau, couplée à la conspiration mondiale des experts en art (occidentaux, bien sûr) contre la santé mentale de la population laborieuse de la planète.

Au fil du temps, de nombreuses œuvres d’art acquièrent toute une histoire. Bons ou pas, complètement différents, insolites, souvent effrayants, ils ajoutent une certaine aura au tableau le plus modeste. À propos, de telles auras sont parfaitement visibles pour les spécialistes en bioénergétique et les médiums. Des événements sont également associés aux peintures. Qu'ils se produisent en conséquence ou simplement coïncident dans le temps, nous ne discuterons pas. Voici une brève revue œuvres similaires nous le ferons, nous raconterons les histoires de la peinture.

L’un des plus remarquables parmi les « damnés » est une reproduction d’un tableau de l’Espagnol Giovanni Bragolin « Garçon qui pleure« On sait que l'artiste l'a dessiné de son propre fils. Mais le modèle, en raison de son âge, ne pouvait pas crier à l'ordre. Ensuite, le père s'est mis au travail et a amené l'enfant au bon état. Il savait que le bébé avait peur du feu. Alors le père a allumé des allumettes et les a tenues près du visage du garçon, l’enfant s’est mis à pleurer et l’artiste s’est mis au travail.

Bragolin a sacrifié les nerfs de son enfant au profit de sa passion pour le dessin. De plus, la légende raconte qu'un jour l'enfant n'a pas pu le supporter et a souhaité à son père : « Brûle-toi ! », et quelques semaines plus tard, le bébé est mort d'une pneumonie. Son père lui a également survécu pendant une courte période ; sa maison a été incendiée.

L'histoire s'est poursuivie en Angleterre en 1985. A cette époque, une épidémie d'incendies a commencé dans le nord du pays. Des immeubles d’habitation brûlent, de manière totalement arbitraire, et des gens meurent.

Le seul détail intéressant est qu'après l'incendie, une seule chose reste intacte : une certaine reproduction. Le nombre de messages augmente et atteint une masse critique.

L'un des inspecteurs déclare que c'est le « Crying Boy » qui s'avère être caractéristique commune tous les incendies.
Ensuite, les journaux et la police reçoivent un flot de messages décrivant tous les cas impliquant cette reproduction. Au point qu'il est officiellement proposé de se débarrasser de cette image inquiétante dans la maison. Fait intéressant, l'original lui-même est considéré comme perdu, il n'en existe qu'une copie.

La prochaine « toile à risque d'incendie » est la création des « Nymphéas » impressionnistes de Monet.

L'un après l'autre, pour une raison inconnue, l'atelier du créateur a brûlé, puis les maisons des propriétaires - un cabaret à Montmartre à Paris, la maison d'un philanthrope français, le Musée des Arts Modernes de New York. Sur ce moment Le tableau se comporte tranquillement et est accroché calmement au Musée Mormoton (France).

Un autre « brûleur » est situé à Edimbourg en Musée Royal. Pas particulièrement image impressionnante, portrait d'un vieil homme avec avec le bras tendu. Selon la légende, les doigts de cette main bougent, mais tout le monde ne peut pas le voir. Mais ceux qui l’ont vu mourront bientôt dans le feu.

Il y a deux victimes connues de ce tableau : Belfast (un capitaine de vaisseau) et Lord Seymour. Tous deux ont affirmé avoir vu les doigts bouger et tous deux sont morts. Le directeur du musée s'est également retrouvé entre deux incendies. D'une part, le public réclame de se débarrasser du tableau « maudit », et d'autre part, c'est le principal moyen d'attirer les visiteurs. Le vieil homme est donc à l'aise dans le musée.

Pas moins de mystères sont associés à la célèbre « Gioconda » de Léonci. Et ici, les impressions des Samis sur l’image sont variées : certains en sont ravis, tandis que d’autres sont effrayés et perdent connaissance. On pense que ce célèbre portrait a un très mauvais effet sur le spectateur. Plus d'une centaine d'événements de ce type ont été officiellement enregistrés (!), lorsque des visiteurs du musée ont perdu connaissance en contemplant le tableau. L'une de ces victimes était écrivain français Stendhal.

Il existe également des informations selon lesquelles le mannequin Mona Lisa est décédée relativement jeune, à 28 ans, et le grand Léonard avait six ans. pendant de longues années a refait le tableau, l'a corrigé, et ce jusqu'à sa mort.

Un autre mauvais tableau, « Vénus avec un miroir », est de Velazquez. On pense que tous ceux qui l'ont acquis sont morts mort violente, ou a fait faillite...

Même les musées étaient très réticents à l’inclure dans leurs expositions et l’image migrait constamment. Jusqu'au jour où un visiteur l'a attaquée, coupant la toile avec un couteau.

L’histoire d’horreur suivante, « Hands Resist Him », a été écrite par l’artiste surréaliste californien Bill Stoneham. Il l'a écrit avec une photo de lui et de sa sœur en 1972. La photo montrait un garçon au visage non dessiné et une poupée fille, presque de la taille d’un enfant, debout près d’une porte vitrée. Les mains des enfants reposent contre la porte de l’intérieur.
L’histoire des troubles liés à ce tableau a commencé avec le critique d’art qui l’a évalué.

Il est décédé subitement et rapidement. Le suivant était un acteur de cinéma. De plus, il y a une lacune dans l’histoire ; le tableau était considéré comme disparu. Et puis une certaine famille la découvre dans un tas d'ordures et, bien sûr, l'entraîne dans la maison. De plus, ils l'accrochent dans la crèche. En conséquence, la fille ne dort pas la nuit, crie et dit que les enfants sur la photo bougent et se battent. Ils ont installé une caméra avec un capteur de mouvement dans la pièce et elle s'éteint la nuit.

La famille décide de se débarrasser du tableau et le met aux enchères en ligne. Immédiatement, les organisateurs ont commencé à recevoir une mer de plaintes selon lesquelles après avoir regardé les films pendant une longue période, les gens tombaient malades, ayant même des crises cardiaques.

Finalement, « Hands Resist Him » est racheté par le propriétaire d'un galerie d'art. Laquelle devient désormais également propriétaire d'un tas de plaintes contre elle. D'ailleurs, il reçoit également des offres d'exorcistes. Les médiums parlent généralement d’une seule voix du mal émanant du tableau.

Cette photo était le prototype de « Hands Resist Him » :

C'est aussi Stoneham mais plus tard

La peinture russe a aussi ses bizarreries. Depuis l’école, tout le monde connaît la Troïka de Perov. La racine de ce trio est un petit garçon blond. Perov a trouvé un modèle pour cette image à Moscou. Une femme et son fils de 12 ans marchaient dans la rue en pèlerinage.

