Les tableaux de Watteau. Antoine-Jean inaugure une nouvelle ère dans la peinture : le rococo. Watteau, Jean-Antoine

Antoine Watteau(Jean Antoine Watteau) - grand artiste français. Considéré comme l'un des fondateurs du style rococo.

Antoine Watteau est né le 10 octobre 1684 à Valenciennes, France. Vers 1702, il s'installe à Paris. Pendant longtemps a travaillé comme copiste de peintures. Il étudie auprès d'artistes tels que Claude Gillot et Claude Audran. Grande influence la créativité a influencé sa peinture. Au début de sa carrière, il peint des tableaux de genre de bataille, mais il commence ensuite à s'intéresser de plus en plus aux scènes de genre.

Les œuvres d'Antoine Watteau sont empreintes d'une ambiance particulière, pièce de théâtre, ironie et lyrisme. Éléments caractéristiques car les tableaux de Watteau sont l'expressivité des poses et des gestes, combinaisons délicates couleurs. Contrairement à l'art cérémoniel et officiel, très demandé au XVIIIe siècle, ses peintures étaient assez simples et donc extrêmement charmantes.

Les chercheurs de l'œuvre d'Antoine Watteau soulignent l'influence incontestable de l'art de Rubens sur le style de l'artiste. Un sens particulier de la couleur rend ses peintures fabuleuses et enchanteresses. En regardant les peintures de Watteau, on peut être surpris de voir à quel point sa peinture est légère et libre. Le pinceau de l'artiste est à la fois aérien et énergique. Les images claires sont entourées d’une atmosphère particulière qui favorise la contemplation. Le coloriste exceptionnel a su transmettre l'humeur, l'émotion et l'excitation tremblante.

Le grand artiste français Antoine Watteau est décédé le 18 juillet 1721 à Nogent-sur-Marne, en France. Malgré le fait que le principal période créative Watteau ne couvre que 10 à 12 ans, il a réussi à créer de nombreux chefs-d'œuvre époustouflants, qui sont aujourd'hui les plus connus. musées célèbres monde - Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg, musée national Suède, Musée beaux-Artsà Boston, la Dresden Gallery, la National Gallery de Londres, le Metropolitan Museum of Art de New York, le Louvre et d'autres.

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Peintures d'Antoine Watteau

Portrait de Watteau (artiste Rosalba Carriera)

Acteurs de la Comédie Française

Acteurs de la Comédie Française

Arlequin et Colombine

Vacances à Venise

Enseigne de magasin de Gersen

Situation difficile

Watteau est né dans la petite ville flamande de Valenciennes le 10 octobre 1684. Lui donne ses premiers cours de peinture artiste local Gerin, dans l'atelier duquel le jeune Watteau copiait des œuvres de Rubens, Van Dyck et d'autres peintres flamands célèbres. Les études du jeune homme ne durent pas longtemps ; les leçons de Gérin n’apportent pas grand-chose à l’artiste en herbe, mais l’encouragent à se lancer plus sérieusement dans la peinture.

Paris

Vers 1700, Watteau se rend à Paris, n'ayant ni moyens de subsistance ni mécènes. Là, il commence à travailler dans un petit atelier situé sur le pont Notre-Dame. Ses tâches consistent notamment à produire des images bon marché sur des thèmes religieux et à copier les peintures d'autres personnes. Le travail était mal payé et était également ennuyeux et épuisant.

En 1703, le destin réunit Watteau avec la famille Mariette - le marchand d'art Pierre et son fils, célèbre collectionneur. Peinture hollandaise, Jean. Leur rendre visite jeune artiste faites connaissance avec les œuvres de Titien, Rubens, Sempol, Picard et Callot, qui deviendront ses premières sources d'inspiration.

Enseignants

Lors d'une de ces visites à la maison Mariette, Watteau rencontre son premier véritable professeur, Claude Gillot, et en 1703 le jeune artiste commence à travailler dans son atelier. Les œuvres de Gillot sont dominées par des images de scènes de la vie quotidienne. la vie rurale, motifs galants et théâtraux. Ce sujet devint également proche de Watteau ; les contemporains remarquèrent l'extraordinaire similitude des œuvres des deux artistes, ce qui conduisit probablement à une rupture entre eux en 1708.

De 1708 à 1709, Jean-Antoine travaille comme assistant du décorateur Claude Audran, qui deviendra son deuxième professeur. Watteau consacre beaucoup de temps aux peintures ornementales, qui affectent par la suite le style de ses œuvres de la maturité, leur conférant une précision et une légèreté caractéristiques.

Audran était conservateur de la collection de peintures du Palais du Luxembourg et son élève a eu l'occasion de se familiariser avec le travail des grands peintres de l'époque.

L'évolution de Watteau comme peintre (1709-1716)

En travaillant avec Audran, le jeune Jean-Antoine se rend compte qu'il doit se réaliser. Pour ce faire, il entre à l'Académie des Arts et tente d'obtenir le grand prix du concours. Mais, déçu par la seconde place prise par son œuvre, Watteau fait en 1709 un voyage dans son pays natal à Valenciennes.

