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Qui est l'auteur du tableau La Cène ? Où est la "Cène" de Léonard de Vinci - la célèbre fresque

Léonard de Vinci est la personnalité la plus mystérieuse et la moins étudiée des années passées. Certains lui attribuent un don de Dieu et le canonisent comme saint, tandis que d'autres, au contraire, le considèrent comme un athée qui a vendu son âme au diable. Mais le génie du grand Italien est indéniable, puisque tout ce que la main du grand peintre et ingénieur a jamais touché était instantanément rempli d'un sens caché. Aujourd'hui, nous parlerons de œuvre célèbre"La Cène" et les nombreux secrets qu'elle cache.

Localisation et histoire de la création :

La célèbre fresque se trouve dans l'église Santa Maria delle Grazie, située sur la place du même nom à Milan. Ou plutôt sur un des murs du réfectoire. Selon les historiens, l'artiste a spécifiquement représenté sur la photo exactement la même table et les mêmes plats qui se trouvaient dans l'église à cette époque. Par cela, il a essayé de montrer que Jésus et Judas (le bien et le mal) sont beaucoup plus proches des gens qu'il n'y paraît.

Le peintre reçut la commande de peindre cette œuvre de son mécène, le duc de Milan Ludovico Sforza, en 1495. Le souverain était célèbre pour sa vie dissolue et jeunesseétait entouré de jeunes bacchantes. La situation n'a pas changé du tout, car le duc avait une épouse belle et modeste, Béatrice d'Este, qui aimait sincèrement son mari et, en raison de sa douceur, ne pouvait pas contredire son mode de vie. Il faut admettre que Ludovico Sforza vénérait sincèrement sa femme et lui était attaché à sa manière. Mais le duc dissolu n'a ressenti le véritable pouvoir de l'amour qu'au moment de la mort subite de sa femme. Le chagrin de l'homme était si grand qu'il n'a pas quitté sa chambre pendant 15 jours. Et quand il est sorti, la première chose qu'il a faite a été de commander une fresque à Léonard de Vinci, ce que sa défunte épouse avait demandé un jour, et a arrêté pour toujours tout divertissement à la cour.

Sur la photo, l'église de Santa Maria delle Grazie.

Les travaux furent achevés en 1498. Ses dimensions étaient de 880 sur 460 cm. De nombreux connaisseurs du travail de l'artiste ont convenu que "La Cène" peut être mieux vue si vous vous déplacez de 9 mètres sur le côté et montez de 3,5 mètres. De plus, il y a quelque chose à voir. Déjà du vivant de l'auteur, la fresque était considérée comme sa meilleur travail. Cependant, qualifier le tableau de fresque serait incorrect. Le fait est que Léonard de Vinci a écrit l'œuvre non pas sur du plâtre humide, mais sur du plâtre sec, afin de pouvoir l'éditer plusieurs fois. Pour ce faire, l’artiste a appliqué une épaisse couche de tempera à l’œuf sur le mur, qui n’a ensuite pas rendu service, commençant à s’effondrer à peine 20 ans après la peinture du tableau. Mais plus là-dessus plus tard.

La photo montre la Cène au réfectoire.

Idée de la pièce :

« La Cène » représente le dernier dîner de Pâques de Jésus-Christ avec ses disciples et apôtres, célébré à Jérusalem à la veille de son arrestation par les Romains. Selon les Écritures, Jésus a déclaré lors d'un repas qu'un des apôtres le trahirait. Léonard de Vinci a tenté de décrire la réaction de chacun des élèves à la phrase prophétique du Maître. Pour ce faire, il s'est promené dans la ville, a parlé avec des gens ordinaires, les a fait rire, les a bouleversés et les a encouragés. Et en même temps il observait les émotions sur leurs visages. Le but de l'auteur était de décrire le célèbre dîner d'un point de vue purement humain. C'est pourquoi il a représenté toutes les personnes présentes en rangée et n'a dessiné d'auréole au-dessus de la tête de personne (comme d'autres artistes aimaient le faire).