La femme a perdu tous ses autres enfants et son mari, et Vasya est devenue sa dernière consolation. Elle ne voulait vraiment pas que le garçon pose, mais plus tard, elle a quand même accepté. Mais une fois le tableau terminé, Vasya est mort très rapidement... La femme demande de lui donner le tableau, mais l'artiste ne peut plus le faire, le tableau à cette époque se trouve déjà dans la galerie Tretiakov. Et Perov peint alors un portrait du garçon et le donne à sa mère.

Vroubel a aussi un travail acharné. Le portrait de son fils Savva a été peint peu avant mort inattendue garçon.
Mais « Le Démon vaincu »…. Vrubel l'a constamment réécrit, a changé la couleur et l'œuvre a eu un impact très grave sur le psychisme de l'artiste.

Il n'a jamais cessé de travailler, même après que l'œuvre ait été exposée à l'exposition... Vrubel est même venu à l'exposition et a travaillé sur la toile. Bekhterev lui-même l'a examiné. En conséquence, les proches appellent le psychiatre Bekhterev et il pose un terrible diagnostic. Vrubel est placé à l'hôpital, où il meurt bientôt.

Plus couple intéressant peintures

L'un d'eux est "Maslenitsa" de Kuplin

le second appartient à Antonov.

Les peintures ont acquis une renommée particulière en 2006, lorsqu'un enregistrement est apparu sur Internet, prétendument au nom d'un étudiant. Qui a déclaré que la copie appartenait à la plume d’un fou, mais il y a un trait dans l’image qui indique immédiatement le trouble mental de l’auteur. Beaucoup de gens commencent à chercher cette différence, mais bien sûr ils ne la trouvent pas... ou plutôt, il existe de nombreuses options proposées, mais il n'est pas possible de vérifier l'exactitude... pour l'instant)

Un autre épouvantail était le portrait de Maria Lopukhina, peint à l'époque de Pouchkine.
Sa vie a été très courte et presque immédiatement après avoir créé le tableau, elle est morte de tuberculose.

Son père, dont on dit qu'il était un maître maçon, a réussi à capturer l'esprit de sa fille dans un tableau. Et maintenant, chaque fille qui regarde le portrait risque de mourir. Elle a déjà plus d'une douzaine de jeunes filles à son compte. En 1880, le tableau fut acheté par le philanthrope Tretiakov. Après cela, les rumeurs se taisent.

Le prochain tableau « sombre » est « Le Cri » de Munch. Sa vie n'a été qu'une grande tragédie noire : la mort de sa mère en jeune âge, la mort d'une sœur et d'un frère, puis la « schizophrénie » d'une autre sœur. Dans les années 90, après une dépression nerveuse, il a été soigné par électrocution. Il a peur du sexe et donc de ne pas se marier. Munch meurt à l'âge de 81 ans, après avoir livré ses peintures (1 200), ses croquis (4 500) et 18 000 photographies.
Le tableau principal de Munch était son "Le Cri".

Beaucoup de ceux qui ont dû entrer en contact avec le tableau reçoivent un coup du sort : ils tombent malades, se disputent avec leurs proches, tombent dans une grave dépression ou meurent.
Il y en a déjà pas mal histoires effrayantes. Un employé, complètement homme en bonne santé, il l'a laissé tomber accidentellement et a eu par conséquent des crises de maux de tête de plus en plus graves, cela a duré jusqu'à ce que le ministre se suicide. Une autre personne qui a laissé tomber le tableau a été touchée accident de voiture et a subi de graves fractures aux bras, aux jambes, aux côtes, au bassin et une commotion cérébrale. Et ici, nous pouvons inclure un visiteur curieux qui a poussé la photo avec son doigt. Quelques jours plus tard, il brûle vif dans sa propre maison.

Le Néerlandais Pieter Bruegel l'Ancien écrivit « L'Adoration des Mages » en deux ans.

Le modèle de la Vierge Marie était sa cousine, une femme stérile qui fut battue par son mari pour cela. Elle était la raison mauvaise aura peintures. La toile a été achetée quatre fois par des collectionneurs et après cela, aucun enfant n'est né dans les familles pendant 10 à 12 ans. En 1637, Jacob van Kampen achète le tableau. À cette époque, il avait déjà trois descendants, il n'avait donc pas peur de la malédiction.

Si vous regardez cette image pendant environ cinq minutes d'affilée, la fille sur la photo change : ses yeux deviennent rouges, ses cheveux deviennent noirs et ses crocs poussent.

"The Rain Woman" a été écrit par Svetlana Taurus en 1996. Six mois auparavant, elle avait commencé à ressentir une sorte d'attention, d'observation.

Puis un jour, Svetlana s'est approchée de la toile et y a vu cette femme, toute son image, ses couleurs, ses textures. Elle a peint le tableau très rapidement, c’était comme si quelqu’un bougeait la main de l’artiste.
Après cela, Svetlana a essayé de vendre le tableau. Mais le premier acheteur a vite rendu le tableau, car il lui semblait qu'il y avait quelqu'un dans l'appartement, elle rêvait de cette femme.

Il y avait un sentiment de silence, un sentiment de peur et d'anxiété. Pluie. La même chose s'est répétée plusieurs fois. Aujourd'hui, le tableau est accroché dans l'un des magasins, mais il n'y a plus d'acheteurs. Même si l'artiste pense que le tableau attend simplement son spectateur, celui à qui il est destiné.

3 décembre 1961 au Musée de New York Art contemporain Un événement important s'est produit : le tableau de Matisse « Le Bateau », qui était resté à l'envers pendant 46 jours, a été correctement accroché. Il faut dire qu'il ne s'agit pas d'un incident amusant isolé associé aux peintures de grands artistes.

Pablo Picasso a peint l'un de ses célèbres portraits en moins de 5 minutes

Un jour, une connaissance de Pablo Picasso, regardant ses nouvelles œuvres, dit sincèrement à l'artiste : « Désolé, mais je ne comprends pas cela. De telles choses n’existent tout simplement pas. Ce à quoi Picasso rétorquait : « Vous et Chinois Ne comprennent pas. Mais ça existe toujours. » Cependant, beaucoup ne comprenaient pas Picasso. Une fois qu'il suggéra à l'écrivain russe Ehrenburg, son bon ami, peins son portrait. Il a accepté avec joie, mais avant de pouvoir s'asseoir sur une chaise pour poser, l'artiste a annoncé que tout était prêt.

Ehrenburg s'est dit surpris de la rapidité d'exécution de l'œuvre, car même pas 5 minutes ne s'étaient écoulées, ce à quoi Picasso a répondu : « Je te connais depuis 40 ans. Et pendant toutes ces 40 années, j’ai appris à peindre des portraits en 5 minutes.