En 1710, l'artiste revient à Paris en maître reconnu et mature. Ses œuvres sont dominées par peinture de bataille, très populaire parmi les participants à la guerre flamande. Exactement thème militaire et apporte à Watteau sa première renommée.

Dans un premier temps, à son retour, l'artiste s'installe chez son beau-père Sirois, qui exerce le commerce de tableaux et de cadres. Grâce à lui, Watteau fait la connaissance de Pierre Crozat. Le millionnaire Crozat, qui fut trésorier royal, était un connaisseur des arts et un philanthrope. En 1714, il met à la disposition de l'artiste un domaine à Nogent-sur-Marne. Toutes les conditions de la créativité étaient ici réunies, et Watteau pouvait travailler sereinement, sans penser à trouver un moyen de subsistance.

La période de créativité tardive (1716-1721)

Cette période fut la plus féconde pour Watteau. L'artiste bouge et vit souvent tour à tour avec Sirois, Croz, Jora et Fleugels. Les contemporains remarquent qu'après un certain temps, il commença à se sentir accablé par l'appartement dans lequel il vivait.

En 1917, Watteau devient membre de l'Académie Royale des Peintures et des Arts. Et de la fin de 1719 à l'été 1720, il visite Londres, où il rencontre des artistes français. En Grande-Bretagne, Jean-Antoine travaille beaucoup, et ses œuvres connaissent du succès.

L'artiste passe la dernière année de sa vie à Nogent-sur-Marne en compagnie de camarades proches : Gersen, La Rocque et Paten. Il décède sur ce domaine le 18 juillet 1721.

Watteau Antoine - biographie, faits de la vie, photographies, informations générales.

Watteau Antoine (Jean Antoine Watteau, Watteau) (10 octobre 1684, Valenciennes - 18 juillet 1721, Nogent-sur-Marne), peintre et dessinateur français. Dans le ménage et scènes de théâtre- des festivités galantes, marquées par la tendresse exquise des nuances colorées, le respect du dessin, recréaient le monde des états d'esprit les plus subtils.

Antoine Watteau est né dans la ville flamande de Valenciennes, qui devint bientôt une partie de la France, et à l'âge de dix-huit ans, il vint à Paris à pied, sans argent, sans travail, sans mécènes. Il travaille dans l'atelier de peinture du célèbre marchand Mariette sur le pont Notre-Dame ; vers 1704-1705, il devient l'élève du célèbre décorateur Claude Gillot, qui écrit également des scènes de la vie d'acteurs. De 1707 à 1708, il travaille pour Claude Audran, sculpteur sur bois. Grâce à Audran, conservateur de la collection de peintures du Palais du Luxembourg, Watteau fait la connaissance d'une série de tableaux de Rubens. consacré à l'histoire de Marie de Médicis, œuvres de maîtres flamands et hollandais qui ont contribué fort impact sur la technique et la coloration de ses œuvres.

Premières peintures

Début petit peintures de genre- représentant une drôle de scène de rue (« Satire des médecins », vers 1708, Moscou, Musée des Beaux-Arts Pouchkine), un joueur d'orgue errant avec une marmotte (« Savoyar », 1716, Saint-Pétersbourg, Ermitage), des épisodes d'un vie de soldat (« Bivuac », vers 1710, Musée des Beaux-Arts A. S. Pouchkine ; « Recrues rattrapant un régiment », vers 1709, Nantes, Musée des Beaux-Arts ; « Repos militaire », vers 1716, Ermitage) - révélant l'acuité et l'originalité de la perception du monde, l'artiste ne cherche sans doute pas de valeur dans l'art prétentieux de l'époque de Louis XIV. et se tourne vers l'art du XVIIe siècle - les genres paysans de Louis Le Nain, le graphisme de Callot, les maîtres flamands.

Durant la période 1712-19. Watteau est fasciné par l'écriture de scènes de vie théâtrale. Dans les tableaux "Acteurs" théâtre français"(vers 1712, Ermitage), "L'amour sur la scène italienne" (Berlin, Musées d'art), « Arlequin et Columbine » (vers 1715, Londres, Wallace Gallery), « Italian Comedians » (1716-19, Washington, National Gallery), il utilisa des croquis des poses, des gestes et des expressions faciales des acteurs qu'il appréciait, ce qui il l'a fait au théâtre, qui est devenu pour lui un havre de sentiments vivants. L'image triste et bienveillante du simplet naïf, le héros du théâtre de foire Gilles dans le costume de Pierrot dans la toile « Gilles » (Paris, Louvre) est pleine de haute poésie.

