Chefs d'orchestre d'opéra. Chefs d'orchestre de l'ère soviétique. Exigences pour un chef de chœur

Il serait inouï d’arrogance de ma part de parler de chefs d’orchestre célèbres de tous les temps et de tous les peuples. Sur ce point, je ne peux que vous fournir un lien vers l'avis d'experts plus faisant autorité que moi :). Mais le mien propre opinion Après tout, cela a aussi une certaine valeur, comme toute opinion indépendante d’une personne réfléchie, n’est-ce pas ? Je procède donc comme suit : j'essaierai de mettre en évidence les principales étapes du développement de l'art de la mise en scène et les noms de chefs d'orchestre célèbres associés à ces étapes. Ce sera juste de tous les côtés :)

• Un des étapes préliminaires conduite

associé à un objet très volumineux appelé battuta. Une sorte de tige avec laquelle le principal directeur musical a frappé le sol, mesurant le rythme. Et à ce trampoline même est lié, à son tour, l'incident tragique le plus ridicule de l'histoire. monde musical. Compositeur, musicien et chef d'orchestre Jean-Baptiste Lully mort de gangrène en 1687. Et la raison était une blessure à la jambe alors qu'elle conduisait sur un trampoline...

• Au XVIIe siècle, le rôle du chef d'orchestre

très souvent interprété par les principaux musiciens de l'orchestre. Il s’agissait parfois d’organistes ou de clavecinistes, mais le plus souvent de violonistes. Probablement, l’expression « premier violon » vient-elle de cette tradition ? Et ici, je voudrais dire ce qui suit, assez nom moderne: Willie Boskowski. Violoniste et chef d'orchestre, il a été premier violon du célèbre Orchestre Philharmonique de Vienne pendant plusieurs décennies du XXe siècle. Et cet orchestre, par tradition, n'a jamais eu de chef d'orchestre. Boskowski dirigeait souvent à la manière de Strauss lui-même – avec un violon à la main.

• A la fin du XVIIIe, au XIXe siècle, les œuvres musicales

est devenu si compliqué que la prochaine étape logique était la formation du métier de chef d’orchestre « libéré ». Désormais, les travaux sont exécutés non seulement propre composition, mais aussi d'autres frères de la boutique. Et au fil du temps, une nette division s'opère entre les types d'activités : un chef d'orchestre n'est plus forcément un compositeur ! L'un des premiers chefs d'orchestre professionnels à avoir acquis une réputation internationale fut Hans von Bülow Et Herman Levi.

• On ne peut manquer de mentionner un tel événement – ​​l’apparition de la baguette de chef d’orchestre.

Cela s'est produit au 19ème siècle et la forme de cet instrument important, déterminée à cette époque, reste traditionnelle aujourd'hui. Et ils le considèrent comme un inventeur compositeur allemand et chef d'orchestre Louis Spohr.

• Il y a un moment véritablement révolutionnaire dans l’histoire de la direction d’orchestre.

A savoir : le chef d'orchestre se tourne vers l'orchestre et retour au public! Honnêtement : je n’en ai aucune idée, mais comment c’était avant ça ? Le maestro ne pouvait pas diriger face au public, mais dos aux musiciens ?! Quoi qu’il en soit, cet événement est célébré comme spécial. Et à cet égard, je me souviens du fragment le plus sincère et le plus déchirant : le complètement sourd Beethoven dirige la première de sa symphonie n°9. Exécution terminée. Le compositeur ne peut entendre aucun son. Dos au public, il ne peut pas voir la réaction du public. Et puis les musiciens le retournent vers le public et Beethoven voit le triomphe que sa nouvelle œuvre a provoqué.

• Enfin, permettez-moi d'exprimer mon affection personnelle :).

Comme je l’ai découvert de manière inattendue : il m’est difficile de juger du professionnalisme d’un chef d’orchestre, c’est pourquoi dans mes évaluations j’« ajoute » des qualités telles que le talent artistique et le sens de l’humour. C’est sans doute pourquoi, parmi les chefs d’orchestre du XXe siècle, j’en distingue deux : Gennady Rojdestvenski Et Daniel Barenboim. Je termine ce post avec un enregistrement du discours de ce dernier :

Faire du vélo programmes de concerts (Russie, 2010). 10 numéros.

Il n'y a plus de personnalités faisant autorité dans la société moderne culture musicale que les représentants de l’élite dirigeante mondiale. Les créateurs de la série ont choisi dix noms importants - Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, ainsi que leurs célèbres collègues russes. Ils sont aujourd’hui universellement reconnus comme maîtres et chefs de grands orchestres.

Chaque programme est basé sur la performance d'un des maestros nommés avec son orchestre.

Solistes : les violonistes Vadim Repin et Sergei Krylov, le hautboïste Alexey Utkin, le pianiste Denis Matsuev et d'autres.

Le programme est très diversifié - de I.S. Bach à A. Schoenberg et A. Pärt. Toutes les œuvres comptent parmi les chefs-d’œuvre de la musique du monde.

L'animateur du cycle est le pianiste Denis Matsuev.

1er numéro. .
Soliste Vadim Repin.
Programme : I. Stravinsky. Symphonie en trois mouvements ; M. Bruch. Concerto pour violon et orchestre n°1 en sol mineur ; L. Beethoven. Symphonie n°7.

