EntréeMotifs végétaux dans les beaux-arts. Stylisation et transformation de formes végétales en motifs ornementaux. Partenaire d'information générale
Image de motifs végétaux. Beschastnov N.P.
M. : 2008 - 175 p.
Le manuel examine les bases de la théorie, de la méthodologie et de la pratique de la représentation de motifs végétaux en relation avec les tâches de formation spéciale des artistes de l'industrie textile et légère. Un riche matériel illustratif démontre une variété de techniques de représentation de plantes et de motifs végétaux. Le manuel s'adresse aux étudiants universitaires préparant des artistes pour les industries textiles et légères, ainsi qu'à toute personne intéressée par les arts décoratifs et appliqués.
Format: pdf
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Contenu
Préface 3
Introduction 4
Chapitre 1. Représentation des plantes dans l'histoire de l'éducation artistique et industrielle 8
1. Images de plantes dans les ornements de l'Antiquité à la fin du XVIIIe siècle 8
2. Le dessin de plantes dans l'art et l'enseignement industriel européens du 19e au début du 20e siècle
Chapitre 2. Théorie des images végétales pour les créations textiles 31
1. La fonction des images végétales dans les textiles 31
2. Ornement floral et forme du produit textile 32
3. Typologie des ornements végétaux 36
Chapitre 3. Principes scientifiques de l'image des plantes et des motifs ornementaux végétaux 47
1. Taxonomie végétale 47
2. Structure des plantes supérieures 58
3. Symétrie et asymétrie dans la structure des plantes supérieures et dans leurs images 66
4. Intégrité des images de motifs végétaux 74
5. Base rythmique des images de motifs végétaux 77
6. Propriétés plastiques des images de motifs végétaux 80
7. Géométrie des constructions spatiales d'images de plantes sur un plan 82
8. Clair-obscur à l'image des plantes 87
Chapitre 4. Technique de représentation de motifs végétaux 89
1. Images analytiques 89
2. Images figuratives-émotionnelles 94
3. Images ornementales et plastiques 104
4. Conseils pratiques pour représenter les plantes 118
Chapitre 5. Motifs floraux dans les modèles textiles européens 126
1. Fleurs et fruits dans le baroque et le rococo 127
2. Guirlandes et couronnes de style classicisme et empire 137
3. Au pays du bouleau calico 148
4. Motif feuille qui se tord 155
5. Motifs floraux sur tissus XX en 163
Conclusion 171
Littérature 172
Dans le processus pédagogique, les étudiants spécialisés dans la conception artistique de textiles à motifs végétaux travaillent dans les cours suivants : « Dessin », « Dessin spécial », « Peinture », « Peinture décorative », « Fondamentaux de la composition » avec des pratiques d'été en en plein air, « Composition spéciale " Les travaux de chaque cours se concentrent sur des problématiques d'apprentissage spécifiques, couvrant ainsi tous les types de travaux créatifs possibles sur des images végétales. Ces tâches peuvent être divisées en deux groupes. L'une examine les principaux aspects théoriques et pratiques de l'étude et de la représentation des motifs végétaux par les artistes des arts appliqués, tandis que l'autre est dominée par la formulation de questions particulières étroitement liées aux lois de construction des compositions textiles. Ce manuel, destiné principalement à être utilisé dans les cours « Dessin » et « Dessin spécial » et lors des pratiques estivales en plein air, appartient au premier groupe de tâches.
Emplacement
Bureau du président (bâtiment principal), place Krasnaya, 1
Horaires d'ouverture de l'exposition
Des billets:
Avec un billet de muséeParticipants :
Musée historique d'ÉtatArchives d'État de la Fédération de Russie
Bibliothèque d'État de Russie
Collection privée de Yu.D. Jouravitski (États-Unis)
Collection privée d'E.A. Malinko (RF)
Maison de joaillerie Anna Nova
Partenaire d'information générale :
Partenaire d’information sur l’innovation :
Support informationnel pour le projet :
Partenaires du projet :
Théâtre "Blot"
Pour la première fois, le Musée historique d'État présente une collection unique d'œuvres en perles, ainsi que d'autres objets d'art décoratif, appliqué et raffiné de la première moitié du XIXe siècle. avec des motifs floraux et végétaux et leur symbolique. L'exposition présente environ 100 pièces avec une histoire intéressante.
Malgré la relative proximité chronologique et l'abondance de preuves documentaires et autres, la culture de la première moitié du XIXe siècle reste peu étudiée. L'un des aspects les plus intéressants et les plus complexes de cette culture est le symbolisme des fleurs, basé sur les reflets des emblèmes baroques, des images de l'empire, ainsi que sur la mode du selam oriental (le langage des fleurs) qui a pénétré à la fin du XVIIIe siècle. . Des échos du symbolisme floral existent encore aujourd’hui. Ainsi, une rose rouge est considérée comme un signe d'amour, un lys - de pureté et de pureté. Cependant, la richesse de ce phénomène culturel reste largement cachée. L'exposition vise à démontrer sa diversité au spectateur moderne.
Dans la première salle de l'exposition, vous pourrez voir une expérience individuelle de recours aux motifs floraux, qui sera représentée par les effets personnels de l'impératrice Alexandra Feodorovna. Il s'agit du Blumensprache (langage des fleurs) manuscrit qu'elle a utilisé, de journaux avec des croquis de fleurs, d'un herbier, de lettres de l'impératrice à son père et de feuilles de l'album « Description de la fête « La magie de la rose blanche », qui a été dédié à la célébration de l'anniversaire d'Alexandra Feodorovna à Potsdam en 1829. Cette partie de l'exposition présente également des magazines et des manuels qui montrent la popularité d'un phénomène tel que le langage des fleurs.
Dans la salle, une vidéo est projetée, dont le matériau était les poèmes et poèmes de Jacques Delisle, Joukovski, Pouchkine, Karamzine, dans lesquels, bien sûr, le langage des fleurs et le symbolisme floral se reflétaient.
La deuxième salle est organisée selon le principe de compliquer les compositions d'objets d'arts décoratifs, appliqués et beaux-arts et se compose de plusieurs sections.
La première section révèle la signification des plantes et des fleurs individuelles et l'utilisation de ces significations dans les arts décoratifs et appliqués. Voici des objets avec des motifs solos et des explications qui les accompagnent : les roses, symbole de l'amour ; l'épi de maïs, associé à la mode de l'image de l'ancienne déesse Cérès ; des myosotis, des violettes, dont les significations étaient profondément ancrées dans la culture du noble album ; le chêne, qui avait des connotations masculines, etc.
La deuxième section présente des objets avec des compositions florales dans le design et révèle l'image et la signification d'une guirlande, d'un bouquet, d'une couronne comme symboles de bons vœux. Des acrogrammes sont également présentés ici - des messages floraux cryptés dans des couronnes et des bouquets.
La troisième section comprend des objets d'art décoratif et appliqué dont la conception utilise une combinaison de couleurs et divers attributs - lyres, flèches, cornes d'abondance, qui complètent les significations florales et y introduisent diverses variations.
La dernière section présente une combinaison de fleurs, de plantes et de personnages mythologiques, de sujets zoomorphes et anthropomorphes.
L'exposition présente également des œuvres de la maison de joaillerie moderne Anna Nova, basées sur les traditions de l'art du XIXe siècle, ainsi que des objets des collections privées de Yu.D. Zhuravitsky (les choses sont montrées pour la première fois) et E.A. Malinko.