Sur la photo : esquisse de la Cène

1. Selon les historiens, Léonard de Vinci a eu le plus de mal à écrire deux personnages : Jésus et Judas. L'artiste a essayé d'en faire l'incarnation du bien et du mal, c'est pourquoi il n'a pas pu trouver de modèles appropriés pendant longtemps. Un jour, un Italien a vu chorale d'église un jeune chanteur - si spirituel et pur qu'il ne reste plus aucun doute : le voici - le prototype de Jésus pour sa « Cène ». Mais, malgré le fait que l'image du Maître ait été peinte, Léonard de Vinci l'a longtemps corrigée, la jugeant insuffisamment parfaite.

Le dernier personnage non écrit de l’image était Judas. L'artiste a passé des heures à errer dans les pires endroits, à la recherche d'un modèle à peindre parmi les personnes dégradées. Et maintenant, presque 3 ans plus tard, il a eu de la chance. Un type absolument dégénéré gisait dans un fossé, en état d'ébriété grave. L'artiste a ordonné qu'il soit amené à l'atelier. L’homme pouvait à peine se tenir debout et n’avait aucune idée de l’endroit où il se trouvait. Cependant, après que l'image de Judas ait été peinte, l'ivrogne s'est approché du tableau et a admis qu'il l'avait déjà vu auparavant. À la stupéfaction de l’auteur, l’homme a répondu qu’il y a trois ans, il était complètement différent, qu’il menait une vie correcte et qu’il chantait dans la chorale de l’église. C'est alors qu'un artiste l'a approché avec une proposition de peindre le Christ d'après lui. Ainsi, selon les historiens, Jésus et Judas ont été copiés sur la même personne en différentes périodes sa vie. Cela souligne une fois de plus le fait que le bien et le mal sont si proches que parfois la frontière entre eux est imperceptible.

À propos, pendant qu'il travaillait, Léonard de Vinci était distrait par l'abbé du monastère, qui pressait constamment l'artiste et affirmait qu'il devait peindre un tableau pendant des jours et ne pas rester pensif devant lui. Un jour, le peintre n'a pas pu le supporter et a promis à l'abbé de lui radier Judas s'il ne cessait pas d'interférer dans le processus créatif.

La photo montre Jésus et Marie-Madeleine.

2. Le secret le plus discuté de la fresque est la figure du disciple situé à la droite du Christ. On pense qu'il ne s'agit que de Marie-Madeleine et sa localisation indique qu'elle n'était pas la maîtresse de Jésus, comme on le croit généralement, mais son épouse légale. Ce fait est confirmé par la lettre « M », formée par les contours des corps du couple. Apparemment, cela signifie le mot « Matrimonio », qui signifie « mariage ». Certains historiens contestent cette affirmation et insistent sur le fait que la signature de Léonard de Vinci – la lettre « V » – est visible sur le tableau. La première affirmation est étayée par la mention que Marie-Madeleine a lavé les pieds du Christ et les a séchés avec ses cheveux. Selon les traditions, seule une épouse légale pouvait le faire. De plus, on pense que la femme était enceinte au moment de l’exécution de son mari et qu’elle a ensuite donné naissance à une fille, Sarah, qui a marqué le début de la dynastie mérovingienne.

3. Certains chercheurs affirment que la disposition inhabituelle des étudiants sur la photo n’est pas fortuite. On dit que Léonard de Vinci plaçait les gens selon... les signes du zodiaque. Selon cette légende, Jésus était Capricorne et sa bien-aimée Marie-Madeleine était vierge.

Sur la photo, Marie-Madeleine

4. Il est impossible de ne pas mentionner le fait que lors des bombardements de la Seconde Guerre mondiale, un obus qui a touché le bâtiment de l'église a presque tout détruit sauf le mur sur lequel la fresque était représentée. Cependant, non seulement les gens eux-mêmes ne se sont pas occupés du travail, mais ils l'ont également traité d'une manière véritablement barbare. En 1500, une inondation dans l'église causa des dommages irréparables au tableau. Mais au lieu de restaurer le chef-d’œuvre, les moines firent en 1566 une porte dans le mur représentant la Cène, qui « coupait » les jambes des personnages. Un peu plus tard, les armoiries milanaises furent accrochées au-dessus de la tête du Sauveur. Et à la fin du XVIIe siècle, le réfectoire est transformé en écurie. La fresque déjà délabrée était recouverte de fumier, et les Français rivalisaient : qui frapperait la tête de l'un des apôtres avec une brique. Cependant, La Cène avait aussi des fans. Le roi de France François Ier fut tellement impressionné par l'œuvre qu'il réfléchit sérieusement à la manière de la transporter jusqu'à son domicile.

