Portrait dans différents types d'art. Une brève excursion dans l'histoire du portrait. Le type d'art auquel appartient le portrait

PORTRAIT DANS LES BEAUX-ARTS est une déclaration artistique qui a un contenu et une méthode d'expression (grammaire, style). Quel est le thème de tout portrait ? Le portrait représente l'apparence extérieure (et à travers elle le monde intérieur) d'une personne spécifique et réelle qui a existé dans le passé ou qui existe dans le présent. Le thème général (invariant) du portrait est la vie individuelle d'une personne, la forme individuelle de son être. Quel que soit le nombre de personnes représentées dans le portrait, deux ( portrait de compagnon) ou plusieurs (groupe), chacun d'eux dans le portrait dispose d'une relative autonomie. Un portrait peut avoir deux ou trois thèmes, etc., mais chacun d'eux est un thème de vie individuelle. Si les thèmes perdent leur indépendance, le portrait dépasse ses limites. spécificité du genre. Ainsi, par exemple, si le thème est un événement, nous n'avons pas devant nous un portrait, mais un tableau, bien que ses personnages puissent être représentés dans un portrait.

En plus du thème, le portrait a une intrigue universelle (invariante), une forme d'être telle que la contemplation-pensée, la contemplation intellectuelle et interne. Dans cet état, le sujet absorbe le monde entier des objets et des connexions du point de vue de leur signification, de leur sens et des enjeux fondamentaux de l'existence humaine. La conscience plonge en elle-même. En même temps, une personne est libérée de l'unilatéralité, de l'étroitesse de la passion ou de l'humeur aléatoire. L'individu en lui-même est rempli de poésie et de fantaisie, d'une profonde immersion dans les réflexions et les pensées, dans son propre monde intérieur fermé.

L'action et l'activité motrice de la parole sont contre-indiquées pour cette condition (dans le portrait, la personne, en règle générale, ne « parle pas ». Dans le portrait, la personne se tait, mais c'est un silence éloquent. Affects (colère, rage, joie violente , etc.) sont contre-indiqués pour le portrait - un fort sentiment à court terme associé à une réaction motrice active. Le portrait se caractérise par une paix animée.

Une personne contemplative présuppose une combinaison variée d'autres caractéristiques - statut social, nationalité, âge, caractéristiques religieuses et morales, caractère, etc.

L'individu contemplatif et réfléchi est représenté dans le portrait sous son aspect extérieur. L'essentiel ici est le miroir de l'âme, le visage, et dans le visage se trouve l'expression des yeux. Le regard est dirigé au loin ou pénètre profondément dans l'âme, il « passe » à travers le spectateur.

Quel est l’invariant esthétique du genre du portrait ? On remarque que le modèle du portrait ne rit pas et ne fait pas rire. La catégorie de la bande dessinée est contre-indiquée dans « l’archétype » du genre du portrait. L’invariant esthétique d’un portrait est la catégorie du « sérieux ». Le portrait est sérieux. Le modèle du portrait est représenté à un moment grave de sa vie. Le portrait omet ce qui relève du simple hasard, de la situation éphémère inhérente à une personne en vrai vie. En ce sens, le portrait, comme le dit Hegel, « flatte » le modèle. Existe interphone entre contemplation-réflexion et sérieux esthétique. Quand une personne est sérieuse, elle ne rit pas. Là où le modèle rit dans le portrait, le genre du portrait est à la frontière avec d'autres genres - sketch, sketch, « genre », etc. L'aspect spirituel est l'essentiel dans un portrait. Le contenu de quelque chose de sérieux peut être à la fois tragique et sublime.

Un portrait, comme toute déclaration artistique, se réalise à travers une forme compositionnelle. C’est spécifique à l’art. L’invariant compositionnel d’un portrait est une telle construction, à la suite de laquelle le visage du modèle apparaît au centre de la composition, au centre de la perception du spectateur. Ce n'est pas un hasard si le symptôme compositionnel de la formation du genre du portrait européen à l'époque début de la Renaissance appelé « Profil de sortie » devant. Les canons historiques dans le domaine de la composition de portraits prescrivent une certaine interprétation de la position centrale du visage par rapport à la pose, aux vêtements, à l'environnement, à l'arrière-plan, etc.

Du point de vue du contenu (sémantique) du portrait de genre, les portraits « nature morte » et « décoratifs » sont considérés comme incompatibles avec son archétype. Les portraits de « nature morte », représentant l'individualité, l'interprètent comme une « chose » ; les portraits « décoratifs » - non pas du point de vue de la catégorie « sérieux », mais du point de vue de la « sensation décorative ».

L'analyse de « l'archétype » du genre du portrait du point de vue des modes d'expression s'effectue à trois niveaux : communicatif, esthétique et compositionnel. La forme esthétique d'expression doit seulement être parfaite, harmonieuse, « belle », tandis que la forme compositionnelle doit « techniquement » assurer la mise en œuvre de la forme esthétique et communicative. L’invariant communicatif du genre du portrait est l’image. La principale caractéristique de l'image est sa ressemblance avec l'objet affiché, avec le modèle. La similarité est la similarité, mais pas l'identité. L'écart par rapport à l'identité dans les limites de la similitude est non seulement permis, mais nécessaire aux fins du portrait.

Un portrait représente non seulement l'individualité d'une personne, mais exprime également l'individualité personnalité artistique auteur. Le portrait est un « autoportrait ». L’artiste s’habitue à l’apparence du modèle, grâce à laquelle il comprend l’essence spirituelle de l’individualité humaine. Une telle compréhension ne se produit que dans l’acte d’empathie (réincarnation) dans le processus de fusion du « je » du modèle et du « je » de l’auteur. En conséquence, une nouvelle unité émerge, semblable à ça, qui se pose entre l'acteur et son rôle. Grâce à cette fusion, le modèle du portrait semble être réellement vivant. L'animation du modèle dans le portrait fait également partie des traits qui constituent l'invariant du portrait. Puisqu’un portrait ressemble toujours un peu à l’auteur, il n’est en même temps pas semblable en quelque sorte au modèle. La similitude et la dissemblance sont tout aussi importantes pour un portrait.

Pourquoi un portrait est-il créé, quel est son but dans la vie ?

Un portrait qui ne transforme pas un visage en « chose » et ne vit pas seulement selon des lois formelles complètement abstraites, contient la vérité sur l'individualité de celui qui contemple (à la fois le modèle et l'auteur). C'est pourquoi Fonction cognitive le portrait est une caractéristique essentielle et nécessaire du genre du portrait, son « archétype ». Cela n'interfère pas avec les autres manières d'utiliser le portrait (mémorial, représentatif, décoratif, etc.) conformément à la typologie existant en histoire de l'art. art du portrait.

