Des photos de belles femmes. L'idéal de la beauté féminine dans les peintures d'artistes célèbres

La beauté du corps féminin a été et reste un objet recherché par les artistes de tous les temps et de tous les peuples.

La nudité la plus pittoresque nous a bien sûr été donnée par la Renaissance, lorsque la magnificence des corps nus était vigoureusement glorifiée selon les anciens canons. Cependant, les maîtres des temps ultérieurs ne sont en rien inférieurs dans leur présentation habile de l'image féminine. Les techniques et les lieux dans lesquels les jeunes filles étaient représentées ont changé et les muses elles-mêmes ont commencé à acquérir des caractéristiques différentes au fil du temps. Mais l'image nature féminine est encore sujet spécial, excitant la conscience de tous les fans de beauté naturelle.

Sandro Botticelli

"Naissance de Vénus" 1482-1486

Pierre Paul Rubens

Rubens était un excellent portraitiste, peint des paysages et des peintures sur des thèmes religieux, fonda le style baroque, mais le grand public connaît mieux Rubens grâce à ses images de femmes et d'hommes nus, pour le moins, au physique non asthénique.

"Union de la terre et de l'eau", 1618

"Les Trois Grâces", 1639

François Goya

"Maja nue", vers 1800

Tout le monde ne sait pas que Maha n'est pas du tout un nom, mais un nom pour les citadines espagnoles des XVIIIe et XIXe siècles.

Maha, dont l'image s'est développée en Andalousie, a commencé au fil du temps à être perçue comme la quintessence de la femme espagnole. À cause du romantisme, du pittoresque, d'un fort accent national et d'une passion violente.

Eugène Delacroix

"La liberté guidant le peuple", 1830

Delacroix a créé ce tableau en se basant sur la Révolution de Juillet 1830, qui a mis fin au régime de Restauration de la monarchie des Bourbons. Dans une lettre à son frère du 12 octobre 1830, Delacroix écrit : « Si je ne me suis pas battu pour ma Patrie, du moins j'écrirai pour elle. »

Il y a des seins nus sur la photo pour une raison. Il symbolise le dévouement des Français de cette époque, qui avec " torse nu"Nous allions vers l'ennemi.

Jules Joseph Lefebvre

Lefebvre était un artiste de salon français spécialisé dans la représentation belles filles. Merci à l'image beauté féminine il occupa une place très importante en tant que dessinateur élégant, quoique quelque peu maniéré.

"Marie-Madeleine à la grotte", 1836

Le tableau « Marie-Madeleine dans la grotte » a sa propre histoire particulière. Après l'exposition de 1876, elle fut achetée par Alexandre Dumas le fils. Après sa mort, elle fut envoyée à Saint-Pétersbourg pour une exposition en 1896. Nicolas II l'acquit pour le Palais d'Hiver et on peut désormais voir « Marie-Madeleine » parmi les trésors de l'Ermitage.

Édouard Manet

Au Salon de Paris de 1865, le tableau devient la cause de l'un des plus grands scandales de l'histoire de l'art. Les contemporains ne pouvaient pas voir le volume de la figure représentée et considéraient la composition du tableau comme grossière et plate. Manet était accusé d'immoralité et de vulgarité. Le tableau a attiré des centaines de personnes qui sont venues à l’exposition uniquement pour maudire le tableau et cracher dessus. En conséquence, le tableau a été accroché dans la salle la plus éloignée du Salon à une hauteur telle qu'il était presque invisible. Comme les gens étaient nerveux à cette époque.

Pierre-Auguste Renoir

Renoir est avant tout connu comme un maître du portrait profane, non dénué de sentimentalité ; il fut le premier des impressionnistes à connaître le succès auprès des riches Parisiens. Le nu était l'un des genres favoris de Renoir.

"Nu dans lumière du soleil", 1876

Présenté pour la première fois à la Deuxième Exposition Impressionniste en 1876, où il reçut des critiques très sévères de la part des critiques : « Inculquez à M. Renoir que le corps féminin n'est pas un tas de chair en décomposition avec des taches vertes et violettes, qui indiquent que le cadavre est déjà en train de pourrir. en plein essor!"

"Grands Baigneurs", 1887

Et ce tableau marque le passage de Renoir de l’impressionnisme pur au classicisme et à l’engrisme. Les «Grands Baigneurs» sont réalisés avec des lignes plus claires, des couleurs plus froides, et en peignant ce tableau, Renoir a utilisé pour la première fois des croquis et des croquis.