Établissement d'enseignement budgétaire de l'État
enseignement professionnel primaire
Lycée professionnel n°24, Sibay
Développement méthodologique d'un cours dans la discipline
« Fondamentaux de la composition et de la science des couleurs »
sur le thème de : « Ornement. Types d'ornements"
Développé par : master de formation I catégorie de qualification
G.K. Zainuline
NOTE EXPLICATIVE
La culture mondiale moderne est propriétaire d'un immense patrimoine dans le domaine de tous les types de beaux-arts. En étudiant les plus grands monuments de l'architecture, de la peinture, de la sculpture et des arts décoratifs et appliqués, on ne peut ignorer un autre domaine de la créativité artistique. Nous parlons d'ornement. Utilisant le rôle d'un objet particulier, un ornement (du latin : Ornamentum - décoration) ne peut exister séparément en dehors d'une œuvre d'art spécifique à laquelle il a appliqué des fonctions ; Une œuvre d’art est l’objet lui-même, décoré d’ornements.
Après une étude minutieuse du rôle et de la fonction de l'ornement, il devient évident que sa signification dans le système des moyens d'expression d'une œuvre d'art est bien plus grande que la fonction décorative et ne se limite pas à sa nature appliquée. Contrairement à la couleur, à la texture, à la plasticité, qui ne peuvent exister en dehors d'un certain objet sans perdre son imagerie, un ornement peut la conserver même par fragments ou lorsqu'il est redessiné. De plus, nombre de motifs ornementaux se caractérisent par une stabilité qui permet à un certain motif d'être utilisé sur une longue période et sur des objets variés, dans des matériaux différents, sans le priver de la logique de sa forme ornementale.
L'ornement fait partie de la culture matérielle de la société. Une étude minutieuse et la maîtrise du riche patrimoine de cette composante de la culture artistique mondiale contribuent au développement du goût artistique, à la formation d'idées dans le domaine de l'histoire culturelle et rendent le monde intérieur plus significatif. Le développement créatif de l’art décoratif et ornemental des époques précédentes enrichit la pratique des artistes et architectes modernes.
Sujet de la leçon. Ornement. Types d'ornements.
Objectifs de la leçon. 1. Familiarisation des étudiants avec l'ornement et ses types. Dire
sur la structure des ornements, sur la diversité et l'unité des ornements
motivations réelles des pays et des peuples.
2. Formation de compétences et de connaissances. Développer des compétences analytiques
travailler, établir des liens et des relations. Développer les compétences
planifiez vos activités, la mémoire des élèves.
3. Cultivez l’affabilité et la convivialité. Former un message
frappe, responsabilité et détermination.
Type de cours. Leçon sur la communication du nouveau matériel.
Accompagnement pédagogique, méthodologique et accompagnement technique. Manuel de N.M. Sokolnikov « Beaux-Arts », « Fondements de la composition », illustrations, reproductions de grands artistes.
Pendant les cours
1. Moment organisationnel.
a) vérifier l'assiduité des étudiants selon le magazine ;
b) vérifier l'apparence ;
c) vérifier la disponibilité des fournitures pédagogiques.
2. Vérification des devoirs.
Enquête frontale :
a) Qu'est-ce que la coloristique (science des couleurs) ?
b) Parlez-nous de l'histoire du développement de la science des couleurs.
c) Quelle contribution Léonard de Vinci a-t-il apporté à l'histoire du développement des couleurs ?
d) Parlez-nous de l'idée de Léonard de Vinci d'une palette de couleurs à six couleurs.
e) Quelle contribution à l'histoire du développement de la science des couleurs Newton, Roger de Pille, M.V. Lomonosov et Runge ont-ils apporté ?
3. Communication de nouveau matériel.
L'ornement est un motif construit sur une alternance rythmique et une disposition organisée des éléments.
Le terme « ornement » est lié au mot « décoration ». Selon la nature des motifs, on distingue les types d'ornements suivants : géométriques, floraux, zoomorphes, anthropomorphes et combinés.
Le rythme dans un ornement est l'alternance d'éléments de motif dans une certaine séquence.
Le motif peut être plat ou volumineux. Un motif plat est créé en superposant totalement ou partiellement une forme sur une autre en interpénétrant ces formes.
Un motif plat peut être répété plusieurs fois. Cette répétition s'appelle motif, ou rapport.
Les ornements les plus courants sont le ruban, le maillage et la composition fermée.
Un ornement en ruban (bande) est construit à partir d'éléments identiques, répétitifs ou alternés situés le long d'une courbe ou d'une ligne droite.
Des éléments répétitifs de même taille créent une monotonie et une uniformité du rythme, des éléments alternés donnent lieu à une composition plus « live » avec un rythme croissant et ondulatoire.
Les éléments alternés ou répétitifs peuvent être de tailles différentes, c'est-à-dire qu'ils sont construits sur le contraste des formes (grandes, moyennes, petites) avec leurs différents mouvements. Le contraste permet d'identifier les caractéristiques figuratives des formes utilisées.
Le contraste peut également se manifester dans la répartition des taches noires et blanches, lorsque certaines taches sont renforcées et d'autres affaiblies.
Le principe du contraste de la lumière est d'une grande importance, qui s'exprime dans le fait que toute couleur s'assombrit à la lumière et s'éclaircit dans l'obscurité. Ce phénomène s'applique à des degrés divers aux couleurs achromatiques (noir et blanc) et chromatiques.
Le motif du ruban peut se présenter sous la forme d'une bande horizontale, verticale ou inclinée. Ce type d’ornement se caractérise par l’ouverture, c’est-à-dire l’importance de sa continuation. Retraçons systématiquement comment se construit un motif rayé, disposé verticalement, horizontalement ou sous la forme d'une bande inclinée. Nous dessinons une bande pour la largeur requise de l'ornement, la divisant respectivement en carrés et rectangles, et y dessinons des axes de symétrie. Ensuite, nous plaçons sur un plan des formes pré-stylisées, tirées par exemple de croquis de plantes, en construisant en alternance les éléments de l'ornement.
Après cela, nous voyons si nous sommes satisfaits de ce qui s’est passé. Dans le cas contraire, ajoutez des formulaires de taille plus petite ou moyenne (selon le principe des trois composantes de ces formulaires).
Lorsque vous complétez la composition, vous devez déterminer où se trouveront les taches les plus sombres et les plus claires, comment elles seront répétées sur l'avion, où seront situées les taches grises et si elles compléteront les éléments sombres ou clairs de l'ornement.
La base de l'ornement en maille est une cellule dans laquelle est inscrit un motif ornemental - rapport. La taille des cellules peut varier.
Les motifs de maille sont plus typiques pour les tissus. Une cellule peut être répétée plusieurs fois. Le motif en maille est construit de la même manière que le motif en bandes. La tâche principale de sa construction est d'appliquer correctement les axes de symétrie.
La symétrie dans l'art est le modèle précis d'agencement d'objets ou de parties d'un tout artistique.