Ilya Repin a aidé à vendre un tableau qu'il n'a pas peint

Une dame a acheté au marché pour seulement 10 roubles un tableau tout à fait médiocre, sur lequel apparaissait fièrement la signature « I. Repin ». Lorsque l'amateur d'art a montré cette œuvre à Ilya Efimovich, il a ri et a ajouté "Ce n'est pas Repin" et a signé son autographe. Après un certain temps, une dame entreprenante a vendu le tableau artiste inconnu avec l'autographe du grand maître pour 100 roubles.

Les ours du célèbre tableau de Chichkine ont été peints par un autre artiste

Il existe une loi tacite parmi les artistes : l’entraide professionnelle. Après tout, chacun d'eux a non seulement des histoires préférées, mais forces, mais aussi des points faibles, alors pourquoi ne pas s'entraider. Ainsi, on sait avec certitude que pour le tableau «Pouchkine au bord de la mer» d'Aivazovsky, la figure du grand poète a été dessinée par Repin, et pour le tableau «Jour d'automne» de Levitan. Sokolniki", la dame en noir, a été peinte par Nikolaï Tchekhov. Le peintre paysagiste Shishkin, qui pouvait dessiner chaque brin d'herbe et chaque aiguille dans ses peintures, lors de la création du tableau « Morning in forêt de pins« Les ours ne sont pas venus du tout. C’est pourquoi Savitsky a peint les ours du célèbre tableau de Chichkine.

Un morceau de panneau de fibres de bois, sur lequel de la peinture était simplement versée, est devenu l'une des peintures les plus chères

Le tableau le plus cher au monde en 2006 était le numéro 5 de Jackson Pollock, 1948. Lors d'une vente aux enchères, le tableau a été adjugé 140 millions de dollars. Cela peut paraître drôle, mais l’artiste ne s’est pas vraiment « soucié » de la création de ce tableau : il a simplement versé de la peinture sur un morceau de panneau de fibres posé au sol.

Rubens a chiffré la date de création de son tableau à l'aide des étoiles.

Critiques d'art et scientifiques pendant longtemps n'a pas pu établir la date de création de l'un des plus de célèbres tableaux Rubens - tableau « La Fête des Dieux sur l'Olympe ». Le mystère n’a été résolu qu’après que les astronomes ont examiné la photo de plus près. Il s’est avéré que les personnages de l’image étaient situés exactement dans le même ordre que celui des planètes dans le ciel en 1602.

Le logo Chupa Chups a été dessiné par le surréaliste de renommée mondiale.

En 1961, Enrique Bernata, propriétaire de la société Chupa Chups, demande à l'artiste Salvador Dali de créer une image pour un emballage de bonbon. Dali a répondu à la demande. Aujourd'hui, cette image, bien que sous une forme légèrement modifiée, est reconnaissable sur les sucettes de l'entreprise.

Il convient de noter qu'en 1967 en Italie, avec la bénédiction du Pape, il a été publié avec des illustrations de Salvador Dali.

Le tableau le plus cher La farine apporte le malheur

"Le Cri" de Munch a été vendu aux enchères pour 120 millions de dollars et constitue aujourd'hui le tableau le plus cher de cet artiste. On dit que Munch Le chemin de la vie qui est une série de tragédies, y a mis tellement de chagrin que l'image a absorbé l'énergie négative et se venge des contrevenants.

L'un des employés du musée Munch a accidentellement laissé tomber un tableau, après quoi il a commencé à souffrir de terribles maux de tête, ce qui a conduit cet homme au suicide. Un autre employé du musée, incapable de retenir le tableau, a été impliqué dans un terrible accident de voiture quelques minutes plus tard. Et un visiteur du musée qui s'est permis de toucher le tableau, après un certain temps, a brûlé vif dans un incendie. Il est cependant possible que ce ne soient que des coïncidences.

Le « Carré Noir » de Malevitch a un « frère aîné »

"Carré noir", qui est peut-être le tableau le plus célèbre de Kazimir Malevitch, est une toile de 79,5 * 79,5 centimètres, sur laquelle est représenté un carré noir sur fond blanc. Malevitch a peint son tableau en 1915. Et en 1893, 20 ans avant Malevitch, Alphonse Allais, écrivain humoriste français, peignait son « carré noir ». Il est vrai que le tableau d’Allais s’intitulait « Bataille de nègres dans une grotte profonde par une nuit noire ».

Le Christ et Judas dans le tableau de Léonard de Vinci ont le même visage

On dit que la création d'un tableau " Dernière Cène" a nécessité des efforts titanesques de la part de Léonard de Vinci. L'artiste a rapidement trouvé la personne sur laquelle l'image du Christ a été peinte. Un des chanteurs a été choisi pour ce rôle chorale d'église. Mais Léonard de Vinci a cherché « Judas » pendant trois ans.

Une fois dans la rue, l'artiste a vu un ivrogne qui tentait en vain de sortir d'un puisard. Da Vinci l'a emmené dans l'un des débits de boissons, l'a fait asseoir et a commencé à dessiner. Imaginez la surprise de l’artiste lorsque, après avoir ouvert ses pensées, l’ivrogne avoua qu’il avait déjà posé pour lui il y a plusieurs années. Il s’est avéré qu’il s’agissait du même chanteur.

Aujourd'hui, dans chaque musée, vous pouvez écouter de merveilleux guides qui vous parleront en détail de la collection et des artistes qui y sont représentés. Dans le même temps, de nombreux parents savent qu'il est difficile pour la plupart des enfants de passer ne serait-ce qu'une heure dans un musée, et les histoires sur l'histoire de la peinture les fatiguent assez rapidement. Pour éviter que les enfants ne s'ennuient au musée, nous proposons aux parents une « aide-mémoire » - dix histoires divertissantes sur les peintures de la galerie Tretiakov qui intéresseront aussi bien les enfants que les adultes.

1. Ivan Kramskoï. "Sirènes", 1871

Ivan Kramskoy est principalement connu comme l'auteur du tableau « Inconnu » (il est souvent appelé à tort « Étranger »), ainsi que d'un certain nombre de beaux portraits: Léon Tolstoï, Ivan Chichkine, Dmitri Mendeleev. Mais il est préférable que les enfants commencent à se familiariser avec son travail dès image magique"Sirènes", dont c'est l'histoire.
En août 1871, l'artiste Ivan Kramskoy visitait la propriété de campagne de son ami, amateur d'art et célèbre philanthrope Pavel Stroganov. En marchant le soir, il admirait la lune et admirait sa lumière magique. Au cours de ces promenades l'artiste décide d'écrire paysage de nuit et essayez de transmettre tout le charme, toute la magie d'une nuit au clair de lune, « pour attraper la lune » - dans sa propre expression.
Kramskoy a commencé à travailler sur le tableau. La rive du fleuve est apparue dans nuit au clair de lune, une butte et une maison dessus, entourées de peupliers. Le paysage était magnifique, mais il manquait quelque chose : la magie n'était pas née sur la toile. Le livre de Nikolai Gogol "Soirées dans une ferme près de Dikanka" est venu en aide à l'artiste, ou plutôt une histoire intitulée "La nuit de mai ou la femme noyée" - fabuleuse et un peu effrayante. Et puis des filles sirènes sont apparues sur la photo, éclairées par le clair de lune.
L'artiste a travaillé si soigneusement sur le tableau qu'il a commencé à en rêver et a constamment voulu y compléter quelque chose. Un an après son achat par le fondateur de la galerie Tretiakov, Pavel Tretiakov, Kramskoy a de nouveau voulu y changer quelque chose et a apporté de petits changements directement dans la salle d'exposition.
La toile de Kramskoï est devenue la première peinture « de conte de fées » de l’histoire de la peinture russe.