Contrairement à l'invariant (« archétype »), la structure canonique du portrait ne s'applique pas à toutes les époques, mais seulement à certaines : à travers les canons, leur évolution historique, le développement du genre du portrait s'opère. Le canon ne doit pas être identifié à un cachet ; il est une des formes de développement de l'art et de ses genres. Les exigences du canon s'appliquent à tous les niveaux de forme qui, dans leur intégrité, caractérisent le style du portrait. Par exemple, le style du portrait d'avant-garde de la fin des XIXe et XXe siècles. caractérisé par des caractéristiques telles que la « nature morte », l'expression du principe générique (non pas « je », mais « NOUS »), l'expression de soi, la ressemblance constructive avec le modèle, le grotesque comme catégorie esthétique principale. Tout cela témoigne d'une crise du canon classique du genre du portrait dans l'art d'avant-garde tout en préservant « l'archétype ».

En conséquence, nous pouvons donner définition suivante genre de portrait dans son look classique: le portrait révèle du point de vue de la catégorie esthétique du « sérieux » et dans le cadre du style pictural la vérité de l'individualité humaine à travers une image animée de l'apparence extérieure d'une personne (la composition de l'image est telle que le visage et les yeux sont au centre), exprimant l'état réfléchi et méditatif du modèle et de l'auteur.

Bassin Evgeniy

Le portrait en peinture est une forme de représentation de la forme humaine dans laquelle le visage est la partie centrale de l'image. Traditionnellement, ils représentent le visage et les épaules ou une personne en pleine hauteur. Il en existe plusieurs variétés : traditionnelle, de groupe ou autoportrait. Un portrait est spécialement peint pour montrer le caractère et les caractéristiques uniques d’une personne.

Histoire du développement

Parmi les grands peintres du portrait figurent les maîtres anciens de la Renaissance italienne : Léonard de Vinci, Michel-Ange, Bronzino, Raphaël, Titien. Au nord des Alpes, en Allemagne, en Flandre, Jan van Eyck, représentant Peinture hollandaise, les portraitistes allemands Lucas Cranach l'Ancien et Hans Holbein le Jeune.

Plus travaux tardifs appartiennent aux pinceaux de Rembrandt, Anthony Van Dyck, Velazquez, Thomas Gainsborough. Peintures romantiques, classiques, styles abstraits XIXe – début XXe siècles, représenté par les œuvres de Géricault, Manet, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Picasso, Auerbach, Modigliani. Le plus grande collection la peinture de portrait est présentée au National galerie de portraitsà Londres - environ 200 000 tableaux.

Caractéristiques du genre intrigue-thématique

Les temps anciens

Le genre du portrait était considéré comme un art public ou privé réservé à une élite. Dans les anciennes civilisations méditerranéennes d’Égypte, de Grèce, de Rome et de Byzance, l’art était associé aux rites funéraires, au culte des dieux ou à une forme d’affichage de la grandeur d’un dirigeant. Le genre existait sous forme de sculptures et de fresques. Des commandes privées étaient exécutées pour les familles royales de Mésopotamie, d'Égypte et de Grèce. L'art du portrait était public, destiné à la décoration en dans des lieux publics, reflétait les valeurs morales et religieuses.

Exemples de portraits de l'Egypte ancienne : sculpture de Mikerin, Akhénaton et sa fille, buste de Néfertiti. Sculptures grecques : buste en marbre de Socrate, nombreux bustes, reliefs et statues dieux grecs d'Aphrodite à Zeus. Des images ont été peintes sur les murs, même si aucune n’a survécu complètement intacte. Une exception est la série de portraits du Fayoum près du Caire en Égypte.
L'art romain reposait sur des nécessités politiques pratiques. Les bustes de chaque empereur, de Jules César à Constantin, étaient exposés dans les lieux publics de tout l'empire pour honorer le pouvoir.

Caractéristiques de la peinture sur vase grec ancien

Art du Moyen Âge et de la Renaissance

Avec le début de l’âge sombre du Moyen Âge, le genre du portrait a perdu de son influence. La peinture répondait aux besoins de l'Église : des fresques étaient représentées sur les murs des églises, peintes dans des livres, sous forme de miniatures et des manuscrits évangéliques illustrés.

Le seul philanthrope majeur pendant la majeure partie de l’époque médiévale était l’Église. Exemples d'œuvres de cette période : icônes du monastère Sainte-Catherine, portraits d'évangélistes et d'apôtres dans des manuscrits chrétiens celtiques. Aux périodes romane et gothique jusqu'au XIVe siècle, le genre étend son influence aux vitraux (cathédrale de Chartres et cathédrale Notre-Dame de Paris).

Le style de peinture byzantin, qui a dominé la période de 450 à 1400, n'est pas compatible avec les normes de l'art de la peinture. Les artistes pensaient que les qualités spirituelles et humaines d'une figure étaient plus importantes et que l'image d'une personne devait être véhiculée symboliquement. Les premières œuvres réalistes appartiennent à Giotto.

Des représentants de la Renaissance néerlandaise et allemande, dont Jan van Eyck, Roger Van Der Weyden, Lucas Cranach et Hans Holbein, travaillèrent à l'huile, créèrent images réalistes personne.
Vers 1500, les portraits de femmes et d’hommes étaient devenus l’un des principaux genres de la peinture.

Types de paysages en peinture

L'art de la Renaissance s'est manifesté dans de nouvelles idées de peinture :

• perspective linéaire,
• Lumière et ombre,
• humanisme,
• transmission d'images volumétriques.

La conséquence de l'émergence d'idées est une amélioration de la qualité de la peinture. Mais l'Église conservait son pouvoir sur les beaux-arts.

Au 16ème siècle

Au XVIe siècle, une hiérarchie des genres picturaux s'est développée, basée sur le sujet :

1. Historique, religieux;
2. Portraits ;
3. Ménage;
4. Paysage;
5. Natures mortes.

Les artistes ont cherché à accroître l'autorité du genre. Le début de l’ère de la Réforme, puis de la Contre-Réforme, font de la peinture un instrument d’influence politique et idéologique. Aux XVIe et XVIIe siècles, les portraits les plus représentatifs sont les images des rois des États européens.

Aux XVIIIe et XIXe siècles

Genre arts visuels Son influence s'est considérablement étendue aux XVIIIe et XIXe siècles. Cela était dû à plusieurs facteurs : l'utilisation universelle de l'huile et de la toile ; une augmentation des volumes commerciaux, qui ont formé un groupe important de riches marchands et propriétaires fonciers ; utiliser les œuvres comme moyen d’enregistrer l’apparence visuelle des personnes et des familles. Les portraits d'enfants sont populaires. Un portrait au XIXe siècle est une photo pour l'homme moderne. Le développement du genre a été stoppé par l’invention de la caméra.

Peinture mythologique

Les meilleurs portraitistes des XVIIIe et XIXe siècles étaient Angelika Kaufman et Elisabeth Vigée-Le Brun - les premières artistes brillantes de l'histoire de la peinture.

Le genre du portrait romantique féminin et masculin, devenu très populaire dans l'Angleterre du XIXe siècle, est illustré par les peintures de Sir Edwin Landseer - son œuvre est l'un des chefs-d'œuvre les plus frappants des beaux-arts de l'époque victorienne.

Au 20ème siècle

Le XXe siècle a été une époque d'effondrement de la hiérarchie classique des genres, avec l'apparition de nouvelles façons d'afficher la réalité, de nouveaux thèmes et de nouvelles problématiques.