Les nuances les plus subtiles des expériences humaines - ironie, tristesse, anxiété, mélancolie - se révèlent dans ses petits tableaux représentant un ou plusieurs personnages dans un paysage (« Le Malin », 1715, Louvre ; « Le Capricieux », ca. 1718, Ermitage ; « Mezzeten », 1717-19, New York, Metropolitan Museum of Art). Les héros de ces scènes sont offensés et timides, maladroits, moqueurs, rusés et coquettes, souvent tristes. L’aliénation ironique qui transparaît toujours dans les peintures de Watteau leur donne une touche de mirage surréaliste, fantastique et insaisissable. Grâce et facilité d'écriture virtuose, gamme irisée de carmin, vert, fleurs lilas, la variété des nuances tonales fait écho au jeu poétique sur les sentiments qu'incarnent ces images-personnages. Les personnages de Watteau sont loin de la réalité, comme s’ils jouaient une pantomime, ils dépeignent une vie sereine dans un monde très particulier, à la limite du théâtre et de la réalité, un monde créé par l’imaginaire de l’artiste.

Pèlerinage à l'île de Cythère

Les scènes dites galantes de Watteau - « La joie de vivre » (vers 1715, Londres, Wallace Gallery), « Fête vénitienne » (Édimbourg, National Gallery of Scotland) représentent un monde onirique avec une teinte de tristesse. Pour « Pèlerinage à l'île de Cythère », Watteau fut accepté comme membre de l'Académie française (1717-18, Louvre, Paris ; version ultérieure - Charlottenburg, Berlin). Cette élégie picturale de Watteau n'est pas construite sur la collision ou l'action (on ne sait même pas si la navigation ou le retour est représenté sur la toile), mais seulement sur de subtiles nuances d'ambiance, une atmosphère générale poétique et émotionnelle. La composition de "Pèlerinage" manque de stabilité - les personnages soit se précipitent en groupes dans les profondeurs de l'image, puis se dispersent par paires, soit se tournent soudainement vers le spectateur avec des gestes ou des regards. Les personnages semblent obéir à la musique « visible » - des lignes montant et descendant par vagues, unissant l'ensemble du cortège, presque mouvements de danse la vapeur, les pauses, les taches de couleur alternées créent la sensation d'une mélodie audible.

L'iconographie des « fêtes galantes » remonte aux « jardins de l'amour », connus depuis le Moyen Âge. Cependant, contrairement aux idylles rococo des parcs, les « jardins d’amour » de Watteau ne représentent pas seulement une célébration de la belle nature ; dans les toiles colorées et sophistiquées, la poésie instable des sentiments et des pensées sur l’existence humaine sur terre est peinte dans des intonations lyriques sincères et tristes. En 1719-1720, l'artiste gravement malade se rend en Angleterre (s'appuyant peut-être sur les conseils de médecins anglais), où il utilise grand succès; Par la suite, l'art de Watteau a eu une influence significative sur la peinture anglaise du milieu de la seconde moitié du XVIIIe siècle.

De retour à Paris, pour la boutique « Grand Monarque », propriété de Gersen, chez qui Watteau, épuisé par la maladie, demanda refuge, il écrivit l'une de ses œuvres les plus célèbres et la seule dont il se satisfît, « Signe de Gersen's Shop » (1720, Berlin, Musées d'art ). Selon Gersen lui-même, « il a été écrit en une semaine, et même alors, l'artiste ne travaillait que le matin ; Sa santé fragile ne lui permettait pas de travailler plus longtemps. Une scène quotidienne représentant l'intérieur d'un magasin (à la manière des « antiquaires » de D. Teniers) est pleine de métaphores - réflexions sur leur époque : des commis emballent dans une boîte un portrait du roi Louis XIV - des associations naissent à la fois avec le nom de la boutique et avec l'oubli du siècle révolu. Derniers jours Watteau séjourne à Nogent près de Paris, où il transporte un tas de costumes de théâtre, un accessoire pour de futures peintures, et où il a peint une image du Christ pour l'église locale. A la manière de Watteau, sans jamais se hisser à la hauteur de leur maître, les artistes français Pater et Lancret ont travaillé.

10 octobre 1684 (1684-10-10) 18 juillet 1721 (1721-07-18) (36 ans) Франция!} Wikipédia Watteau, Antoine Vues 1

Epoque rococo : Jean-Antoine Watteau - maître des scènes galantes

La peinture de Watteau, d'une beauté enchanteresse, comme un rêve séduisant, et tout aussi instable et insaisissable, est devenue la plus haute incarnation du rococo ; mais en même temps, cela va bien au-delà des aspirations purement décoratives de ce style. Créé à une époque d'intemporalité, crise spirituelle, l'artiste, comme personne d'autre, a exprimé avec sensibilité la prémonition de changements inévitables, la perte des anciens idéaux et la recherche de nouveaux.
(Source : « Art. Encyclopédie illustrée moderne. » Edité par le professeur Gorkin A.P. ; M. : Rosman ; 2007.)

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Watteau est né le 10 octobre 1684 dans la ville flamande de Valenciennes, qui fut capturée peu avant par les troupes du roi de France Louis XIV. Dans sa jeunesse, il étudie les beaux-arts avec Jacques-Albert Guérin.

Vers 1702, l'artiste vient à Paris et travaille comme copiste. Ses études auprès des peintres Claude Gillot (1703-1707/08) et Claude Audran (1708-1709) contribuent à l'intérêt de Watteau pour le théâtre et les arts décoratifs. Watteau a été influencé par Peter Paul Rubens, dont il a étudié les œuvres au Palais du Luxembourg à Paris.

