Les tableaux les plus célèbres du monde. Les peintures russes les plus célèbres. Peintures de grands artistes

Les collections des musées et galeries de Moscou sont parmi les plus riches au monde. Il y a plus de 150 ans, les mécènes et collectionneurs russes ont commencé à collectionner les peintures les plus célèbres du monde, des créations artistiques uniques, n'épargnant ni argent ni temps dans la recherche de talents. Et pour que vous ne vous perdiez pas parmi les dizaines de milliers de tableaux présentés, nous avons sélectionné pour vous des tableaux célèbres du monde présentés dans les musées et galeries de Moscou.

Galerie nationale Tretiakov

« Bogatyrs », Viktor Vasnetsov, 1881-1898.

Pendant près de vingt ans, Viktor Mikhaïlovitch a travaillé sur l'un des plus grands œuvres d'art La Russie, chef-d’œuvre devenu symbole de la puissance du peuple russe. Vasnetsov considérait cette image comme son devoir créatif, un devoir envers sa patrie. Au centre de l'image se trouvent les trois personnages principaux des épopées russes : Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets et Aliosha Popovich. Le prototype d'Aliocha Popovich est devenu fils cadet Savva Mamontov, mais Dobrynya Nikitich est une image collective de l'artiste lui-même, de son père et de son grand-père.

Photo : wikimedia.org

"Inconnu", Ivan Kramskoy, 1883

Une image mystique, enveloppée d’une aura de mystère. Elle a changé de propriétaires à plusieurs reprises, car les femmes affirmaient que lorsqu'elles restaient longtemps près de ce portrait, elles perdaient leur jeunesse et leur beauté. Il est curieux que même Pavel Tretiakov n'ait pas voulu l'acheter pour sa collection, et l'œuvre n'est apparue dans la galerie qu'en 1925 à la suite de la nationalisation des collections privées. Seulement dans heure soviétique L’« Inconnu » de Kramskoï était reconnu comme l’idéal de beauté et de spiritualité. Il est facile de reconnaître la perspective Nevski à l'arrière-plan du tableau, ou plutôt le pont Anitchkov, le long duquel « l'inconnu » passe gracieusement dans une élégante calèche. Qui est cette fille? Encore un mystère laissé par l'artiste. Kramskoï n'a laissé aucune mention de sa personnalité ni dans ses lettres ni dans son journal, et les versions diffèrent : de la fille de l'auteur à Anna Karénine de Tolstoï.

Photo : dreamwidth.org

"Matin à forêt de pins", Ivan Chichkine et Konstantin Savitsky, 1889

Peu de gens savent qu'outre Ivan Shishkin, une autre personne célèbre a participé à la création de cette image. artiste russe, dont la signature, sur l'insistance de Pavel Tretiakov, a été effacée. Ivan Ivanovitch, qui possédait un talent de peintre exceptionnel, a représenté la grandeur de la forêt qui s'éveille, mais la création des ours qui jouent appartient au pinceau de son camarade Konstantin Savitsky. Cette image porte un autre nom populaire - "Trois ours", apparu grâce aux célèbres bonbons de l'usine Octobre Rouge.

Photo : wikimedia.org

"Démon assis", Mikhaïl Vroubel, 1890

La Galerie Tretiakov est un lieu unique pour les fans de l'œuvre de Mikhaïl Vroubel, car le plus plein de rencontres Ses peintures. Thème d'un démon représentant la lutte intérieure de la grandeur esprit humain avec des doutes et des souffrances, est devenu l’élément principal du travail de l’artiste et un phénomène phénoménal dans la peinture mondiale.

« Le Démon assis » est la plus célèbre de ces images de Vrubel. Le tableau a été réalisé avec des coups de couteau à palette assez larges et nets, rappelant de loin une mosaïque.

Photo : muzei-mira.com

« Boyaryna Morozova », Vassili Sourikov, 1884-1887.

La toile historique épique, de taille gigantesque, a été écrite sur la base du « Conte de Boyarina Morozova », un associé des partisans de l'ancienne foi. L'auteur a passé beaucoup de temps à chercher un visage approprié - exsangue, fanatique, à partir duquel il pourrait dessiner un portrait du personnage principal. Sourikov a rappelé que la clé de l'image de Morozova lui avait été donnée par un corbeau qu'il avait vu un jour avec une aile endommagée et qui battait désespérément contre la neige.

Photo : galerie-allart.do.am

« Ivan le Terrible et son fils Ivan le 16 novembre 1581 » ou « Ivan le Terrible tue son fils », Ilya Repin, 1883-1885.

Cette image ne laisse aucun visiteur de la galerie indifférent : elle provoque une anxiété, une peur inexplicable, attire et en même temps repousse, fascine et donne la chair de poule. Repin a écrit à propos de ses sentiments d'anxiété et d'excitation lors de la création du tableau : « J'ai travaillé comme envoûté. Pendant quelques minutes, c'est devenu effrayant. Je me suis détourné de cette photo. Je l'ai cachée. Mais quelque chose m'a poussé vers elle et j'ai retravaillé. Parfois, un frisson me parcourait, puis la sensation de cauchemar s’estompait… » L'artiste a réussi à achever le tableau pour le 300e anniversaire de la mort d'Ivan le Terrible, mais le chef-d'œuvre n'est pas immédiatement apparu au public : pendant trois mois, le tableau a été interdit par la censure. On dit que le tableau a mystiquement provoqué un désastre pour son créateur et les personnes qui ont participé à sa création. Après avoir terminé le tableau, Repin a perdu la main et l'ami de l'artiste, qui posait pour le tableau dans le rôle d'Ivan assassiné, est devenu fou.

Photo : artpoisk.info

«La Fille aux pêches», Valentin Serov, 1887

Ce tableau est considéré comme l'un des tableaux les plus joyeux, frais et lyriques fin XIX siècle. La jeunesse et la soif de vivre se ressentent ici dans chaque trait du très jeune (22 ans) Valentin Serov, dans le sourire léger et subtil de Verochka Mamontova, fille d'un célèbre entrepreneur et philanthrope, ainsi que dans le regard lumineux et pièce confortable dont la chaleur se répercute sur son spectateur.

Serov est devenu plus tard l'un des meilleurs portraitistes, reconnu presque partout dans le monde et a immortalisé de nombreux contemporains célèbres, mais « La Fille aux pêches » reste toujours son œuvre la plus célèbre.

Photo : allpainters.ru

« Le bain du cheval rouge », Kuzma Petrov-Vodkin, 1912

Les critiques d'art qualifient ce tableau de visionnaire. Ils pensent que l'auteur a symboliquement prédit le sort « rouge » de la Russie au XXe siècle, en la représentant sous la forme d'un cheval de course.

L’œuvre de Petrov-Vodkin n’est pas seulement une peinture, mais un symbole, une révélation, un manifeste. Les contemporains comparent la puissance de son impact avec le « Carré Noir » de Kazimir Malevitch, que l’on peut également voir dans la Galerie Tretiakov.

Photo : wikiart.org

"Carré Noir", Kazemir Malevitch, 1915

Ce tableau s'appelle une icône des futuristes, qu'ils ont mis à la place de la Madone. Selon l'auteur, il a fallu plusieurs mois pour le créer et il est devenu une partie d'un triptyque, qui comprenait également « Black Circle » et « Black Cross ». Il s’est avéré que Malevitch a peint la première couche du tableau Couleurs différentes et, si vous regardez attentivement, vous verrez que les coins de la place peuvent difficilement être qualifiés de droits. Dans l’histoire de l’art mondial, il est difficile de trouver un tableau plus célèbre que « Le Carré Noir » de Kazimir Malevitch. Il est copié, imité, mais son chef-d'œuvre est unique.

Photo : wikimedia.org

Galerie d'art d'Europe et d'Amérique des XIXe et XXe siècles. Musée national des beaux-arts nommé d'après A.S. Pouchkine

"Portrait de Jeanne Samary", Pierre-Auguste Renoir, 1877

Il est paradoxal que ce tableau ait été initialement conçu par l'artiste comme une simple esquisse préparatoire à un portrait d'apparat. actrice française Jeanne Samary, visible à l'Ermitage. Mais au final, les critiques d’art ont été unanimes à dire qu’il s’agit du meilleur de tous les portraits de l’actrice réalisés par Renoir. L’artiste a si habilement combiné les tons et les demi-teintes de la robe de Samari que le tableau scintille d’un effet optique inhabituel : vue sous un certain angle, la robe verte de Jeanne devient bleue.

Photo : art-shmart.livejournal.com

"Boulevard des Capucines à Paris", Claude Monet, 1873

C'est l'une des œuvres les plus reconnaissables de Claude Monet - fierté et héritage Musée Pouchkine. De près, seuls de petits traits sont visibles sur l'image, mais si l'on recule de quelques pas, l'image prend vie : Paris respire l'air frais, les rayons du soleil illuminent la foule bouillonnante qui s'anime le long de la rue. boulevard, et il semble même que vous puissiez entendre le grondement de la ville qui s'entend bien au-delà de l'image. C'est le savoir-faire du grand Monet impressionniste : on oublie un instant le plan de la toile et on se dissout dans l'illusion savamment créée par l'artiste.