Vladislav Podkovinsky

"Orgasme féminin", 1894

D'après le titre, il ressort clairement que l'artiste polonais Vladislav Podkovinsky a représenté dans son œuvre... L'exposition du tableau a commencé par un énorme scandale et a duré 36 jours. Incapable de résister à la pression, le 37ème jour, Podkovinsky est venu avec un couteau et a découpé toute la toile. L'artiste est décédé de la tuberculose à l'âge de 29 ans. Après sa mort, il fut décidé de restaurer le tableau.

Adolphe-William Bouguereau

John Collier

L'éventail des thèmes des peintures du peintre anglais Collier est très large. Cependant, il a gagné la plus grande popularité en raison de son utilisation dans le vrai tradition romantique des images de belles femmes issues des légendes, des mythes, de la littérature et de l'histoire comme thème principal de ses peintures.

Lady Godiva était basée sur la légende. La beauté nue représentée dans le tableau (Lady Godiva) a supplié son mari puissant et dominateur (le comte Leofric) de réduire les impôts des pauvres dans son domaine. Ce à quoi il a proposé un pari presque perdant. Il a promis de réduire les impôts si sa femme traversait le village de Coventry nue à cheval, ce que sa femme a fait.

Herbert James Draper

"Ulysse et les sirènes", 1909

David Shterenberg

"Nu", 1908

Gustav Klimt

Tous les détails liés à intrigue mythologique, retiré du tableau, ne laissant que la scène de la fécondation par la douche dorée en laquelle Zeus s'est transformé. Le choix de la pose et la perspective déformée confèrent au corps de Danae une sexualité inhabituelle.

Dans aucune autre œuvre, l'artiste n'a amené la sexualité féminine à une telle hypertrophie - c'est une luxure égocentrique.

Herbert James Draper

Herbert James Draper était un artiste connu pour ses œuvres sur des thèmes historiques et mythologiques. Bien que Draper ait été acclamé de son vivant, son travail est aujourd’hui injustement oublié et rarement vu aux enchères.

"Montagne des brumes", 1912

"La Montagne des Brumes" est l'une des images les plus puissantes, sensuelles et envoûtantes de l'artiste. Les filles nues présentées sont aussi belles que les nymphes de Waterhouse, bien que contrairement aux siennes. Femme fatales attirer les hommes vers la mort.

Boris Koustodiev

Plasticité picturale, accent mis sur le talent artistique du modèle et caractéristique brillante apparence - telles sont les principales caractéristiques du travail de Boris Kustodiev.

"Vénus russe" 1925-1926

"Vénus russe" représente une femme rondelette dans des bains publics, mais contrairement à la déesse, la jeune fille nue n'est pas entourée d'écume de mer, mais de nuages ​​​​de vapeur provenant d'un bain russe. Des bulles arc-en-ciel sur un banc en bois confirment qu'il s'agit bien de Vénus. La déesse est née de l’écume de la mer Méditerranée ! Et ici en Russie - du bain moussant...

Amédée Modigliani

Modigliani est à juste titre considéré comme le chanteur de la beauté du corps féminin nu. Il fut l'un des premiers à représenter des nus d'une manière émotionnelle plus réaliste. C'est cette circonstance qui a conduit à la fermeture éclair de son premier exposition personnelleà Paris. Les peintures de nus de Modigliani sont considérées comme la perle de son héritage créatif.

"Nu assis", 1916

Egon Schiele

Les peintures et graphismes d'Egon Schiele sont nerveux, sophistiqués, dramatiques et très sexy. Fortement influencé par la psychanalyse de Sigmund Freud, Schiele a laissé libre cours à ses propres complexes et doutes dans son œuvre, et nombre de ses œuvres étaient ouvertement de nature sexuelle. Cela a même conduit à l’emprisonnement de l’artiste pour « création de dessins immoraux ».

"Nu à genoux", 1917

"Femme couchée", 1917

Anders Zorn

Peintre et graphiste suédois qui a accordé une attention particulière à l'individualité du modèle nu, à l'originalité de ses expressions faciales, de ses gestes et de ses expressions faciales, qui sont parfaitement capturées dans ses œuvres.

"Dans le bateau à rames de Werner", 1917

"Réflexions", 1889

Zinaïda Serebryakova

Zinaida Evgenievna Serebryakova est l'une des premières femmes russes à entrer dans l'histoire de la peinture. À l'aide de moyens picturaux, l'artiste présente l'image d'un corps féminin pur. Ses modèles n'avaient pas une carrure athlétique ; ils n'avaient ni rigidité ni netteté, mais seulement une douce harmonie avec l'environnement.