En 1717, l'Académie Royale des Arts accepte son tableau "Pèlerinage à l'île de Cythère", et Watteau devient académicien. En 1719-1720, il visita la Grande-Bretagne.

L'intrigue du tableau « Pèlerinage à l'île de Cythère », emprunté aux productions de ballet et d'opéra du XVIIIe siècle, est présentée comme une fête galante dans le jardin devant la statue de Vénus ; à l'arrière-plan, on peut voir les silhouettes tremblantes d'un bateau doré et d'amours gambadant. Comme d'autres œuvres de Watteau, le tableau n'est pas construit sur l'action, mais sur des nuances de sentiments et d'humeurs. Gestes fluides, regards insaisissables se croisent ; l'organisation rythmique des personnages et des objets les compare aux arabesques d'une beauté exquise à la mode au XVIIIe siècle.

Watteau est le créateur d’un genre unique traditionnellement appelé « festivités galantes ». L'essence de ces scènes ne se révèle pas tant dans le sens direct de l'intrigue que dans la poésie subtile dont elles sont imprégnées. « La Fête de l'Amour » (1717), comme d'autres tableaux de Watteau, contient une riche gamme de nuances émotionnelles, auxquelles fait écho le son lyrique du fond du paysage. Watteau a découvert valeur artistique des nuances fragiles de sentiments, se remplaçant subtilement. Son art ressent pour la première fois la discorde entre le rêve et la réalité et est donc marqué du cachet de la tristesse mélancolique.

Fête de l'Amour (c.1717) (61 x 75) ( Galerie de Dresde)

Contrat de mariage (c.1711) (47 x 55) (Madrid, Prado)

Le bal magnifique (1715-1717) (52,5 x 65,2) (Londres, Dulwich Picture Gallery)

Vénus désarme Cupidon (47 x 38) (Chantilly, Musée Condé)

Festival de Venise (1718-1719) (56 x 46) (Édimbourg, National Gallery of Scotland)

Amant (entre 1715 et 1717) (24 × 17,5) (Chantilly, Musée Condé)

Diseuse de bonne aventure (San Francisco, Musée des Beaux-Arts)

Guitariste et jeune femme avec carnet de musique(peut-être 1718) (24,3 x 18,4) (Madrid, Prado)

Deux cousins ​​​​(c.1716) (30 x 36) (Paris, Louvre)

Country Fun (1718) (88 x 125) (Londres, Wallace Collection)

Danse country (1706-1710) (50 x 60) (Musée d'art d'Indianapolis)

Arrogant

Proposition difficile (1715-1716) (65 x 84,5) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Capricieux (vers 1718) (42 x 34) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Coquette (c.1712) (19 x 24) (Troyes, Musée d'Art)

Concert (1717) (Berlin, Château de Charlottenburg)

Le Bain de Diane (1515-1516) (80 x 101) (Paris, Louvre)

Cuisinier (53 x 44) (Strasbourg, Musée d'Art)

Couple amoureux et ménestrel à la guitare (1713-1715) (36,3 x 28,2) ( collection privée) (coût estimé : 24 millions de dollars)

Mezzeten (1718-1720) (55,2 x 43,2) (New York, métropolitaine)

Mezzeten (c.1715) (24 x 17,5) (Chantilly, Musée Condé)

Rêveur (1712-1714) (23,4 x 17) (Chicago, Art Institute)

Sur les Champs Elysées (vers 1718) (32 x 41) (Londres, collection Wallace)

Sur les Champs Elysées_detail

Nymphe de la fontaine (c.1715-1716) (collection privée)

Le Séducteur (c.1712) (18 x 25) (Troyes, Musée d'Art)

Société dans le parc (1712-1713) (47,2 x 56,9) (Madrid, Prado)

Société dans le parc (c.1716-1717) (33 x 47) (Paris, Louvre)

Outdoor Society (entre 1718 et 1720) (111 x 163) (Berlin, Musée d'État)

Outdoor Society (Musée des Beaux-Arts de San Francisco)

Erreur (jeu imprudent) (c.1716-1718) (40 x 31) (Paris, Louvre)

Automne (vers 1715) (48 x 41) (Paris, Louvre)

Pastorale (1718-1721) (48,6 x 64,5) (Chicago, Art Institute)

Bergères (1717-1719) (56 x 81) (Berlin, Château de Charlottenburg)

Bergères (c.1716) (31 × 44) (Chantilly, Musée Condé)

Paysage avec une cascade (1712-1713) (51,1 x 63,2) (collection privée)

Paysage avec une cascade (vers 1714) (72 x 106) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Avant la chasse (1720) (124 x 187) (Londres, Wallace Collection)

Perspectives (Vue entre les arbres du parc de Pierre Crozat) (c.1715) (46,7 x 55,3) (Boston, Museum of Fine Arts)

Les plaisirs de la vie (vers 1718) (65 × 93) (Londres, Wallace Collection)