Après une série d’œuvres de style expressionniste, les progrès de la photographie, du cinéma et de la vidéo font du portrait un anachronisme inutile.

L'exception concerne les œuvres célèbres de Picasso, par exemple le portrait féminin de Gertrude Stein.
Événements d'après-guerre, influence équipement informatique, les médias, le progrès scientifique, de nouveaux matériaux pour le travail des peintres apparaissent - beaux-arts avec l'acrylique, sérigraphie, créativité avec la peinture aluminium, collage, espèces mixtes peinture. La tendance à redonner aux portraits féminins et masculins la place qui leur revient dans la hiérarchie des genres est illustrée dans les peintures pop art d'Andy Warhol, dont les images imprimées d'Elvis Presley, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor et Mao Tsé-toung sont devenues le modèle du développement du genre dans la seconde moitié du XXe siècle.

Pastorale en peinture

La dernière innovation dans le développement du genre est l'hyperréalisme, dans lequel les Américains et Artistes européens. Le but du style est de créer nouvelle réalité, qui ressemblera complètement au monde qui vous entoure, sera une copie d'une photographie d'un endroit inexistant sur la planète.

Types de portraits

Religieux

Distribué au Moyen Âge Art occidental. Comprend des images des dieux des anciennes religions polythéistes et des héros bibliques. Exemples de peintures : Retable de Gand de Jan van Eyck, « ​​Lamentation » Christ mort"Mantegna," Madone Sixtine"Raphaël, "Vénus d'Urbino" du Titien.

Historique

Images de grands dirigeants, rois, généraux, artistes. « Le pape Léon X avec les cardinaux » de Raphaël, images de dirigeants romains et égyptiens antiques, « Thomas Cromwell » de Hans Holbein, « Portrait du pape Innocent X » de Velazquez. Dans le cadre de la vision historique, un portrait politique, enfantin et masculin se développe.

Peinture d'histoire

Images de célébrités

Les œuvres des artistes dans ce type de portrait couvrent une large période. Au centre de la toile se trouvaient des chanteurs, des acteurs et des écrivains. Au sein de ce type, la caricature existe comme une forme d’art du portrait.

Dans l’article d’aujourd’hui, je voudrais m’attarder sur un bref historique du développement du portrait. Il n'est pas possible de couvrir entièrement tout le matériel sur ce sujet dans le cadre limité de l'article, je ne me suis donc pas fixé une telle tâche.

Une petite excursion dans l'histoire du portrait

Portrait(du portrait français) - Il s'agit d'un genre de beaux-arts, ainsi que d'œuvres de ce genre qui montrent l'apparence d'une personne en particulier. Le portrait transmet caractéristiques individuelles, caractéristiques uniques inhérentes à un seul modèle (un modèle est une personne posant pour un maître tout en travaillant sur une œuvre d'art).

"Parisien". Fresque du palais de Knossos, XVIe siècle avant JC.

Mais ressemblance extérieure- pas la seule et peut-être pas la propriété la plus importante inhérente à un portrait . Un vrai portraitiste ne se limite pas à reproduire fonctionnalités externes son modèle, il s'efforce transmettre les propriétés de son personnage, révéler son intérieur, monde spirituel . Il est également très important de montrer la position sociale de la personne représentée, pour créer une image typique d'un représentant d'une certaine époque.
En tant que genre, le portrait est apparu il y a plusieurs milliers d'années dans Art ancien. Parmi les fresques du célèbre palais de Knossos, retrouvées par les archéologues lors de fouilles sur l'île de Crète, il y a ligne entière images picturales de femmes liées à XVIe siècle AVANT JC. Bien que les chercheurs appellent ces images « dames de la cour », nous ne savons pas qui les maîtres crétois essayaient de montrer : des déesses, des prêtresses ou des prêtresses. dames nobles vêtu de robes élégantes.
Le portrait le plus célèbre d'une jeune femme, surnommée par les scientifiques « parisienne ». Nous voyons devant nous l'image de profil (selon les traditions de l'art de l'époque) d'une jeune femme, très coquette et ne négligeant pas les cosmétiques, comme en témoignent ses yeux, soulignés d'un contour sombre, et ses lèvres peintes de couleurs vives.
Les artistes qui ont créé des portraits à fresque de leurs contemporains n'ont pas approfondi les caractéristiques des modèles, et la similitude extérieure de ces images est très relative.

"Portrait d'un jeune Romain", début du IIIe siècle après JC.

DANS La Grèce ancienne et la Rome antique peinture sur chevalet n'existait pas, l'art du portrait s'exprimait donc principalement dans la sculpture. Les maîtres anciens ont créé des images plastiques de poètes, de philosophes, de chefs militaires et d'hommes politiques. Ces œuvres se caractérisent par une idéalisation et, en même temps, parmi elles se trouvent également des images très précises dans leurs caractéristiques psychologiques.
D'un grand intérêt portraits pittoresques, créé en Égypte aux Ier-IVe siècles après JC. En fonction du lieu de découverte (les tombeaux de Hawara au nord du Caire et les nécropoles de l'oasis du Fayoum, appelée Arsinoé sous les Ptolémées) on les appelle Fayoum. Ces images remplissaient des fonctions rituelles et magiques. Ils sont apparus à l'époque hellénistique, lorsque L'Egypte ancienne a été capturé par les Romains. Ces portraits, exécutés sur des planches de bois ou sur toile, étaient déposés avec la momie dans la tombe du défunt.
Dans les portraits du Fayoum, nous voyons des Égyptiens, des Syriens, des Nubiens, des Juifs, des Grecs et des Romains qui ont vécu en Égypte aux Ier-IVe siècles après JC. Depuis Rome antique La coutume est venue en Égypte de conserver dans la maison des portraits des propriétaires écrits sur des tablettes de bois, ainsi que des masques sculpturaux de parents décédés.

Portrait d'une momie du Fayoum

Les portraits du Fayoum ont été réalisés à l'aide de techniques de détrempe ou d'encaustique, ce qui est particulièrement caractéristique des images antérieures. L'encaustique consiste à peindre avec des peintures, dont le principal lien de connexion était la cire. Les artistes ont utilisé des peintures à la cire fondue (sur de nombreuses tablettes représentant des portraits, il y a des traces de gouttes de ces peintures). Cette technique nécessitait techniques spéciales. Sur les joues, le menton et le nez, la peinture a été appliquée en couches denses et le reste du visage et des cheveux a été peint avec une peinture plus fine. Les maîtres utilisaient de fines planches de sycomore (figuier mûrier) et de cèdre du Liban pour les portraits.