Photo : nb12.ru

"Promenade des prisonniers", Van Gogh, 1890

Il y a quelque chose de symbolique dans le fait que Van Gogh a écrit La Promenade des prisonniers, l'une de ses créations les plus poignantes, dans l'hôpital où il a été admis pour la première fois en raison de l'apparition d'une maladie mentale. De plus, si vous regardez bien, vous remarquerez clairement que personnage central Les peintures sont dotées de traits par les artistes. Malgré l'utilisation de nuances pures de bleu, vert et couleurs violettes, la couleur de la toile semble sombre, et les prisonniers se déplaçant en cercle semblent dire qu'il n'y a pas d'issue à l'impasse, où la vie est comme un cercle vicieux.

Photo : opisanie-kartin.com

"La Femme du Roi", Paul Gauguin, 1896

De nombreux critiques d'art considèrent cette œuvre de l'artiste comme une perle unique parmi les célèbres jeunes filles nues. art européen. Elle a été peinte par Gauguin lors de son deuxième séjour à Tahiti. À propos, le tableau ne représente pas l’épouse du roi, mais Gauguin lui-même, Tehura, 13 ans. Exotique et paysage pittoresque Les peintures ne peuvent que susciter l'admiration - l'abondance de couleurs et de verdure, les arbres colorés et le littoral bleu au loin.

Photo : stsvv.livejournal.com

"Danseuses bleues", Edgar Degas, 1897

Travaux impressionniste français Edgar Degas a apporté une contribution inestimable à l’histoire des beaux-arts mondiaux et français. Le tableau « Les Danseuses bleues » est reconnu comme l’une des meilleures œuvres de Degas sur le thème du ballet, à laquelle il a consacré plusieurs de ses tableaux les plus remarquables. Le tableau a été réalisé au pastel, que l’artiste aimait particulièrement pour sa combinaison élégante de couleurs et de lignes. « Blue Dancers » fait référence à la période tardive du travail de l’artiste, lorsque sa vue s’est affaiblie et qu’il a commencé à travailler par grandes taches de couleur.

Photo : près de chezvous.ru

"Fille au bal", Pablo Picasso, 1905

L'un des plus célèbres et travail important La « période rose » de Pablo Picasso est apparue en Russie grâce au philanthrope et collectionneur Ivan Morozov, qui l'a acquise en 1913 pour sa collection personnelle. La couleur bleue, dans laquelle étaient peintes presque toutes les œuvres de la période difficile précédente de l’artiste, est toujours présente dans l’œuvre, mais s’affaiblit sensiblement, laissant la place à un rose plus clair et plus joyeux. Les toiles de Picasso sont facilement reconnaissables : l'âme de l'auteur et sa perception extraordinaire du monde qui l'entoure y sont clairement visibles. Et comme le disait l’artiste lui-même : « Je pourrais dessiner comme Raphaël, mais il me faudrait toute ma vie pour apprendre à dessiner comme un enfant. »

Photo : dawn.com

Adresse: voie Lavrushinsky, 10

Exposition permanente « Art du XXe siècle » et salles d'exposition

Adresse: Krymski Val, 10

Mode de fonctionnement:

Mardi, mercredi, dimanche - de 10h00 à 18h00

Jeudi, vendredi, samedi - de 10h00 à 21h00

Lundi - fermé

Frais d'entrée :

Adulte - 400 roubles (6$)

Galerie d'art d'Europe et d'Amérique des XIXe et XXe siècles.

Adresse: Moscou, st. Volkhonka, 14 ans

Mode de fonctionnement:

Mardi, mercredi, vendredi, samedi, dimanche - de 11h00 à 20h00

Jeudi - de 11h00 à 21h00

Lundi - fermé

Frais d'entrée :

Adulte - 300 roubles (4,5$), le vendredi de 17h00 à 400 roubles (6$)

Billet réduit - 150 roubles (2,5 $), le vendredi de 17h00 à 200 roubles (3 $)

Enfants de moins de 16 ans gratuit

Dans presque tous les travail important l’art a un mystère, un « double fond » ou une histoire secrète que l’on souhaite révéler.

Musique sur les fesses

Jérôme Bosch, "Le Jardin" plaisirs terrestres", 1500-1510.

Fragment d'une partie d'un triptyque

Des différends sur les significations et significations cachéesœuvre la plus célèbre artiste néerlandais n'ont pas diminué depuis son apparition. L'aile droite du triptyque intitulée « L'Enfer Musical » représente des pécheurs qui sont torturés dans le monde souterrain avec l'aide de instruments de musique. L’un d’eux a des notes de musique gravées sur les fesses. Amelia Hamrick, étudiante à l'université chrétienne d'Oklahoma, qui a étudié le tableau, a traduit la notation du XVIe siècle en une touche moderne et a enregistré « une chanson de l'enfer vieille de 500 ans ».

Joconde nue

La célèbre "La Gioconda" existe en deux versions : la version nue s'appelle "Monna Vanna", elle a été peinte par l'artiste peu connu Salai, qui fut l'élève et le modèle du grand Léonard de Vinci. De nombreux historiens de l'art sont convaincus que c'est lui qui a été le modèle des tableaux de Léonard « Jean-Baptiste » et « Bacchus ». Il existe également des versions selon lesquelles Salai, vêtue d'une robe de femme, était l'image de Mona Lisa elle-même.

Vieux pêcheur

En 1902, l'artiste hongrois Tivadar Kostka Csontvary peint le tableau « Le vieux pêcheur ». Il semblerait qu’il n’y ait rien d’inhabituel dans l’image, mais Tivadar y a mis un sous-texte qui n’a jamais été révélé du vivant de l’artiste.

Peu de gens ont pensé à placer un miroir au milieu du tableau. Dans chaque personne, il peut y avoir à la fois Dieu (l'épaule droite du vieil homme est dupliquée) et le Diable (l'épaule gauche du vieil homme est dupliquée).

Y avait-il une baleine ?

Hendrik van Antonissen, Scène du rivage.

Il semblerait que, paysage ordinaire. Des bateaux, des gens sur le rivage et une mer déserte. Et seule une étude aux rayons X a montré que les gens se sont rassemblés sur le rivage pour une raison - dans l'original, ils regardaient la carcasse d'une baleine échouée sur le rivage.

Cependant, l’artiste a décidé que personne ne voudrait regarder une baleine morte et a réécrit le tableau.

Deux "Petits déjeuners sur l'herbe"

Edouard Manet, "Déjeuner sur l'herbe", 1863.

Claude Monet, "Déjeuner sur l'herbe", 1865.

Les artistes Edouard Manet et Claude Monet sont parfois confondus : après tout, ils étaient tous deux français, vivaient à la même époque et travaillaient dans le style de l'impressionnisme. Monet a même emprunté le titre de l’un des tableaux les plus célèbres de Manet, « Déjeuner sur l’herbe », et a écrit son propre « Déjeuner sur l’herbe ».

Doubles à la Cène

Léonard de Vinci, "La Cène", 1495-1498.

Lorsque Léonard de Vinci écrivit La Cène, il attachait une importance particulière à deux personnages : le Christ et Judas. Il a passé très longtemps à chercher des modèles pour eux. Finalement, il réussit à trouver un modèle à l'image du Christ parmi les jeunes chanteurs. Léonard n'a pas pu trouver de modèle pour Judas pendant trois ans. Mais un jour, il croisa dans la rue un ivrogne qui gisait dans un caniveau. C'était un jeune homme vieilli par une forte consommation d'alcool. Léonard l'a invité dans une taverne, où il a immédiatement commencé à peindre Judas. Lorsque l'ivrogne reprit ses esprits, il dit à l'artiste qu'il avait déjà posé pour lui une fois. Il y a plusieurs années, alors qu'il chantait dans la chorale de l'église, Léonard a peint le Christ d'après lui.

"Veille de nuit" ou "Veille de jour" ?

Rembrandt, "La Ronde de nuit", 1642.

L’un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt, « La représentation de la compagnie de fusiliers du capitaine Frans Banning Cock et du lieutenant Willem van Ruytenburg », a été accroché dans différentes pièces pendant environ deux cents ans et n’a été découvert par les historiens de l’art qu’au XIXe siècle. Comme les personnages semblaient apparaître sur un fond sombre, on l'appelait « Night Watch » et, sous ce nom, elle entra dans le trésor de l'art mondial.

Et ce n'est que lors de la restauration réalisée en 1947 qu'on découvrit que dans la salle le tableau avait réussi à se recouvrir d'une couche de suie, ce qui déformait sa couleur. Après avoir effacé peinture originale Il a finalement été révélé que la scène présentée par Rembrandt se déroulait en réalité de jour. La position de l'ombre de la main gauche du capitaine Kok montre que la durée de l'action ne dépasse pas 14 heures.

Bateau renversé

Henri Matisse, "Le Bateau", 1937.