2ème numéro. Vladimir Fedoseev et l'Orchestre Symphonique du Bolchoï. PI. Tchaïkovski.
Programme : L. Beethoven. Symphonie n°4.
Enregistrement au Golden Hall du Musikverein de Vienne.

3ème édition. "Maris Jansons et l'Orchestre Symphonique de la Radio Bavaroise."
Programme : R. Wagner. Introduction et « Mort d'Isolde » de l'opéra « Tristan et Isolde » ; R. Strauss. Suite de valses de l'opéra "Der Rosenkavalier".

4ème numéro. «Daniel Barenboim et le West-Eastern Divan Orchestra».
Au programme : V.A. Mozart. Concerto n°7 en fa majeur pour trois pianos et orchestre. Solistes : Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberg. Variations pour orchestre. G.Verdi. Ouverture de l'opéra "Force du Destin".

5ème numéro. "Vladimir Spivakov et l'Orchestre Philharmonique National de Russie.
Sergueï Prokofiev. Concerto n°3 pour piano et orchestre. Symphonie n°1 "Classique". Soliste Denis Matsuev. Inscrivez vous pour Grand hall Conservatoire de Moscou en 2008.

6ème numéro. "Lorin Maazel et l'Orchestre Symphonique Arturo Toscanini"
Programme : Giacchino Rossini. Ouverture de l'opéra « L'Italien à Alger » ; Johannes Brahms. Symphonie n°2.
Enregistrement dans la Grande Salle du Conservatoire de Moscou.

7ème numéro. Yuri Temirkanov et l'Orchestre Symphonique Académique de la Philharmonie de Saint-Pétersbourg. D.D. Chostakovitch.

8ème numéro. Youri Bashmet et ensemble de chambre"Solistes de Moscou".
Dans un programme : Joseph Haydn- Concerto pour violoncelle et orchestre. Soliste Stephen Isserlis (Grande-Bretagne), Niccolo Paganini - 5 caprices (arrangés par E. Denisov pour violon et orchestre de chambre). le soliste Sergueï Krylov (Italie) ; VIRGINIE. Mozart - Divertissement n°1.
Inscription au BZK.

9ème numéro. Mikhaïl Pletnev et l'Orchestre national russe
L'Orchestre national russe interprétera une suite du ballet de P.I. Tchaïkovski" Le lac des cygnes", compilé par Mikhaïl Pletnev. Enregistrement au Théâtre Bolchoï de Russie dans le cadre du Grand Festival RNO, 2009.

10ème numéro. Valery Gergiev et l'Orchestre Symphonique Théâtre Mariinsky
L'Orchestre Symphonique du Théâtre Mariinsky dirigé par Valery Gergiev interprétera des succès orchestraux - ouvertures d'opéras de Rossini, Verdi, Wagner, valses des ballets de Tchaïkovski, fragments du ballet Roméo et Juliette de Prokofiev.

Itai Talgam

Chef d'orchestre célèbre d'Israël et consultant qui aide les dirigeants des domaines des affaires, de l'éducation, du gouvernement, de la médecine et d'autres domaines à devenir des « chefs d'orchestre » de leurs équipes et à parvenir à l'harmonie grâce à la collaboration.

Itay Talgam soutient que les compétences en leadership sont universelles et que les styles de communication d'un chef d'orchestre avec un orchestre sont à bien des égards similaires à la relation entre un patron et des employés d'une entreprise. Mais il n’existe pas de principe universel pour organiser de telles relations. L'auteur partage ses observations sur les méthodes de gestion d'orchestre observées par les grands chefs d'orchestre et les divise en six catégories conventionnelles.

1. Domination et contrôle : Riccardo Mutti

Le chef d'orchestre italien Riccardo Mutti a le sens du détail et est très méticuleux dans la gestion de l'orchestre tant pendant les répétitions que pendant les représentations. Toutes les nuances du jeu sont concentrées dans sa gestuelle : il avertit les musiciens du changement de ton bien avant qu'ils ne doivent reconstruire. Mutti contrôle chaque étape de ses subordonnés, personne ni rien ne reste sans son attention.

Le contrôle total vient du fait que le chef d'orchestre lui-même ressent la pression de la haute direction : du conseil d'administration ou de l'esprit omniprésent du grand compositeur. Un tel leader est toujours sujet à la condamnation de son surmoi impitoyable.

Le leader dominant est mécontent. Ses subordonnés le respectent mais ne l'aiment pas. Cela a été particulièrement clairement démontré dans l’exemple de Mutti. Il y a eu un conflit entre lui et la direction de l'opéra de Milan La Scala. Le chef d'orchestre a fait part de ses revendications à ses supérieurs et, s'ils n'étaient pas satisfaits, il a menacé de quitter le théâtre. Il espérait que l'orchestre prendrait son parti, mais les musiciens déclaraient une perte de confiance envers le leader. Mutti a dû démissionner.

Selon vous, cette tribune de chef d'orchestre est un trône ? Pour moi c'est île déserte où règne la solitude.

Riccardo Mutti

Malgré cela, Riccardo Mutti est considéré comme l'un des les plus grands chefs d'orchestre XXe siècle. Itai Talgam raconte que lors des séminaires sur la gestion du personnel, la majorité des étudiants ont déclaré qu'ils ne voudraient pas d'un tel manager. Mais à la question : « Son leadership est-il efficace ? Peut-il forcer ses subordonnés à faire leur travail ? - Presque tout le monde a répondu par l'affirmative.