Dans « Bath », Serebryakova a représenté des femmes nues sans fioritures ; des traits d'idéalisation sont apparus plus tard dans son travail.

«Nu couché», portrait de Nevedomskaya, 1935

DANS créativité tardive Serebryakova s'intéresse de plus en plus au thème des œuvres représentant des modèles nus, et Serebryakova reste fidèle au genre « nu ». Dans « Reclining Nude », elle sent qu'elle réussit dans ce thème et l'aborde constamment.

"Modèle endormi", 1941

Igor Emmanuilovitch Grabar

Igor Emmanuilovich Grabar est l'un des plus artistes célèbres dans l'histoire de la culture russe du XXe siècle. L'une de ses œuvres les plus célèbres est le portrait de Flore.

Alexandre Mikhaïlovitch Gerasimov

Un autre artiste russe célèbre qui, contrairement au précédent, s'occupait de la représentation d'une érotisme grossier et simplifié.

"Bains de village", 1938

L'artiste a écrit de nombreux croquis « pour lui-même » sur le thème des « Bains de village » pendant de nombreuses années. Il y a plusieurs nus sur la photo corps de femmes, reliés par une composition structurelle complexe. Chaque figure est une image, un personnage individuel.

Arkadi Alexandrovitch Plastov

Arkady Plastov – « chanteur de la paysannerie soviétique ». Dans ses œuvres, il accorde une attention particulière au travail patriotique des femmes pendant la Grande Guerre patriotique. Guerre patriotique. L'artiste a capturé l'image colorée et la simplicité dans le tableau « Tractor Drivers »

"Conducteurs de tracteurs", 1943

Les peintures d'artistes célèbres gardent les secrets des personnes qui y sont représentées. Nous vous invitons à faire une promenade à travers le virtuel galerie d'art et explorez les histoires des femmes dans les peintures. Ces histoires peuvent être romantiques, mystiques ou simplement drôles.

Cette œuvre d'art - l'une des peintures les plus célèbres du peintre - a été présentée pour la première fois au public en Italie, où elle a été favorablement accueillie par la critique. Karl Bryullov fut le premier artiste russe à devenir célèbre dans la prestigieuse Europe. Pendant longtemps, on a supposé que ce tableau était un portrait de la jeune comtesse Yulia Samoilova, que l'artiste aimait beaucoup et qu'elle représentait souvent sur ses toiles. Par exemple, dans le film «Le dernier jour de Pompéi», trois personnages ont à la fois les traits de Yulia Samoilova. Cependant, en comparant le tableau « Cavalière » avec les portraits de la comtesse peints plus tard par Bryullov, il devient clair que le tableau n'est pas Yulia Samoilova. Mais qui? Dans l'un de ses tableaux, Karl Bryullov a représenté la comtesse Samoilova avec son élève Giovannina, dans un autre tableau, il a peint la même comtesse avec sa fille adoptive Amatsilia. Les chercheurs du travail de Bryullov sont arrivés à la conclusion que le tableau représente précisément ces filles qui ont été élevées par la comtesse. Mais les peintures d’artistes célèbres comportent généralement une sorte de mystère. Pour résoudre l'énigme de ce tableau, vous devez regarder de plus près le chien en collier, que l'artiste a représenté à côté de la petite fille. Le nom de son propriétaire, Samoilov, est inscrit sur le col.

Il semble que la manière dont le tableau «Alyonushka» a été créé soit connue de tous depuis longtemps. On pense que Vasnetsov, à l'image de la triste héroïne des épopées russes, a représenté la fille avec laquelle le destin l'a réuni dans le village d'Akhtyrka. Parlant de ce tableau, beaucoup citent une citation de Vasnetsov lui-même, dans laquelle il admet que l'image d'Alyonushka s'est installée depuis longtemps dans sa tête, mais la version finale du portrait s'est formée lorsqu'il a rencontré une simple fille dans le village d'Akhtyrka. Mais est-ce le cas ? Dans l'une des notes de l'artiste, vous pouvez lire histoire vraie peindre une image. Vasnetsov admet que, même s'il possédait déjà une esquisse d'un tableau basé sur cette simple fille, il ne s'agit pas d'une œuvre de genre basée sur la vie. L’artiste s’est en fait inspiré des yeux de Verusha Mamontova. Il a admis que les yeux de cette fille en particulier lui semblaient partout et s'installaient dans son âme. Qui est Verusha Mamontova ? Bien sûr, son image est familière aux amateurs d’art, car c’est elle qui est représentée dans le tableau de Serov « La Fille aux pêches ». Désormais, connaissant les révélations de l’artiste, chez Alyonushka, vous pouvez facilement retrouver les traits du visage de Verusha Mamontova.