Nid d'oiseau (vers 1710) (23 x 19) (Édimbourg, National Gallery of Scotland)

Indifférent (amant occasionnel) (c.1717) (26 x 19) (Paris, Louvre)

Joies de l'amour (1718-1719) (60 x 75) (Galerie de Dresde)

Savoyard avec une marmotte (1716) (40,5 x 32,5) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Sainte Famille (1719) (117 x 98) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Sculpteur (vers 1710) (22 x 21) (Orléans, Musée d'Art)

Amour calme (vers 1718) (56 x 81) (Berlin, château de Schlottenburg)

Le Jugement de Pâris (c.1718-1721) (47 x 31) (Paris, Louvre)

Âge heureux, âge d'or (1716-1720) (Fort Worth, Kimbell Art Museum)

Danse (1716-1718) (97 x 116) (Berlin, Musée d'État)

Amour anxieux (1719) (Madrid, Palais Royal)

Toilettes (1718) (46 x 39) (Londres, Wallace Collection)

Une leçon d'amour (vers 1716) (44 x 61) (Stockholm, Musée national)

La leçon de musique (1719) (Londres, Wallace Collection)

Royaume des Amours (13 × 17,8) (collection privée)

Cérès (été) (Washington, National Gallery)

Quatre (vers 1713) (49,5 × 64,9) (San Francisco, Musée des Beaux-Arts)

Sensibilité (c.1717) (26 x 19) (Paris, Louvre)

Jupiter et Antiope (c.1715-1716) (73 x 107) (Paris, Louvre)

Le Lorgneur (c.1716) (32,4 x 24) (États-Unis, Richmond, Museum of Art)

Bivouac (1709-1710) (32 x 45) (Moscou, Musée national des beaux-arts Pouchkine)

Fête militaire (1715) (21,5 x 33,5) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Porte de Valenciennes (vers 1710) (33 x 40) (New York, Frick Collection)

Soldats au repos (vers 1709) (32 x 42,5) (Madrid, Musée Thyssen-Bornemisza)

Les épreuves de la guerre (1715) (21,5 x 33,5) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Union de la comédie et de la musique (64,7 x 54) (collection privée)

Watteau aimait intrigues théâtrales, bien qu'il soit peu probable qu'il ait reproduit avec précision des épisodes de certaines performances. Au théâtre, il est attiré par l'envolée de l'imagination, l'incarnation vivante de la fantaisie et, enfin, par la sincérité du jeu, qu'il ne retrouve pas dans la vie, qui s'apparente au jeu d'acteur. Personnage monde figuratif Watteau correspond aux rythmes fantaisistes, à la douceur des petits traits apparemment vibrants, à la tendresse des harmonies colorées exquises et à la variabilité des nuances de couleurs.

Acteurs du théâtre français (1711-1712) (20 x 25) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Les acteurs de la comédie française du film du même nom sont présentés à la frontière du théâtre et de la réalité ; la représentation est terminée et de vrais visages et des personnages brillants commencent à apparaître à travers les masques comiques.

Ses merveilleux dessins sont dotés de pittoresque, d'autant plus qu'ils sont généralement réalisés en trois couleurs (rouge, blanc et noir), ce qui permet de transmettre une impression de nuances colorées et de subtiles gradations de forme plastique. Après une domination incontestée genre historique et des scènes allégoriques, Watteau découvre une variété de types réels La société française de cette époque - soldats et pauvres Savoyards, nobles et acteurs de théâtre forain.

Arlequin galant (1716-1718) (34 x 26) (Londres, collection Wallace)

Comédie italienne (vers 1716) (37 x 48) (Berlin, Musée d'État)

Sérénade italienne (1718) (Stockholm, Musée national)

Comédiens italiens (vers 1715) (71 x 94) (Berlin, château de Charlottenburg)

Comédiens italiens (vers 1720) (63,8 x 76,2) (Washington, National Gallery)

Un véritable chef-d'œuvre est le tableau « Gilles ». Personnage principal en costume blanc, Pierrot, personnage de la commedia dell'arte italienne, se tient devant le spectateur dans pleine hauteur sur fond de ciel vide bleu-gris. Le visage peint, immobile, du clown contraste avec l'animation des personnages situés derrière lui. Leurs rires déclenchent l’indicible tristesse figée dans les yeux pleins de larmes de Gilles.

comédie française(vers 1716) (37 x 48) (Berlin, Musée d'État)

Fragment_comédie française

art décoratif

Watteau préférait les petits tableaux, mais il était aussi un maître art décoratif, il réalise lui-même des panneaux ornementaux pour les intérieurs d'hôtels particuliers, peint des portes cochères, des clavecins et des éventails, qui influencent le décor architectural rococo.