Un leader dominant ne croit pas à la capacité des salariés à s’auto-organiser. Il assume l'entière responsabilité du résultat, mais exige une obéissance inconditionnelle.

Quand ça marche

Cette tactique est valable s'il y a des problèmes de discipline dans l'équipe. L'auteur donne un exemple tiré de la biographie de Mutti et parle de son expérience de travail avec l'Orchestre Philharmonique d'Israël. C'est une équipe formidable, mais son style de travail s'est formé à l'intersection des cultures européennes, méditerranéennes et du Moyen-Orient. La diversité des traditions a conduit à un manque de discipline formelle au sein de l'orchestre.

A ce moment-là, alors que la baguette de Mutti se figeait dans l'air en prévision des premières notes, l'un des musiciens décida de déplacer sa chaise. Il y eut un craquement. Le chef d’orchestre s’arrêta et dit : « Messieurs, je ne vois pas les mots « craquement d’une chaise » dans ma partition. » A partir de ce moment, seule la musique retentit dans la salle.

Quand ça ne marche pas

Dans tous les autres cas, et notamment lorsque le travail des salariés est lié. Le style de gestion de Mutti élimine la possibilité d'erreurs, qui conduisent souvent à de nouvelles découvertes.

2. Le Parrain : Arturo Toscanini

Le chef d'orchestre vedette Arturo Toscanini a fait preuve d'une participation maximale à la vie de l'orchestre lors des répétitions et sur scène. Il n'a pas mâché ses mots et a réprimandé les musiciens pour leurs erreurs. Toscanini est devenu célèbre non seulement pour son talent de chef d'orchestre, mais aussi pour son tempérament professionnel.

Toscanini prenait à cœur chaque échec de ses subordonnés, car l'erreur de l'un est l'erreur de tout le monde, en particulier du chef d'orchestre. Il était exigeant envers les autres, mais pas plus qu'envers lui-même : il venait aux répétitions à l'avance et ne demandait pas de privilèges. Chaque musicien a compris que le chef d'orchestre était sincèrement préoccupé par le résultat et n'était pas offensé par des insultes pour un jeu imprécis.

Toscanini exigeait un dévouement total de la part des musiciens et attendait une performance impeccable. Il croyait en leur talent et se concentrait sur les concerts. Il était clair à quel point il était fier de sa « famille » après une performance réussie.

Un facteur de motivation important pour les employés d'une telle équipe est le désir de bien travailler « pour leur père ». Ces dirigeants sont aimés et respectés.

Quand ça marche

Dans les cas où l'équipe est prête à accepter les trois principes fondamentaux de la culture familiale : stabilité, empathie et entraide. Il est également important que le manager ait de l'autorité, soit compétent dans son domaine, ait réalisations professionnelles. Un tel leader doit être traité comme un père, il doit donc être plus intelligent et plus expérimenté que ses subordonnés.

Ce principe de management est souvent utilisé lorsque l'équipe traverse des moments difficiles. Pendant la période de renforcement des syndicats grandes entreprises ils introduisent des slogans comme « Nous sommes une seule famille ! La direction s'efforce d'améliorer les conditions de travail, donne aux salariés la possibilité de recevoir l'éducation supplémentaire, organise des événements d'entreprise et offre à ses subordonnés un package social. Tout cela vise à motiver les salariés à travailler pour le bien des patrons qui se soucient d'eux.

Quand ça ne marche pas

Dans certaines organisations modernes, où les relations entre les personnes sont parfois plus importantes que la hiérarchie formelle. Dans de tels groupes, une profonde implication émotionnelle n’est pas impliquée.

Un tel principe de gestion nécessite non seulement l'autorité et la compétence du leader, mais également la capacité des subordonnés à répondre aux attentes placées en eux. Itay Talgam parle de son expérience d'étude avec le chef d'orchestre Mendy Rodan. Il exigeait beaucoup de l'étudiant et percevait chacun de ses échecs comme une défaite personnelle. Cette pression, couplée à des abus, a déprimé l'auteur. Il s'est rendu compte qu'un tel professeur l'aiderait à obtenir un diplôme, mais ne cultiverait pas en lui une personnalité créative.

3. Selon les instructions : Richard Strauss

L’auteur affirme que de nombreux managers présents à ses séminaires n’étaient amusés que par le comportement de Strauss sur scène. Les visiteurs l’ont choisi comme leader potentiel uniquement parce qu’avec un tel patron, ils n’auraient pas à se soucier beaucoup de leur travail. Les paupières du chef d'orchestre sont baissées, lui-même regarde lointain et ne jette qu'occasionnellement un coup d'œil à l'une ou l'autre partie de l'orchestre.

Ce chef d'orchestre n'a pas pour but d'inspirer, il ne fait que retenir l'orchestre. Mais si vous y regardez de plus près, vous comprendrez clairement quelle est la base d'un tel principe de gestion : suivre les instructions. Strauss ne se concentre pas sur les musiciens, mais sur les notes, même si l'orchestre joue son œuvre. Il montre ainsi combien il est important de suivre strictement les règles et d’exécuter clairement le travail, sans permettre ses propres interprétations.