La photo montre la fresque de la Cène.

5. Non moins intéressantes sont les réflexions des historiens sur la nourriture représentée sur la table. Par exemple, près de Judas, Léonard de Vinci a représenté une salière renversée (qui a toujours été considérée comme mauvais présage), ainsi qu'une assiette vide. Mais le plus gros point de controverse reste le poisson sur la photo. Les contemporains ne peuvent toujours pas s'entendre sur ce qui est peint sur la fresque - un hareng ou une anguille. Les scientifiques estiment que cette ambiguïté n’est pas fortuite. L'artiste spécialement crypté dans le tableau sens caché. Le fait est qu'en italien « anguille » se prononce « aringa ». Nous ajoutons une lettre supplémentaire et nous obtenons un mot complètement différent - « aringa » (instruction). Dans le même temps, le mot « hareng » se prononce dans le nord de l'Italie comme « renga », ce qui signifie « celui qui nie la religion ». Pour l’artiste athée, la seconde interprétation est plus proche.

Comme vous pouvez le constater, dans une seule image se cachent de nombreux secrets et euphémismes que plus d’une génération a eu du mal à découvrir. Beaucoup d’entre eux resteront sans solution.

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Il est difficile de rencontrer au moins un croyant qui ne connaît pas l'icône de la Dernière Cène. Les croyants qui vont régulièrement à l'église l'ont vue à plusieurs reprises au-dessus de l'entrée principale. Ceux qui ne visitent pas les lieux saints connaissent cette image de la fresque de Léonard de Vinci. De nombreux croyants orthodoxes s'intéressent à l'aide de l'icône de la Cène et à sa signification sémantique.

La signification de l'icône de la Cène

Cette icône représente histoire biblique, qui décrit certains des derniers jours Fils de Dieu avant la crucifixion. Il a invité tous ses disciples à dîner et leur a offert du pain, symbole de son corps qui souffre pour les péchés, ainsi que du vin, qui représente le sang de Jésus, avec lequel il expie la chute de tous les croyants. Ces deux attributs devinrent bientôt la base du sacrement ecclésial de communion.

La Cène a un symbolisme caché. Il agit comme une bannière de foi juste et d’unité de toute la race humaine. Les scientifiques ont découvert que Jésus accomplissait un ancien rituel juif lors du dîner. Ce faisant, il n’a pas rejeté les anciennes traditions, mais il les a également améliorées. Ainsi, il a été montré que l'on peut servir le Seigneur sans se séparer des gens, mais au contraire en interagissant complètement avec eux.

Personne ne sait exactement quand c'est arrivé souper secret, où ils apprirent la trahison de Judas. Mais ce n'est pas si important. Le message principal de cette icône est que les chrétiens orthodoxes acceptent le sacrifice du Christ, le transmettent à travers leur âme et s'unissent à Lui.

Pour quoi les gens prient-ils dans l'icône de la Dernière Cène ?

Si un croyant souhaitait ajouter une belle icône à son iconostase, une image avec la Dernière Cène conviendrait à ce rôle. L'icône de la Cène n'a pas d'importance où vous l'accrochez dans la maison. Mais l'endroit le plus approprié est considéré comme la salle à manger, où l'on prend les repas, ou la cuisine, où la nourriture est préparée.

Articles utiles :

Comment cette image aide-t-elle :

vous donne l'opportunité de parler à Dieu et de lui parler de vos difficultés ;
envoie des bénédictions pour la cuisine ;
avant et après avoir mangé, la prière devant l'icône signifie la gratitude pour l'opportunité de manger ;
dans l'église, ils prient devant elle pour obtenir la permission de recevoir les Saints Dons ;
Souvent, devant cette icône, ils demandent pardon pour la chute.

L'icône de la Cène est tellement vénérée dans l'Orthodoxie qu'elle est placée au-dessus des images Sainte Mère de Dieu et le Sauveur. Le jour du souvenir d'un tel sanctuaire tombe toujours le Grand ou Jeudi Saint avant Pâques. C'est ce jour-là que commencent les préparatifs de la fête principale, on se souvient du sacrifice du Christ, du chagrin de sa mort et de la joie de sa résurrection.