2. Vasily Vereshchagin. "Apothéose de la guerre", 1871


Il se trouve que les gens se sont toujours battus. Depuis des temps immémoriaux, des dirigeants courageux et des dirigeants puissants équipaient leurs armées et les envoyaient à la guerre. Bien sûr, ils voulaient que leurs descendants lointains connaissent leurs exploits militaires, alors les poètes ont écrit des poèmes et des chansons, et les artistes ont créé de belles peintures et sculptures. Dans ces peintures, la guerre ressemblait généralement à des vacances - couleurs vives, des guerriers intrépides partant au combat...
L'artiste Vasily Vereshchagin connaissait la guerre de première main - il a participé à des batailles plus d'une fois - et a peint de nombreux tableaux dans lesquels il représentait ce qu'il avait vu de ses propres yeux : non seulement des soldats courageux et leurs commandants, mais aussi du sang, de la douleur et de la souffrance. .
Un jour, il a réfléchi à la façon de montrer toutes les horreurs de la guerre dans une seule image, comment faire comprendre aux spectateurs que la guerre est toujours synonyme de chagrin et de mort, comment permettre aux autres de regarder ses détails dégoûtants ? Il se rendit compte qu'il ne suffisait pas de peindre un champ de bataille parsemé de soldats morts : de telles toiles avaient déjà existé. Vereshchagin a inventé un symbole de guerre, une image, rien qu'en la regardant, tout le monde peut imaginer à quel point toute guerre est terrible. Il peint un désert brûlé, au milieu duquel s'élève une pyramide de crânes humains. Il n'y a que des arbres secs et sans vie autour, et seuls les corbeaux volent pour se régaler. Au loin on aperçoit une ville délabrée, et le spectateur peut facilement deviner qu'il n'y a plus de vie là non plus.

3. Alexeï Savrassov. «Les Tours sont arrivés», 1871


Tout le monde connaît le tableau «Les Rooks sont arrivés» depuis l'enfance, et probablement tout le monde en a écrit dissertations scolaires. Et aujourd’hui, les enseignants parleront certainement aux enfants des paysages lyriques de Savrasov et du fait que déjà au nom même de cette image, on peut entendre un joyeux signe avant-coureur du matin de l’année et que tout y est rempli d’un sens profond qui tient au cœur. Pendant ce temps, peu de gens savent que les célèbres « Tours… », ainsi que toutes les autres œuvres de Savrassov, n’auraient peut-être pas existé du tout.
Alexeï Savrassov était le fils d'un petit mercier moscovite. Le désir du garçon de se lancer dans la peinture n’a pas ravi le parent, mais Kondrat Savrasov a néanmoins envoyé son fils à l’École de peinture et de sculpture de Moscou. Les enseignants et les camarades de classe ont reconnu le talent jeune artiste et lui a prédit un grand avenir. Mais il s’est avéré que, sans même étudier pendant un an, Alexey, apparemment à cause de la maladie de sa mère, a été contraint d’arrêter ses études. Son professeur Karl Rabus a demandé de l'aide au chef de la police de Moscou, le général de division Ivan Loujine, qui a aidé le jeune homme talentueux à recevoir une éducation artistique.
Si Loujine n'avait pas participé au destin jeune artiste, l’un des tableaux les plus célèbres de l’histoire de la peinture russe ne serait jamais né.

4. Vassili Polenov. "Cour de Moscou", 1878


Parfois, pour écrire belle photo, l'artiste voyage beaucoup, cherche longtemps et méticuleusement les plus belles vues, à la fin, il trouve le lieu précieux et y revient à chaque fois avec un carnet de croquis. Et il arrive aussi que pour créer bon travail, il lui suffit d'aller à sa propre fenêtre, de regarder une cour de Moscou tout à fait ordinaire - et un miracle se produit, un paysage étonnant apparaît, rempli de lumière et d'air.
C'est exactement le miracle qui est arrivé à l'artiste Vasily Polenov, qui a regardé par la fenêtre de son appartement au début de l'été 1878 et a peint assez rapidement ce qu'il a vu. Les nuages ​​glissent facilement dans le ciel, le soleil monte de plus en plus haut, réchauffant la terre de sa chaleur, éclairant les dômes des églises, raccourcissant les ombres épaisses... Cela semble être une simple image, que l'artiste lui-même n'a pas prise. sérieusement au début : il l’a écrit et l’a presque oublié. Mais ensuite il a été invité à participer à l'exposition. Il n'avait rien d'important et Polenov a décidé d'exposer « La cour de Moscou ».
Curieusement, c'est cette "image insignifiante" qui a apporté la renommée et la gloire à Vasily Polenov - le public et les critiques l'ont adorée : elle a de la chaleur et des couleurs vives, et ses personnages peuvent être regardés à l'infini, inventant une histoire sur chacun d'eux. .

5. Ivan Chichkine. "Matin à forêt de pins", 1889

« Matin dans une forêt de pins » d'Ivan Chichkine est probablement le tableau le plus célèbre de la collection de la galerie Tretiakov. Dans notre pays, tout le monde la connaît, grâce aux reproductions en manuels scolaires, ou peut-être grâce à des chocolats"Ours en peluche."
Mais tout le monde ne sait pas que Shishkin lui-même n'a peint qu'une forêt matinale dans une brume brumeuse et n'a rien à voir avec les ours. Ce tableau est le fruit de la créativité commune de Shishkin et de son ami l'artiste Konstantin Savitsky.
Ivan Chichkine était maître consommé dépeignent toutes sortes de subtilités botaniques - critique Alexandre Benois Il a été assez réprimandé pour sa passion pour la précision photographique, qualifiant ses peintures de sans vie et de froideur. Mais l'artiste n'était pas ami avec la zoologie. Ils disent que c'est pourquoi Shishkin s'est tourné vers Savitsky pour lui demander de l'aider avec les ours. Savitsky n'a pas refusé son ami, mais n'a pas pris son travail au sérieux - et n'a pas signé.
Plus tard, Pavel Tretiakov a acheté ce tableau à Shishkin et l'artiste a invité Savitsky à laisser une signature sur le tableau - après tout, ils y ont travaillé ensemble. Savitsky l'a fait, mais Tretiakov n'a pas aimé cela. Déclarant qu'il avait acheté le tableau à Chichkine, mais qu'il ne voulait rien savoir de Savitsky, il a exigé un solvant et a enlevé la signature « supplémentaire » de ses propres mains. Et c'est ainsi qu'aujourd'hui, à Galerie Tretiakov indiquer la paternité d’un seul artiste.