Il faut comprendre que le manque d’interprétations et de découvertes en musique n’est pas une mauvaise chose. Cette approche permet de révéler la structure de l'œuvre et de la jouer comme l'a voulu l'auteur.

Un tel leader fait confiance à ses subordonnés, leur demande de suivre les instructions et estime qu'ils peuvent s'y conformer. Cette attitude flatte et motive les salariés, et ils gagnent en confiance en eux. Le principal inconvénient de cette approche est que personne ne sait ce qui se passera si une situation non spécifiée dans les instructions survient.

Quand ça marche

Un principe de gestion similaire fonctionne dans différents cas. Parfois, c'est aussi confortable que possible pour les professionnels calmes et habitués à travailler conformément à la lettre de la loi. Parfois, fournir aux employés des instructions obligatoires est simplement nécessaire, par exemple lors d'interactions différents groupes subordonnés.

L’auteur donne un exemple de son expérience de travail avec l’orchestre et le groupe de rock Natasha’s Friends. Le problème est survenu parce que les membres du groupe sont arrivés à la fin de la deuxième heure d'une répétition de trois heures. Ils étaient convaincus que rien ne les empêcherait de consacrer le reste de la journée à la musique, sans penser au fait que les répétitions d'orchestre sont soumises à des délais plus stricts.

Quand ça ne marche pas

Le principe de gestion basé sur le respect d'instructions ne fonctionne pas là où il faut encourager la créativité et la création de nouvelles idées. Tout comme l’obéissance absolue au leader, suivre les instructions implique l’absence d’erreurs, conduisant à de nouvelles découvertes. Cela peut également priver les salariés de leur enthousiasme professionnel.

L'auteur donne un exemple tiré de la biographie du chef d'orchestre Leonard Bernstein. L'Orchestre Philharmonique Israélien, sous sa direction, a répété le finale de la symphonie de Mahler. Lorsque le chef d’orchestre donna le signal aux cuivres d’entrer, il y eut un silence en réponse. Bernstein leva les yeux : certains musiciens étaient partis. Le fait est que la fin de la répétition était prévue à 13h00. Il était 13h04.

4. Gourou : Herbert von Karajan

Le maestro Herbert von Karajan ouvre à peine les yeux sur scène et ne regarde pas les musiciens. Il s'attend seulement à ce que ses subordonnés prennent en compte ses souhaits comme par magie. Cela a été précédé travaux préliminaires: Le chef d'orchestre a soigneusement expliqué les nuances du jeu lors des répétitions.

Le Guru n'a pas précisé de calendrier pour les musiciens ni fixé de rythme ; il a seulement écouté attentivement et transmis la douceur et la profondeur du son à l'orchestre. Les musiciens étaient parfaits les uns pour les autres. Ils sont eux-mêmes devenus des chefs d’orchestre interdépendants et ont sans cesse amélioré leurs compétences en jouant ensemble.

Une telle approche témoigne de l’arrogance du leader : il agit en contournant les postulats acceptés et est toujours confiant dans le succès. Dans le même temps, les membres de l'équipe dépendent beaucoup plus les uns des autres que des instructions de la direction. Ils ont le pouvoir d’influencer directement les résultats du travail. Des responsabilités supplémentaires leur sont confiées, donc faire partie d'une telle équipe peut être une épreuve psychologiquement difficile pour certains. Ce style de management s'apparente à la dominance de Mutti dans la mesure où le leader est également indisponible pour le dialogue et impose sa vision de l'organisation à ses subordonnés.

Quand ça marche

Lorsque le travail d’une équipe est lié à la créativité des collaborateurs, par exemple dans le domaine de l’art. artiste américain Sol LeWitt a embauché de jeunes artistes (plusieurs milliers au total), expliqué les concepts et donné quelques conseils. Après quoi, les subordonnés se sont mis à créer sans le contrôle de Levitt. Il était intéressé par le résultat, pas par la soumission dans le processus. Leader raisonnable et sage, il a compris que la créativité commune ne fait qu'enrichir le projet. C'est ce qui a fait de lui l'artiste le plus exposé au monde : tout au long de sa vie, il a réalisé plus de 500 expositions personnelles.

Quand ça ne marche pas

Dans chaque équipe, la pertinence de ce principe de gestion dépend de nombreux facteurs individuels. Cette approche conduit souvent à l'échec, c'est pourquoi, par exemple, Cadbury & Schweppes a créé le Code Cadbury de gouvernance d'entreprise, qui décrit les procédures conçues pour protéger l'entreprise d'un ego managérial excessif et transmettre des informations importantes à tous les participants au processus.

L'auteur raconte également une histoire instructive tirée de sa propre expérience. Il souhaitait commencer son travail avec l'Orchestre Symphonique de Tel Aviv avec une grande innovation. Itai Talgam a divisé la section de cordes en quatuors et a placé les vents entre eux. Il a suggéré que chacun des musiciens puisse ainsi se sentir comme un soliste. L'expérience a été un échec : les participants n'ont pas pu maintenir la communication tout en étant loin les uns des autres, ils ont donc obtenu des résultats extrêmement médiocres.

5. Leader Danse : Carlos Klaiber

Carlos Kleiber danse sur scène : il étend les bras, saute, se penche et se balance d'un côté à l'autre. À d’autres moments, il dirige l’orchestre du bout des doigts, et à d’autres moments, il se tient simplement debout et écoute les musiciens. Sur scène, le chef d'orchestre partage la joie et la multiplie. Il a une vision claire de la forme et dirige les musiciens, mais il ne le fait pas en tant que leader, mais en tant que danseur solo. Il demande constamment à ses subordonnés de participer aux interprétations et n'alourdit pas ses instructions de détails.