Il est d'usage de prier devant cette image avec les mots suivants :

Aujourd'hui, ton souper secret, ô Fils de Dieu, reçois-moi comme participant : je ne dirai pas le secret à tes ennemis, ni ne te donnerai un baiser comme Judas, mais comme un voleur je te confesserai : souviens-toi de moi, Seigneur, dans Ton Royaume.
Que la communion de Tes Saints Mystères ne soit pas pour moi un jugement ou une condamnation, Seigneur, mais pour la guérison de l'âme et du corps. Amen.

Que le Seigneur vous protège !

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Artiste, scientifique, écrivain, ingénieur, architecte, inventeur et humaniste, Vrai homme Renaissance, Léonard près de la ville italienne de Vinci, en 1452. Pendant près de 20 ans (de 1482 à 1499), il « travailla » pour le duc de Milan, Louis Sforza. C’est à cette période de sa vie que fut écrite La Cène. Da Vinci meurt en 1519 en France, où il fut invité par le roi François Ier.

Innovation de composition

L'intrigue du tableau «La Cène» a été utilisée plus d'une fois en peinture. Selon l'Évangile, lors du dernier repas ensemble de Jésus, « il est vrai que l'un de vous me trahira ». Les artistes représentaient généralement les apôtres à ce moment-là rassemblés autour d’une table ronde ou carrée, mais Léonard voulait non seulement montrer Jésus comme le personnage central, mais aussi décrire la réaction de toutes les personnes présentes à la phrase du Maître. Il choisit donc une composition linéaire, permettant de représenter tous les personnages de face ou de profil. Dans la peinture d'icônes traditionnelle avant Léonard, il était également d'usage de représenter Jésus rompant le pain avec Judas et Jean accrochés à la poitrine du Christ. Avec cette composition, les artistes ont tenté de souligner l'idée de trahison et de rédemption. Da Vinci a également violé ce canon.

Les toiles représentant la Cène ont été peintes de manière traditionnelle par Giotto, Duccio et Sassetta.

Léonard fait de Jésus-Christ le centre de la composition. La position dominante de Jésus est soulignée par l'espace vide autour de lui, les fenêtres derrière lui, les objets devant le Christ sont ordonnés, tandis que le chaos règne sur la table devant les apôtres. Les apôtres sont divisés en « trois » par l'artiste. Bartholomew, Jacob et Andrew sont assis à gauche, Andrey a levé les mains dans un geste indiquant un déni. Viennent ensuite Jude, Pierre et Jean. Le visage de Judas est caché dans l'ombre, dans ses mains se trouve un sac en toile. La féminité de la figure et du visage de Jean, évanoui à la suite de la nouvelle, a conduit de nombreux interprètes à suggérer qu'il s'agissait de Marie-Madeleine et non de l'apôtre. Thomas, Jacques et Philippe sont assis derrière Jésus, ils sont tous tournés vers Jésus et, pour ainsi dire, attendent de lui des éclaircissements, dernier groupe– Matthieu, Thaddeus et Simon.

L'intrigue de l'œuvre « Da Vinci Code » de Dan Brown est largement basée sur la similitude de l'apôtre Jean avec une femme.

Légende de Judas

Afin de peindre avec précision les émotions qui ont saisi les apôtres, Léonard a non seulement réalisé de nombreux croquis, mais également des modèles soigneusement sélectionnés. Le tableau, mesurant 460 sur 880 centimètres, a été peint sur trois ans, de 1495 à 1498. La première à être peinte fut la figure du Christ, pour laquelle, selon la légende, posait un jeune chanteur au visage spirituel. Jude devait être écrit en dernier. Pendant longtemps, Da Vinci n'a pas pu trouver une personne dont le visage porterait le cachet correspondant du vice, jusqu'à ce que la chance lui sourie et qu'il rencontre, dans l'une des prisons, un homme assez jeune, mais dégénéré et apparemment extrêmement dépravé. Après avoir fini Judas avec lui, le modèle :
- Maître, vous ne vous souvenez pas de moi ? Il y a plusieurs années, vous avez peint le Christ de ma part pour cette fresque.
De sérieux critiques d’art réfutent la véracité de cette légende.