Au Musée de New York art contemporain en 1961, le tableau "Le Bateau" d'Henri Matisse est exposé. Ce n’est qu’après 47 jours que quelqu’un a remarqué que le tableau était suspendu à l’envers. La toile représente 10 lignes violettes et deux voiles bleues sur fond blanc. L'artiste a peint deux voiles pour une raison : la deuxième voile est le reflet de la première à la surface de l'eau.
Afin de ne pas vous tromper sur la façon dont l'image doit être accrochée, vous devez faire attention aux détails. La plus grande voile doit être en haut du tableau et le sommet de la voile du tableau doit être vers le coin supérieur droit.

Tromperie dans l'autoportrait

Vincent van Gogh, "Autoportrait à la pipe", 1889.

Il existe des légendes selon lesquelles Van Gogh se serait coupé l'oreille. Aujourd'hui, la version la plus fiable est que Van Gogh s'est blessé à l'oreille lors d'une petite bagarre impliquant un autre artiste, Paul Gauguin.

L'autoportrait est intéressant car il reflète la réalité sous une forme déformée : l'artiste est représenté avec l'oreille droite bandée car il utilisait un miroir pour travailler. En fait, c’est l’oreille gauche qui a été touchée.

Ours extraterrestres

Ivan Chichkine, "Matin dans la forêt de pins", 1889.

Le célèbre tableau n'appartient pas seulement à Shishkin. De nombreux artistes amis les uns avec les autres recouraient souvent à « l'aide d'un ami », et Ivan Ivanovitch, qui a peint des paysages toute sa vie, craignait que ses ours touchants ne se révèlent pas comme il le souhaitait. Par conséquent, Shishkin s'est tourné vers son ami, l'artiste animalier Konstantin Savitsky.

Savitsky a peint peut-être les meilleurs ours de l'histoire de la peinture russe, et Tretiakov a ordonné que son nom soit effacé de la toile, car tout dans le tableau « du concept à l'exécution, tout parle de la manière de peindre, de la méthode créative ». particulier à Chichkine.

L'histoire innocente du "Gothique"

Grant Wood, gothique américain, 1930.

L'œuvre de Grant Wood est considérée comme l'une des plus étranges et déprimantes de l'histoire de la peinture américaine. La photo avec le père et la fille sombres est remplie de détails qui indiquent la sévérité, le puritanisme et le caractère rétrograde des personnes représentées.
En fait, l'artiste n'avait pas l'intention de représenter des horreurs : lors d'un voyage dans l'Iowa, il remarqua une petite maison à style gothique et a décidé de représenter ces personnes qui, à son avis, seraient idéales en tant qu'habitants. La sœur de Grant et son dentiste sont immortalisés comme les personnages par lesquels les Iowans ont été si offensés.

La vengeance de Salvador Dali

Le tableau "Figure à la fenêtre" a été peint en 1925, alors que Dali avait 21 ans. A cette époque, Gala n’était pas encore entrée dans la vie de l’artiste et sa muse était sa sœur Ana Maria. La relation entre frère et sœur s'est détériorée lorsqu'il a écrit dans l'un de ses tableaux : « Parfois je crache sur le portrait de ma propre mère, et cela me fait plaisir ». Ana Maria ne pouvait pas pardonner un comportement aussi choquant.

Dans son livre de 1949, Salvador Dali à travers les yeux d'une sœur, elle parle de son frère sans aucun éloge. Le livre a rendu Salvador furieux. Pendant encore dix ans, il se souvint d'elle avec colère à chaque occasion. C’est ainsi qu’en 1954 paraît le tableau « Une jeune vierge se livrant au péché de sodomie à l’aide des cornes de sa propre chasteté ». La pose de la femme, ses boucles, le paysage devant la fenêtre et la palette de couleurs du tableau font clairement écho à « Figure at the Window ». Il existe une version selon laquelle Dali s'est vengé de sa sœur pour son livre.

Danaé aux deux visages

Rembrandt Harmens van Rijn, "Danaé", 1636-1647.

De nombreux secrets de l'une des peintures les plus célèbres de Rembrandt n'ont été révélés que dans les années 60 du XXe siècle, lorsque la toile a été éclairée aux rayons X. Par exemple, l'enquête a montré que dans première version le visage de la princesse, qui entra dans une histoire d’amour avec Zeus, ressemblait à celui de Saskia, l’épouse du peintre, décédée en 1642. Dans la version finale du tableau, il commençait à ressembler au visage de Gertje Dirks, la maîtresse de Rembrandt, avec qui l’artiste vivait après la mort de sa femme.

La chambre jaune de Van Gogh

Vincent Van Gogh, "Chambre à Arles", 1888 - 1889.

En mai 1888, Van Gogh acquiert un petit atelier à Arles, dans le sud de la France, où il fuit les artistes et critiques parisiens qui ne le comprennent pas. Dans l'une des quatre pièces, Vincent aménage une chambre. En octobre, tout est prêt et il décide de peindre « La Chambre de Van Gogh à Arles ». Pour l'artiste, la couleur et le confort de la pièce étaient très importants : tout devait évoquer des pensées de détente. Dans le même temps, l’image est conçue dans des tons jaunes alarmants.

Les chercheurs de l'œuvre de Van Gogh expliquent cela par le fait que l'artiste a pris de la digitale, un remède contre l'épilepsie, qui provoque de graves changements dans la perception des couleurs du patient : toute la réalité environnante est peinte dans des tons verts et jaunes.

La perfection édentée

Léonard de Vinci, "Portrait de Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

L'opinion généralement admise est que la Joconde est la perfection et que son sourire est beau dans son mystère. Cependant, le critique d'art américain (et dentiste à temps partiel) Joseph Borkowski estime qu'à en juger par l'expression de son visage, l'héroïne a perdu de nombreuses dents. En étudiant des photographies agrandies du chef-d'œuvre, Borkowski a également découvert des cicatrices autour de sa bouche. "Elle "sourit" comme ça justement à cause de ce qui lui est arrivé", estime l'expert. "Son expression faciale est typique des personnes qui ont perdu leurs dents de devant."

Majeure sur le contrôle du visage

Pavel Fedotov, "Matchmaking du major", 1848.

Le public, qui a vu pour la première fois le tableau « Major's Matchmaking », a ri de bon cœur : l'artiste Fedotov l'a rempli de détails ironiques compréhensibles pour le public de l'époque. Par exemple, le major n'est visiblement pas familier avec les règles de l'étiquette noble : il s'est présenté sans les bouquets requis pour la mariée et sa mère. Et la mariée elle-même a été renvoyée par ses parents marchands le soir robe de bal, bien qu'il fasse jour (toutes les lampes de la pièce sont éteintes). La jeune fille a visiblement essayé une robe décolletée pour la première fois, est gênée et tente de s'enfuir dans sa chambre.

Pourquoi Liberty est-elle nue ?

Ferdinand Victor Eugène Delacroix, "La liberté sur les barricades", 1830.

Selon le critique d'art Etienne Julie, Delacroix a basé le visage de la femme sur la célèbre révolutionnaire parisienne - la blanchisseuse Anne-Charlotte, qui s'est rendue aux barricades après la mort de son frère aux mains des soldats royaux et a tué neuf gardes. L'artiste l'a représentée les seins nus. Selon son projet, c'est un symbole d'intrépidité et d'altruisme, ainsi que du triomphe de la démocratie : la poitrine nue montre que la Liberté, en tant que roturière, ne porte pas de corset.

Carré non carré

Kazimir Malevitch, « Place du suprématisme noir », 1915.

En fait, le « Carré Noir » n’est pas du tout noir ni carré du tout : aucun des côtés du quadrilatère n’est parallèle à aucun de ses autres côtés, ni à aucun des côtés du cadre carré qui encadre le tableau. Et la couleur foncée est le résultat d'un mélange Couleurs variées, parmi lesquels il n'y en avait pas de noir. On pense qu’il ne s’agissait pas d’une négligence de l’auteur, mais d’une position de principe, du désir de créer une forme dynamique et en mouvement.

Des spécialistes de la galerie Tretiakov ont découvert l'inscription de l'auteur sur le célèbre tableau de Malevitch. L’inscription dit : « La bataille des noirs dans la grotte sombre ». Cette phrase fait référence au titre de l'image humoristique journaliste français, l'écrivain et artiste Alphonse Allais, « La bataille des nègres dans une grotte sombre en pleine nuit », qui était un rectangle entièrement noir.

Mélodrame de la Joconde autrichienne

Gustav Klimt, "Portrait d'Adèle Bloch-Bauer", 1907.

L'un des tableaux les plus importants de Klimt représente l'épouse du magnat autrichien du sucre, Ferdinad Bloch-Bauer. Tout Vienne discutait Romance tourbillon Adèle et artiste célèbre. Le mari blessé voulait se venger de ses amants, mais a choisi très de façon inhabituelle: il décide de commander un portrait d'Adèle à Klimt et de le forcer à faire des centaines de croquis jusqu'à ce que l'artiste commence à vomir d'elle.

Bloch-Bauer souhaitait que l'œuvre dure plusieurs années, afin que le modèle puisse voir à quel point les sentiments de Klimt s'estompaient. Il a fait une offre généreuse à l'artiste, qu'il ne pouvait refuser, et tout s'est déroulé selon le scénario du mari trompé : le travail a été achevé en 4 ans, les amants s'étaient refroidis depuis longtemps. Adele Bloch-Bauer n'a jamais su que son mari était au courant de sa relation avec Klimt.