Un tel leader gère les processus, pas les personnes. Il offre aux subordonnés un espace pour introduire des innovations et les encourage à créer par eux-mêmes. Les employés partagent le pouvoir et la responsabilité avec le leader. Dans une telle équipe, une erreur peut être facilement corrigée et même transformée en quelque chose de nouveau. Les managers « dansants » valorisent les salariés ambitieux, les préférant à ceux qui sont capables d'effectuer consciencieusement leur travail selon les instructions.

Quand ça marche

Un principe similaire s'applique lorsqu'un employé ordinaire peut disposer d'informations plus pertinentes que son patron. A titre d'exemple, l'auteur cite son expérience de travail avec des agences antiterroristes. Un agent sur le terrain doit être capable de prendre des décisions de manière indépendante, en violant parfois les ordres directs du commandement, car il possède la connaissance la plus complète et la plus à jour de la situation.

Quand ça ne marche pas

Quand les salariés ne s’intéressent pas au sort de l’entreprise. L’auteur affirme également qu’une telle approche ne peut être imposée artificiellement. Cela ne fonctionnera que si vous êtes capable de vous réjouir sincèrement de la réussite de vos collaborateurs et des résultats de leur travail.

6. Trouver du sens : Leonard Bernstein

Le secret de l'interaction de Leonard Bernstein avec l'orchestre n'est pas révélé sur scène, mais en dehors. Le chef d'orchestre n'a pas voulu séparer les émotions, expérience de la vie et les aspirations de la musique. Pour chacun des musiciens, Bernstein n'était pas seulement un leader, mais aussi un ami. Il a invité non pas un professionnel, mais une personne à la créativité : dans ses orchestres, la musique est interprétée, écoutée et composée principalement par des individus, et ensuite seulement par des subordonnés.

Bernstein a joué pour les musiciens question principale: "Pour quoi?" C'était là le point important : il n'obligeait pas les gens à jouer, mais faisait en sorte que la personne elle-même veuille jouer. Chacun avait sa propre réponse à la question de Bernstein, mais chacun se sentait également impliqué dans la cause commune.

Quand ça marche

Un dialogue entre management et salariés et donner du sens à leurs activités profitera à toute organisation où le travail des membres de l’équipe ne se réduit pas à un ensemble d’actions similaires. Une condition importante dans ce cas est que les salariés respectent le leader et le considèrent comme compétent.

Quand ça ne marche pas

Itai Talgam parle d'une situation dans laquelle il a tenté d'appliquer la méthode de Bernstein, mais n'a rencontré qu'un malentendu de la part de ses subordonnés. La raison en était que beaucoup de musiciens orchestre symphonique Tel Aviv était beaucoup plus âgé et ne le connaissait pas du tout. La première répétition ne s’est pas très bien passée. "Quelque chose ne va pas", a déclaré Talgam à l'orchestre. - Je ne sais juste pas quoi. Tempo, intonation, autre chose ? Qu'en penses-tu? Que peut-on réparer ? L'un des musiciens âgés s'est levé et a déclaré : « D'où nous venions, le chef d'orchestre ne nous a pas demandé quoi faire. Il savait quoi faire."

Dans le livre « The Ignorant Maestro », Itai Talgam parle non seulement des principes de gestion des grands chefs d'orchestre, mais révèle également trois qualités importantes leader efficace : ignorance, donner du sens aux vides et écoute motivationnelle. L'auteur parle non seulement de ce que devrait être un leader, mais aussi du rôle des subordonnés dans les communications professionnelles. Il n’existe pas de principe de management universel ; chaque leader efficace le développe de manière indépendante. Et vous pouvez apprendre quelque chose et adopter certaines techniques auprès des six grands chefs d’orchestre décrits dans ce livre.

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D'un geste de la main

Valéry Gergiev. Photo : Michal Dolezal / TASS

Top 5 des chefs d'orchestre russes.

Valéry Guergiev

Les employés d'un magazine réputé sur musique classique une fois décidé de savoir quand dort Maestro Gergiev. Nous avons comparé les horaires des tournées, des répétitions, des vols, des conférences de presse et des réceptions. Et il s’est avéré : jamais. Il s'avère qu'il ne mange pas non plus, ne boit pas, ne voit pas sa famille et, bien sûr, ne se repose pas. Eh bien, l’efficacité est la clé du succès. C'est le seul moyen de devenir l'un des chefs d'orchestre les plus recherchés et les plus populaires au monde, comme Valery Gergiev.

À l’âge de 7 ans, les parents de Valera l’emmènent à l’école de musique. Le garçon avait l'air très inquiet et continuait de regarder par la fenêtre. Bien sûr, il a été distrait du football, et puis les nôtres perdent ! Après avoir écouté, le professeur s'est tourné vers sa mère : « Il me semble qu'il n'a pas d'audition. Peut-être qu’il deviendra Pelé… » Mais on ne peut pas tromper le cœur d’une mère. Elle a toujours su que Valera était un génie et elle l'a fait accepter dans une école de musique. Un mois plus tard, le professeur a repris ses propos. Triomphe jeune musicien, qui a quitté Vladikavkaz pour Leningrad, au conservatoire, a été une victoire au Concours Herbert von Karajan - le plus prestigieux de tous. Depuis lors, Gergiev connaît la valeur des victoires - et, du mieux qu'il peut, il prend soin des jeunes et musiciens talentueux qui se trouvaient à proximité.