6. Viktor Vasnetsov. "Bogatyrs", 1898


Viktor Vasnetsov est considéré comme l'artiste le plus « fabuleux » de l'histoire de la peinture russe - ce sont ses pinceaux qui appartiennent à un tel oeuvres célébres, comme "Alyonushka", "Le chevalier à la croisée des chemins", "Heroic Leap" et bien d'autres. Mais son tableau le plus célèbre est « Bogatyrs », qui représente les personnages principaux des épopées russes.
L'artiste lui-même a décrit le tableau comme suit : « Les héros Dobrynya, Ilya et Aliocha Popovitch font une sortie héroïque - ils remarquent sur le terrain s'il y a un ennemi quelque part, offensent-ils quelqu'un ?
Au milieu, sur un cheval noir, Ilya Muromets regarde au loin sous sa paume, le héros a une lance dans une main et une massue damassé dans l'autre. A gauche, sur un cheval blanc, Dobrynya Nikitich sort son épée du fourreau. À droite, sur un cheval rouge, Aliocha Popovitch tient dans ses mains un arc et des flèches. Il y a une histoire curieuse liée aux héros de ce tableau - ou plutôt à leurs prototypes.
Viktor Vasnetsov a longtemps réfléchi à quoi devrait ressembler Ilya Muromets, et pendant longtemps il n'a pas pu trouver le «bon» visage - courageux, honnête, exprimant à la fois force et gentillesse. Mais un jour, tout à fait par hasard, il rencontra le paysan Ivan Petrov, venu à Moscou pour gagner de l'argent. L'artiste a été émerveillé: dans une rue de Moscou, il a vu le véritable Ilya Muromets. Le paysan a accepté de poser pour Vasnetsov et... est resté pendant des siècles.
Dans les épopées, Dobrynya Nikitich est assez jeune, mais pour une raison quelconque, le tableau de Vasnetsov représente un homme d'âge moyen. Pourquoi l’artiste a-t-il décidé d’agir si librement avec les contes populaires ? La solution est simple : Vasnetsov s’est représenté à l’image de Dobrynya ; il suffit de comparer l’image avec les portraits et les photographies de l’artiste.

7. Valentin Serov. « Fille aux pêches. Portrait de V. S. Mamontova", 1887

"Fille aux pêches" est l'un des plus portraits célèbres dans l'histoire de la peinture russe, écrite par l'artiste Valentin Serov.
La fille du portrait est Verochka, la fille du philanthrope Savva Mamontov, dont l'artiste visitait souvent la maison. Il est intéressant de noter que les pêches posées sur la table n'étaient pas importées de régions chaudes, mais poussaient non loin de Moscou, directement dans le domaine d'Abramtsevo, ce qui était complètement inhabituel au XIXe siècle. Mamontov avait un jardinier-magicien qui travaillait pour lui - entre ses mains habiles, les arbres fruitiers fleurissaient même en février et la récolte était déjà récoltée au début de l'été.
Grâce au portrait de Serov, Vera Mamontova est entrée dans l'histoire, mais l'artiste lui-même a rappelé à quel point il lui avait fallu du mal pour persuader une fille de 12 ans, au caractère inhabituellement agité, de poser. Serov a travaillé sur le tableau pendant près d'un mois et chaque jour, Vera restait assise tranquillement dans la salle à manger pendant plusieurs heures.
Le travail n'a pas été vain : lorsque l'artiste a présenté le portrait à l'exposition, le public a beaucoup aimé le tableau. Et aujourd'hui, plus de cent ans plus tard, « La Fille aux pêches » ravit les visiteurs de la Galerie Tretiakov.

8. Ilya Repin. « Ivan le Terrible et son fils Ivan, 16 novembre 1581 », 1883-1885.


En regardant tel ou tel tableau, on se demande souvent quelle a été la source d'inspiration de l'artiste, qu'est-ce qui l'a poussé à peindre une telle œuvre ? Dans le cas du tableau d’Ilya Repin « Ivan le Terrible et son fils Ivan, 16 novembre 1581 », devinez vraies raisons pas du tout facile.
Le tableau représente un épisode légendaire de la vie d'Ivan le Terrible, lorsque, dans un accès de colère, il porta un coup fatal à son fils, le tsarévitch Ivan. Cependant, de nombreux historiens estiment qu'en réalité il n'y a pas eu de meurtre et que le prince est mort de maladie, et pas du tout des mains de son père. Il semblerait qu'est-ce qui pourrait obliger un artiste à se tourner vers un tel épisode historique ?
Comme l'artiste l'a lui-même rappelé, l'idée de peindre le tableau « Ivan le Terrible et son fils Ivan » lui est venue après... un concert au cours duquel il a entendu la musique du compositeur Rimski-Korsakov. C'était suite symphonique"Antar." Les sons de la musique ont capturé l'artiste et il a voulu incarner dans la peinture l'ambiance qui s'était créée en lui sous l'influence de cette œuvre.
Mais la musique n’est pas la seule source d’inspiration. En voyageant à travers l'Europe en 1883, Repin assista à une corrida. La vue de ce spectacle sanglant a impressionné l'artiste, qui a écrit qu'« ayant été infecté... par ce sang, en arrivant chez lui, il a immédiatement commencé la scène sanglante « Ivan le Terrible avec son fils ». Et la prise de sang a été un grand succès."

9. Mikhaïl Vroubel. "Démon assis", 1890


Comme parfois le titre d’un tableau signifie beaucoup. Que voit le spectateur lorsqu’il regarde pour la première fois le tableau « Le Démon assis » de Mikhaïl Vroubel ? Un jeune homme musclé est assis sur un rocher et regarde tristement le coucher du soleil. Mais dès que l'on prononce le mot « démon », l'image d'une créature magique maléfique apparaît immédiatement. Pendant ce temps, le démon de Mikhaïl Vroubel n’est pas du tout un mauvais esprit. L'artiste lui-même a dit à plusieurs reprises que le démon est un esprit "pas tant mauvais que souffrant et douloureux, mais en même temps un esprit puissant,... majestueux".
Cette photo est intéressante parce que technique de peinture. L'artiste applique de la peinture sur la toile non pas avec un pinceau conventionnel, mais avec une fine plaque d'acier - un couteau à palette. Cette technique permet de combiner les techniques d'un peintre et d'un sculpteur, « sculptant » littéralement un tableau à l'aide de peintures. C'est ainsi qu'on obtient un effet « mosaïque » - il semble que le ciel, les rochers et même le corps du héros lui-même ne soient pas peints avec de la peinture, mais soient constitués de pierres soigneusement polies, peut-être même précieuses.