Histoire d'origine
Ornement(du latin ornemantum - décoration) - un motif basé sur la répétition et l'alternance de ses éléments constitutifs ; destiné à décorer divers objets. L'ornement est l'un des types les plus anciens d'activité visuelle humaine, qui, dans un passé lointain, portait une signification et un symbolisme symboliques et magiques. À cette époque où les gens passaient à un mode de vie sédentaire et commençaient à fabriquer des outils et des articles ménagers. Le désir de décorer sa maison est commun aux personnes de toutes époques. Et pourtant, dans les arts appliqués anciens, l’élément magique prévalait sur l’esthétique, agissant comme un talisman contre les éléments et les forces du mal. Apparemment, le tout premier ornement ornait un récipient en argile, alors que l'invention du tour de potier était encore loin. Et un tel ornement consistait en une série de simples bosses faites sur le cou avec un doigt à peu près à égale distance les unes des autres... naturellement, ces bosses ne pouvaient pas rendre le récipient plus pratique à utiliser. Cependant, ils l'ont rendu plus intéressant (agréable à l'œil) et, surtout, l'ont « protégé » de la pénétration des mauvais esprits par le cou. Il en va de même pour la décoration des vêtements. Des signes magiques protégeaient le corps humain des forces du mal. Il n’est donc pas surprenant que des motifs magiques aient été placés sur le col, les manches et l’ourlet. L'émergence de l'ornement remonte à des siècles et, pour la première fois, ses traces ont été enregistrées à l'époque paléolithique (15 à 10 000 ans avant JC). Dans la culture néolithique, l’ornement avait déjà atteint une grande variété de formes et commençait à dominer. Au fil du temps, l'ornement perd sa position dominante et sa signification cognitive, conservant cependant un rôle organisateur et décoratif important dans le système de la créativité plastique. Chaque époque, chaque style et chaque culture nationale émergente ont développé son propre système ; par conséquent, l’ornement est un signe fiable que les œuvres appartiennent à une certaine époque, à un peuple ou à un pays. Le but de l'ornement a été déterminé : décorer. L'ornement atteint un développement particulier là où prédominent les formes conventionnelles de reflet de la réalité : dans l'Orient ancien, dans l'Amérique précolombienne, dans les cultures asiatiques de l'Antiquité et du Moyen Âge, au Moyen Âge européen. Dans l'art populaire, depuis l'Antiquité, des principes et des formes d'ornement stables se sont développés, qui déterminent en grande partie les traditions artistiques nationales. Par exemple, en Inde, l'art ancien du rangoli (alpona) - un motif ornemental - la prière a été préservé.
Types et types d'ornement
Il existe quatre types d'ornements :
Ornement géométrique. Le motif géométrique se compose de points, de lignes et de formes géométriques.
Ornement floral. L'ornement floral est composé de feuilles, fleurs, fruits, branches stylisées, etc.
Ornement zoomorphe. L'ornement zoomorphe comprend des images stylisées d'animaux réels ou fantastiques.
Ornement anthropomorphe. L'ornement anthropomorphe utilise comme motifs des figures stylisées masculines et féminines ou des parties individuelles du corps humain.
Les types:
Ornement en bande avec alternance linéaire verticale ou horizontale de motif (ruban). Cela inclut les frises, les bordures, les cadres, les bordures, etc.
Ornement fermé. Il est disposé en rectangle, en carré ou en cercle (rosace). Le motif qu'il contient soit n'a pas de répétition, soit est répété avec une rotation sur le plan (ce qu'on appelle la symétrie de rotation).
À géométrique inclure des ornements dont les motifs sont constitués de diverses formes géométriques, lignes et leurs combinaisons.
Les formes géométriques n'existent pas dans la nature. L’exactitude géométrique est une réalisation de l’esprit humain, une méthode d’abstraction. Toutes les formes géométriquement correctes semblent mécaniques, mortes. La base fondamentale de presque toutes les formes géométriques est une forme réellement existante, généralisée et simplifiée à l'extrême. L'un des principaux moyens de créer un ornement géométrique est la simplification et la schématisation (stylisation) progressives de motifs qui étaient à l'origine de nature figurative.
Éléments de motifs géométriques : lignes - droites, brisées, courbes ; formes géométriques - triangles, carrés, rectangles, cercles, ellipses, ainsi que formes complexes obtenues à partir de combinaisons de formes simples.
Bien est un ornement dont les motifs reproduisent des objets et des formes spécifiques du monde réel - végétaux (ornement floral), animaux (motifs zoomorphes), humains (motifs anthropomorphes), etc. Les véritables motifs de la nature dans l'ornement sont considérablement traités et non reproduits, comme dans la peinture ou le graphisme. En ornementation, les formes naturelles nécessitent l'une ou l'autre mesure de simplification, de stylisation, de typification et, finalement, de géométrisation. Cela est probablement dû à la répétition répétée du motif ornemental.
La nature et le monde qui nous entoure sont au cœur de l’art ornemental. Dans le processus créatif de conception d'un ornement, il faut écarter les détails sans importance et les détails des objets et ne laisser que les caractéristiques générales, les plus caractéristiques et distinctives. Par exemple, une fleur de camomille ou de tournesol peut paraître simplifiée dans l’ornement.
La forme naturelle est transformée par le pouvoir de l'imagination à l'aide de formes, de lignes et de taches conventionnelles en quelque chose de complètement nouveau. La forme existante est simplifiée en une forme géométrique extrêmement généralisée et familière. Cela permet de répéter plusieurs fois la forme de l'ornement. Ce qui a été perdu par la forme naturelle lors de la simplification et de la généralisation y revient grâce à l'utilisation de moyens ornementaux artistiques : tours rythmiques, différentes échelles, planéité de l'image, solutions coloristiques des formes dans l'ornement.
Comment s’effectue la transformation des formes naturelles en motifs ornementaux ? Tout d’abord, un croquis est réalisé d’après nature, véhiculant les similitudes et les détails avec le plus de précision possible (l’étape « photographie »). Le sens de la transformation est le passage d'une esquisse à une forme conventionnelle. C'est la deuxième étape - transformation, stylisation du motif. Ainsi, la stylisation de l’ornement est l’art de la transformation. À partir d'un croquis, vous pouvez extraire diverses solutions ornementales.
En règle générale, la méthode de formation d'un ornement et le choix des formes ornementales sont compatibles avec les capacités du support visuel.
Régularités des constructions compositionnelles
LE CONCEPT DE COMPOSITION D'ORNEMENT
Composition(du latin composito) - composition, arrangement, construction ; la structure d'une œuvre d'art, déterminée par son contenu, sa nature et sa finalité.
Créer une composition à partir de chutes de tissu signifie choisir un thème ornemental et coloré, un dessin, une intrigue, déterminer les dimensions globales et internes de l'œuvre, ainsi que la position relative de ses parties.
Composition ornementale- c'est la composition, la construction, la structure du motif.
Les éléments d'une composition ornementale et en même temps ses moyens d'expression comprennent : point, tache, ligne, couleur, texture. Ces éléments (moyens) de composition dans l’œuvre se transforment en motifs ornementaux.
En parlant des motifs des compositions ornementales, nous devons tout d’abord parler de proportions. Les proportions déterminent d'autres modèles de construction de compositions ornementales (c'est-à-dire le rythme, la plasticité, la symétrie et l'asymétrie, la statique et la dynamique).
RYTHME ET PLASTIQUE
Rythme dans une composition ornementale, on appelle le modèle d'alternance et de répétition de motifs, de figures et d'intervalles entre eux. Le rythme est le principal principe organisateur de toute composition ornementale. La caractéristique la plus importante d'un ornement est la répétition rythmique des motifs et des éléments de ces motifs, leurs inclinaisons et retournements, les surfaces des taches des motifs et les intervalles entre eux.