Parfois, les peintures d'artistes célèbres vous surprennent par l'origine d'une telle intrigue, parfois les sources d'inspiration sont inattendues. Cela peut être dit de l'histoire de la peinture sur toile " Mariage inégal" Un aristocrate de Moscou a décidé d'écrire ses mémoires, dans lesquelles il parlait de tous ses proches, y compris de son oncle Sergueï Varentsov. En 1862, cet oncle, jeune homme, tombe subitement amoureux de la jolie fille du marchand Rybnikov, Sofia. Et il est tellement tombé amoureux qu’il a même proposé le mariage, mais il a été refusé. Le père prudent de la jeune fille ne voulait pas donner sa fille en mariage à un jeune et frivole rake, mais préférait donner sa main au vieux et non au pauvre marchand Korzinkin (fait intéressant, le marié « âgé » avait alors 38 ans). Par une malheureuse coïncidence, le jeune Varentsov a dû jouer le rôle de témoin lors de ce mariage. L'artiste Vasily Pukirev était tellement imprégné de cette histoire et du tourment d'un cœur aimant qu'il a créé cette toile. Grâce à ce tableau, Vasily Pukirev a reçu le titre de professeur, ainsi que beaucoup d'argent : la toile a été immédiatement achetée par le collectionneur d'art Borisovsky, et Tretiakov lui l'a achetée. Certes, Pukirev a dû refaire un peu la toile, car Varentsov s'est reconnu comme le témoin de cette photo. L'artiste a dépeint Varentsov dans son œuvre avec une telle précision que, grâce à la popularité du tableau, son amour malheureux a commencé à faire l'objet de discussions dans tout Moscou. En conséquence, Poukirev a dû réécrire le visage du témoin et maintenant, en regardant la photo, le public voit en arrière-plan une image du propre visage de Poukirev.

Peinture «Portrait de M. I. Lopukhina» de Vladimir Borovikovsky

Ce tableau a été créé en 1797 et est un romantique image féminine. Il captive le public depuis des siècles et les connaisseurs d’art le considèrent comme une ode au sentimentalisme. Les peintures d'artistes célèbres sont souvent accompagnées de fables mystiques. Une telle fable est liée à cette image. L’image d’une beauté de 18 ans est le premier tableau de l’histoire de la Russie imprégné de mysticisme. La jeune fille représentée dans le portrait était la fille du comte Ivan Tolstoï. L'année où le portrait a été peint, elle a épousé Stepan Lopukhin, qui a servi dans l'administration de Paul Ier. Immédiatement après le mariage, son mari a commandé à Borovikovsky un portrait de son épouse bien-aimée. Le mariage n'a pas duré longtemps, car 3 ans après le mariage, la jeune princesse est décédée d'une maladie - la phtisie. Le père inconsolable a acheté à son gendre le tableau avec un portrait de sa fille et l'a accroché dans sa maison. Il faut dire que le comte Tolstoï était un maître de la loge maçonnique et était friand de mysticisme. Des rumeurs circulaient selon lesquelles le comte, utilisant la magie, était capable d'invoquer l'esprit de sa fille décédée et de l'insuffler dans le tableau de Borovikovsky. Il existe une fable : toute fille qui regarde le portrait mourra définitivement. Ils ont même cité des « faits très fiables » selon lesquels le portrait aurait tué au moins une douzaine de jeunes filles. Heureusement pour la postérité, Tretiakov ne croyait pas au mysticisme et, un siècle plus tard, il acheta le tableau, que des millions de spectateurs peuvent désormais voir dans la galerie qui porte son nom.

Les peintures d'artistes célèbres se distinguent par le fait que dans leurs œuvres elles glorifient l'idéal féminin. Même en représentant la Madone, les artistes de tous les temps ont peint sans un pincement au cœur des portraits de leurs amants, dont beaucoup étaient des femmes d'origine peu noble. Par exemple, les chercheurs sur le travail de Raphaël disent que l’artiste a rencontré la fille d’un pauvre boulanger, Fornarina, dans l’une des rues de Rome. L'artiste est tombé amoureux d'elle. Raphaël, qui était alors déjà bien connu et occupait un niveau élevé dans l'échelle sociale, acheta la fille à son père et loua pour elle maison de luxe. L'artiste la considérait vraiment comme l'idéal de beauté et vécut avec elle jusqu'à sa mort pendant 12 ans. Mais on dit que la belle elle-même n’était pas fidèle à son bienfaiteur et l’a trompé aussi bien avec les étudiants de l’artiste qu’avec ceux qui ont commandé les tableaux. Après la mort de Raphaël, en raison de la réputation de cette femme, le Pape n'a même pas voulu lui faire des funérailles, car Fornarina se tenait à proximité. Malgré tout cela, c’est le visage de Fornarina que l’on voit dans le tableau » Madone Sixtine" Raphaël lui a également offert le visage de nombreuses autres Madones peintes de sa main.