G. Bellini. "Portrait d'un donateur" Fragment

Parmi les portraits les plus célèbres réalisés selon la technique de l'encaustique figurent " Portrait d'un homme" (seconde moitié du Ier siècle après J.-C.) et " Portrait d'un homme âgé " (fin du Ier siècle après J.-C.), qui sont des images de toute une vie. Ces œuvres frappent par leur habile modélisation des ombres et des lumières et l'utilisation de la couleur. réflexe. Probablement, les maîtres qui les ont peints sont des portraits inconnus de nous, passés par l'école de peinture hellénistique. Deux autres tableaux ont été exécutés de la même manière - "Portrait d'un Nubien" et une belle image féminine, la soi-disant ". Lady Alina »(IIe siècle après JC). Pinceaux et détrempe liquide.
Au Moyen Âge, lorsque l’art était subordonné à l’Église, ce sont principalement des images religieuses qui étaient créées en peinture. Mais même à cette époque, certains artistes peignaient des portraits psychologiquement précis. Les images de donateurs (donateurs, clients), représentés le plus souvent de profil, face à Dieu, à la Madone ou à un saint, se généralisent. Les images des donateurs avaient une ressemblance extérieure incontestable avec les originaux, mais n'allaient pas au-delà des canons iconographiques, jouant dans la composition rôle mineur. Les images de profil provenant de l'icône ont conservé leur position dominante même lorsque le portrait a commencé à acquérir une signification indépendante.
L'apogée du genre du portrait a commencé à la Renaissance, lorsque valeur principale monde est devenu une personne active et déterminée, capable de changer ce monde et d’aller contre toute attente. Au XVe siècle, les artistes ont commencé à créer des portraits indépendants, montrant des modèles sur fond de paysages panoramiques majestueux. Il s'agit du « Portrait d'un garçon » de B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Portrait d'un garçon" Galerie d'art, Dresde

Cependant, la présence de fragments de nature dans les portraits ne crée pas l'intégrité, l'unité d'une personne et le monde qui l'entoure semble obscurcir le paysage naturel ; Ce n'est que dans les portraits du XVIe siècle qu'apparaît l'harmonie, une sorte de microcosme.

De nombreuses personnes se sont tournées vers le portrait maîtres célèbres Renaissance, dont Botticelli, Raphaël, Léonard de Vinci. Le plus grand ouvrage l'art mondial est devenu chef-d'œuvre célèbre Le portrait de la Joconde de Léonard (La Gioconda, vers 1503), dans lequel de nombreux portraitistes des générations suivantes ont vu un modèle.
Titien a joué un rôle énorme dans le développement du genre du portrait européen, créant toute une galerie d'images de ses contemporains : poètes, scientifiques, membres du clergé et dirigeants. Dans ces œuvres le grand Maître italien a agi comme un psychologue subtil et un excellent expert l'âme humaine.

Titien : Impératrice Isabelle du Portugal.

À la Renaissance, de nombreux artistes créateurs de compositions d'autel et mythologiques se sont tournés vers le genre du portrait. Les modèles se distinguent par leur profonde pénétration dans le monde intérieur portraits psychologiques Peintre hollandais Jan van Eyck (« Timothée », 1432 ; « L'Homme au turban rouge », 1433). Un maître reconnu du genre du portrait était artiste allemand Albrecht Dürer, dont les autoportraits ravissent encore aujourd'hui les spectateurs et servent d'exemple aux artistes.

Albrecht Dürer, Autoportrait

Durant la Renaissance en Peinture européenne Diverses formes de portraits apparaissent. Le portrait en pied était très populaire à cette époque, bien que des images en pied, en pied et en pied apparaissent également. Nobles les couples mariés commandé des portraits appariés dans lesquels les modèles étaient représentés sur des toiles différentes, mais les deux compositions étaient unies plan général, coloration, fond de paysage. Un exemple frappant portraits appariés - images du duc et de la duchesse d'Urbino (Federigo da Montefeltro et Battista Sforza, 1465), créés peintre italien Piero della Francesca.
Les portraits de groupe se généralisent également lorsque l'artiste montre plusieurs modèles sur une même toile. Échantillon travail similaire est le "Portrait du pape Paul III avec Alessandro et Ottavio Farnese" (1545-1546) du Titien.

En fonction de la nature de l'image, les portraits ont commencé à être divisés en cérémoniaux et intimes. Les premiers ont été créés dans le but d’exalter et de glorifier les personnes qui y sont représentées. Des portraits de cérémonie ont été commandés à artistes célèbres les personnes régnantes et les membres de leurs familles, les courtisans, les ecclésiastiques qui occupaient les échelons supérieurs de l'échelle hiérarchique.
Lors de la création de portraits de cérémonie, les peintres représentaient des hommes vêtus de riches uniformes brodés d'or. Les dames qui posaient pour l'artiste portaient les robes les plus luxueuses et se paraient de bijoux. L'arrière-plan jouait un rôle particulier dans de tels portraits. Les maîtres ont peint leurs modèles sur fond de paysage, d'éléments architecturaux (arcs, colonnes) et de draperies luxuriantes.
Le plus grand maître des portraits d'apparat fut le Flamand P.P. Rubens, qui a travaillé dans les cours royales de nombreux États. Ses contemporains nobles et riches rêvaient que le peintre les capturait sur ses toiles. Les portraits commandés par Rubens, frappants par leur richesse de couleurs et la virtuosité de leur dessin, sont quelque peu idéalisés et froids. Les images de famille et d'amis que l'artiste a créées pour lui-même sont pleines de sentiments chaleureux et sincères ; il n'y a aucune volonté de flatter le modèle, comme dans les portraits de cérémonie pour des clients fortunés.

Un élève et disciple de Rubens était le talentueux peintre flamand A. van Dyck, qui créa une galerie de portraits de ses contemporains : scientifiques, avocats, médecins, artistes, marchands, chefs militaires, clergé et courtisans. Ces images réalistes traduisent subtilement le caractère unique des modèles.
Les portraits exécutés par van Dyck à la fin de la période, lorsque l'artiste travaillait à la cour du roi anglais Charles, sont moins parfaits artistiquement, car Le maître qui recevait de nombreuses commandes ne pouvait pas y faire face et confiait l'image de certaines pièces à ses assistants. Mais même à cette époque, van Dyck peignit un certain nombre de tableaux assez réussis (portrait de Charles Ier au Louvre, vers 1635 ; « Les trois enfants de Charles Ier », 1635).

A. van Dyck. "Les trois enfants de Charles Ier", 1635, Collection royale, château de Windsor

Au XVIIe siècle, une place importante dans la peinture européenne était occupée par les portraits intimes (de chambre), dont le but était de montrer l'état d'esprit d'une personne, ses sentiments et ses émotions. Un maître reconnu de ce type de portrait était artiste néerlandais Rembrandt, qui a peint de nombreuses images émouvantes. « Portrait d'une vieille dame » (1654), « Portrait du fils de Titus lisant » (1657) et « Hendrickje Stoffels à la fenêtre » (portrait de la seconde épouse de l'artiste, vers 1659) sont empreints d'un sentiment sincère. Ces œuvres présentent au spectateur des gens ordinaires qui n'ont ni nobles ancêtres ni richesses. Mais pour Rembrandt, qui ouvre une nouvelle page dans l'histoire du genre du portrait, il était important de transmettre la gentillesse spirituelle de son modèle, ses qualités véritablement humaines.

Artiste inconnu. Parsun "Souverain de toute la Russie Ivan IV le Terrible", fin du XVIIe siècle.