Organisation rythmique- c'est la position relative des motifs sur le plan de composition. Le rythme organise une sorte de mouvement dans l'ornement : transitions du petit au grand, du simple au complexe, du clair au foncé, ou répétition des mêmes formes à intervalles égaux ou différents. Le rythme peut être :
1) métrique (uniforme);
2) inégal.
Selon le rythme, le motif devient statique ou dynamique.
Structure rythmique détermine le rythme des motifs en rangées verticales et horizontales, le nombre de motifs, les caractéristiques plastiques de la forme des motifs, les caractéristiques de la disposition des motifs en rapport.
Motif- une partie de l'ornement, son principal élément formant.
Les compositions ornementales dans lesquelles le motif est répété à intervalles réguliers sont appelées rapport.
Rapport- zone de forme minimale et simple occupée par le motif et l'espace avec le motif adjacent.
La répétition régulière du rapport verticalement et horizontalement forme une grille de rapport. Les rapports sont adjacents les uns aux autres, sans se chevaucher et ne laissant aucun espace.
Selon la forme de la surface qu'ils décorent, les ornements sont : monoapports ou fermés ; rapport linéaire ou bande ; rapport de maillage ou maillage.
Ornements monoportraits représentent des figures définitives (par exemple, armoiries, emblème, etc.).
Dans les ornements à rapport linéaire, le motif (rapport) est répété le long d'une ligne droite. Un motif de ruban est un motif dont les éléments créent une séquence rythmique qui s'inscrit dans une bande bidirectionnelle.
Rapport de maillage les ornements ont deux axes de transfert – horizontal et vertical. Un motif réticulaire est un motif dont les éléments sont situés le long de nombreux axes de transfert et créent un mouvement dans toutes les directions. L'ornement de rapport de maillage le plus simple est une grille de parallélogrammes.
Dans les ornements complexes, il est toujours possible d'identifier une grille dont les nœuds constituent un certain système de points ornementaux. Les rapports de forme complexe sont construits comme suit. Dans l'une des répétitions d'une grille rectangulaire, des lignes brisées ou courbes sont tracées de l'extérieur vers les côtés droit et supérieur, et les mêmes lignes sont tracées vers la gauche et le bas, mais à l'intérieur de la cellule. Ainsi, on obtient une structure complexe dont l'aire est égale à un rectangle.
Ces figures remplissent la zone de l'ornement sans lacunes.
La composition de l'ornement en maille est basée sur cinq systèmes (grilles) : parallélogramme carré, rectangulaire, triangulaire régulier, rhombique et oblique.
Afin de déterminer le type de réseau, vous devez connecter des éléments répétitifs
éléments ornementaux.
Une rangée rythmée présuppose la présence d'au moins trois ou quatre éléments ornementaux, car une rangée trop courte ne peut remplir
rôle organisateur dans la composition.
La nouveauté de la composition de l'ornement, comme l'a noté le célèbre expert dans le domaine de la théorie de l'ornement sur tissu V.M. Shugaev, ne se manifeste pas dans de nouveaux motifs, mais principalement dans de nouvelles structures rythmiques, de nouvelles combinaisons d'éléments ornementaux. Ainsi, le rythme dans la composition de l’ornement revêt une importance particulière. Le rythme, avec la couleur, constitue la base de l'expressivité émotionnelle d'un ornement.
Plastique dans l'art ornemental, il est d'usage d'appeler des transitions douces et continues d'un élément de forme à un autre. Si lors de mouvements rythmiques les éléments sont à une certaine distance les uns des autres, alors lors d'un mouvement plastique ils fusionnent.
En fonction de l'impact émotionnel, les formes ornementales sont classiquement divisées en lourd et léger. Les formes lourdes incluent le carré, le cube, le cercle, la boule, les formes légères incluent la ligne, le rectangle et l'ellipse.
SYMÉTRIE
Symétrie- c'est la propriété d'une figure (ou d'un motif ornemental) de se superposer sur elle-même de telle sorte que tous les points occupent leur position d'origine. L'asymétrie est l'absence ou la violation de la symétrie.
Dans les arts visuels, la symétrie est l’un des moyens de construire une forme artistique. La symétrie est généralement présente dans toute composition ornementale ; c'est l'une des formes de manifestation du principe rythmique dans l'ornement.
Éléments de base de la symétrie : plan de symétrie, axe de symétrie, axe de translation, plan de réflexion glissante.
Plan de symétrie - un plan imaginaire qui divise une figure en deux parties égales en miroir
- les figures avec un plan de symétrie,
Une figure avec deux plans de symétrie,
- avec quatre plans de symétrie.
4. Règles de construction d'un ornement.
Montrer et expliquer la construction des ornements :
a) ruban adhésif ;
b) maillage.
5. Consolidation du matériel étudié.
1. Enquête frontale :
Quel est le but de la décoration ?
Quels types d’ornements selon la structure connaissez-vous ?
Quels types d'ornements, en fonction des motifs dominants, connaissez-vous ?
Retrouvez des signes d'ornements de différents peuples du monde avec les mêmes motifs.
Quels types d’ornements connaissez-vous ?
Qu'est-ce qu'un ornement ? Qu'est-ce que l'art de l'ornementation ?
Qu’est-ce que le rythme dans l’ornement ? Qu'est-ce que le rapport ?
Qu’appelle-t-on symétrie dans l’art ?
Qu'est-ce qu'un plan de symétrie ?
2. Réaliser des exercices :
a) construction d'un ornement en ruban ;
b) construction d'un ornement en maille.
6. Résumer.
7. Devoirs.
Inventez vos propres ornements en cercle, en carré et en rayures, en utilisant des formes géométriques ou de la végétation.
Le principe ornemental, qui subordonnait tous les éléments de la composition à ses rythmes, prévalait dans l'éventail visuel des vitraux Art Nouveau. Comme on peut le constater, le cercle de motifs est une matière de nature organique : animaux, oiseaux, feuilles, arbres, fleurs, utilisés par le style, peuvent tout naturellement trouver leur place dans l'ornement.
De même, dans le style Art Nouveau, il existait toutes sortes de décorations ornementales, des plus simples aux plus complexes. Des compositions ornementales étonnamment subtiles et complètes attiraient le regard du spectateur et ajoutaient du charme à l'objet pour lequel elles avaient été conçues.
Malgré toute la variété des variations ornementales, qui dépendaient entièrement de la volonté et de l'imagination de l'artiste, le style Art Nouveau conservait une seule orientation idéologique et une seule intégrité artistique.
L'art, ayant mis en lumière des artistes romantiques qui se sont tournés vers des images mythologiques, des motifs du Moyen Âge, ne glorifiant d'abord que la beauté et le naturel de la nature, a progressivement acquis une orientation mystique, tentant d'établir un lien entre les phénomènes visibles et les idées idéales, invisibles. réalité. Le langage des signes et des symboles a connu un nouveau cycle de développement.
Le symbole est entré dans l’ornement de toute la culture artistique du début du siècle. L'essence décorative du motif ornemental semblait s'effacer au second plan, grâce au symbolisme, une nouvelle sémantique est apparue. Une nouvelle sémantique ne pourrait être apportée que par une image symbolique, un signe conventionnel de la réalité, et non par un fragment directement tiré du réel. Une figure, un objet, un fragment d'objet transformé en symbole plastique, en métaphore plastique. Ainsi, par exemple, l'un des principaux maîtres du style, F. Shekhtel, a subtilement ressenti la nouvelle place occupée par l'ornement, qui avait souvent une signification formatrice et jouait un rôle important dans la perception sensorielle des œuvres d'art, exprimant une tension ou une faiblesse. , augmenter ou diminuer.