Panneau décoratif. La Naissance de Vénus (entre 1710 et 1715) (29,7 x 17,5) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

Panneau décoratif. Automne (entre 1710 et 1715) (28 x 18,6) (Saint-Pétersbourg, Ermitage)

ET travaux de décoration, et de grandes toiles - « Pèlerinage à l'île de Cythère » (1717), et le célèbre « Enseigne de Gersen » (1720) se distinguent par des traits typiques de Watteau : une peinture étonnante, respectueuse et tendre ; la plus belle gamme d'humeurs éphémères ; compétence de composition virtuose - la compétence d'un metteur en scène qui a soudainement arrêté une action théâtrale parfaitement pensée au même moment point important développement dramatique des relations et des personnages.

Pèlerinage à Cythère (entre 1718 et 1720) (129 x 194) (Berlin, château de Charlottenburg)

Enseigne de la boutique de Gersen (1720) (163 x 308) (Berlin, château de Charlottenburg)

Enseigne du shop_fragment de Gersen

Le charme poétique distingue également les dessins de Watteau, généralement réalisés à la sanguine ou en trois couleurs (craie, sanguine, crayon italien) et représentant différents types de la société française. début XVIII siècle; des traits légers et des lignes ondulées y recréent les nuances de la forme plastique, le mouvement de la lumière et les effets de l'environnement aérien. La sophistication décorative des œuvres de Watteau a servi de base à la formation du rococo en tant que mouvement de style (bien qu'en général le travail de l'artiste dépasse largement son cadre), et ses découvertes poétiques ont été reprises après la mort de Watteau. peintres français milieu - seconde la moitié du XVIII siècle. (Chardin, Lancret, Pater, Boucher, Fragonard, etc.). art anglais doit beaucoup à Watteau. Turner l'a appelé son artiste préféré et l'a imité dans un fantasme intitulé "As You Like". Dans un autre de ses tableaux, William Turner présente l'atelier de Watteau où l'artiste travaille (comme le titre l'indique) « selon les règles de Charles Dufresnoy ».

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Article original et commentaires sur

L'art de Watteau reflétait avec sensibilité le début d'un nouveau siècle, qui ouvrait aux artistes la possibilité d'une vision plus libre du monde dans toute l'inconstance et la profondeur de ses phénomènes, brisant le mécanisme de pensée des partisans de Descartes - les cartésiens. La courte vie de cet artiste, décédé à l'âge de trente-sept ans, marque un tournant et, au cours des deux premières décennies du XVIIIe siècle, il semble entrer dans l'art avec le nouveau siècle. Antoine Watteau était-il un artiste intemporel, comme on le croit parfois du fait que son art fut bientôt rejeté par la critique officielle du XVIIIe siècle, qui valorisait la moralisation et l'anti-héroïsation selon les goûts esthétiques du siècle des Lumières ? Son art lui-même réfute cette idée. Le genre des « vacances galantes » créé par Watteau avec la représentation de figurines lumineuses et plastiques de dames et messieurs, rappelant les gracieuses figurines de Tanagra sur fond de verdure des parcs parisiens, ne répondait en effet pas beaucoup aux goûts officiels déjà au milieu du siècle. Mais, en regardant les petites toiles de Watteau, on ressent pleinement la magie de l'art du XVIIIe siècle avec sa subtilité inhérente aux sensations du « charme de la vie » (c'est ce que l'artiste appelait l'une des « vacances galantes ») et, en même temps temps, certaines de ses tristes nuances. «C'était une époque merveilleuse», voudrais-je dire en les regardant, selon les mots de Charles Baudelaire qui, avec les frères Goncourt, appréciait l'art. artiste oublié, qui anticipait l'esthétique quête XIX des siècles.

À l'époque de Watteau, alors que prenait forme la culture sophistiquée du rococo, les artistes étaient plus libres de rechercher les idéaux de beauté qu'au milieu et dans la seconde moitié du siècle, lorsque la théorie rationaliste de l'imitation de l'Antiquité était élevée au rang de mode et puis un postulat. Cependant, l’art de Watteau au tout début du siècle exprime l’axe principal de l’esthétique des Lumières : la corrélation entre réalité et idéal, la vision de la réalité à travers ces images idéales de beauté. Et l’artiste, doté d’un formidable don d’imagination, a su, comme personne à son époque, trouver ses propres couleurs pour incarner leur synthèse. C'est l'imagination, si valorisée par l'époque, qui lui a permis de voir et de décomposer la réalité, en synthétisant le nouveau.

Watteau est né à Valenciennes, dans le nord de la France, où l'influence de l'art flamand était forte. Son premier professeur fut peut-être Zh.A. Zherin, auteur d'images d'autel dans les églises locales. En 1702, Watteau se rend à Paris, ce qui ouvre de grandes possibilités de perfectionnement au jeune provincial. La connaissance en 1704-1705 de C. Gilot, peintre flamand qui appréciait le grotesque et peignait de petits tableaux représentant des représentations théâtrales comiques et des scènes de mascarade, renforça l'intérêt de Watteau pour le théâtre. Une courte période de travail avec le peintre décorateur C. Audran, qui décora les châteaux de Marly et Meudon, lui fut également utile pour entrer dans le milieu artistique parisien. De lui, Watteau maîtrise l'art de l'ornement, et les « arabesques » de l'artiste, publiées en 1731 dans une eau-forte de J. de Julien, trouvent la plus large utilisation dans art XVIII des siècles. Parmi les amis proches de l'artiste dans les années 1700-1710 figurent le critique A. de La Rocque, les marchands et collectionneurs Sirois, Gersen, P. Crozat, l'éditeur de ses eaux-fortes J. de Julien, des musiciens, des acteurs et le peintre d'origine flamande. N. Fleugels. C'était un cercle de personnes éclairées, dans lequel l'artiste, qui avait déjà de nombreuses commandes et jouissait de la reconnaissance de ses contemporains, se sentait bien.