Enduits secs et restaurations

Avant Léonard de Vinci, tous les artistes peignaient des fresques sur du plâtre humide. Il était important de finir le tableau avant qu’il ne sèche. Puisque Léonard voulait écrire soigneusement et minutieusement les moindres détails, ainsi que les émotions des personnages, il a décidé de peindre « La Cène » sur du plâtre sec. Il a d'abord recouvert le mur d'une couche de résine et de mastic, puis de craie et de détrempe. La méthode ne se justifiait pas, même si elle permettait à l'artiste de travailler avec le degré de détail dont il avait besoin. Quelques décennies seulement s’étaient écoulées avant que la peinture ne commence à s’effriter. Les premiers dégâts sérieux ont déjà été signalés en 1517. En 1556, le célèbre historien de l'art Giorgio Vasari affirma que la fresque avait été endommagée.

En 1652, le tableau fut barbarement endommagé par une porte réalisée en bas au centre de la fresque. Seulement grâce à ce qui a été fait avant artiste inconnu des copies du tableau peuvent désormais être vues non seulement avec les détails originaux perdus à cause de la destruction du plâtre, mais aussi avec la partie détruite. Depuis le XVIIIe siècle, de nombreuses tentatives ont été faites pour conserver et restaurer la grande œuvre, mais toutes n'ont pas profité à la peinture. Un exemple frappantà cela se trouve le rideau avec lequel la fresque a été fermée en 1668. Cela provoquait une accumulation d’humidité sur le mur, ce qui faisait que la peinture s’écaillait encore plus. Au XXe siècle, tout le monde a été jeté au secours de la création. réalisations modernes Les sciences. De 1978 à 1999, le tableau a été fermé au public et des restaurateurs ont travaillé dessus, essayant de minimiser les dommages causés par la saleté, le temps et les efforts des anciens « gardiens » et de stabiliser le tableau contre une destruction ultérieure. À cette fin, le réfectoire a été scellé autant que possible et un environnement artificiel y a été maintenu. Depuis 1999, les visiteurs sont autorisés à assister à la Cène, mais uniquement sur rendez-vous pour une durée maximale de 15 minutes.

Le tableau de Léonard de Vinci "La Cène" anticipe nouvelle étape développement art italien- Haute Renaissance.

L'espace illusoire prolonge visuellement l'espace réel du réfectoire. Les plans des parois latérales et du plafond s'étendant dans les profondeurs agissent comme une continuation illusoire des murs et du plafond du réfectoire, mais ne coïncident pas complètement avec eux en raison de leur perspective spatiale quelque peu forcée. De plus, la table avec les personnages assis derrière elle est située légèrement au-dessus du niveau du sol du réfectoire et les personnages ne sont pas représentés en taille réelle, mais légèrement plus grands. Ainsi, l'impression d'unité optique complète des espaces réels et illusoires est éliminée, leur relation se complique, perdant son unicité. L'action sacrée ne se mêle plus aux affaires quotidiennes et quotidiennes et apparaît plus importante et significative.

Plus frappante encore est l’impression d’extrême tension de la collision de l’intrigue que laisse la fresque de Léonard. Ceci est réalisé grâce à une composition soigneusement réfléchie d’une histoire picturale sur l’événement évangélique. Le moment est montré où Jésus vient de prononcer ses paroles : « ... l'un de vous qui mange avec moi me trahira », et donc toutes les trajectoires de composition sont attirées vers sa figure - non seulement le centre optique, mais aussi le centre sémantique de le travail. Solitaire et isolé du reste, en outre souligné par l'image d'une fenêtre derrière le dos du Christ, tombant au centre de la convergence des lignes de perspective, sa figure agit comme un signe de calme inébranlable et de confiance inébranlable dans l'exactitude du chemin choisi. Les « pauses » spatiales de chaque côté d’elle sont visuellement lues comme l’image d’un silence véritablement « mortel » qui a immédiatement suivi ses paroles, laissant place à une discorde d’exclamations ahuries et à l’unisson sonnant « n’est-ce pas moi ?