La ligne dans l'ornement de cette époque essayait de diriger le thème principal, c'était cette particule importante qui sert de base à l'apparence future de l'objet. En effet, le style Art Nouveau a permis de réévaluer l'importance de l'ornement et de déterminer sa place dans tous les types d'art.
Certains éléments, selon la nouvelle direction artistique, pourraient être facilement transférés d'un objet à un autre. Dans le même temps, le même type de motifs ornementaux n’avait pas sa place dans le style Art Nouveau. Dans chaque nouveau cas, le motif acquiert une expressivité sonore et plastique différente. Malgré le fait que les artistes attachaient une grande importance aux motifs orientaux, les éléments traditionnels connus dans toute l'Europe ont été transformés au point de devenir méconnaissables. Fleurs de pêcher, œillets, cerises, tiges de bambou, tout cela a été retravaillé et a acquis un nouveau sens. Les formes naturelles stylisées étaient utilisées comme élément décoratif indépendant et étaient utilisées à la condition de créer l'impression d'admirer leur beauté unique - couleur, forme, structure.
La flore devient l’objet d’une attention particulière de la part des artistes, graphistes et artisans. Dans ce cas, il ne s’agit pas d’un genre animalier traditionnel, introuvable dans l’Art nouveau, ni d’un paysage ou d’une nature morte traditionnelle. L'artiste ne s'intéresse pas à la nature dans son ensemble, mais à ses parties ou objets individuels : une fleur, une feuille, une tige. Tous ces « personnages » n’agissent pas dans un environnement ordinaire, ni dans un environnement naturel, mais de manière autonome. Comme objet isolé ou comme objet dont les conditions d'existence ne concernent pas l'artiste. 7*
Une variété de fleurs et de motifs végétaux étaient des sujets de prédilection pour la représentation sur verre, principalement des plantes exotiques aux tiges légèrement courbées, aux silhouettes expressives, aux contours fantaisistes et asymétriques : fleurs fantaisie, raretés marines, vagues sont pleinement présentes dans les vitraux. On retrouve d'innombrables fois des motifs d'iris, de coquelicots, de nénuphars, de nénuphars, de baies, de pommes de pin et bien d'autres formes végétales. Tout cela se retrouve dans les œuvres de grands maîtres : Emile Luxfer et Arsène Herbinier « Fleurs de printemps », la fenêtre « Coquelicots » de l'artiste Pizzagalli, le vitrail « Nymphéas » d'Arnold Liongrün et similaires « Nymphéas » de Wilhelm Mewes, les fenêtres « florales » de Wilhelm Haas, vitraux incomparables avec des nénuphars et des coquelicots de A. Khrenov dans un immeuble de Znamenskaya (Saint-Pétersbourg) ill. Non, ainsi que des compositions inoubliables de L.K. Tiffany « Magnolias et iris en fleurs », « Clématite sur treillis », « Quatre saisons. Printemps. Été », « Paysage avec lac et iris ». je vais. de à
Iris
Dans la plupart des cas, l'iris est apparu dans les cadres ornementaux des grandes fenêtres centrales en verre et dans les scènes pittoresques des vitraux, que l'on retrouve le plus souvent dans des motifs de motifs géométriques et floraux entrelacés. Cette fleur est devenue l'emblème de l'Art Nouveau. La combinaison des lignes droites strictes de ses feuilles et de ses tiges avec le contour lisse de la fleur, ainsi que la palette de couleurs sobre des fleurs, coïncidaient complètement avec le concept du nouveau style. Il est représenté sur la façade de la maison de F. Shekhtel, M. Vroubel l'aimait, A. Blok écrivait des poèmes sur lui, des romans lui étaient dédiés. Iris mérite amplement sa renommée. En Europe, l'iris symbolise la confiance, la sagesse et l'espoir. Les iris ont commencé à apparaître non seulement dans l'art du vitrail, mais aussi dans les peintures sur vases, éventails, paravents, sur cartes postales et tableaux.
Dans la plupart des compositions de vitraux, l'iris est représenté avec force, comme un roi assis sur un trône, entouré de ses serviteurs myosotis, comme le vitrail de la Maison du Chocolat de la Capitale sur Shelkovichnaya Il. Non.
ou un vitrail de la salle blanche du bâtiment de Saint-Pétersbourg, ill. Non.
Dans l'ouvrage de Tiffany (USA) "Magnolias et iris en fleurs" 1905. il non.
cette fleur, remplissant toute la partie inférieure « terrestre » de la composition du vitrail, personnifie, à mon avis, la cohésion, une famille sympathique qui ne se décourage pas, s'attendant à ce qu'il y ait beaucoup de beauté au-delà des montagnes.
Après avoir examiné les illustrations représentant cette belle fleur, nous pouvons dire qu'elle peut agir comme le seul héros de la composition principale du vitrail, ainsi que de son ajout.
Rose
La fleur de rose avait une signification symbolique différente. Perçue comme la fleur de Vénus, la rose symbolisait les plus belles choses de la vie d’une personne : l’amour, la beauté et le bonheur. On retrouve cette belle fleur dans les œuvres de : Giovanni Beltrami (Italie) vitrail "Paons" 1900. je vais. Non.
Jacques Grube, (France) vitrail "Roses et mouettes" 1905 je vais. Non.
Hôtel particulier Casa Navas, vitrail de Reus dans l'escalier (Espagne) ill. Non.
Jacques Grube (Pays-Bas) vitrail Les Roses 1906) ill. Non.
Chapelle en vitrail. Malade moderne. Non.
Dans de nombreuses compositions de vitraux, des roses descendaient en guirlandes le long de la fenêtre juste sous le plafond, comme des rideaux transparents.
Souvent, pour les grandes compositions, l'artiste utilisait l'image d'un arbre, symbolisant la vie éternelle au paradis. Le tournesol, en tant que fleur la plus adéquate à l’image du soleil, était identifié à la beauté et à la fête de la vie.
L'Art Nouveau a transformé de simples motifs géométriques en une véritable débauche de formes, de couleurs, de lignes et a même introduit de grandes scènes dans l'art du verre.
La nature du nord nous a fait rêver des tropiques - puis des fenêtres sont apparues avec des images de feuilles de palmiers luxuriantes et de bambous, « grandissant » de manière inattendue et exotique dans les portes d'entrée grises et sombres. Mais le plus souvent, des fleurs familières et appréciées étaient imprimées dans le verre, ravissant l'œil du passant avec leurs couleurs vives de vitraux.
Des nénuphars et des capsules d’œufs, en verre « opale » inégalement coloré, jouaient dans la lumière, comme dans des reflets sur l’eau de leurs lacs d’origine.
De nobles lys s'élevaient devant mes yeux le long de la vitre de la fenêtre, entourés de rubans et de guirlandes solennels.
Les coquelicots écarlates des vitraux faisaient signe au pays des rêves - ces fleurs de l'âge d'argent de la culture russe symbolisaient un rêve magique.
Bien sûr, le plus souvent, les vitraux étaient réalisés avec des images collectives de plantes - de jolies fleurs sauvages, des liserons, des fleurs d'arbres fruitiers. Ou tout simplement sous forme de fleurs stylisées dans l'esprit des dessins d'enfants : un petit hémisphère de verre (cabochon) au centre, et des pétales ronds symétriques autour.