10. Alexandre Ivanov. « L'apparition du Christ au peuple (l'apparition du Messie) », 1837-1857.


Le tableau d’Alexandre Ivanov « L’apparition du Christ au peuple » est un événement unique dans l’histoire de la peinture russe. Ce n’est pas facile d’en parler avec les enfants, surtout les 6-7 ans, mais ils devraient absolument voir cette toile monumentale, sur laquelle l’artiste a travaillé pendant plus de 20 ans et qui est devenue l’œuvre de sa vie.
L'intrigue de l'image est basée sur le troisième chapitre de l'Évangile de Matthieu : Jean-Baptiste, baptisant le peuple juif sur les rives du Jourdain au nom du Sauveur attendu, voit soudain venir celui au nom duquel il baptise les gens. . À PROPOS caractéristiques de composition peintures, sur ses symboles et langage artistique les enfants le découvriront plus tard. Lors de la première rencontre, il convient de parler de la façon dont un tableau est devenu l’œuvre de la vie de l’artiste.
Après avoir terminé ses études à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, Alexandre Ivanov a été envoyé « en stage » en Italie. « L’Apparition du Christ au peuple » était censé être une œuvre d’archives. Mais l'artiste prend son travail très au sérieux : il étudie attentivement Sainte Bible, l'histoire, passe des mois à chercher le bon paysage, passe un temps infini à chercher une image pour chaque personnage de l'image. L'argent qui lui était alloué pour le travail s'épuise, Ivanov mène une existence misérable. Le travail minutieux sur le tableau a conduit à une détérioration de la vision de l'artiste et à un traitement de longue durée.
Lorsqu'Ivanov a terminé son travail, le public italien a accepté le tableau avec enthousiasme ; ce fut l'un des premiers cas ; Reconnaissance européenne Artiste russe. En Russie, cela n’a pas été immédiatement apprécié - ce n’est qu’après la mort de l’artiste qu’il est devenu véritablement célèbre.
En travaillant sur le tableau, Ivanov a créé plus de 600 croquis. Dans la salle où il est exposé, vous pourrez en voir quelques-uns. Il est intéressant d’utiliser ces exemples pour retracer la façon dont l’artiste a travaillé sur la composition, le paysage et les images des personnages du tableau.

Sélection des enregistrements

Aujourd'hui, dans chaque musée, vous pouvez écouter de merveilleux guides qui vous parleront en détail de la collection et des artistes qui y sont représentés. Dans le même temps, de nombreux parents savent qu'il est difficile pour la plupart des enfants de passer ne serait-ce qu'une heure dans un musée, et les histoires sur l'histoire de la peinture les fatiguent assez rapidement. Pour éviter que les enfants ne s'ennuient dans le musée, nous proposons aux parents un « aide-mémoire » - dix histoires divertissantes sur les peintures de la galerie Tretiakov qui intéresseront aussi bien les enfants que les adultes.

1. Ivan Kramskoï. "Sirènes", 1871

Ivan Kramskoï est principalement connu comme l'auteur du tableau « Inconnu » (on l'appelle souvent à tort « Étranger »), ainsi que d'un certain nombre de beaux portraits : Léon Tolstoï, Ivan Chichkine, Dmitri Mendeleïev. Mais il est préférable que les enfants commencent à se familiariser avec son travail avec le tableau magique "Sirènes", auquel est liée une histoire.
En août 1871, l'artiste Ivan Kramskoy visitait la propriété de campagne de son ami, amateur d'art et célèbre philanthrope Pavel Stroganov. En marchant le soir, il admirait la lune et admirait sa lumière magique. Au cours de ces promenades, l'artiste a décidé de peindre un paysage nocturne et d'essayer de transmettre tout le charme, toute la magie d'une nuit au clair de lune, « attraper la lune » - selon ses propres mots.
Kramskoy a commencé à travailler sur le tableau. Par une nuit de clair de lune, une berge de rivière est apparue, une butte et une maison dessus, entourées de peupliers. Le paysage était magnifique, mais il manquait quelque chose : la magie n'était pas née sur la toile. Le livre de Nikolai Gogol "Soirées dans une ferme près de Dikanka" est venu en aide à l'artiste, ou plutôt une histoire intitulée "La nuit de mai ou la femme noyée" - fabuleuse et un peu effrayante. Et puis des filles sirènes sont apparues sur la photo, éclairées par le clair de lune.
L'artiste a travaillé si soigneusement sur le tableau qu'il a commencé à en rêver et a constamment voulu y compléter quelque chose. Un an après son achat par le fondateur de la galerie Tretiakov, Pavel Tretiakov, Kramskoy a de nouveau voulu y changer quelque chose et a apporté de petits changements directement dans la salle d'exposition.
La toile de Kramskoï est devenue la première peinture « de conte de fées » de l’histoire de la peinture russe.

2. Vasily Vereshchagin. "Apothéose de la guerre", 1871


Il se trouve que les gens se sont toujours battus. Depuis des temps immémoriaux, des dirigeants courageux et des dirigeants puissants équipaient leurs armées et les envoyaient à la guerre. Bien sûr, ils voulaient que leurs descendants lointains connaissent leurs exploits militaires, alors les poètes ont écrit des poèmes et des chansons, et les artistes ont créé de belles peintures et sculptures. Dans ces peintures, la guerre ressemblait généralement à des vacances - des couleurs vives, des guerriers intrépides partant au combat...
L'artiste Vasily Vereshchagin connaissait la guerre de première main - il a participé à des batailles plus d'une fois - et a peint de nombreux tableaux dans lesquels il représentait ce qu'il avait vu de ses propres yeux : non seulement des soldats courageux et leurs commandants, mais aussi du sang, de la douleur et de la souffrance. .
Un jour, il a réfléchi à la façon de montrer toutes les horreurs de la guerre dans une seule image, comment faire comprendre aux spectateurs que la guerre est toujours synonyme de chagrin et de mort, comment permettre aux autres de regarder ses détails dégoûtants ? Il se rendit compte qu'il ne suffisait pas de peindre un champ de bataille parsemé de soldats morts : de telles toiles avaient déjà existé. Vereshchagin a inventé un symbole de guerre, une image, rien qu'en la regardant, tout le monde peut imaginer à quel point toute guerre est terrible. Il peint un désert brûlé, au milieu duquel s'élève une pyramide de crânes humains. Il n'y a que des arbres secs et sans vie autour, et seuls les corbeaux volent pour se régaler. Au loin on aperçoit une ville délabrée, et le spectateur peut facilement deviner qu'il n'y a plus de vie là non plus.