Chacune des figures des apôtres représente un certain type d’expression, utilisant le langage des expressions faciales et des gestes pour personnifier la perplexité, la colère et la peur. Pour rassembler toute cette diversité mouvements émotionnels, Léonard soumet l'image à une stricte discipline de composition. Vous pouvez remarquer que les apôtres sont réunis en groupes de trois chacun, c'est pourquoi, contrairement les uns aux autres, leurs figures reçoivent une expressivité supplémentaire. Avec ce principe de regroupement compositionnel, le rythme interne de l'action se révèle avec une clarté étonnante, de plus, il a la possibilité de se développer dans le temps. En fait, chaque groupe représente une certaine étape de compréhension des paroles entendues de l'Enseignant. Une explosion d'émotions, dont l'épicentre est au centre de la table, là où Jésus est assis, sous forme d'écho faiblissant atteint les extrémités de la table, d'où, par les gestes des apôtres assis à ses extrémités, il revient à son point de départ : la figure du Christ.

Secrets de la fresque de Léonard de Vinci "La Cène"

Église de Santa Maria delle Grazie.

Dans l'un des coins tranquilles de Milan, perdue dans le lacis des rues étroites, se dresse l'église de Santa Maria della Grazie. A côté, dans un bâtiment de réfectoire discret, un chef-d'œuvre des chefs-d'œuvre - la fresque "La Cène" de Léonard de Vinci - vit et étonne les gens depuis plus de 500 ans.

La composition de « La Cène » de Léonard de Vinci a été commandée par le duc Lodovico Moro, qui dirigeait Milan. Dès sa jeunesse, évoluant dans un cercle de bacchantes joyeuses, le duc est devenu si corrompu que même une jeune créature innocente sous la forme d'une épouse calme et brillante était incapable de détruire ses penchants destructeurs. Mais, même si le duc passait parfois, comme auparavant, des journées entières en compagnie d'amis, il éprouvait une affection sincère pour sa femme et vénérait simplement Béatrice, voyant en elle son ange gardien.

Lorsqu'elle est décédée subitement, Lodovico Moro s'est senti seul et abandonné. Désespéré, ayant brisé son épée, il ne voulut même pas regarder les enfants et, s'éloignant de ses amis, languit seul pendant quinze jours. Puis, faisant appel à Léonard de Vinci, qui n'était pas moins attristé par ce décès, le duc se précipita dans ses bras. Sous l'impression du triste événement, Léonard a conçu son œuvre la plus célèbre - "La Cène". Par la suite, le souverain milanais devint un homme pieux et mit fin à toutes les vacances et divertissements, qui distrayaient constamment le grand Léonard de ses études.
Réfectoire du monastère avec fresque de Léonard de Vinci, après restauration
Dernière Cène

Pour sa fresque sur le mur du réfectoire du monastère de Santa Maria della Grazie, de Vinci a choisi le moment où le Christ dit à ses disciples : « En vérité, je vous le dis, l'un de vous me trahira. »
Ces mots précèdent le point culminant des sentiments, Le point le plus élevé l'intensité des relations humaines, la tragédie. Mais la tragédie n’est pas seulement celle du Sauveur, c’est aussi la tragédie de Lui-même. Haute Renaissance, lorsque la foi en une harmonie sans nuages a commencé à s'effondrer et que la vie ne semblait plus si sereine.

La fresque de Léonard est remplie non seulement personnages bibliques, ce sont aussi des géants de la Renaissance - libres et beaux. Mais maintenant, ils sont confus...

"L'un de vous me trahira..." - et le souffle glacial du destin inévitable toucha chacun des apôtres. Après ces paroles, des sentiments variés se sont exprimés sur leurs visages : certains étaient étonnés, d'autres indignés, d'autres encore attristés. Le jeune Philippe, prêt au sacrifice de soi, s'inclina devant le Christ, Jacob leva les mains dans une perplexité tragique, Pierre, qui attrapa le couteau, était sur le point de se précipiter sur le traître, main droite Judas tient une bourse contenant des pièces d'argent fatales...

Pour la première fois en peinture, la gamme de sentiments la plus complexe trouve une réflexion aussi profonde et subtile.
Tout dans cette fresque est réalisé avec une vérité et un soin incroyables, même les plis de la nappe recouvrant la table semblent réels.

Chez Léonard, tout comme chez Giotto, toutes les figures de la composition sont situées sur la même ligne : face au spectateur. Le Christ est représenté sans auréole, les apôtres sans leurs attributs qui les caractérisaient sur tableaux anciens. Ils expriment leur anxiété émotionnelle à travers leurs expressions faciales et leurs mouvements.