L'habileté de Rembrandt était également évidente dans ses portraits de groupe grand format (« Night Watch », 1642 ; « Syndics », 1662), véhiculant différents tempéraments et personnalités humaines brillantes.
L'un des portraitistes européens les plus remarquables du XVIIe siècle fut artiste espagnol D. Velazquez, qui a peint non seulement de nombreux portraits d'apparat représentant les rois d'Espagne, leurs femmes et leurs enfants, mais aussi de nombreuses images intimes des gens ordinaires. Les images tragiques de nains de cour - sages et réservés ou aigris, mais gardant toujours le sens de la dignité humaine - s'adressent aux meilleurs sentiments du spectateur ("Portrait du bouffon Sebastiano Mora", vers 1648).

Le genre du portrait s'est encore développé au XVIIIe siècle. Les portraits, contrairement aux paysages, procuraient de bons revenus aux artistes. De nombreux peintres qui créaient des portraits de cérémonie, essayant de flatter une clientèle riche et bien née, essayaient de mettre en valeur ce qu'il y avait de plus important. fonctionnalités attrayantes son apparence et masquer ses défauts.
Mais les maîtres les plus courageux et les plus talentueux n'avaient pas peur de la colère des dirigeants et montraient les gens tels qu'ils étaient réellement, sans cacher leurs défauts physiques et moraux. En ce sens, le célèbre « Portrait de la famille du roi Charles IV » (1801) du célèbre peintre espagnol et graphiques de F. Goya. Ecole Nationale la peinture de portraits est apparue en Angleterre. Ses plus grands représentants sont les artistes J. Reynolds et T. Gainsborough, qui ont travaillé au XVIIIe siècle. Leurs traditions ont été héritées par de jeunes maîtres anglais : J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Le portrait occupait une place importante dans l'art de France. L'un des artistes les plus talentueux de la seconde la moitié du XVIII- d'abord quart du XIX siècle était J.L. David, qui a créé, à côté des peintures du genre antique et historique, de nombreuses beaux portraits. Parmi les chefs-d'œuvre du maître - extraordinaire image expressive Madame Récamier (1800) et le portrait romantique élevé "Napoléon Bonaparte au col du Saint-Bernard" (1800).

Un maître inégalé du genre du portrait était J.O.D. Ingres, qui glorifiait son nom par des portraits d'apparat, distingués par leurs sonorités Schéma de couleur et la grâce des lignes.
D'excellents exemples de portraits romantiques ont été présentés au monde par des artistes français tels que T. Gericault et E. Delacroix.
Les réalistes français (J. F. Millet, C. Corot, G. Courbet), les impressionnistes (E. Degas, O. Renoir) et les post-impressionnistes (P. Cézanne, W. van Gogh) ont exprimé leur attitude envers la vie et l'art dans des portraits.
Les représentants des mouvements modernistes apparus au XXe siècle se sont également tournés vers le genre du portrait. Le célèbre homme nous a laissé de nombreux portraits artiste français Pablo Picasso. À partir de ces œuvres, on peut retracer comment l’œuvre du maître s’est développée à partir de ce qu’on appelle. période bleue au cubisme.

Dans sa « Période bleue » (1901-1904), il crée des portraits et des types de genre dans lesquels il développe le thème de la solitude, du chagrin et de la fatalité humaine, imprégnant le monde spirituel du héros et l'environnement qui lui est hostile. Il s’agit du portrait de l’ami de l’artiste, le poète X. Sabartes (1901, Moscou, Musée Pouchkine).

Il a apporté une contribution significative au développement du portrait russe artiste talentueux première moitié du XVIIIe siècle I.N. Nikitine, qui, avec l'habileté d'un psychologue, a montré le complexe dans "Portrait d'un hetman d'étage" (années 1720), image aux multiples facettes homme de l'époque pétrinienne.

La peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle est associée aux noms de portraitistes aussi célèbres que F.S. Rokotov, qui a créé de nombreuses images inspirées de ses contemporains (portrait de V.I. Maykov, vers 1765), D.G. Levitsky, auteur de magnifiques portraits de cérémonie et de chambre qui traduisent l'intégrité de la nature des modèles (portraits d'étudiants de l'Institut Smolny, vers 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dont l'étonnant lyrique portraits féminins ravit toujours le public.

Borovikovsky, Vladimir Lukich : Portrait d'Elena Alexandrovna Naryshkina.

Les années 1860-1870 sont l'époque de la formation du réalisme dans la peinture russe, qui se manifeste le plus clairement dans le travail des artistes itinérants. Durant cette période en genre de portrait grand succès Le public démocratique a utilisé un portrait type dans lequel le modèle a reçu non seulement une évaluation psychologique, mais a également été considérée du point de vue de sa place dans la société. Dans de telles œuvres, les auteurs ont accordé la même attention aux caractéristiques individuelles et typiques des personnes représentées.
Un exemple de ce type de portrait a été peint en 1867 par l'artiste N.N. Ge portrait d'A.I. Herzen. En regardant les photographies de l'écrivain démocrate, on peut comprendre avec quelle précision le maître a capturé la ressemblance extérieure. Mais le peintre ne s'est pas arrêté là : il a capturé sur toile la vie spirituelle d'un individu s'efforçant d'atteindre le bonheur de son peuple par la lutte. A l'image d'Herzen, Ge a montré un type collectif Les meilleurs gens de son époque.

N.N. Ge portrait d'A.I. Herzen

Les traditions du portrait de Ge ont été reprises par des maîtres tels que V.G. Perov (portrait de F.M. Dostoïevski, 1872), I.N. Kramskoï (portrait de L.N. Tolstoï, 1873). Ces artistes ont créé toute une galerie d'images de leurs contemporains exceptionnels.
De merveilleux portraits types ont été peints par I.E. Repin, qui a réussi à transmettre très précisément l'individualité unique de chaque personne. À l'aide de gestes, de poses et d'expressions faciales correctement notés, le maître donne les caractéristiques sociales et spirituelles de ceux qui sont représentés. Une personne significative et volontaire apparaît dans le portrait de N.I., exécuté par Repin en 1881. Pirogov. Le spectateur voit le profond talent artistique et la passion de la nature dans sa toile représentant l'actrice P.A. Strepetov (1882).

Portrait de l'actrice Pelageya Antipovna Strepetova dans le rôle d'Elizabeth. 1881

Glazounov_ Portrait d'Ilya Reznik, 1999

A.M. a apporté une énorme contribution au développement du portrait russe. Shilov (« Portrait de l'académicien I.L. Knunyants », 1974 ; « Portrait d'Olia », 1974).

SUIS. Chilov. "Portrait d'Olia", 1974

Matériaux utilisés dans la préparation du matériel

Le portrait est une image ou une description d'une personne ou d'un groupe de personnes qui existent ou ont existé dans la réalité. Un portrait est l'un des principaux genres de la peinture, de la sculpture, du graphisme, son sens est précisément de reproduire. qualités individuelles une personne spécifique.

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« Portrait en peinture ?. Types de portraits humains.

Portrait en peinture Types de portraits humains

Portrait - une image ou une description d'une personne ou d'un groupe de personnes qui existent ou ont existé dans la réalité . Portrait - c'est l'un des genres principaux de la peinture, de la sculpture, du graphisme, son sens est précisément de reproduire les qualités individuelles d'une personne en particulier.