Maître de la ligne élémentaire et spontanée, l'architecte moscovite F. Shekhtel a été l'un des premiers à s'éloigner de l'ornementation concrète reconnaissable des formes naturelles et à se tourner vers un ornement abstrait et rythmé de lignes et de taches colorées.
Le monde géométrique des cristaux, des pierres et des minéraux s’avère parfois être un prototype pour les maîtres du modernisme tardif. Mais ici le géomètre apparaît sous une forme plus compliquée et acquiert un « caractère naturel ». Des œuvres ultérieures, comme le vitrail de L. Kekushev dans le manoir d'I.A. Mindovsky, le vitrail de la salle de banquet de l'hôtel Metropol de V. Walkot, les vitraux du hall et de la salle à manger du deuxième étage du château de chasse de Mokrheide ou le vitrail d'un immeuble résidentiel de la perspective Vinogradsky à Prague sont des exemples frappants de cette tendance.
La gamme de motifs utilisés par le style ne donne guère la priorité aux beaux-arts sur l'ornement ; il s'agit ici d'objets qui peuvent le plus naturellement trouver leur place dans l'ornement. Je le répète encore une fois, il s'agit de matériaux issus de la nature organique : animaux, oiseaux, feuilles, arbres, fleurs.
Même une simple ligne, une combinaison de lignes qui ne repose sur aucun prototype d'objet réel, mais qui constitue souvent la base d'un motif ornemental, a acquis une signification figurative.
Une combinaison linéaire pourrait créer une impression de tension ou de détente, de montée ou de descente.
Même dans les motifs géométriques, l'Art Nouveau sait introduire ses traits caractéristiques de tension agitée. Des cercles réguliers sont placés les uns dans les autres, brisant la symétrie habituelle. La régularité du quadrillage des triangles ou des carrés est perturbée ; ils semblent saisir la surface de manière inégale et saccadée. ill.no. symétrie
Les vitraux décoratifs aux compositions florales et géométriques faisaient partie intégrante de l'architecture Art nouveau, y compris en Russie, qui n'était pas à la traîne par rapport aux autres pays au tournant des XIXe et XXe siècles. Les hôtels particuliers et les grands immeubles d'habitation pour résidents aux revenus différents, les banques, les gares et autres bâtiments publics étaient impensables sans vitraux.
La plupart des historiens de l'art qui ont étudié le style Art Nouveau sont d'avis que l'ornement joue un rôle important dans la formation et le développement du style. Madsen appelle l’ornement une « structure symbolique », donnant à ce type de pensée figurative une signification purement significative. 8*
Leçon n°8.Dessiner d'après nature
Buts et objectifs: Dessin d'après nature d'une fleur avec une tige provenant d'un herbier ou copie d'un dessin botanique. Format A4, crayon, stylo gel. Le dessin occupe ½ feuille.
La présentation est graphique.
Devoirs: faire des croquis de formes végétales.
Leçon n°9.Silhouette
Buts et objectifs: Image planaire de l'objet sélectionné. Transférer les traits caractéristiques d'une fleur. Supprimer ce qui est inutile et insignifiant.
La présentation est graphique (utilisation de spots).
Format A4, crayon, encre, feutre, papier blanc. Le dessin occupe ½ feuille.
Devoirs: exécution d'options de silhouette pour les formes végétales.
Leçon n°10.Transformation de la forme d'un objet
Buts et objectifs: Changer la forme de la silhouette d'un objet en modifiant les proportions de l'objet :
· par rapport à l'axe vertical (expansion, compression) ;
· modifier les proportions d'un objet par rapport à l'axe horizontal (étirement, aplatissement) ;
· modifier les proportions entre les principaux éléments structurels de l'objet représenté.
La présentation est graphique (utilisant des points et des lignes).
Format A4, pinceau, feutre, papier blanc.
Devoirs: effectuer des options supplémentaires pour transformer les formes végétales. La diversité de la nature vivante et inanimée est une source d'inspiration inépuisable pour une personne créative. Ce n'est qu'au contact de la nature qu'une personne fait l'expérience de sa beauté, de son harmonie et de sa perfection.
En règle générale, les compositions ornementales sont créées sur la base de la transformation de formes naturelles.
La transformation est un changement, une transformation, en l'occurrence le traitement décoratif de formes naturelles, la généralisation et la mise en valeur des caractéristiques essentielles d'un objet à l'aide de certaines techniques.
Les techniques de traitement décoratif peuvent être les suivantes : généralisation progressive de la forme, ajout de détails, modification du contour, saturer la forme d'ornements, transformer une forme volumétrique en une forme plate, simplifier ou compliquer son dessin, mettre en valeur la silhouette, remplacer le réel couleur, différentes combinaisons de couleurs pour un motif, etc.
Dans l'art décoratif, en train de transformer une forme, l'artiste, tout en conservant son expressivité plastique, s'efforce de mettre en valeur les détails principaux, les plus typiques, en abandonnant les détails secondaires.
La transformation des formes naturelles doit être précédée de croquis d'après nature. À partir d'images réelles, l'artiste crée des images décoratives basées sur l'imagination créatrice.
La tâche de l'artiste ne se réduit jamais à une simple décoration. Chaque composition décorative doit souligner et révéler la forme et la fonction de l'objet à décorer. Ses solutions de style, de linéaires et de couleurs sont basées sur une refonte créative de la nature.
Transformation des formes végétales en motifs ornementaux
La richesse du monde végétal dans ses formes et ses combinaisons de couleurs a conduit à ce que les motifs végétaux occupent depuis longtemps une position dominante dans l'ornementation.
La flore est largement rythmée et ornementale. Cela peut être constaté en regardant la disposition des feuilles sur une branche, les nervures d’une feuille, les pétales de fleurs, l’écorce d’un arbre, etc. Dans le même temps, il est important de voir ce qu'il y a de plus caractéristique dans la forme plastique du motif observé et de réaliser le lien naturel entre les éléments du motif naturel. En figue. 5.45 montre des croquis de plantes qui, bien qu'ils véhiculent leur image, ne sont pas une copie absolue. Lors de la réalisation de ces dessins, l'artiste retrace les alternances rythmiques des éléments (branches, fleurs, feuilles), tout en essayant d'identifier les plus importants et caractéristiques.
Pour transformer une forme naturelle en motif ornemental, il faut d'abord trouver un objet convaincant par son expressivité artistique. Cependant, lors de la généralisation d'une forme, il n'est pas toujours nécessaire d'abandonner les petits détails, car ils peuvent conférer à la forme plus de caractère décoratif et d'expressivité.
Les croquis de la vie aident à identifier les caractéristiques plastiques des formes naturelles. Il est conseillé de réaliser une série de croquis à partir d'un même objet sous différents points de vue et sous différents angles, en mettant l'accent sur les aspects expressifs de l'objet. Ces croquis constituent la base du traitement décoratif des formes naturelles.
Voir et reconnaître un ornement dans n'importe quel motif naturel, être capable de révéler et d'afficher l'organisation rythmique des éléments d'un motif, d'interpréter de manière expressive leur forme - tout cela constitue les exigences nécessaires pour un artiste lors de la création d'une image ornementale.