Combien de fois admirons-nous des œuvres d’art sans penser à qui y est représenté ? Seuls les noms des membres de la famille royale restent en mémoire et l'identité de la jeune fille, dont la silhouette brumeuse est visible dans le coin de la photo, reste inconnue. Aujourd’hui, il parlera des femmes qui ont posé pour les tableaux célèbres des artistes.Amateur. médias.

La Joconde néerlandaise

La célèbre « Joconde hollandaise », « La Fille à la perle » de Jan Vermeer a été peinte vers 1665. Pendant longtemps, le tableau s'appelait simplement « La Fille au turban », son nom moderne elle ne l'a reçu qu'au 20e siècle. La représentation de turbans dans les peintures est devenue populaire depuis le XVe siècle et Vermeer utilise souvent ce détail des toilettes dans ses portraits. L'image entière est écrite en genre spécial«troni», qui désignait l'image de la tête d'une personne.

La « Joconde hollandaise » a longtemps été appelée « La Fille au Turban »

Fidèle à son nom, l'œil du spectateur est attiré par une grande boucle d'oreille en perles.

Selon la version la plus courante, on pense que sa jeune fille Maria aurait posé pour le portrait de Vermeer, même si certains chercheurs suggèrent encore qu’il pourrait s’agir de la fille du mécène de l’artiste, le philanthrope Ruyven. Maria était l'une des 15 enfants de Vermeer - son mariage était vraiment heureux. L'artiste aimait sa femme et elle posait souvent pour lui pour des peintures.

Portrait mystique de la jeune Lopukhina

Le portrait de Maria Ivanovna Lopukhina, l'une des représentantes de la famille comtale Tolstoï, est l'un des plus beaux oeuvres célébres Artiste russe Borovikovsky. Il a été peint en 1797 et est aujourd'hui conservé à la galerie Tretiakov.

Le portrait de M. I. Lopukhina est l'un des plus oeuvres célébres Borovikovski

Le poète Yakov Polonsky a dédié ses poèmes à la jeune fille représentée dans le portrait : « Elle est décédée il y a longtemps, et ces yeux ne sont plus là, et ce sourire a disparu, qui exprimait silencieusement la souffrance - l'ombre de l'amour et des pensées - l'ombre de la tristesse, mais Borovikovsky a sauvé sa beauté. L'artiste utilise le traditionnel peinture de portrait technique - entourer le personnage d'objets qui contribuent à le caractériser. Ce sont les caractéristiques du paysage russe, un châle délicat et des boutons de roses tombants.

Le portrait de Lopukhina est considéré comme le plus poétique de l’œuvre de Borovikovsky

Fait intéressant, le portrait de Maria Lopukhina pendant longtemps des jeunes filles effrayées. Le fait est que peu de temps après avoir peint le tableau, une jeune femme de 21 ans est morte de consomption. Beaucoup pensaient que le portrait semblait lui coûter la vie et que si les filles regardaient le tableau, elles mourraient également bientôt.

Fille au parapluie d'après les tableaux de Monet

Le célèbre tableau de Claude Monet "Champ de coquelicots à Argenteuil" a été peint en 1873. Ce tableau est apparu lors d'une exposition des impressionnistes en 1874, lorsqu'ils se sont déclarés pour la première fois comme un groupe distinct. Les deux personnages au premier plan sont Camila, l'épouse de Monet, et leur fils Jean.

Le tableau de Claude Monet "Champ de coquelicots à Argenteuil" a été peint en 1873

Monet peignait, comme c'était son habitude, en plein air, essayant de capturer l'atmosphère de légèreté et de mouvement. Fait intéressant, auquel peu de gens prêtent attention : dans le coin gauche de l'image se trouve un autre couple similaire, une femme avec un enfant. Un chemin à peine perceptible serpente entre les deux couples.

Le tableau représente deux couples, dont l'épouse et le fils de Monet.