En 1708-1709, Watteau étudie à l'Académie des Arts, mais, sans recevoir le Prix de Rome, il ne visite jamais l'Italie. On sait que ce voyage était son rêve ; il voulait voir les œuvres des Vénitiens, qu'il ne connaissait que par les œuvres de la collection de P. Crozat. La disposition des plus hauts fonctionnaires de l'Académie royale à l'égard de Watteau est attestée par le fait que son président C. de Lafosse a ordonné à un jeune artiste panneaux sur des scènes des Saisons pour décorer votre manoir de la rue Richelieu.

La peinture historique, qui occupe la première place dans la hiérarchie des genres, ne captive pas Watteau. Il possède de nombreux tableaux religieux ("La Sainte Famille", 1716-1717, Paris, Louvre) et histoires mythologiques("Jupiter et Antiope", vers 1712 ; "Le Bain de Diane", 1716 ; "Le Jugement de Pâris", 1720 ; le tout - Paris, Louvre). Certains d'entre eux étaient touchés par la passion Peinture flamande, connaissance des œuvres des maîtres français du « grand style ». Ils sont un peu secs dans leur exécution picturale. La plus impressionnante est l'image de Cérès aux cheveux d'or, personnifiant « L'Été » (1717-1718, Washington, National Gallery of Art), issue d'une série de toiles sur les thèmes des « Saisons », commandées par P. Croz.

Evidemment, ce genre ne correspondait pas au talent de Watteau ; ils ne contiennent pas le charme de ses scènes de bivouacs et de « vacances galantes », images d'acteurs français et français. comédies italiennes, portraits de genre. Dessinateur né, Watteau apprécia très tôt, alors qu'il était encore à Valenciennes, les possibilités de travailler d'après nature. Dans ses dessins, exécutés à la sanguine ou selon la technique des « trois crayons » (sanguine, fusain et craie) ou bistre au lavis au pinceau, on sent la culture raffinée du dessinateur du XVIIIe siècle. Ils suscitent une joie, ressentie tant par l'artiste lui-même que par le spectateur à qui elle est transmise. Des lignes délicates et des points faibles des ombres, de charmantes têtes féminines inclinées différemment, des images de dandys modernes, dotés soit d'une joliesse soit d'un caractère exquis, émergent facilement et avec grâce. Dans ses dessins, il précise toutes les nuances des peintures futures : composition, poses, gestes, détails des costumes, ruptures dans les plis des tissus de soie. Peintures Watteau a créé sans croquis, en utilisant uniquement des dessins. Et en cela, il était un maître de son époque, il a hardiment violé principes académiques, cherchait des méthodes plus simples pour transmettre la nature.

Les événements de la réalité moderne se reflètent dans l'image des « bivouacs ». Pendant la guerre entre la France et les Flandres, Watteau a souvent pu observer de tels arrêts de soldats, de paysans réfugiés et de cantiniers circulant sur les routes du pays. Il a peint ces scènes sur ordre du marchand de tableaux Alrua ; elles étaient facilement épuisées et reproduites en gravures. Tout aussi sincère est l'image d'un joueur d'orgue errant avec une marmotte dans le tableau « Le Savoyard avec une marmotte » (1716, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage).

Appréciant le don de l'improvisation et de la parodie théâtrale, Watteau consacre son talent à représenter des scènes avec des acteurs de comédies françaises et italiennes. Les héros de ses tableaux sont Arlequin, Pierrot ("Gilles", 1721, Paris, Louvre), le guitariste Mezzeten (1717-1719, New York, Metropolitan Museum of Art) - personnages célèbres pièces de théâtre comiques marcher sur scène.

Watteau les place comme sur le podium de la scène dans les tableaux « L'amour au théâtre italien » (après 1716, Berlin, Musées d'État), Acteurs du théâtre français (vers 1712, Saint-Pétersbourg, Musée de l'Ermitage). Chaque scène saisit immédiatement l'atmosphère du théâtre français avec ses cérémonies, ses acteurs galamment habillés, ou l'esprit plus commun du théâtre italien, dans lequel règne l'esprit de la commedia dell'arte. Pour l'artiste, il est important de mettre l'accent sur un sentiment dans une scène donnée et de le subordonner à l'expression du « jeu » de tous les personnages.

Les images du bouffon dans la toile « L'Indifférent » (1717, Paris, Louvre) ou du jeune « Capricieux » (vers 1718, Saint-Pétersbourg, Ermitage) sont à la fois un portrait-type et une une sorte de rôle théâtral. Grâce à des observations réelles corrélées avec de manière idéale Au théâtre, de charmantes créatures naissent.