Le nom de ce genre vient d’une vieille expression française signifiant « reproduire quelque chose point par point ».

crayon

aquarelle

GRAVÉ

PORTRAIT

SCULPTURAL

PITTORESQUE

( HUILE, TEMPERA, GOUACHE)

SOULEVÉ

(sur les médailles et les pièces)

Aquarelle

portrait

Portrait au crayon

Gravure

Portrait scénique

(huile)

Portrait sculptural

Relief

TYPES DE PORTRAITS :

• chambre; psychologique; sociale; devant; autoportrait.
• chambre;
• psychologique;
• sociale;
• devant;
• individuel, double, groupe ;
• autoportrait.

Portrait de chambre - portrait à mi-corps, image de la poitrine ou de l’épaule. Le personnage d’un portrait de chambre est généralement représenté sur un fond neutre.

Image psychologique conçu pour montrer la profondeur du monde intérieur et des expériences d'une personne, pour refléter la plénitude de sa personnalité, pour capturer en un instant mouvement sans fin sentiments humains et des actions.

Portrait social permet de comprendre le contenu activité professionnelle, en passant du temps libre, évaluez la personnalité d’une personne en fonction des caractéristiques de l’environnement dans lequel elle vit.

Portrait de cérémonie - un portrait représentant une personne en pied, à cheval, debout ou assise. Généralement, dans un portrait formel, le personnage est représenté sur un fond architectural ou paysager.

Autoportrait - une image graphique, picturale ou sculpturale de l'artiste, réalisée par lui à l'aide d'un miroir ou d'un système de miroirs.

Selon le format, on distingue les portraits :

• tête épaule)
• poitrine;
• taille;
• jusqu'aux hanches ;
• générationnel;
• à pleine hauteur.

Portrait

Portrait à mi-corps

Portrait en pied

Portrait en buste

Portrait depuis les hanches

Basés sur la rotation de la tête, les portraits sont :

• en pleine face (français en face, « du visage »)
• quart de tour à droite

ou à gauche

• demi-tour
• trois quarts
• dans le profil

Exercice:

Votre tâche est de créer un portrait pittoresque. Il peut s'agir d'un autoportrait ou du portrait d'un proche.

Penser à quoi combinaisons de couleurs mieux exprimer son caractère et son état d'esprit.

Dans l’article d’aujourd’hui, je voudrais m’attarder sur un bref historique du développement du portrait. Il n'est pas possible de couvrir entièrement tout le matériel sur ce sujet dans le cadre limité de l'article, je ne me suis donc pas fixé une telle tâche.

Une petite excursion dans l'histoire du portrait

Portrait(du portrait français) - Il s'agit d'un genre de beaux-arts, ainsi que d'œuvres de ce genre qui montrent l'apparence d'une personne en particulier. Un portrait véhicule des caractéristiques individuelles, des caractéristiques uniques inhérentes à un seul modèle (un modèle est une personne posant pour un maître tout en travaillant sur une œuvre d'art).

"Parisien". Fresque du palais de Knossos, XVIe siècle avant JC.

Mais la ressemblance extérieure n'est pas la seule et peut-être pas la propriété la plus importante inhérente à un portrait . Un vrai portraitiste ne se limite pas à reproduire les traits extérieurs de son modèle, il s'efforce transmettre les propriétés de son personnage, révéler son monde intérieur et spirituel . Il est également très important de montrer la position sociale de la personne représentée, pour créer une image typique d'un représentant d'une certaine époque.
En tant que genre, le portrait est apparu il y a plusieurs milliers d’années dans l’art ancien. Parmi les fresques du célèbre palais de Knossos, découvertes par les archéologues lors de fouilles sur l'île de Crète, se trouvent un certain nombre d'images pittoresques de femmes datant du XVIe siècle avant JC. Bien que les chercheurs aient appelé ces images « dames de la cour », nous ne savons pas qui les maîtres crétois essayaient de montrer : des déesses, des prêtresses ou des dames nobles vêtues de robes élégantes.
Le portrait le plus célèbre d'une jeune femme, surnommée par les scientifiques « parisienne ». Nous voyons devant nous l'image de profil (selon les traditions de l'art de l'époque) d'une jeune femme, très coquette et ne négligeant pas les cosmétiques, comme en témoignent ses yeux, soulignés d'un contour sombre, et ses lèvres peintes de couleurs vives.
Les artistes qui ont créé des portraits à fresque de leurs contemporains n'ont pas approfondi les caractéristiques des modèles, et la similitude extérieure de ces images est très relative.

"Portrait d'un jeune Romain", début du IIIe siècle après JC.

Dans la Grèce antique et dans la Rome antique, la peinture sur chevalet n'existait pas, l'art du portrait s'exprimait donc principalement dans la sculpture. Les maîtres anciens ont créé des images plastiques de poètes, de philosophes, de chefs militaires et d'hommes politiques. Ces œuvres se caractérisent par une idéalisation et, en même temps, parmi elles se trouvent également des images très précises dans leurs caractéristiques psychologiques.
Les portraits pittoresques créés en Égypte aux Ier-IVe siècles après JC sont d'un grand intérêt. En fonction du lieu de découverte (les tombeaux de Hawara au nord du Caire et les nécropoles de l'oasis du Fayoum, appelée Arsinoé sous les Ptolémées) on les appelle Fayoum. Ces images remplissaient des fonctions rituelles et magiques. Ils sont apparus à l’époque hellénistique, lorsque l’Égypte ancienne a été capturée par les Romains. Ces portraits, exécutés sur des planches de bois ou sur toile, étaient déposés avec la momie dans la tombe du défunt.
Dans les portraits du Fayoum, nous voyons des Égyptiens, des Syriens, des Nubiens, des Juifs, des Grecs et des Romains qui ont vécu en Égypte aux Ier-IVe siècles après JC. De la Rome antique à l'Égypte est née la coutume de conserver dans la maison des portraits des propriétaires peints sur des tablettes de bois, ainsi que des masques sculpturaux de parents décédés.

Portrait d'une momie du Fayoum

Les portraits du Fayoum ont été réalisés à l'aide de techniques de détrempe ou d'encaustique, ce qui est particulièrement caractéristique des images antérieures. L'encaustique consiste à peindre avec des peintures, dont le principal lien de connexion était la cire. Les artistes ont utilisé des peintures à la cire fondue (sur de nombreuses tablettes représentant des portraits, il y a des traces de gouttes de ces peintures). Cette technique nécessitait des techniques particulières. Sur les joues, le menton et le nez, la peinture a été appliquée en couches denses et le reste du visage et des cheveux a été peint avec une peinture plus fine. Les maîtres utilisaient de fines planches de sycomore (figuier mûrier) et de cèdre du Liban pour les portraits.