L’histoire d’amour de Monet et Camila était tragique : le père de Monet a menacé à plusieurs reprises de priver son fils de son entretien s’il ne se séparait pas de sa bien-aimée. Ils vécurent longtemps séparés, mais Monet ne put tenir longtemps sans sa famille. Cependant, l’artiste demandait souvent à sa femme de poser pour ses tableaux. On peut voir Camila aussi bien sur la toile « Lady in Green » que parmi « Women in the Garden ». Il existe également plusieurs portraits distincts de Camila et de leur fils. Et à la mort de Camila, il peint son portrait posthume, qui se distingue du reste des œuvres de l’artiste.

Monet a peint un portrait posthume de sa femme sous l'impression de sa mort

Impressionné par la mort de son épouse bien-aimée, Monet peint son portrait posthume

L'actrice qui a charmé Renoir

Auguste Renoir, l'un des artistes impressionnistes les plus célèbres, aimait et savait représenter la beauté féminine. L'actrice Jeanne Samary était son modèle préféré. Renoir a peint 4 portraits d'elle, mais le plus célèbre était « Portrait de l'actrice Jeanne Samary ». Il a été écrit en 1877 et est aujourd’hui conservé au musée Pouchkine de Moscou.

Les principales nuances utilisées dans le portrait sont le rose et le vert.

Zhanna était issue d'une famille de théâtre et n'a pas longtemps choisi son domaine. Elle fait ses débuts au théâtre dans le rôle de Dorina dans le Tartuffe de Molière et sa renommée grandit rapidement. Avant son mariage, la jeune fille se rendait souvent à l’atelier de Renoir et posait pour lui. Certes, elle assistait irrégulièrement aux séances, ce qui mettait l'artiste en colère. Mais il était complètement fasciné par la grâce de l'actrice, alors il l'invitait encore et encore à devenir son modèle. Mais sa renommée et son bonheur ne durent pas longtemps : elle meurt à 33 ans du typhus.

Danseuse avec la flexibilité d'un serpent

Le célèbre auteur de « La Fille aux pêches » Valentin Serov, ayant rencontré Ida Rubinstein à Paris en 1910, lui demanda de devenir modèle pour le nouveau tableau. Avant cela, elle a posé pour de nombreux artistes - Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, Andre de Segonzac, Leon Bakst et plus tard pour Romaine Brooks.

Le portrait d'Ida Rubenstein a été presque immédiatement acheté à Serov

Mais c'est le portrait de l'artiste russe qui est devenu le plus célèbre. Le tableau a été presque immédiatement acheté à l'auteur et placé dans la collection du Musée russe.

La fille de Serov, Olga, a écrit qu'en réalité, Ida n'était pas si mince du tout et que l'artiste l'avait délibérément stylisée.

Ida Rubinstein était une célèbre danseuse et actrice russe. De 1909 à 1911, elle se produit au sein de la troupe de Sergueï Diaghilev. Rubinstein était grand, mais sa grâce a émerveillé le public et elle a été décrite comme une danseuse « avec la souplesse d’un serpent et la plasticité d’une femme ». Les rôles de Cléoparta et Zobéide sont devenus ses rôles vedettes. Après avoir quitté Diaghilev, elle crée sa propre troupe dans laquelle elle se produit longtemps. Et en 1921, elle a même joué dans le film italien « The Ship ».

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Tout d’abord, nous savons deux choses sur le tableau : son auteur et, éventuellement, l’histoire de la toile. Mais nous ne savons pas grand-chose du sort de ceux qui nous regardent depuis les toiles.

site web J'ai décidé de parler de femmes dont les visages nous sont familiers, mais dont les histoires ne le sont pas.

Jeanne Samari
Auguste Renoir, Portrait de l'actrice Jeanne Samary, 1877

L'actrice Jeanne Samary, même si elle ne pouvait pas devenir une star de scène (elle jouait principalement des servantes), a eu de la chance dans autre chose : elle a vécu quelque temps non loin de l'atelier de Renoir, qui a peint quatre portraits d'elle en 1877-1878, ainsi la rendant célèbre bien plus que cela ne pourrait lui faire carrière d'acteur. Zhanna a joué dans des pièces de théâtre dès l'âge de 18 ans, à 25 ans elle s'est mariée et a donné naissance à trois enfants, puis a même écrit un livre pour enfants. Mais cette charmante dame, malheureusement, n'a pas vécu longtemps : à l'âge de 33 ans, elle est tombée malade de la fièvre typhoïde et est décédée.