A 35 ans, il est le directeur artistique du Théâtre Mariinsky ! C'est impensable : un immense colosse avec deux troupes - un opéra et un ballet - et un excellent orchestre symphonique, hérité de Yuri Temirkanov, est à votre disposition. Et vous pouvez écouter n'importe quelle musique que vous voulez. Même Wagner, si cher à Gergiev. Valery Abisalovich mettra en scène "L'Anneau du Nibelung" dans son théâtre - les quatre opéras, quatre soirs de suite. Aujourd'hui, seul le Théâtre Mariinsky peut le faire.

Mais il existe toujours une concurrence tacite avec Moscou. Ils ont construit une nouvelle scène pour le Bolchoï, l'ont fermée pour reconstruction - et Gergiev en construit une nouvelle à Saint-Pétersbourg salle de concert, sans un seul centime d'État (Mariinsky-3), alors - un luxueux Nouvelle étape Mariinsky-2.

Gergiev a conquis Moscou sérieusement et pour longtemps au début des années 2000, lorsqu'il y a fondé le festival de Pâques et, bien sûr, l'a dirigé. Que se passait-il dans la capitale le dimanche de Pâques ! Bolchaïa Nikitskaïa a été bloquée par la police, à l'approche de la Grande Salle du Conservatoire, il y avait beaucoup de journalistes, ils n'ont pas seulement demandé un billet supplémentaire - ils l'ont arraché des mains pour de l'argent. Les Moscovites aspiraient tellement à de bons orchestres qu'ils étaient prêts à prier Gergiev, qui, avec son orchestre, leur fournissait non seulement de la qualité - il y avait parfois des révélations. Et ainsi, en général, cela continue jusqu'à ce jour. Seulement maintenant, il ne s'agit plus de plusieurs concerts, comme en 2001, mais de 150 - dans toute la Russie et même au-delà de ses frontières. Un homme d'une grande envergure !

Vladimir Spivakov. Photo : Sergueï Fadeichev / TASS

Vladimir Spivakov

Le professeur Yankelevich a donné à l'étudiant talentueux de l'École centrale de musique Volodia Spivakov le violon même avec lequel il fera son carrière musicale. Instrument du maître vénitien Gobetti. Elle a eu une « crise cardiaque » - une incrustation en bois sur sa poitrine, et les luthiers pensaient qu'en fait, cela ne devrait pas sonner. Mais pas avec Spivakov. "Vovochka, c'est bien de vendre des violons avec toi : n'importe quelle casserole commence à sonner au bout de trois minutes", lui a dit un jour le vieil homme. luthier. Bien plus tard, grâce aux efforts de son épouse Sati, Vladimir Teodorovitch obtiendra le précieux Stradivarius. Le violoniste Vladimir Spivakov a conquis le monde avec Gobetti : il a remporté plusieurs concours prestigieux et effectué des tournées dans le monde entier. meilleures scènes planète, sans dédaigner cependant l'outback, y compris russe - le public y attendait aussi.

Le brillant violoniste a conquis le monde entier. Mais au milieu des années 70, au sommet de sa carrière, il commence à étudier le métier de chef d'orchestre. L'aîné de l'école de direction, Lorin Maazel, lui a demandé s'il était devenu fou. Pourquoi a-t-il besoin de cela s'il joue si divinement ? Mais Spivakov était catégorique. Son grand professeur Leonard Bernstein fut tellement captivé par la persévérance et le talent de son élève qu’il lui confia le flambeau. Mais c’est une chose d’apprendre à diriger, et une autre de trouver une équipe pour cela. Spivakov ne l'a pas cherché, il l'a créé : au printemps 1979, l'orchestre de chambre « Virtuoses de Moscou » apparaît. L'orchestre devient rapidement célèbre, mais avant reconnaissance officielle les musiciens devaient répéter la nuit - dans les casernes de pompiers, les bureaux d'habitation et dans le club de l'Académie militaire Frunze. Selon Spivakov lui-même, une fois à Tomsk, l'orchestre a donné trois concerts en une journée : à cinq, sept et neuf heures. Et les auditeurs ont apporté de la nourriture aux musiciens - pommes de terre, tartes, raviolis.

Le voyage jusqu'à la Grande Salle du Conservatoire des Virtuoses de Moscou fut de courte durée : dire que l'orchestre était populaire ne suffit pas, seulement superlatif. A l'instar de son festival de Colmar, en France, il organise un festival à Moscou, où il invite des stars mondiales. Près forces créatrices Une autre ligne est apparue - une ligne caritative, à la Fondation Spivakov, ils savent trouver et soutenir les talents, et les boursiers ne rivalisent qu'avec eux-mêmes (l'un des premiers était Evgeniy Kissin).

Dans les années 2000, Vladimir Teodorovich a créé un autre groupe : l'Orchestre Philharmonique National de Russie. Il est basé à la Maison Internationale de la Musique de Moscou, dont le président est Vladimir Spivakov.