3. Alexeï Savrassov. «Les Tours sont arrivés», 1871


Tout le monde connaît le tableau « Les tours sont arrivés » depuis l'enfance, et probablement tout le monde a écrit des essais scolaires à ce sujet. Et aujourd’hui, les enseignants parleront certainement aux enfants des paysages lyriques de Savrasov et du fait que déjà au nom même de cette image, on peut entendre un joyeux signe avant-coureur du matin de l’année et que tout y est rempli d’un sens profond qui tient au cœur. Pendant ce temps, peu de gens savent que les célèbres « Tours… », ainsi que toutes les autres œuvres de Savrassov, n’auraient peut-être pas existé du tout.
Alexeï Savrassov était le fils d'un petit mercier moscovite. Le désir du garçon de se lancer dans la peinture n’a pas ravi le parent, mais Kondrat Savrasov a néanmoins envoyé son fils à l’École de peinture et de sculpture de Moscou. Les professeurs et les camarades de classe ont reconnu le talent du jeune artiste et lui ont prédit un grand avenir. Mais il s’est avéré que, sans même étudier pendant un an, Alexey, apparemment à cause de la maladie de sa mère, a été contraint d’arrêter ses études. Son professeur Karl Rabus a demandé de l'aide au chef de la police de Moscou, le général de division Ivan Loujine, qui a aidé le jeune homme talentueux à recevoir une éducation artistique.
Si Loujine n'avait pas participé au sort du jeune artiste, l'un des tableaux les plus célèbres de l'histoire de la peinture russe ne serait jamais né.

4. Vassili Polenov. "Cour de Moscou", 1878


Parfois, pour peindre un beau tableau, un artiste voyage beaucoup, cherche longtemps et méticuleusement les plus belles vues, et finalement trouve l'endroit précieux et y revient encore et encore avec un carnet de croquis. Et il arrive aussi que pour créer une œuvre merveilleuse, il lui suffit d'aller à sa propre fenêtre, de regarder une cour de Moscou tout à fait ordinaire - et un miracle se produit, un paysage étonnant apparaît, rempli de lumière et d'air.
C'est exactement le miracle qui est arrivé à l'artiste Vasily Polenov, qui a regardé par la fenêtre de son appartement au début de l'été 1878 et a peint assez rapidement ce qu'il a vu. Les nuages ​​glissent facilement dans le ciel, le soleil monte de plus en plus haut, réchauffant la terre de sa chaleur, éclairant les dômes des églises, raccourcissant les ombres épaisses... Cela semble être une simple image, que l'artiste lui-même n'a pas prise. sérieusement au début : il l’a écrit et l’a presque oublié. Mais ensuite il a été invité à participer à l'exposition. Il n'avait rien d'important et Polenov a décidé d'exposer « La cour de Moscou ».
Curieusement, c'est cette "image insignifiante" qui a apporté la renommée et la gloire à Vasily Polenov - le public et les critiques l'ont adorée : elle a de la chaleur et des couleurs vives, et ses personnages peuvent être regardés à l'infini, inventant une histoire sur chacun d'eux. .

5. Ivan Chichkine. "Matin dans une forêt de pins", 1889

« Matin dans une forêt de pins » d'Ivan Chichkine est probablement le tableau le plus célèbre de la collection de la galerie Tretiakov. Dans notre pays, tout le monde le sait, grâce aux reproductions dans les manuels scolaires, ou peut-être grâce aux chocolats « Bear-toed Bear ».
Mais tout le monde ne sait pas que Shishkin lui-même n'a peint qu'une forêt matinale dans une brume brumeuse et n'a rien à voir avec les ours. Ce tableau est le fruit de la créativité commune de Shishkin et de son ami l'artiste Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin était un maître inégalé dans l'art de représenter toutes sortes de subtilités botaniques - le critique Alexandre Benois l'a réprimandé pour sa passion pour la précision photographique, qualifiant ses peintures de sans vie et de froideur. Mais l'artiste n'était pas ami avec la zoologie. Ils disent que c'est pourquoi Shishkin s'est tourné vers Savitsky pour lui demander de l'aider avec les ours. Savitsky n'a pas refusé son ami, mais n'a pas pris son travail au sérieux - et n'a pas signé.
Plus tard, Pavel Tretiakov a acheté ce tableau à Shishkin et l'artiste a invité Savitsky à laisser une signature sur le tableau - après tout, ils y ont travaillé ensemble. Savitsky l'a fait, mais Tretiakov n'a pas aimé cela. Déclarant qu'il avait acheté le tableau à Chichkine, mais qu'il ne voulait rien savoir de Savitsky, il a exigé un solvant et a enlevé la signature « supplémentaire » de ses propres mains. Et c'est ainsi qu'aujourd'hui la Galerie Tretiakov indique la paternité d'un seul artiste.

6. Viktor Vasnetsov. "Bogatyrs", 1898


Viktor Vasnetsov est considéré comme l'artiste le plus « fabuleux » de l'histoire de la peinture russe. C'est son pinceau qui a donné naissance à des œuvres aussi célèbres que « Alyonushka », « Le chevalier à la croisée des chemins », « Le saut héroïque » et bien d'autres. Mais son tableau le plus célèbre est « Bogatyrs », qui représente les personnages principaux des épopées russes.
L'artiste lui-même a décrit le tableau comme suit : « Les héros Dobrynya, Ilya et Aliocha Popovitch font une sortie héroïque - ils remarquent sur le terrain s'il y a un ennemi quelque part, offensent-ils quelqu'un ?
Au milieu, sur un cheval noir, Ilya Muromets regarde au loin sous sa paume, le héros a une lance dans une main et une massue damassé dans l'autre. A gauche, sur un cheval blanc, Dobrynya Nikitich sort son épée du fourreau. À droite, sur un cheval rouge, Aliocha Popovitch tient dans ses mains un arc et des flèches. Il y a une histoire curieuse liée aux héros de ce tableau - ou plutôt à leurs prototypes.
Viktor Vasnetsov a longtemps réfléchi à quoi devrait ressembler Ilya Muromets, et pendant longtemps il n'a pas pu trouver le «bon» visage - courageux, honnête, exprimant à la fois force et gentillesse. Mais un jour, tout à fait par hasard, il rencontra le paysan Ivan Petrov, venu à Moscou pour gagner de l'argent. L'artiste a été émerveillé: dans une rue de Moscou, il a vu le véritable Ilya Muromets. Le paysan a accepté de poser pour Vasnetsov et... est resté pendant des siècles.
Dans les épopées, Dobrynya Nikitich est assez jeune, mais pour une raison quelconque, le tableau de Vasnetsov représente un homme d'âge moyen. Pourquoi l’artiste a-t-il décidé d’agir si librement avec les contes populaires ? La solution est simple : Vasnetsov s’est représenté à l’image de Dobrynya ; il suffit de comparer l’image avec les portraits et les photographies de l’artiste.