Le tableau qui a redonné vie à Gauguin

Paul Gauguin, "D'où venons-nous ? Qui sommes-nous ? Où allons-nous ?", 1897-1898.

Le plus peinture célèbre Gauguin a une particularité : il se « lit » non pas de gauche à droite, mais de droite à gauche, comme les textes kabbalistiques auxquels s'intéressait l'artiste. C'est dans cet ordre que se déroule l'allégorie de la vie spirituelle et physique humaine : de la naissance de l'âme (un enfant endormi dans le coin inférieur droit) jusqu'à l'inévitabilité de l'heure de la mort (un oiseau avec un lézard dans ses griffes dans le coin inférieur gauche).

Le tableau a été peint par Gauguin à Tahiti, où l'artiste s'est échappé à plusieurs reprises de la civilisation. Mais cette fois, la vie sur l'île n'a pas fonctionné : la pauvreté totale l'a conduit à la dépression. Ayant terminé la toile, qui allait devenir son testament spirituel, Gauguin prit une boîte d'arsenic et partit mourir dans les montagnes. Cependant, il n’a pas calculé la dose et le suicide a échoué. Le lendemain matin, il se dirigea vers sa hutte et s'endormit, et lorsqu'il se réveilla, il ressentit une soif de vie oubliée. Et en 1898, son entreprise commença à s'améliorer et une période plus brillante commença dans son travail.

112 proverbes en une seule image

Pieter Bruegel l'Ancien, "Proverbes hollandais", 1559

Pieter Bruegel l'Ancien a représenté une terre habitée par des images littérales de proverbes hollandais de l'époque. Le tableau contient environ 112 idiomes reconnaissables. Certains d’entre eux sont encore utilisés aujourd’hui, comme par exemple : « nager à contre-courant », « se cogner la tête contre le mur », « armé jusqu’aux dents » et « les gros poissons mangent les petits poissons ».

D’autres proverbes reflètent la bêtise humaine.

Subjectivité de l'art

Paul Gauguin, "Village breton sous la neige", 1894

Le tableau de Gauguin "Village breton dans la neige" a été vendu après la mort de l'auteur pour seulement sept francs et, de plus, sous le nom de "Chutes du Niagara". L'homme qui organisait la vente aux enchères a accidentellement accroché le tableau à l'envers parce qu'il y avait vu une cascade.

Image cachée

Pablo Picasso, "La Chambre Bleue", 1901

En 2008 rayonnement infrarouge a révélé que cachée sous la Chambre Bleue se trouvait une autre image : le portrait d'un homme vêtu d'un costume avec un nœud papillon et reposant sa tête sur sa main. « Dès que Picasso avait une nouvelle idée, il prenait son pinceau et lui donnait vie. Mais il n’avait pas la possibilité d’acheter une nouvelle toile à chaque fois qu’une muse lui rendait visite », explique raison possible cette critique d'art Patricia Favero.

Marocains indisponibles

Zinaida Serebryakova, « Nue », 1928

Un jour, Zinaida Serebryakova a reçu une offre alléchante : se lancer dans un voyage créatif pour représenter les figures nues de jeunes filles orientales. Mais il s’est avéré qu’il était tout simplement impossible de trouver des modèles dans ces endroits. Le traducteur de Zinaida est venu à la rescousse - il lui a amené ses sœurs et sa fiancée. Personne avant ou après n'a pu capturer des femmes orientales nues et fermées.

Aperçu spontané

Valentin Serov, « Portrait de Nicolas II en veste », 1900

Pendant longtemps, Serov n'a pas pu dresser le portrait du tsar. Lorsque l'artiste a complètement abandonné, il s'est excusé auprès de Nikolai. Nikolaï était un peu bouleversé, s'assit à table, étendant les bras devant lui... Et puis l'artiste s'est rendu compte : voici l'image ! Un simple militaire en veste d'officier aux yeux clairs et tristes. Ce portrait est considéré comme la meilleure représentation du dernier empereur.

Un autre diable

© Fedor Reshetnikov

Le célèbre tableau « Deuce Again » n’est que le deuxième volet d’une trilogie artistique.

La première partie est « Arrivé en vacances ». Clairement une famille riche les vacances d'hiver, joyeux excellent élève.

La deuxième partie est « Encore un égalité ». Une famille pauvre de banlieue populaire, en pleine année scolaire, un idiot abattu qui a encore une mauvaise note. À gauche coin supérieur le tableau «Arrivé en vacances» est visible.

La troisième partie est « Réexamen ». Maison de campagne, l'été, tout le monde marche, un ignorant malveillant, qui a échoué à l'examen annuel, est obligé de s'asseoir entre quatre murs et de s'entasser. Dans le coin supérieur gauche, vous pouvez voir le tableau « Deuce Again ».

Comment naissent les chefs-d’œuvre

Joseph Turner, Pluie, vapeur et vitesse, 1844

En 1842, Mme Simon voyage en train en Angleterre. Soudain, une forte averse commença. Le vieil homme assis en face d'elle se leva, ouvrit la fenêtre, sortit la tête et regarda pendant environ dix minutes. Incapable de contenir sa curiosité, la femme ouvrit également la fenêtre et commença à regarder devant elle. Un an plus tard, elle découvre le tableau « Rain, Steam and Speed ​​» lors d’une exposition à la Royal Academy of Arts et peut y reconnaître le même épisode dans le train.

Leçon d'anatomie de Michel-Ange

Michel-Ange, "La Création d'Adam", 1511

Deux experts américains en neuroanatomie pensent que Michel-Ange a en fait laissé derrière lui des illustrations anatomiques dans l'une de ses œuvres les plus célèbres. Ils pensent que le côté droit du tableau représente un énorme cerveau. Étonnamment, même des composants complexes peuvent être trouvés, tels que le cervelet, les nerfs optiques et l'hypophyse. Et le ruban vert accrocheur correspond parfaitement à l'emplacement de l'artère vertébrale.

"La Cène" de Van Gogh

Vincent Van Gogh, Terrasse de café la nuit, 1888

Le chercheur Jared Baxter estime que le tableau de Van Gogh « Café terrasse la nuit » contient une dédicace cryptée à la « Cène » de Léonard de Vinci. Au centre de l'image se tient un serveur aux cheveux longs et à la tunique blanche rappelant les vêtements du Christ, et autour de lui se trouvent exactement 12 visiteurs du café. Baxter attire également l'attention sur la croix située directement derrière le serveur en blanc.

L'image de la mémoire de Dali

Salvador Dali, "La persistance de la mémoire", 1931

Ce n'est un secret pour personne que les pensées qui ont visité Dali lors de la création de ses chefs-d'œuvre se présentaient toujours sous la forme d'images très réalistes, que l'artiste a ensuite transférées sur toile. Ainsi, selon l'auteur lui-même, le tableau «La persistance de la mémoire» a été peint à la suite d'associations nées de la vue du fromage fondu.

Pourquoi Munch crie-t-il ?

Edvard Munch, "Le Cri", 1893.

Munch a expliqué comment il a eu l'idée de l'un des plus peintures mystérieuses dans la peinture mondiale : « Je marchais le long d'un chemin avec deux amis - le soleil se couchait - tout à coup le ciel est devenu rouge sang, je me suis arrêté, épuisé, et je me suis appuyé contre la clôture - j'ai regardé le sang et les flammes sur le bleuâtre- le fjord noir et la ville - mes amis sont partis, et je me suis tenu debout, tremblant d'excitation, sentant un cri sans fin transpercer la nature." Mais quel genre de coucher de soleil pourrait à ce point effrayer l’artiste ?

Il existe une version selon laquelle l'idée de "Le Cri" est née à Munch en 1883, lorsque plusieurs puissantes éruptions du volcan Krakatoa se sont produites - si puissantes qu'elles ont modifié la température de l'atmosphère terrestre d'un degré. De grandes quantités de poussière et de cendres se sont répandues à travers le monde, atteignant même la Norvège. Pendant plusieurs soirées consécutives, les couchers de soleil semblaient sur le point d'arriver à l'apocalypse - l'un d'eux est devenu une source d'inspiration pour l'artiste.

Un écrivain parmi le peuple

Alexandre Ivanov, « L'apparition du Christ au peuple », 1837-1857.

Des dizaines de modèles ont posé pour Alexandre Ivanov pour son image principale. L'un d'eux n'est pas moins connu que l'artiste lui-même. Au fond, parmi les voyageurs et les cavaliers romains qui n'ont pas encore entendu le sermon de Jean-Baptiste, on peut apercevoir un personnage en tunique. Ivanov l'a écrit de Nikolai Gogol. L'écrivain a communiqué étroitement avec l'artiste en Italie, notamment sur les questions religieuses, et lui a donné des conseils pendant le processus de peinture. Gogol croyait qu'Ivanov "est mort depuis longtemps pour le monde entier, à l'exception de son œuvre".

La goutte de Michel-Ange

Raphael Santi, "L'École d'Athènes", 1511.