Youri Bashmet. Photo : Valentin Baranovsky / TASS

Youri Bachmet

Voici un homme au destin heureux. Lui, comme Youri Gagarine, est le premier. Bien entendu, il ne circule pas en limousine à toit ouvert dans les rues de notre capitale et de toutes les autres capitales du monde, et les rues et les places ne portent pas son nom. Cependant... Les écoles de musique portent son nom et des fans enthousiastes du monde entier en ont probablement déposé un million à ses pieds. roses rouges- voire plus.

Savait-il quand il était au centre de Lviv école de musique transféré du violon à l’alto, qu’est-ce qui va glorifier cet instrument jusqu’alors considéré comme sans prétention ? Et c'est entièrement la faute des Beatles. On peut dire qu'ils ont donné au monde à la fois l'alto et le Bashmet. Comme tout adolescent, il s'est laissé emporter - à tel point qu'il a constitué son propre groupe et s'est produit pendant les vacances en secret avec ses parents. Et puis il ne savait pas comment admettre qu’il cachait une pile de billets de grosses coupures, alors que ma mère en dépensait un par mois.

Après l'École centrale de musique de Lviv, il entre au Conservatoire de Moscou, se présente au premier concours étranger - il vise directement le prestigieux ARD de Munich (et il n'y en avait pas d'autres à l'alto) et gagne ! Pensez-vous que c'est là que sa carrière a commencé ? Mais pas à la maison. Il a joué en solo dans la Grande Salle du Conservatoire alors que son alto avait déjà été joué à New York, Tokyo et sur les scènes européennes. À Moscou, ils ont respecté la chaîne de commandement : « Comment pouvons-nous vous donner une salle alors que nous avons dans notre personnel des personnes honorées et populaires ? (Peu importe qu'ils soient membres de l'orchestre.)

Vous ne voulez pas sortir avec des programmes solo ? Je vais créer un orchestre. Les fans et les admirateurs ont parcouru toute la Russie pour regarder les « Solistes de Moscou », c'était l'un des meilleurs orchestres de chambre L'URSS. Et puis le son de l'alto a été entendu par des compositeurs qui, par un heureux hasard (20e siècle !), cherchaient de nouveaux moyens d'expression. Ils ont créé une idole pour eux-mêmes et pour le public et ont commencé à écrire de plus en plus d'opus pour l'alto. Aujourd'hui, le nombre d'œuvres qui lui sont consacrées s'élève à des dizaines, et la passion du compositeur ne s'arrête pas : tout le monde veut écrire pour Bashmet.

Yuri Bashmet dirige aujourd'hui deux orchestres (les solistes de Moscou et Nouvelle Russie"), dirige plusieurs festivals (le plus célèbre d'entre eux est le Festival d'hiver de Sotchi), consacre beaucoup de temps au travail avec les enfants : organisation de master classes et travail avec un orchestre symphonique de jeunes, où, bien sûr, le meilleur des meilleur jeu.

Youri Temirkanov. Photo : Alexandre Kourov / TASS

Youri Temirkanov

Sergueï Prokofiev avait-il deviné que le petit garçon, fils du chef du Comité des arts de Kabardino-Balkarie (il s'est occupé de la « force d'atterrissage » musicale de Moscou lors de l'évacuation), deviendrait l'un des meilleurs chefs d'orchestre de la région ? monde? Et en plus, un admirateur passionné de la propre musique de Prokofiev : Yuri Temirkanov a non seulement interprété les partitions célèbres du compositeur, mais a également fait revivre celles oubliées. Ses interprétations des symphonies de Chostakovitch ou des opéras de Tchaïkovski sont considérées comme des standards et s'orientent vers elles. Son orchestre - avec un nom long, qui dans le langage courant s'est transformé en "Mérite" (de l'ensemble honoré de Russie - l'Orchestre symphonique académique de la Philharmonie de Saint-Pétersbourg du nom de D. D. Chostakovitch) - est entré dans le classement. les meilleurs orchestres paix.

À l'âge de 13 ans, Temirkanov est venu à Leningrad et s'est associé à cette ville. L'École centrale de musique du Conservatoire, le conservatoire lui-même, d'abord le département d'orchestre, puis le département de direction, avec le légendaire Ilya Musin. Sa carrière se développe rapidement : après le conservatoire, il fait ses débuts au Maly Opéra(Mikhailovsky), l'année suivante, il remporte le concours et part en tournée - en Amérique - avec Kirill Kondrashin et David Oistrakh. Il dirige ensuite l'Orchestre Philharmonique de Léningrad et devient en 1976 le chef d'orchestre du Théâtre Kirov. Où il a créé ces interprétations très classiques des opéras de Tchaïkovski et a lui-même mis en scène l’une d’entre elles – « La Dame de pique ». Valery Gergiev, d'ailleurs, a récemment restauré cette production et l'a ramenée sur la scène Mariinsky. En 1988, c'est un sujet de fierté particulière pour le chef d'orchestre : il a été choisi - et non nommé « d'en haut » ! - chef d'orchestre de ce même « Mérite », puis directeur artistique de la Philharmonie de Saint-Pétersbourg.