Riz. 5h45. Croquis de vie de plantes
Riz. 5.49. Transformation du motif végétal. Travail d'étude
En figue. La figure 5.49 montre des exemples de travaux sur la transformation de la forme végétale à l'aide de solutions linéaires, ponctuelles et linéaires.
Compte tenu des particularités de la transformation des formes végétales en motifs ornementaux, il convient de noter que la couleur et la saveur des motifs naturels sont également soumises à une transformation artistique, et parfois à une refonte radicale. La couleur naturelle d’une plante ne peut pas toujours être utilisée dans une composition ornementale. Le motif végétal peut être résolu dans une couleur conventionnelle, une couleur présélectionnée, dans une combinaison de couleurs apparentées ou contrastées. Un rejet complet de la vraie couleur est également possible. C'est dans ce cas qu'il acquiert une convention décorative.
Transformation de formes animales en motifs ornementaux
Dessiner des animaux d'après la vie et le processus de transformation de leurs formes a ses propres caractéristiques. Outre les croquis d'après nature, un facteur essentiel est l'acquisition de compétences permettant de travailler à partir de la mémoire et de l'imagination. Il est nécessaire de ne pas copier la forme, mais de l'étudier, de mémoriser ses traits caractéristiques, afin de pouvoir plus tard les représenter généralement de mémoire. Un exemple est celui des croquis d’oiseaux présentés sur la Fig. 5,50, qui sont fabriqués à la ligne.
Riz. 5h50. Croquis d'oiseaux de mémoire et d'imagination
Riz. 5.52. Exemples de transformation de la forme du corps d'un chat en motif décoratif.
Travail d'étude
Le sujet des réinterprétations plastiques de motifs animaliers peut être non seulement la figure de l'animal, mais aussi la texture variée de la couverture. Il faut apprendre à identifier la structure ornementale de la surface de l'objet étudié, à la ressentir même là où elle n'apparaît pas trop clairement.
Contrairement aux beaux-arts, dans les arts décoratifs et appliqués, l’identification du typique se fait d’une manière différente. Les caractéristiques d'une image individuelle spécifique dans l'ornementation perdent parfois leur sens, elles deviennent redondantes. Ainsi, un oiseau ou un animal d'une espèce particulière peut se transformer en oiseau ou en animal en général.
Dans le processus de travail décoratif, la forme naturelle acquiert une signification décorative conventionnelle ; ceci est souvent associé à une violation des proportions (il est important de bien comprendre pourquoi cette violation est autorisée). Le principe figuratif joue un rôle important dans la transformation des formes naturelles. En conséquence, le motif du monde animal prend parfois des allures de conte de fées et de fantastique (Fig. 5.51).
Les méthodes de transformation des formes animales sont les mêmes que celles des plantes - c'est la sélection des caractéristiques les plus essentielles, l'exagération des éléments individuels et le rejet des éléments secondaires, la réalisation de l'unité de la structure ornementale avec la forme plastique de l'objet et l'harmonisation de les structures ornementales externes et internes de l'objet. Dans le processus de transformation des formes animales, des moyens expressifs tels que la ligne et la tache sont également utilisés (Fig. 5.52).
Ainsi, le processus de transformation des formes naturelles peut être divisé en deux étapes. Dans un premier temps, des croquis à grande échelle sont réalisés, exprimant dans un langage graphique précis et concis les traits les plus caractéristiques de la forme naturelle et de son ornementation texturée. La deuxième étape est le processus créatif lui-même. L'artiste, utilisant un objet réel comme source première, le fantasme, le transforme en une image construite selon les lois de l'harmonie de l'art ornemental.
Les voies et principes de transformation des formes naturelles abordés dans ce paragraphe nous permettent de conclure qu'un point important, et peut-être le point principal du processus de transformation, est la création d'une image expressive, la transformation de la réalité afin d'identifier ses nouvelles qualités esthétiques. .
Leçon n°11.Géométrisation de la forme
Buts et objectifs: Réduction d'un objet végétal (fleur) modifié en forme aux formes géométriques les plus simples :
cercle (ovale);
· carré (rectangle);
· Triangle.
La présentation est graphique.
Format A4, feutre, papier blanc.
Devoirs: mise en œuvre d'options supplémentaires pour la géométrisation des formes végétales.
Section 3. Science des couleurs
Caractéristiques de couleur
Leçon n°12.Roue chromatique (8 couleurs)
Buts et objectifs: Initier les élèves à la roue chromatique et à la couleur comme matériau artistique. Créer une roue chromatique avec huit couleurs. Format A4, gouache, papier, pinceaux.
Devoirs: Effectuez un format de balisage graphique pour un travail rapide en classe lors de la prochaine leçon.
5. Colorer dans une composition décorative
L'un des moyens de composition et d'expression artistique les plus importants dans une composition décorative est la couleur. La couleur est l'une des principales composantes d'une image décorative.
Dans le travail décoratif, l’artiste recherche une relation harmonieuse des couleurs. La base pour composer différentes combinaisons de couleurs est l’utilisation des différences de teinte, de saturation et de luminosité. Ces trois caractéristiques de couleurs permettent de construire de nombreuses harmonies de couleurs.
Les séries harmoniques de couleurs peuvent être divisées en contrastées, dans lesquelles les couleurs s'opposent les unes aux autres, et nuancées, dans lesquelles se combinent soit des couleurs du même ton, mais de nuances différentes ; ou des couleurs de tons différents, mais étroitement situées dans la roue chromatique (bleu et bleu foncé) ; ou des couleurs de ton similaire (vert, jaune, vert clair). Ainsi, les relations de couleurs harmonieuses qui présentent de légères différences de teinte, de saturation et de luminosité sont dites nuancées.
Les combinaisons harmoniques peuvent également produire des couleurs achromatiques, qui ne présentent que des différences de luminosité et sont généralement combinées en deux ou trois couleurs. Les combinaisons bicolores de couleurs achromatiques s'expriment soit par une nuance de tons rapprochés dans une rangée, soit par un contraste de tons éloignés en légèreté.
Le contraste le plus expressif est le contraste entre les tons noir et blanc. Entre eux, il existe différentes nuances de gris, qui à leur tour peuvent former (plus proches du noir ou du blanc) des combinaisons contrastées. Cependant, ces contrastes seront moins expressifs que le contraste du noir et du blanc.
Pour créer des combinaisons harmonieuses de couleurs chromatiques, vous pouvez utiliser la roue chromatique.
Dans la roue chromatique, divisée en quatre quarts (Fig. 5.19) aux extrémités de diamètres mutuellement perpendiculaires, se situent respectivement les couleurs : jaune et bleu, rouge et vert. Sur la base de la combinaison harmonieuse, il se distingue en couleurs apparentées, contrastées et contrastées.
Les couleurs associées sont situées dans un quart de la roue chromatique et contiennent au moins une couleur commune (principale), par exemple : jaune, jaune-rouge, jaunâtre-rouge. Il existe quatre groupes de couleurs apparentées : jaune-rouge, rouge-bleu, bleu-vert et vert-jaune.
Couleurs contrastées associées
sont situés dans deux quarts adjacents de la roue chromatique, ont une couleur commune (principale) et contiennent des couleurs contrastées. Il existe quatre groupes de couleurs contrastées :
jaune-rouge et rouge-bleu ;
rouge-bleu et bleu-jaune ;
bleu-vert et vert-jaune ;
vert-jaune et jaune-rouge.