Création célèbre fresque"L'École d'Athènes", Raphaël a immortalisé ses amis et connaissances dans les images philosophes grecs anciens. L'un d'eux était Michelangelo Buonarotti « dans le rôle » d'Héraclite. Pendant plusieurs siècles la fresque a gardé des secrets vie privée Michel-Ange et les chercheurs modernes ont émis l’hypothèse que le genou étrangement anguleux de l’artiste indiquait qu’il souffrait d’une maladie articulaire.

Cela est fort probable, étant donné les particularités du mode de vie et des conditions de travail des artistes de la Renaissance et le bourreau de travail chronique de Michel-Ange.

Miroir du couple Arnolfini

Jan van Eyck, "Portrait des époux Arnolfini", 1434

Dans le miroir derrière le couple Arnolfini, vous pouvez voir le reflet de deux autres personnes dans la pièce. Très probablement, il s'agit de témoins présents à la conclusion du contrat. L’un d’eux est van Eyck, comme en témoigne l’inscription latine placée, contrairement à la tradition, au-dessus du miroir au centre de la composition : « Jan van Eyck était ici ». C’est ainsi que les contrats étaient généralement conclus.

Comment un désavantage s'est transformé en talent

Rembrandt Harmens van Rijn, Autoportrait à l'âge de 63 ans, 1669.

La chercheuse Margaret Livingston a étudié tous les autoportraits de Rembrandt et a découvert que l'artiste souffrait de strabisme : dans les images, ses yeux regardent dans des directions différentes, ce qui n'est pas observé dans les portraits d'autres personnes par le maître. La maladie a permis à l’artiste de mieux percevoir la réalité en deux dimensions que les personnes ayant une vision normale. Ce phénomène est appelé « cécité stéréo » – l’incapacité de voir le monde en 3D. Mais comme le peintre doit travailler avec une image en deux dimensions, ce défaut même de Rembrandt pourrait être une des explications de son talent phénoménal.

Vénus sans péché

Sandro Botticelli, "Naissance de Vénus", 1482-1486.

Avant l'apparition de La Naissance de Vénus, l'image d'un corps féminin nu en peinture ne symbolisait que l'idée du péché originel. Sandro Botticelli fut le premier des peintres européens à ne trouver en lui rien de pécheur. De plus, les historiens de l'art sont sûrs que la déesse païenne de l'amour symbolise sur la fresque Image chrétienne: son apparition est une allégorie de la renaissance d'une âme ayant subi le rite du baptême.

Joueur de luth ou joueur de luth ?

Michel-Ange Merisi da Caravaggio, "Le joueur de luth", 1596.

Le tableau fut longtemps exposé à l'Ermitage sous le titre « Le joueur de luth ». Ce n'est qu'au début du XXe siècle que les historiens de l'art s'accordèrent sur le fait que le tableau représente un jeune homme (probablement une connaissance du Caravage, l'artiste Mario Minniti, a posé pour lui) : sur les notes devant le musicien, on peut voir un enregistrement de la basse vers du madrigal de Jacob Arkadelt « Tu sais que je t'aime » . Une femme pourrait difficilement faire un tel choix - c'est juste dur pour la gorge. De plus, le luth, comme le violon tout en bordure du tableau, était considéré comme un instrument masculin à l’époque du Caravage.

Chaque l'homme moderne Je devrais savoir ce qu'est la peinture. Les chefs-d'œuvre d'importance mondiale présentés dans notre article ne peuvent laisser personne indifférent. Vous pouvez également découvrir où trouver une liste complète des tableaux célèbres dans le monde entier. Jeux de peinture rôle important dans la vie de chacun. Grâce à cela, vous pouvez former une personnalité aux multiples facettes.

Qu'est-ce que la peinture ? informations générales

La peinture est une forme d’art. Grâce à lui, l'artiste véhicule des images visuelles en appliquant de la peinture sur n'importe quelle surface. L'émergence de la peinture en Russie est associée au développement du réalisme et de l'iconicité. Les experts identifient cinq principaux types de peinture :

• chevalet;
• monumental;
• décoratif;
• théâtral et décoratif;
• miniature.

Pendant longtemps, on a cru que l'histoire commençait avec un artiste néerlandais nommé Jan van Eyck, qui créait ses peintures au XVe siècle. De nombreux experts l'appellent le créateur des beaux-arts du pétrole. Cette théorie est également décrite dans la littérature spécialisée. Cependant, cela ne peut être confirmé. Plusieurs artistes connus ont travaillé Peinture à l'huile bien avant van Eyck.

Les grands chefs-d’œuvre de la peinture nous permettent de découvrir comment vivaient les gens il y a de nombreuses années. Léonard de Vinci a soutenu que les peintures sont créées par l'homme, la nature et le temps. La peinture peut être exécutée sur absolument n’importe quelle base. Elle participe à la formation du milieu artificiel et naturel.

La peinture est illusoire. Plotin a soutenu qu'il n'est pas nécessaire de copier la nature, il faut en tirer des leçons. Le développement de la peinture a depuis longtemps dépassé la compréhension de ses tâches principales de « reproduction de la réalité ». C'est pourquoi de nombreux artistes abandonnent les méthodes d'expression de soi et d'influence non pertinentes sur le spectateur. De nouvelles orientations en peinture émergent.

Les chefs-d'œuvre célèbres de la peinture et ce type de beaux-arts en général peuvent remplir les fonctions suivantes :

• cognitif;
• religieux;
• esthétique;
• philosophique;
• idéologique;
• social et éducatif;
• documentaire

La couleur a la signification principale et la plus significative en peinture. On pense qu'il est le porteur de l'idée.

Il en existe une grande variété :

• portrait;
• paysage;
• Marina;
• peinture historique;
• bataille;
• nature morte;
• peinture de genre;
• architectural;
• religieux;
• animal;
• décoratif.

La peinture joue un rôle énorme dans le développement personnel. Les chefs-d'œuvre d'importance mondiale, montrés à un enfant, contribuent à façonner sa personnalité et lui apprennent à apprécier un objet d'art particulier. Souvent, la peinture aide à soulager l'état d'un patient atteint d'une maladie particulière. L'art-thérapie implique non seulement la familiarisation avec les types d'art, mais vous permet également d'essayer de créer vous-même un chef-d'œuvre.

Léonard de Vinci, "Mona Lisa"

Certaines peintures (chefs-d'œuvre de la peinture mondiale) contiennent de nombreux secrets et mystères. Il est encore difficile de les résoudre. "Mona Lisa" est un tableau peint par Léonard de Vinci. Elle est considérée comme l’une des œuvres de peinture les plus célèbres au monde. Son original se trouve au Louvre (Paris). Là, il est considéré comme l'exposition principale. Ce n'est pas un hasard, car la plupart des touristes visitent le Louvre chaque jour précisément pour regarder le tableau de Léonard de Vinci.
Aujourd’hui, la Joconde n’est pas dans les meilleures conditions. C’est pourquoi la direction du musée a annoncé il y a plusieurs années que l’œuvre d’art ne serait plus offerte à aucune exposition. Vous ne pouvez voir le portrait qu'au Louvre.
Le tableau est devenu populaire après avoir été volé par un employé du musée en 1911. La recherche du chef-d'œuvre volé s'est poursuivie pendant deux ans. Pendant tout ce temps, ils écrivaient sur elle dans les magazines et les journaux et la mettaient en couverture. Peu à peu, la Joconde devient un objet de copie et de culte.

Les peintures (chefs-d'œuvre de la peinture mondiale) sont activement étudiées par des spécialistes. "Mona Lisa" a été créée il y a plus de 500 ans. Les scientifiques disent qu'elle change comme une vraie femme. Au fil du temps, le portrait s'est estompé, jauni et il y a des taches sombres à certains endroits. Les supports en bois étaient froissés et fissurés. On sait que le tableau contient 25 secrets.

Il y a 9 ans, les visiteurs du musée pouvaient pour la première fois profiter de la couleur originale du tableau. Des photographies uniques réalisées par Pascal Cottet ont permis de voir à quoi ressemblait le chef-d'œuvre avant qu'il ne commence à s'estomper.

Des photographies prises à l'aide d'une technologie unique permettent de découvrir qu'après avoir créé le chef-d'œuvre, Léonard a modifié la position de la main de Gioconda, son expression faciale et son sourire. On sait qu'il y a une tache sombre au niveau de l'œil dans le portrait. Les scientifiques affirment que ces dommages sont dus au fait que de l'eau a pénétré dans la couche de vernis. Son éducation est liée au fait que le tableau a été accroché pendant un certain temps dans la salle de bain de Napoléon.

L'artiste a travaillé sur le tableau pendant plus de deux ans. Il est inclus dans la liste des « 500 chefs-d'œuvre de la peinture d'importance mondiale ». Il existe une théorie selon laquelle le portrait ne représente pas du tout la Joconde. Le tableau tire son nom des mots. Les scientifiques de notre époque prétendent que cela pourrait être une erreur et le chef-d'œuvre représente une femme complètement différente. Le sourire de Gioconda suscite le plus de questions. Il existe de nombreuses versions de son interprétation. Certains soutiennent que Gioconda est représentée enceinte et que son expression faciale est associée au désir de ressentir le mouvement du fœtus, tandis que d'autres pensent que le sourire trahit l'homosexualité cachée de l'artiste lui-même. Certains experts sont convaincus que la Joconde est un autoportrait de Léonard de Vinci.