G. Bellini. "Portrait d'un donateur" Fragment

Parmi les portraits les plus célèbres réalisés selon la technique de l'encaustique figurent le « Portrait d'homme » (seconde moitié du Ier siècle après J.-C.) et le « Portrait d'un homme âgé » (fin du Ier siècle après J.-C.), qui sont des images de vie. Dans ces œuvres, la modélisation habile de l’éclairage et des ombres ainsi que l’utilisation du réflexe des couleurs sont frappantes. Probablement, les maîtres inconnus de nous qui ont peint les portraits sont passés par l'école de peinture hellénistique. De la même manière, deux autres tableaux ont été exécutés: «Portrait d'un Nubien» et une belle image féminine, dite. "Maîtresse Alina" (IIe siècle après JC). Le dernier portrait est réalisé sur toile à l'aide d'un pinceau et d'une détrempe liquide.
Au Moyen Âge, lorsque l’art était subordonné à l’Église, ce sont principalement des images religieuses qui étaient créées en peinture. Mais même à cette époque, certains artistes peignaient des portraits psychologiquement précis. Les images de donateurs (donateurs, clients), représentés le plus souvent de profil, face à Dieu, à la Madone ou à un saint, se généralisent. Les images des donateurs avaient une ressemblance extérieure incontestable avec les originaux, mais ne dépassaient pas les canons iconographiques, jouant un rôle secondaire dans la composition. Les images de profil provenant de l'icône ont conservé leur position dominante même lorsque le portrait a commencé à acquérir une signification indépendante.
L'apogée du genre du portrait a commencé à la Renaissance, lorsque la valeur principale du monde est devenue une personne active et déterminée, capable de changer ce monde et d'aller contre toute attente. Au XVe siècle, les artistes ont commencé à créer des portraits indépendants, montrant des modèles sur fond de paysages panoramiques majestueux. Il s'agit du « Portrait d'un garçon » de B. Pinturicchio.

B. Pinturicchio. "Portrait d'un garçon", Galerie d'art, Dresde

Cependant, la présence de fragments de nature dans les portraits ne crée pas l'intégrité, l'unité d'une personne et le monde qui l'entoure semble obscurcir le paysage naturel ; Ce n'est que dans les portraits du XVIe siècle qu'apparaît l'harmonie, une sorte de microcosme.

De nombreux maîtres célèbres de la Renaissance se sont tournés vers la peinture de portraits, notamment Botticelli, Raphaël et Léonard de Vinci. La plus grande œuvre de l'art mondial était le célèbre chef-d'œuvre de Léonard - le portrait "Mona Lisa" ("La Giaconda", vers 1503), dans lequel de nombreux portraitistes des générations suivantes ont vu un modèle.
Titien a joué un rôle énorme dans le développement du genre du portrait européen, créant toute une galerie d'images de ses contemporains : poètes, scientifiques, membres du clergé et dirigeants. Dans ces œuvres, le grand maître italien agissait comme un psychologue subtil et un excellent connaisseur de l'âme humaine.

Titien : Impératrice Isabelle du Portugal.

À la Renaissance, de nombreux artistes créateurs de compositions d'autel et mythologiques se sont tournés vers le genre du portrait. Les portraits psychologiques du peintre hollandais Jan van Eyck (« Timothée », 1432 ; « L'Homme au turban rouge », 1433) se distinguent par leur profonde pénétration dans le monde intérieur du modèle. L'artiste allemand Albrecht Dürer était un maître reconnu du genre du portrait, dont les autoportraits ravissent encore aujourd'hui les spectateurs et servent d'exemple aux artistes.

Albrecht Dürer, Autoportrait

À la Renaissance, diverses formes de portrait apparaissent dans la peinture européenne. Le portrait en pied était très populaire à cette époque, bien que des images en pied, en pied et en pied apparaissent également. Les couples nobles ont commandé des portraits jumelés dans lesquels les modèles étaient représentés sur des toiles différentes, mais les deux compositions étaient unies par un concept, une couleur et un fond de paysage communs. Un exemple frappant de portraits appariés est l'image du duc et de la duchesse d'Urbino (Federigo da Montefeltro et Battista Sforza, 1465), créée par le peintre italien Piero della Francesca.
Les portraits de groupe se généralisent également lorsque l'artiste montre plusieurs modèles sur une même toile. Un exemple d'une telle œuvre est le « Portrait du pape Paul III avec Alessandro et Ottavio Farnese » (1545-1546) du Titien.

En fonction de la nature de l'image, les portraits ont commencé à être divisés en cérémoniaux et intimes. Les premiers ont été créés dans le but d’exalter et de glorifier les personnes qui y sont représentées. Les portraits de cérémonie étaient commandés à des artistes célèbres par les régnants et les membres de leurs familles, les courtisans et le clergé qui occupaient les échelons supérieurs de l'échelle hiérarchique.
Lors de la création de portraits de cérémonie, les peintres représentaient des hommes vêtus de riches uniformes brodés d'or. Les dames qui posaient pour l'artiste portaient les robes les plus luxueuses et se paraient de bijoux. L'arrière-plan jouait un rôle particulier dans de tels portraits. Les maîtres ont peint leurs modèles sur fond de paysage, d'éléments architecturaux (arcs, colonnes) et de draperies luxuriantes.
Le plus grand maître des portraits d'apparat fut le Flamand P.P. Rubens, qui a travaillé dans les cours royales de nombreux États. Ses contemporains nobles et riches rêvaient que le peintre les capturait sur ses toiles. Les portraits commandés par Rubens, frappants par leur richesse de couleurs et la virtuosité de leur dessin, sont quelque peu idéalisés et froids. Les images de famille et d'amis que l'artiste a créées pour lui-même sont pleines de sentiments chaleureux et sincères ; il n'y a aucune volonté de flatter le modèle, comme dans les portraits de cérémonie pour des clients fortunés.

Un élève et disciple de Rubens était le talentueux peintre flamand A. van Dyck, qui créa une galerie de portraits de ses contemporains : scientifiques, avocats, médecins, artistes, marchands, chefs militaires, clergé et courtisans. Ces images réalistes traduisent subtilement le caractère unique des modèles.
Les portraits exécutés par van Dyck à la fin de la période, lorsque l'artiste travaillait à la cour du roi anglais Charles, sont moins parfaits artistiquement, car Le maître qui recevait de nombreuses commandes ne pouvait pas y faire face et confiait l'image de certaines pièces à ses assistants. Mais même à cette époque, van Dyck peignit un certain nombre de tableaux assez réussis (portrait de Charles Ier au Louvre, vers 1635 ; « Les trois enfants de Charles Ier », 1635).

A. van Dyck. "Les trois enfants de Charles Ier", 1635, Collection royale, château de Windsor

Au XVIIe siècle, une place importante dans la peinture européenne était occupée par les portraits intimes (de chambre), dont le but était de montrer l'état d'esprit d'une personne, ses sentiments et ses émotions. L'artiste néerlandais Rembrandt, qui a peint de nombreuses images émouvantes, est devenu un maître reconnu de ce type de portrait. « Portrait d'une vieille dame » (1654), « Portrait du fils de Titus lisant » (1657) et « Hendrickje Stoffels à la fenêtre » (portrait de la seconde épouse de l'artiste, vers 1659) sont empreints d'un sentiment sincère. Ces œuvres présentent au spectateur des gens ordinaires qui n'ont ni ancêtres nobles ni richesses. Mais pour Rembrandt, qui ouvre une nouvelle page dans l'histoire du genre du portrait, il était important de transmettre la gentillesse spirituelle de son modèle, ses qualités véritablement humaines.