7. Valentin Serov. « Fille aux pêches. Portrait de V. S. Mamontova", 1887

«La Fille aux pêches» est l'un des portraits les plus célèbres de l'histoire de la peinture russe, peint par l'artiste Valentin Serov.
La fille du portrait est Verochka, la fille du philanthrope Savva Mamontov, dont l'artiste visitait souvent la maison. Il est intéressant de noter que les pêches posées sur la table n'étaient pas importées de régions chaudes, mais poussaient non loin de Moscou, directement dans le domaine d'Abramtsevo, ce qui était complètement inhabituel au XIXe siècle. Mamontov avait un jardinier-magicien qui travaillait pour lui - entre ses mains habiles, les arbres fruitiers fleurissaient même en février et la récolte était déjà récoltée au début de l'été.
Grâce au portrait de Serov, Vera Mamontova est entrée dans l'histoire, mais l'artiste lui-même a rappelé à quel point il lui avait fallu du mal pour persuader une fille de 12 ans, au caractère inhabituellement agité, de poser. Serov a travaillé sur le tableau pendant près d'un mois et chaque jour, Vera restait assise tranquillement dans la salle à manger pendant plusieurs heures.
Le travail n'a pas été vain : lorsque l'artiste a présenté le portrait à l'exposition, le public a beaucoup aimé le tableau. Et aujourd'hui, plus de cent ans plus tard, « La Fille aux pêches » ravit les visiteurs de la Galerie Tretiakov.

8. Ilya Repin. « Ivan le Terrible et son fils Ivan, 16 novembre 1581 », 1883-1885.


En regardant tel ou tel tableau, on se demande souvent quelle a été la source d'inspiration de l'artiste, qu'est-ce qui l'a poussé à peindre une telle œuvre ? Dans le cas du tableau d’Ilya Repin « Ivan le Terrible et son fils Ivan le 16 novembre 1581 », il n’est pas du tout facile d’en deviner les véritables raisons.
Le tableau représente un épisode légendaire de la vie d'Ivan le Terrible, lorsque, dans un accès de colère, il porta un coup fatal à son fils, le tsarévitch Ivan. Cependant, de nombreux historiens estiment qu'en réalité il n'y a pas eu de meurtre et que le prince est mort de maladie, et pas du tout des mains de son père. Il semblerait qu'est-ce qui pourrait obliger un artiste à se tourner vers un tel épisode historique ?
Comme l'artiste l'a lui-même rappelé, l'idée de peindre le tableau « Ivan le Terrible et son fils Ivan » lui est venue après... un concert au cours duquel il a entendu la musique du compositeur Rimski-Korsakov. C'était la suite symphonique "Antar". Les sons de la musique ont capturé l'artiste et il a voulu incarner dans la peinture l'ambiance qui s'était créée en lui sous l'influence de cette œuvre.
Mais la musique n’est pas la seule source d’inspiration. En voyageant à travers l'Europe en 1883, Repin assista à une corrida. La vue de ce spectacle sanglant a impressionné l'artiste, qui a écrit qu'« ayant été infecté... par ce sang, en arrivant chez lui, il a immédiatement commencé la scène sanglante « Ivan le Terrible avec son fils ». Et la prise de sang a été un grand succès."

9. Mikhaïl Vroubel. "Démon assis", 1890


Comme parfois le titre d’un tableau signifie beaucoup. Que voit le spectateur lorsqu’il regarde pour la première fois le tableau « Le Démon assis » de Mikhaïl Vroubel ? Un jeune homme musclé est assis sur un rocher et regarde tristement le coucher du soleil. Mais dès que l'on prononce le mot « démon », l'image d'une créature magique maléfique apparaît immédiatement. Pendant ce temps, le démon de Mikhaïl Vroubel n’est pas du tout un mauvais esprit. L'artiste lui-même a dit à plusieurs reprises que le démon est un esprit "pas tant mauvais que souffrant et douloureux, mais en même temps un esprit puissant,... majestueux".
Ce tableau est intéressant pour sa technique de peinture. L'artiste applique de la peinture sur la toile non pas avec un pinceau conventionnel, mais avec une fine plaque d'acier - un couteau à palette. Cette technique permet de combiner les techniques d'un peintre et d'un sculpteur, « sculptant » littéralement un tableau à l'aide de peintures. C'est ainsi qu'on obtient un effet « mosaïque » - il semble que le ciel, les rochers et même le corps du héros lui-même ne soient pas peints avec de la peinture, mais soient constitués de pierres soigneusement polies, peut-être même précieuses.

10. Alexandre Ivanov. « L'apparition du Christ au peuple (l'apparition du Messie) », 1837-1857.


Le tableau d’Alexandre Ivanov « L’apparition du Christ au peuple » est un événement unique dans l’histoire de la peinture russe. Ce n’est pas facile d’en parler avec les enfants, surtout les 6-7 ans, mais ils devraient absolument voir cette toile monumentale, sur laquelle l’artiste a travaillé pendant plus de 20 ans et qui est devenue l’œuvre de sa vie.
L'intrigue de l'image est basée sur le troisième chapitre de l'Évangile de Matthieu : Jean-Baptiste, baptisant le peuple juif sur les rives du Jourdain au nom du Sauveur attendu, voit soudain venir celui au nom duquel il baptise les gens. . Les enfants découvriront plus tard les caractéristiques de composition du tableau, ses symboles et son langage artistique. Lors de la première rencontre, il convient de raconter comment un tableau est devenu l’œuvre de la vie de l’artiste.
Après avoir terminé ses études à l'Académie des Arts de Saint-Pétersbourg, Alexandre Ivanov a été envoyé « en stage » en Italie. « L’Apparition du Christ au peuple » était censé être une œuvre d’archives. Mais l'artiste prend son travail très au sérieux : il étudie attentivement les Saintes Écritures, l'histoire, passe des mois à chercher le paysage souhaité, passe un temps infini à chercher une image pour chaque personnage du tableau. L'argent qui lui était alloué pour le travail s'épuise, Ivanov mène une existence misérable. Le travail minutieux sur le tableau a conduit à une détérioration de la vision de l'artiste et à un traitement de longue durée.
Lorsqu'Ivanov a terminé son œuvre, le public italien a accepté le tableau avec enthousiasme ; ce fut l'un des premiers cas de reconnaissance européenne d'un artiste russe. En Russie, cela n’a pas été immédiatement apprécié - ce n’est qu’après la mort de l’artiste qu’il est devenu véritablement célèbre.
En travaillant sur le tableau, Ivanov a créé plus de 600 croquis. Dans la salle où il est exposé, vous pourrez en voir quelques-uns. Il est intéressant d’utiliser ces exemples pour retracer la façon dont l’artiste a travaillé sur la composition, le paysage et les images des personnages du tableau.

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