"Le Sacre de Napoléon", Jacques Louis David

Beaucoup de gens sont attirés par la peinture. Les chefs-d'œuvre d'importance mondiale montrent souvent au spectateur un épisode d'un événement historique important. Le tableau, peint par Jacques Louis David, a été commandé par l'empereur de France Napoléon Ier. "Le Couronnement de Napoléon" montre les événements du 2 décembre 1804. On sait que le client a demandé à l’artiste de mieux représenter le couronnement qu’il ne l’était réellement.

David a créé un chef-d'œuvre inspiré d'un tableau de Rubens. Il y a travaillé pendant plusieurs années. Pendant longtemps, le tableau resta la propriété de l’artiste. Elle s'est retrouvée au musée après le départ de Jacques Louis David. Son travail a fait bonne impression sur beaucoup. En 1808, l'artiste reçoit une commande d'un entrepreneur américain qui lui demande d'en créer une copie à l'identique.

Le tableau représente environ 150 personnages. On sait que chaque image est incroyablement précise et réaliste. Dans le coin gauche de la toile sont représentés tous les proches de l’empereur. Derrière Napoléon est assise sa mère. Cependant, elle n’a pas assisté au couronnement. Les experts disent que cela a très probablement été fait en lien avec les souhaits de Napoléon lui-même. On sait qu'il la traitait avec beaucoup de respect.

À cette époque, le film connaît un succès fantastique. Après le renversement de Napoléon, le tableau est resté longtemps en réserve et n'a pas été exposé. Aujourd’hui, l’image, comme avant, ravit beaucoup.

Valentin Serov, "La Fille aux pêches"

Les chefs-d'œuvre de la peinture russe ne sont pas moins populaires. "Fille aux pêches" est un tableau peint par Valentin Serov en 1887. Aujourd'hui, vous pouvez la voir en direct à l'État Galerie Tretiakov. Le tableau représente Vera Mamontova, 12 ans. Elle est assise à une table sur laquelle se trouvent un couteau, des pêches et des feuilles. La jeune fille porte un chemisier rose avec un nœud bleu foncé.

Le tableau de Valentin Serov a été peint dans la propriété de Savva Ivanovitch Mamontov à Abramtsevo. En 1871, des pêchers sont plantés sur le domaine. Une personne spécialement embauchée s'est occupée d'eux. L'artiste arrive au domaine pour la première fois en 1875 avec sa mère.

En août 1877, Vera Mamontova, 11 ans, s'assit à table et ramassait une pêche. Valentin Serov a invité la jeune fille à poser. Vera a accepté l'offre de l'artiste. Elle a posé tous les jours pendant près de deux mois. Une fois le tableau peint, l’artiste l’a offert à Elizaveta Mamontova, la mère de la jeune fille. Il est resté longtemps accroché dans l’une des pièces. Il en existe actuellement une copie et l'original se trouve au musée. En 1888, l'auteur du tableau reçoit le prix de la Société des amateurs d'art de Moscou.

Les chefs-d'œuvre de la peinture russe contiennent un grand nombre de faits peu connus. "La Fille aux Pêches" ne fait pas exception. On sait que Vera Mamontova, représentée sur toile, n'a vécu que 32 ans. La cause de son décès était une pneumonie. Son mari ne s'est pas marié après la mort de son élue. Il a élevé seul trois enfants.

Littérature spéciale

Malheureusement, tout le monde n’a pas les moyens de visiter des musées d’importance mondiale. Cependant, beaucoup de gens souhaitent voir des chefs-d’œuvre de la peinture. Vous pouvez retrouver des photos de certains d’entre eux dans notre article. Il convient de noter qu'il existe aujourd'hui un grand nombre de publications imprimées qui démontrent meilleures peintures De partout dans le monde. Vous y trouverez des œuvres modernes et anciennes de divers artistes. Il est à noter que certaines éditions sont produites en quantités limitées et ne sont pas faciles à trouver.

Le magazine « 50 artistes. Chefs-d'œuvre de la peinture russe » est une publication hebdomadaire. Ce sera intéressant pour les lecteurs de tout âge. Vous y trouverez des photographies de peintures de renommée mondiale, l'histoire de leur création et Faits intéressantsà propos d'eux. Le premier magazine, sorti il ​​y a six ans, était accompagné d'un classeur pour ranger les publications et d'une reproduction de l'un des tableaux qui pouvait être placé sur votre bureau ou sur votre mur. Chaque numéro décrit le travail d'un des artistes. Le volume du magazine est de 32 pages. Vous pouvez le trouver sur le territoire Fédération Russe ou les pays voisins. "50 artistes russes. Chefs-d'œuvre de la peinture russe" est un magazine qui séduira certainement les connaisseurs des beaux-arts. Collection complète les problèmes vous permettront d'étudier des informations de base sur les plus artistes populaires. Le coût du magazine ne dépasse pas 100 roubles.

"Chefs-d'œuvre de la peinture russe" est un livre écrit par L. M. Zhukova. Il contient 180 pages. La publication comprend 150 images de haute qualité. Le livre-album en attire beaucoup. Ce n'est pas un hasard, car il existe un grand nombre de reproductions. Grâce à eux, vous pourrez retracer comment s'est formée la peinture russe. Le coût du livre varie de 700 à 1 000 roubles.

"Musées célèbres d'Italie. Chefs-d'œuvre de la peinture" est un livre publié cette année. Il présente les meilleures peintures de six musées d'Italie. Dans la publication, le lecteur peut également se familiariser avec l'histoire de la création des musées. Le livre contient 304 pages.

Ceux qui veulent voir des œuvres d'importance mondiale apprécieront certainement la galerie électronique des chefs-d'œuvre de la peinture. Il existe aujourd’hui de nombreuses ressources et applications présentant les tableaux les plus célèbres.

Viktor Vasnetsov, "Les Bogatyrs"

« Bogatyrs (Trois Bogatyrs) » est un tableau peint par Viktor Vasnetsov en 1898. C'est l'un des chefs-d'œuvre de l'art. Les peintures de Vasnetsov sont connues de beaucoup. L'œuvre "Bogatyrs" est considérée comme un symbole art russe. La base de toute l’œuvre de Vasnetsov est constituée de thèmes folkloriques.

Trois héros russes sont représentés. Ils symbolisent la force et la puissance du peuple russe. Au-dessus de la création de ce travail L'artiste a travaillé dans l'art pendant environ 30 ans. Le premier croquis a été réalisé par Vasnetsov en 1871.

L'un des héros représentés dans le tableau est Ilya Muromets. Il nous est connu comme un personnage des épopées russes. Pourtant, peu de gens savent que ce héros a réellement existé. De nombreuses histoires sur ses exploits sont réelles et Ilya Muromets lui-même est un personnage historique.

Dobrynya Nikitich, qui est également représentée sur la photo, selon les légendes populaires, était très instruite et courageuse. Il y a beaucoup de choses associées à sa personnalité des histoires incroyables. Vous pouvez souvent entendre des histoires sur son épée et son armure enchantées.

Aliocha Popovitch diffère des deux autres héros par son âge. Il est jeune et mince. Dans ses mains, on peut voir un arc et des flèches. Il y en a beaucoup sur la photo petites pièces, ce qui aidera à étudier attentivement le caractère des personnages.

Mikhaïl Vrubel, "Le démon assis"

Un autre tableau bien connu est « Démon assis ». Son auteur est Mikhaïl Vrubel. Elle a été créée en 1890. Vous pouvez voir son original dans la Galerie Tretiakov. On pense que l'image personnifie les doutes inhérents à l'homme.

Les experts estiment que l'artiste était obsédé par l'image d'un démon, car on sait qu'il a écrit de nombreuses œuvres similaires. Selon certaines informations, au cours de cette période, les connaissances de Vroubel ont remarqué que l'artiste développait un trouble mental. L'apparition de la maladie est associée au stress vécu. On sait que Vroubel a eu un fils avec ce qu'on appelle une fente labiale. Les proches de l’artiste ont noté qu’en raison de l’apparition d’un trouble mental, son envie d’art s’était accrue. Cependant, il était presque impossible d'être près de lui. Au printemps 1902, la maladie atteint un point critique. L'artiste a été placé pour traitement à asile psychiatrique. Malgré destin difficile Vroubel, ses peintures ne cessent d'attirer de nouveaux fans de son travail et des connaisseurs d'art du monde entier. Ses œuvres sont présentées lors de diverses expositions. « Démon assis » est l’une des peintures les plus populaires de l’artiste.

Kuzma Petrov-Vodkin, "Le bain du cheval rouge"

Chaque personne moderne devrait connaître les chefs-d’œuvre de la peinture. Les photos présentées dans notre article vous aideront à vous familiariser avec elles. "Le bain du cheval rouge" est un tableau peint par l'artiste en 1912. Son auteur est Kuzma Petrov-Vodkin. En peignant le cheval dans une couleur inhabituelle, l'artiste utilise les traditions de la peinture d'icônes russe. La couleur rouge est un symbole de la grandeur de la vie et du sacrifice. Le cheval indomptable symbolise l'incompréhensibilité de l'esprit russe. Brillant couleur rose associé à l’image du jardin d’Eden.