Algis Juraitis. Photo : Alexandre Kosinets / TASS

Algis Juraitis

Artiste du peuple de Russie, lauréat du Prix d'État de l'URSS, Algis Zhuraitis a vécu 70 ans et a travaillé pendant 28 ans le meilleur théâtre grand pays- Grand. Originaire de Lituanie, il est diplômé du Conservatoire de Vilnius (puis a suivi une autre formation au Conservatoire de Moscou) et a fait ses débuts au Théâtre d'opéra et de ballet de Lituanie. Le talentueux chef d'orchestre fut rapidement remarqué dans la capitale - et Zhuraitis reçut une place à Moscou : il fut d'abord chef assistant de l'Orchestre Symphonique du Bolchoï de la Radio All-Union, puis chef d'orchestre du Mosconcert et, enfin, en 1960, il termina au Théâtre Bolchoï.

Zyuraitis est devenu célèbre grâce à son travail avec Yuri Grigorovich : le célèbre chorégraphe a réalisé la plupart des représentations du Bolchoï avec Zhiuraitis, dont le légendaire « Spartacus ».

Le chef d'orchestre a acquis une renommée scandaleuse grâce à son article dans le journal Pravda, consacré à la performance expérimentale d'Alfred Schnittke et Yuri Lyubimov. Dame de pique" : à la suite de la publication, la production n'a pas eu de première et a été interdite. Beaucoup plus tard, dans ses interviews, Schnittke suggérera que le secrétaire du Comité central du PCUS pour l'idéologie, Mikhaïl Souslov, connu pour ses intrigues habiles, était à l'origine de la parution de cette publication.

Au cours des 20 dernières années, le chef d'orchestre était marié à la chanteuse Elena Obraztsova. «En un instant, je suis tombé amoureux d'Algis Juraitis. Je ne comprends pas comment cela s'est produit - en une seconde ! Nous revenions d'une tournée et nous nous sommes retrouvés dans le même compartiment... Il n'y a eu aucune provocation de part et d'autre. Nous nous sommes assis et avons discuté. Et soudain, une étincelle s'est allumée entre nous ! Et je ne pourrais plus vivre sans lui.

Le nom d'Herbert von Karajan dans la conscience mondiale est indissociable de Salzbourg. Le chef d'orchestre, né en 1908 à Salzbourg, a façonné pendant des décennies une vie culturelle ville de Mozart et était à la tête des événements.

Sur les traces du chef d'orchestre
En vous promenant dans la ville de Salzbourg, vous vous retrouvez constamment dans des lieux associés à la vie et à l'œuvre du chef d'orchestre exceptionnel. La statue en bronze grandeur nature, située au centre de la vieille ville de Salzbourg, à côté du pont piétonnier Makart, dans le jardin de la Banque Raiffeisen, rappelle Herbert von Karajan. Une inscription sur une plaque dans un bâtiment voisin indique que Karajan est né dans cette maison le 5 avril 1908. La ville de Salzbourg a rendu hommage à son célèbre fils en nommant l'une des places les plus remarquables du quartier des festivals, Herbert von Karajan Platz.

Sa tombe se trouve au cimetière d'Anif, un petit endroit près de la ville de Salzbourg, où Herbert von Karajan a vécu pendant de nombreuses années. Au fil du temps, la tombe est devenue un lieu de pèlerinage pour les admirateurs du talent de Karajan du monde entier.

Herbert von Karajan et le Festival d'été de Salzbourg
Dans les années d’après-guerre, l’ère d’Herbert von Karajan commença à Salzbourg. En 1948, il dirige pour la première fois la production de l'opéra Orphée de Gluck et, en 1956, il est nommé directeur artistique, en 1957, il fait ses débuts en tant que metteur en scène dans l'opéra Fidelio de Beethoven.
En 1960, Herbert von Karajan inaugure le nouveau bâtiment de la Grande Salle des Fêtes du complexe théâtral avec une production de l'opéra Der Rosenkavalier de Richard Strauss et proclame le début d'une nouvelle ère. Même lorsque Karajan, à partir de septembre 1960, n'était plus le seul directeur artistique, mais depuis 1964 il faisait partie du conseil d'administration, il restait toujours celui qui tenait entre ses mains les fils de l'entreprise et prenait les décisions les plus importantes : comme « le dernier « seigneur » autocratique, faisant référence à un dicton dans l'une de ses nécrologies après sa mort en 1989.

En 1967, il fonde le Festival de Pâques de Salzbourg qu'il dirige jusqu'à sa mort : il monte chaque année une production d'opéra en collaboration avec l'Orchestre Philharmonique de Berlin, mis à disposition par le Sénat de Berlin, puis organise des concerts à Salzbourg pendant la Sainte Trinité.

L'ère de Karajan
Karajan a contribué à la fourniture de Salzbourg Festival d'été statut international. Si dans les décennies précédentes l'Ensemble de Vienne était en tête de la distribution Opéra d'État, Salzbourg est désormais devenue un lieu de rencontre pour les stars mondiales multilingues qui, comme artistes gratuits sentez-vous chez vous sur des scènes célèbres de Milan à New York.

Cela a commencé à attirer de nombreux invités étrangers.
Le chef d'orchestre pendant de nombreuses décennies consécutives, comme personne d'autre, a non seulement personnifié la scène musicale, mais a également accéléré le développement de la documentation musicale. DANS dernières années Tout au long de sa vie, avec beaucoup d'intérêt et d'énergie - principalement sous sa propre direction d'orchestre - il a rassemblé et documenté des chefs-d'œuvre musicaux pour le monde entier.