« La Cène » est l’une des grandes créations de Léonard, dont le sort s’est avéré très tragique. Quiconque a vu cette fresque de nos jours éprouve un sentiment de chagrin indescriptible à la vue des terribles pertes que le temps inexorable et la barbarie humaine ont infligées au chef-d'œuvre. En attendant, combien de temps, combien de travail inspiré et l'amour le plus ardent Léonard de Vinci a investi dans la création de son œuvre !

On dit qu'on le voyait souvent, abandonnant brusquement tout ce qu'il faisait, courant au milieu de la journée, dans la chaleur la plus intense, vers l'église Sainte-Marie pour tracer une seule ligne ou corriger les contours de la Cène. Il était tellement passionné par son travail qu'il écrivait sans cesse, y restait assis du matin au soir, oubliant la nourriture et les boissons.

Il arrivait cependant que pendant plusieurs jours il ne prenait pas du tout son pinceau, mais même ces jours-là il restait deux ou trois heures au réfectoire, se livrant à ses réflexions et examinant les figures déjà peintes. Tout cela irritait grandement le prieur du monastère dominicain, à qui (comme l'écrit Vasari) « il semblait étrange que Léonard reste plongé dans la pensée et la contemplation pendant une bonne moitié de la journée. Il voulait que l'artiste ne lâche pas ses pinceaux, tout comme on ne s'arrête pas de travailler dans le jardin. L'abbé se plaignit lui-même auprès du duc, mais celui-ci, après avoir écouté Léonard, déclara que l'artiste avait mille fois raison. Comme Léonard lui a expliqué, l'artiste crée d'abord dans son esprit et son imagination, puis capture sa créativité intérieure avec un pinceau.

Léonard a soigneusement choisi des modèles pour les images des apôtres. Il se rendait chaque jour dans ces quartiers de Milan où vivaient les couches inférieures de la société et même les criminels. Là, il cherchait un modèle pour le visage de Judas, qu'il considérait comme le plus grand scélérat du monde.

En effet, à cette époque, Léonard de Vinci se retrouvait dans les diverses pièces villes. Dans les tavernes, il s'asseyait à table avec les pauvres et leur disait différentes histoires- parfois drôle, parfois triste et triste, et parfois effrayant. Et il regardait attentivement les visages des auditeurs lorsqu'ils riaient ou pleuraient. Remarquer tout expression intéressante sur leurs visages, il l'a immédiatement esquissé rapidement.

L'artiste n'a pas prêté attention au moine agaçant, qui a crié, s'est mis en colère et s'est plaint auprès du duc. Cependant, lorsque l'abbé du monastère recommença à déranger Léonard, il déclara que s'il ne trouvait rien de mieux pour la tête de Judas, et « ils le précipiteraient, alors il utiliserait la tête de cet abbé si intrusif et impudique ». comme modèle. »

Toute la composition de « La Cène » est imprégnée du mouvement suscité par les paroles du Christ. Sur le mur, comme pour le surmonter, l'ancienne tragédie évangélique se déroule devant le spectateur.

Le traître Judas est assis avec les autres apôtres, tandis que les maîtres anciens le représentaient assis séparément. Mais Léonard de Vinci a fait ressortir son sombre isolement de manière beaucoup plus convaincante, enveloppant ses traits d'ombre.

Jésus-Christ est le centre de toute la composition, de tout le tourbillon de passions qui font rage autour de lui. Le Christ de Léonard est un idéal la beauté humaine, rien ne trahit une divinité en lui. Son visage d'une tendresse indicible respire une profonde tristesse, il est grand et touchant, mais il reste humain. De la même manière, la peur, la surprise, l'horreur, vivement représentées par les gestes, les mouvements et les expressions faciales des apôtres, ne dépassent pas l'ordinaire. sentiments humains.

Cela a amené le chercheur français Charles Clément à s’interroger : « En exprimant parfaitement vrais sentiments, Léonard a-t-il donné à sa création toute la puissance qu'exige une telle intrigue ? Da Vinci n'était en aucun cas un chrétien ou un artiste religieux ; la pensée religieuse n'apparaît dans aucune de ses œuvres. Aucune confirmation de cela n'a été trouvée dans ses notes, où il notait systématiquement toutes ses pensées, même les plus secrètes.