Le 10 novembre 1912, une exposition a lieu à Moscou. Au-dessus de porte d'entrée a placé le tableau de Petrov-Vodkin, croyant qu'il deviendrait une sorte de bannière. Cependant, cette opinion était fausse. Le tableau n'a pas été apprécié ni par certains visiteurs de l'exposition ni par les artistes. Une controverse a entouré ce travail de pionnier. En 1914, une exposition a eu lieu en Suède, où 10 œuvres de Petrov-Vodkin ont été présentées, dont « Le bain du cheval rouge ». Ils étaient évalués à plusieurs dizaines de millions de dollars.
L'âge du tableau est de plus de 100 ans. Aujourd’hui, son rôle dans le développement de la peinture est évident. Cependant, même à notre époque, de nombreux connaisseurs d’art n’aimaient pas le travail de Petrov-Vodkin.

Salvador Dali, « La persistance de la mémoire »

Beaucoup de gens s’intéressent à la peinture. Les chefs-d’œuvre de l’art mondial continuent d’étonner aujourd’hui. Toute l’œuvre de Salvador Dali est paradoxale et difficile à analyser logiquement. Le tableau "La persistance de la mémoire", peint en 1931, a attiré l'attention de nombreux critiques. Image principale les œuvres s'expliquent le plus souvent par la complexité et le caractère non linéaire de l'époque. Les symboles préférés de Salvador Dali sont rassemblés dans un seul tableau. La mer symbolise l'immortalité, l'œuf symbolise la vie et l'olive symbolise la sagesse. La peinture montre soirée jours. Le soir est un symbole de mélancolie. Il détermine l'ambiance générale de l'œuvre. On sait que les trois horloges sur la photo représentent le passé, le présent et le futur. On pense que l’objet flou avec des cils est un autoportrait de l’auteur endormi. Salvador Dali a soutenu que le sommeil libère toutes les pensées subconscientes et qu'une personne devient sans défense. C'est pourquoi sur la photo, sa silhouette est présentée comme un objet flou.

Étonnamment, l'artiste a imaginé l'image de l'œuvre après avoir examiné le fromage fondu. Il a créé le tableau en quelques heures.

La peinture de Salvador Dali est différente petite taille(24x33 cm). L'œuvre est devenue un symbole du surréalisme. Le tableau a été exposé pour la première fois à Paris en 1931. Là, il a été vendu 250 $.

Résumons-le

La peinture joue un rôle important dans nos vies. Les chefs-d'œuvre des beaux-arts restent d'actualité aujourd'hui. Il existe de nombreuses peintures dignes d'intérêt qui ont importance mondiale. Notre article en contient quelques-uns. Chaque image présentée comporte des détails et des images individuels. Il convient de noter que certains d'entre eux sont associés faits peu connus et des mystères qui ne sont pas entièrement compris aujourd'hui.

La peinture joue un rôle particulier dans la vie des enfants et des adolescents. En étudiant les chefs-d'œuvre, ils apprennent à analyser, à exprimer leur point de vue et à se forger une personnalité indépendante et très intelligente. La peinture joue un rôle important non seulement dans la vie des enfants, mais aussi celle des adultes. Ce n’est un secret pour personne qu’une personne moderne doit être une personnalité pleinement développée. Il est important d’étudier toutes les sphères de la vie, y compris la peinture, afin de se sentir digne dans une société instruite et peut-être même de trouver sa vocation dans l’art.

De magnifiques œuvres d'art réalisées par de grands maîtres peuvent surprendre même ceux pour qui l'art signifie peu. C’est pourquoi les musées de renommée mondiale comptent parmi les attractions les plus populaires, attirant des millions de visiteurs chaque année.

Pour se démarquer énorme montant peintures peintes tout au long de l'histoire de l'art, l'artiste a besoin non seulement de talent, mais aussi de la capacité d'exprimer une intrigue unique d'une manière inhabituelle et très pertinente pour son époque.

Les peintures présentées ci-dessous déclarent haut et fort non seulement le talent de leurs auteurs, mais également les nombreuses tendances culturelles qui se sont succédées et les événements historiques les plus importants qui ont toujours été reflétés dans l'art.

"Naissance de Vénus"

Ce tableau, peint par le grand maître de la Renaissance Sandro Botticelli, représente le moment où la belle Vénus émerge de l'écume marine. L’un des aspects les plus attrayants de la peinture est la pose modeste de la déesse et son visage simple mais beau.

"Les chiens jouent au poker"

Peinte par Cassius Coolidge en 1903, une série de 16 tableaux représentent des chiens rassemblés autour d'une table basse ou de jeu en train de jouer au poker. De nombreux critiques reconnaissent ces peintures comme la représentation canonique des Américains de l'époque.

Portrait de Madame Récamier

Ce portrait, peint par Jacques-Louis David, représente une brillante mondaine dans un décor contrasté minimaliste et simple, vêtue de simples robe blanche sans manches. Ce - exemple brillant néoclassicisme dans l'art du portrait.

№5

Ce célèbre tableau, peint par Jackson Pollock, est son œuvre la plus emblématique, qui dépeint de manière vivante le chaos qui faisait rage dans l'âme et l'esprit de Pollock. Il s’agit de l’une des œuvres les plus chères jamais vendues par un artiste américain.

"Le fils de l'homme"

"Le Fils de l'Homme", écrit par René Magritte, est une sorte d'autoportrait, représentant l'artiste lui-même en costume noir, mais avec une pomme au lieu d'un visage.

"Numéro 1" ("Rouge Royal et Bleu")

Cette œuvre assez récente, peinte par Mark Rothko, n'est rien d'autre que des coups de pinceau de trois nuances différentes sur une toile réalisée à la main. Le tableau est actuellement exposé à l'Art Institute of Chicago.

"Massacre des Innocents"

Basé sur l'histoire biblique du meurtre de bébés innocents à Bethléem, Peter Paul Rubens a créé ce tableau étrange et cruel qui touche les émotions de tous ceux qui le regardent.

"Dimanche après-midi sur l'île de La Grande Jatte"

Créé par Georges Seurat, ce tableau unique et très populaire représente une atmosphère détendue de week-end dans une grande ville. Ce tableau est un excellent exemple de pointillisme, qui combine plusieurs points en un tout.

"Danse"

"La Danse" d'Henri Matisse est un exemple d'un style appelé Fauvisme, caractérisé par des couleurs et des formes vives, presque artificielles, et une dynamique élevée.

"Gothique americain"

"American Gothic" est une œuvre d'art qui symbolise parfaitement l'image des Américains pendant la Grande Dépression. Dans ce tableau, Grant Wood représente un couple strict, probablement religieux, debout devant une maison simple aux fenêtres de style gothique.

"Chargeur de fleurs"

Ce tableau du peintre mexicain le plus populaire du XXe siècle, Diego Rivera, représente un homme luttant pour porter sur son dos un panier surchargé de fleurs tropicales aux couleurs vives.

"La mère de Whistler"

Également connu sous le nom d'"Arrangement en gris et noir. La mère de l'artiste", c'est l'un des tableaux les plus célèbres artiste américain James Whistler. Dans ce tableau, Whistler représente sa mère assise sur une chaise contre un mur gris. Le tableau utilise uniquement des nuances de noir et de gris.

"La persistance de la Mémoire"

Il s’agit d’une œuvre emblématique du non moins emblématique Salvador Dali, le surréaliste espagnol de renommée mondiale qui a propulsé ce mouvement au premier plan de l’art.

Portrait de Dora Maar

Pablo Picasso est l'un des peintres espagnols les plus populaires et les plus influents. Il est le fondateur d'un style sensationnel à son époque, appelé le cubisme, qui cherche à fragmenter n'importe quel objet et à le transmettre avec des formes géométriques claires. Ce tableau est le premier portrait de style cubiste.

"Portrait d'un artiste sans barbe"

Ce tableau de Van Gogh est un autoportrait unique puisqu'il représente l'artiste sans la barbe habituelle. De plus, c'est l'un des rares tableaux de Van Gogh vendus à des collections privées.

"Terrasse du café de nuit"

Peint par Vincent van Gogh, ce tableau représente un spectacle familier d'une manière complètement nouvelle, en utilisant des couleurs étonnamment vibrantes et des formes inhabituelles.

"Composition VIII"

Vassily Kandinsky est reconnu comme le fondateur art abstrait- un style qui utilise des formes et des symboles plutôt que des objets et des personnes familiers. "Composition VIII" est l'une des premières peintures de l'artiste réalisées exclusivement dans ce style.

"Baiser"

L'une des premières œuvres d'art du style Art Nouveau, ce tableau est presque entièrement réalisé dans des tons dorés. Le tableau de Gustav Klimt est l’une des œuvres les plus marquantes du style.