Riz. 5.19. Schéma d'agencement des couleurs apparentées, contrastées et contrastées
Une composition de couleurs aura une forme claire lorsqu’elle est basée sur un nombre limité de combinaisons de couleurs. Les combinaisons de couleurs doivent former une unité harmonieuse, donnant l'impression d'intégrité coloristique, la relation entre les couleurs, l'équilibre des couleurs, l'unité des couleurs.
Il existe quatre groupes d'harmonies de couleurs : .
harmonies monotones (voir Fig. 26 en couleur) ;
harmonies de couleurs apparentées (voir Fig. 27 sur la couleur) ;
harmonies de couleurs apparentées et contrastées (voir Fig. 28 sur la couleur) ;
harmonie de couleurs contrastées et complémentaires (voir Fig. 29 sur la couleur).
Les harmonies de couleurs monochromatiques sont basées sur une tonalité de couleur, présente en quantités variables dans chacune des couleurs combinées. Les couleurs ne diffèrent les unes des autres que par leur saturation et leur luminosité. Les couleurs achromatiques sont également utilisées dans de telles combinaisons. Les harmonies unicolores créent une palette de couleurs au caractère calme et équilibré. Il peut être défini comme nuancé, bien que le contraste des couleurs sombres et claires ne soit pas exclu.
Les combinaisons harmonieuses de couleurs apparentées sont basées sur la présence de mélanges des mêmes couleurs principales. Les combinaisons de couleurs apparentées représentent une palette de couleurs sobre et calme. Pour éviter que la couleur ne soit monotone, ils utilisent l'introduction d'impuretés achromatiques, c'est-à-dire l'assombrissement ou l'éclaircissement de certaines couleurs, ce qui introduit un léger contraste dans la composition et contribue ainsi à son expressivité.
Des couleurs associées soigneusement sélectionnées offrent d’excellentes opportunités pour créer une composition intéressante.
Le type d'harmonie de couleurs le plus riche en termes de possibilités coloristiques est une combinaison harmonieuse de couleurs apparentées et contrastées. Cependant, toutes les combinaisons de couleurs apparentées et contrastées ne sont pas capables de créer une composition de couleurs réussie.
Les couleurs contrastées seront en harmonie les unes avec les autres si la quantité de couleur principale qui les unit et le nombre de couleurs principales contrastées qu'elles contiennent sont les mêmes. Des combinaisons harmonieuses de deux, trois et quatre couleurs apparentées et contrastées sont construites sur ce principe.
En figue. La figure 5.20 montre des schémas pour construire des combinaisons harmonieuses bicolores et multicolores de couleurs contrastées apparentées. Il ressort clairement des diagrammes que deux couleurs apparentées et contrastées seront combinées avec succès si leur position dans la roue chromatique est déterminée par les extrémités d'accords strictement verticaux ou horizontaux (Fig. 5.20, a).
Lors de la combinaison de trois tons de couleurs, les options suivantes sont possibles :
Riz. 5.20. Schémas pour construire des combinaisons de couleurs harmonieuses
si vous inscrivez un triangle rectangle dans un cercle dont l'hypoténuse coïncide avec le diamètre du cercle et que les jambes prennent des positions horizontales et verticales dans le cercle, alors les sommets de ce triangle indiqueront trois couleurs harmonieusement combinées (Fig. 5.20 , b);
si vous inscrivez un triangle équilatéral dans un cercle de manière à ce qu'un de ses côtés soit une corde horizontale ou verticale, alors le sommet de l'angle opposé à la corde indiquera la couleur principale qui unit les deux autres situées aux extrémités de la corde (Fig. . 5.20, c). Ainsi, les sommets des triangles équilatéraux inscrits dans un cercle indiqueront des couleurs qui forment des triades harmonieuses ;
la combinaison de couleurs situées aux sommets des triangles obtus sera également harmonieuse : le sommet de l'angle obtus indique la couleur principale, et le côté opposé sera une corde horizontale ou verticale du cercle dont les extrémités indiquent les couleurs qui former une triade harmonieuse avec la principale (Fig. 5.20, d).
Les coins de rectangles inscrits dans un cercle marqueront les combinaisons harmonieuses de quatre couleurs apparentées et contrastées. Les sommets du carré indiqueront la version la plus stable des combinaisons de couleurs, bien que caractérisée par une activité de couleur et un contraste accrus (Fig. 5.20, e).
Les couleurs situées aux extrémités des diamètres de la roue chromatique ont des propriétés polaires. Leurs combinaisons donnent à la combinaison de couleurs tension et dynamisme. Des combinaisons harmonieuses de couleurs contrastées sont présentées sur la Fig. 5h20, par ex.
Toutes les qualités physiques et psychologiques de la couleur, les principes de construction de l'harmonie des couleurs, sont nécessairement pris en compte lors du choix d'une composition décorative.
Questions de test et devoirs
1. En quels deux groupes les séries harmoniques de couleurs peuvent-elles être divisées ?
2. Parlez-nous des options pour des combinaisons harmonieuses de couleurs achromatiques.
3. Que sont les couleurs apparentées et contrastées ?
4. Nommez les groupes d'harmonies de couleurs.
5. À l’aide de la roue chromatique, nommez les options pour les harmonies multicolores.
6. Composez des couleurs de combinaisons de couleurs monochromes, apparentées, contrastées et contrastées (trois options chacune).
Leçon n°13.Groupes de couleurs de base
Buts et objectifs: Identifiez les principaux groupes de couleurs en fonction de l'impression visuelle :
· rouge,
· jaune,
· vert.
Composez les nuances des principaux groupes de couleurs.
Compte tenu de l’âge des élèves, l’échelle de couleurs peut être réalisée sous une forme inhabituelle, par exemple sous la forme d’une feuille d’arbre divisée par des rayures.
Les tâches sont réalisées au format A4 avec des peintures à la gouache.
Devoirs:
Leçon n°14.Couleurs saturées et désaturées
Buts et objectifs: Modification de la saturation des couleurs de trois niveaux en ajoutant des peintures blanches et noires (pour le groupe principal de couleurs).
Format A4, gouache, pinceaux, papier blanc.
Devoirs: effectuer des marquages au format graphique pour un travail rapide en classe, effectuer des compositions de couleurs spécifiées (similaires au travail en classe).
Leçon n°15.Sombre et lumineux
Buts et objectifs: Séparation des couleurs en foncé et clair : découpez toutes les nuances de couleurs disponibles et disposez-les sur un fond gris moyen, tandis que :
· toutes les couleurs qui paraissent plus claires que le fond à l'œil sont claires ;
· toutes les couleurs qui semblent plus foncées que le fond de l'œil peuvent être qualifiées de sombres .
Les devoirs sont réalisés au format A4, applicatif.
Devoirs:
Leçon n°16.Chaud et froid
Buts et objectifs: Détermination des nuances de couleurs chaudes et froides :
· disposer toutes les couleurs disponibles sur un fond gris moyen ;
Divisez-vous en deux groupes – chaud et froid ;
parmi les couleurs, on peut distinguer les pôles thermiques (le bleu est froid et l'orange est chaud).
Les tâches sont réalisées au format A4 par empreinte digitale.
Obtenir des nuances de couleur chaudes-froides : étirez n'importe quelle couleur (sauf les couleurs « polaires ») vers des côtés chauds et froids.
Format A4. Présentation des couleurs. Gouache, papier, pinceaux.
Devoirs: mise en œuvre de compositions de couleurs spécifiées (par analogie avec le travail en classe).