Cécilia Gallerani
Léonard de Vinci, "La Dame à l'hermine"
1489-1490

Cecilia Gallerani était une fille issue d'une famille noble italienne qui, à l'âge de 10 ans (!), était déjà fiancée. Cependant, lorsque la jeune fille avait 14 ans, les fiançailles furent rompues pour des raisons inconnues et Cecilia fut envoyée dans un monastère, où elle rencontra (ou tout fut organisé) le duc de Milan, Ludovico Sforza. Une liaison commença, Cecilia tomba enceinte et le duc installa la jeune fille dans son château, mais le moment vint ensuite de contracter un mariage dynastique avec une autre femme qui, bien sûr, n'aimait pas la présence de sa maîtresse dans leur maison. Puis, après l'accouchement de Gallerani, le duc prit son fils et l'épousa avec le comte pauvre.

Dans ce mariage, Cecilia a donné naissance à quatre enfants, a dirigé presque le tout premier salon littéraire d'Europe, a rendu visite au duc et a aimé jouer avec l'enfant de sa nouvelle maîtresse. Après un certain temps, le mari de Cecilia est mort, la guerre est arrivée, elle a perdu son bien-être et a trouvé refuge dans la maison de la sœur de l'épouse de ce même duc - c'est dans des relations si merveilleuses qu'elle a réussi à être avec les gens. Après la guerre, Gallerani a restitué sa succession, où elle a vécu jusqu'à sa mort à l'âge de 63 ans.

Zinaïda Youssoupova
VIRGINIE. Serov, "Portrait de la princesse Zinaida Yusupova", 1902

La plus riche héritière russe, la dernière de la famille Yusupov, la princesse Zinaida était incroyablement belle et, malgré le fait que sa faveur était recherchée, entre autres, par des personnes augustes, elle voulait se marier par amour. Elle a réalisé son désir : le mariage a été heureux et a donné naissance à deux fils. Yusupova a consacré beaucoup de temps et d'efforts à des activités caritatives et, après la révolution, elle les a poursuivies en exil. Son fils aîné bien-aimé est mort en duel alors que la princesse avait 47 ans, et elle pouvait à peine supporter cette perte. Avec le déclenchement des troubles, les Yusupov quittèrent Saint-Pétersbourg et s'installèrent à Rome, et après la mort de son mari, la princesse s'installa chez son fils à Paris, où elle passa le reste de ses jours.

Maria Lopoukhina
V. L. Borovikovsky, « Portrait de M.I. Lopoukhina", 1797

Borovikovsky a peint de nombreux portraits de femmes nobles russes, mais celui-ci est le plus charmant. Maria Lopukhina, représentante de la famille comtale Tolstoï, est représentée ici à l'âge de 18 ans. Le portrait a été commandé par son mari Stepan Avraamovich Lopukhin peu après le mariage. L'aisance et un regard légèrement arrogant semblent soit être une pose courante pour un tel portrait de l'ère du sentimentalisme, soit des signes d'une disposition mélancolique et poétique. Le sort de cette mystérieuse jeune fille s'est avéré triste : à peine 6 ans après avoir peint, Maria est morte de consomption.

Giovanina et Amacilia Pacini
Karl Bryullov, « Cavalière », 1832

La « Cavalière » de Bryullov est géniale portrait de cérémonie, où tout est luxueux : l'éclat des couleurs, la splendeur des draperies et la beauté des modèles. Il représente deux filles qui portaient le nom de famille Pacini : l'aînée Giovanina est assise sur un cheval, la plus jeune Amatzilia la regarde depuis le porche. J'ai commandé un tableau à Karl Bryullov, mon amant de longue date. mère adoptive, la comtesse Yulia Pavlovna Samoilova, l'une des les plus belles femmes La Russie et l'héritière d'une fortune colossale. La comtesse garantissait une dot importante à ses filles adultes. Mais il s'est avéré que dans sa vieillesse, elle était pratiquement en faillite, puis les filles adoptives Giovanina et Amatsilia, par l'intermédiaire du tribunal, ont récupéré l'argent et les biens promis auprès de la comtesse.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "Naissance de Vénus"
1482-1486

Le célèbre tableau de Botticelli représente Simonetta Vespucci, la première beauté de la Renaissance florentine. Simonetta est née dans une famille riche, à l'âge de 16 ans, elle a épousé Marco Vespucci (un parent d'Amerigo Vespucci, qui a « découvert » l'Amérique et a donné son nom au continent). Après le mariage, les jeunes mariés se sont installés à Florence et ont été reçus à la cour de Laurent de Médicis, célèbre à l'époque pour ses magnifiques fêtes et réceptions.