"Bal au Moulin de la Galette"

Le tableau de Pierre Auguste Renoir est une représentation vibrante et dynamique de la vie urbaine. De plus, c’est l’un des tableaux les plus chers au monde.

"Olympie"

Dans le tableau Olympia, Edouard Manet a créé une véritable contradiction, presque un scandale, puisque la femme nue au regard est clairement une amante, non voilée par les mythes de l'époque classique. C'est l'un des premières œuvres dans le style du réalisme.

"Le 3 mai 1808 à Madrid"

Dans cette œuvre, Francisco Goya a représenté l'attaque de Napoléon contre les Espagnols. C'est l'un des premiers peintures espagnoles qui décrivent la guerre sous un jour négatif.

"Les Ménines"

Le tableau le plus célèbre de Diego Velázquez représente l'infante Margarita, âgée de cinq ans, sur fond de portrait de ses parents réalisé par Velázquez.

"Portrait du couple Arnolfini"

Ce tableau est l’une des œuvres les plus anciennes de la peinture. Il a été peint par Jan van Eyck et représente l'homme d'affaires italien Giovanni Arnolfini et sa femme enceinte dans leur maison de Bruges.

"Crier"

Un tableau de l'artiste norvégien Edvard Munch représente le visage d'un homme déformé par la peur sur un ciel rouge sang. Le paysage en arrière-plan ajoute un charme sombre à ce tableau. De plus, "Le Cri" est l'une des premières peintures réalisées dans le style de l'expressionnisme, où le réalisme est réduit au minimum pour permettre plus de liberté aux émotions.

"Nénuphars"

"Les Nymphéas" de Claude Monet fait partie d'une série de 250 tableaux représentant des éléments du jardin de l'artiste. Ces peintures sont exposées dans divers musées d'art à travers le monde.

"Nuit étoilée"

La "Nuit étoilée" de Van Gogh est l'une des plus belles images célèbres V culture moderne. Il est actuellement exposé au Museum of Modern Art de New York.

"La chute d'Icare"

Ce tableau, peint par l'artiste néerlandais Pieter Bruegel, montre l'indifférence de l'homme à l'égard de la souffrance de ses semblables. Fort thème social montré ici tout à fait d'une manière simple, utilisant l’image d’Icare se noyant sous l’eau et des gens ignorant ses souffrances.

"La création d'Adam"

La Création d'Adam est l'une des nombreuses fresques magnifiques de Michel-Ange qui ornent le plafond Chapelle Sixtine au Palais du Vatican. Il représente la création d'Adam. En plus de représenter des formes humaines idéales, la fresque est l’une des premières tentatives de l’histoire de l’art pour représenter Dieu.

"Dernière Cène"

Cette fresque du grand Léonard représente Dernière Cène Jésus avant sa trahison, son arrestation et sa mort. Outre la composition, les formes et les couleurs, les discussions sur cette fresque regorgent de théories sur symboles cachés et la présence de Marie-Madeleine à côté de Jésus.

"Guernica"

Guernica de Picasso représente l'explosion de la ville espagnole du même nom pendant la guerre d'Espagne. guerre civile. Il s’agit d’une image en noir et blanc qui dépeint négativement le fascisme, le nazisme et leurs idées.

"Une fille avec une boucle d'oreille"

Ce tableau de Johannes Vermeer est souvent appelé la Joconde hollandaise, non seulement en raison de son extraordinaire popularité, mais aussi parce que l'expression du visage de la jeune fille est difficile à capturer et à expliquer.

"Décapitation de Jean-Baptiste"

La peinture du Caravage représente de manière très réaliste le moment du meurtre de Jean-Baptiste en prison. La pénombre du tableau et les expressions faciales de ses personnages en font un véritable chef-d'œuvre classique.

"La Ronde de nuit"

"La Ronde de nuit" est l'un des tableaux les plus célèbres de Rembrandt. Il représente un portrait de groupe d'une compagnie de fusiliers dirigée par ses officiers. Un aspect unique du tableau est la pénombre, qui donne l’impression d’une scène nocturne.

"École d'Athènes"

Peinte par Raphaël au début de sa période romaine, cette fresque représente de célèbres philosophes grecs tels que Platon, Aristote, Euclide, Socrate, Pythagore et d'autres. De nombreux philosophes sont décrits comme contemporains de Raphaël, par exemple Platon - Léonard de Vinci, Héraclite - Michel-Ange, Euclide - Bramante.

"Mona Lisa"

Le tableau le plus célèbre au monde est probablement La Joconde de Léonard de Vinci, mieux connu sous le nom de Mona Lisa. Cette toile est un portrait de Mme Gherardini, attirant l'attention par une expression mystérieuse sur son visage.

"Mona Lisa". Léonard de Vinci 1503-1506

L'un des tableaux les plus reconnaissables et les plus célèbres au monde, son nom complet est Portrait de Madame Lisa del Giocondo. Le portrait représente l'Italienne Lisa del Giocondo, représentante de la classe moyenne de la Renaissance, mère de six enfants. Le mannequin a les sourcils rasés et les cheveux sur le haut du front, ce qui correspond à la mode du Quattrocento. Léonard de Vinci considérait ce portrait comme l'une de ses œuvres préférées, le décrivait souvent dans ses notes et le considérait sans aucun doute comme sa meilleure œuvre. Ce tableau figure à juste titre en tête de liste des tableaux les plus populaires au monde.

"Naissance de Vénus" Sandro Botticelli 1482 - 1486

Une excellente illustration du mythe de la naissance d'Aphrodite. Vénus nue se dirige vers la terre dans une coquille, poussée par le vent d'ouest Zéphyr, le vent mêlé de fleurs - cela symbolise le printemps et la beauté. Sur le rivage, Aphrodite rencontre l'une des déesses de la beauté. Après avoir créé ce tableau, l'artiste Botticelli a reçu reconnaissance mondiale, son style d'écriture unique l'a aidé en cela ; il se démarquait de ses contemporains par ses rythmes flottants, qui n'étaient utilisés que par lui.

"La création d'Adam". Michel-Ange 1511

Placée au plafond de la Chapelle Sixtine, la quatrième des neuf œuvres de la série. Michel-Ange a clarifié l'irréalité de la symbiose du céleste et de l'humain ; selon l'artiste, l'image de Dieu ne contient pas une puissance céleste phénoménale, mais une énergie créatrice qui peut être transmise sans contact.

"Matin dans une forêt de pins". Ivan Chichkine, Constantin Savitski 1889

"Fille sur le ballon". Pablo Picasso 1905

Une image de contrastes. Il représente une escale d'un cirque ambulant dans un désert brûlé. Les personnages principaux sont également très contrastés : un homme fort, triste et monolithique est assis sur un cube. A ce moment-là, à côté de lui, sur un ballon, une jeune fille fragile et souriante se tient en équilibre.

"Le dernier jour de Pompéi". Karl Brioullov 1833

Lors d'une visite à Pompéi en 1828, Bryulov réalisa de nombreux croquis et croquis, il savait déjà à quoi ressemblerait l'œuvre finale. Le tableau a été présenté à Rome, puis transféré au Louvre, où de nombreux critiques et historiens de l'art ont admiré le talent de Karl. Après ce travail, des classiques mondiaux lui sont venus, mais malheureusement, la plupart des gens associent son travail uniquement à ce tableau.

L'un des tableaux les plus reconnaissables

"Nuit étoilée". Vincent van Gogh 1889

Un tableau emblématique de l'artiste néerlandais, qu'il a peint à partir de ses souvenirs (ce qui n'est pas typique de Van Gogh), car à cette époque il était à l'hôpital. Après tout, lorsque les crises de rage passaient, il était tout à fait adéquat et savait dessiner. Pour ce faire, son frère Théo s'est mis d'accord avec les médecins et ils lui ont permis de travailler avec de la peinture dans la salle. Pourquoi Van Gogh s'est-il coupé l'oreille ? Lisez dans mon article.

"La neuvième vague" Ivan Aïvazovski 1850

L'une des peintures les plus célèbres sur un thème marin (marina). Aivazovsky était originaire de Crimée, il n’est donc pas difficile d’expliquer son amour pour l’eau et la mer. La neuvième vague - image artistique, danger et tension inévitables, on pourrait aussi dire : le calme avant la tempête.

"Une fille avec une boucle d'oreille." Jan Vermeer 1665

Scène emblématique d'un artiste néerlandais, elle est aussi appelée la Joconde néerlandaise. Cette œuvre n'est pas entièrement un portrait, mais appartient plutôt au genre «troni», où l'accent n'est pas mis sur le portrait d'une personne, mais sur sa tête. La jeune fille à la boucle d'oreille en perle est populaire dans la culture moderne et plusieurs films ont été tournés sur elle.

"Impression. Soleil levant» Claude Monet 1872

La peinture qui a donné naissance au genre « impressionnisme ». Le célèbre journaliste Louis Leroy, après avoir visité une exposition avec cette œuvre, a écrasé Claude Monet, il a écrit : « le papier peint accroché au mur a l'air plus fini que cette « Impression » ». Il est considéré comme un représentant canonique du genre, plus populaire que de nombreux autres tableaux de grands artistes.

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