Artiste inconnu. Parsun "Souverain de toute la Russie Ivan IV le Terrible", fin du XVIIe siècle.

L'habileté de Rembrandt était également évidente dans ses portraits de groupe grand format (« Night Watch », 1642 ; « Syndics », 1662), véhiculant différents tempéraments et personnalités humaines brillantes.
L'un des portraitistes européens les plus remarquables du XVIIe siècle fut l'artiste espagnol D. Velazquez, qui peignit non seulement de nombreux portraits de cérémonie représentant des rois d'Espagne, leurs femmes et leurs enfants, mais aussi un certain nombre d'images intimes de gens ordinaires. Les images tragiques de nains de cour - sages et réservés ou aigris, mais gardant toujours le sens de la dignité humaine - s'adressent aux meilleurs sentiments du spectateur ("Portrait du bouffon Sebastiano Mora", vers 1648).

Le genre du portrait s'est encore développé au XVIIIe siècle. Les portraits, contrairement aux paysages, procuraient de bons revenus aux artistes. De nombreux peintres qui créaient des portraits de cérémonie, essayant de flatter un client riche et bien né, essayaient de mettre en valeur les traits les plus attrayants de son apparence et d'obscurcir ses défauts.
Mais les maîtres les plus courageux et les plus talentueux n'avaient pas peur de la colère des dirigeants et montraient les gens tels qu'ils étaient réellement, sans cacher leurs défauts physiques et moraux. En ce sens, le célèbre « Portrait de la famille du roi Charles IV » (1801) du célèbre peintre et graphiste espagnol F. Goya est intéressant. La National School of Portraiture est apparue en Angleterre. Ses plus grands représentants sont les artistes J. Reynolds et T. Gainsborough, qui ont travaillé au XVIIIe siècle. Leurs traditions ont été héritées par de jeunes maîtres anglais : J. Romney, J. Hopner, J. Opie.
Le portrait occupait une place importante dans l'art de France. L'un des artistes les plus talentueux de la seconde moitié du XVIIIe et du premier quart du XIXe siècle était J.L. David, qui a créé, à côté des peintures du genre antique et historique, de nombreux beaux portraits. Parmi les chefs-d'œuvre du maître figurent l'image inhabituellement expressive de Madame Récamier (1800) et le portrait romantique élevé « Napoléon Bonaparte au col du Saint-Bernard » (1800).

Un maître inégalé du genre du portrait était J.O.D. Ingres, qui glorifiait son nom avec des portraits d'apparat, distingués par des couleurs sonores et des lignes gracieuses.
D'excellents exemples de portraits romantiques ont été présentés au monde par des artistes français tels que T. Gericault et E. Delacroix.
Les réalistes français (J. F. Millet, C. Corot, G. Courbet), les impressionnistes (E. Degas, O. Renoir) et les post-impressionnistes (P. Cézanne, W. van Gogh) ont exprimé leur attitude envers la vie et l'art dans des portraits.
Les représentants des mouvements modernistes apparus au XXe siècle se sont également tournés vers le genre du portrait. Le célèbre artiste français Pablo Picasso nous a laissé de nombreux portraits. À partir de ces œuvres, on peut retracer comment l’œuvre du maître s’est développée à partir de ce qu’on appelle. période bleue au cubisme.

Dans sa « Période bleue » (1901-1904), il crée des portraits et des types de genre dans lesquels il développe le thème de la solitude, du chagrin et de la fatalité humaine, imprégnant le monde spirituel du héros et l'environnement qui lui est hostile. Il s’agit du portrait de l’ami de l’artiste, le poète X. Sabartes (1901, Moscou, Musée Pouchkine).

Le talentueux artiste de la première moitié du XVIIIe siècle I.N. a apporté une contribution significative au développement du portrait russe. Nikitine, avec l'habileté d'un psychologue, a montré dans "Portrait d'un Hetman de sol" (années 1720) une image complexe et multiforme d'un homme de l'époque pétrinienne.

La peinture de la seconde moitié du XVIIIe siècle est associée aux noms de portraitistes aussi célèbres que F.S. Rokotov, qui a créé de nombreuses images inspirées de ses contemporains (portrait de V.I. Maykov, vers 1765), D.G. Levitsky, auteur de magnifiques portraits de cérémonie et de chambre qui traduisent l'intégrité de la nature des modèles (portraits d'étudiants de l'Institut Smolny, vers 1773-1776), V.L. Borovikovsky, dont les portraits de femmes étonnamment lyriques ravissent toujours les spectateurs.

Borovikovsky, Vladimir Lukich : Portrait d'Elena Alexandrovna Naryshkina.

Les années 1860-1870 sont l'époque de la formation du réalisme dans la peinture russe, qui se manifeste le plus clairement dans le travail des artistes itinérants. Durant cette période, dans le genre du portrait, le portrait type, dans lequel le modèle recevait non seulement une évaluation psychologique, mais était également considéré du point de vue de sa place dans la société, connut un grand succès auprès du public démocratique. Dans de telles œuvres, les auteurs ont accordé la même attention aux caractéristiques individuelles et typiques des personnes représentées.
Un exemple de ce type de portrait a été peint en 1867 par l'artiste N.N. Ge portrait d'A.I. Herzen. En regardant les photographies de l'écrivain démocrate, on peut comprendre avec quelle précision le maître a capturé la ressemblance extérieure. Mais le peintre ne s'est pas arrêté là : il a capturé sur toile la vie spirituelle d'un individu s'efforçant d'atteindre le bonheur de son peuple par la lutte. À l'image d'Herzen, Ge a montré le type collectif des meilleures personnes de son époque.

N.N. Ge portrait d'A.I. Herzen

Les traditions du portrait de Ge ont été reprises par des maîtres tels que V.G. Perov (portrait de F.M. Dostoïevski, 1872), I.N. Kramskoï (portrait de L.N. Tolstoï, 1873). Ces artistes ont créé toute une galerie d'images de leurs contemporains exceptionnels.
De merveilleux portraits types ont été peints par I.E. Repin, qui a réussi à transmettre très précisément l'individualité unique de chaque personne. À l'aide de gestes, de poses et d'expressions faciales correctement notés, le maître donne les caractéristiques sociales et spirituelles de ceux qui sont représentés. Une personne significative et volontaire apparaît dans le portrait de N.I., exécuté par Repin en 1881. Pirogov. Le spectateur voit le profond talent artistique et la passion de la nature dans sa toile représentant l'actrice P.A. Strepetov (1882).

Portrait de l'actrice Pelageya Antipovna Strepetova dans le rôle d'Elizabeth. 1881

Glazounov_ Portrait d'Ilya Reznik, 1999

A.M. a apporté une énorme contribution au développement du portrait russe. Shilov (« Portrait de l'académicien I.L. Knunyants », 1974 ; « Portrait d'Olia », 1974).

SUIS. Chilov. "Portrait d'Olia", 1974

Matériaux utilisés dans la préparation du matériel