Ce que les spectateurs émerveillés virent lorsque, durant l'hiver 1497, ils remplissèrent, à la suite du duc et de sa magnifique suite, le réfectoire simple et austère, était en effet tout à fait différent des tableaux antérieurs de ce genre. Les « peintures » sur le mur étroit en face de l’entrée semblaient ne pas exister du tout. Une petite élévation était visible, et au-dessus d'elle un plafond avec des poutres transversales et des murs, formant (selon le plan de Léonard) une continuation pittoresque de l'espace réel du réfectoire. Sur cette élévation, fermée par trois fenêtres donnant sur Paysage de montagne, une table était représentée - exactement la même que les autres tables du réfectoire monastique. Cette table est recouverte de la même nappe au motif tissé simple qui recouvre les tables des autres moines. On y retrouve les mêmes plats que sur les autres tables.

Le Christ et les douze apôtres sont assis sur cette élévation, fermant les tables des moines par une quadrilatère et célébrant pour ainsi dire leur souper avec eux.

Ainsi, lorsque les moines assis à la table des viandes pouvaient se laisser plus facilement emporter par les tentations du monde, ils devaient montrer, comme enseignement éternel, qu'un traître pouvait s'infiltrer de manière invisible dans le cœur de chacun et que le Sauveur prend soin de chaque brebis perdue. Les moines devaient voir cette leçon sur le mur chaque jour afin que le grand enseignement pénètre plus profondément dans leur âme que les prières.

À partir du centre – Jésus-Christ – le mouvement s'étend en largeur sur les figures des apôtres, jusqu'à ce que, dans sa plus grande tension, il s'appuie sur les bords du réfectoire. Et puis notre regard se précipite à nouveau vers la figure solitaire du Sauveur. Sa tête est éclairée comme par la lumière naturelle du réfectoire. La lumière et l'ombre, se dissolvant dans un mouvement insaisissable, confèrent au visage du Christ une spiritualité particulière.

Mais lors de la création de sa « Cène », Léonard n'a pas pu dessiner le visage de Jésus-Christ. Il a soigneusement peint les visages de tous les apôtres, le paysage devant la fenêtre du réfectoire et les plats sur la table. Après de nombreuses recherches, j'ai écrit à Jude. Mais le visage du Sauveur est resté le seul inachevé sur cette fresque.

Il semblerait que « La Cène » aurait dû être soigneusement préservée, mais en réalité tout s'est passé différemment. Le grand Da Vinci lui-même en est en partie responsable. Lors de la création de la fresque, Léonard a utilisé une nouvelle méthode (il a lui-même inventé) pour apprêter le mur et nouvelle programmation des peintures Cela lui a permis de travailler lentement, par intermittence, en apportant de fréquentes modifications aux parties déjà écrites de l'œuvre. Le résultat s'est d'abord avéré excellent, mais au bout de quelques années, des traces de destruction naissante sont apparues sur le tableau : des taches d'humidité sont apparues, la couche picturale a commencé à se décoller en petites feuilles.

En 1500, trois ans après la rédaction de la Cène, l'eau inonda le réfectoire, touchant la fresque. Dix ans plus tard, une terrible peste frappa Milan et les frères monastiques oublièrent le trésor conservé dans leur monastère. Fuyant un danger mortel, ils n'ont pas pu (peut-être contre leur propre gré) s'occuper correctement de la fresque. En 1566, elle était déjà dans un état très pitoyable. Les moines ont découpé une porte au milieu du tableau, qui servait à relier le réfectoire à la cuisine. Cette porte a détruit les jambes du Christ et de certains des apôtres, puis le tableau a été défiguré par un énorme emblème d'État fixé au-dessus de la tête même de Jésus-Christ.

Par la suite, soldats autrichiens et français semblaient rivaliser de vandalisme pour détruire ce trésor. DANS fin XVIII siècle, le réfectoire du monastère fut transformé en écurie, les fumées du fumier de cheval recouvraient les fresques d'une épaisse moisissure, et les soldats entrant dans l'écurie s'amusaient à jeter des briques sur la tête des apôtres.

Mais même dans son état de délabrement, « La Cène » laisse une impression indélébile. Le roi de France François Ier, qui s'empara de Milan au XVIe siècle, fut ravi de la Cène et voulut la transporter à Paris. Il offrait beaucoup d'argent à quiconque trouvera un moyen transporter ces fresques en France. Et il a abandonné ce projet uniquement parce que les ingénieurs ont abandonné devant la difficulté de cette entreprise.