Belle, à la fois très modeste et sympathique, Simonetta tombe rapidement amoureuse des hommes florentins. Le souverain de Florence, Lorenzo, essaya lui-même de la courtiser, mais son frère Giuliano la recherchait le plus activement. La beauté de Simonetta a inspiré de nombreux artistes de l'époque, parmi lesquels Sandro Botticelli. On pense qu’à partir de leur rencontre, Simonetta fut le modèle de toutes les Madones et Vénus peintes par Botticelli. À l'âge de 23 ans, Simonetta meurt de phtisie, malgré les efforts des meilleurs médecins de la cour. Après cela, l'artiste a représenté sa muse uniquement de mémoire et, dans sa vieillesse, il a légué pour être enterré à côté d'elle, ce qui a été fait.

Véra Mamontova
VIRGINIE. Serov, « La Fille aux pêches », 1887

Le plus peinture célèbre Le portrait principal de Valentin Serov a été peint dans la succession du riche industriel Savva Ivanovitch Mamontov. Chaque jour, pendant deux mois, sa fille Vera, 12 ans, posait pour l'artiste. La fille a grandi et est devenue une charmante fille, s'est mariée selon amour mutuel pour Alexandre Samarin, appartenant au célèbre famille noble. Après voyage de noces En Italie, la famille s'est installée dans la ville de Bogorodsk, où trois enfants sont nés l'un après l'autre. Mais de manière inattendue, en décembre 1907, cinq ans seulement après le mariage, Vera Savvishna mourut d'une pneumonie. Elle n'avait que 32 ans et son mari ne s'est jamais remarié.

Alexandra Petrovna Struïskaïa
F.S. Rokotov, « Portrait de Struïskaïa », 1772

Ce portrait de Rokotov est comme un demi-indice aérien. Alexandra Struyskaya avait 18 ans lorsqu'elle était mariée à un veuf très riche. Il existe une légende selon laquelle, pour son mariage, son mari ne lui a offert rien de moins qu'une nouvelle église. Et toute ma vie, je lui ai écrit de la poésie. On ne sait pas avec certitude si ce mariage a été heureux, mais tous ceux qui ont visité leur maison ont prêté attention à la différence entre les époux. En 24 ans de mariage, Alexandra a donné naissance à son mari 18 enfants, dont 10 sont morts en bas âge. Après la mort de son mari, elle vécut encore 40 ans, géra fermement le domaine et laissa à ses enfants une fortune décente.

Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev "La femme du marchand au thé", 1918

La « Femme du marchand au thé » de Koustodiev est une véritable illustration de cette Russie lumineuse et bien nourrie, où se déroulent des foires, des carrousels et le « croquant du pain français ». Le tableau a été peint en 1918, année de famine post-révolutionnaire, alors qu’on ne pouvait que rêver d’une telle abondance.

Galina Vladimirovna Aderkas, baronne naturelle issue d'une famille dont l'histoire remonte à un chevalier livonien du XVIIIe siècle, a posé pour l'épouse du marchand dans ce portrait. À Astrakhan, Galya Aderkas était la voisine de la maison des Koustodiev, au sixième étage ; L’épouse de l’artiste a amené la jeune fille au studio après avoir remarqué le modèle coloré. Durant cette période, Aderkas était très jeune - étudiante en première année de médecine - et dans les croquis, sa silhouette semble beaucoup plus mince. Après avoir obtenu son diplôme universitaire et travaillé quelque temps comme chirurgienne, elle a quitté la profession et années soviétiques elle a chanté dans une chorale russe, participé à des films de doublage, s'est mariée et a commencé à se produire dans le cirque.

Lisa del Giocondo
Léonard de Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519.

Peut-être l'un des plus célèbres et portraits mystérieux de tous les temps et de tous les peuples - c'est la célèbre Mona Lisa du grand Léonard. Parmi les nombreuses versions sur le propriétaire du sourire légendaire, la suivante a été officiellement confirmée en 2005 : la toile représente Lisa del Giocondo, l'épouse du marchand de soie florentin Francesco del Giocondo. Le portrait a peut-être été commandé à l'artiste pour commémorer la naissance d'un fils et l'achat d'une maison.

Avec son mari, Lisa a élevé cinq enfants et, très probablement, son mariage était basé sur l'amour. Lorsque son mari mourut de la peste et que Lisa fut également frappée par cette grave maladie, l'une des filles n'eut pas peur d'emmener sa mère avec elle et la quitta. Mona Lisa s'est rétablie et a vécu quelque temps avec ses filles, mourant à l'âge de 63 ans.