L’esprit de transformation théâtrale est également inhérent aux portraits de Watteau. Il aime réaliser des portraits costumés, comme dans le tableau In Costume "Mezzetena" (Londres, Wallace Collection), qui représente Sirois entouré de sa femme et de ses jolies filles, dont on retrouve souvent les têtes dans les dessins de Watteau, notamment Marie Louise, qui deviendra la épouse de Gersain - l'auteur des premiers ouvrages du catalogue de Watteau (1736). L’ami de l’artiste, N. Fleugels, est représenté dans les tableaux « The Charm of Life » (Londres, Wallace Collection) en guitariste et « Venetian Feast » (1717, Édimbourg, National Gallery of Scotland) en tant que danseur. Le critique Antoine de la Roque, qui a beaucoup écrit sur Watteau dans le journal français Mercure, est représenté dans un paysage parmi des personnages mythologiques, dans une scène qui rappelle un épisode de production théâtrale. Le geste de la main avec la paume ouverte, accepté dans l'étiquette du siècle, indique la réflexion à laquelle il se livre dans le giron de la nature. Une image plus traditionnelle est celle du sculpteur A. Pater (1709, Valenciennes, Musée des Beaux-Arts), père de J.-B. Pater, également originaire de Valenciennes.

Cercle le célèbre Watteau les gens, peut-être, les a-t-il capturés lors de « fêtes galantes ». Les toiles « Perspective » (1715, Boston, Musée des Beaux-Arts), « Champs Elysées » (Londres, Wallace Collection), « Société dans le parc » (Berlin, Musées d'État) ne représentent guère de figurants, comme le prétend l'un des biographes de l'artiste. . On sait par exemple que dans la toile Perspective, Watteau a reproduit l'allée du parc près de la maison de P. Crozat à Montmarency. Au fond de l'allée, derrière les figures de dames s'amusant et de leurs compagnes, on aperçoit un pavillon de théâtre construit pour la pièce Les Noces de Thémis. Peu importe l'endroit où Watteau préférait peindre les arbres d'après nature - dans le parc des Tuileries ou au Palais du Luxembourg, mais reproduits avec son pinceau léger et tremblant, ils créent toujours un charmant cadre décoratif. entreprises amusantes Parisiens, et au loin, comme derrière la scène, une percée dans l'espace céleste lumineux est visible. Un élément de théâtralité est apporté aux « fêtes galantes » par les sculptures du parc représentant des nymphes et de Vénus, interprétées parfois de manière grotesque et rappelant les figures de personnes vivantes observant ce qui se passe. Ce n'est pas un hasard si Watteau appelle ses toiles le Festin de l'Amour ou le Charme de la Vie : il y montre une réalité théâtrale qui peut évoquer sentiment merveilleux. Les citadins vêtus de perruques et de corsets aristocratiques, de robes simples et de chapeaux de feutre ressemblent à la fois à des personnages de théâtre et de réalité. Le genre des « fêtes galantes » lui-même aurait pu s'inspirer des œuvres des Flamands du XVIIe siècle, mais elles ont été véhiculées au pinceau. artiste français, ressentant subtilement le « charme » du réel la vie française début du XVIIIe siècle.

L'œil vif de Charles Baudelaire noté dans la célèbre toile « Navigation vers l'île de Cythère » (1717 ; Louvre ; version - 1718-1719, Berlin, Château de Charlottenburg), qui appartient à ce genre, avant tout « espièglerie » et « farce » . Le critique n’y cherchait pas d’implications philosophiques compliquées. C'est aussi une célébration de l'amour au sein de la nature, dans la représentation de laquelle l'harmonie nécessaire se trouve dans la fusion de la réalité et de l'idéal, qui pour l'artiste a toujours été le monde du théâtre, qui incarnait son rêve de beauté. Pour ce tableau, Watteau reçut le titre d'académicien en 1717.

Le tableau ultérieur « Panneau de Gersen » (1721, Berlin, château de Charlottenburg) représentant le magasin d'antiquités de son ami est une preuve importante que Watteau valorise la nature avant tout. C'est une illustration vivante de la vie artistique de Paris au début du siècle. Peut-être, ici aussi, de nombreuses images sont-elles des portraits, et cette scène, pleine de personnages vivants, reproduit l'environnement qui entourait l'artiste.

L’image de Watteau nous est apportée par un portrait au crayon de F. Boucher et un pastel du Vénitien R. Carriera, qui visita l’atelier de l’artiste à Paris en 1720 avant son détour par Nogent-sur-Marne, où il mourut. On imagine Antoine Watteau comme dans le pastel de R. Carrière : avec un visage intelligent, des traits fins et des yeux bienveillants. Son art s'est avéré particulièrement proche spirituellement artistes du 19ème siècle siècle, qui, comme lui, cherchaient une voie plus profonde, adaptée à leur propres sentiments images du monde environnant.

Elena Fedotova